MÉMOIRE DU MONDE DE L’UNESCO
La collection The Family of Man se compose de 503 photographies de 273 auteurs originaires de 68 pays, rassemblées par Edward Steichen pour le Museum of Modern Art de New York (MoMA).

Présentée pour la première fois en 1955, l’exposition se veut un manifeste pour la paix et l’égalité fondamentale des hommes à travers la photographie humaniste d’après-guerre. Les images d’auteurs tels que Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Dorothea Lange, Robert Doisneau, August Sander, Ansel Adams, … sont mises en scène d’une manière moderniste et spectaculaire.

Après un voyage autour du monde dans plus de 160 musées, la dernière version intégrale de l’exposition est installée en 1994 au Château de Clervaux de façon permanente.

Depuis sa création The Family of Man a attiré plus de 10 millions de visiteurs et entre ainsi dans l’histoire de la photographie comme exposition légendaire. Depuis 2003, elle fait partie des documents inscrits dans le registre de la Mémoire du Monde de l’UNESCO.

L’exposition permanente au château de Clervaux est ouverte:

de mercredi à dimanche de 12h à 18h
visites guidées possibles sur demande en dehors des horaires d’ouverture
(mercredi au dimanche)

Fermés les lundis et mardi, sauf jours fériés
Fermeture annuelle du 04.01.21 au 28.02.21

Photo : Une mère pleure son fils, Ziad Mahmoud Ziad Saydam, tué lors d’un raid israélien contre une maison du camp de Nuseirat. La famille avait fui vers Rafah, passant deux mois à se déplacer pour être en sécurité, puis fui Rafah pour trouver refuge à Deir al-Balah, où Ziad a perdu la vie dans l’attaque. Morgue de l’hôpital des Martyrs d’Al-Aqsa, Deir al-Balah, 24 juin 2024. © Saher Alghorra / Zuma Press / Lauréat 2025

Cette année, le thème de ce concours photographique porte sur le sort des civils dans les conflits armés. Les lauréats du concours reçoivent 8 000 euros, une aide financière destinée à leurs futurs projets.

Télécharger le règlement de participation

Photo : Tsai Ming-Te Le cas de Monsieur Mai Chu-Sheng 1986 © Tsai Ming-Te

Le magazine Terre des Hommes (Ren Jian ), dont les 47 numéros mensuels sont publiés entre novembre 1985 et septembre 1989, a été fondé par l’écrivain militant Chen Ying Zhen, qui a rassemblé autour de lui une équipe de journalistes, écrivains renommés, photo-reporters et partisans des causes politiques et sociales. Il émerge pendant la phase de démocratisation politique progressive des années 1980 qui fait suite au régime autoritaire imposé dans l’île tropicale par Tchang Kaï-Chek en 1949 (le parti démocrate Minjindang est autorisé en 1986, la loi martiale est levée en 1987). « Magazine de reportages où l’on découvre, documente, témoigne et critique par les images et par les mots » (éditorial du magazine n°1), Terre des Hommes veut délibérément associer des écrivains, auteurs, critiques et des photo-reporters pour soutenir les changements indispensables de la société taïwanaise sclérosée, et « obliger à se soucier à nouveau les uns des autres ». Par le soutien apporté aux mouvements protestataires, le magazine est un moteur important de la démocratisation.
La photographie a joué un rôle important dans cette prise de conscience, activée par des jeunes photographes « émergents » qui trouvent ici l’occasion de s’exprimer librement après une longue période de censure des textes et des images. Mais si le contenu littéraire, journalistique et politique de Terre des Hommes a été jusqu’à maintenant non seulement reconnu et largement étudié et commenté, les photographes ont été clairement laissés de côté, comme si les images n’avaient été que des commentaires des textes. Dans la continuité de nos travaux sur la reconnaissance et la réhabilitation des magazines photographiquement illustrés, nous avons pour la première fois mis en avant les travaux photographiques et les caractéristiques iconographiques de ce magazine renommé et célébré, dont les images étaient délaissées, en raison de leur perte d’actualité.

Dans le contexte d’un travail quotidien soutenu, photographes et écrivains explorent ensemble et simultanément des réalités sociales jusque-là ignorées ou cachées, afin de dénoncer les injustices et les déséquilibres sociaux qui minent de l’intérieur une société figée dans la rigueur et la cécité du régime politique. Ils vont sur le terrain pour partager la vie et les difficultés des classes populaires, mettre à jour la discrimination des peuples indigènes, méprisés pour leur primitivisme, le délaissement des enfants handicapés, les méfaits de la maltraitance et de l’exploitation sociale, la prostitution et l’extrême pauvreté. Ils s’appliquent à traquer la pollution causée par une industrialisation incontrôlée, l’expansion urbaine à marche forcée, la surexploitation de la forêt tropicale luxuriante et exceptionnelle, mais rendent compte aussi des traditions ou des divertissements qui cimentent la société taïwanaise.

Sur 128 à 192 pages, chaque numéro contient plus de dix reportages, chacun d’eux abondamment illustré de photographies en noir et blanc ou en couleurs. Le magazine est prédéfini comme une série de reportages, soit sur l’actualité, soit sur un sujet particulier, confié à un seul photojournaliste, et qui peut se prolonger sur plusieurs numéros. La mise en page rend compte de la cohérence d’un travail conjoint entre écrivain et photographe, et elle privilégie l’efficacité des images et le jeu graphique des idéogrammes chinois, tout particulièrement sur les couvertures, toujours sombres, qui désignent clairement la thématique engagée.
Sept des principaux photographes actifs pour le magazine ont été retenus pour cette présentation, avec lesquels nous avons réalisé de longs entretiens, retraçant leur parcours et les conditions de leur participation au magazine. Nous avons recueilli leur assentiment pour la production de tirages d’après les négatifs originaux.

Ces photographes dessinent un portrait de la société taïwanaise des années 1980 et de ses profonds besoins d’authenticité, de reconnaissance de ses réalités sociales, politiques, ethniques ou environnementales. Ils font preuve d’une sincère empathie, et d’une grande proximité avec les personnes dont ils partagent la vie quelque temps. Leur sensibilité humaniste très diversifiée prolonge des références internationales du passé – certaines déjà disparues-, celles de Eugene Smith, André Kertész, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson ou Mary Ellen Mark, du reste présentes par des articles dédiés dans le magazine.

Chacun se distingue par un style particulièrement efficace, marqué par des approches personnelles liées au maniement de l’appareil, à une conception narrative de tous les éléments d’un reportage ou au contraire à une recherche plus esthétique de l’image. Leur travail toujours personnel relève d’un nouveau vocabulaire photographique qui comprend l’usage du grand angle, les vues en plongée ou contre-plongée, les effets d’éclairage et de clair-obscur, la focalisation sur les protagonistes, qui ont conscience d’être photographiés et sont partie prenante de l’image qui sera donnée d’eux-mêmes. Les photographies couleur (prises sous forme de diapositives) apparaissent souvent dans le magazine, dont il faut souligner la très bonne qualité d’impression.

Chacun s’applique à rendre clair un propos bienveillant ou critique, pour le large public du magazine Terre des Hommes qui a marqué l’histoire de Taïwan. La précision et l’objectivité de leur activité documentaire cherche à montrer le visage réel (et non plus abstrait ou fictif) de la société et de la population. Leur démarche, où écrivains et photographes se rejoignaient dans une cohérence particulièrement sensible, a provoqué une réelle prise de conscience des problèmes de société, qui a marqué les lecteurs de cette époque et résonne encore aujourd’hui, dans une société taïwanaise fracturée, comme une manifestation de « position critique et de pouvoir réformateur ».

Michel Frizot et Su Ying-Lung

Exposition en partenariat avec la Maison de la photographie Robert Doisneau et le Muséede l’université nationale de l’éducation de Taipei.

Commissariat
Michel Frizot et Su Ying-Lung

Le musée remercie : Chen Li-Na, Chen Chia-Chi, Chou Hsin, Chung Chun-Shen, Feng Chien-San, Huang Chien-Hua, Huang Shu-Man et Su Bau-Tsai, Jason Dou, Lee Hsu-Pin, Lin Mun-Lee, Lin Po-Liang, Lin Shen-Ching, Wu Wei-Chen, les équipes de la Maison Doisneau, et les Amis du musée Nicéphore Niépce.

Photo : Reliées © Marine Billet

Depuis 2011, le festival Circulation(s) interroge les enjeux contemporains à travers les yeux de ses photographes émergent·es européen·nes. Cette année encore, en présentant 26 artistes de 15 nationalités différentes, le collectif Fetart, créateur et directeur artistique du festival, propose une vision artistique ouverte, riche de ses contrastes et de ses tendances.

Alžběta DRCMÁNKOVÁ (RÉPUBLIQUE TCHÈQUE)
Davide DEGANO (ITALIE)
Joanna SZPROCH (POLOGNE)
Konstantin ZHUKOV (LETTONIE)
Manon TAGAND (FRANCE)
Marcel TOP (BELGIQUE)
Marco ZANELLA (ITALIE)
Marine BILLET (FRANCE)
Mashid MOHADJERIN (BELGIQUE)
Matevž ČEBASEK (SLOVÉNIE)
Maximiliano TINEO (ARGENTINE/ITALIE)
Natalia MAJCHRZAK (POLOGNE/BELGIQUE)
Nathalie BISSIG (SUISSE)
Nina PACHEROVA (SLOVAQUIE)
Olia KOVAL (UKRAINE)
Rafael Roncato (BRÉSIL/ITALIE)
Ricardo TOKUGAWA (BRÉSIL)
Sadie COOK & Jo PAWLOWSKA (ÉTATS-UNIS/POLOGNE/ISLANDE)
T2i & NouN (FRANCE)
Tanguy MULLER (FRANCE)
+ 4 artistes venu·es du territoire irlandais, dans le cadre de notre focus.

La programmation du festival Circulation(s) s’organise en partie autour d’un appel à candidatures lancé à tous·tes les photographes sans critère d’âge ou de formation et d’artistes invité·es par les membres la direction artistique.
L’appel à candidatures a été lancé l’été dernier. Il a recueilli plus de 1000 candidatures, en provenance de plus de 20 pays différents.

Photo de couverture : Brackish Tears © Santanu Dey / Lauréat Bourse du Talent 2025

Depuis 1998, la Bourse du Talent récompense les photographes émergents. Après 26 éditions, le programme a évolué dans une volonté de rester proche des propositions des photographes contemporains. La Bourse du Talent s’intéresse aujourd’hui aux nouvelles écritures documentaires utilisées par les photographes pour raconter notre monde.

Chaque année trois Bourses du Talent sont décernées à des photographes dont les projets se déploient autour de nouvelles stratégies documentaires, qu’il s’agisse d’une approche flirtant avec le plasticien, la science, la littérature ou toute autre transversalité mise au service du récit, ou encore l’emploi de nouvelles technologies pour accompagner l’expression narrative. La Bourse du Talent est ouverte aux photographes résidents européens depuis au moins 3 ans, à l’écoute de tous les sujets et de toutes les expressions et encourage des approches écoresponsables et engagées.es.

La Bourse du Talent continue, avec le soutien de ses partenaires, de jouer pleinement son rôle de tremplin vers la professionnalisation des photographes, dans l’objectif d’encourager leur parcours sur le marché de la photographie. PixTrakk, la Saif et désormais Les Filles de la Photo constituent dans cette démarche des leviers importants.

La Bibliothèque nationale de France présentera notamment les photographies des lauréats de la Bourse du Talent aux côtés d’autres prix prestigieux, dans le cadre de l’exposition La Photographie à tout Prix en décembre.

> Télécharger l’appel à candidatures 2026.

Vous devez compléter le formulaire google forms obligatoire sur ce lien et envoyer votre dossier à boursedutalent@picto.fr jusqu’au 11 mai 2026.

DOTATIONS

– La production d’une exposition présentée pendant plusieurs mois à la BnF, site François Mitterrand, lieu prestigieux où les grands noms de la photographie sont régulièrement exposés et qui bénéficie d’une visibilité exceptionnelle. Les tirages des lauréats sont réalisés par les laboratoires PICTO.
– L’entrée des oeuvres des lauréats dans le patrimoine commun et universel et dans l’histoire de la photographie. Le ou la lauréat.e donne son accord pour
qu’un ensemble significatif de tirages exposés à la BnF et dont la production est offerte par PICTO, intègrent gracieusement les collections du département des Estampes et de la photographie de la BnF, au titre du dépôt légal.
– PixTrakk, partenaire historique de la Bourse du Talent, offre un abonnement à son service de traçage d’images sur le web couplé à un
accompagnement juridique pour défendre le droit d’auteur des photographes – Un avoir de 500€ offert par PICTO aux lauréats sur Picto Online.
– À l’issue de la nomination des lauréats, la Saif et les organisateurs choisiront l’un d’entre eux qui bénéficiera de la Bourse du Talent Saif (Société des Auteurs des arts visuels et de l’image Fixe) d’une valeur de 4000€, pour la réalisation d’un projet documentaire à venir ou en cours.

Constitution du dossier

– Une courte biographie (.pdf – 1000 signes maximum) nommée NOM DU CANDIDAT_BIOGRAPHIE.pdf
– Un CV récent comportant vos coordonnées ainsi que les expositions et/ou publications, nommé NOM DU CANDIDAT_CV.pdf
– Une carte d’identité ou une carte de séjour de résidents européens en NOM DU CANDIDAT_CARTE IDENTITÉ.pdf.
– Un portrait en format .jpeg, nommé NOM DU CANDIDAT_portrait.jpeg
– Un texte de présentation du projet (.pdf – 1500 signes maximum) nommé NOM DU CANDIDAT_PRESENTATION.pdf
– Un travail photographique sous la forme d’une série cohérente d’images, de 15 à 40 images.
Envoyer des photos (5 Mo max – 300 DPI) en format jpg.
Nommer ses images de la manière suivante :
NOM DU CANDIDAT_NOM DE LA SERIE_N° DE LA PHOTO
– Vous pouvez ajouter une Petite OEuvre Multimédia (POEM) d’une courte durée courte (15 minutes maximum) à ce dossier.

Pour la 57e édition du festival, les Rencontres de la photographie et la fondation LUMA proposent à nouveau le LUMA Rencontres Dummy Book Award, un prix d’aide à l’édition d’une maquette de livre. Initié en 2015 et doté d’un budget de production de 25 000 €, ce prix est ouvert aux photographes et artistes professionnels utilisant la photographie, sur proposition d’une maquette de livre n’ayant jamais fait l’objet d’une publication. Une attention particulière sera portée aux formes éditoriales expérimentales et novatrices. La date limite de dépôt des candidatures est fixée au 13 mai 2026. Les Rencontres de la photographie et la fondation LUMA constitueront un jury qui désignera les maquettes présélectionnées et celle lauréate. Cet ensemble sera exposé au sein du parcours officiel du festival 2026.

Avec le soutien de la fondation LUMA.

DOTATION

Le prix est doté d’un budget de production de 25 000 €, dont 3 000 € de droits d’auteur. Cette dotation est à destination exclusive de la production du projet présenté. Les Rencontres d’Arles assureront le suivi éditorial et financier du projet, en collaboration avec l’éditeur choisi pour la publication.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

→ Le prix s’adresse aux photographes et artistes, de tous âges et nationalités, utilisant la photographie.

→ Leur travail doit avoir fait l’objet d’expositions collectives et/ou individuelles et de publications leur ayant apporté une reconnaissance nationale voire internationale.

→ La candidature peut être individuelle ou collective.

→ Un seul projet peut être proposé. Il doit être inédit, n’avoir jamais fait l’objet d’une publication et n’être soumis à aucun engagement auprès d’une maison d’édition.

→ Le numéro d’ISBN n’est pas nécessaire. Les maquettes ayant ce numéro doivent obligatoirement justifier ne pas être engagée auprès d’une maison d’édition.

→ Le projet doit être au plus proche de sa version définitive, tant au niveau de sa forme que des matériaux utilisés (type de papier, format…) et techniquement réalisable dans un cadre traditionnel de production d’éditions.

→ Le projet doit être financièrement réalisable dans le cadre du budget de production alloué par la dotation du prix, et pourra se voir modifié par la maison d’édition désignée s’il est lauréat du prix.

Les candidatures peuvent être complétées en français ou en anglais. La maquette sera présentée dans sa langue originale.

 Il sera demandé pour chaque projet soumis :

—    de remplir et valider le formulaire en ligne, sur le site officiel des Rencontres d’Arles (candidature numérique):
Formulaire de participation en ligne

ET

—    l’envoi d’un dossier physique (candidature physique) comprenant :

→ un exemplaire physique de la maquette (dans le cas où le projet serait présélectionné ou lauréat, un second exemplaire vous sera demandé afin d’être conservé dans les archives des Rencontres d’Arles ; l’exemplaire initialement reçu sera exposé durant l’édition 2026).

→ Le NOM + PRÉNOM du candidat ou de la candidate ainsi que le titre du dummy book.

Adresse d’envoi des candidatures physiques :

Les Rencontres d’Arles
LUMA Rencontres Dummy Book Award Arles 2026
34 rue du Docteur Fanton 13200 Arles – France

Envois depuis la France :

→ par Colissimo ou tout autre type d’envoi suivi avant le 13 mai 2026 à minuit (cachet de la poste faisant foi)

Envois depuis l’étranger :

→ par transporteurs tels que UPS, Fedex, DHL ou autre avant le 13 mai 2026 à minuit (cachet de la poste faisant foi).

N.B. : Nous vous informons que des frais de douanes peuvent être appliqués aux envois internationaux et plus spécifiquement aux envois en provenance de pays hors Union Européenne.  Veillez à être en règle avec la tarification du pays depuis lequel vous envoyez votre dossier. Nous nous verrons, le cas échant, dans l’impossibilité de régler ces frais et donc d’accepter le colis, invalidant la candidature.

Tout dossier incomplet ne sera pas pris en compte.

NOMINATION

Une pré-sélection d’ouvrages sera effectuée par les Rencontres d’Arles et la fondation LUMA dans le courant du mois de juin, suivi de la désignation de l’ouvrage lauréat, qui sera annoncé lors de la semaine d’ouverture du festival, le vendredi 10 juillet 2026 au théâtre Antique. Le jury tiendra compte de la qualité éditoriale du projet présenté et de sa faisabilité technique et financière.

PRÉSENTATION DES OUVRAGES PRÉSÉLECTIONNÉS ET DE L’OUVRAGE LAURÉAT

Les projets présélectionnés et celui lauréat seront présentés du 6 juillet au 4 octobre 2026, dans la programmation officielle des Rencontres d’Arles et sous forme numérique partielle ou intégrale, sur le site des Rencontres d’Arles, pour une durée d’un an après accord des artistes. Il sera demandé aux autrices et auteurs l’envoi d’un second exemplaire, non restitué, qui rentrera dans les collections des Rencontres d’Arles.

CALENDRIER – MEMENTO

→ Le dépôt de candidature est ouvert du 11 mars au 13 mai 2026 inclus.

→ Réunion et délibération du jury à la mi-juin 2026.

→ Annonce des maquettes présélectionnées en juin 2026.

→ Annonce de la maquette lauréate lors de la semaine d’ouverture des Rencontres d’Arles, au théâtre Antique, le vendredi 10 juillet 2026.

→ Exposition de la maquette lauréate et des maquettes présélectionnées tout au long du festival, à la Mécanique Générale, du 6 juillet au 4 octobre 2026.

→ Production du livre lauréat fin 2026, début 2027.

Avant tout dépôt, merci de prendre connaissance de l’ensemble des modalités de candidatures décrites dans le document des Termes et Conditions du LUMA Rencontres Dummy Book Award 2026 : lien de téléchargement

Pour toute information supplémentaire, vous pouvez écrire à : dummybookaward@rencontres-arles.com

Photo : © Matilde Gattoni, lauréate 2025 du Prix Camille Lepage

L’Association « Camille Lepage – On est ensemble » a été créée le 20 septembre 2014, quelques mois après la mort de la photojournaliste Camille Lepage en Centrafrique alors qu’elle réalisait un reportage.

Créée par ses parents Maryvonne et Guy Lepage et par son frère Adrien, cette association a pour but de promouvoir la mémoire, l’engagement et le travail de Camille, mais aussi d’aider et de protéger les photojournalistes travaillant dans les zones de conflit, et de soutenir les populations victimes de ces conflits dans le sens des valeurs qui étaient chères à Camille.

CDP Éditions – Collection des photographes a eu la gentillesse de publier un livre du dernier travail de Camille Lepage en Centrafrique, République centrafricaine : On est ensemble. L’intégralité des ventes de ce livre a été reversée par CDP Éditions au profit de l’Association « Camille Lepage – On est ensemble ».

Pour la dixième année, la Société des Auteurs des arts visuels et de l’Image Fixe – SAIF – finance le prix, doté de 8 000 euros, pour encourager le travail d’un photojournaliste engagé au long cours.

Ce prix est remis pour la douzième fois à Perpignan à l’occasion du Festival international du Photojournalisme Visa pour l’Image – Perpignan 2026. Il est destiné à soutenir un photographe dans la réalisation d’un projet de reportage déjà en cours. Il est ouvert à tous les photojournalistes professionnels, sans exclusion d’âge, de sexe ou de nationalité.

Le prix sera remis en septembre 2026, lors de la soirée de projection du jeudi 3 septembre au festival Visa pour l’Image – Perpignan. Le projet soutenu devra aboutir en un an, afin d’être présenté à l’édition 2027 du festival, sous la forme d’une projection ou d’une exposition.

Photo : Pablo Castilla, Altiplano, 2015 – en cours

La région d’Altiplano est l’une des moins peuplées du sud de l’Espagne, une zone vaste et aride que le photographe explore depuis 2015. Aujourd’hui désertifié, ce territoire accueillait il y a plusieurs millions d’années un écosystème d’une richesse absolue. Des fouilles archéologiques ont permis d’y mettre au jour les traces d’espèces animales désormais disparues mais aussi celles des premières communautés humaines installées en Europe. Guidé par un chaman dans le monde souterrain autant que spirituel, Pablo Castilla a souhaité mettre en dialogue le paysage de surface avec cette autre strate de réalité. Né en Espagne en 1980, Pablo Castilla vit et travaille en Norvège. Son travail photographique, cinématographique ou de performance se situe dans l’exploration directe de la réalité selon un langage documentaire. Il est actuellement conservateur de la photographie à la Bibliothèque Nationale de Norvège et mène un projet pour la préservation de photographies d’observation solaire.

Berges de l’Ill/ Quai des Cigognes (autour de la Maison des Berges), Mulhouse

L’exposition est la première rétrospective consacrée à Madeleine de Sinéty (1934-2011) – présentée au Château de Tours en 2025, puis à Paris en 2026
– dont l’œuvre photographique singulière et encore peu connue, en couleurs
et en noir et blanc, s’étend sur quatre décennies entre la France et les Etats-Unis.

C’est comme dessinatrice de mode pour des magazines, que Madeleine de Sinéty formée aux arts Décoratifs de Paris, fille d’une famille d’aristocrates désargentés, a débuté son parcours artistique avant de se former, en autodidacte, à la fin des années soixante, à la photographie. Timidement d’abord, en 1970, avec des images de son quartier, celui de la gare Montparnasse en pleine mutation, quelques images de rue, déjà quelques visages à la sauvette. Puis dans les rues de New York, où elle voyage avec son mari, Daniel Behrman, journaliste américain rencontré à Paris. Ensemble, ils nourrissent une passion d’enfance pour les trains à vapeur, qu’elle photographie inlassablement. C’est là qu’elle trouve une autre distance avec ses sujets : elle se lie d’amitié avec des cheminots, réalise leur portrait, partage leur temps de repos et découvre les réalités du monde ouvrier. Cette proximité, véritable signature de son œuvre, va encore s’accentuer lorsqu’elle décide, sur un coup de tête, d’abandonner sa vie parisienne pour s’installer durant dix ans dans le petit village de Poilley, en Bretagne. Elle se lie d’amitié avec ses habitants, les aide dans leurs travaux des champs, et s’intègre progressivement à cette communauté qui l’accueille avec curiosité et bienveillance. Elle a d’emblée l’intuition qu’elle y sera pour longtemps, c’est là qu’elle veut vivre et créer. Elle photographie de l’intérieur cette vingtaine de familles, ces fermes, et celles et ceux qui sont devenus les siens. Le document est unique : plus de 50 000 images retracent la vie de ce village où les hommes et les femmes joignent encore leur force de travail à celle des bêtes, et se soumettent au rythme des saisons.
Elle emportera avec elle cette immense archive constituée à Poilley, lorsqu’elle suivra son mari américain pour recommencer une vie aux Etats-Unis notamment dans la petite ville de Rangeley dans le Maine, photographiant encore une fois une communauté, et s’improvisant, pour gagner sa vie après le décès de son mari, photographe de mariages et d’événements.

Suivant les grandes étapes de sa vie, l’exposition met en lumière plusieurs séries de photographies, en grande partie totalement inédites. Le dénominateur commun en est un désir de documenter, des modes de vie, des pratiques, des métiers, ou des lieux appelés à disparaitre ou en voie de disparition.

Photo : Martin Parr Kleine Scheidegg, Switzerland, 1994

Depuis maintenant cinquante ans, sur tous les continents, en couleurs comme en noir et blanc, Martin Parr a photographié les absurdités du monde contemporain, dressant un tableau caustique des dérèglements de la planète : boulimie de la consommation, ravages du tourisme globalisé, déséquilibres nord/sud, frénésie automobile, addictions technologiques, relations complexes au Vivant.

À travers différentes séries menées depuis la fin des années 70, l’exposition relira les images de Martin Parr à l’heure d’un désordre global généralisé. Des plages aux terrains vagues, des supermarchés aux centres commerciaux, des parkings aux sites touristiques, le monde de Parr est celui d’une course effrénée à la consommation qui peut être lue comme un message d’alerte sur nos modes de vie contemporains.

Cette œuvre, qui prête souvent à rire et à sourire, peut en effet également donner matière à réflexion. Aujourd’hui, avec le recul, il peut, par son ironie, être envisagé dans la lignée d’une certaine tradition satirique anglaise dans laquelle l’humour est mis au service d’une vision à la dimension critique. Sans militantisme et sans jamais s’absoudre des problèmes qu’il aborde, Parr poursuit un œuvre documentaire dont l’humour et la séduction ne sauraient masquer totalement le sérieux et les interrogations qui l’animent. À travers certaines des séries et images iconiques de Parr, l’exposition sera l’occasion de revenir sur l’originalité d’une telle position et du message d’alerte que, sans se départir de son humour, Parr nous adresse depuis 50 ans.

Forte d’environ 180 œuvres, cette exposition produite par le Jeu de Paume sera accompagnée d’un ouvrage copublié avec Phaidon, lecture de l’œuvre de Martin Parr par quelques universitaires et chercheurs venus pour l’essentiel des sciences humaines.

Commissaire : Quentin Bajac

Photo : Jo Ractliffe Video club, Roque Santeiro market from the series Terreno Ocupado 2007 Gelatin silver print 36 x 45 cm © Jo Ractliffe. Courtesy the artist and Stevenson, Cape Town, Johannesburg and Amsterdam

Née au Cap en 1961, Jo Ractliffe est une figure importante de la photographie contemporaine, dont l’œuvre a toutefois été peu présentée en France. L’œuvre de Ractliffe est souvent associée à un discours sur le traumatisme des paysages, hérité du colonialisme, de l’apartheid et des séquelles laissées par la guerre en Angola. Cette exposition monographique propose, pour la première fois, de questionner la notion de « lieu » comme thème central de son œuvre. Pour l’artiste, les espaces qu’elle photographie ne sont pas de simples situations géographiques ou des terrains façonnés par la violence et l’histoire ; ce sont aussi des lieux empreints d’émotion et porteurs de mémoire. Ses images captent aussi bien des sites historiques que des paysages apparemment anodins, où l’absence est chargée de sens. Elles ne se contentent pas de révéler les traces visibles du passé, mais témoignent aussi de transformations sociales et économiques profondes. Produite par le Jeu de Paume, l’exposition présentera l’évolution du travail de Jo Ractliffe depuis 1982 jusqu’à sa toute dernière série, réalisée pour l’occasion. Son approche se positionne en contrepoint de la photographie documentaire sociale. Davantage inspirée par la littérature que par le journalisme, l’artiste ne montre pas de moments dramatiques ou de scènes violentes. Souvent après de longues périodes de recherche et d’exploration sur les lieux qu’elle étudie, Ractliffe capture les empreintes discrètes mais puissantes de l’histoire de son pays, invitant les spectateurs à réfléchir à ce qui apparaît et à ce qui demeure invisible.

Commissaire : Pia Viewing

Photo : Eve Arnold Marylin preaparing for scene, Nevada, 1960 © Eve Arnold / Magnum Photos

Célébrant plus de 30 ans de collection, l’exposition rend hommage à la passion de Sir Elton John et David Furnish pour la photographie reflétant à la fois leur goût personnel et leur regard unique en tant que collectionneurs. Sélectionnées parmi leur collection de plus de 7 000 images, les photographies présentées sont des images emblématiques qui explorent la connexion entre la force et la vulnérabilité inhérentes à la condition humaine.

Racontant une histoire de la photographie moderne et contemporaine, l’exposition réunira une sélection exceptionnelle des photographes les plus importants au monde avec des œuvres datant de 1950 à nos jours. Adapté de l’exposition présentée au Victoria and Albert Museum entre mai 2024 et janvier 2025, le parcours explorera, à travers cinq sections thématiques, des thèmes tels que le désir, la mode, les célébrités et le photojournalisme.

Parmi les artistes présentés, on retrouvera Robert Mapplethorpe, Harley Weir, Irving Penn, Diane Arbus, Ai Weiwei, Herbert List, et bien d’autres, ainsi qu’une installation monumentale de 149 tirages de Nan Goldin tirés de sa série Thanksgiving.

Commissaires : Duncan Forbes, Newell Harbin et Lydia Caston

Une exposition produite par le Victoria and Albert Museum

À travers cette rétrospective inédite, le Jeu de Paume invite à découvrir le regard singulier de la photographe Madeleine de Sinéty (1934–2011), présentée au Château de Tours en 2025, puis à Paris en 2026.

Formée aux Arts Décoratifs à Paris à la fin des années 1950, elle quitte Paris entre 1972 et 1981 pour s’installer dans le petit village breton de Poilley, où elle séjourne de nombreuses fois jusque dans les années 1990. Madeleine de Sinéty photographie alors la vie de ses habitants en noir et blanc et en couleur. Elle réalise a posteriori des projections de diapositives afin de restituer leurs images aux résidents. À partir des années 80, elle s’installe aux États-Unis, en Californie, puis dans le Maine et continue à photographier. Elle réalise également des travaux en Afrique, en Ouganda, pour certains exposés au musée de Portland en 2011. En 1996, la Bibliothèque nationale de France lui avait consacré une exposition.

L’œuvre qu’elle lègue, riche et dense, entre art et documentaire, reportage et archive, est le résultat d’une observation fine du réel et d’un travail en immersion dans le mode de vie des familles avec qui elle partage le quotidien et tisse des amitiés durables. Avec humanité et tendresse, elle fait découvrir des traditions et des rites propres à ces populations rurales, en révèle des histoires personnelles et collectives pour livrer un récit subjectif et personnel d’une époque qui voit se transformer le monde rural. L’exposition sera l’occasion d’essayer de raconter un itinéraire singulier, entre la France et les États-Unis via l’Afrique.

Commissaires : Jérôme Sother et Quentin Bajac

Le Studio Roffé, ouvert en 1906 à Apt par Élie Roffé et son épouse Blanche Lazare, se spécialise dans les portraits et la couverture d’événements locaux. Après la mort d’Élie en 1938, Blanche et leur fils Marcel continuent l’activité jusqu’à leur arrestation et assassinat à Auschwitz en 1944. Leur travail, récemment redécouvert, témoigne de leur intégration dans la vie locale. L’accrochage présente une soixantaine de leurs images, issues d’un fonds de milliers de plaques négatives des archives municipales d’Apt.

Originaires de Tétouan au Maroc, les Roffé quittent la ville vers 1850, à une période au cours de laquelle la communauté juive connaît une importante émigration, notamment vers Oran. Entre 1884 et 1944, la famille Roffé-Nahon compte dix photographes et crée une douzaine de studios en Algérie, à Oran et Sidi Bel Abbès, ainsi qu’en métropole, à Apt, Aubenas, Béziers, Marseille, Nîmes et Toulon.

Le Studio Roffé, ouvert en 1906 place de la Mairie à Apt par Élie Roffé et son épouse Blanche Lazare, réalise des portraits et couvre les événements familiaux et les manifestations locales. À la mort d’Élie en 1938, Blanche et leur fils Marcel poursuivent l’activité. Arrêtés le 30 avril 1944, ils sont assassinés à Auschwitz le 25 mai 1944.

Leur abondante production témoigne de leur parfaite intégration, particulièrement visible dans leur participation à la vie de cette sous-préfecture du Vaucluse.

L’accrochage présente une soixantaine d’images prises essentiellement par Élie Roffé entre 1906 et 1938, issues d’un fonds de milliers de plaques négatives récemment retrouvé et donné aux archives municipales d’Apt.

Commissaires : Sandra Poëzevara, directrice du musée d’Apt, et Paul Salmona, directeur du mahJ

#StudioRoffe

Trois films sur la famille Roffé et leur studio
Trois courts films retracent l’histoire de la découverte du fonds Roffé, le souvenir de la famille Roffé dans la mémoire des habitants d’Apt et le processus des tirages des plaques photographiques de leur studio.

Tout au long de leur parcours, ces photographes ont su également explorer les charmes de leur région et en capturer la beauté. Pionniers incontestés, Fernand Detaille a posé les fondements de la photographie humaniste ; Albert y a apporté une touche de poésie ; tandis que Gérard l’a enrichie de modernité.

Cette exposition offrira l’opportunité de suivre pas à pas l’évolution de cet art visuel, depuis ses modestes débuts en noir et blanc jusqu’à la révolution technologique qui a transformé chaque possesseur de smartphone en photographe en herbe. Découvrez comment les techniques, les outils et les approches artistiques ont évolué au fil des décennies, offrant un témoignage unique de l’ingéniosité humaine et de la capacité à capturer l’instant présent.

Photo : © Chloé Jafé, I give you my life, 2023

Chloé Jafé est une artiste photographe formée à l’École de Condé à Lyon et au Central Saint Martin College of Art à Londres. Après avoir travaillé au bureau de Magnum Photos à Londres, elle emménage au Japon en 2013 où elle entame le reportage I give you my life, premier volet de sa trilogie japonaise Sakasa.

Embauchée comme hôtesse dans un bar de nuit à Ginza, elle plonge au coeur de l’univers des femmes de Yakuzas à Tokyo. Son exploration photographique les met en lumière, elles qui vivent en marge de la société japonaise, n’ont ni droits, ni pouvoirs, ni considération. Au fil des images, on découvre les entrelacs du romanesque et du corps, la chair tatouée. Ces photos sont un hommage à ces femmes de l’ombre, ici dévoilées et sublimées. Sa recherche sur le Japon se poursuit avec Okinawa mon amour. Ce deuxième chapitre, entre conte et journal intime, est une immersion dans les recoins les plus alternatifs de l’île, ancienne colonie militaire américaine. La photographe ne se met pas ici en quête de sujets remarquables, mais se laisse transporter par les rencontres. Elle photographie les habitant·es de l’île et particulièrement les femmes, mais aussi l’homme dont elle est alors amoureuse. Il en résulte un magnifique portait transgénérationnel, à la fois tendre et plein de détresse.

Le troisième volet, How I met Jiro, explore le quotidien des habitant·es du quartier de Kamagasaki dans l’ouest d’Osaka, interrogeant leurs relations ambiguës avec la société, sans jamais les juger. Les images donnent à voir la précarité, le désordre mais aussi la vie. Ici la marge devient espace de résistance, lieu radical de possibles, de création et non de soumission.

Ces séries portent ensemble un regard sans filtre sur le pays de la pudeur, par une approche à la fois poétique et réaliste. Les trois volets de Sakasa composent un tableau puissant et anticonformiste du Japon, un renversement du point de vue qui résonne comme une ode, un hommage à ces vies vécues ouvertement et librement, à tous ceux et celles qui composent la société mais que la société ignore. En conjuguant expression artistique et documentaire, par leur approche profondément humaine, les images de Chloé Jafé trouvent toute leur force dans leur persistance à montrer les corps comme instruments d’expression de soi et de liberté.

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux équipements, ceux qui interagissent avec le corps humain, qu’ils en soient extension, réceptacle ou support. Ses premières réalisations s’attardent sur les agrès sportifs installés dans l’espace public à Buenos Aires. Le vivant y trouve alors encore sa place. Puis, progressivement effacé, il subsiste dans les marques d’usure, ses empreintes en négatif, ses doublures inanimées.

Artiste franco-chilienne installée à Marseille, Emma Cossée Cruz aime à investir des lieux et des rencontres. Retenue dans le cadre du programme d’accompagnement des jeunes auteur·es de La Chambre, elle réalise et expose À bout de bras, une série photographique sur les objets des centres de rééducation physique. Elle prolonge sa présence à Strasbourg en y menant des ateliers photo. Naît alors le désir d’approcher des équipes de recherche investies dans le développement de dispositifs médicaux numériques. Accueillie en leur sein en résidence, elle pénètre des univers de travail à la fois familiers et déroutants, où tout s’écrit et se conçoit en lignes de code. Elle découvre des jumeaux numériques, modèles virtuels d’un objet ou sujet physique. Les chercheur·euses les nomment « fantômes ». Ils apparaissent çà et là sous forme de simulation anatomique, incarnations en silicone de leur version chiffrée.

De ses face à face avec la machine, Emma Cossée Cruz tire des images imposantes, majestueuses, dont elle casse le style hiératique en jouant de la fragilité des supports. Poursuivant ses expérimentations précédentes, elle réalise des transferts sur feuille de plâtre et travaille le tissu dans sa transparence. Les représentations ainsi obtenues vacillent entre vestiges du passé et incarnations d’un futur.

S’il s’ancre à l’origine dans une expérience personnelle, celle de la réparation des corps, le travail d’Emma Cossée Cruz évolue vers un regard sur les technologies numériques. Subrepticement, il interroge la place de ces technologies dans notre société, le rapport que les humains entretiennent avec elles, entre création et dépendance, inquiétude et fascination.

Une résidence soutenue par la DRAC Grand Est dans le cadre du dispositif Capsule du ministère de la Culture, organisée par La Chambre en partenariat avec GEPROMED, InSimo, l’Institut Hospitalo-Universitaire de Strasbourg, et l’équipe projet Inria MIMESIS commune avec le CNRS et l’Université de Strasbourg.

Le formulaire est accessible du 1^er mai au 1^er octobre de chaque année.

L’imprimerie Escourbiac et la Fondation des Treilles créent le “Prix Escourbiac – Fondation des Treilles”. Ce prix consiste en une aide à la publication d’un livre photographique en lien avec le monde méditerranéen. En janvier de chaque année, il est décerné par le jury du prix de la résidence pour la photographie.

LES CANDIDATS

Les candidatures sont ouvertes à tous les photographes professionnels ayant déjà exposé ou publié leurs images, sans considération d’âge, ni de nationalité.

Le projet de publication doit avoir obligatoirement pour thème le monde méditerranéen.

Ne peuvent candidater que les photographes dont le projet photographique et éditorial est abouti.

Les candidats ne peuvent pas candidater la même année au prix du livre Escourbiac – Fondation des Treilles et au prix de la résidence pour la photographie de la Fondation des Treilles.

Les candidatures doivent être envoyées avant le 1^er octobre de l’année en cours.

Elles sont reçues via un formulaire en ligne comprenant un curriculum vitae et un argumentaire sur le projet soumis. Les candidats doivent également envoyer un document en PDF qui comportera toutes les images et tous les textes de l’ouvrage à prix.escourbiac@fondationdestreilles.com. Nous précisons qu’il est inutile de faire une mise en page de l’ouvrage. La maquette définitive sera réalisée en collaboration avec les Editions Odyssée.

Tous les dossiers sont évalués par le jury, lequel désigne un lauréat.

LA RÉSIDENCE

Le lauréat est reçu au domaine des Treilles pour une durée de 15 jours à un mois en mars ou avril de l’année en cours. Son hébergement et ses repas sont pris en charge par la Fondation, ce qui lui permet de se consacrer pleinement à son projet de publication.

Pendant son séjour, il est accompagné par l’éditeur pour finaliser l’ouvrage.

LE LIVRE

Les frais d’édition et de production de l’ouvrage sont entièrement pris en charge par la maison d’édition Odyssée et l’imprimerie Escourbiac, lesquelles se chargent également de la communication et de la diffusion du livre.

Chaque année, le livre est présenté lors de la semaine d’ouverture des Rencontres photographiques d’Arles.

Contact : prix.escourbiac@fondationdestreilles.com

Photo : © Gestes Gitans. Sara, Saintes-Maries, Lourdes, Daisy & Sol © Jeanne Taris, lauréate 2024

Romain Thiery (Bergerac, 1988), est un artiste photographe et pianiste amateur dont le travail a captivé l’attention internationale. Passionné par la photographie et la musique, Romain a su allier ces deux arts dans sa série Requiem pour pianos, qui explore les pianos abandonnés à travers le monde.

Depuis des années, l’artiste parcourt le globe à la recherche de ces instruments oubliés, capturant leur beauté mélancolique et leur histoire silencieuse à travers son objectif. Pour lui, le piano est profondément enraciné dans les profondeurs de notre culture et ne cesse de conserver sa noblesse. Depuis 2014, il a découvert plus d’une centaine de pianos abandonnés à travers le monde. Scènes dont il ne change jamais rien, laissant l’endroit tel quel.
Son approche unique consiste non seulement à photographier ces pianos dans leur état de délabrement, mais aussi à enregistrer, note par note, l’intégralité des sons qu’ils peuvent encore produire, in situ. Cette démarche immersive permet de préserver l’âme musicale de chaque piano, ajoutant une dimension sonore à ses œuvres visuelles.

La série Requiem pour pianos est devenue le cœur de son œuvre artistique, symbolisant à la fois la décadence et la résilience. Ses photographies, imprégnées d’une profonde sensibilité, racontent des histoires de temps passé et de nostalgie, transformant les pianos en témoins silencieux de leur époque.

Les œuvres de Romain Thiery ont été exposées dans des galeries et musées de renommée mondiale, de Paris à Tokyo, de Los Angeles à Tel-Aviv, et au-delà. Son travail a été reconnu et primé à de nombreuses reprises, consolidant sa place parmi les photographes contemporains les plus influents.

En plus de ses réalisations artistiques, Romain Thiery collabore étroitement avec l’association Musique et Spoliation, une organisation dédiée à la préservation et à la restitution des instruments de musique spoliés pendant les conflits. Cette collaboration souligne son engagement envers la mémoire historique et la justice, ajoutant une dimension éthique à son travail artistique.
Les photographies de Thiery ont été publiées dans des médias influents tels que The Guardian, Lonely Planet, El Pais, Der Spiegel, Point de Vue, et Esquire, confirmant sa renommée mondiale. Avec un parcours jalonné de succès et une vision artistique singulière, Romain Thiery continue d’inspirer et de toucher un public mondial, laissant une empreinte durable dans le monde de l’art et de la musique.

Photo : Groupe d’enfants munis de masques contre les gaz asphyxiants. Pont-à-Mousson (Meurthe-et-Moselle), février 1916 ©Jacques Agié/ECPAD/Défense

À la suite de l’exposition Photographier la tranchée (1914-2024), l’ECPAD reconduit sa collaboration avec le musée de la Grande Guerre de Meaux en présentant l’exposition Derrière les masques. Photographies des deux guerres., à partir du 13 septembre 2025.

À travers 14 photographies, l’ECPAD retrace l’histoire mouvementée des masques à gaz pendant la Première Guerre mondiale et évoque leur réemploi en 1939-1940 avec la peur du retour à la guerre chimique.

D’abord fabriqués dans l’urgence au printemps 1915, ces appareils deviennent vite un élément incontournable de l’équipement du soldat et du civil français. Bâillon, cagoule, lunettes… le masque de protection contre les gaz est protéiforme et la société s’adapte à son usage, souvent complexe et anxiogène.

L’entre-deux guerres maintient la place incontournable de cet objet par le biais de la défense passive et les débuts de la Seconde Guerre mondiale voient les troupes et les civils s’équiper en hâte de modèles hérités de la Grande Guerre.

Fascinant par l’aspect qu’il confère à ceux qui le portent, le masque est ici raconté à travers des archives exceptionnelles des armées françaises.

Photo : Frédéric Gadmer (1878-1954), Cérémonie de purification d’initiées au vodun Agassou, Agbankamé (environs d’Abomey), Dahomey (Bénin), 18 février 1930, Photogramme extrait de la bobine « Fétichisme 3 », Film nitrate 35mm (négatif), Archives de la Planète, Musée départemental Albert-Kahn, Département des Hauts-de-Seine

Exposition évènement de la saison 2025-2026 au musée départemental Albert-Kahn, Bénin aller- retour. Regards sur le Dahomey de 1930 propose une relecture des films et photographies produits au cours d’une mission des Archives de la Planète menée par le missionnaire catholique Francis Aupiais et l’opérateur Frédéric Gadmer au Dahomey (actuel Bénin) de janvier à mai 1930. Une immersion en forme de dialogue franco-béninois qui questionne le regard porté sur les cultures extra-européennes, dans un contexte d’emprise coloniale et de naissance de l’ethnographie. En amont de l’exposition, des missions de documentation de terrain ont été réalisées en 2023-2024 par le musée départemental Albert-Kahn en partenariat avec des experts du patrimoine béninois, dans le cadre du programme de coopération entre le Département des Hauts-de-Seine et la Communauté de communes du Zou au Bénin.

Une mission singulière des Archives de la Planète
Dans la continuité d’un cycle de réouverture consacré au voyage, puis d’une exposition qui mettait à l’honneur les images des jardins, le musée départemental Albert-Kahn poursuit l’exploration des axes fondamentaux de ses collections, cette fois autour du regard porté sur l’autre et de la dimension ethnographique des Archives de la Planète, récemment inscrites au registre Mémoire du monde de l’UNESCO.
La mission de 1930 au Dahomey est singulière à plusieurs titres : seule incursion des Archives de la Planète en Afrique sub-saharienne, dernière expédition d’ampleur avant l’arrêt du projet du fait de la faillite de la banque Kahn, elle résulte de l’initiative d’un homme d’Église atypique, le père Francis Aupiais (1877-1945). Ce père missionnaire, engagé dans une entreprise au long cours pour une meilleure connaissance des cultures africaines, entre en contact avec Albert Kahn en 1927 et le convainc de financer sa démarche de documentation des pratiques culturelles et religieuses dahoméennes, qui s’inscrit naturellement dans la lignée du projet humaniste du philanthrope.

Un des premiers corpus filmiques de l’ethnographie française
Le but du père Aupiais est d’aider à une «reconnaissance africaine» en documentant l’évangélisation mais surtout la culture traditionnelle du Dahomey, en particulier les cérémonies royales et les rites vodún, qu’il tient en haute estime. La mission dure quatre mois et demi au cours desquels Frédéric Gadmer réalise 1 102 autochromes (photographies en couleurs) et tourne 140 bobines de film, sous la direction d’Aupiais. Ces films, les premiers de cette ampleur tournés au Dahomey, constituent le plus vaste ensemble de films des Archives de la Planète et l’un des premiers corpus filmiques de l’ethnographie française, cinq ans après la fondation de l’Institut d’ethnologie de Paris et un an avant la mission Dakar-Djibouti.

Récemment numérisés en haute définition (4K), ces films constituent le fil rouge de l’exposition qui vise à présenter le déroulement, les enjeux et la postérité, un siècle plus tard, de cette mission atypique. Projetés en grand format tout au long d’un parcours immersif, ils offrent une qualité d’image inédite et plongent les visiteurs dans l’intimité des cérémonies et des cultes dahoméens, tissant des liens entre les protagonistes d’hier et le public d’aujourd’hui, entre la France et le Bénin.
De nombreux objets, prêtés notamment par le musée du quai Branly – Jacques Chirac, font écho aux images fixes et animées : emblèmes de pouvoir, attributs vodún, nécessaires à divination frappent par leur sophistication, qui rejoint celle des usages auxquels ils étaient destinés et que documentent les films. Parmi ces pièces rares, figurent certains objets exposés en France par le père Aupiais lui-même.

Des regards d’artistes issus du continent africain
Bénin aller-retour questionne en outre la réception contemporaine des images de 1930 grâce aux regards d’artistes issus du continent africain. Servant de mise en perspective et de contrepoint critique, les œuvres de Ishola Akpo, Thulani Chauke, Sènami Donoumassou, Bronwyn Lace, Roméo Mivekannin, Angelo Moustapha, et Marcus Neustetter, dont plusieurs ont été créées spécialement pour l’exposition, mêlent peinture, photographie, installation et performances, comme autant de réappropriations – et de réactivation – des photographies et des films.
Tout au long du parcours, l’exposition propose un véritable partage des regards pour construire de nouveauxrécitsrespectueuxdessensibilitésetdessavoirsbéninois.Cetteapprocheaétérendue possible grâce aux nombreuses collaborations établies avec des experts du patrimoine au Bénin, tant dans le cadre du comité scientifique du projet que dans celui de deux missions de documentation menées sur place par le musée départemental Albert-Kahn en 2023-2024, poursuivant ainsi le programme d’Albert Kahn : « s’entrainer à voir, s’entrainer à savoir ».

Photo : Robert Capa photographié par Gerda Taro, Ségovie, Espagne, mai-juin 1937. Gerda Taro/International Center of Photography/Magnum Photos

Une bonne photo, « c’est le condensé de l’événement tout entier » disait Robert Capa.

Robert Capa a inventé un style : le photographe de guerre, l’œil rivé à l’objectif, le scoop toujours à l’esprit. Témoin engagé, son regard a marqué durablement l’histoire du photojournalisme et a façonné la figure nouvelle du photographe de guerre.

Le musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin propose, avec la collaboration exceptionnelle de Magnum Photos, une relecture contextualisée de son œuvre. Plus de soixante tirages de presse d’époque sont présentés aux côtés de magazines, ouvrages, documents et objets personnels. Ensemble, ces cent soixante pièces retracent ainsi le parcours d’un jeune immigré hongrois devenu une icône de la photographie moderne. Le « style Capa », cette manière directe et immersive de photographier la guerre, a profondément influencé la profession, toujours exposée aux dangers du terrain. En 2024, selon Reporters sans frontières, cinquante-quatre journalistes ont encore perdu la vie dans l’exercice de leur mission, pour la plupart dans des zones de conflit.

En présentant l’œuvre de Robert Capa, l’exposition offre un regard historique sur une réalité toujours actuelle : celle du risque à prendre pour rendre compte de la guerre.

Le parcours de l’exposition s’ouvre sur les années de jeunesse et d’exil du jeune photographe, de Budapest à Berlin, de Berlin à Paris. En 1932, il parvient à faire publier une première photographie dans la presse allemande. Il prend le chemin de la France où sa compagne et lui-même se forgent de nouvelles identités et des personnalités «américaines» : les voilà devenus Robert Capa et Gerda Taro, astuce qui permet au photographe de vendre plus facilement leur production aux magazines. L’appareil Leica de «Bob» accompagne cette transformation.

Le parcours se poursuit par l’évocation de la guerre civile en Espagne que le jeune couple rejoint en 1936. L’image légendaire du républicain espagnol fauché par des tirs devient l’emblème de cette guerre civile. Alors que Capa ouvre un atelier rue Froidevaux (Paris 14e), dont subsiste une machine à écrire, des boîtes de négatifs et des carnets de photographies, la mort de Gerda Taro en Espagne sonne la fin de la période d’insouciance : des hommages lui sont rendus dans la presse et son histoire est popularisée aux Etats-Unis.

C’est ensuite la Seconde Guerre mondiale qui occupe une place centrale dans le parcours de Capa, photographe iconique du Débarquement le 6 juin 1944 et de la Libération de Paris. L’exposition retrace les trajets du photographe dans la capitale le 25 août 1944, photographiant l’entrée de la 2e division blindée dans la capitale et les combats près de l’Assemblée nationale. Le lendemain, Capa saisit la liesse des Parisiennes et Parisiens et les derniers tirs dans les rues de la ville. Après la guerre, vient le temps de la création de l’agence Magnum et des reportages dans un monde qui a retrouvé la paix par endroits, mais où la guerre continue de ravager d’autres lieux. Jusqu’à sa mort en mission en 1954, les photographies de Capa révèlent son souci de témoigner en images des conséquences des conflits sur les populations civiles.

Ce projet est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le Ministère de la Culture

Avec la collaboration exceptionnelle de Magnum Photos.

Commissariat :
Sylvie Zaidman, directrice du musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin
Michel Lefebvre, journaliste, spécialiste de Robert Capa

Photo : © Musée de La Poste / La Poste – Paris 2025 © Sophie Brändström / Signatures

Comment rendre visible un geste d’exception ?

L’exposition photographique « De l’acier au papier. Regard sur le timbre gravé » propose une réponse sensible et inédite. Le Musée de La Poste met en lumière l’art minutieux du timbre gravé en taille-douce, un savoir-faire rare inscrit à l’inventaire français du patrimoine culturel immatériel.

Confiée à la photographe Sophie Brändström, membre de l’agence Signatures, cette enquête visuelle explore les gestes rares qui donnent naissance aux timbres-poste gravés, et rend hommage à celles et ceux qui perpétuent cet artisanat d’excellence : graveurs, imprimeurs, collectionneurs… En ouvrant les coulisses de la création d’un timbre, l’exposition célèbre un savoir-faire autant technique qu’humain, transmis de main en main, de génération en génération.

Le regard d’une photographe engagée

Tout au long de sa carrière de photographe, Sophie Brändström s’est régulièrement consacrée à des sujets au long cours liés à l’artisanat et aux métiers d’art. Dans cette continuité, elle a mené une immersion de plusieurs mois à travers la France au cœur de l’univers du timbre gravé, suivant de près les étapes de sa création à sa diffusion. Elle a rencontré plus de cinquante personnes impliquées dans la chaîne du timbre gravé. Elle a parcouru des milliers de kilomètres, observé patiemment, capté des gestes, des silences, des regards, écouté longuement.
Ses photographies, saisies dans l’instant, racontent autant que les objets qu’elles accompagnent. Certaines histoires marquent avec force. Celle d’un jeune philatéliste solitaire de 15 ans, rencontré par hasard dans un passage parisien. Celle aussi d’un ouvrier imprimeur, qui parle avec tendresse de son parcours et de sa femme.
L’exposition prend également une résonnance intime : Sophie Brändström conserve un timbre allemand des années 1950 à l’effigie de sa grand-tante Elsa Brändström, humanitaire pendant la Première Guerre mondiale, surnommée “l’Ange de Sibérie”. Un fragment de mémoire familiale qui résonne avec l’intention profonde de cette exposition : révéler ce que peut contenir un timbre – un destin, une transmission, une trace humaine.

Dans les coulisses du timbre gravé

Le parcours de l’exposition s’organise autour de 4 grands axes :
• La conception (graveurs, dessinateurs, illustrateurs, chargés de projets de Philaposte)
• La fabrication (maîtres imprimeurs, opérateurs techniques)
• La réception (collectionneurs, philatélistes, amateurs)
• La mémoire (le musée, garant de la conservation et de la valorisation de ce patrimoine) Chaque section est illustrée par des portraits, des ambiances et des témoignages, révélant la richesse et la diversité des métiers qui entourent le timbre gravé. Des photographies issues des collections du musée, des timbres-poste gravés et des extraits de récits de vie, recueillis lors de l’enquête, viennent compléter cette présentation.

Un patrimoine immatériel vivant

L’exposition s’inscrit dans la continuité du travail engagé par le Musée de La Poste à la suite de l’inscription de l’art du timbre-poste gravé en taille-douce à l’inventaire français du patrimoine culturel immatériel.
Ce savoir-faire artisanal est aujourd’hui pratiqué dans seulement trois pays : la France, la Tchéquie et la Chine. L’exposition met en lumière l’immatérialité du geste, la transmission humaine et les récits qui le portent.
Elle rappelle aussi que la pérennité de cet art ne dépend pas seulement des graveurs et imprimeurs, mais aussi de ceux qui achètent, collectionnent, échangent ou simplement utilisent des timbres. Sans eux, la chaîne de transmission serait rompue.
C’est tout un écosystème philatélique – graveurs, imprimeurs, collectionneurs – qui est ici célébré.

Le musée de la Poste, conservateur et passeur

Seul établissement en France à collecter et conserver l’ensemble des pièces issues de la fabrication des timbres gravés, le Musée de La Poste affirme avec cette exposition son rôle de passeur de mémoire et de révélateur d’un patrimoine vivant. « De l’acier au papier. Regard sur le timbre gravé », est la première enquête photographique d’envergure à explorer les coulisses de la gravure en taille-douce.

Avec plus de 350 000 spécimens et objets provenant du monde entier, depuis le XVIIIe siècle le muséum rochelais a fait de l’exploration du monde marin une de ses spécialités. C’est dans cette lignée que s’inscrit l’exposition Corail et la plongée qu’elle propose au cœur des récifs indonésiens à travers l’œil du biologiste marin et photographe Martin Colognoli et de pièces des collections rochelaises.

Il a travaillé plus précisément au large des petites îles d’Hatamin et Seraya, à proximité du parc naturel de Komodo. Epicentre de la plus grande richesse de biodiversité marine, la zone abrite 76 % des espèces mondiales de coraux et 56 % des espèces de poissons de récifs. L’exposition met en lumière cette diversité, la beauté des coraux et les solutions concrètes que mettent en place les pêcheurs traditionnels pour restaurer le milieu au profit du bien-être des espèces animales, végétales et humaines.

Photo : Nan Goldin, Self-portrait in blue bathroom, London, 1980 © Nan Goldin

« J’ai toujours voulu être cinéaste. Mes diaporamas sont des films composés de photos », explique Nan Goldin.

La rétrospective « This Will Not End Well » organisée par le Grand Palais est la première exposition en France à présenter une vue d’ensemble de l’œuvre de la photographe Nan Goldin en tant que cinéaste, à travers ses diaporamas et vidéos.

Elle comprend The Ballad of Sexual Dependency (19812022) son magnum opus ; The Other Side (1992-2021) un portrait historique réalisé en hommage à ses ami·e·s trans qu’elle a photographié·e·s entre 1972 et 2010 ; Sisters, Saints, Sibyls (2004-2022) un témoignage sur le traumatisme des familles et le tabou du suicide ; Memory Lost (2019-2021) un voyage claustrophobe à travers le sevrage de la drogue ; Sirens (2019-2020) une plongée dans l’extase de la drogue ; et Stendhal Syndrom (2024), une oeuvre inspirée de six mythes tirés des Métamorphoses d’Ovide, qui explore ce trouble décrit par Stendhal comme une perte de connaissance face à la beauté écrasante de l’art.

Au Grand Palais, l’exposition se déploie au sein de pavillons uniques conçus par Hala Wardé, architecte qui collabore souvent avec Goldin. Chaque pavillon est pensé en fonction de l’œuvre qu’il accueille. Ensemble, ils forment un village. Celui-ci s’étend à la chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, où sera présentée l’installation conçue pour cet espace en 2004 dans le cadre du Festival d’Automne, Sisters, Saints, Sibyls.

Nan Goldin (née à Washington D.C. en 1953) est l’une des artistes les plus influentes de notre époque. Son travail d’exploration de l’expérience humaine est légendaire et a profondément influencé de nombreuses générations. Sa première œuvre, The Ballad of Sexual Dependency, documente la vie à Provincetown, New York, Berlin et Londres des années 1970 jusqu’aux années 1990. Goldin a photographié avec une immense tendresse son entourage d’amis créatif·ve·s et bohèmes. Ses photographies nous offrent des instantanés de l’intimité et du couple, du quotidien et des fêtes extravagantes, de l’espoir et du désespoir.

Montrant une génération qui connaissait la liberté de la vie avant le sida et évoluait dans un monde alternatif en marge de la société, l’œuvre de Goldin constitue également un témoignage de son époque. Vers 1980, Goldin a commencé à présenter son diaporama The Ballad of Sexual Dependency dans divers clubs et lieux publics à New York, ainsi que dans les cinémas underground et les festivals de cinéma en Europe. Elle l’actualisait et le rééditait à chaque projection et actionnait plusieurs projecteurs, sur le fond d’une bande sonore éclectique. La capacité de Goldin à revisiter ses diaporamas constitue depuis lors le cœur de sa pratique artistique. Au cours des quarante dernières années, elle a produit environ une douzaine de diaporamas différents, des portraits de ses ami·e·s aux récits d’évènements familiaux traumatisants. Depuis 2004, elle y intégre de nouveaux éléments que ce soit des images animées, des voix ou encore des documents d’archives.

Nan Goldin a toujours abordé des questions sociales telles que le genre, la santé mentale ou le sida suivant différentes approches. Memory Lost évoque les côtés les plus sombres de la dépendance aux drogues. En 2017, Goldin a fondé P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now), un groupe d’action directe ciblant spécifiquement la famille Sackler, une famille de milliardaires tenue pour responsable du déclenchement de la crise épidémique des overdoses d’opioïdes. Les Sackler sont d’importants donateurs pour de nombreux musées internationaux de renom. Cependant, bon nombre de ces institutions ont réagi à la pression de P.A.I.N. et ont retiré toute trace du nom des Sackler de leurs espaces.

Bien que le titre de l’exposition « This Will Not End Well » puisse sembler sombre et prémonitoire, il est également rempli d’ironie et d’émotion. Il est une affirmation de ce que Fredrik Liew, commissaire de la rétrospective, décrit comme la « joie de vivre inébranlable caractéristique de Goldin. » Sous la houlette du Moderna Museet à Stockholm où elle a été présentée du 29 octobre 2022 au 26 février 2023, « This Will Not End Well » a fait l’objet d’une tournée internationale à laquelle ont participé le Stedelijk Museum à Amsterdam (7 octobre 2023 – 28 janvier 2024), la Neue Nationalgalerie à Berlin (23 novembre 2024 – 6 avril 2025) et le Pirelli HangarBicocca à Milan (9 octobre 2025 – 15 février 2026).

Commissaire Fredrik Liew, Directeur des expositions et des collections, conservateur en chef au Moderna Museet à Stockholm Commissaire associée pour la présentation à Paris Barbara Kroher, Responsable de la programmation des expositions au GrandPalaisRmn
Scénographe Hala Wardé, HW architecture La scénographie de l’exposition est soutenue par Kvadrat et Sahco.
L’exposition est organisée par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le GrandPalaisRmn, Paris et l’AP-HP Sorbonne Université, Paris, le Stedejlik Museum, Amsterdam, la Neue Nationalgalerie, Berlin et le Pirelli HangarBicocca, Milan

Grand Palais – Salon d’honneur et Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière

Photo : Lamberts Bay © Jo Ractliffe / Lauréate Prix Virginia 2024

Prix international décerné à une femme photographe, le Prix Virginia est remis tous les deux ans, depuis 2012, à une photographe professionnelle, sans limite d’âge ou de nationalité, pour un travail photographique, hors commande presse et publicitaire, inédit en France.

Doté de 10 000€, le Prix Virginia 2026 sera remis à sa lauréate en novembre 2026.

Reconnaître, soutenir et accompagner les femmes photographes
Issue d’une famille de femmes artistes peintres, sculptrices et musiciennes, la photographe et plasticienne Sylvia Schildge a souhaité leur rendre hommage en créant en 2012 l’un des premiers prix de photographie réservés exclusivement aux femmes.
En le baptisant du prénom de sa grand-mère pianiste, Virginia, Sylvia Schildge transmet ses valeurs familiales à travers une récompense professionnelle et œuvre ainsi à la reconnaissance et à la promotion d’un autre regard.

Un Jury de professionnel.les, renouvelé à chaque édition Soucieuse de garantir au Prix Virginia une qualité et un professionnalisme incontestables, Sylvia Schildge compose à chaque nouvelle édition avec Lucy Conticello, directrice de la photographie du M, le Magazine du Monde, un jury de huit personnalités issues du monde de la photographie et des arts visuels.

Ont ainsi participé depuis 2012 :
• Jacques Audiard, réalisateur
• Adelaide Delgado, fondatrice et directrice de Women Photographers International Archives (WOPHA)
• Marta Gili, ancienne directrice de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie à Arles
• François Hebel, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson et ancien directeur des Rencontres d’Arles
• Marin Karmitz, président de l’Institut pour la photographie, fondateur de mk2 et réalisateur
• Laurent Le Bon, ancien président du Musée Picasso à Paris et actuel directeur du Centre Pompidou
• Lekgetho Makola, directeur du Market Photo Workshops de Johannesburg
• Azu Nwagbogu, fondateur et directeur de l’African Artists’Foundation (AAF) et du Lagos Photo Festival
• Anna Planas, directrice artistique de Paris Photo
• Hripsimé Visser, conservatrice en photographie au Stedelijk Museum d’Amesterdam

Pour participer > https://www.prixvirginia.com/le-prix/

Photo : Dana Lixenberg, Tupac Shakur, 1993 © Dana Lixenberg Courtesy de l’artiste et GRIMM Amsterdam | London | New York

La MEP est fière de présenter American Images, une première rétrospective consacrée à l’artiste néerlandaise Dana Lixenberg. L’exposition explore plus de trente ans d’un travail exigeant et profondément humain : ces images composent un portrait pluriel de l’Amérique contemporaine, où célébrités et sujets moins connu·es sont abordé·es avec la même considération et représenté·es avec dignité.

Née à Amsterdam, Dana Lixenberg s’installe à New York en 1989 et développe une approche photographique fondée sur la lenteur, l’écoute et l’attention portée à la relation. Artiste étrangère observant les États-Unis avec une distance lucide, nourrie par son éducation progressiste, Lixenberg interroge avec délicatesse les mythes du rêve américain. Ses portraits constituent un contre-récit aux représentations dominantes de l’Amérique – un regard dont l’actualité demeure frappante.

Au centre de son oeuvre, l’humain demeure le sujet premier. Lixenberg construit un récit vivant de différentes communautés – des figures publiques aux personnes reléguées aux marges – en honorant la pleine humanité de chacun·e, au-delà de leur condition. Ses portraits, souvent dépourvus d’indices contextuels, empêchent les lectures réductrices : les célébrités y apparaissent avec une présence mesurée, tandis qu’ils offrent aux personnes moins connues un espace où s’affirme leur singularité. Par une attention constante aux détails et aux nuances, elle se tient à distance des stéréotypes et atteint une justesse visuelle qui confère à son travail une dimension d’acte de soin. Au coeur de son travail se trouve la « danse lente » avec ses sujets. Son approche posée et son respect profond permettent d’établir un véritable lien, inscrit sur la durée. L’usage de la chambre 4 × 5 pouces transforme chaque séance en moment de dialogue intime, ancré dans l’instant partagé.

À partir des années 1990, ses commandes pour Vibe, The New York Times Magazine, Interview, i-D, The New Yorker, Newsweek ou Rolling Stone donnent naissance à de nombreux portraits de figures de la culture populaire, parmi lesquels John McEnroe, Isaac Hayes, Whitney Houston, Iggy Pop ou Kate Moss. Certaines de ces images, notamment celles de Biggie Smalls ou encore Tupac Shakur, ont depuis devenues iconiques.

Parallèlement à son travail éditorial, Dana Lixenberg a développé plusieurs projets personnels, parmi lesquels Imperial Courts occupe une place centrale. Entamé au début des années 1990, ce projet au long cours se concentre sur les habitant·es d’un ensemble de logements sociaux à South Central Los Angeles. Au fil de plus de trois décennies, elle y est retournée à de nombreuses reprises, développant un corpus complexe qui se déploie à distance des récits familiers et des représentations médiatiques. L’installation vidéo Imperial Courts (2015) prolonge cette immersion dans le quotidien.

D’autres projets élargissent encore son exploration de l’Amérique contemporaine : auprès de familles sans-abri à Jeffersonville, dans l’Indiana, ou dans le village iñupiaq de Shishmaref en Alaska, menacé par la fonte du pergélisol. L’exposition comprend également des images réalisées avec des Polaroids 4×5 pouces. Lixenberg les utilise comme des outils de travail et de partage, instaurant un climat de confiance et constituant aujourd’hui un témoignage intime de plusieurs années de rencontres.

Johny Pitts, Tunmise, 2021 © Johny Pitts

Réunissant vingt années de recherche visuelle consacrées à la diaspora africaine en Europe et dans le monde, Johny Pitts présente au Studio de la MEP son projet Black Bricolage. Photographies, archives, documents personnels et témoignages y sont entrelacés à travers des jeux de miroirs, de flous et d’assemblages, afin de proposer une représentation subtile et nuancée des expériences afro-descendantes contemporaines.

Écrivain, réalisateur, photographe et journaliste, Johny Pitts (vit et travaille à Londres) développe un travail majeur autour de l’Afropéanité, notion qui désigne une multi-appartenance culturelle : être Noir·e tout en étant né·e ou ayant grandi en Europe. De Londres à Lisbonne, en passant par Bruxelles ou Berlin, il rencontre les communautés afro-descendantes et en rapporte des images d’une grande force formelle et documentaire. Lauréat de plusieurs distinctions, dont les prix European Essay Prize et le EM Forster Award, il a présenté des expositions personnelles à la Photographer’s Gallery à Londres en 2023 ainsi qu’à Foam, Amsterdam, en 2020. Son travail fait également partie de la collection permanente du Victoria & Albert Museum.

Photo : Elina Brotherus, Le Miroir, 2007 © Elina Brotherus Collection d’entreprise Neuflize OBC

Qu’ont en commun l’adolescence, les contes, les œufs ou encore les musées ? Chacun entretient une relation singulière avec la photographie. De A à Z : une histoire de la photographie (titre provisoire), conçue en partenariat avec la Collection d’entreprise Neuflize OBC, s’inscrit dans la célébration du bicentenaire de l’invention du médium. L’exposition adopte la forme d’un lexique et propose une lecture inattendue, croisant grands et petits récits.

Photo : Camille Vivier, Sophie, 2018 © Camille Vivier

La MEP présente la première exposition majeure consacrée à la photographe française Camille Vivier. Depuis vingt-cinq ans, elle navigue entre commandes de mode pour les plus grands magazines et recherche artistique personnelle centrée sur le corps et la nature morte. L’exposition révèle une œuvre où s’entrelacent sensualité, mystère et poésie, interrogeant la relation entre le corps humain et l’artefact.

Au Studio

Au Studio

Photos : Rafael Pavarotti — Anok Yai dans la robe Douche Chloé par Karl Lagerfeld (1983) Vogue US, Mai 2023 | Rafael Pavarotti — Nyaueth Riam et Mamuor Awak dans des tenues Bottega Veneta par Matthieu Blazy (2022) Vogue, Septembre 2022

Le musée des Arts décoratifs présente pour la première fois en France du 23 septembre 2026 au 7 février 2027 le travail du photographe brésilien, Rafael Pavarotti. Plus de 200 tirages sont exposés et mis en regard de photographies du musée, depuis les plus grandes couvertures des plus grands magazines de mode, aux portraits des stars internationales de la pop culture comme Rihanna, Harry Styles et Beyonce, en passant par les campagnes qu’il compose pour de grandes maisons. En ressort un style coloré et puissant, créant des images fortes et uniques. L’histoire personnelle de Rafael Pavarotti, né dans l’état de Pará dans la forêt amazonienne en 1993, résonne dans son approche de la photographie. Les femmes fortes de sa famille, la vaisselle aux couleurs vives et colorées de sa grand-mère mais aussi l’environnement naturel dans lequel il a grandi occupent une place importante dans ses sources d’inspiration. Rafael Pavarotti s’est initié seul à la photographie à 12 ans en subtilisant l’appareil de son père. Quatre ans plus tard, attiré par la photographie de mode, il part pour Rio, puis São Paulo, Londres, avant de s’établir à Paris. Il réalise de nombreuses séries pour des magazines de mode prestigieux tels que Vogue, i-D, Acne Paper, et même pour le New York Times. Son style photographique s’impose dans l’univers de la mode et marque les campagnes de nombreuses maisons à l’instar de Dior, Balmain, Margiela, Ferragamo ou encore L’Oréal. En février 2022, il s’est distingué par la couverture du British Vogue avec « As the world turns » qui montre sept mannequins noirs. Afro-autochtone, Rafael Pavarotti affirme vouloir travailler pour les générations futures en créant des modèles qui permettront à tous les enfants de se reconnaître et de se projeter, quelle que soit la couleur de leur peau. À travers la mise en valeur de corps peu représentés dans la mode, il interroge la dimension politique et sociale de cette industrie. Il transmet ce message grâce à des photographies colorées, puissantes, jouant parfois d’un esprit pop ou surréaliste, et qui racontent des histoires : la sienne, mais aussi celles des mannequins dont il sollicite les souvenirs et les idées.

Photo : © Sanja Marusic

La Maison des arts de Créteil réunit, dans cette exposition, les travaux de quatre femmes photographes présentées lors de la Biennale PhotoClimat. Elles ont toutes en commun d’avoir collaboré avec des associations caritatives ou des fondations. Jennifer Dewavrin, Sanja Marusic, Juliette-Andréa Elie et Floriane de Lassée s’engagent, à travers ces organismes, aux côtés des femmes touchées par le cancer, des personnes en situation d’exclusion, ainsi que de celles et ceux porteurs de projets innovants dans le domaine de l’agriculture.

Avec,
Sanja Marusic / Association Entourage
Juliette Andréa Elie / Fondation Avril
Jennifer Dewavrin / Rose Up
Floriane de Lassée / Fondation RAJA

SANJA MARUSIC

Dans cette série, je photographie deux personnes à la fois : deux individus qui, d’une manière ou d’une autre, s’aident mutuellement. Parfois, l’aide est tangible – tenir une main, offrir un soutien, guider. D’autres fois, elle se trouve dans un regard, une posture, un geste. Ce qu’ils partagent n’est pas seulement l’acte d’aider, mais un moment de connexion.
Grâce aux poses, à la composition et à la post-édition, je fais en sorte que ces paires se ressemblent. Non pas pour nier leurs différences, mais pour souligner ce qu’ils ont en commun. Dans cette image miroir se trouve quelque chose d’universel : nous comptons tous les uns sur les autres, à notre manière, à notre moment.
Ces photographies ne parlent pas seulement de celui qui donne de l’aide, mais aussi de celui qui la reçoit – et de la ligne subtile, souvent invisible, qui sépare les deux.

JULIETTE-ANDRÉA ÉLIE

Les mains qui obliquent – 10 stories rooted in the living soil

J’ai récolté les feuilles de Teck, les fleurs comestibles. Teinté les papiers.
Et les images ont bu
Des lieux et des liens.
J’ai gratté la lumière
Mains graines poils écailles humus laine

Ça se tisse – ça s’entremêle
Peut-on recommencer ? cultiver sans oublier sans répéter
superposer – dévoiler – coller – décaler – explorer

Les brebis à tête noire – mémoire du Quercy.
Dans les pupilles rectangulaires on voit
Le gardien qui veille tard.

L’effervescence colorée des pensées
Et la délicatesse de la main scrute dans le brouillard
Les herbes poivrées d’Hyères

Le retour des carpes cartographes des étangs à venir
Cueillir ensemble – laisser les petits pieds fouler la terre
Une motte dans la main – Manier couteau sur carotte
Mieux se nourrir demain.

Récoltes solidaires – Glanons les fraises boudées
Par les canons de beauté.
Des mains pleines en ventre creux
La terre aime à nourrir les démunis.

Chercher dans le monde nouveau
Comment se mouvoir – circuler de culture en culture
Sans épuiser les corps

Sous l’arbre, au creux du Togo
Etre cueillie par la danse paysanne
De joie – soeurs – de labeur
Elles chantent
l’alliance des graines anciennes.

Chaleur, sueurs, en choeurs.
Marcher, broyer, là-bas au vieux moulin.
Transformer la matière – la mettre en sachet.
Pour vendre un peu au marché.
La vie est fragile. Il faut l’entourer, se tenir ensemble.

Les éclats de rire paraissent invincibles
sous la paupière fatiguée.
Car tous les gardien.nes de la terre
dorment les yeux grands ouverts. Juliette-Andréa Elie, juillet 2025

PS : Remerciements à l’équipe de la Fondation Avril et à l’association Le Tour du Monde pour leur confiance. À Louis Alcaïdé pour son aide à la prise de vue (projets Carpmina et Solaal). À Saher Williamson pour sa présence précieuse au Togo. Une pensée émue pour Bimata et Ablavi, deux des paysannes togolaises, pour la générosité et l’énergie magnétique.

JENNIFER DEWAVRIN

”Mon travail et projet de vie en tant que créatrice et artiste consiste à honorer et accompagner à nous relier sans cesse au mouvement de la vie. Lors des séances photos, j’ai vu et ressenti une beauté pure et sans limite, une vulnérabilité très intime, un état de grâce que j’avais touché lorsque j’étais enfant. Le résultat photographique, bien qu’assez réussi à mon goût, n’était néanmoins pas à la hauteur de mon ressenti. J’ai eu le besoin de « pousser » la création plus loin et de laisser mon corps me guider pour exprimer grâce aux fils d’or représentants la lumière, à l’encre représentant l’ancrage dans la matière et mener au bout la vision que j’ai eu en photographiant le sujet.”

FLORIANE DE LASSÉE

A l’occasion des 10 ans du programme « Femmes & Environnement », un travail photographique a été réalisé au sein d’associations soutenues dans le cadre du programme « Femmes et environnement » de la Fondation RAJA-Danièle Marcovici. Cette résidence artistique conduite par la photographe Floriane de Lassée a été réalisée auprès de 6 projets associatifs dans 4 pays.

Ce programme soutient financièrement des projets valorisant l’action des femmes dans la protection de l’environnement, la biodiversité et l’adaptation aux changements climatiques : agriculture durable, accès à l’énergie, gestion des ressources et des déchets, entrepreneuriat vert. Depuis son lancement, plus de 4,3 millions d’euros ont permis de financer 161 projets dans 39 pays.

Série Sous terre, Sans titre #27, Lituanie, 2023
Tirage pigmentaire sur papier Fine Art
© Antoine Lecharny courtesy galerie Sit Down

“Sous la terre, sous les arbres, sous le pavé des trottoirs, des ruines de synagogues et des fosses pleines d’ossements. Ce qu’on voit en surface remplace ce qu’on ne peut plus voir. Une ville rendue à sa banalité. Les herbes ne sont plus calcinées et les balles ont disparu. Ici, tout me sépare de la profondeur des lieux. Des milliers d’enfants, de femmes et d’hommes juifs conduits de force sur les collines de la ville pour y être abattus et entassés sur les corps nus de ceux qui les ont précédés, il ne reste quasiment aucune trace. Ni monument, ni repentir. Seule une pierre gravée et dressée au milieu des ronces, à l’abri des regards, échappe à l’effacement.”
Entre 2021 et 2024, Antoine Lecharny a entrepris un travail photographique consacré à la mémoire des fusillades massives des Juifs en Europe de l’Est et dans les pays Baltes. En l’absence d’importantes traces visibles de ces massacres, il a photographié des paysages retournés à une relative banalité qui dit l’oubli palpable de l’Histoire à l’oeuvre.

Antoine Lecharny est un photographe et artiste plasticien né en 1995. Son travail, exposé et primé en France comme à l’étranger (prix du jury du Festival Planches Contact, prix du public des Boutographies, prix Paris Match…), fait partie de plusieurs collections publiques et privées, dont celle de Marin Karmitz. Lauréat du prix Audi Talents aux côtés de l’artiste Henri Frachon, il expose en 2021 le projet sculptural Disegno Astratto au Palais de Tokyo. La galerie Sit Down accueille en 2023 sa première exposition personnelle à Paris, Côté fenêtre. En 2025, il reçoit le Prix Gomma Grant B&W qui distingue son travail au long cours consacré à la mémoire des fusillades massives des Juifs en Europe de l’Est et dans les pays baltes, lors de la Seconde Guerre mondiale. Ce projet, intitulé Sous terre, fait également l’objet d’une publication parue en novembre 2025 aux Éditions d’une rive à l’autre, comprenant un texte de l’historienne Annette Becker. La même année, il est finaliste du Prix Le BAL ADAGP avec son projet Feu Stalinstadt et figure parmi les trois artistes lauréats soutenus par Sarah Moon dans le cadre du Grand Prix de l’Académie des beaux-arts.

Série Chêne-Pointu, Clichy-sous-Bois, Le chêne-pointu, 2021
Tirage pigmentaire sur papier Fine Art
© Géraldine Lay courtesy galerie Sit Down

Fidèle à son approche de promeneuse attentive, guidée par la lumière et par une curiosité patiente pour les autres, la photographe Géraldine Lay restitue dans cette exposition une forme de contemplation du quotidien. Détours désigne précisément cette manière de regarder à côté du flux habituel des choses, de s’écarter légèrement de l’évidence pour explorer des chemins discrets, sensibles, qui échappent au regard pressé. Attirée par les marges, par ce qui se situe hors du tracé principal, elle recueille ces instants périphériques que nous omettons souvent de saisir.

Son oeuvre s’inscrit dans une attention minutieuse à la banalité : un angle de rue, un geste furtif, la présence silencieuse d’un paysage urbain. Sous son objectif, ces fragments apparemment ordinaires acquièrent une densité nouvelle, révélant une beauté discrète nichée dans le monde tel qu’il se donne. Elle transforme le quotidien en territoire sensible, où le banal devient matière à récit, et où le réel s’imprègne d’une aura presque narrative. Détours devient alors une manière d’habiter les interstices : ses images suggèrent l’existence d’une infinité de scènes secrètes, prêtes à émerger dès lors que l’on accepte de regarder obliquement, depuis un léger déplacement.

Géraldine Lay construit une grammaire visuelle fondée sur l’observation patiente. Ses images ne recherchent pas l’extraordinaire : elles fouillent les zones de transition, ces espaces où les couleurs, les corps et les lieux cohabitent dans une fragile harmonie. La lumière, souvent douce et oblique, agit comme un révélateur de micro-événements : elle expose la poésie des détails, la présence inattendue d’une émotion dans un décor anodin. Les échos colorés disent la vie quotidienne avec grâce. Attentive aux ombres et aux reflets, elle capte des instants fugaces et des gestes ordinaires qui, par le détour du regard, semblent appartenir à un monde parallèle, entre rêve et réalité.

L’exposition propose ainsi une traversée où le regard se ralentit et accepte de s’écarter du chemin principal. Chaque photographie devient un lieu de rencontre avec ce qui, d’ordinaire, se dérobe. En ce sens, l’oeuvre de Géraldine Lay ne relève pas seulement du documentaire : elle est un art de la présence, une pratique du décalage, une manière de circuler autrement dans le réel.

Détours invite à redécouvrir la beauté silencieuse cachée dans le tissu même du monde, et à réévaluer le quotidien comme un espace de poésie, d’inflexions et de possibles — une invitation à savourer les épiphanies discrètes qui ponctuent nos jours, comme autant de respirations.

Née en 1972 à Mâcon, Géraldine Lay vit et travaille à Arles. Diplômée de l’École nationale supérieure de la photographie en 1997, elle développe depuis une pratique attentive aux situations ordinaires et aux récits discrets que l’on trouve dans le quotidien. Son travail est exposé régulièrement en France et à l’international. Ses séries dont Un mince vernis de réalité, L’illusion du tranquille, Failles ordinaires, North End ou plus récemment Far East ont été présentées dans de nombreux lieux, parmi lesquels les Rencontres d’Arles, Le Château d’Eau (Toulouse), les Archives nationales, la BNF, ainsi que plusieurs festivals en Europe et en Asie. Pendant vingt ans, elle a été représentée par la Galerie Le Réverbère (Lyon). En parallèle de sa pratique artistique, Géraldine Lay travaille aux Éditions Actes Sud, où elle est éditrice pour la photographie et l’art contemporain depuis 2019. Cette activité éditoriale s’articule avec sa démarche de photographe et contribue à nourrir un regard précis sur la construction des images et des ouvrages. Elle mène régulièrement des résidences et des commandes sur des territoires variés Nantes, Céret, Montauban, Glasgow, Clichy-sous-Bois, entre autres et a obtenu plusieurs soutiens institutionnels, dont la bourse Hors les murs de l’Institut français et la bourse Ville de Lyon / Institut français pour un projet au Japon. Plusieurs ouvrages accompagnent son travail : Far East (Poursuite, 2023), North End (Actes Sud, 2018), Impromptus (Poursuite, 2017), Failles ordinaires (Actes Sud, 2012) ou Où commence la scène (Diaphane, 2010). En 2025, elle publie La lune sourit le jour (Sur la crête) et participe à l’ouvrage collectif Les femmes photographes sont dangereuses (Flammarion). Ses oeuvres figurent dans plusieurs collections publiques, dont la Maison Européenne de la Photographie, le FRAC Midi-Pyrénées, Le Château d’Eau et de nombreuses artothèques.

Photo : © Sara Imloul

À partir des travaux de treize artistes contemporains, l’exposition NEO-ANALOG se présente comme le manifeste d’un courant international qui marque l’une des étapes les plus récentes de la photographie contemporaine.
Depuis les années 2010, certains photographes inscrits dans le champ de l’art contemporain se détournent de la création d’image pour explorer la matérialité de la photographie. Les fondamentaux – lumière, temps, substances photosensibles, tangibilité des supports, etc. – se présentent comme un vocabulaire alternatif au regard des technologies avancées. Propositions « contre-culturelles », parce qu’étrangères au mainstream des images des médias, les photographies affirment les potentialités de l’analogique, soit toute expérimentation en prise direct – en contact – avec le réel. Il n’est plus question de « regard sur », mais d’activation de processus où la physique et la chimie des matériaux déploient de nouveaux possibles.
Souvent inscrits dans une forte sensibilité écosophique, les photographes néo-analogues militent aussi pour des pratiques explorant la nature aux côtés des savants, et visent une poésie de l’anthropocène : dans un monde abîmé, la photographie ne sert plus seulement à voir, mais à ressentir et comprendre. L’analogique n’est plus alors une question technique, mais un changement de paradigme culturel : la mise en contact du photographe avec le monde passe par la reconnaissance des valeurs de l’expérience. Dévaluée depuis le développement des médias, l’expérience revient en force à travers la culture analogique et constitue un équilibre avec nos existences numériques. La photographie néo-analogue revisite l’histoire du médium en réactivant ses procédés. Elle invente de nouvelles situations techniques, elle échappe à sa condition d’image : entre installation, sculpture, gravure, peinture ou vidéo, la photographie s’est élargie en régénérant les fondamentaux de son médium.
La révolution numérique semblait avoir condamné la photographie à devenir une image comme les autres. Une génération plus tard, elle s’est réinventée en affirmant des valeurs que l’on trouve dans nombre d’autres domaines, comme la musique, les jeux, le film ou bien encore l’urbanisme. Le néo-analogue institue une culture matérielle et philosophique qui permet de restaurer l’idée de réel dans un contexte de crise de la vérité.

Une proposition de Michel Poivert et Evelyne Cohen
Avec les artistes : Sylvie Bonnot, Véronique Bourgoin, Arina Essipowitsch, Marie Hazard, Yanis Houssen, Sara Imloul, Laurent Lafolie, Hanako Murakami, Raphaëlle Peria, Catherine Poncin, Mathieu Roquigny, Laure Tiberghien et Dune Varela.

Partenaire : Le Collège International de la Photographie.

Photo : Luc Delahaye Un Feu 2021 Tirage chromogène 195 x 269 cm ©Luc Delahaye

En 2026, Photo Elysée présente une série d’expositions qui interrogent le pouvoir de représentation des images dans notre rapport à la réalité. Du bruit du monde avec Luc Delahaye et Alfredo Jaar, à la découverte de l’ailleurs avec Ella Maillart, en passant par les regards contemporains de Hannah Darabi et Salvatore Vitale, jusqu’à une exposition majeure qui explore notre relation aux animaux à travers deux siècles de photographie. Ces projets questionnent notre lien au réel, à la mémoire, à l’engagement et au vivant.

Cette grande exposition monographique, consacrée au photographe français Luc Delahaye (1962) couvre vingt-cinq ans de création. De la guerre d’Irak à celle d’Ukraine, d’Haïti à la Libye, des conférences de l’OPEP (Organisation des pays exportateurs de pétrole) à celles de la COP (Conférence des Parties), son œuvre propose une représentation des désordres du monde contemporain.

Grand photoreporter de guerre dans les années 1990 et ancien membre de l’agence Magnum, Delahaye a redéfini le lien entre documentaire et art. Depuis les années 2000, il privilégie le grand format et le mur d’exposition, tout en gardant un ancrage dans l’actualité. Cette exposition, présentée à Paris jusqu’au 4 janvier 2026, est conçue par le Jeu de Paume à Paris en collaboration avec Photo Elysée.

Photo : Ella Maillart, Marché devant la madrasa Chir Arab, Boukhara, 1932, épreuve sur papier au gélatino-bromure d’argent © Succession Ella Maillart et Photo Elysée, Lausanne

Voyageuse extraordinaire, photographe et écrivaine, Ella Maillart (1903-1997) a parcouru l’Asie à de nombreuses reprises. En 2025, l’ensemble de son œuvre a été reconnu par l’UNESCO. Photo Elysée, qui conserve ses archives photographiques – plusieurs milliers d’images –, souhaite rendre hommage à cette femme hors du commun. À travers les quatre grands voyages qu’elle a réalisés dans les années 1930, l’exposition met en lumière le dialogue entre les images et les textes, et explore le rôle de ce patrimoine photographique dans la constitution et la préservation de la mémoire du monde.

Photo : Sans titre, 2025, de la série Death by GPS (2022–en cours) © Salvatore Vitale

Death by GPS de Salvatore Vitale (1984) met en lumière le coût humain de l’uberisation du travail. Par le biais de la photographie, de l’installation et de la vidéo, l’artiste démontre les contradictions d’un capitalisme numérique qui promet plus de liberté et d’indépendance, mais qui s’enracine en réalité dans les inégalités d’un système post-colonial. En collaboration avec des travailleurs·euse·s indépendant·e·s sud-africain·e·s, son œuvre affirme que l’activité humaine reste centrale et vient imaginer des méthodes de résistance face à l’exploitation systémique du travail de plateforme. Salvatore Vitale est un artiste italien actuellement basé à Zurich. Son travail est présent dans plusieurs collections publiques et privées et a été exposé dans de nombreux musées et festivals d’art contemporain à travers le monde.

Photo : De l’exposition Inferno & Paradiso d’Alfredo Jaar © Veronique De Viguerie

Inferno & Paradiso est une installation immersive conçue par l’artiste Alfredo Jaar (1956), f igure majeure de la scène contemporaine internationale. Avec cette création originale, il questionne l’idée selon laquelle le flot continu d’images de souffrance humaine nous rend insensibles. Pour ce projet inédit, vingt reporters internationaux ont été invités à choisir deux images dans leurs archives : la plus douloureuse et celle qui incarne l’espoir. Présentées sous forme de projections de diapositives, ces photographies nous entraînent dans un voyage à travers les enfers et les paradis, à la manière de Virgile guidant Dante dans la Divine Comédie.

L’exposition est coproduite en collaboration avec l’association culturelle On The Move pour le festival international de photographie Cortona On The Move.

Photo : Hannah Darabi, Constitutional Law, Polygamy, Yes/No, « Mahvashs Book Of Pleasure », 2024, de la série Why Don’t You Dance?, en cours © Hannah Darabi

Lauréate du Prix Elysée 2025, Hannah Darabi présente Why Don’t You Dance? (Pourquoi ne danses-tu pas ?), un projet consacré à la danse populaire iranienne. Combinant photographies, vidéos et archives, le projet analyse comment la danse peut, selon les contextes sociaux et politiques, devenir un outil d’expression identitaire et d’émancipation, particulièrement au sein de la diaspora iranienne. Inspiré par l’autobiographie de Mahvash et les soirées karaoké du Cabaret Tehran à Los Angeles, il établit un lien entre les pratiques passées et contemporaines de la danse.

Le Prix Elysée est le fruit d’un partenariat exclusif entre Photo Elysée et Parmigiani Fleurier.

Photo : USA, 1950 © Lee Shulman/The Anonymous Project

La première exposition The House présentée par The Anonymous Project de Lee Shulman, est devenue l’un des temps forts des Rencontres de la Photographie d’Arles en 2019. Conçue comme une expérience totalement immersive, cette exposition ne se contente pas de montrer des images : elle recrée l’atmosphère des années 1950. À une époque où la photographie familiale était un acte intime et discret, elle invite les visiteurs à explorer un espace où chaque objet, chaque lumière et chaque image interagissent pour faire revivre des souvenirs et des gestes du quotidien.
Pour la première fois depuis sa présentation à Arles, The House est exposée au Hangar, marquant la première présentation de The Anonymous Project sur le territoire belge. Ici, les photographies ne sont pas simplement accrochées aux murs : elles sont intégrées à l’espace lui-même, chaque image trouvant sa place dans un décor domestique: cuisine, salon, chambre.
L’intention est de créer un environnement vivant dans lequel le visiteur se sent chez lui, dans un lieu familier marqué par le passage du temps et de la mémoire, avec des meubles, des objets et un éclairage soigneusement sélectionnés. L’expérience dépasse la simple observation et permet aux visiteurs de ressentir l’époque et les vies dissimulées derrière ces images.
Les photographies, souvent simples, prennent ici une nouvelle dimension : elles deviennent des fenêtres ouvertes sur des instants de vie qui, autrefois familiers, semblent aujourd’hui lointains, offrant une expérience sensorielle et une invitation à plonger dans le passé pour saisir l’importance de chaque moment, aussi banal ait-il pu paraître à ceux qui l’ont vécu.
En recréant cette maison et en immergeant les visiteurs dans cet univers intime, The House devient un lieu où le passé prend forme, où l’on peut toucher, sentir et comprendre la mémoire inscrite dans chaque image. C’est un hommage aux vies ordinaires, aux moments volés et à la beauté des souvenirs, rappelant que ces instants fugaces et quotidiens sont la véritable matière de notre existence.

Lee Shulman est titulaire d’une licence en arts de l’Université de Westminster (Royaume-Uni).
Désormais basé à Paris, il a fondé The Anonymous Project en 2017, devenu depuis l’une des collections de diapositives amateurs les plus importantes et les plus singulières au monde. Le projet a commencé lorsque Lee Shulman a acheté en ligne une boîte de diapositives choisie au hasard et qu’il est immédiatement tombé amoureux des personnes et des histoires contenues dans ces fenêtres ouvertes sur des vies passées. Il réanime aujourd’hui une mémoire collective négligée à travers des expositions, des publications et des oeuvres collaboratives.

Il a publié plus de douze livres, dont Mid-Century Memories (Ed.Taschen), nommé Photography Book of the Year par The Times, ainsi que Deja View, paru  n 2021 en collaboration avec Martin Parr, qui a donné lieu à plusieurs expositions en 2022, dont une importante présentation chez Magnum. Sa première exposition d’envergure, The House, a marqué les Rencontres d’Arles en 2019, et son travail a récemment été présenté à Photo Elysée à Lausanne (Suisse), à la Edwynn Houk Gallery à New York (États-Unis) et au festival Kyotographie à Kyoto (Japon), entre autres. Il a également collaboré avec le photographe Omar Victor Diop sur Being There, publié chez Textuel, et son documentaire I Am Martin Parr est sorti à l’international début 2025, offrant une nouvelle perspective sur l’oeuvre et l’in uence du célèbre photographe britannique. Lee Shulman est également un réalisateur et artiste multi-primé travaillant dans la publicité et le clip musical.

Photo : Deanna Dikeman

L’album de famille anonyme de The House s’élargit ici à travers sept projets qui révèlent les propres histoires familiales des artistes. Ces séries photographiques – pour la plupart mises en scène – dévoilent la sphère intime de la famille au-delà d’une approche purement documentaire. Les photographes explorent des thèmes universels tels que la maternité, les liens familiaux, le deuil et la réconciliation.

La photographie cesse d’être un simple médium pour capturer les moments familiaux du quotidien et devient une porte d’entrée vers toutes sortes d’issues surprenantes : guérison, mise en lumière d’histoires cachées, révélation de liens émotionnels.

Certains artistes utilisent la caméra de manière thérapeutique pour reconstruire des liens avec le passé, inclure celles et ceux qui avaient été exclus du récit familial, transformer le deuil en réconciliation, ou encore faire du geste des adieux un rituel rendant la séparation avec les êtres chers plus supportable. Comme l’a écrit Deanna Dikeman : « On ne sait jamais à quel instant on voit quelqu’un pour la dernière fois. »

D’autres révèlent des histoires restées en marge du discours public : la vie de femmes contraintes par les traditions sociales, les dés rencontrés par les couples biculturels dans un pays étranger, ainsi que les expériences intimes liées à la grossesse et au soin.

Ces récits, tantôt humoristiques, tantôt mélancoliques, nous emmènent du personnel à l’universel. Ici, la photographie ne se contente pas de préserver les personnes que nous chérissons ; elle nous permet aussi d’affronter ce que la mémoire tend à cacher, à oublier ou à réinventer.

Gabriela Torres Freyermuth, curatrice de l’exposition

• Cristóbal Ascencio
• Sanne De Wilde
• Deanna Dikeman
• Daesung Lee
• Alma Haser
• Francesca Hummler
• Danilo Zocatelli Cesco

Mains d’œuvre est une série photographique qui explore le monde des ouvriers et artisans en apprentissage. Depuis toujours, Véronique Ellena est attentive à celles et ceux que l’on voit peu et cherche à capter la beauté là où on ne l’attend pas. Pour cette série, l’artiste a poussé la porte d’un centre de formation professionnelle, l’AFPA de Bourg-en-Bresse, s’y est installée et a pu observer comment les choses et les êtres s’y fabriquent ensemble, dans une bulle encore préservée de la réalité parfois brutale du monde du travail. Dans un contexte d’évolution profonde de la société, ces futurs travailleurs portent la mémoire d’un passé qui s’efface, mais aussi les élans de vitalité d’une nouvelle génération. Les gestes se transmettent et se reproduisent ; les ateliers, certes fonctionnels, sont vivants et habités ; les objets, façonnés pour apprendre, servent puis sont jetés ou transformés, les couleurs sont franches, les lumières intemporelles. Apprenants et formateurs partagent un même mot d’ordre : le soin de bien faire. Dans ce monde d’apparence crue et simple, la beauté émerge — hautement poétique, parfois incongrue — d’une richesse et d’une justesse insoupçonnées. Mains d’œuvre révèle la nature bien actuelle et nécessaire du travail manuel et met en lumière ces travailleurs, rouages essentiels dans la marche du monde.

Photo : © Bertien van Manen, Moonshine, Dorothy, West Virginia, 1987

Les photographies de Bertien van Manen (1935−2024) ne tiennent ni du journal intime, ni de l’album de famille. Il n’est question ni d’elle, ni de rituels, d’événements ou de mises en scènes planifiées. Elles ne correspondent pas non plus aux canons du spectaculaire et aux lieux communs du photojournalisme. Son œuvre pourrait se définir comme une chronique intime et subjective de la vie des gens ordinaires.

C’est en feuilletant Les Américains (1958), livre de Robert Frank, que Bertien van Manen aura le déclic de la photographie qu’elle veut réellement faire et du monde qu’elle souhaite raconter. C’est dans cette distance et cette proximité qu’elle souhaite désormais s’inscrire.

Fille d’un ingénieur des mines de charbon des Pays-Bas, elle part en 1985 aux États-Unis, dans les Appalaches, à la recherche de femmes travaillant dans les mines. La photographe délaisse son matériel photographique professionnel pour arborer un petit appareil 35 mm d’amateur. Jamais cyniques, ses images oscillent entre beauté et chaos.
Bertien van Manen sera l’une des premières à se glisser derrière le rideau de fer pour documenter la vie post-soviétique en Russie, Moldavie, au Kazakhstan, en Ouzbékistan et en Ukraine. Elle n’est pas une photographe de rue : les relations qu’elle tisse sont plus intimes. C’est avec le même appétit des autres qu’elle tentera, au tournant des années 2000, de faire le portrait d’une société encore plus opaque : la Chine.

Cette exposition nous fait découvrir pour la première fois en France une artiste profondément féministe et engagée. Quatre séries photographiques majeures y sont regroupées : aux Pays-Bas, aux États-Unis, en ex-URSS et en Chine. La photographie de Bertien van Manen, loin du sensationnalisme et des récits dominants, construit une œuvre documentaire singulière, portée par une empathie de tous les instants.

Photo : Henri Cartier-Bresson, Hambourg, Allemagne de l’Ouest, 1953 © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Henri Cartier-Bresson était un européen convaincu. S’il a voyagé dans le monde entier, il a aussi beaucoup parcouru l’Europe. Après la Seconde guerre mondiale, le continent est un immense champ de ruine hanté par la déchirure et la désolation. Dans le contexte de la Guerre froide, la construction de l’Union européenne est un enjeu géopolitique majeur. Après avoir réalisé pour la presse magazine de nombreuses séries de photographies en Allemagne, en Espagne, en Italie, en Grèce, en Suisse et en France, Cartier-Bresson veut les réunir en volume. Il ne souhaite pas faire un livre de voyage à travers ces pays, comme il en existe beaucoup à l’époque, mais plutôt un portrait de ceux qui les habitent. Le livre ne s’intitule d’ailleurs pas L’Europe, mais bien Les Européens.

Il a pour ambition de montrer ce qui fait la singularité de chacun des peuples de cette zone géographique, tout en mettant en évidence leur communauté. Accompagné d’une magnifique couverture du peintre catalan Joan Miró, le livre est publié en 1955 chez Verve, comme une suite d’Images à la Sauvette. Il n’avait jamais été republié depuis. La présente exposition réunit quelques-unes des photographies les plus importantes de l’ouvrage à l’occasion de sa réédition.

Commissaire de l’exposition Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson est considéré comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle. Après avoir étudié la peinture et fréquenté les surréalistes, il adopte la photographie comme moyen d’expression au début des années 1930. Il traverse les grands bouleversements politiques et sociaux du XXe siècle : fait prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’évade et rejoint la Résistance. Il photographie les derniers jours de Gandhi en Inde, la Chine communiste, l’URSS en pleine guerre froide, les États-Unis d’après-guerre ou encore les luttes pour l’indépendance en Afrique. En 1947, il cofonde la coopérative Magnum Photos avec Robert Capa, George Rodger et David Seymour, destinée à garantir aux photographes un contrôle sur la diffusion de leurs images. La même année, le MoMA de New York lui consacre une rétrospective. À partir des années 1970, après avoir consacré sa carrière à la photographie et réalisé plusieurs films documentaires, il se détourne de ces médiums pour se consacrer au dessin. En 2003, un an avant sa disparition, il co-fonde la Fondation Henri Cartier-Bresson avec son épouse Martine Franck, également photographe, et leur fille Mélanie.

Photo : Mami Kiyoshi, New Reading Portraits Tokyo, Japon, 2004 BnF, Estampes et photographie

La Bibliothèque nationale de France conserve une collection emblématique de photographies japonaises riche de plus de 2000 tirages modernes et contemporains de près de 150 auteurs et d’une centaine de revues et de livres rares. Pionnière dans la reconnaissance de l’univers et de la sensibilité de photographes aujourd’hui célèbres dans le monde entier, elle abrite des œuvres de Eiko Hosoe, Daidō Moriyama, Shōji Ueda, Hiromi Tsuchida, Issei Suda, Shigeo Gocho, Tokuko Ushioda, mais aussi de Keichii Tahara et Jun Shiraoka, deux photographes japonais installés en France qui n’ont cessé de photographier Paris. Dans le cadre des commémorations du bicentenaire de la naissance de la photographie, la grande exposition présentée à l’automne 2026 sur le site François-Mitterrand retrace, en 300 épreuves et ouvrages, l’évolution de la pratique photographique au Japon de 1945 à nos jours. Tantôt ancrée dans le réel à travers des reportages faisant la part belle au monde rural, aux fêtes et rituels ou à l’effervescence des villes, tantôt théâtrale, fantaisiste et poétique, la photographie japonaise valorise également les sensations et atmosphères dans des œuvres d’une efficace simplicité de composition et d’une grande sophistication de tirage.

Commissariat : Héloïse Conésa et Dominique Versavel, département des Estampes et de la photographie, BnF

Photo : Super Girl (série All Star), tirage pigmentaire, © Valérie Belin

L’exposition Valérie Belin – Les choses entre elles se tient aux Franciscaines de Deauville du 24 janvier au 28 juin 2026. Elle présente une sélection d’environ soixante œuvres, couvrant l’ensemble du parcours de l’artiste, des premières photographies d’objets et natures mortes aux portraits féminins récents, en passant par ses séries emblématiques de mannequins et bodybuilders. La toute nouvelle série Cover Girls (2025) réalisée en héliogravure est montrée pour la première fois au public.

À travers ces images, Valérie Belin explore la frontière entre objets et corps, réalité et illusion, questionnant la beauté, les stéréotypes et les codes de représentation à l’ère contemporaine. L’exposition propose ainsi un regard inédit sur l’univers singulier de l’artiste, où chaque photographie devient une réflexion sur le pouvoir des images et la perception du réel.

Sous le commissariat d’Annie Madet-Vache, directrice du musée et de l’artiste, le parcours se déploie sur plusieurs niveaux et met en lumière l’évolution de la pratique photographique de Valérie Belin. Chaque espace est conçu pour créer un dialogue entre réalité et illusion, corps et objet, grâce à une scénographie soignée qui invite le visiteur à observer le détail des images tout en s’immergeant dans leur univers singulier.

Photo : « Les corps élastiques », 2024, – © LuciePastureau/HansLucas.com

Lucie Pastureau présente un nouveau projet nommé les corps élastiques soutenue par la Région.
Un récit choral de plusieurs corps qui font coeur pour en remanier les histoires grandes et petites, dans un acte d’émancipation et de ré-appropriation.

Les corps élastiques, comme ils s’étirent puis reviennent à eux même dans leur résilience.
Ce sont de véritables palimpsestes de tous les petits traumas et grandes joies que l’on a vécus. Comme ils se remettent , toujours, jusqu’au jour ou plus.
Soudainement.
Certaines grandissent, leurs corps s’étirent on dirait qu’elles veulent en sortir, elles crachent à la gueule de l’enfance et se précipitent dans l’adolescence. Parfois elles l’affament pour en freiner l’épanchage et la déformation et accélérer ainsi leur chute. D’autres, dans leurs corps empêtrés et empêchés essayent de composer avec leurs rigidités, de se faire plus légères et d’apprivoiser les douleurs. Et puis il y a ceux qui deviennent celles, qui depuis toujours ont la peau qui démange de ne pas épouser leur forme intérieure.
Et encore, ces autres habitées le temps de plusieurs mois par un autre être qui leur ressemble.
Certaines sont en fusion, véritables poupées gigognes, pour d’autres c’est impossible même à imaginer et leur corps tente de le leur faire oublier.

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Lucie Pastureau est née en 1982. Diplômée en 2008 de l’École Nationale des Arts Décoratifs de Paris, elle vit et travaille à Lille depuis 2013.
Elle travaille autour de l’imagerie familiale, des petites choses de l’ordinaire, dans l’intention de tracer une cartographie intimiste d’un territoire, d’un groupe ou d’un individu. Avec un intérêt particulier pour la photographie amateure, et ce qu’elle peut dévoiler quand on la scrute : le surgissement d’une maladresse, d’un geste particulier, d’une atmosphère, de singularités ou bien au contraire de formes stéréotypées.
Elle s’intéresse aux périodes de transitions, entrainant un déséquilibre, une bascule d’un état à un autre. L’adolescence, la sortie du cocon familial, le lieu de soin, ce sont encore et toujours des allers retours entre différents mondes assez clos, dans lesquels il faut opérer une percée.
Elle résidences d’artistes, presse et expositions/projections en festival, workshops et ateliers. En 2012, j’intègre l’agence Hans Lucas et depuis travaille régulièrement pour la presse dans le Nord, en collaborant principalement avec le journal Le Monde.

Tombeaux des Khalifes. Le Caire (Egypte), vers 1880. © Léon & Lévy / Roger-Viollet

Du 26 février au 5 juin 2026, la Galerie Roger-Viollet présente l’exposition Le monde colorié à la main, consacrée aux photographies du XIXᵉ siècle réalisées par le studio Léon & Lévy. À travers 66 tirages contemporains issus de plaques de verre stéréoscopiques, l’exposition révèle un vaste panorama du monde, de l’Europe à l’Asie, de l’Afrique aux États-Unis.

Ces images, initialement prises en noir et blanc, étaient ensuite minutieusement coloriées à la main dans les ateliers parisiens du studio. À l’aide d’aquarelle et de pinceaux fins, des coloristes redonnaient vie aux paysages, aux architectures et aux costumes, mêlant fidélité documentaire et sensibilité artistique. Observées au stéréoscope, ces photographies offraient alors à un public bourgeois un véritable voyage immobile, entre outil de connaissance et invitation à l’évasion.

4h46, Pont l’Evêque, août 2022. © Cha Gonzalez

Née à Détroit, façonnée par les territoires de Chicago puis de l’Europe, la techno est une forme musicale mobile. Elle se nourrit de funk, de disco, de house et s’invente au gré des lieux qu’elle traverse. Des clubs américains aux raves anglaises, des free parties aux temples de la nuit des capitales, elle s’ancre provisoirement dans des friches industrielles, entrepôts désaffectés, plages, champs, forêts, night-club, tout en appelant à danser sans relâche. Souffle continu, la techno impose un temps scandé : vinyles, boîtes à rythmes et enceintes massives portent un battement puissant et grave qui se propage à travers le « mur de son », façade emblématique de ces rassemblements. Les basses sculptent l’espace et invitent à danser jusqu’à l’aube.

Sur le « dancefloor », stroboscopes, faisceaux lumineux et écrans d’images enveloppent la foule de lueurs et de pénombre. Guidés par la gravité sourde du « beat », les corps oscillent entre gestes amples et saccadés, piétinement et suspension, se frôlant dans la masse. Le temps d’un éclat de lumière, on s’offre au regard d’une foule anonyme avant de redevenir silhouette fugace, corps à corps aussitôt dissous. Là où musique, mouvement et décor se mêlent, tout concourt à l’immersion : l’air vibre, le mur résonne, les corps répondent. La fête n’est plus seulement un lieu ni une musique, mais un milieu traversé et traversant, où se tissent expérience collective, paysages de teuf et plongée intérieure.

C’est à cette manière de vivre la fête techno que l’exposition est consacrée. En croisant regards photographiques (Julie Hascoët, Rebecca Topakian, Cha Gonzalez) et anthropologique (Aurélie Chêne), elle propose de se déplacer par-delà du mur de son. Non pour nier les questions d’illégalité mais pour donner voix à ce qui demeure souvent invisible : une traversée, comme manière sensible, musicale et dansée d’habiter le monde.

Aurélie Chêne

Parcours de teufeurs

S’engager dans un chemin boueux, se faufiler entre les buis, percevoir un grondement entre deux cimes, avancer à tâtons et découvrir, avec stupéfaction, le battement d’une musique au coeur d’une clairière : c’est ici que se déroule la teuf. Un peu plus tôt dans la soirée, seuls les phares d’un convoi balisaient la route vers une destination floue. Le périple fut ponctué de messages codés, écrits ou vocaux, dévoilant par bribes l’emplacement à rallier. D’étapes en détours, un lieu finit par émerger, où le mur de son sculpte les contours éphémères de la fête clandestine. Dressée au pied des arbres, l’architecture compacte d’enceintes sera démontée puis transportée, telle une borne mouvante, vers d’autres sites : plage déserte, bâtisse abandonnée, vaste champ, voûte d’un tunnel.
Le mur, géant de métal et de rythme, s’élève autour d’espaces aménagés pour les heures à venir. Une bâche translucide, tendue entre quelques piquets, abrite de la bruine : on s’y retrouve tandis que les pulsations du kick résonnent, sourdes et régulières, tout près. On y vit un moment suspendu avant de rejoindre à nouveau le dancefloor, ses faisceaux et la masse dansante portée par la musique.
Surprise par la pâle montée du jour, la teuf révèle un tout autre paysage. Entre les arbres, un campement de caravanes apparait ; sur le littoral, un bunker échoué attire les regards ; les briques humides d’une usine à l’arrêt luisent sous le soleil naissant. La musique se déploie encore au milieu d’un lieu qui, peu à peu, vient habiter celles et ceux qui l’ont foulé la nuit durant, comme un paysage de teuf inscrit en mémoire.

Julie Hascoët (née en 1989 à Douarnenez) mène un travail protéiforme qui déborde le cadre strict de la photographie pour embrasser les domaines de l’édition, de l’installation et des pratiques curatoriales. Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie (Arles, 2012), son regard se porte sur les territoires en marge et les formes générées par leur occupation, mêlant une approche poétique, liée au paysage, à une dimension humaine plus politique.

Au coeur du dancefloor

Après avoir franchi les portes d’une bâtisse abandonnée, l’air change brusquement d’épaisseur. La lumière se compacte en un éclat laiteux qui enveloppe le dancefloor où des corps se meuvent, pris dans un tempo assourdissant. À mesure que l’on avance, les faisceaux rouges, verts ou bleus révèlent un univers saturé de gestes exaltés, de voix, de sueur et de chaleur : des torses se dénudent, des postures oscillent, entre deux beats. En se frayant un passage vers le mur de son, on traverse une foule qui dévoile une diversité d’apparences : visages striés de maquillage, paillettes, tissus légers, fragments de dentelle ou de cuir, piercings, tatouages et mèches colorées surgissent au rythme des effets visuels. Les images projetées glissent sur les peaux, surfaces provisoires où s’impriment les jeux de couleurs et de formes, jusqu’à dessiner les contours d’une expérience immersive. L’identité y prend une forme instable, entre exposition de soi et dissolution dans le collectif.

En plein air, le décor change mais l’élan
demeure : un champ, une friche ou un terrain vague se transforme en panorama vibrant. La distance entre le dancefloor et les arbres s’abolit au profit d’un flux de sons et de mouvements qui traverse l’ensemble du site, de l’herbe sèche au ciel de l’aube. Les teufeurs piétinent le sol poussiéreux, éprouvent la fraîcheur de l’air et la sonorité jouée. Au petit matin, les traits sont tirés, les vêtements portent les marques de la nuit. L’espace se resserre : ici, des silhouettes infatigables près des enceintes, là des corps étendus ou des conversations murmurées. Plus tard, le souvenir d’un rayon de soleil, d’un visage aperçu ou d’une odeur de béton chauffé subsistera comme la trace d’un paysage intime où la fête continue de résonner.

Photographe française, Cha Gonzalez passe son adolescence au Liban, avant d’intégrer les Beaux-Arts de Bordeaux puis l’Ecole nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, dont elle sort diplômée en 2010. Depuis 2015, elle documente les fêtes, clubs et raves pour sa série “Abandon”, qui a été lauréate du Prix Virginia en 2018 et reçu la bourse du ministère de la culture et de la BnF dans le cadre de la Grande Commande photojournalisme en 2022. « Abandon » a aussi fait l’objet de multiples publications et expositions au fil des années. En dehors de cette série, elle travaille en commande pour Libération, L’Obs, Elle, Arte, Reporterre… entre autres.

Des corps-images

Danser en suivant son propre rythme, sentir le mouvement d’un corps nous frôler, se tenir au plus près du son qui gronde. Les yeux à demi-clos, les teufeurs se penchent, se dressent, s’accoudent aux enceintes comme à leurs propres gestes, tour à tour amples, lents, à peine perceptibles. La musique guide les pieds qui écrasent le sol puis s’en détachent. L’obscurité s’installe, étrange moment suspendu où la foule se réduit à un souffle, à la chaleur d’une main posée contre l’épaule, au léger déplacement d’air signalant la présence à nos côtés d’un corps devenu invisible. Brusquement, les immenses colonnes de lumières tournent à pleine vitesse et frappent du sceau de l’éclair un fragment de scène : un visage surgit, figé dans une grimace ; un sourcil froncé, une tête penchée, deux silhouettes accolées jaillissent comme un éclair.

La musique vibre, le mur crache, tout s’agite. Les silhouettes continuent d’apparaître comme des formes arrachées à la masse, composant un décor évanescent de gestes brefs et d’états passagers. Immergés au coeur de ce battement entre ombre et éclair, nous sommes soudainement saisis par une attitude, un acte, dont il ne reste qu’une image. Éminemment visuelle, l’expérience mobilise la perception de chacun. Entre ce que l’on voit et ce que l’on ressent, la frontière se brouille : saisis au vol par le rythme et la lumière, les corps dansants résonnent à la fois avec le paysage nocturne de la fête et avec notre propre intériorité, devenant des corps images qui s’impriment en nous comme les fragments d’un rêve éveillé.

Rebecca Topakian est une artiste franco-arménienne diplômée de l’ENSP Arles en 2015. Elle explore des thématiques liées à l’identité personnelle dans son rapport à l’identité collective, dans ses dimensions mythologiques et fictionnelles dans des projets photographiques et vidéo. Son travail a été récompensé par de nombreux prix et a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger, dont au Mac Val, au Casino Luxembourg, au Chicago Cultural Center ou aux Rencontres d’Arles. Elle est lauréate du programme de résidence Villa Kujoyama 2026.

De sa plume particulièrement évocatrice, Lawrence choisit de rendre hommage à Freddie Mercury à travers le témoignage de deux amis d’enfance, Ibrahim et Mustapha, rencontrés à Zanzibar et disparus lors de la révolution de 1964.
Ce fil conducteur de l’exposition invite chaque visiteur à découvrir autrement Freddie Mercury : de la figure publique à l’homme, dans toute la richesse et l’énergie de sa personnalité.
Il propose aujourd’hui un nouveau regard sur Freddie Mercury, mêlant narration personnelle et 150 photographies, dont certaines signées par Denis O’Regan.

FREDDIE MERCURY
De Zanzibar à la scène mondiale
Né Farrokh Bulsara le 5 septembre 1946 à Stone Town, Zanzibar, Freddie Mercury grandit dans une famille parsie indienne, imprégnée de culture et de spiritualité.
Très tôt attiré par la musique, il découvre le piano en internat en Inde et adopte le prénom Freddie, qui deviendra son nom d’artiste.
Après l’exil de sa famille vers l’Angleterre en 1964, il s’immerge dans la scène londonienne et forge une identité artistique hors du commun.
La naissance de Queen
En 1970, Freddie Mercury fonde Queen avec Brian May, Roger Taylor et John Deacon.
Il impose une vision forte : esthétique, musicale et théâtrale. Il conçoit le logo du groupe et
façonne un univers immédiatement reconnaissable.
Avec « Killer Queen », puis « Bohemian Rhapsody» (1975), Queen accède à une reconnaissance mondiale. La voix, le charisme incandescent et la présence scénique de Freddie Mercury en font l’un des plus grands frontmen de l’histoire du rock.
Liberté, amour et identité
Figure libre et transgressive, Freddie Mercury refuse toute étiquette.
Sa relation essentielle avec Mary Austin, qu’il désignera toujours comme l’amour de sa vie, coexiste avec l’affirmation progressive de sa bisexualité.
Sur scène, il brouille les codes, joue avec les genres et revendique une liberté artistique totale, à une époque encore peu ouverte à ces expressions.
Apogée et consécration
Les années 1980 marquent l’apogée de Queen.
La prestation de Freddie Mercury au Live Aid en 1985 reste l’un des moments les plus emblématiques de l’histoire du rock.
La tournée Magic Tour en 1986, conclue par un concert historique à Wembley, sera la dernière grande tournée du groupe avec Freddie Mercury.
En parallèle, il développe une carrière solo, notamment avec l’album Mr. Bad Guy.

Chaque décembre, les tribus Lakotas (Sioux) réalisent une chevauchée spirituelle de 450 km sur 15 jours dans le Dakota du Nord et du Sud, suivant les traces de la tribu du chef Big Foot massacrée à Wounded Knee en 1890. Cette traversée, appelée Omaka Tokatakiya / Future Generations Ride, permet aux anciens de transmettre aux jeunes leur histoire, leur culture et leur spiritualité, malgré des conditions de vie précaires dans les réserves. La série « Aux Ombres » de Simon Vansteenwinckel documente cette expérience, révélant la résilience, la fierté et la solidarité des Lakotas au-delà des images stéréotypées de pauvreté diffusées par les médias.

Le Domaine national de Chambord présente, du 20 mars au 21 juin 2026, la nouvelle exposition du photographe Robert Charles Mann (né en 1960). Résultat d’une résidence effectuée à Chambord, SOLARIS présente une quarantaine de clichés surprenants.
Adepte du sténopé, Robert Charles Mann a installé, pendant six mois, plusieurs appareils sur les hauteurs du château et du domaine. Le résultat retranscrit la course quotidienne du soleil, du solstice d’hiver au solstice d’été : entre abstraction et observation scientifique, les images portent un regard presque cosmique sur Chambord.
L’exposition propose ainsi une expérience rare : celle d’un monument historique observé non dans l’instant, mais dans la durée.

Dans les années 1990, le photographe Robert Charles Mann a fait un choix radical : renoncer à l’usage de l’objectif pour travailler exclusivement avec des sténopés fabriqués à la main.
Dans la continuité de la camera obscura, ancêtre de l’appareil photographique moderne, le sténopé est dépourvu de lentille optique. La lumière passe directement à travers un minuscule trou et vient fixer l’image sur du papier photosensible.

Dans le cadre d’une résidence au Domaine national de Chambord durant l’hiver 2024, Robert Charles Mann a installé quarante-trois sténopés dans le parc et dans les parties les plus hautes du château. Pointés vers le ciel, ces appareils primitifs sont restés en place pendant six mois — du 21 décembre 2024 au 21 juin 2025, soit du solstice d’hiver au solstice d’été. Le photographe a ainsi capturé la trajectoire quotidienne du soleil au cœur des éléments naturels et architecturaux qui composent chaque image créée.

Après avoir récupéré tous les sténopés, Robert Charles Mann a immédiatement scanné les négatifs, saturés de lumière, puis les a retravaillés numériquement afin d’en dévoiler toutes les nuances. Le cliché ainsi obtenu est nommé solarigraphe : ce n’est pas un montage, mais le résultat d’une unique et longue exposition, révélant des arcs lumineux tracés par la course du soleil. Les tirages de l’exposition SOLARIS sont réalisés sur aluminium avec des pigments permanents.

Si le résultat évoque les photographies pictorialistes du début du XXᵉ siècle, les œuvres de Robert Charles Mann sont pourtant le fruit d’un travail expérimental liant techniques anciennes et outils numériques.

Les quelques clichés issus de ce long processus, d’une beauté inédite, seront exposés dans le château du 20 mars (équinoxe de printemps) au 21 juin 2026 (solstice d’été). Une vidéo explicative sur la pose des sténopés à Chambord, extraite d’un documentaire sur le photographe actuellement en cours de réalisation par Géraldine Gallinari et Thibault Forestier, accompagnera l’exposition.

SOLARIS est une exploration rare où photographie primitive, techniques contemporaines et patrimoine architectural se rencontrent.

Photo : Emmanuel Van der Auwera, Memento 59 (Capitol Black), 2025, tirage sur plaques offset ayant servi à l’impression de journaux, 132 × 288 x 3 cm, détail,
courtesy de l’artiste et de la galerie Harlan Levey Projects (Bruxelles)

Transparences liquides réunit des images fixes et en mouvement qui se dévoilent graduellement, posant la question du temps nécessaire au regard. Riches en détails et en nuances, parfois épurées et néanmoins énigmatiques, les œuvres présentées posent chacune, à leur manière, les conditions d’une expérience perceptive susceptible de nous rendre davantage conscient·es de l’acte même d’observer. Dans cette perspective, elles problématisent notre (in)attention face aux flux médiatiques contemporains .

Entendue comme un geste incarné, ancré dans un espace-temps précis, la vision se trouve au cœur de l’ensemble des démarches présentées, qui abordent cependant des thèmes multiples. Ainsi, Laure Tiberghien explore l’apparition d’un motif selon un protocole qui accorde une importance centrale au mouvement du corps et aux gestes réalisés en laboratoire photographique, dans une négociation constante avec la chimie, la lumière et le temps. Anne Camille-Allueva propose des œuvres qui mettent l’accent sur la perception comme action d’un corps en déplacement, à la recherche d’un point de vue : l’image advient alors moins comme un signe définitivement fixé que comme un phénomène situé et transitoire.
Matan Mittwoch convoque pour sa part les dispositifs optiques de notre époque, et notamment l’écran, afin d’en révéler l’ambiguité fondamentale entre éclairage et aveuglement, clarté et opacité. Enfin, Emmanuel Van der Auwera interroge la circulation et la manipulation de l’information en déconstruisant les supports de diffusion des images, mettant en lumière leur caractère potentiellement trompeur.

Politiques, formelles ou conceptuelles, les démarches se rejoignent dans les questions que l’écran suscite, à la fois en tant qu’objet matériel et espace de pensée. Il est tour à tour envisagé comme un outil familier du quotidien – tablette, ordinateur ou téléviseur – ; comme une surface qui retient, diffracte ou laisse filtrer la lumière, à la manière d’un voile ou d’une plaque de verre ; ou encore comme un paradigme critique mettant en lumière la complexité – et la nature feuilletée – de notre rapport au réel, jamais totalement transparent ni figé, mais mouvant, fluide, en constante reformulation […]

Commissariat de Francesco Biasi et Nathalie Giraudeau

Les artistes

Anne-Camille Allueva est née en 1984, elle vit et travaille à Paris.
Elle est représentée par la galerie Bigaignon (Paris).
https://www.annecamilleallueva.com/

Matan Mittwoch est né en 1982, il vit et travaille à Paris.
https://dvirgallery.com/artists/52-matan-mittwoch/

Laure Tiberghien est née en 1992, elle vit et travaille entre Paris et Aubervilliers.
https://lauretiberghien.com

Emmanuel Van der Auwera est né en 1982, il vit et travaille à Bruxelles.
Il est représenté par la galerie Harlan Levey Projects (Bruxelles).
https://hl-projects.com/artists/29-emmanuel-van-der-auwera/

Photo : © Jonas Wibaux/Tendance Floue

« Agis dans ton lieu, pense avec le monde ». Cette citation du poète martiniquais Edouard Glissant m’accompagne depuis plusieurs années. Elle a été omniprésente dans la préparation de l’édition 2026 des Rencontres de la jeune photographie internationale organisée par la Villa Pérochon. Mais comment la traduire dans les faits ? Une direction artistique n’a pas vocation à être la simple déclinaison des goûts d’un directeur mais plutôt l’expression des enjeux d’une époque et d’un territoire par l’entremise d’une pluralité de regards photographiques qui nous interpellent, nous obligent à adopter une nouvelle distance salvatrice et peut-être à nous renouveler dans nos certitudes bien ancrées.

La Villa Pérochon, centre d’art contemporain photographique labellisé d’intérêt national, revendique une photographie ouverte à toutes les esthétiques et engagée sur les grands enjeux sociétaux et environnementaux de nos sociétés connectées et interdépendantes. Du 18 avril au 31 mai, nous vous proposons un parcours niortais de 16 expositions présentées dans plusieurs lieux patrimoniaux, connus ou méconnus. Un véritable temps fort de l’émergence photographique en France mais pas seulement!

Au centre d’art, une exposition-rétrospective Troisième Nature est consacrée à Grégoire Eloy, membre du collectif Tendance Floue et invité d’honneur des Rencontres 2026. Au cœur du festival, huit photographes émergent·es français·es et internationaux·ales bénéficient d’un écrin privilégié avec une résidence de création, laboratoire d’idées et de fabrique des possibles et une exposition collective, pour la première fois au musée Bernard d’Agesci. Plusieurs expositions satellites apportent un éclairage novateur sur certains enjeux de nos sociétés contemporaines : la suite du portrait contrasté initié en 2025 d’une jeunesse niortaise (Jeanne Lucas), une installation pluridisciplinaire suite à une résidence de création dans le Parc naturel régional du Marais poitevin (collectif Fusées), plusieurs expositions protéiformes au croisement de la photographie et des sciences interrogent la disparition progressive des traces matérielles, des archives et des témoignages par lesquels une mémoire se constitue et circule (Élie Monferier), le paysage intérieur de nos désirs de performance et la limite de notre propre corps (Maxime Riché) ou la possible existence d’une vie extraterrestre et ses manifestations supposées (Alexa Brunet). Et puisqu’il faut bien rêver, encore et toujours, les paysages dessinés de Dana Cojbuc ou les géométries de Georges Rousse nous permettent de voir le monde d’un point de vue nouveau y compris à l’échelle de la plus petite maison de Niort, la maison Gaufrette !

À l’heure où des forces occultes affirment en toute décontraction vouloir faire main basse sur nos imaginaires, il est de notre devoir de réaffirmer que, plus que jamais, le service public de la culture et la liberté de création ont toute leur place au centre de débats citoyens. Nous assumons modestement mais avec conviction notre part à l’édifice: faire société, créer du commun.

Philippe Guionie, directeur de la Villa Pérochon-CACP

Au printemps prochain, le musée Soulages exposera l’un des photographes majeurs de notre époque, Hiroshi Sugimoto.

L’oeuvre de Sugimoto met au coeur la notion de temps, très présente aussi chez Pierre Soulages, qui déclarait, en 1963, au philosophe Jean Grenier : « Le temps me paraît être une des préoccupations dont ma peinture témoigne ; c’est le temps qui me paraît être au centre de ma démarche de peintre, le temps et ses rapports avec l’espace ». Les photographies de Sugimoto partagent par ailleurs avec l’art de Soulages une préoccupation commune pour la lumière et les ombres, un intérêt formel et récurrent pour la ligne d’horizon, l’espace et le déploiement de l’oeuvre, ainsi qu’un lien fort à l’architecture.
L’exposition présentera ainsi un ensemble de huit séries entrant en résonance avec les peintures de Soulages, et couvrant l’ensemble de la carrière du photographe japonais, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui.
Cette exposition est le fruit d’une collaboration étroite avec l’artiste et son atelier new-yorkais.

Nourrie d’histoire de l’art, d’une pensée de l’image, tout autant que d’une technique sophistiquée et d’un soin constant apporté aux supports, la photographie de l’artiste japonais Hiroshi Sugimoto interroge les limites et les conditions de la représentation, aux confins d’un imaginaire pictural. Les particularités de cette approche photographique trouvent des points de rencontre aussi bien avec la peinture lettrée japonaise traditionnelle qu’avec les tendances picturales abstraites de la seconde moitié du XXe siècle.
Hiroshi Sugimoto est né en 1948 à Tokyo. Diplômé en 1970 de la Saint Paul’s University de Tokyo puis en 1974 du Center College of Design de Los Angeles, il quitte cette année-même la Californie pour s’installer à New York. Il vit et travaille, depuis lors, entre les Etats-Unis et le Japon, où il a établi, en 2009, la Odawara Art Foundation, dédiée à la culture et aux arts japonais.

D’une grande diversité, l’exposition prendra la forme d’une promenade méditative et contemplative dans la salle d’exposition temporaire, dont la scénographie a été conçue par l’artiste lui-même, et se poursuivra ponctuellement dans les espaces dédiés aux collections permanentes. Elle constitue un évènement en France, où l’artiste a déjà été exposé à plusieurs reprises mais selon des formats très différents.
La dernière exposition qui lui a été consacrée s’est tenue en 2024 à l’Institut Giacometti à Paris, et proposait un dialogue avec l’oeuvre du sculpteur autour d’une unique série, Past Presence. Son oeuvre avait été précédemment montrée en 2018 au Château de Versailles, ainsi qu’au Palais de Tokyo en 2014. Sa carrière internationale est bien plus notable : grande rétrospective à Pékin, Londres, et Sydney en 2023 ; Tel Aviv Museum of Art et Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique en 2018 ; The Philips Collection, Washington en 2015 ; au Getty Center de Los Angeles en 2014 ; -à la Scottish National Gallery of Modern Art à Edinburgh en 2011, ou encore au Fine Arts Museum of San Francisco en 2007.

© Lucie Sassiat

Toute l’équipe des Mesnographies est heureuse de vous présenter la programmation de l’édition #6 qui aura lieu du 06 juin au 19 juillet 2026, dans le grand parc des Mesnuls, 13 Grande rue 78490 Les Mesnuls

PROGRAMMATION GÉNÉRALE.

Joan Alvado – Espagne
Miia Autio – Finlande
Vic Bakin – Ukraine
Eldorado de Ruggero – Italie
Tamara Eckhardt – Allemagne
Sasha Mongin – France, États-Unis
Hashim Nasr – Soudan
Jay Ng Yun Ki – Chine, Hong-Kong
John Pallis – Grèce
Franck Tomps – France
Rie Yamada – Japon

FOCUS, JE TE CROIS.

Juliette-Andréa Elie – France
Maeva Benaiche – France
Mathis Benestebe – France
Sergio Melendez – Pérou
Virginia Morini – Italie
Lucie Sassiat – France
Mika Sperling – Allemagne, Russie

LE JARDIN N’EST PAS CLOS :

Marjolijn de Groot – Pays-Bas
Caroline Ruffault – France
Lisa Sorgini – Australie
Kinga Wrona – Pologne

Après Robert Doisneau, Vivian Maier ou la dynastie Tairraz, le musée de l’Ancien Évêché confirme son attachement à l’histoire de la photographie en consacrant sa nouvelle exposition à un grand nom de la photographie de l’entre-deux-guerres, François Kollar.

En 1931, les éditions des Horizons de France confient à François Kollar (1904-1979), jeune photographe slovaque inconnu, installé à Paris en 1924, une vaste commande photographique visant à promouvoir la France industrielle, artisanale et agricole. Pendant quatre années, celui-ci sillonne les routes du pays, réalisant plus de 10 000 clichés, dont 2000 seront publiés sous le titre de La France travaille.

C’est un monde peu représenté par l’image que l’objectif de Kollar révèle à cette occasion : celui des femmes et des hommes au travail. À l’usine, à l’atelier, à la mine, sur les ports, dans les campagnes, etc., le photographe fait le choix de les placer au cœur de sa démarche artistique, mettant en exergue leur corps, leur geste, leur savoir-faire mais surtout leur grandeur et leur dignité. Kollar porte sur eux un regard d’une grande sensibilité. Ses images sont d’une force esthétique saisissante, jouant avec l’originalité des angles de prise de vue, l’inventivité en matière de cadrages, le goût pour la composition. Salué unanimement, ce travail photographique connait un très grand succès et assure au photographe la célébrité.

Un humanisme photographique dont témoignent les quelque 130 photographies présentées dans cette exposition, issues du fonds François Kollar sur La France travaille, conservé à la bibliothèque Forney à Paris. L’exposition Nous, à l’œuvre revisite ce fonds, selon une approche originale et sensible, montrant l’intérêt artistique de ce reportage mais aussi sa place exceptionnelle dans la connaissance du monde du travail dans les années 1930.

Une exposition accompagnée de la publication de l’ouvrage François Kollar, Nous à l’œuvre, Ed. Département de l’Isère, 112 pages. Textes de Anne Dalmasso et Sylvie Vincent.

Photo : Model with lightbulb, London, England c.1943 by Lee Miller (F0021) © Lee Miller Archives, England 2025

Le Musée d’Art Moderne de Paris organise avec la Tate Britain une grande rétrospective consacrée à la photographe Lee Miller (1907-1977). Cette exposition permet de mesurer l’importance de son œuvre photographique, poétique et surréaliste, très souvent intrépide. Elle retrace l’ensemble de la trajectoire de l’artiste et met en lumière la diversité de son œuvre : des photographies de mode aux portraits et paysages jusqu’à ses reportages de guerre qui ont révélé en 1945 l’horreur des camps de concentration allemands.

Figure essentielle de l’avant-garde internationale, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin, artiste surréaliste, portraitiste, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes, dont plusieurs inédits, et propose un nouveau regard sur son œuvre.

Cette grande rétrospective est organisée à l’initiative de la Tate Britain et en collaboration avec l’Art Institute of Chicago. L’exposition retrace l’ensemble du parcours de la photographe Lee Miller, de ses débuts à New York aux années de guerre en Europe, en passant par son séjour en Égypte et sa vie à Londres. Elle met à jour la richesse d’une œuvre où cohabitent expérimentations formelles, audace visuelle et engagement politique.

L’exposition nous invite à un voyage au-delà des représentations stéréotypées de la Grèce en mettant en dialogue deux projets visuellement distincts, reliés par le fil conducteur de l’écologie. Oscillant entre journalisme lent, poésie et préoccupations environnementales, les images documentent la manière dont l’urgence climatique s’inscrit dans le paysage grec et observent les liens entre l’activité humaine et le monde naturel. Elles réfléchissent également à la manière dont les médias contribuent à notre perception du monde.

Les sécheresses interminables, les vagues de chaleur brûlantes et les vents impétueux redéfinissent les rythmes climatiques et les paysages du bassin méditerranéen, une terre qui se réchauffe à un rythme 20 % plus rapide que la moyenne mondiale. Ces phénomènes, que les scientifiques appellent une « nouvelle réalité », nourrissent des conditions propices aux incendies de forêt.

Dans cet espace où le réchauffement s’intensifie, la Méditerranée orientale, foyer de cette transformation, place la Grèce—souvent vue comme un havre estival insouciant—au cœur du tumulte du changement climatique.

À travers le premier chapitre de New Reality, l’exposition scrute le paysage grec après les ravages des incendies récents (2021-2024). Des photographies, d’abord commandées par la presse internationale, prennent une nouvelle forme dans la galerie, se confrontant à des documents d’archive et des textes imprimés, ainsi qu’à une série de « cartes postales de catastrophe ». Ensemble, elles appellent à une réflexion sur la désertification croissante, l’ombre d’une urgence climatique qui se dessine chaque jour un peu plus, tout en interrogeant les choix politiques qui façonnent la prévention et la gestion de cette crise.

En écho, et dans une démarche plus expérimentale, les œuvres de Alongside the River proposent une méditation sur la durabilité et la place de l’eau dans le fragile équilibre écologique d’aujourd’hui. Suivant le fleuve Aoos, l’un des derniers cours d’eau sauvages des Balkans, le projet explore la rencontre de la géographie, de l’histoire, de l’écologie et de la présence humaine, célébrant des modes de vie qui brouillent la frontière entre les mondes humain et naturel.

À propos de la photographe
Penelope Thomaidi (née en 1984) est une photographe documentaire grecque, formée aux Beaux-Arts et au design graphique, et actuellement basée à Athènes. Son travail explore la relation entre les individus et leurs territoires à travers des projets de longue durée, ancrés dans la recherche, qui abordent des problématiques environnementales et sociales, avec un intérêt particulier pour la mémoire, l’autodétermination et la résistance.

Penelope détient un Master en Production et Recherche Artistique de l’Université de Barcelone et est diplômée de la formation Photo documentaire par Magnum Photos et Spéos. Membre de Hans Lucas, elle collabore avec la presse, des institutions photographiques et des programmes éducatifs.

Photo : The Mattress (Cathedral of the Pines) – 2012-2014 – Digital pigment print – 106 x 138,5 cm – Courtesy Gregory Crewdson, Galerie Templon

Gregory Crewdson a dressé depuis une trentaine d’années un portrait de l’Amérique moyenne, une Amérique aux yeux écarquillés vers les lumières d’un rêve en épuisement. Ses photographies, mises en scène avec les dispositifs propres au cinéma, ont peu à peu assemblé les fragments d’un monde crépusculaire. Son œuvre est époustouflante dans sa manière d’entremêler une dimension autobiographique au portrait d’une Amérique sans gloire, théâtre d’une humanité rongée par une angoisse sourde, ruisselante d’abattement et d’ennui. Les lumières blafardes et les rues désertées ont été dès l’origine les lieux de prédilection de ses créations, conçues comme des scènes de cinéma pour produire des photographies qui, contre toute attente, demeurent les images de films qui n’existent pas.

Cette exposition réunit des œuvres issues des trois séries conçues entre 2012 et 2022. Envisagées comme une trilogie, elles déploient une vision inédite sur une décennie de création, dévoilant les deux versants, intime et politique, de l’univers qui a imposé Gregory Crewdson comme l’une des figures majeures de la photographie. Cathedral of the Pines (« la cathédrale de pins ») et An Eclipse of Moths (« une éclipse de phalènes ») marquent une étape essentielle en raison de l’intimité dont elles vibrent, cristallisée par les lieux où furent réalisées les images, profondément connectés à la vie du photographe, de sa com- pagne et collaboratrice Juliane Hiam et de leurs enfants. Cette trilogie, remarquablement clôturée par Eveningside, révèle les articulations majeures de l’art de Gregory Crewdson, dans une oscillation entre le poétique et le politique, entre la sensibilité pudique d’un homme et le regard qu’il porte sur le ressac frappant un monde imperceptiblement happé par une brutalité lente.

Après les expositions à Gallerie d’Italia (Turin, Italie, 2022), aux Rencontres Photographiques d’Arles (Arles, France, 2023), au VB Photography Center (Kuopio, Finlande, 2024), au Marubi National Museum of Photography (Shkodër, Albanie, 2025), c’est au Musée de la Photographie à Charleroi que sont présentées les œuvres de ce photographe considéré comme l’un des plus importants au niveau international.

Projet d’exposition en collaboration avec Gallerie d’Italia – Intesa Sanpaolo

Gregory Crewdson est né en 1962 à Brooklyn, New York. Il vit et travaille à New York et dans le Massachusetts. Il est diplômé de SUNY Purchase, New York, et de la Yale School of Art, New Haven, où il est maintenant professeur et directeur d’études supérieures en photographie. Ses œuvres ont rejoint les collections suivantes : Albertina Museum, Vienne ; Louis Vuitton, Paris ; Los Angeles County Museum of Art ; San Francisco Museum of Modern Art ; Metropolitan Museum of Art, New York ; Museum of Modern Art, New York ; Whitney Museum of American Art, New York ; Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; Art Institute of Chicago ; FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand ; National Gallery of Victoria, Melbourne… De nombreuses expositions lui ont été consacrées : Gregory Crewdson – 1985-2005, Kunstverein Hannover, Allemagne (2005, le même événement a été ensuite présenté au Kunstmuseen Krefeld, Allemagne ; au Fotomuseum Winterthur, Suisse ; à la Landesgalerie Linz, Autriche) ; In a Lonely Place, C/O Berlin (2011, présentée ensuite dans de nombreuses autres institutions) ; Beneath the Roses, Museu da Imagem e do Som, São Paulo (2014) ; Fireflies, Wave Hill, Bronx, NY (2014) ; The Becket Pictures, FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand (2017) ; Cathedral of the Pines, Photographers’ Gallery, Londres (2017, présentée ensuite au Centre of Contemporary Art, Toruń, Pologne, 2017-2018) ; Eveningside, Gallerie d’Italia, Turin, Italie (2022) ; Eveningside, Les Rencontres de la Photographie, La Mécanique Générale, Arles, France (2023) ; VB Photography Center, Kuopio, Finlande (2024) ; Marubi Museum, Shkodër, Albanie (2024) ; Albertina Museum, Vienne, Autriche (2024) ; Picture Window, Collection Louis Vuitton, Munich, Allemagne (2024).

Jean-Charles Vergne (1972) est commissaire d’expositions et auteur. Il a été directeur du FRAC Auvergne de 1996 à 2023. Il a consacré des expositions et des livres à Luc Tuymans, Katharina Grosse, Albert Oehlen, Marina Rheingantz, David Lynch, Raoul de Keyser, Dirk Braeckman, Richard Tuttle, David Claerbout, Claire Chesnier, Miryam Haddad, Agnès Geoffray, Shirley Jaffe, Gert & Uwe Tobias, Ilse D’Hollander, Mireille Blanc, Gilles Aillaud, Bruno Perramant, Dove Allouche, Philippe Cognée, Eberhard Havekost, Ida Tursic &Wilfried Mille, Darren Almond… Depuis 2022, il est commissaire de l’itinérance européenne de la rétrospective Eveningside consacrée à Gregory Crewdson et auteur de plusieurs livres sur Gregory Crewdson, parmi lesquels Eveningside, publié aux éditions Skira. Il est l’un des auteurs du catalogue Dans le flou accompagnant les expositions du Musée de l’Orangerie Paris (2025), de la CaixaFoundation Madrid (2025-2026) et de la CaixaFoundation Barcelone (2026).

En 2027, il sera commissaire de l’exposition La Couleur tombée du ciel au Musée Fabre (Montpellier) réunissant 90 artistes du 19e siècle à nos jours (publication d’un livre).

« Après avoir fait escale en France, en Finlande et en Albanie, les images de Gregory Crewdson, présentées en première mondiale à Gallerie d’Italia de Turin, arrivent désormais en Belgique, au prestigieux Musée de la Photographie à Charleroi. Les photographies exceptionnelles d’Eveningside, commandées par Gallerie d’Italia et actuellement en tournée à travers l’Europe, soulignent la reconnaissance dont bénéficie notre musée de la Piazza San Carlo et le fort engagement du Groupe en faveur de la promotion de l’art et de la culture au-delà des frontières nationales. »

Michele Coppola

Executive Director Art, Culture and Heritage Intesa Sanpaolo
Director General Gallerie d’Italia

Photo : Lake Mead, Nevada, 2022 © Cyril Albrecht

Couvrant treize états américains et débuté en 2019, Hydraulic Empire explore le passé, le présent et les perspectives d’avenir de ce qui est tout simplement, en termes de réalisations technologiques et de richesse créée, le projet de civilisation semi-désertique le plus ambitieux de l’histoire.

Depuis ma plus tendre enfance, je suis fasciné par l’Ouest américain, ses grands espaces, sa géologie spectaculaire et son puissant symbolisme en tant que terre d’opportunités et de nouveaux départs, ce que Wallace Stegner a qualifié de « géographie de l’espoir ». Des décennies plus tard, lors de mes multiples pérégrinations à travers la région, parcourant des étendues immenses et poussiéreuses s’étendant de chaque côté de la route, j’étais frappé par cette caractéristique du paysage : la rareté de l’eau.

Comment une terre aussi inhospitalière est-elle devenue ce qu’elle est aujourd’hui ? Comment l’Ouest américain – « région aride des États-Unis » selon les termes de John Wesley Powell – a-t-il pu devenir le berceau de mégapoles tentaculaires, l’épicentre des principaux vecteurs de l’influence américaine tels que les industries du divertissement et de la technologie, et l’une des sources principales de produits agricoles, en somme, un pilier de la puissance américaine ?

La manipulation et le contrôle de l’eau – à une échelle monumentale – sont au cœur de cet apparent paradoxe.

Depuis le texte fondateur du Reclamation Act de 1902, une féroce ambition visant à dompter les forces géologiques et hydrologiques d’une région aussi vaste que l’Union européenne a donné naissance à une infrastructure prométhéenne, financée par le gouvernement fédéral : plus de 12 000 barrages, des milliers de kilomètres de canaux, et des rivières détournées par des stations de pompage gigantesques.

Hydraulic Empire explore certains de ces sites emblématiques ou historiquement significatifs, ainsi que la « civilisation de l’oasis » qu’ils ont rendue possible, dévoilant parfois, au delà des prouesses techniques, les traces subtiles d’une histoire de conflits, de controverses, de répercussions sociales ou de dommages environnementaux.

Dans une optique plus prospective, le projet porte ensuite un regard lucide et sans concession sur les perspectives d’une entreprise humaine aussi ambitieuse, motivée à la fois par le défi et le déni, en exposant ses faiblesses, ses déséquilibres fondamentaux et inévitables tensions, exacerbés par le changement climatique.

Conscient de sa vulnérabilité, l’Ouest s’efforce activement de gérer et de freiner sa soif insatiable en combinant technologie, politiques de conservation et collaboration renforcée, mais des questions pressantes subsistent : cela suffira-t-il ?

En remettant en question le mythe d’une terre construite par des pionniers indépendants et autosuffisants – en contradiction avec cette infrastructure omniprésente et vitale de contrôle de l’eau, financée par le gouvernement fédéral – Hydraulic Empire vise à dévoiler « l’envers du décor » de l’Ouest contemporain, et à susciter une introspection nécessaire sur notre approche collective de la gestion de nos ressources les plus précieuses.

Cyril Albrecht

Après avoir suivi une formation en mathématiques, en économie et en gestion d’entreprise, Cyril Albrecht a travaillé en Europe, aux États-Unis et au Japon pendant plus de quinze ans avant de décider de se consacrer définitivement à la photographie.
Il aime avant tout développer son travail photographique à travers des projets à long terme, sur plusieurs années, qui nécessitent parfois des recherches et une préparation approfondies.

Sa photographie vise à questionner notre relation au paysage, avec un intérêt particulier pour des problématiques telles que la tension complexe entre le monde naturel et le construit, ou les traces du temps et de l’histoire sur le paysage.
Dans ses séries, il aime souvent combiner des points de vue distincts – vues au sol et vues aériennes, par exemple – afin d’offrir de nouvelles perspectives qui révèlent et dissimulent à parts égales les différentes facettes d’un lieu ou d’une situation.

Ses projets les plus récents trouvent leurs racines dans la fascination qu’il éprouvait enfant pour l’Ouest américain et dans son désir d’explorer visuellement la confrontation permanente entre son récit mythifié et une réalité plus complexe et singulière.
Son travail privilégie les images grand format, à forte qualité immersive, combinées à la grande clarté de détails que permet le médium photographique.

Lorsqu’il n’est pas sur la route, il vit et travaille en Belgique.

L’exposition De beaux assassinats plonge dans l’univers énigmatique des reconstitutions de scènes de crime, à travers des photographies issues des archives de la Police judiciaire de Liège déposées aux Archives de l’État. Ces clichés, initialement réservés à l’enquête, capturent des instants suspendus où suspects, témoins et enquêteurs rejouent les gestes du drame dans des décors inchangés, entre intérieurs modestes et paysages quotidiens bouleversés.

Étape capitale de l’enquête, la reconstitution met en présence suspects, témoins et en- quêteurs afin de confronter les déclarations ou d’éclaircir tel point obscur des faits. La photographie y joue un rôle central : elle fixe ce que la mémoire déforme ou oublie, transformant la violence en une étrange théâtralité, entre roman-photo et fiction tragique. L’exposition évite délibérément de montrer l’horreur crue — corps bafoués, vies ôtées — pour se concentrer sur l’absurdité et le froid réalisme de ces mises en scène.

Ces images, tantôt glaçantes, tantôt incongrues, invitent le spectateur à s’interroger sur la frontière entre réel et représentation, et sur la façon dont la photographie recompose et jauge la réalité du crime. Ce n’est certes pas le moindre paradoxe de ces images qui viennent après pour dire l’avant, ces photographies qui miment la vérité pour tenter de l’atteindre.

De beaux assassinats… une plongée dans l’ombre du drame, où le tragique le dispute à l’esthétique.

La collection photographique de la Police technique et scientifique de Liège

Dès la seconde moitié du 19e siècle, la photographie devient un outil de police pour l’identification des suspects. En Belgique, la création de la police judiciaire près les parquets en 1919 va offrir un cadre systématique aux photographes judiciaires. À Liège, un service photographique existe dès 1895, mais les premiers clichés connus, réalisés par le laboratoire de « Police technique et scientifique » au cours d’interventions sur le terrain, sont datés de mai 1923.

Une collection continue et entièrement répertoriée a été ainsi constituée progressivement et ses négatifs de plus de 30 ans, dont le nombre s’élève à plus de 100.000, ont été transférés aux Archives de l’État à Liège en 2019. Par la vue d’ensemble de l’actualité délictueuse, criminelle ou accidentelle qu’elle procure durant une grande partie du 20e siècle sur le territoire des provinces de Liège, de Namur, de Luxembourg et, jusqu’en 1972, de Limbourg, elle constitue un corpus de sources nouvelles pour l’histoire judiciaire, la criminalistique, l’étude de l’évolution de la criminalité, du travail de la police et des méthodes d’investigation des enquêteurs.
Par leur grande diversité thématique – suspects, victimes, scènes d’homicides, d’accidents, de reconstitutions, autopsies, armes et autres objets volés ou utilisés de manière délictueuse, documents écrits -, ces clichés enrichissent les connaissances dans de nombreux autres domaines de recherche, tels l’histoire sociale, de l’urbanisme, de l’environnement, des transports ou des techniques en particulier photographiques. Ils contribuent ainsi à révéler une part de ce que la justice dit de la société.

Dr. Laurence Druez
Chef de travaux, Archives de l’Etat à Liège

Exposition réalisée en collaboration avec les Archives de l’État à Liège

Visuel : Extrait de Les Oiseaux du paradis © Aline Suter et Céline Carridroit

À travers ses photographies et ses films personnels, une femme nous raconte sa vie avec le VIH. Le film nous invite à un voyage initiatique entre maternité et résurrection.

La caméra se concentre sur des mains manipulant des images : photographies, peintures… des souvenirs d’une vie qui défilent. Anne nous raconte sa grande plongée dans l’inconnu lorsqu’à 22 ans elle contracte le VIH. Une plongée qui commence par une grande fête, pour que l’amour prévale dans le combat à venir. Puis, ce sont les montagnes russes : un amour qui disparait, un autre retrouvé, une naissance puis, le SIDA qui finit par se déclarer. Une condamnation à l’époque, qui se soldera par une renaissance. Si Anne a tant de recul, c’est peut-être que les époques ont vu évoluer radicalement le traitement du VIH, qui n’est aujourd’hui plus une fatalité lorsqu’un traitement adéquat est disponible ; le virus devient indétectable (donc intransmissible). Céline Carridroit et Aline Suter recueillent ici un témoignage en l’illustrant délicatement des nombreuses archives d’Anne et du fonds Ciclic Mémoire, à l’image de tant d’histoires qu’il reste à raconter, pour ne pas oublier les victimes de l’épidémie.

Aline Suter est née à Genève en 1982. Elle étudie dans les universités de Genève, Barcelone et Berlin, pour obtenir en 2006, un master ès lettres en histoire et esthétique du cinéma. Après avoir travaillé dans plusieurs festivals de cinéma en Suisse et en France, elle signe en 2013 avec Céline Carridroit le court métrage Canorta qui aborde son lien intime avec sa langue maternelle, le romanche, une langue minoritaire suisse. En 2014, leur nouvelle co-réalisation Resuns (Échos en français) est l’aboutissement de cette quête identitaire et sonore. Après une Première en compétition internationale au festival Visions du Réel, le film a été diffusé dans une cinquantaine de festivals à travers le monde. Il a obtenu le prix du meilleur moyen métrage au Festival de Trento. De 2014 à 2017, elle travaille comme assistante pédagogique au département Cinéma/cinéma du réel de la HEAD-Genève. En 2018, elle reprend, avec un collectif de réalisateurs, la direction d’Earthling Productions, une société de production de films documentaires basée à Genève. Elle poursuit son travail de réalisatrice avec Laetitia en 2018. En 2019, elle co-réalise avec Céline Carridroit Les Oiseaux du paradis, sélectionné en compétition internationale à Dok Leipzig et dans plusieurs festivals internationaux. Parallèlement au développement de ses projets en tant que réalisatrice, elle travaille comme vidéaste pour des metteurs en scène et plus récemment avec le théâtre de la Comédie à Genève. Elle est également enseignante de vidéo et de son au CFP Arts à Genève et donne régulièrement des ateliers de cinéma auprès d’adolescents déscolarisés.

Céline Carridroit est née en 1982. Elle est diplômée de la Haute Ecole des Arts Appliqués de Genève (HEAD) et d’un master de réalisation en documentaire de création à Lussas en France. En 2012, elle co-fonde Les Films de la Caravane, et travaille ensuite en tant qu’assistante pédagogique au sein du Département Cinéma/ cinéma du réel à la HEAD. Elle collabore régulièrement avec des réalisateur.trice.s ou des artistes en tant que preneuse du son, chef opératrice, assistante réalisatrice ou actrice. Actuellement, elle enseigne le cinéma et les arts visuels au CFP Arts. Elle travaille comme réalisatrice au sein de la structure collective Earthling Productions et a créé un espace dédié à la diffusion et à la création sonore au sein de ce collectif : Earthling Son. Elle co-organise Les Yeux grand fermés, un week-end d’écoute et de rencontres autour de la création sonore et radiophonique. La couleur qu’on a derrière les yeux, son film de fin d’études, a obtenu un prix au festival Traces de Vie de Clermont-Ferrand et a été diffusé dans plusieurs festivals européens. Son premier film, Ils m’indiquent le Nord, traite de la relation entre les hommes et leur paysage, elle suit cette approche avec Resuns, un film co-réalisé avec Aline Suter sur la sonorité d’une langue minoritaire suisse. Ce film a obtenu le prix du meilleur moyen métrage au Festival de Trento. Son dernier film, Les Oiseaux du paradis, a été projeté au festival de Melbourne, de Leipzig et dans d’autres festivals européens. Elle développe actuellement Johanna, un long métrage de cinéma.

Fiche technique
Réalisation & montage – ALINE SUTER et CÉLINE CARRIDROIT Image – ALINE SUTER
Prise de son – CÉLINE CARRIDROIT avec – ANNE COURVOISIER FONTAINE
Sound design – ADRIEN KESSLER Musique – ADRIEN KESSLER Étalonnage – BLAISE VILLARS • C-SIDE PRODUCTIONS Sous-titrage – SANDRANE DUCIMETIÈRE • C-SIDE PRODUCTIONS
Une production – EARTHLING PRODUCTIONS
Coproduction – PVA-GENÈVE Traduction anglaise – ALEX DOWNING
Durée 15min
Version originale : FRANÇAIS Sous-titres disponibles : ENGLISH Format : HD COULEUR DCP
© Earthling Productions • 2019

Photo : De la série Fard © Baptiste Van Leendert

Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, notre choix s’est porté sur Baptiste Van Leendert. Relecture personnelle de mon village natal, je transforme dans ce projet le réel en un espace magnifié et onirique. À travers la lumière, la couleur et la mise en scène, je documente des souvenirs, des ambiances et des paysages en mutation.

D’abord inspiré par une approche documentaire, mon travail évolue vers une errance photographique puis une dérive influencée par les Situationnistes. Mon regard se porte sur l’urbanisme figé, l’ennui des jeunes et la nature comme refuge. En jouant avec la lumière, qu’elle révèle ou transforme, je redonne vie aux espaces vides et aux instants suspendus. À travers des autoportraits et des compositions surréalistes, j’interroge également la frontière entre solitude et création.

Né en 2002 à Gemmenich, je découvre la photographie en 2020. D’abord, ma manière de garder une trace de ce que je vis et d’apporter un peu de couleur dans la monotonie des travaux du bâtiment, elle deviendra vite ma manière de m’échapper de la réalité. En 2022, j’intègre l’ESA Saint-Luc de Liège où j’aurai l’occasion de produire ma première édition (Orchidée Fantôme). J’essaie à travers mon art de faire voyager le public dans cet univers qui est le mien et de créer des histoires qui l’emporteront avec elles. Je travaille beaucoup avec de la lumière artificielle et en nature. Deux éléments contradictoires, mais qui me permettent de créer des ambiances singulières aussi réelles que rêveuses. J’utilise un processus créatif reposant sur mon intuition et mes manques. La photographie est ma manière de rendre un moment éternel, de m’accrocher aux choses qui me touchent.

Baptiste Van Leendert

Photo : Pas vus, pas pris © Nikos Aliagas

Le Musée de l’Homme propose, à partir du 8 avril 2026, une exposition consacrée aux grands âges de la vie humaine. Mêlant art et science, elle est le fruit de la rencontre entre le photographe Nikos Aliagas, qui explore le sujet tout en finesse depuis plusieurs décennies, et le biodémographe Samuel Pavard, professeur au Muséum, spécialiste du vieillissement. Elle se tiendra dans le Foyer Germaine Tillion, jusqu’au 3 janvier 2027.

En croisant leurs regards à la fois lucides et délicats sur la vieillesse comme réalité biologique, démographique et sociale, Samuel Pavard et Nikos Aliagas font émerger ensemble des questions sur notre relation au temps, sur la place que notre société fait aux grands âges et sur les liens que les différentes générations entretiennent entre elles.

Les thématiques scientifiques portées par le chercheur trouvent un écho saisissant dans les photographies de Nikos Aliagas qui, depuis de nombreuses années, photographie les visages du temps qui passe. Les images présentées dans l’exposition ont été choisies pour leur capacité à rendre visible ce qui demeure souvent silencieux : la dignité des corps vieillissants, la persistance des gestes, la transmission invisible entre générations. Ce travail s’inscrit dans une approche humaniste et anthropologique, attentive à la mémoire incarnée, aux liens familiaux et aux traces laissées par l’existence. À travers ces portraits, Nikos Aliagas interroge notre rapport collectif à l’âge, au temps long et à la place que nous accordons aux anciens dans nos sociétés contemporaines. Il capte dans l’intime ce que l’analyse démographique observe à l’échelle de la société.

L’histoire naturelle de la vieillesse
Après avoir resitué la longévité humaine sur l’échelle du reste du vivant, le parcours montre que la vieillesse a toujours fait partie des sociétés humaines. Même lorsque l’espérance de vie était faible, notamment du fait d’une mortalité infantile élevée, il n’était pas rare que certains individus atteignent, voire dépassent la soixantaine. D’ailleurs, les personnes âgées ont toujours tenu un rôle fondamental dans les sociétés humaines : soins apportés aux petits-enfants, transmissions de biens matériels et de savoirs aux générations suivantes, médiation des conflits ou contribution aux choix de groupe.

La vieillesse aujourd’hui
L’exposition se tourne ensuite vers les grands âges d’aujourd’hui et l’augmentation de l’espérance de vie qui atteint plus de 70 ans dans la majorité des pays d’Europe, d’Asie, d’Océanie et d’Amérique. Les personnes âgées constituent un enjeu majeur de santé publique et de politique sociale, et génèrent deux représentations opposées : celle d’une vieillesse heureuse, active et utile, et celle de personnes isolées, dépendantes, précaires, en souffrance.

Et demain ?
Saurons-nous protéger les personnes âgées des crises du monde ? Vagues de chaleurs aiguës, crises sanitaires inédites, épidémies de cancers et de maladies chroniques ou dégénératives causées par des polluants… tous ces facteurs font planer une menace accrue sur la santé humaine en général, et sur la survie des personnes âgées en particulier. Les solutions qui doivent être trouvées pour limiter les impacts humains sur le climat et sur la biodiversité sont aussi celles qui permettraient aux humains de vivre longtemps en bonne santé.

Photo : © Tarrah Krajnak, Self-Portrait as Weston / as Bertha Wardell, Series Master Rituals II: Weston’s Nudes, 1927/2020. Courtesy Galerie Zander, Cologne/Paris

RePose ExPose CounterPose propose une rétrospective de l’artiste Tarrah Krajnak, née à Lima en 1979 et adoptée aux États-Unis, dont le travail explore l’identité, la mémoire et l’histoire de l’art à travers la photographie, la performance et l’archive.

Son œuvre interroge la quête des origines, le lien entre intime et politique et la réécriture critique des canons photographiques. L’exposition s’articule autour de deux séries majeures issues de la collection de la Fondation A : 1979: Contact Negatives (2019), qui mêle cyanotypes, auto-mises en scène et images de presse péruviennes pour évoquer l’adoption et la mémoire manquante, et Master Rituals II. Weston’s Nudes (2020), où Krajnak rejoue les poses des modèles de Weston afin de questionner la place des femmes dans l’histoire de la photographie. Ces ensembles dialoguent avec Master Rituals I. Ansel Adams (2018–2023), dans lequel elle efface symboliquement les paysages nord-américains d’Adams, et RePose (2022–…), répertoire de poses inspirées de l’histoire de l’art. L’exposition dévoile également plusieurs séries inédites en Europe : Black Messengers, Marble Studies, Le Jardin des sentiers qui bifurquent, ainsi que ses projets récents, Body Configurations, Lima (2024) et Crowds (2025). De l’intime au collectif, du récit personnel aux luttes partagées, l’œuvre de Krajnak met en jeu le corps et la photographie comme outils de mémoire et de réappropriation critique.

Commissaire : Sonia Voss

Tarrah Krajnak (née à Lima, Pérou, 1979) est une artiste qui travaille avec la photographie, la performance et la poésie. Krajnak vit et travaille actuellement à Los Angeles. Elle est Associate Professor of Art à UCLA et est représentée par la Zander Galerie (Cologne/Paris). Krajnak est Guggenheim Fellow 2024 et a récemment reçu le Jury Prize de la Louis Roederer Discovery Award lors des Rencontres d’Arles, la Dorothea Lange–Paul Taylor Prize du Center for Documentary Studies, le Hariban Grand Prize de Benrido à Kyoto, Japon, ainsi que le Lewis Baltz Research Award de Le Bal, Paris.

Krajnak a publié trois livres : El Jardín De Senderos Que Se Bifurcan (DAIS, 2021), Master Rituals II: Weston’s Nudes (TBW, 2022) et RePose (FW Books, 2023). Son travail a été publié dans les récentes éditions de Aperture, British Journal of Photography, The Eyes Journal et European Photography.

Son œuvre fait partie de collections prestigieuses telles que le Museum of Modern Art (New York), Tate Modern (Londres), Victoria & Albert Museum (Londres), Centre Pompidou (Paris), The Pinault Collection (Paris), Museum Ludwig (Cologne), Huis Marseille Museum voor Fotografie (Amsterdam), Museum of Contemporary Photography (Chicago) et The Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas City), entre autres.

Sonia Voss est autrice et commissaire d’exposition. Spécialisée dans la photographie est-allemande et est-européenne, elle a notamment présenté les expositions Corps impatients. Photographie est-allemande 1980–1989 (Les Rencontres d’Arles, 2019 ; National Gallery of Art, Vilnius, 2022) ; The Forms of Things, The Forms of Skulls, Forms of Love. Photographies lituaniennes issues des collections de la BnF et du Centre Pompidou (Paris Photo/Grand Palais, 2024) ; Sibylle Bergemann. Le Monument (Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris, 2025) et dirigé diverses publications afférentes. En 2021, elle est invitée par Les Rencontres d’Arles pour assurer le commissariat du Prix Découverte Louis Roederer. Elle a en outre valorisé les archives des photographes George Shiras (L’Intérieur de la nuit) et Kusukazu Uraguchi (Shima no ama) à travers des expositions et des publications et accompagne régulièrement des photographes contemporains. 

La bourse « Jeune Création Photographique Grand Est » s’adresse aux artistes émergents ou en devenir âgés de moins de 45 ans, travaillant individuellement ou en collectif, et résidant sur le territoire de la Région Grand Est. Pensée comme un levier d’accompagnement et de professionnalisation, elle soutient un projet de création inédit, conçu spécifiquement pour cette bourse et en lien direct avec la pensée philosophique développée par le Nouvel Observatoire Photographique du Grand Est dans le cadre de « L’Événement Photographique » 2027. Les candidats sont invités à proposer un projet qui dialogue avec la thématique « l’embrasement du monde ».

Aucun mode d’approche ni aucun traitement ne sont exclus ; la bourse encourage au contraire l’exploration de démarches novatrices, originales et singulières, aussi bien sur le plan graphique et conceptuel que sur celui des modes de narration ou de fabrication. L’esprit de ce programme repose sur la liberté d’inventer, de détourner et de questionner les usages de la photographie contemporaine, afin de renouveler les représentations et d’enrichir le champ des écritures visuelles du Grand Est.

Le dispositif prévoit la prise en charge complète des 2 projets retenus : rémunération, per diem, production, accompagnement éditorial et exposition lors de L’Événement Photographique 2027, le tout sans frais de candidature. Après la désignation des lauréates 2025, Angelin Girard et Estelle Hoffert, la prochaine sélection du jury 2026 aura lieu en Arles en juillet. Les artistes sont invités à préparer dès à présent leur dossier.

Le jury 2026 :
Sylvie Hugues : Directrice artistique du Festival du Regard, Présidente du réseau LUX
Vincent Bengold : Directeur artistique du Festival Itinéraires des Photographes Voyageur, membre du réseau LUX
Jean-Yves Camus : Directeur artistique du Nouvel Observatoire Photographique du Grand Est, membre du réseau LUX

La bourse se compose :
– zéro frais de candidature
– Rémunération
– Frais perdiem
– Production
– Édition
– Exposition durant L’Évènement Photographique 2027

https://nopgrandest.org/2026/01/01/troisieme-edition-de-la-bourse-jeune-creationphotographique-grand-est/

Photo : © Edouard Salmon

Un projet singulier qui réunit le sport, la culture, l’éducation et la création artistique.
Nancy Terre de Sport, de culture et d’art.

Starting-Blocks NCY 2026
Biennale International de la Photographie de Nancy

Capitale emblématique de l’Art nouveau, foyer de création culturelle et terre d’élection du « Livre sur la Place », Nancy réaffirme en 2026 son statut de carrefour artistique en devenant la capitale de la photographie sportive. En opérant la synthèse entre la performance athlétique et l’exigence culturelle, l’événement Starting- Blocks NCY, Biennale International de la Photographie Sportive, célèbre le geste sportif dans ses dimensions esthétiques, émotionnelles et héroïques. Ancrée au coeur du territoire, cette manifestation ambitionne de s’imposer comme une référence culturelle majeure pour la Ville de Nancy, la Métropole, le département de Meurthe-et-Moselle et la région Grand Est. Elle rassemble une sélection rigoureuse d’oeuvres réalisées par des photographes professionnels et amateurs, nationaux et internationaux, ayant documenté les grands événements du sport contemporain.

Le sport, s’affirmant aujourd’hui comme un fait social total, constitue un vecteur privilégié de dépassement de soi et d’émancipation. Au delà de la stricte compétition, il fédère des individus de toutes origines et croyances autour de valeurs universelles, qu’ils soient praticiens assidus ou spectateurs passionnés. C’est cette dimension anthropologique et humaniste que le festival entend mettre en lumière, en interrogeant la place du corps en mouvement dans notre société.

À travers sa programmation, Starting-Blocks NCY, premier Biennale International de la Photographie Sportive de Nancy, entend magnifier à leur juste mesure les regards portés sur l’effort et consacrer le travail des photographes spécialisés. Ces témoins privilégiés de l’instant décisif capturent la dramaturgie du sport, sublimant l’exploit et inscrivant l’éphémère du mouvement dans la pérennité de l’image. En valorisant ces narrations visuelles, l’événement se donne pour ambition de devenir le rendez-vous incontournable de la photographie sportive dans l’hexagone, au croisement de l’art et du document.

Les photographes Professionnels
Romain Campet
Tobias Canales
Gwenvaël Engel
Philippe Fretault
Damien Guiot
Guillaume Martial
Thomas Morel-Fort
Christophe Pallot
Yves-Marie Quemener
Edouard Salmon
Éric Vazzoler
Loïc Venance

Les photographes Amateurs
Florian Baumer
Christophe Bertaux
Suzy Champlon
Sophie Cool
Florian Greco
Nine Lescop Colpo
Yves Nodet
Frédéric Philis
Corentin Przybylski
Jean-Luc Salleron
Gheorghe Spantoveanu
Nicolas Stempien
Nicolas Texeraud
Jacques Villière
Hugo Routy

Photo : L’Homme, la Terre et la Mer © Thibault Gerbaldi

Le photographe Thibault Gerbaldi exposera du 21 mars au 19 juillet 2026, 80 photographies grand format (120 x 180 cm) sur les grilles du Jardin du Luxembourg, à Paris.

« Mon souhait, à travers ce voyage, est d’inviter à une réflexion sereine sur les fragilités et les résiliences, de bousculer nos idées préconçues et d’enrichir notre regard Je cherche des images qui se ressentent autant qu’elles se regardent et laissent à chacun l’espace d’une lecture personnelle», explique Thibault Gerbaldi.

Fragilités & Résiliences est une exposition photographique de plein air et la première exposition personnelle de Thibault Gerbaldi en France. Présentée sur les grilles du Jardin du Luxembourg, elle réunit 80 photographies réalisées à travers cinq continents.

Icebergs en cours de fracturation, dunes mouvantes, rivières glaciaires redessinant les deltas, reliefs volcaniques, littoraux et îles façonnés par le temps : les paysages présentés donnent à voir une nature en perpétuelle transformation. Ces formes transitoires révèlent des cycles d’évolution constants, où les variations s’inscrivent dans une continuité plus vaste.

Face à ces métamorphoses naturelles, l’exposition met en lumière la résilience humaine. Gestes, pratiques, rites et savoir-faire issus de cultures confrontées aux bouleversements climatiques, sociaux et démographiques témoignent d’une capacité d’adaptation profonde – qu’elle procède d’un savoir-faire ancestral, d’une adaptation écologique ou d’une quête spirituelle.

Loin de toute recherche d’exotisme, les images de Thibault Gerbaldi rendent compte d’usages, de savoirs et d’appartenances qui relient durablement les êtres humains à leurs milieux. Elles interrogent la notion de vulnérabilité, souvent associée à ces communautés, pour en révéler au contraire la force d’ingéniosité, de transmission et d’endurance, à la fois physique, culturelle et spirituelle.

Photo : © Balázs Turós

Des histoires de métamorphoses, la culture européenne nous en a transmis maintes et maintes : de l’antique poème d’Ovide peuplé de chimères au récit contemporain de la femme-truie de Marie Darrieussecq en passant par la figure du Minotaure surgissant il y a presque cent ans, en pleine montée des fascismes, sur dessins et tableaux des Surréalistes. Ces récits, chacun dans leur époque respective, mettent en mots et en images ces interrogations lancinantes et ancestrales sur notre place dans la société et, plus largement, dans la marche du monde, incertaine et chaotique.

Qu’en est-il aujourd’hui ? Quelles métamorphoses les artistes observent-ils et quels récits, fantastiques ou réalistes, livrent-ils ? Cette question à l’esprit, nous explorons la jeune scène photographique européenne représentée dans la plateforme Futures et retenons six artistes, réunis dans cette exposition : Vitalii Halanzha (Ukraine, 1991), Zoe Hamill (Grande-Bretagne, 1986), Emilia Martin (Pologne, 1991), Constantin Schlachter (France, 1992), Balázs Turós (Hongrie, 1990) et Yana Wernicke (Allemagne, 1990). Nés dans le siècle qui a vu la découverte de la mécanique quantique, grandissant au tournant de celui qui nous a confirmé que la moitié de nos cellules ne sont pas humaines, ils évoluent aujourd’hui dans un monde qui nous révèle jour après jour notre lien à la plus infime de ses particules et auquel nous confirmons, avec la même constance, notre obstination guerrière et destructrice. Artistes dans ce siècle nouveau, ils nous content les histoires de formes de vies microscopiques et de cosmos infini, de météorites et de croyances, d’hommes en devenir animal, d’un bébé et d’une grand-mère, et d’une forêt en guerre.

De ce besoin apparemment si tenace de faire récit et image malgré tout, on déduira le désir, toujours vivace, de déchiffrer la grammaire du monde et de retrouver le chemin d’une langue commune.

Pour cette exposition, nous avons cherché collectivement quels récits métamorphiques faire de notre temps. Explorant la jeune scène photographique européenne représentée dans la plateforme Futures, dont le Centre photographique est le représentant français, nous avons retenu six artistes : Vitalii Halanzha (Ukraine, 1991), Zoe Hamill (Grande-Bretagne, 1986), Emilia Martin (Pologne, 1991), Constantin Schlachter (France, 1992), Balázs Turós (1990, Hongrie) et Yana Wernicke (Allemagne, 1990). Ils et elles nous content les histoires de formes de vies microscopiques et de cosmos infini, de météorites et de croyances, d’hommes en devenir animal, d’un bébé et d’une grand-mère, et d’une forêt en guerre. De ce besoin apparemment si tenace de faire récit et image malgré tout, on déduira le désir, toujours vivace, de déchiffrer la grammaire du monde et de retrouver le chemin d’une langue commune.

L’exposition a été réalisée avec le soutien de la plateforme européenne de photographie FUTURES, co-financée par le programme Creative Europe de l’Union Européenne. Sa thématique a été conçue par les commissaires de trois structures membres de la plateforme : Světlana Malina (Fotograf Zone, Prague, République tchèque), Emese Mucsi (Robert Capa Contemporary Photography Center, Budapest, Hongrie) et Raphaëlle Stopin (Centre photographique Rouen Normandie, France).

Cette rétro­spec­tive de l’artiste belge Chantal Maes est issue d’un travail de fond mené avec le duo de curateurs Jean-François Chevrier et Élia Pijollet. Au corpus constitué en trente années d’activité – images pho­tographiques de types et formats divers, captations vidéo et sonores, per­for­mances filmées liées à l’expérience du bégaiement – s’ajoutent des travaux produits spé­ciale­ment pour l’exposition.

Dans l’œuvre de Chantal Maes, centré sur les inter­ac­tions humaines, l’activité artistique apparaît indis­so­cia­ble d’une ​ »con­struc­tion de soi ». Parmi les éléments et personnages qui constituent l’exposition, un taureau, une petite fille accompagnée par sa grand-mère, un poète qui fait l’éloge du bafouillement…

Comment approcher Simone Veil par un autre chemin que celui, désormais familier, de la femme d’État ? Comment restituer l’innocence d’une enfance niçoise brutalement interrompue par l’Occupation et la déportation ?

L’exposition Simone Veil. Mes sœurs et moi, conçue par le réalisateur et photographe David Teboul, s’attache à faire émerger l’histoire intime de la famille Jacob. À travers un ensemble de documents — correspondances, photographies, interviews — le visiteur découvre la relation profonde qui unit Madeleine (Milou), Denise et Simone avant, pendant et après la guerre.

Une dimension intime rarement mise en avant. Les archives présentées donnent à lire et à entendre les mots et les voix des sœurs Jacob qui nous racontent leur enfance à Nice, l’engagement de Denise dans la Résistance, l’arrestation de Simone, Milou et de leur mère Yvonne au printemps 1944, la déportation, les séparations, les pertes, puis l’après‑guerre, jusqu’au décès de Madeleine en 1952.

Une attention particulière est portée à leur jeune frère Jean, photographe en devenir, avec l’exposition de plusieurs de ses images, longtemps restées dans le cercle familial. Jean Jacob est déporté avec son père en 1944 par le convoi 73. Une histoire familiale tendre et tragique à la fois, qui rejoint la grande Histoire et témoigne du destin des Juifs de France.

Photo : Preganziol, 1983 © Guido Guidi

LE BAL rend hommage à Guido Guidi, figure essentielle de la photographie européenne. Depuis les années 1960, sa réflexion sur le langage de l’image a donné naissance à l’une des poétiques du regard les plus marquantes de notre temps, qui prend corps, pour la première fois au BAL, en dix-huit séquences photographiques conçues par l’artiste, en collaboration avec le MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo à Rome.

Guido Guidi, né en Italie en 1941, appartient à une génération d’artistes qui a profondément transformé le rapport entre langage photographique et perception du territoire. Son attention se porte aussi bien sur des fragments de paysages ordinaires, a priori sans qualité de La Romagne, région où il a toujours vécu, que sur des créations emblématiques signées par de grands noms de l’architecture. En accordant une importance égale au banal et au monumental, aux détails négligés comme aux formes établies, il va ainsi affirmer pas à pas une position radicale, au point d’être reconnu aujourd’hui par ses pairs comme une référence dans l’histoire du médium.

Pour Guidi, « la relation avec ce que l’on regarde, la performance de la rencontre, est essentielle ». Explorer cette relation, c’est aussi envisager la photographie comme une « note », un humble « griffonnage », une « tentative ». Il affirme ainsi son rejet de toute complaisance envers l’image unique et l’oeuvre parfaite. Pour lui, « résoudre » une image, c’est tenter de concilier à la fois une réflexion sur la primauté de l’expérience du voir, sur la spécificité du médium qui l’enregistre et sur l’écoulement du temps. Il précise : « Je pense à une photographie entendue comme un processus de connaissance – je ne crois pas au résultat définitif – il n’existe que des étapes ». Au fil de prises de vue quotidiennes, non strictement typologiques ni sérielles, va se constituer peu à peu une archive poétique du territoire : une accumulation de points de vue, de variantes et de découvertes, d’allées et venues, de répétitions, de hasards et d’insistances, loin de toute recherche d’artifice ou de virtuosité.

Les séquences photographiques dans l’exposition se déploient telle une ligne continue de plus de deux cents images. Elles retracent l’ensemble de travaux de Guidi, de ses expérimentations en noir et blanc des années 1960 et 1970 aux recherches sur le paysage et l’architecture des décennies suivantes, jusqu’aux projets les plus récents. Des carnets, manuscrits, maquettes et documents inédits éclairent certains aspects de sa méthode. Rythmé par les photographies et les intervalles qui les séparent, le parcours, par sa rigueur et la subtilité de ses variations, nous invite au coeur “photographique” de la pensée de Guidi, à sa densité artistique et à la beauté de son cheminement.

Photo : © David LaChapelle, This Is My House, 1997, courtesy of Portrait(s) Festival

Portrait(s) présente et célèbre quatre décennies de création de David LaChapelle, figure majeure de la création visuelle contemporaine, avec une exposition monographique rassemblant œuvres emblématiques et inédites.

Photographe et réalisateur américain, il s’est imposé par la puissance de ses images et son univers visuel spectaculaire. Son œuvre se distingue par une esthétique singulière pop et baroque, haute en couleurs, et une mise en scène théâtrale.
Héritier du pop art, marqué par sa collaboration avec Andy Warhol au début de sa carrière, LaChapelle développe un univers visuel où dialoguent culture populaire, spiritualité et réflexion critique sur la société contemporaine. À travers ses portraits de célébrités comme ses représentations de figures anonymes, il interroge les notions de consommation, de désir et de transcendance. Reconnu pour la richesse et la diversité de son œuvre, il défie les frontières entre la mode, l’art, le sacré et continue d’inspirer toute une génération de créateurs visuels.
Son approche à la fois spectaculaire et audacieuse mêle humour, extravagance et critique sociale pour créer des images qui marquent durablement l’imaginaire.

Sur l’esplanade du lac d’Allier : exposition en collaboration avec le Musée Nicéphore Niépce. Une traversée des collections du musée à travers la figure humaine présentée dans le cadre du Bicentenaire de la photographie et sous l’égide du ministère de la Culture.

Portrait(s) poursuit sa mission de transmission.
La voix du regard : Brigitte Patient présente Yohanne Lamoulère et parcourt les images vibrantes et habitées de ses séries réalisées à Marseille.
Des mots pour voir : la Fondation d’entreprise Neuflize OBC présente une oeuvre de Paul Graham, extraite de la collection de la Fondation.
Portrait(s) s’invite à l’école et donne à voir les images réalisées par les élèves lors des ateliers photographiques proposés en milieu scolaire.
Deux résidences soutiennent la création artistique : Julia Gat met en lumière la diversité des étudiants du CAVILAM-Alliance Française et Patrick Tourneboeuf photographie Bath en Angleterre dans le cadre du programme de résidence dans les grandes villes d’eau d’Europe, inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Et pour cette édition, la Cabine Studio Harcourt prend ses quartiers à Vichy et vous invite, le temps d’une pose, à vivre l’expérience iconique du portrait Harcourt. Offrez vous votre moment Harcourt !

Nous sommes heureux de vous accueillir à Vichy pour la 14e édition du Rendez-vous photographique Portrait(s), afin de célébrer la création, la culture et la liberté d’expression qui animent cette nouvelle édition.

Nous sommes sept femmes à la fois photographes et modèles utilisant nos propres corps comme support de création et d’exploration Artistique.

En travaillant sur nos singularités, nous nous montrons telles que nous sommes et notre regard se place en contradiction des diktats de la société patriarcale.

L’alternance entre les rôles de muses et de créatrices propose une vision égalitaire et une expérience sans domination.

OEuvrer ensemble pour une mise à nue dans son entièreté, avec ses vulnérabilités et sa puissance.

Nos créations évoluent et sont en mouvement perpétuel, inspirées par le lien de sororité qui nous unit.

Les 7 artistes apportent un “female gaze” sur la nudité et une nouvelle vision sur l’intime de par l’aller-retour constant entre le regard de modèles et de photographes.

Mêlant textes et images dans un style à la fois poétique et engagé, leurs créations explorent des thèmes aussi variés que le rapport au corps, ses représentations intimes et sa réappropriation.
Elles cherchent à rendre l’intime visible, à l’amener au-delà des murs pour réinvestir l’espace et entrer en résonance avec lui. Prendre la parole et prendre corps en tant que photographes ET modèles amène à fonder ce projet artistique à dimensions variables : tantôt comme une recherche personnelle, tantôt comme une oeuvre collective.

7 femmes différentes avec chacune leur propre regard et parcours qui s’interrogent ensemble sur ce que signifie “être femme”. Donner à voir les corps féminins autrement pour les libérer des représentations dans lesquelles ils sont habituellement enfermés.
Une quête de vérité, de réappropriation et de liberté en tant que femme et artiste.
Un véritable manifeste féministe.

Créé à l’initiative de 7 femmes artistes photographes, le collectif Nues voit le jour en 2022.
Il se réunit deux fois par an en résidence artistique. Ces rendez-vous sont des espaces de création collective autour de la représentation du nu féminin et de l’intime.
Elles accueillent épisodiquement des invitées issues d’autres disciplines telles que le dessin ou la danse afin d’élargir le champ des expérimentations possibles.
2024 marque un tournant pour le collectif qui s’est constitué en association, l’ACFA (Association Corps Femmes Art), pour développer et soutenir ces projets.

Les artistes membres du collectif
. Célia Gianinazzi
. Cyrielle Riba
. Dorothée Buteau
. Fanny Paris
. Julie Blin
. Lika Banshoya
. Solveig Robbe

«Ceci est l’histoire du voyage que Georges Bailey n’a jamais fait, de mes ancêtres déracinés qui ont quitté leur terre natale et du deuil impossible à faire pour laisser partir ceux qu’on aime. »

Dans cette série, Hervé Castaing se met en scène à travers un protagoniste silencieux, un homme et sa valise, archétype du voyageur éternel, pour construire une méditation visuelle puissante sur les départs qui n’ont pas lieu, les errances mélancoliques, la solitude, l’absence, la quête, la mémoire et les liens qui transcendent l’espace et le temps.

Loin d’être un récit de voyage linéaire, la série dépeint une odyssée intérieure où chaque décor devient une métaphore d’un état mental ou d’une épreuve existentielle, confrontant l’homme à des paysages qui matérialisent ses obstacles intérieurs, la valise incarnant le fardeau de la mémoire personnelle et ancestrale.

Chaque photographie est un arrêt sur image dans un voyage sans destination. Est-il en train de partir ? D’arriver ? De revenir ? Ou de chercher un lieu où enfin pouvoir poser son bagage ? La série, dans son ensemble, évoque le sort des ancêtres déracinés – ces départs sans retour possible qui hantent les générations suivantes.
The Last Journey est bien plus qu’un reportage sur un voyageur. C’est une oeuvre sur l’état d’être « en transit » perpétuel, entre deux rives, entre le passé et le futur, entre l’attachement et le lâcher-prise.

Hervé Castaing, avec une maîtrise subtile de la lumière et de la composition, transforme des paysages réels en panoramas intérieurs.

The Last Journey est ainsi le récit d’un homme marchant le long de ses propres cicatrices et de ses héritages invisibles, portant, dans cette simple valise, tout le poids léger et immense de ce qui l’a fait, et de ce qui lui échappe à jamais.

Hervé Castaing est artiste scénographe et photographe.
En 2024, il crée la galerie Mostra, espace d’exposition au coeur de Nantes, dans laquelle sont présentés les travaux de différents artistes photographes. En 2026, deux ans après sa série « Territoire(s) » qui avait fait l’ouverture de la galerie, il expose à nouveau avec la série « The Last Journey ».

Une exposition ludique sur le portrait à travers 200 ans d’histoire de la photographie issue du fonds de la Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie.

En 2026, l’association des Amis de Jean Giono, en parallèle à la 3ème édition de son concours de nouvelles, organise un concours de photographies avec, comme source d’inspiration, le même incipit que celui du concours de nouvelles :

« Tous ces paysages extraordinaires, choisis pour leurs qualités extraordinaires et placés en face de l’objectif suivant l’angle qui pouvait le mieux faire s’exprimer leur qualité, composaient, vus les uns après les autres, sous ma lampe cernée par la nuit, un immense pays irréel… » – Jean Giono – Noé

Ce concours est organisé en partenariat avec l’association Regards Alpins, adhérente de l’association des Amis de Jean Giono, organisatrice par ailleurs de nombreuses manifestations photographiques en lien avec la littérature.

Ce concours gratuit, sans frais d’inscription, est ouvert à tous les amoureux de la photographie et de l’œuvre de Jean Giono, qu’ils soient photographes amateurs et/ou professionnels, quel que soit leur âge et leur lieu de résidence.

La plus grande latitude est laissée aux participants pour réaliser une photographie, ou une série cohérente de plusieurs photographies, s’inspirant et dialoguant avec l’incipit choisi pour cette édition.

Les photographies doivent être transmises avant le 15/06/2026.

Tous les détails des conditions de participations sont disponibles dans le règlement du concours à consulter en pièce jointe à ce message, ainsi que sur les sites des deux associations organisatrices ou à demander à l’adresse concours-giono@regards-alpins.eu

Anonymisées, les œuvres seront soumises à un jury composé des spécialistes de l’œuvre de Jean Giono et d’experts reconnus de la photographie. Il sera placé sous la présidence conjointe de Sylvie Giono, fille de Jean Giono, et d’Hans Silvester, photographe professionnel renommé.

Plusieurs prix seront remis lors des Rencontres Giono le samedi 01 août 2026. Comme pour le concours de nouvelles, les prix photographiques seront dotés de la façon suivante :
• 1er prix 500 euros
• 2ème prix 300 euros
• 3ème prix : 200 euros.

Photo : © Pierre Chinellato

Improvisations

Dans le monde du spectacle, et plus particulièrement dans l’univers du jazz et des musiques improvisées, j’ai eu le privilège d’explorer des dimensions artistiques fascinantes. Cette exposition se divise en deux sujets principaux : les musiciennes et les paysages naturels.
Le premier volet, centré sur les musiciennes, célèbre leur talent et leur créativité qui donnent toute leur richesse au paysage musical. Au piano, aux cordes, aux cuivres, aux guitares, par leur voix ou grâce à des éléments électroniques, elles font entendre la diversité et la richesse de la musique improvisée. Chaque performance est une invitation à l’exploration où une note, un silence même racontent une histoire unique.
Le second sujet se concentre sur le paysage naturel, les espaces vivants et dynamiques. Ces éléments interagissent, créent une ambiance qui évolue avec le temps et les conditions environnementales. Les paysages changent, tout comme la musique, ils se transforment en temps réel, offrant une expérience sensorielle riche et variée.
Il est fascinant de constater que le bruit des balais sur un fût de batterie peut évoquer le bruissement du vent dans les arbres. Chaque regard sur un paysage naturel est unique, tout comme l’expérience d’une improvisation musicale.
Dans l’improvisation musicale comme dans la nature, tout est matière de composition, d’émotion et d’échanges subtils.
Chacun est une forme d’art à part entière, mais ensemble, ils créent une synergie entre le son et l’espace. Cette exposition vise à montrer comment l’un enrichit l’expérience de l’autre et invite le public à ressentir cette harmonie.
Pierre Chinellato
Janvier 2026

Photo : La première télévision. Bourgogne (France), 1963. Photographie de Janine NIEPCE (1921-2007). © Janine NIEPCE / ROGER-VIOLLET

Première exposition de la saison 2026-2027 du Pavillon Populaire, l’exposition « Premières fois / Premières photos », à voir au Pavillon Populaire du 1er juillet au 1er novembre 2026, est une invitation à un voyage ludique et érudit dans 200 ans d’innovations et d’expérimentations de la photographie.

Elle rassemble un florilège de « premières fois » qui sont d’ordre techniques, esthétiques, scientifiques et sociétales, depuis les premiers essais des inventeurs jusqu’aux récentes images de naissances de galaxie en passant par les premières photographies transmises à distance, la première image performée, le premier livre de photographie, sans oublier le premier jour d’école, ou encore le premier « pou » de l’histoire de la photographie. La parole est aussi donnée à des photographes iconiques qui racontent en images « Leurs Premières fois » et à travers elles, leur rencontre avec la photographie. On y découvrira ainsi les premiers essais et premières images de Margaret Julia CAMERON, Bernard PLOSSU, Martin PARR, ou encore Boris MIKHAÏLOV.

L’exposition souligne les liens entre innovations contemporaines et essais du passé, mais elle raconte aussi les enjeux économiques et industriels qui sous-tendent les recherches des inventeurs et leurs stratégies pour s’assurer reconnaissance et postérité à travers la protection de leur propriété intellectuelle et commerciale. Du « photocycliste » au «photopiège», les brevets ingénieux et marques loufoques auront de quoi réjouir et surprendre le visiteur. L’exposition révélera aussi la face cachée des inventions à travers les controverses qui virent le jour dans les courses vers l’innovation : les enjeux de la paternité de l’invention de la couleur ou de la trame, par exemple. La part belle est aussi faite aux tests et aux essais, sans oublier les inventions sans lendemain. « Essayer encore, râter encore, râter mieux » : ces mots célèbres de Samuel BECKETT sont un des fils rouges de l’exposition dont le parcours parmi les multiples inventions de la photographie est envisagé au prisme de l’expérimentation. Il n’y a décidément pas une invention mais de multiples inventions de la photographie.

En filigrane de l’exposition, quatre œuvres contemporaines entrent en résonance avec les images du passé tandis que plusieurs « premières fois » photographiques liées à l’histoire de la ville de Montpellier et de sa région jalonnent le parcours. Une occasion rêvée de mettre en valeur la richesse des fonds patrimoniaux municipaux, départementaux et régionaux.

Commissariat : Luce Lebart

Le Cpa présente Les temps modernes. Palawan, Philippines de Pierre de Vallombreuse. Une invitation au voyage au coeur d’une vallée luxuriante et sauvage, à la rencontre des Tau’t Batu. Sur près de quarante ans et vingt-trois séjours, le photographe témoigne des bouleversements des modes de vie et d’un écosystème soumis aujourd’hui à des changements irréversibles.

En 1988, Pierre de Vallombreuse découvre pour la première fois l’île de Palawan, au sud-ouest des Philippines. C’est là que vivent les Tau’t Balu, ou « hommes des rochers», en osmose avec leur milieu naturel. Fasciné par cette communauté autochtone de chasseurs-cueilleurs et d’agriculteurs, il multiplie depuis les séjours dans cette vallée d’une beauté prodigieuse. Après dix ans d’absence, il retrouve en 2012 les amitiés nouées sur place, et ne cesse d’y revenir.

Au coeur de la vallée et de la vie des Palawan
À travers des photographies empreintes de poésie, Pierre de Vallombreuse nous donne à voir des modes de vie aujourd’hui menacés. 23 voyages lui permettent d’immortaliser sur un temps long les changements profonds qui bouleversent la vallée et ses habitants. Les images produites par les Tau’t Batu dialoguent avec celles du photographe, portées par des sons immersifs et la musique d’un territoire unique. L’exposition témoigne ainsi de façon saisissante des évolutions d’un écosystème menacé par la montée en puissance des grandes exploitations agricoles et l’essor de l’extractivisme touchant déjà l’île.

Témoin du devenir des peuples autochtones
Depuis plus de 40 ans, Pierre de Vallombreuse témoigne de la vie des peuples autochtones, constituant un fond photographique unique sur 43 peuples en constante évolution. Son travail a été récompensé par des prix prestigieux, présenté notamment aux Rencontres de la photographie d’Arles, au Musée du Quai Branly et au Musée de l’Homme à Paris.

Photo : André Villers Portrait de Michel Butor 1976 Tirage gélatino-bromure d’argent 40 × 30 cm © ADAGP

Au début de l’année 1953, à Vallauris, André Villers (1930-2016) croise le destin : Pablo Picasso. Depuis cette rencontre, et pendant dix ans, Pablo Picasso et André Villers ne se quitteront plus. André Villers observe, apprend et capture Pablo Picasso qui joue et invente. Deux mondes s’accordent. Le peintre lui offre son premier Rolleiflex, cette « machine à coudre » dont il fera son instrument d’alchimie. De cette complicité naît Diurnes (1962), trente images choisies parmi des centaines, accompagnées de poèmes de Jacques Prévert : une oeuvre à quatre mains, où le photographe ose retoucher le maître, dans une liberté consentie. Lorsque le musée de Dole lui consacre « Photobiographie » en 1986, on découvre un corpus bien au-delà de la documentation accumulée sur Pablo Picasso. André Villers s’y révèle expérimentateur : il découpe le négatif, superpose les transparences, mêle signes et lettres. Avec Michel Butor, il élabore Les Pliages d’Ombres (1977), point d’orgue d’une photographie affranchie du document, ouverte à la métamorphose. L’image devient langage, le langage devient image. Déjà, en 1967, Louis Aragon avait reconnu cette puissance imaginative en publiant ses photos dans Les Lettres françaises pour illustrer l’oeuvre du comte de Lautréamont. André Villers, fidèle à l’esprit de Michel Butor, déplace les frontières du récit visuel. L’image n’est plus un miroir documentaire, mais fracture ; elle interroge la distance entre l’auteur, le sujet et le regardeur. L’ami de Pablo Picasso, sera, entre autres le compagnon de Karel Appel, de Robert Combas, etc., il demeure avant tout membre d’une fraternité d’artistes : ceux qui refusent l’immédiat pour faire de la création un dialogue infini.

Nous voilà incités à redéfinir, à replanter, à greffer de nouvelles souches pour refonder la photographie. Nous avons dépassé le temps du doute, celui de la critique systématique du médium. Depuis les années 1970, les fondements mêmes de l’invention de Niépce ont été repris, disséqués, contestés. Désormais, la matière redevient le point d’ancrage. Des mélanges cellulaires imaginaires, d’autres semences encore, laissent espérer qu’elles porteront en elles des formes accordées à leur temps. Le langage des végétaux et des minéraux est convoqué pour penser une autre fécondité créative. Témoignage d’une époque qui refuse de se laisser instruire par la seule chimie ou par la froideur des technologies contemporaines. L’acte photographique retrouve ainsi la lenteur et la justesse du geste artisanal. Le photographe redevient un cueilleur nomade, un semeur d’images, patient compagnon du vivant. Il faut s’y attarder : la photographie peut, et doit, demeurer un organisme vivant, un corps pigmentaire, composé de signes, d’émulsions et de microéléments vibrants. Il ne s’agit plus de capter, mais d’accompagner le mouvement du vivant ; de se défaire de l’information pour devenir langage sensible. Longtemps enfermée dans la fausse opposition entre document et art, la photographie s’est réduite à une géométrie sans chair. Aujourd’hui, une génération nouvelle reformule l’équation : le signe plastique, la texture, la matière ne dissolvent pas le sens, ils l’ouvrent, ils en élargissent la portée. Redevenue substance, la photographie respire à nouveau. Elle nous offre une scène où la matière devient savoir, où les sensations se font utiles au monde. Derrière la méthode, le choix du matériau pose la nécessité et déroule l’enchaînement des formes. La vie, comme un syllogisme en acte.

Biographie

André Villers (1930-2016) est né à Beaucourt, dans l’est de la France, à proximité des usines Japy et Peugeot.
Atteint de décalcification osseuse à l’âge de seize ans, il rejoint le sanatorium de Vallauris en 1947 pour se faire soigner. C’est là qu’il découvre la photographie, suit ses premières classes et débute ses expérimentations avec les révélateurs.
Autodidacte, André Villers développe dès les années 1950 une pratique centrée sur l’exploration des procédés photographiques : surimpressions, solarisations, collages, photogrammes, variations de tirage et interventions directes sur l’image. Le laboratoire devient pour lui un espace essentiel d’expérimentation, où la photographie est pensée comme matière, comme écriture visuelle et comme processus.
Chaque image est le fruit d’un dialogue patient entre intention artistique, contrainte technique et hasard maîtrisé.
Souvent associé à son rôle de photographe ayant immortalisé le maître Pablo Picasso sur toutes les coutures, André Villers apparaît dans cette exposition comme bien plus que cela, laquelle rend hommage à sa créativité ainsi qu’à son regard de photographe singulier.
Son attention portée aux procédés s’accompagne d’un intérêt marqué pour le livre et l’édition, qu’il considère comme des lieux privilégiés d’invention. Tout au long de sa carrière, André Villers créé des oeuvres et des livres-objets en collaboration avec des artistes, écrivains et poètes, parmi lesquels Pablo Picasso, Claude Viallat, Ben, Arman, César, Hans Hartung, Jacques Prévert, Michel Butor ou Louis Aragon. Ces rencontres donnent naissance à des formes hybrides, où texte et image se répondent, se superposent et se transforment, prolongeant son goût pour l’expérimentation formelle.

Photo : © Elsa Leydier / ADAGP. Série L’impostrice. Digigraphie sur papier ensemencé, 2024

D’impostrice, la figure issue du syndrome du même nom n’a rien, sinon la tenace sensation d’en être une. L’Impostrice incarne les potentiels endormis, enfouis sous le doute. Elle est l’opposition diamétrale à la figure rigide et immuable du génie, qui lui, ne doute pas un instant de son talent. Si elle était une carte de tarot, l’Impostrice serait celle du potentiel qui s’ignore.
C’est ce potentiel en dormance qui est contenu dans les photographies du travail, imprimées sur du papier recyclé et ensemencé de graines. En intégrant la possibilité de leur disparition, les images sont à la fois vulnérables et chargées d’un potentiel— cependant incertain. L’oeuvre n’apparaît jamais complètement sous sa forme achevée, son accomplissement ne se fera peut-être pas sous nos yeux, ni même de notre vivant.
Ce détachement du spectaculaire se retrouve dans l’esthétique des photographies du travail d’Elsa Leydier.
Elles évoquent le doute, l’hésitation, parfois un potentiel que l’on pressent mais qui n’est pas encore tout à fait là, dont il faudra s’armer de patience pour un jour, peut-être, le voir éclore.
Elles montrent aussi des luttes qui s’élèvent : la capacité de l’Impostrice à se remettre en question comme à douter du monde qui l’entoure la pousse à avancer, depuis des sables mouvants comme en eaux troubles. Elle le fait patiemment, hésitante, parfois trébuchante, alliée du temps lent et du long terme, guidée par l’espoir de l’éventuel avènement de son potentiel.

Biographie
Elsa Leydier est photographe plasticienne, diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles en 2015. Après avoir vécu plus de huit ans au Brésil, elle vit et travaille aujourd’hui entre Paris et Marseille. Le travail d’Elsa Leydier se développe principalement autour de la question du pouvoir des images iconiques. Tout en adoptant les codes visuels de ces représentations idéalisantes, elle s’efforce de les déconstruire pour mettre en lumière des enjeux de justice sociale et environnementale. Son travail prend la forme d’installations photographiques mêlant les codes visuels de l’activisme et ceux du luxe, agencées à la manière d’écosystèmes visuels. Depuis plusieurs années, elle explore l’écoféminisme à travers son projet au long cours Les Désobéissances. Elsa Leydier a été lauréate en 2019 du Prix de la Maison Ruinart/Paris Photo 2019, et l’une des lauréates du Prix Dior pour la Jeune Photographie la même année. Son travail a été montré dans des expositions personnelles en Colombie, aux États Unis en France, au Portugal et aux Pays-Bas, et lors d’expositions collectives et de foires notamment à Paris Photo, ArCO Madrid, aux Rencontres de la Photographie d’Arles, lors du Month of Photography Los Angeles, au festival Kyotographie, à la Galerie Le Réverbère, chez agnès b. à la galerie Les Filles du Calvaire, et au festival Circulation(s) à Paris.

Photo : © Clara Chichin / ADAGP Série Les précipités, Digigraphie 2025 60 x 90 cm

– il me faudrait renoncer
tout à fait à la voir –
avancée vers le rouge,
se jeter dans le bleu

Les photographies que je présente sont le fruit de marches et de dérives, de l’arrière-pays jusqu’au littoral méditerranéen.
La lumière et la matière du réel – qu’elle soit organique, végétale ou minérale – deviennent sources de sensations et d’attention aux formes sensibles du territoire.
Je cherche à traduire l’expérience du paysage, que j’appréhende non comme un décor, mais comme une relation – entre dehors et dedans, entre sujet et objet, entre le corps et le monde – une manière d’« habiter le monde », non pas contempler à distance, mais être présent à ce qui nous entoure, y inscrire son regard et son pas.
Les images, plus évocatrices que descriptives, tentent de rendre compte d’une atmosphère, de donner à sentir une forme d’imperceptibilité – la vibration subtile des lieux.
Se dessine alors une géographie sensible, où se répondent les échelles du proche et du lointain, du fragment et du vaste. Les gros plans agissent comme des synecdoques, des « matières à rêver », faisant du détail un espace d’immersion.
Ce travail participe d’une écriture photographique « écopoétique » qui interroge notre rapport au monde dans un contexte de crise écologique – entendue ici comme une crise de la sensibilité et du lien.
L’ensemble compose une séquence, une traversée du territoire. Chaque image devient ainsi un lieu de passage, une expérience de co-présence entre l’humain et le monde, invitant à un déplacement du regard et à une attention renouvelée envers les lieux, les matières et les présences qui nous habitent autant que nous les habitons.

Biographie
Clara Chichin (née en 1985) est diplômée des Beaux-Arts de Paris et titulaire d’une maîtrise en Lettres, arts et pensée contemporaine. Depuis une dizaine d’années, elle développe une pratique photographique centrée sur l’expérience sensible du paysage, de l’errance et du quotidien. Son travail s’inscrit dans une poétique de l’imagesensation, où le paysage, le végétal et les éléments naturels sont abordés comme des matières perceptives plutôt que comme des motifs descriptifs, plaçant la marche et la déambulation au coeur de sa démarche et engageant une relation incarnée aux lieux, où le paysage est moins représenté qu’éprouvé. Inscrite dans une écriture photographique écopoétique, sa recherche interroge notre rapport au monde vivant et propose des formes de réenchantement face aux enjeux écologiques contemporains. Clara Chichin est finaliste du Prix Leica en 2017 et a exposé notamment à l’abbaye de Saint-Georges de Boscherville, au Jeu de Paume et au 38e Festival international de mode, de photographie et d’accessoires de la Villa Noailles. Entre 2022 et 2024, elle a développé une co-création avec Sabatina Leccia, donnant lieu à la publication Le Bruissement entre les murs (Sun/Sun, 2024), finaliste du prix du livre d’auteur aux Rencontres d’Arles et du prix Nadar 2025.

Photo : Vision, série Jeweled, 2016 © Justine Tjallinks, Galerie Sophie Scheidecker

L’exposition Vision présente pour la première fois dans un musée, une rétrospective de l’artiste hollandaise Justine Tjallinks, à travers une sélection de soixante et une photographies emblématiques de son travail de portraitiste.

Qu’est-ce que le Beau ? Qu’est-ce qui définit ou justifie les canons de beauté ? Justine Tjallinks interroge les codes traditionnels de la beauté en bouleversant les normes esthétiques de la société contemporaine. Elle cherche à capturer avec son objectif, la singularité de son modèle et s’intéresse à la beauté de la différence.

L’artiste puise son inspiration dans la peinture ancienne du Siècle d’Or néerlandais au réalisme fantastique. Cette influence est notamment visible dans le choix de couleurs raffinées, les compositions équilibrées, le foisonnement de détails et l’utilisation de la lumière.

Même s’il est inspiré par la peinture ancienne, le travail de Justine Tjallinks est avant tout contemporain. Son langage visuel lui donne la liberté de jouer entre fantaisie et réalité.

Justine Tjallinks construit ses images à partir d’une réflexion préalable approfondie. Avant la rencontre avec le modèle, elle imagine mentalement la scène, définissant les postures, la lumière et l’atmosphère. Ce travail préparatoire précède toute réalisation matérielle et oriente chaque décision lors de la prise de vue. Les portraits se développent ensuite progressivement, chaque détail, lumière, texture, équilibre, geste, étant pensé pour contribuer à l’harmonie de l’image.

Le processus de création de l’artiste repose sur l’observation et la patience. Elle repère ses modèles dans l’espace public, parmi la foule des gares, des rues ou le long des canaux d’Amsterdam, et consacre de longues heures à identifier les personnes qui deviendront protagonistes de ses œuvres. Elle sollicite alors leur participation avec respect et humilité. Chaque séance est soigneusement préparée et témoigne de sa créativité scénographique : maquillage, coiffure, vêtements et accessoires sont choisis pour renforcer l’atmosphère souhaitée et mettre en valeur la singularité du personnage.

Le travail se poursuit en post-production, où l’artiste retravaille ses images avec minutie, combinant retouche manuelle et peinture numérique. Cette approche donne aux photographies une qualité presque picturale et un équilibre subtil entre réel et imaginaire. Chaque portrait reflète une logique interne rigoureuse, où la précision formelle sert la vérité de la scène plutôt que l’effet spectaculaire.

La pratique de Justine Tjallinks possède également une dimension sociale et éthique. Elle revendique un regard féminin et engagé, refusant les normes et les idéaux qui ont longtemps figé la représentation du corps. Ses images valorisent les singularités physiques et identitaires en bouleversant les normes esthétiques à travers l’exaltation des « imperfections », altérations et autres particularités : alopécie, albinisme, trisomie ou vitiligo deviennent autant de points d’entrée pour explorer la diversité humaine.

Loin de chercher l’exception ou l’exotisme, l’artiste s’intéresse à la vérité de chaque personne et à la manière dont le spectateur peut percevoir sa présence.

Ses portraits déconstruisent les hiérarchies traditionnelles de la beauté et réaffirment la valeur de la différence. Ils invitent le spectateur à ralentir, à s’ouvrir à la complexité des corps et des identités, et à redéfinir sa manière de voir. Les photographies de Justine Tjallinks deviennent ainsi un espace de transformation où la singularité cesse d’être marginale pour devenir constitutive du visible.

Repères chronologiques

Justine Tjallinks est une artiste photographe née en 1984 aux Pays-Bas. Elle vit et travaille entre La Haye et Amsterdam.

Formée à l’Amsterdam Fashion Institute (AMFI) où elle obtient en 2008 un Bachelor en Concepts & Brands, elle débute sa carrière en 2009 comme directrice artistique et graphiste pour plusieurs magazines de mode internationaux dont L’Officiel, L’Officiel Hommes et Zoo Magazine.

En 2014, elle se consacre entièrement à sa pratique artistique et est représentée par la galerie Sophie Scheidecker à Paris. Son travail est rapidement reconnu sur la scène internationale, notamment à travers de nombreux prix et sélections, parmi lesquels le Prix Pictet, les LensCulture Portrait Awards, les Fine Art Photography Awards et Portrait of Humanity du British Journal of Photography.

Les œuvres de Justine Tjallinks ont été présentées dans de nombreuses expositions personnelles et collectives en Europe et à l’international, ainsi que dans des foires majeures telles que Paris Photo, Photo London, Photo Basel ou BRAFA.

En Islande, la force du territoire impose le respect, mêlé à ce sentiment étrange que ces paysages sont habités. Au fil des routes, aux détours des champs de lave et des falaises de basalte, s’égrènent des sites aux histoires troublantes, peuplés de trolls, d’elfes et d’huldufólk (« le peuple caché »). Mais il en est de même à Reykjavik, dans les villes-banlieues ou les villages reculés. Ça et là, des rochers de lave sont laissés intacts entre deux immeubles, à quelques mètres d’une villa ou encore au centre d’un îlot de résidences. La toponymie des rues ou des quartiers confirme la personnification de ces lieux : Álfhóll « la butte de l’Elfe », Enbui « l’ermite », Borgir « la Cité », la pierre Latur « le paresseux », Dvergastein « la pierre à nain »… Cette cohabitation étonnante au premier regard et qui prête à sourire illustre pourtant une double réalité : la modernité de la société islandaise et son urbanisme en plein développement depuis les années 80, et la prégnance de la tradition et des croyances millénaires. Michel Eisenlohr, photographe de la trace, de la lumière et du sensible, entreprend ici de relever un défi : photographier l’invisible… Inspiré par les contes et légendes, guidé par les recherches des ethnologues, géographes et archéologues, il nous offre une immersion dans ces lieux naturels ou urbains et nous rend compte par l’image de cet héritage immatériel. Un dialogue inédit entre deux mondes.

Photo : Paul McCartney, John Lennon, Paris, janvier 1964 © 1964 Paul McCartney sous licence exclusive de MPL Archive LLP

Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente du 4 juillet 2026 au 3 janvier 2027 une exposition exceptionnelle des photographies de Paul McCartney, célèbre chanteur des Beatles, intitulée « Paul McCartney Photographe 1963-64: Eyes of the Storm ».
Cette exposition de plus de 250 clichés pris par le musicien entre 1963 et 1964, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni, pour devenir un véritable phénomène planétaire.

« A l’époque, on n’avait pas le droit à la paresse. Il fallait prendre la bonne photo, composer soi-même l’image dans son cadre sans se dire qu’au pire on pourrait toujours la rogner après-coup ».

C’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe.
L’artiste immortalise le parcours extraordinaire des Beatles, de ville en ville, de l’Europe aux Etats-Unis : Liverpool et Londres à la fin de l’année 1963, Paris, puis les Etats-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs.
A ce moment précis, les Beatles accèdent au statut de stars planétaires et redéfinissent la notion de célébrité à l’ère moderne, comme s’ils étaient le prototype de ce que deviendra la célébrité au cours des décennies suivantes…

« L’Amérique fut sans conteste le gros lot : c’était le berceau d’une grande partie, voire de toute la musique qu’on aimait ».

Cette exposition de plus de 250 photographies s’étend sur 700 m² d’espace muséal et va ainsi permettre aux visiteurs de partir à la découverte de ce groupe singulier.
Ces images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les Etats-Unis.
Nous sommes à moins de 20 ans de la fin de la Deuxième Guerre mondiale, ce pays est vu par Paul McCartney – et plus largement par de nombreux européens -, comme celui qui a libéré l’Europe. Il incarne à l’époque une certaine modernité. Il fascine.

« C’était une période complètement dingue pour nous, on vivait des tas de trucs incroyables… »

Ces clichés racontent l’intensité des concerts, des longues journées passées en répétition, dans les hôtels, sur la route, soumis au regard des médias à chaque étape de leur parcours. Pour ces quatre jeunes garçons déjà célèbres, tout est découverte…
Les photographies de Paul McCartney nous montrent aussi des atmosphères, une esthétique propre à ces années 60 entre le Royaume-Uni, Paris et les Etats-Unis. Avec eux, les visiteurs vont (re)découvrir une société aujourd’hui disparue, au travers ici d’une lunette arrière de voiture ou d’une vitre de train, là d’un bout de trottoir devant l’Olympia à Paris où les Beatles sont programmés avec Sylvie Vartan… autant de photos souvent prises « à la volée », floues, parfois cadrées de manière plus rigoureuse.
Paul McCartney aime la photographie qu’il pratique avec son frère dès l’enfance, grâce au premier appareil familial, un Kodak Brownie.
L’exposition va ainsi s’articuler de façon chronologique et se composer de 8 temps forts : derrière l’objectif ; les premières années des Beatles : Liverpool et Londres ; Paris ; départs et arrivées : New York ; de New York à Washington ; Miami ; Coda (derniers jours), août – septembre 1964.

« La vue de ces photos ne me procure pas tant un sentiment de perte que de joie rétrospective (…) En fait chaque cliché fait remonter des souvenirs, et je peux m’amuser à retrouver l’endroit où a été prise telle ou telle photos, à me remémorer ce qu’on faisait hors champs à ce moment-là ».

Exposition organisée par Paul McCartney avec Sarah Brown pour le compte de MPL Communications Limited et Rosie Broadley de la National Portrait Gallery, Londres, et présentée par le musée Granet – Ville d’Aix-en-Provence.
Ce projet s’inscrit dans les célébrations des 200 ans de la photographie.
Cette exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

Francois Daireaux nous plonge dans les grands ensembles de la modernité chinoise, croisant au passage les fragments encore vivants du monde ancien qui l’habite. Son regard se fait Zoom, en allant chercher des détails sensibles d’une Chine en équilibre instable, qui défie les lois de l’harmonie, nous tend une passerelle vers la société économique qui balaiera tous les restes de la mémoire millénaire.

En 125 images étalées sur plusieurs années et séjours, le photographe nous entraîne vers la Chine de demain, déjà présente ici et maintenant dans ces tableaux aussi puissants qu’éloquents, qui se passent de commentaires et de légendes.

C’est au fond une Chine moderne qui rejoint une Chine de la tradition, à laquelle nous convie François Daireaux. Ce travail qui date déjà de plusieurs années pendant lesquelles les paysages urbains se sont complètement transformés et réaménagés, a su anticiper les perpétuels bouleversements qui agitent et agiteront encore longtemps, la société chinoise.

Café rencontre :
Samedi 07 mars 2026 à partir de 16h
Avec Francois Daireaux et Emmanuel Lincot, professeur des spécialiste de l’histoire politique et artistique
de la Chine contemporaine et co-auteur du livre Discover.

Café rencontre :
Cinéma Lumière Bellecour (Date et heure à confirmer)
Projection du film DUI Ma? de Francois Daireaux, suivi d’une rencontre avec le réalisateur.

Photo : Radiah Frye, un mannequin ayant adopté les coiffures naturelles lors d’une séance photo aux studios AJASS vers 1970 © Kwame Brathwaite

Si l’expression « Black is beautiful » est devenue familière, peu de gens savent qui l’a popularisée. C’est à un photographe afro-américain que l’on doit, plus qu’un slogan, une esthétique propre à la communauté. Né à Brooklyn, élevé dans le Bronx, Kwame Brathwaite (1938-2023) fonde, dans les années 1960, un mouvement dont l’ambition est de rendre compte d’une culture originale qui s’émancipe de la tendance dominante. À travers l’AJASS – African Jazz-Art Society & Studios, collectif fondé avec son frère Elombe Brath – il crée un espace de production artistique, musicale et photographique qui redéfinit les canons esthétiques de la beauté noire. Les Grandassa Models, figures militantes de cette contre-culture, participent à des happenings qui conjuguent mode, performance et revendication politique. Leur nom fait référence à Grandassaland, celui donné à l’Afrique par les militants noirs de New York. Parées de coiffures africaines, de bijoux symboliques et de vêtements faits main, elles incarnent une fierté nouvelle : celle de se réapproprier son corps et son image. Les photographies de Kwame Brathwaite inaugurent un nouveau mode de représentation libre du corps noir. On ne se défrise plus, la couleur de peau est célébrée. Ces actions s’inscrivent dans une dynamique communautaire plus large, à l’image du Marcus Garvey Day, célébré chaque 17 août à Harlem depuis 1965, qui rend hommage à la pensée panafricaine et à l’autonomie noire.

Brathwaite participe activement à ces célébrations : il y photographie des concours de beauté tels que le Miss Natural Standard of Beauty, manifeste visuel et politique affirmant une beauté noire. Sa photographie, nourrie par la musique afro-américaine dans toute sa diversité – jazz, soul, funk, gospel, blues ou calypso – témoigne d’une scène en effervescence. Très tôt, il collabore avec plusieurs maisons de disques. Sur les pochettes de vinyles, ses images capturent la puissance et la dignité d’artistes comme Abbey Lincoln ou Max Roach. Kwame Brathwaite devient ensuite le photographe attitré de Stevie Wonder ou encore du groupe The Stylistics. Cette exposition est la première rétrospective du photographe organisée en Europe.

Kwame Brathwaite (1er janvier 1938-1er avril 2023, New York) est un photographe afro-américain dont le travail a été déterminant dans la définition visuelle du mouvement « Black is beautiful » à la fin des années 1950 et au début des années 1960. Influencé par les écrits de Marcus Garvey et les enseignements de Carlos A. Cooks, il développe, à travers la photographie, une esthétique célébrant la beauté noire et contribuant à la réaffirmation identitaire des communautés afro-américaines. Il est cofondateur de l’African Jazz-Art Society & Studios (AJASS) et des Grandassa Models, deux structures essentielles à cette démarche. Son oeuvre s’inscrit dans un engagement artistique et politique de plus de six décennies, couvrant les domaines de la musique, de la mode, de la performance et de la culture diasporique.
À partir de la fin des années 1950, Kwame Brathwaite s’implique avec AJASS dans l’African Nationalist Pioneer Movement (ANPM), dirigé par Carlos A. Cooks, et soutient les luttes pour la libération de l’Afrique australe. Il organise et documente de nombreux événements culturels, notamment des concerts au Club 845 dans le South Bronx, qu’il accompagne de performances artistiques, de lectures de poésie, de spectacles de théâtre et de danses africaines. Dans les années 1970, Brathwaite s’impose comme l’un des photographes culturels les plus influents de son temps. Il collabore avec des figures majeures, telles que Stevie Wonder, Bob Marley, James Brown et Muhammad Ali, dont il contribue à façonner l’image publique. Il prend sa retraite en 2018, résidant à New York avec son épouse, Sikolo Brathwaite. L’année suivante, l’Aperture Foundation publie la première monographie consacrée à son oeuvre.
Entre 2019 et 2023, son travail fait l’objet d’une importante exposition itinérante, « Kwame Brathwaite : Black is Beautiful », présentée successivement au Skirball Cultural Center (Los Angeles), au Museum of the African Diaspora (MoAD, San Francisco), au Columbia Museum of Art (Columbia, Caroline du Sud), au Blanton Museum of Art (Austin), au Detroit Institute of Arts, à la New York Historical Society, et à l’Abroms-Engel Institute for the Visual Arts (Birmingham, Alabama). Ses photographies sont aujourd’hui conservées dans plusieurs collections publiques, dont celles du Los Angeles County Museum of Art (LACMA), du Museum of Fine Arts de Houston, du Pérez Art Museum Miami, de la National Portrait Gallery (Smithsonian Institution, Washington), du Museum of Modern Art (MoMA, New York), du Whitney Museum of American Art (New York), et du Sharjah Art Museum (Émirats arabes unis).

UN SIÈCLE DE PHOTOGRAPHIE AUTOUR DE LA PUISSANCE FLORALE

Plonger dans un siècle de photographie pour y cueillir des instantanés héroïques où la fleur devient objet de puissance et d’affirmation, quoi de mieux pour célébrer un double anniversaire : le centenaire de la parfumerie grassoise et le bicentenaire de la photographie, tout en mettant à l’honneur les femmes et les fleurs.

Portée et développée par les arrières-petites-filles de son fondateur, la maison Fragonard se conjugue au féminin depuis plus de trente ans, avec discrétion et humilité. Pourtant, l’actualité nous rappelle chaque jour que l’égalité des genres et le respect du sexe dit « faible » restent précaires.

Profitons donc de ce double anniversaire pour éclairer, d’un faisceau floral, des icônes photographiques et interroger leur valeur symbolique.

POURQUOI CHOISIR LA FLEUR ?

La fleur n’est pas un simple motif décoratif et coloré : elle est aussi souvent odorante. Elle constitue l’essence même des parfums, elle enivre et inspire.

Si les femmes l’aiment tant, ce n’est pas uniquement pour ses qualités esthétiques. De nombreuses cultures montrent qu’elle n’est pas exclusivement un attribut féminin. L’exposition précédente, Femmes dévoilées et hommes en fleurs, avait par exemple montré l’amour des hommes afghans pour les fleurs.

La fleur apporte également une forme d’assurance. Cette touche, en apparence décorative — que certains accrochent à leur chapeau ou à leur veste, tressent en couronne ou tiennent simplement dans leurs mains — devient politique lorsqu’elle est présentée au monde. Comme un étendard ou un drapeau, elle transmet un message.

La fleur affirme haut et fort que celle qui la porte n’a pas peur.

DU PARADOXE FLORAL À LA MISE EN ABÎME SCÉNOGRAPHIQUE

Dans son essai Le message photographique (1961), Roland Barthes évoque le paradoxe du médium photographique. Si la photographie semble d’abord transmettre un message objectif et fidèle à la réalité, elle recèle en réalité de multiples sens cachés et interprétations.

Barthes parle de « paradoxe photographique » : l’image contient des messages codés, même lorsqu’elle paraît documentaire.

La décoration florale porte un paradoxe similaire. Derrière l’innocence et l’esthétique qui lui sont habituellement associées se cache une autre lecture possible. La fleur produit elle aussi un message, qui vient codifier la photographie.

Loin d’être un simple détail vestimentaire, la fleur ne décore pas : elle honore.

« Qui a peur des fleurs ? » propose ainsi un parcours joyeux et coloré, fidèle à l’esprit de Fragonard, mais également engagé et militant. L’exposition offre une relecture originale de l’attribut floral à travers plus d’un siècle d’histoire des femmes, des révolutions et des combats du quotidien.

Environ quarante photographies sont présentées, issues de différents fonds photographiques (AFP, BnF, RMN, Bibliothèque du Congrès…) et d’archives personnelles de photographes tels que William Klein ou Marc Riboud.

Les images sont présentées sur fond de gouaches anciennes de fleurs provenant des archives textiles de Fragonard.

DE LA COURONNE ANTIQUE À LA REVENDICATION ARTISTIQUE

Dès l’Antiquité gréco-romaine, la couronne florale possède une symbolique riche. Elle n’est pas seulement un ornement esthétique : elle agit comme un diadème, symbole de pouvoir et de puissance.

Ces couronnes végétales sont des signes de reconnaissance, d’honneur, de mémoire et de communication politique et religieuse.

Dans le domaine artistique, l’une des figures les plus emblématiques de cette symbolique est Frida Kahlo, célèbre pour ses couronnes de fleurs. Présentes dans de nombreuses cultures — de la Russie à l’Amérique centrale en passant par les îles du Pacifique — elles deviennent chez elle un signe identitaire fort.

Elles affirment à la fois sa personnalité artistique et son appartenance culturelle mexicaine.

On retrouve cette dimension identitaire chez les Femen, dont les couronnes de fleurs rappellent leurs origines ukrainiennes.

METTRE EN LUMIÈRE LES FEMMES PHOTOGRAPHES

L’exposition est également l’occasion de mettre en avant les femmes photographes qui ont marqué silencieusement l’histoire de la photographie au XXᵉ siècle.

Longtemps oubliées, elles sont aujourd’hui redécouvertes par les institutions culturelles et les commissaires d’exposition. Parmi elles :

Mary Ellen Mark
Marie-Laure de Decker
Tina Modotti
Denise Bellon
Vivian Maier

On peut également citer Karimeh Abbud, première photographe palestinienne indépendante. Elle parcourait son pays, possédait plusieurs studios et photographiait familles et paysages.

Qu’elles soient artistes, militantes ou femmes politiques, les femmes portant des fleurs deviennent héroïques. Ce sont ces images que l’exposition souhaite mettre en lumière.

LA FLEUR RÉVOLUTIONNAIRE

Au XIXᵉ siècle en France, la parure florale devient aussi un signe d’appartenance politique. Portée en boutonnière, la fleur renseigne sur les convictions politiques de celui ou celle qui la porte.

Rouges ou blanches, fleurs de lys, violettes, œillets ou immortelles deviennent ainsi des marqueurs politiques visibles dans l’espace public.

Au XXᵉ siècle, certaines révolutions prennent même le nom de fleurs :

Révolution des Œillets au Portugal (1974)

Révolution des Roses en Géorgie (2003)

Révolution des Tulipes au Kirghizstan (2005)

Les fleurs deviennent alors les symboles d’un mouvement populaire non violent.

Dans les années 1960-1970, elles incarnent également l’idéologie pacifiste contre la guerre du Vietnam, symbolisée par la célèbre photographie La jeune fille à la fleur de Marc Riboud.

C’est l’époque du flower power et du mouvement hippie, popularisé lors du Summer of Love en 1967.

La photographe Isabelle Hayeur participe à l’exposition collective pluridisciplinaire « Contraste et indifférence », une exposition en deux volets, co-produite par le Centre culturel canadien et la Fondation Grantham pour l’art et l’environnement. Les artistes réunies dans l’exposition Contraste et indifférence parcourent le monde et se confrontent, en permanence, à des contextes étrangers dans lesquels elles s’autorisent à entrer, avec douceur et attention, pour témoigner ce qui s’y passe. Le déplacement est essentiel à leur démarche, tout comme une forme de solitude propice à l’observation et aux rencontres.

Guidées par une conscience critique et une sensibilité à l’autre, elles dévoilent quelques disproportions vertigineuses qui affectent l’humanité ici et là sur notre planète. À l’écart du spectaculaire, en reliant sans cesse les enjeux de surface et les profondeurs, elles racontent les tensions du monde contemporain.

Commissaire : Catherine Bédard

Avec les œuvres de Larissa Fassler, Cécile Hartmann, Isabelle Hayeur (photographe), Capucine Vever

Photo : Pascale Marin © Pascale Marin, AFC

Le hors champ marque de sa présence discrète les images depuis la Renaissance. Un non-dit qui avec la photographie devient progressivement un constituant fondamental de la signification des images et l’un des déterminant essentiel du langage cinématographique. Par le regard actif, la pensée glisse vers l’invisible, l’interdit, l’indicible…
L’invisible : ce que l’image dissimule ou laisse hors d’atteinte du regard.
L’interdit : ce qui est refoulé, censuré, tu, mais dont l’image conserve la trace ou le fantôme.
L’indicible : ce que ni le langage, ni le regard ne peuvent saisir. Le sacré, le mythe, le non-représentable.
Après Cinematographer en 2023, le musée Nicéphore Niépce invite de nouveau l’Association Française des directrices et directeurs de la photographie Cinématographique (AFC), en partenariat avec le festival Chefs Op en Lumière, à un dialogue sur cette notion commune à la photographie et au cinéma : le « hors champ ».

Il y a dans chaque photographie ce qu’elle « donne à voir ». Et ce qu’elle donne à voir se situe à l’intérieur d’un cadre. Ce cadre, ce champ, fait le choix d’une composition, d’un équilibre, d’un monde possible. Mais il enferme autant qu’il révèle. L’art de la composition, selon le directeur de la photographie Henri Alekan, est le « sentiment d’équilibre d’une image par rapport à son enfermement ». Peut-être est-ce ici que commence le hors champ : dans ce qui échappe à cette clôture du cadre, à cet emprisonnement. Dans ce que la photographie choisit de laisser dehors, dans ce qu’elle tait, ce qu’elle ignore, rejette ou convoque sans le montrer. La photographie sait suggérer en creux, jouer au chat et à la souris avec ce qu’elle ne dit pas. Elle sait ruser avec le visible.

Le cinéma explore ses propres hors champ. Il partage des liens avec la photographie mais dans une logique de flux, de récit, de durée, d’espace sonore. Le hors champ y devient tension, continuité, effet d’attente ou de résolution. Il sert la narration, agit comme une promesse d’image à venir, ou une rémanence d’image passée.

La photographie, elle, reste et ne promet rien. Elle est là, suspendue, muette, irrésolue. Elle creuse dans sa fixité, un vide actif, une absence qui travaille le regard. En faisant dialoguer deux ensembles que tout pourrait opposer, les photographies produites par les chefs opérateurs, habitués à composer lumière, cadre et mouvement dans le flux du cinéma, et les collections du musée Nicéphore Niépce, hétérogènes, et composites, l’exposition propose d’explorer cette absence-là : ce que la photographie frôle sans le dire.

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Exposition en partenariat avec le Festival Chefs op’ en Lumière et l’Association Française des directrices et directeurs de la photographie Cinématographique (AFC)

Commissariat :
Nicolas Bouillard
Emilie Bernard et Emmanuelle Vieillard, musée Nicéphore Niépce

L’Infinitif , c’est le temps non conjugué. Et Repriser le temps , car la reprise n’est pas la répétition, elle mène toujours l’ouvrage au-delà de ce qu’il était.
Mon premier geste est celui du regard. Un temps d’avant la photographie, celui de l’infini.
Regarder, choisir, et donc retenir. Ou distinguer , une photographie parmi des milliers, un lieu ou un instant du monde. Puis à nouveau laisser flotter l’image au regard d’une ou plusieurs autres et rendre au présent des temps et des lieux distants. Dans l’espoir qu’à l’instant le murmure de ces « photolalies » nous prenne, nous déprenne, nous reprenne.
L’exposition met en regard et en conversation des photographies de la série {Intérieur } de Arièle Bonzon , vues de lieux, suspendus dans un temps in(dé)fini, vides de présence mais remplis d’absence, parcourus de signes qui renvoient au passage de vies inconnues avec des photographies choisies par elle dans le fonds du musée Nicéphore Niépce, uniques ou ensembles constitués de portraits d’inconnus, d’anonymes comme on les nomme en photographie, images silencieuses elles aussi.
Le désir de convoquer des rencontres entre lieux et temps séparés et d’être à l’écoute de ce qu’elles ont à nous raconter prend sa source dans l’enfance de l’artiste. Des liens, parfois obscurs et sourds, se nouent entre les photographies. Et c’est ainsi (en secret) que se créent (entre elles et nous) le récit qu’elles charrient, des « boules de temps ». Elles pourraient être comme ces « boules à neige », une fois saisies, il suffirait de les retourner puis de les reposer, afin que mots et silences chargés de souvenirs se mettent à tourbillonner, à danser devant nos yeux et dans nos mémoires.
Expériences primitives de ressouvenir qui tente de poursuivre le temps lui-même dans ses derniers retranchements.

Cette exposition nous met à l’épreuve de temps particuliers, comme on le pratique en photographie, à l’instant de la saisie ou au moment de l’apparition de l’image, de nous mettre autant face au réel représenté par l’image qu’au réel de la photographie, en tant qu’objet qui simule le réel représenté, et de permettre à ceux qui voudront bien se prêter au jeu de plonger dans ces miroirs tendus au passage du temps.
On pourrait aussi parler d’« attrape-temps » pour désigner ces instants photographiques, car le temps est facétieux et il se joue de nous ! Bien décidée à le laisser jouer, l’artiste choisit d’improviser avec lui sur des partitions pour différents instruments.

Arièle Bonzon et Sylvain Besson

Comment les photographies de famille deviennent-elle des outils de transmission collective ? Raconter les familles, les foyers comme un espace intimiste, clos, nécessite de s’intéresser aux enjeux contemporains qui heurtent la vie de toutes et tous : enjeux économiques, de territoires, spatiaux, temporels, symboliques, culturels… le projet « Portrait de famille » pose un regard photographique sur celles et ceux qui composent nos territoires, mélange entre ruralité, urbanités et leurs interstices.

Exposition présentée en partenariat avec l’Institut pour la photographie.
Le projet Portraits de familles bénéficie de l’accompagnement artistique et structurel de l’Institut pour la photographie.

Photo : Mita et une amie, Leipzig, 1983 © Christiane Eisler

Leipzig, années 1980. Le régime de la RDA pèse sur la vie quotidienne et les perspectives sont moroses. Mais la jeunesse est en ébullition : dans la ville saxonne, la scène punk fait rage et inspire à la photographe Christiane Eisler un vaste travail documentaire. Dans les mêmes années, elle s’immerge dans un centre correctionnel pour adolescentes et côtoie des groupes d’athlètes, qui incarnent alors la fierté de l’État. Trois regards sur la jeunesse, ses rêves et sa confrontation à l’autorité, à quelques années de la chute du mur de Berlin.

Née à Berlin-Est en 1958, Christiane Eisler a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) de Leipzig. Affirmant son statut de photographe indépendante, elle n’a cessé de creuser la veine documentaire et sociale de son travail, en suivant la jeunesse de Leipzig et de ses environs puis, après 1990, en faisant état des bouleversements vécus par ses concitoyennes et concitoyens, notamment les travailleuses, suite à l’effondrement de la RDA. En 2016, son travail sur les punks, censuré en son temps, est enfin publié et exposé aux archives de la Stasi à Leipzig. Christiane Eisler vit et travaille à Leipzig.

Photo : © Natalya Saprunova

« Proche. Lointain. Incertain.» fait dialoguer trois regards photographiques sur la relation complexe entre l’homme et son environnement, du silence des plaines américaines aux confins de l’Arctique.
Ensemble, ces trois récits dessinent une cartographie de la fragilité humaine où l’errance, qu’elle soit choisie, forcée ou héritée, devient un chemin vers la compréhension de soi et du monde.

Avec Alfie Masoliver, nous suivons la figure romantique du Wanderer sur les routes de l’Ouest américain. Inspirée par Schubert, sa série transpose la solitude métaphysique, essence même du road trip. En capturant les traces de civilisation sans présence humaine, le photographe explore l’esthétique du Sublime : une nature grandiose et désolée qui devient le miroir de notre propre subjectivité.

Ce voyage dans des terres immenses et enneigées trouve un écho dans le travail de Natalya Saprunova. À travers Peuple Boréal, elle nous immerge dans la culture mystique du froid. Son regard témoigne de la résilience des peuples du Nord face à la double menace de la fonte du permafrost et des traumatismes liés à la colonisation et à la sédentarisation forcée, révélant une terre qui se dérobe.

Enfin, Olivier Laban-Mattei nous emmène au Groenland avec sa série Neige Noire. Il y dépeint un peuple en pleine errance identitaire, balloté entre héritage colonial et rêves d’indépendance. Dans ce paysage fragile, marqué par le changement climatique et les appétits géopolitiques, ses photographies racontent la tension entre la survie sociale et la rudesse d’un monde en pleine mutation.

L’exposition Instants Polaroid propose une immersion dans l’univers singulier d’Alain Guillemaud, où la photographie instantanée devient un outil d’expérimentation, de mémoire et d’émotion.

Le parcours s’ouvre sur les travaux publicitaires de l’artiste. Diapositives et Ektachromes y sont mis en scène dans un dispositif sombre, où le rétroéclairage constitue l’unique source lumineuse. Les flâneries photographiques se déploient ensuite à travers des Polaroids originaux, témoignant d’une attention particulière portée aux variations de lumière, aux dominantes chromatiques instables et aux imperfections propres au procédé instantané. Le bleu, couleur emblématique de Guillemaud, se fait source d’émotion. La couleur suspend le temps.

Viennent ensuite les natures mortes qui, déclinées dans une palette sourde, mettent en scène des objets ordinaires et des compositions silencieuses. Elles constituent un terrain d’expérimentations formelles inscrivant les images dans un dialogue entre tradition et sensibilité contemporaine.
La section consacrée à l’urbex dévoile des lieux et des architectures abandonnés, transformés en paysages oniriques empreints de mystère. Ici, la photographie capte moins un lieu qu’une atmosphère immobile.

Le cœur du parcours explore enfin l’imprévu : des abstractions où la couleur, la matière et le hasard deviennent les véritables sujets de l’image.

La scénographie prolonge cette esthétique du sensible par une palette chromatique en écho aux œuvres : bleu profond et gris ardoise, tempérés par un blanc champagne, tandis que des accents orangés instaurent un dialogue entre froideur et chaleur, ombres et lumière.

Installé à Nanterre, dans l’un des départements les plus peuplés de France et à proximité immédiate des mégastructures de l’architecte Jacques Kalisz, le CAUE92 fait le point sur le patrimoine de logements collectifs datant des années 1945 à 2000 dans les Hauts-de-Seine. Sous-estimé, voire ignoré par l’habitude, il est le décor plus ou moins ordinaire de villes ou nous avons massivement appris à habiter. Souvent disqualifié par son béton, ce patrimoine est sujet à démolition ou risque l’enfouissement sous une épaisse isolation thermique. Pour le préserver et le transmettre, il faudra pourtant le connaître.

Le photographe Myr Muratet célèbre pour « multiplier les allers et retours dans les lieux observés au gré des rencontres avec les personnes photographiées», a documenté les 5 monuments de 300 à 400 logements de Jacques Kalisz, dont la démesure masque l’immense diversité des appartements. Issue de 8 mois sur le terrain, au plus intime des logements, cette commande exceptionnelle du CAUE92 est présentée dans l’exposition sous la forme de tirages grand format et d’un slide-show de 20 minutes baptisé du nom du quartier, Nanterre Parc Nord. Cette centaine de photographies révèle la richesse et la multitude de cet « ordinaire-extra› et la manière dont les intérieurs sont habites.

En contre-champ, la Galerie du CAUE92 présente un focus sur le travail de la photographe Tokuko Ushioda Intitulée /ce Box, sa série de tirages en noir et blanc de réfrigérateurs où se logent et s’étagent denrées et boissons diverses saisit la vie domestique dans ce qu’elle a de plus ordinaire. Retenus pour leur vision essentielle de la notion d’intérieur, jusqu’à évoquer celui de nos estomacs, les dix diptyques rassemblés ici sont exposés pour la première fois en France.

Uqbaroxy est un projet collaboratif de Zoe A. Keller, chercheuse en cultures visuelles, et Batia Suter, artiste visuelle. Il prend pour point de départ les archives Eranos, qui comprennent environ 3 000 images archétypales conservées à l’institut Warburg de Londres. Ces images ont été rassemblées entre les années 1920 et 1950 par la spiritualiste et théosophe néerlandaise Olga Fröbe-Kapteyn (1881-1962) à Ascona, au Tessin, où elle vivait près de la communauté du Monte Verità. Fröbe-Kapteyn a constitué ces archives afin de soutenir les recherches sur les archétypes et l’inconscient collectif, notamment celles du psychiatre suisse Carl Gustav Jung. Fröbe-Kapteyn considérait ces images comme des traces visuelles d’une mémoire symbolique et religieuse profonde, récurrente à travers les cultures et les époques.

Dans leur premier projet collaboratif, qui prend la forme d’un essai critique et d’une installation photographique, Keller et Suter remettent en question, réactivent et, ultimement, resignifient ces archives complexes. Si les archives Eranos demeurent profondément fascinantes, elles sont également imprégnées des idéologies violentes de l’universalisme, et même parfois, comme nous le voyons à présent, de la pensée totalitaire. Uqbaroxy aborde les tensions qui surgissent lorsque des collections d’images historiques sont réinterprétées à la lumière des pratiques visuelles et théoriques contemporaines. Keller et Suter abordent les archives Eranos comme un espace de réflexion contemporain, et comme un laboratoire de « l’anarchétype », un néologisme qu’elles ont forgé en combinant les concepts d’anarchie et d’archétype.

Espace Ami-Lullin, Bibliothèque de Genève
Promenade des Bastions 8, 1205 Genève

© Clara Chichin et Sabatina Leccia

Paysages en relation / Boire et marcher
Clara Chichin et Sabatina Leccia

Clara Chichin développe une recherche photographique au long cours autour de l’expérience sensible du paysage et de sa représentation. Son travail s’inscrit dans une poétique de l’image-sensation, où le paysage et les éléments naturels sont envisagés comme des matières perceptives. L’exposition à La Filature présente ses trois séries personnelles Le dos des arbres, Ses disparitions successives et Il est alors possible de risquer le rêve, en regard du projet Le Bruissement entre les murs, que Clara Chichin a mené en collaboration avec la dessinatrice et brodeuse Sabatina Leccia entre 2022 et 2024, et qui ouvre un espace de dialogue avec une autre pratique artistique, donnant forme à un jardin d’images hybrides. Cet ensemble est complété par la création Par où l’eau passe, composée de trois œuvres réalisées dans le cadre d’une résidence en Alsace en novembre 2025.

C’est également sur un temps long que Delphine Gatinois élabore sa recherche, qu’elle consacre aux équilibres séculaires bouleversés par la modernité. L’artiste documente les usages et les récits que la tradition agence autour d’elle dans un travail plastique faisant appel à différentes techniques de production et d’édition de l’image. Ses nouvelles images de la série Boire et marcher sont issues de marches en Alsace, réalisées à l’invitation de La Filature, dans des paysages de prairies inondables, de forêts et d’affleurements rocheux, ainsi que dans des zones dites cosmologiques, marquées par la présence de forces souterraines. L’eau y agit comme un agent de transformation lente, visible et invisible à la fois. Elle infiltre, creuse, altère et redistribue les formes, mettant en interaction permanente la surface et le sous-sol. Terre et eau s’y transforment réciproquement, brouillant les frontières entre minéral, végétal et fluide.

Dans chacun de leurs projets, les artistes se laissent imprégner par l’environnement afin d’établir avec lui un dialogue sensible et d’ouvrir une voie de passage, propice à de nouvelles possibilités dans la fabrication des images.

L’accrochage a été comme un cheminement : une ligne d’images qui traverse l’espace, faite de séquences, de rapprochements et de respirations.
Chaque série conserve son rythme propre, tout en entrant en résonance avec les autres dans l’espace.
En filigrane, l’idée de la métamorphose du paysage, de la mise en relation de différents territoires explorés, et du paysage comme relation.
Entre les images, des intervalles, pour laisser au regard le temps de circuler.
L’exposition devient ainsi une manière de retranscrire dans l’espace l’expérience de la marche et de la déambulation qui traverse ce travail.

Images réalisées au fil de marches dans différents territoires.

Delphine Gatinois documente les usages et les récits que la tradition agence autour d’elle dans un travail plastique ayant recours à différentes techniques de production : photographie documentaire, expérimentation sur matériaux textiles, affiches déployées dans l’espace public et vidéo. Dans chacun de leurs projets, les artistes se laissent imprégner par l’environnement pour établir avec lui un dialogue sensible et ouvrir une voie de passage permettant de découvrir une nouvelles manière de fabriquer des images.

Photo : MUE #1, procédé au collodion humide sur plexiglas.

Mue se situe à la croisée de la création textile et de la photographie, dans une recherche qui interroge les liens entre corps, image et performance. Développé à partir d’une immersion au sein d’un club de boxe savate au Bourget, le projet s’inscrit dans une démarche mêlant observation, co-création et expérimentation plastique.
À travers un processus stratifié, Mue explore la manière dont le corps en action — corps discipliné, entraîné, mis en tension — devient à la fois territoire de création, surface de projection et matrice de récits symboliques. Comment le geste sportif, répété, codifié, parfois contraint, ouvre-t-il un espace d’imaginaire où se rejouent les notions d’identité, de puissance et de métamorphose ?
Lors de séances d’entraînement et de compétitions de boxe savate, un travail photographique est mené au plus près des gestes, des rythmes et des postures. Les corps sont observés dans des états de concentration, de fatigue, de répétition et de dépassement : impacts, esquives, temps de pause, reprises. Ces images constituent une première matière de recherche, un vocabulaire formel issu de l’expérience physique et du rapport direct au combat. Ces photographies sont ensuite fragmentées, découpées, déplacées et intégrées à des compositions textiles tridimensionnelles. Par un travail de superposition et d’assemblage, l’image quitte son plan pour devenir volume. Les fragments photographiques s’enchevêtrent avec des couches de tissu, évoquant des strates mémorielles, comme les traces accumulées d’un corps en transformation. Cette hybridation traduit la complexité des identités corporelles : mouvantes, non linéaires, traversées de tensions, d’effacements et de réinventions.

Parallèlement, les adhérent·e·s du club ont été invité·e·s à imaginer un super-vêtement : une tenue spéculative et augmentée, pensée comme une extension. Dépassant la fonction utilitaire du textile sportif, ces vêtements deviennent des outils de projection symbolique. Chaque pièce naît d’un cahier des charges personnel, élaboré par les sportif.ve.s puis interprété par Laure Ledoux et la designer textile Manon Sauger. Ce processus de co-création est conçu comme un espace d’introspection, où l’intime dialogue avec l’imaginaire héroïque, et où le textile agit comme une seconde peau conceptuelle.

Une fois confectionnées, les tenues sont activées dans une série photographiques. Cette seconde phase interroge la capacité de l’image à construire un mythe, amplifier une présence. Le corps sportif n’est plus seulement montré dans l’effort, mais réinscrit dans une mise en scène.

En regard de ces précédentes phases, une série d’images est développée à partir du procédé photographique du collodion humide, appliqué sur des plaques de plexiglas teintées. Ce choix technique introduit une relation particulière à la lumière et à la transparence : l’image semble flotter, suspendue entre apparition et disparition. Le plexiglas agit comme un filtre chromatique transparent et symbolique qui déplace la lisibilité et invite à une lecture plus intuitive, plus projective. Le collodion devient ici un outil de mise en tension de l’image, entre visibilité et effacement, présence et trace.

En mettant en dialogue textile et photographie, Mue explore les frictions entre deux matérialités qui, ensemble, traduisent les états de transformation du corps. Le tissu, souple et tactile, dialogue avec l’image fixe qui devient fluide par la transparence, le montage et la superposition. Cette hybridation des médiums ouvre la voie à de nouveaux récits corporels, où les sujets participent à la fabrication de leurs représentations. Mue propose une narration lente, artisanale et sensible.

« MUE est un projet conçu et mis en œuvre par La Capsule dans le cadre de Entre les images, un programme national de transmission et d’ateliers de pratique photographique développé par le réseau Diagonal et réalisé avec le soutien du ministère de la Culture. »

Coproduction : La Capsule – Résidence Création Photos, Le Bourget / Villa Pérochon – Centre d’art contemporain photographique, Niort

Photo : Pianoforte, Toscane, 2012 © Thomas Jorion

Du 4 avril au 20 septembre 2026, la Villa Lemot accueille le photographe Thomas Jorion. À travers près de quarante oeuvres, l’artiste explore des architectures italiennes abandonnées et interroge la mémoire des lieux, le passage du temps et la fragilité du bâti, en dialogue avec l’histoire du Domaine de la Garenne Lemot.
Depuis près de deux siècles, le Domaine de la Garenne Lemot accueille artistes et oeuvres contemporaines en résonance avec l’histoire du site. Fidèle à cette vocation initiée par François-Frédéric Lemot, le Département de Loire-Atlantique invite chaque année un artiste à porter un regard singulier sur la Villa Lemot.
Pour la saison 2026, Thomas Jorion investit les salles de la Villa avec près de quarante photographies. Ses images entrent en dialogue avec l’architecture néoclassique du lieu et proposent une réflexion sur notre rapport au bâti, à la mémoire et au temps.
Réalisée entre 2009 et 2024, la série Veduta, les palais oubliés d’Italie rassemble des vues de palais, villas et jardins italiens désertés. De la Toscane à la Sicile, de la Lombardie aux Pouilles, l’artiste explore depuis près de vingt ans ces architectures des XVIIIe et XIXe siècles, aujourd’hui livrées à l’oubli.
Ce projet à fait l’objet de la publication d’un beau livre aux Editions de La Martinière sous le titre : Veduta

Né en 1976, Thomas Jorion vit et travaille à Paris. Depuis plus de vingt ans, il développe une oeuvre photographique consacrée aux lieux délaissés et à la mémoire architecturale. Il travaille principalement à la chambre grand format 4×5″, privilégiant une approche lente et rigoureuse.

© Juliette Pavy « Spirals », lauréate 2025

3 bourses d’une valeur de 5000€ seront attribuées aux lauréat·es !

Eyes Wide Open lance la quatrième édition des Bourses du 1er livre photo destinées aux photographes qui souhaitent proposer un projet de 1er livre avec le soutien d’un·e éditeur·ice français·e indépendant·e. !

Initié, conçu et organisé par l’association Eyes Wide Open (entité de production culturelle du label The Eyes) avec le soutien du ministère de la Culture et de la SAIF, le programme de Bourses du 1er livre photo est destiné aux photographes qui souhaitent proposer un projet de 1er livre avec le soutien d’un·e éditeur·rice français·e indépendant·e.

Le programme de Bourses du 1er livre photo vise à offrir aux premiers livres de photographes et aux éditeurs·rices qui les accompagnent un soutien à la concrétisation de leur projet. Ce dispositif de soutien se décline en trois catégories, chacune donnant lieu à l’attribution à une lauréat·e d’une dotation de 5000 € euros toutes taxes et charges incluses :

Bourse SAIF dédiée à un·e photographe français·e ou résidant en France
Bourse dédiée à une femme photographe de toute nationalité
Bourse dédiée à un·e photographe issu·e d’un pays du «Sud global» (Afrique, Caraïbes, Asie du sud Est, Amérique Latine,Moyen-Orient)

LE DOSSIER DE CANDIDATURE COMPREND

La candidature doit impérativement contenir l’ensemble des documents suivants, aux formats PDF, seul format accepté par les bourses du 1er livre photo. Le formulaire de candidature en ligne doit être dûment remplit en amont :

Dossier de présentation du projet en cours, comprenant le concept, les extraits de textes existants, une pré-sélection d’images, les auteurs·rices pressentis et leur biographie.
Une note d’intention détaillée du projet éditorial. Elle comporte au maximum 8000 signes, soit environ 3 pages. Toute annexe éventuelle (visuels, liens, croquis, plans, cv du graphiste associé, inspirations etc.) permettant une meilleure compréhension du projet peut y être ajoutée, dans la limite des 25 Mo du dossier global. La présentation d’une pré-maquette est privilégiée, au minimum une ébauche du matériel iconographique utilisé dans le projet.
Biographies synthétiques du ou des artiste(s), du ou des auteur(s), et du ou des graphistes(s) impliqué(s) dans le projet.
Calendrier prévisionnel de réalisation du projet sur la période effective de 15 mois du dispositif de soutien
Budget prévisionnel pour la conception et la production de 500 exemplaires minimum avec une ligne explicite consacrée aux droits d’auteur·ice (faire apparaître les recettes et les dépenses). Devis de fabrication des prestataires envisagés
Lettre d’engagement d’un·e éditeur·ice français·e indépendant·e
En cas de partenariat et/ou de coédition, les justificatifs et les engagements écrits des partenaires.

ENVOI DE LA CANDIDATURE

L’envoi des candidatures se fait par voie électronique (sous la forme d’un lien unique de transfert) à l’adresse bplp@theeyes.eu
La candidature doit être remise au plus tard le 17 mai 2026 à 18h00
Le dossier de candidature devra être nommé comme suit : NOM_PRENOM_PROJET
L’objet du mail doit être indiqué comme suit : BPLP_NOM PRENOM PROJET
Le rendu d’un dossier incomplet rend caduque la participation. Les dossiers reçus hors délais ne seront pas examinés.

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Photo : Kuwait, 1991 © Sebastião Salgado

Paris rend hommage au photographe brésilien reconnu internationalement Sebastião Salgado, disparu le 23 mai dernier à l’âge de 81 ans. Cette exposition hommage est présentée du 21 février au 30 mai 2026 à la Salle Saint-Jean, au sein de l’Hôtel de Ville de Paris.

Conçue par Lélia Wanick Salgado et l’ensemble de son studio, cette exposition réunit près de 200 œuvres et bénéficie d’un prêt exceptionnel de 114 tirages de la Maison Européenne de la Photographie, institution qui tenait particulièrement à cœur au photographe.

Sebastião Salgado, né en 1944 au Minas Gerais (Brésil), se destine en premier lieu à une carrière d’économiste. Il travaille dans un premier temps pour l’Organisation Internationale du Café à Londres et commence à photographier au cours de ses nombreux déplacements. Très vite, il laisse de côté cette première carrière et travaille successivement pour les agences Sygma, Gamma et Magnum Photos, avant de fonder sa propre agence avec son épouse en 1994.
J’ai voulu montrer différents aspects de l’être humain Sebastião Salgado : le père, le photographe et l’écologiste. Ces trois facettes composent en harmonie une grande partie de son essence. En plus d’être un père aimant, il défendait avec intensité une photographie engagée pour des valeurs essentielles à l’humanité et la planète, ainsi qu’un monde socialement plus égalitaire et écologiquement durable

Cette exposition hommage retrace les grandes séries emblématiques qui ont marqué sa carrière de photographe à travers des images iconiques. Elle souligne également le lien profond du photographe avec Paris, où le couple s’était installé en 1969 pour fuir la dictature militaire brésilienne. Durant les derniers mois de sa vie, Sebastião Salgado s’était attaché à photographier, au fil des saisons, la capitale dans laquelle il avait passé plus de 50 ans.
Elle souligne également le travail de replantation de la forêt Atlantique amorcé avec Lélia dès la fin des années 1990 avec la fondation de l’Instituto Terra, aujourd’hui devenue une référence en matière de reforestation et de protection de la biodiversité locale.

Enfin, l’exposition présente les œuvres picturales du fils du photographe et de son épouse, Rodrigo Salgado. Né avec la trisomie 21, Rodrigo peint depuis son plus jeune âge et son travail sensible reflète les différents états de son existence. Ses œuvres achèvent le parcours de visite, comme un souffle vers l’avenir.

Vicky Fischer est née et travaille à Paris.

Formée en arts plastiques (Beaux-Arts de Bourges), en arts appliqués (ESAD de Reims) et en artisanat (CAP pâtissier), elle invente et développe des techniques s’appuyant sur des procédés de transfert et de report d’image, à l’aide de la presse, pour « dessiner et peindre autrement ». De son parcours atypique, elle s’amuse à transposer, déplacer et décaler les outils et les gestes d’un médium à un autre, mêlant ainsi ces diverses pratiques.

Explorant la notion et la technique du transfert dans toutes ses possibilités, Vicky Fischer confronte l’image photographique — saisie dans son environnement domestique, familial, géographique, mais aussi parfois dans la presse ou les canaux médiatiques — à ses propres processus créatifs. Sa démarche repose sur le rebondissement des images entre elles, des échos et des confrontations : les pompons des pissenlits de son jardin font écho au toilettage des caniches, dont les frisettes renvoient à celles d’une marquise un peu trop fardée. Une dinde de Noël aux marrons est convoitée par un teckel en céramique, qui lève la patte aux pavillons de banlieue à la lumière hitchcockienne.

Son travail se déploie souvent en séries, chaque image étant un fragment d’un puzzle plus vaste. Les notions de grotesque, de kitsch et d’étrangeté coexistent dans ses séries — parfois même au sein d’une même oeuvre. Toutes sont liées aux archétypes de la société de consommation, aux codes culturels qu’elle aime gratter, souiller, user, pour révéler ce qui se cache en dessous — ce qui subsiste une fois le vernis retiré.

Pour sa première exposition individuelle à la Galerie Regala, dans le cadre de la 4e édition du Festival du Dessin, Vicky Fischer présente pour la première fois les « Nimbus », série de monotypes crépusculaires, feutrés et orageux, ainsi que ses toutes dernières réalisations, les « Physalies ». Cette dernière série, créée pour l’occasion, résulte d’un procédé hybride mêlant estampe, dessin et pastel. Avec les « Physalies », Vicky exprime son désir de lumière et de beauté — même inquiétante, comme les créatures marines urticantes éponymes, aux couleurs pastel et acidulées. L’artiste y affirme son intérêt pour les processus générateurs d’accidents, en utilisant le transfert d’encre d’impression à l’origine de ses dessins. Elle révèle ou accentue les taches et halos par le geste du maquillage, avec du pastel sec, en jouant sur des couleurs douces ou édulcorées, à l’aspect poudré, mat ou irisé. Ce travail chromatique résonne dans l’exposition avec la série de monotypes polychromes « Dada », dont le rythme et le cadrage cinématographique des manèges anciens créent un effet hallucinatoire, à la manière de Lynch.

L’exposition « Nimbus et Physalies » révèle ainsi deux facettes de l’artiste : la part d’ombre côtoie une beauté lumineuse et féminine, d’apparence fragile, mais d’une grande force.

Photo : GB. England. Bristol. Martin Parr kisses some of his favourite mugs. From ‘Fashion Magazine’. 2005.

Présentée dans la toute nouvelle Galerie Magnum à Paris, l’exposition « Martin Parr : In Plain View » retrace une carrière photographique remarquable. Une exposition qui met en lumière l’héritage de Parr en tant que membre essentiel de la communauté Magnum et son influence sur l’agence, depuis ses premières photographies en noir et blanc des années 1970 — portraits de communautés soudées du nord de l’Angleterre et d’Irlande, empreints d’un humanisme discret — jusqu’à certains de ses projets couleur les plus marquants des années 1990 et 2000.
À travers une sélection de séries emblématiques telles que Think of England, Luxury, The Non-Conformists et Chew Stoke, l’exposition rassemble des photographies phares et des œuvres moins connues en hommage à Parr, décédé en décembre dernier.

Ce printemps, la Fondation Renaud et les Amis de la Fondation ont le plaisir d’inviter les visiteurs à pénétrer dans l’univers sensible et savant de Jacqueline Salmon, figure de la photographie contemporaine française. Avec Desseins et autres destins, la Fondation poursuit sa tradition des dialogues entre collections historiques et création vivante, en consacrant une exposition monographique à une artiste dont l’oeuvre, depuis 1981, interroge sans relâche les épaisseurs du temps, les apparences du monde et les territoires de la pensée.

La photographie comme méditation sur le temps et la mémoire

L’exposition dévoile une oeuvre où la rigueur documentaire se mue en quête poétique. Historienne de formation, Jacqueline Salmon conjugue science, esthétique et émotion pour scruter le réel qui nous entoure. À travers la photographie, le dessin, les archives et la peinture, elle explore le paysage, la nature et le cycle de la vie comme autant de strates mémorielles. Chez elle, chaque image est une méditation silencieuse, une invitation à ralentir le regard pour mieux ressentir le passage du temps et la fragilité des choses.

Des connivences inédites avec les collections

Fidèle à l’identité de la Fondation, cette exposition tisse des liens inédits entre les oeuvres de Jacqueline Salmon et les peintures de la collection. L’artiste compose de véritables diptyques, troublant les frontières entre les médiums et les époques. La photographie converse avec la peinture, le passé avec le présent, le dessin avec l’archive. Ces connivences visuelles et sensibles offrent au visiteur une expérience rare : celle d’un regard qui traverse le temps pour mieux éclairer notre rapport au monde.

Un voyage sensible au seuil du visible

À travers un parcours conçu comme une déambulation, l’exposition invite à suspendre son regard. L’artiste joue avec les échelles, les matières, les supports, et brouille les limites entre le visible et l’invisible. Accompagnée d’un catalogue réunissant les contributions de Jérémy Liron et Jean-Christian Fleury, Desseins et autres destins convie à une lente traversée, où le regard se fait oreille, où l’image devient récit.

Sandrine Rousseau utilise son appareil comme outil d’exploration simultanée du monde extérieur et de son univers intérieur.

Dans les séries qui composent Passages, Sandrine Rousseau nous transporte dans les méandres d’une mémoire générationnelle… une palette dont les couleurs sont issues du souvenir, de la reconstruction, de la restitution du récit familial, des senteurs saisies au cours de ses séjours marocains, des sensations qui précèdent le déclenchement… Sandrine Rousseau offre alors au spectateur comme une matière à la résurgence de ses propres souvenirs.

Israel Ariño est né en 1974 à Barcelone. Après ses études de photographie à l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), il se forme en gravure et sculpture à la Faculté de Beaux Arts de Barcelone. Il est photographe, éditeur chez Ediciones Anómalas (Barcelone) et co-fondateur de Lababuch.

Il émane de l’être d’Israel Ariño une douceur, une empathie qui nous ont tout de suite « embrassés » et que la lecture de ses photographies ne vient pas démentir, sans pour autant en effacer la puissance onirique et mystérieuse.

Les Amies Rouges proposent de fêter les 90 ans du Front populaire avec cette série lumineuse des photographies de Pierre Jamet.

Des images qui nous régalent de cette joie de garçons et de filles profitant pleinement de l’insouciance des vacances.
Une ode dynamique et positive à ce conquis social.

Quoi de mieux alors que les photographies solaires de cet artiste qui a su avec sensualité et gaieté attraper au vol ces moments de liesse, d’enthousiasme ?

Les Amies Rouges offrent à la vue et à l’achat des images d’une qualité esthétique émouvante.

En 2024, Patrick Rimond se rend sur l’île subtropicale de Yakushima au Japon pour le deuxième volet de son projet Entretiens avec la Terre. La série invite à une réconciliation avec le vivant, en replaçant l’être humain au cœur du monde naturel. Inspiré par des pratiques chamaniques, le photographe se met en scène dans des rituels de contact avec les éléments qu’il fait dialoguer avec une nature dense, millénaire toujours en évolution. Dans un texte intitulé En quête de sauvage, le critique d’art François Salmeron décrit cette
série comme « une expérience du temps long et de l’imprégnation, où le photographe ne cherche pas à capturer la nature, mais à se laisser transformer par elle, à la recherche d’une part indomptée du vivant ».

Lancement de deux livres autour du projet Entretiens avec la Terre
Les deux livres (Sakurajima et Yakushima) sont pensés comme des ouvrages-manifestes inspirants qui nous plongent au cœur d’une nature vibrante, à l’heure où la pensée humaine semble vaciller face au défi écologique qu’elle doit affronter.
Édité chez Chibi International https://www.chibi.international/2025-entretiens-avec-la-terre-partrick-rimond/
Prévente https://assochibi.sumupstore.com/cat%C3%A9gorie/preventes

Artiste chercheur, SMITH navigue entre la photographie, l’installation, la performance et l’image animée. Son travail se construit en séries poreuses, déjouant ainsi toute idée de chronologie, arpentant les genres classiques du portrait et du paysage.
Il développe un œuvre romantique et mélancolique en parcourant les espaces de l’entre deux, de la fluidité. Rien n’est fixe. SMITH développe une poétique de la métamorphose. S’intéressant aux états modifiés de conscience, aux savoirs ancestraux (de la sorcellerie à la transe chamanique) aux sciences les plus pointues et expérimentales, il travaille en collaboration avec des musiciennes, musiciens, philosophes, écrivaines, écrivains, performeurs, performeuses, chercheurs, chercheuses et scientifiques.
Au MAC VAL, des œuvres de l’artiste ont été présentées dans les expositions collectives « Lignes de vies – une exposition de légendes » en 2019 et « Histoires vraies » en 2023.
Avec la complicité des architectes et designers Sami Rintala (assisté de Toni Lozano) et Matthieu Prat, la monographie « Ici grand ouvert » réunit des œuvres anciennes et nouvelles dans un grand geste scénographique qui dévoile la production de l’artiste à l’aune de ses présentes et futures interrogations.

SMITH est né en 1985. Après un Master en philosophie à la Sorbonne, il intègre successivement les cursus de l’École de la Photographie d’Arles puis du Fresnoy. En 2022, il soutient une thèse à l’UQAM (Montréal). Artiste-chercheur, il navigue entre la photographie, l’installation, l’image animée, la sculpture et la performance.

En travaillant à la lisière des états de conscience élargis, de la philosophie et de recherches scientifiques parmi les plus avancées, de l’IRAP (Institut de Recherche en Astrophysique et Planétologie) à l’Observatoire de l’Espace du CNES (Centre National d’Études Spatiales) et en s’attachant aux points où ces régimes de savoir entrent en friction ou en résonance avec des formes de spiritualité, SMITH s’entoure d’une constellation de complices de pensée et de pratique : de Lucien Raphmaj à Jean-Philippe Uzan, de Pierre Teilhard de Chardin à Timothy Leary, de Corine Sombrun aux Limiñanas, de Jacques Derrida et Jean-Luc Nancy à Donna Haraway, de Paul B. Preciado à François Chaignaud, de Marie NDiaye à bien d’autres. La plupart du temps, il travaille en collaboration avec des philosophes, des scientifiques, des chercheuses et chercheurs, des penseuses et penseurs, des artistes, écrivaines et écrivains, performeurs et performeuses, ou bien encore musiciennes et musiciens et cette manière de faire produit une famille provisoire, un compost vivant, où les idées se mêlent, se transforment et se transmettent.

Il cherche à faire émerger des perceptions alternatives du réel. Il pratique un art de la transe et de l’impesanteur, où l’expérience se compose de présences, de spectres, d’apparitions, de fulgurances, parfois d’épiphanies. Dans ce contexte, la conversion désigne moins une croyance nouvelle qu’un déplacement de l’attention, un point de convergence depuis lequel se réorienter.

Animé d’un romantisme lucide, SMITH s’emploie à déplacer le voile des évidences afin de retisser un lien fondamental avec les autres formes du vivant et avec le cosmos. Cette recherche s’inscrit dans une perspective de résistance, qui passe par la création d’autres manières d’habiter le monde. Œuvre des seuils, de la transmutation et de la mue, construit en séries poreuses qui défont la chronologie linéaire, tout en troublant les genres du portrait et du paysage et, plus largement, les repères binaires des disciplines qu’il investit, entre visible et invisible, entre expérience intérieure et politique, entre science et spiritualité, entre documentaire et fiction.

Car il est bien question de mutation, de transformation, de métamorphose, mais aussi d’incomplétude et d’intranquillité, entendues comme des conditions de travail plutôt que comme des manques à combler. Pensée comme un labyrinthe, un faisceau, une forêt de parcours initiatiques et de gestes transformatifs, l’exposition affirme sa dimension de laboratoire. Quelque chose est en cours. Elle demeure en mouvement, en réunissant des œuvres déjà déposées, presque fossilisées et des œuvres en devenir.

Rien n’y demeure stable. Il développe une poétique de la métamorphose, attentive aux zones de l’entre-deux, aux états de fluidité où les identités et les formes cessent d’être assignables. Dans cette logique, son nom d’artiste, SMITH, en majuscule, fonctionne comme un nom générique, volontairement peu daté, peu situable, non genré et laisse entendre une tentative d’émancipation qui passe par un effacement relatif de l’ego au profit de ce qui circule, se transforme et se relie.

Son œuvre se construit en projets indisciplinaires qui déjouent la notion même d’œuvre (au sens d’objet unique et rare pris dans une logique de valeur capitaliste). Et tente de matérialiser les portails, des portails entre différents niveaux, différentes strates de réalité.

Sous le titre « Ici grand ouvert », l’exposition se construit en zones d’intensités, en plateaux poreux réunissant les œuvres, séries et projets tels que CH19H2802 (Agnès) (2010-2011), Spectrographie (2010-2014), Saturnium (2015-2018), TRAUM (2015-2018), Löyly (2007-2012), Astroblème (2017) Désidération (2016-2021), Dami (2022-en cours). Avec la complicité des architectes et designers Sami Rintala (assisté de Toni Lozano) et Matthieu Prat, l’exposition réunit des œuvres anciennes et de nouvelles productions dans un grand geste scénographique qui composte les séries et ensembles, regarde la production passée et les productions à venir de l’artiste à l’aune de ses présentes et futures interrogations.

Pour activer ce processus de mutation, des événements se déploient sous le titre générique de « Désidération(s) ». Certains sont programmés, d’autres surgissent de manière impromptue, parfois annoncés, parfois non, de sorte que l’exposition se transforme au fil de des jours et assume sa propre variabilité. Des visites sont également organisées à intervalles réguliers par des guides que nous appelons « Mystagogues », des personnalités conçues comme agentes de transformation au sein de ces traversées.

Extrait du texte de Frank Lamy

Photo : © Bruce Davidson

À l’occasion du Bicentenaire de la naissance de la photographie, LE BAL a souhaité explorer le lien parfois trouble, parfois lumineux, toujours instable et finalement mystérieux qui attache celui qui prend et celui qui est pris dans l’acte de photographier.

Que révèle l’image de la position en regard de ces deux corps ? De leur complicité, de leur face à face, du pacte scellé par le regard de l’un sur l’apparence de l’autre ? Comment l’image matérialise-t-elle, dans l’acte de prise de vue, l’espace entre le corps du photographe et celui du / des sujets ?

Rencontre fugitive, rencontre préméditée : du portait sur le vif au reportage en situation à la mise en scène collaborative.

De quelle fascination, révélation, le corps de l’autre est-il le support ? Que livre de lui-même le sujet photographié à la rétine du photographe, à l’oeil mécanique de l’appareil photo? Que dit de soi l’image prise par l’autre ? Que dit de soi l’image prise de l’autre?

L’exposition mettra à l’honneur des œuvres iconiques mais aussi des séries plus confidentielles, des années 1920 à nos jours. Elle est organisée autour d’un parcours sensible, non didactique, non thématique, qui privilégie les rebonds, les affinités, la contamination entre les images.

Lola Alvarez Bravo
Manuel Alvarez Bravo
Bill Brandt
Horace Bristol
Esther Bubley
Elinor Carucci
Mark Cohen
John Coplans
Gregory Crewdson
Imogen Cunningham
Bruce Davidson
Walker Evans
Leonard Freed
John Gutmann
Graciela Iturbide
Sarah Jones
André Kertész
Chris Killip
Dorothea Lange
Sergio Larrain
Richard Learoyd
Roger Mayne
Susan Meiselas
Tina Modotti
Daido Moriyama
Nicholas Nixon
Alexander Rodchenko
August Sander
Aaron Siskind
Graham Smith
Louis Stettner
Issei Suda
Yutaka Takanashi
Shoji Ueda
Weegee
Francesca Woodman

Photo : © Gertrude Käsebier (détail. Voir la photo intégrale)

Le lien entre la photographie et les autochtones d’Amérique est complexe, oscillant entre documentation, représentation et affirmation culturelle. Les photographes du début du XXe siècle ont utilisé le médium photographique à la fois pour célébrer et stéréotyper les communautés mais également comme un outil de résistance et d’affirmation identitaire.

Gertrude Käsebier s’est particulièrement intéressée à la représentation des peuples autochtones et son travail a souvent cherché à capturer la dignité et la profondeur de leurs cultures. […] ses portraits visaient à montrer la beauté et la complexité des individus qu’elle photographiait.

Edward Curtis a consacré sa carrière à documenter les différentes tribus, cherchant à préserver des images de modes de vie qu’il percevait comme en danger d’extinction.

Les œuvres d’Edward Curtis sont présentées avec l’aimable autorisation du musée Nouveau Monde – La Rochelle

Photo : © Ernst Haas, New York, 1955

Après Dans ma cuisine, exposition collective consacrée l’an dernier à l’espace domestique et à l’ordonnancement modeste des objets du quotidien, à travers la vision des photographes du XXe siècle, cette nouvelle proposition des Douches la Galerie prolonge un même geste : explorer le rapport texte et photographie. Cette fois, c’est le langage lui-même – mots, lettres, signes typographiques – qui entre dans le champ photographique. Omniprésent dans notre environnement visuel, le texte est ici envisagé non seulement comme un simple accompagnement de l’image, mais aussi comme une matière active, susceptible d’en modifier la lecture, d’en perturber l’évidence ou d’en enrichir la portée poétique et conceptuelle.

Jeux de mots affirme ainsi une continuité : celle d’une photographie qui interroge les signes les plus familiers, explore leurs potentialités plastiques et révèle, par de subtils glissements, la capacité de l’image à transformer l’ordinaire en expérience sensible et critique.

Avec des œuvres de :

Berenice Abbott • Tom Arndt • Pierre Boucher • Sophie Calle • Roger Catherineau • Stéphane Couturier • Joël Ducorroy • Henri Foucault • Robert Frank • Jean-Claude Gautrand • Nicole Gravier • Hervé Guibert • Ernst Haas • Anneliese Hager • Raymond Hains • Frank Horvat • Bogdan Konopka • François Kollar • Barbara Kruger • Yvan Le Bozec • Vivian Maier • Ray K. Metzker • Duane Michals • Jean Moral • Marvin E. Newman • Roger Parry • Denis Roche • Man Ray • Joost Schmidt • Maurice Tabard • Patrick Tosani • Moï Ver • Sabine Weiss • Klaus Wittkugel

Photo : Vente aux enchères dirigée par Maître Ader à la galerie Charpentier. Au premier plan, René Bouffet, préfet de la Seine (2e à partir de la gauche) – Paris, juin 1944 @ LAPI / Roger-Viollet

L’exposition qui vous invite à mener l’enquête : de la spoliation à la restitution

Durant l’Occupation, entre 1940 et 1944, le marché de l’art connaît en France une activité sans précédent . Une véritable effervescence traverse l’ensemble des circuits traditionnels des œuvres : ateliers, galeries d’art, et maisons de vente aux enchères, qui s’approvisionnent massivement à Paris.

Entre 1941 et 1942, plus de deux millions d’objets y transitent. Ces ventes, trafics et échanges, parfois réalisés à des prix très élevés, ont des conséquences directes sur le sort des œuvres appartenant principalement aux familles juives persécutées par la législation d’exception issue des ordonnances allemandes et des lois de Vichy.

Soumis à cette double législation, les Juifs de France sont progressivement exclus de tous les domaines de la vie politique, sociale et économique, dans un processus qui constitue le prélude à leur élimination physique. Le pillage et la spoliation contribuent ainsi à fragiliser durablement et à marginaliser les Juifs de France. Privés des ressources et des moyens qui auraient pu leur permettre de fuir, des milliers d’entre eux se retrouvent pris au piège des arrestations, de l’internement, puis de la déportation.

Présentée au Lieu de Mémoire au Chambon-sur-Lignon, cette exposition propose un panorama historique et artistique qui interroge les zones d’ombre du marché de l’art français sous l’Occupation. Elle se positionne dans la continuité des expositions précédentes présentées au Lieu de Mémoire : Chagall, d’une rive à l’autre en 2022 et Treize mois pour sauver les artistes. Le combat de Varian Fry en 2024.
Sous le commissariat scientifique d’Emmanuelle Polack, elle retrace la sigularité d’une situation sans équivalent dans l’histoire du marché de l’art, à travers un parcours mêlant exemples concrets, documents d’archives inédits et oeuvres d’art spoliées, puis restituées à leurs propriétaires à l’issue de longs combats juridiques.

Depuis plus de quinze ans, le Collectif XY développe son propre langage acrobatique à travers la pratique des portés. Avec leur projet Les Voyages et dans le cadre de Quartiers en Liberté, programme phare de la scène nationale Châteauvallon-Liberté et de la Ville de Toulon, 18 acrobates accompagné·es de leur photographe Samuel Buton ont investi le quartier du Pont du Las durant une semaine en septembre 2025.

📍 Parc des Cèdres
313 rue Félix Mayol Pont du Las

En marge de la grande exposition Hommage organisée à l’Hôtel de Ville jusqu’en mai 2026 autour de ses séries photographiques les plus emblématiques, la galerie Polka présente une exposition rassemblant des travaux inédits de Sebastião Salgado sur la ville de Paris, « sa ville d’adoption » , écrit la maire Anne Hidalgo dans la préface du premier hors-série de Polka Magazine publié pour accompagner cet événement.

La galerie Polka est heureuse de présenter pour la première fois en France la tétralogie “The Day May Break” de Nick Brandt. Depuis des années, le photographe britannique alerte sur la destruction des écosystèmes et le changement climatique — une tragédie mondiale dans laquelle humains et animaux se trouvent tous deux plongés.

Dans ce projet au long cours, Nick Brandt affine encore son travail de portraitiste. En 2020 et 2022, pour les deux premiers chapitres réalisés au Zimbabwe, au Kenya et en Bolivie, l’artiste est allé à la rencontre de personnes touchées par des catastrophes environnementales — sécheresses, inondations et incendies. Déplacés par le changement climatique, ces hommes et ces femmes sont tout autant déracinés que les animaux qui occupent le premier plan des photographies. Sauvés de la vie sauvage à la suite de différents conséquences — destruction de l’habitat, empoisonnement ou braconnage — la survie de ces animaux dépend désormais des soins humains dans les sanctuaires et réserves où ils vivent aujourd’hui, et où les photographies ont été réalisées. Ces animaux ne pourront jamais être réintroduits dans la nature. C’est parce qu’ils sont habitués à la présence humaine il est possible pour des inconnus de s’approcher d’eux sans danger. Humains et animaux ont ainsi été photographiés ensemble, dans le même cadre et au même moment. La brume dense qui entoure les sujets, créée artificiellement, symbolise l’urgence de la crise climatique. La maison brûle, et nous ne pouvons plus détourner le regard.

Le troisième chapitre se déroule aux Fidji. Le photographe y met en scène des habitants des îles du Pacifique Sud affectés par la montée des océans liée au changement climatique. Photographiées directement sous l’eau, au large des côtes des îles fidjiennes, les personnes représentées dans ces images incarnent les millions d’individus dont les maisons, les terres et les moyens de subsistance disparaîtront dans les décennies à venir à mesure que les eaux montent.

Des carrosseries de voitures vintage aux cours de tennis de Roland Garros, des spots de surf de la côte Atlantique aux escaliers du Trocadéro, Guillaume Lavrut est le roi de la ligne de fuite. Dans ses images-perspectives, pas de recherche de la proportion parfaite. La photo ne mime pas le réel. Ce qui n’empêche pas l’auteur de jouer sur la perception du spectateur sans invention ni travestissement, mais avec les codes d’un magicien de la composition.

Récemment décédé, Patrice Huguier formait, avec la célèbre photographe Françoise Huguier, un couple de regard, de sensibilité et de création. Artiste complet, Patrice Huguier (né en 1938), était architecte, peintre, dessinateur et sculpteur. Il donnait forme à l’invisible, et parcourait le monde, aux côtés de sa femme Françoise, carnet en poche et couleurs au bout des doigts. Cette exposition rendra hommage à ce couple singulier, dans un dialogue complice entre les photographies d’Afrique de Françoise, et les oeuvres (collages, dessins, sculptures) qu’elles inspiraient à son mari Patrice.
A l’occasion de cette exposition, nous présenterons l’ouvrage de Françoise Huguier Afrique émoi (Editions Odyssée, 2025), qui rassemble plus de vingt années de photographies en Afrique subsaharienne, et met en lumière une thématique centrale de son oeuvre: la représentation de l’intime à travers l’espace domestique. De nombreuses photographies inédites, issues de cette période seront également exposées.

Photo : © Reynald Halloy

Pour la cinquième année consécutive, HiP organise une nouvelle exposition photographique, intitulée En famille, rassemblant les travaux de quatre auteurs ainsi que deux projets photographiques dans le cadre du Printemps de la photographie à l’Espace Andrée Chedid, à Issy-les-Moulineaux, du jeudi 2 avril au mercredi 13 mai 2026, et en partenariat avec le laboratoire Art Photo Lab.

Qu’est-ce qu’une photographie de famille ? Un rituel, une trace, un geste répété de génération en génération, un témoignage du temps qui passe. Des clichés oubliés aux images que nous prenons aujourd’hui, ces photographies saisissent bien plus que des visages et des instants suspendus : elles tissent des liens entre les générations, gardent vivantes nos histoires et affirment notre existence commune.
Entre mémoire personnelle et archive collective, elles sont un fil tendu entre passé et avenir. Échos silencieux d’un monde qui n’est plus, ces images traversent le temps comme un message adressé aux générations futures et témoignent de ce que nous avons été, du chemin parcouru et de l’héritage transmis. À travers elles se dessine une histoire commune : des récits singuliers se répondent par-delà les frontières et les époques, révélant un même désir de laisser une trace, de créer du lien, de dire : nous étions là.
L’exposition « En famille » croise les regards d’hier et d’aujourd’hui pour interroger ce geste devenu quotidien : pourquoi photographions-nous ceux que nous aimons ? Et finalement, que nous apprennent ces photographies sur nous-mêmes ?

Les quatre auteurs exposés dans le cadre de l’exposition En famille :
– Jean-Claude Delalande, série Quotidien
– Reynald Halloy, série La Baraque
– Flore Prebay, série Deuil blanc
– Natalya Saprunova, série Peuple boréal

Photo : Omar Victor Diop, Jean-Baptiste Belley, 2014 | Omar Victor Diop, Don Miguel De Castro, 2014
© Omar Victor Diop, ADAGP 2025, Courtesy Galerie Magnin-A, Paris

La nouvelle édition de la manifestation « Expression (s) décoloniale (s) », prévue du 8 mai au 8 novembre 2026, sera l’occasion d’ouvrir l’espace du musée à de nouveaux propos historiques et à de nouvelles sensibilités artistiques sur les questions liées à l’histoire coloniale et esclavagiste française, telle qu’elle s’est déployée et construite depuis Nantes.

Trois personnalités exceptionnelles, à la croisée de l’histoire, de l’art et de la mémoire ont accepté l’invitation du musée : les artistes Rosana Paulino et Omar Victor Diop, et l’historienne Lylly Houngnihin.

L’historienne béninoise Lylly Houngnihin, fondatrice et directrice de Totems Afrikaraïbes, interpellera les visiteurs par une dizaine de textes mêlant histoire, mémoire, poésie, culture et sensibilité, attachés à des objets choisis dans le parcours permanent. Dans une démarche historique, elle envisagera les collections du musée de manière transversale : « Mon travail s’oriente vers une exploration des objets comme matrices de mémoire. Je souhaite mettre en lumière ce que j’appelle des « persistances atlantiques » : les formes symboliques, plastiques et rituelles qui ont circulé de l’Afrique vers d’autres territoires, souvent en dépit des violences extrêmes de la traite. Les objets deviennent alors des passeurs d’expérience : ils condensent des récits de perte, de déplacement, mais aussi de recréation esthétique, social, et culturelle. »

Depuis Sao Paulo, Rosana Paulino, artiste incontournable de la scène artistique brésilienne, viendra investir, avec plus d’une dizaine d’œuvres majeures, le parcours d’exposition. Dessins, peintures, sculptures, vidéo, et installations seront les formes multiples qui seront données à voir, à comprendre, à contempler, en regard des documents historiques du musée sur plusieurs thématiques rendant hommage aux femmes afro-brésiliennes. Les femmes victimes de la traite atlantique et de l’esclavage colonial furent-elles des victimes comme les autres ? Quelles formes particulières de violence leur furent-elles infligées ? Quel rôle fondamental jouèrent-elles dans la transmission des savoirs hérités du continent africain ? Enfin, derrière le silence et le déni, de quelle force de résilience disposèrent-elles pour tenir ? Rosana Paulino, à travers les réponses que ses œuvres nous apportent, nous éclaire sur ces points en explorant ce qui subsiste et ce qui disparait.

Enfin, l’artiste sénégalais Omar Victor Diop présentera deux séries de photographies emblématiques. La première, intitulée Diaspora, inspirée de portraits réalisés entre le 15ème et le 19ème siècle, met en valeur des personnes ayant traversé les lignes de l’histoire coloniale européenne à l’époque moderne. Ainsi, c’est l’agentivité de ceux qui, depuis l’Afrique, furent les victimes ou les acteurs de ce passé, qui est mise en avant, leur individualité faisant force. La seconde série, intitulée Liberty évoque des moments-clés, fondateurs et fondamentaux, de la protestation noire à l’échelle mondiale et dans une dimension historique, des luttes anticoloniales dans les Caraïbes, à celles menées sur le continent africain jusqu’aux mouvements antiségrégationnistes et aux manifestations contemporaines contre les violences racistes.

Sans titre, 2025. Tempéra sur photographie, 30 x 45 cm

Dessiner, selon Arthur Lambert, c’est faire l’expérience d’un monde, regarder une parcelle de cet univers commun à tous et le traverser, l’éprouver, en soulignant ce qui nous aurait échappé pour le révéler. Exigeant une grande concentration dans leur réalisation, ses œuvres sont des expériences visuelles qui convoquent des symboliques très fortes à partir de formes primaires qui se télescopent.

Effets d’optique, apparitions, disparitions, couleurs éclatantes ou imperceptibles, feuilles d’or, composent une cosmogonie qui prend sa source dans les traditions ancestrales de l’humanité. L’artiste crée ainsi des collections d’images exclusives et s’aventure parfois du côté de l’Op Art en jouant des apparitions / disparitions, des vibrations de lignes et des superpositions de couleur.

Ce qui relie toutes les oeuvres d’Arthur Lambert est cette recherche de l’immatériel dans le matériel, avec l’idée prégnante de révéler au spectateur, par la peinture à la tempéra, la gouache, le crayon, ou encore la photographie, un champ de force, une énergie vitale.

Pour sa première exposition personnelle à la Galerie Robet Dantec, Arthur Lambert a réalisé une série de dessins à la tempéra sur photographie en noir et blanc. Une majorité des images a été prise dans des lieux empreints de spiritualité, tels que les temples shintoïstes du Japon. Entre le dessin et la photographie, se produit alors une tension révélatrice, comme si l’artiste montrait la dimension magique du lieu et éclairait son architecture sensible et structurée.

En contrepoint, deux nouvelles séries de dessins sur papier réalisés à la feuille d’or et à la tempéra donnent à voir des compositions abstraites qui jouent avec notre perception et notre appréhension optique. Motifs et textures s’envisagent alors comme des systèmes cosmiques.

Photo : Maurice Guibert, Lautrec, photomontage © Musée Toulouse-Lautrec, Albi

Chambre noire, toile blanche ; la photographie face à la peinture s’inscrit dans la continuité du projet muséographique qui met l’accent sur les dialogues entre différentes formes d’art.

La photographie, dès son origine, s’est nourrie de la peinture, tant sur le plan esthétique que technique. La porosité entre les deux médiums est le reflet d’une transformation des pratiques artistiques depuis la fin du XIXe siècle. Rapidement, la photographie n’est plus un simple outil ou un rival de la peinture, et inversement. Ces deux pratiques se regardent l’une l’autre dans une dynamique constante de réinvention visuelle, conceptuelle et matérielle.

Dans ce dialogue fécond, et comme le sous-titre de l’exposition l’indique, Chambre noire, toile blanche présente majoritairement des pratiques photographiques qui se tournent vers la peinture, laissant de côté les nombreuses démarches picturales intégrant la photographie à leurs processus de création ou incorporant des images photographiques à la surface peinte. Sans prétendre à l’exhaustivité, cette exposition assume un parti pris: les œuvres et les artistes présentés résultent de choix guidés par la cohérence du parcours et les résonances avec la collection du musée, ainsi que par la volonté de proposer des regards singuliers plutôt qu’un panorama encyclopédique.

Dans le parcours de l’exposition, le visiteur découvrira tout d’abord un ensemble de photographies en lien avec les artistes présentés dans le parcours permanent de la collection du musée : Eugène Atget, Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Lucien Clergue, Camille Corot, Edgar Degas, Eugène Delacroix, Maurice Denis, Robert Doisneau, André Kertész, Saul Leiter, Man Ray…

Dans un deuxième temps, la présentation de photographies actuelles, par sections et ensembles, illustrera les relations entre peinture et photographie, en résonance avec des œuvres de la collection, offrant un dialogue vivant entre héritage artistique et pratiques contemporaines : Juliette Agnel, Valérie Belin, Stéphane Couturier, Véronique Elena, Elger Esser, Nicolas Floc’h, David Hockney, Anselm Kiefer, Elizabeth Lennard, Sarah Moon, Gerhard Richter, François Rouan, Patrick Tosani, Paolo Ventura…

Enfin, l’exposition se déploiera également hors du musée pour des présentations d’œuvres monumentales en relation avec différents espaces de l’abbaye : David Claerbout, Anne-Charlotte Finel, Ange Leccia ou encore de Bill Viola.

Pour cette exposition, le musée d’Art moderne de Fontevraud collabore avec les artistes et les galeries, les musées, les FRAC et les fondations, ainsi qu’avec plusieurs spécialistes de la photographie.

Commissariat :
Dominique Gagneux, directrice du musée d’Art moderne de Fontevraud
Gatien Du Bois, chargé de collections et d’expositions
assistés de Aude Le Mercier, chargée de collections et de projets
Régie : Aurélie Joulain

Après le succès du premier volume, Nadia Ferroukhi poursuit son voyage à travers le monde – de l’Inde à la Colombie, du Ghana au Cambodge ou encore du Kenya à la Mauritanie – à la rencontre de sociétés dans lesquelles les femmes tiennent une place importante et centrale au sein de leur communauté afin de conserver leur mémoire pour les générations futures alors que nombre d’entre elles voient leurs traditions et leur culture menacées.

« J’ai voulu dans ce nouveau volume aller un peu plus loin en suivant plus particulièrement, dans chaque société, une femme forte et engagée que je «choisis» et qui portera l’histoire des femmes de sa communauté. Je raconte ainsi toujours leur culture et leurs traditions, mais à travers un regard plus intimiste. » Nadia Ferroukhi

Le voyage à la découverte des dernières sociétés de femmes continue.

Sur le chemin, autour du monde avec des femmes fortes et engagées

18 ans de travail sur le thème des sociétés de femmes, en deux tomes édités par Albin Michel, Les Matriarches en 2021 et Les nouvelles Matriarches en 2025.

Faire silence, le plus déchirant des cris Il existe tant d’occasions de hurler sa joie, son plaisir, sa douleur, sa colère… hurler pour oser exprimer le fond de soi, et aussi pour mieux se faire entendre … mais il existe également de multiples moments où faire silence est le plus déchirant des cris.

C’est ce moment là que nous souhaitons honorer, aux côtés de cette jeune artiste iranienne, un moment de saisissement où tout notre être se tend devant la violence de la parole muette qui se raconte sur la toile.
Tension de l’attente, tension de l’espoir, tension des lieux, des architectures, des âmes …

Cette exposition est un rendez-vous silencieux et hardi entre peinture et photographie, qui célèbrent magistralement le silence, sous toutes ses formes.
Béatitude d’un instant de beauté, exaltation d’un face à face avec l’image, trouble retenu d’une rencontre qu’on ne peut oublier.
Et c’est en cela que ces photographies répondent “mot à mot’ aux grandes toiles peintes de Shirin, Car quel que soit l’objet de leur dessein, elles toutes, nous parlent en silence.

Photo : © Yohanne Lamoulère/Tendance Floue

Commissariat : Maria L. Kelly

Comment la photographie peut-elle nous aider à voir et à comprendre un lieu qui nous est inconnu ? Cette exposition rassemble les photographies de quatre artistes qui ont effectué des résidences dans des villes loin de chez elleux : Atlanta et Marseille.

Deux artistes marseillais·es, Yohanne Lamoulère et Geoffroy Mathieu, se sont rendus à Atlanta, aux États-Unis, tandis que deux artistes basés à Atlanta, Nydia Blas et Joshua Dudley Greer, ont séjourné à Marseille. Pendant leur séjour à l’étranger, chaque artiste a utilisé la photographie comme un outil de navigation, de rencontre et de réflexion.

Atlanta et Marseille sont deux capitales importantes du sud, façonnées par leur géographie, la diversité de leur population et une histoire complexe, souvent difficile. Bien que distinctes sur le plan environnemental et historique – Marseille est une ville portuaire de la Méditerranée dont les origines remontent à la Grèce antique vers 600 avant J.-C., tandis qu’Atlanta est une ville enclavée fondée en 1837 comme terminus ferroviaire –, elles partagent toutes deux un profond sentiment d’appartenance et d’identité qui a influencé leur culture nationale, en particulier dans les domaines de la musique et de la gastronomie.

À Atlanta, Yohanne Lamoulère s’est intégrée dans les fanfares des lycées, réalisant des portraits captivants et photographiant les répétitions et les représentations qui révèlent la discipline, la fierté et le sens de la communauté développés par les élèves. Geoffroy Mathieu a abordé cette ville dépendante de la voiture en tant que piéton, documentant les chemins improvisés et rencontrant des personnes qui se déplacent dans un environnement qui n’est pas adapté à la marche.

À Marseille, sans parler couramment le français, Nydia Blas et Dudley Greer ont travaillé avec des approches introspectives et observationnelles. Nydia Blas a noué des liens à la Friche la Belle de Mai avec des adolescent·es membres de la Coopérative Jeunesse de Service — portée par Inter-Made, la Ligue de l’Enseignement et la Friche — pour créer des portraits collaboratifs. Dudley Greer a exploré les paysages et les terrains stratifiés de Marseille, capturant des moments et des lieux où le passé, le présent et l’avenir convergent au fur et à mesure que la vie quotidienne de la ville se déroule.

Les quatre artistes proposent une vision individuelle des deux villes, révélant des résonances inattendues. Peut-être permettront-elles aux habitant·es, usager·es et visiteur·eusess de voir sous un nouveau jour les diverses facettes de ces lieux, tout en favorisant un dialogue transatlantique reliant Atlanta et Marseille.

Yohanne Lamoulère : Arènes artères – Atlanta
Au cours des deux mois passés à Atlanta, l’artiste s’est intégrée à trois fanfares de lycées. Ses images témoignent de la discipline, du dévouement et de la fierté collective qui caractérisent la culture des fanfares : les adolescent·es répètent sans relâche, jouent à l’unisson sous les projecteurs du stade et sont soutenus et applaudi·es par leurs familles, leurs camarades et les chef·fes de fanfare. Yohanne Lamoulère a utilisé à la fois son appareil photo argentique Rolleiflex pour réaliser des portraits soigneusement composés et un appareil photo numérique pour capturer des scènes animées des élèves pendant les répétitions, les concerts, les défilés et les concours de fanfares. Le résultat est un ensemble de centaines d’images qui transmettent la joie et le mouvement de la musique et révèlent un puissant sentiment de communauté forgé par un engagement et un temps partagés.

Joshua Dudley Greer : Les multiples visages de Marseille
Peu familier avec Marseille, Dudley Greer s’est intéressé aux rues, aux paysages et aux environnements bâtis pendant son séjour, à la recherche de ce qu’il a fini par considérer comme les « multiples visages de Marseille ». Les 111 quartiers qui composent la métropole peuvent être très différents les uns des autres, passant par exemple de la montagne à la plage, ou des zones industrielles à celles très touristiques. Ses photographies capturent des moments éphémères et mettent en évidence les zones où le passé, le présent et l’avenir de Marseille convergent, en mettant souvent l’accent sur les terrains rocheux qui façonnent la vie quotidienne. Les œuvres qui en résultent tournent autour de plusieurs « Marseilles », tant sur le plan géographique que temporel.

Geoffroy Mathieu : Two Feet on the Ground
Geoffroy Mathieu a découvert Atlanta comme une ville immense, dépendante de la voiture, où il est souvent difficile de se déplacer à pied et où les transports publics sont limités. Choisissant de découvrir la ville à pied, il a documenté son infrastructure tentaculaire et rencontré des personnes qui s’y déplacent à pied. Ses photographies retracent des chemins improvisés, des trottoirs fragmentés et représentent celleux qui négocient ces espaces. L’Atlanta qui émerge dans le travail de Geoffroy Mathieu est vaste et difficile, façonné autant par le mouvement et l’adaptation que par la conception.

Nydia Blas : You Are the Offering
Au cours de l’été 2025, Nydia Blas a noué des liens à la Friche la Belle de Mai avec des adolescent·es membres de la Coopérative Jeunesse de Service — portée par Inter-Made, la Ligue de l’Enseignement et la Friche — établissant des relations fondées sur la collaboration et l’échange. Le groupe Mar’services soutient la communauté en effectuant des travaux de nettoyage, d’entretien des jardins et d’autres projets. Beaucoup de ces adolescent·es sont originaires d’Algérie, des Comores et du Yémen, reflétant la population multiculturelle de Marseille et l’histoire coloniale de la France. Les portraits discrets et émouvants de Nydia Blas reflètent une co-création, car elle les a également invité·es à se photographier les un·es les autres avec son appareil photo. Parallèlement à ce travail, l’artiste a développé une nouvelle pratique consistant à assembler et à photographier de petits retables réalisés à partir d’objets trouvés, des gestes intimes qui ont ancré sa pratique dans un nouvel espace.

Cette exposition est présentée dans le cadre du programme City X Cité, qui depuis 2022 met en lumière les connexions entre les villes d’Atlanta et Marseille. Un échange transatlantique qui se tisse avec une programmation artistique et des discussions autour des questions de culture, de développement urbain et de société.

Maria L. Kelly est conservatrice adjointe en photographie au High Museum of Art d’Atlanta. Au cours de son mandat au High Museum, Maria L. Kelly a contribué à l’organisation de près de trente installations photographiques. Elle a également organisé de manière indépendante des expositions à la Swan Coach House Gallery et à la Columbus State University.
Maria L. Kelly est titulaire d’une maîtrise en arts de l’université Columbia et d’une licence en arts de l’université de Georgia, toutes deux en histoire de l’art. Elle a occupé des postes à la Sir Elton John Photography Collection et au Brooklyn Museum et a effectué des stages au Museum of Modern Art, au Guggenheim Museum et au Georgia Museum of Art.

Monitorée, maîtrisée, épiée, comptabilisée, chassée ou protégée, la faune est sous contrainte humaine. Pendant une année, Laurence Kubski a documenté les interactions qui rythment la cohabitation des humains et des animaux sauvages dans l’espace géographique et culturel bien défini du canton de Fribourg.
Au travers des saisons, la photographe a suivi la capture de chauves-souris aux abords de grottes pour les recenser, le baguage des oiseaux pendant leur migration, le survol des prés par des drones les matins des jours de fauche dans le but de repérer des faons cachés par leurs mères… Elle mêle à cette enquête ses propres souvenirs d’enfance passée dans la campagne fribourgeoise.
SAUVAGES explore des pratiques locales tout en s’inscrivant dans une perspective plus large ; le territoire servant d’échantillon représentatif de la culture occidentale actuelle. En mêlant images documentaires et mises en scène, la photographe s’interroge : le sauvage existe-t-il encore ?

Parmi ses projets, on peut citer Crickets (Simonett & Baer, 2020), qui explore la tradition millénaire chinoise où les grillons sont des animaux de compagnie ; Big Fish (2022), qui remonte la filière du commerce de poissons d’ornement, des aquariophiles suisses aux pêcheurs indonésiens ; et Sauvages (2024), un inventaire photographique des interactions entre les hommes et la faune sauvage sur le territoire fribourgeois, publié par Editions Textuel et la Bibliothèque Universitaire et Cantonale de Fribourg.
Elle a reçu le premier prix vfg Jeune Talent suisse de la photographie (2017) et a remporté le Swiss Design Award (2023). Son travail a été présenté aux Rencontres de la Photographie d’Arles en 2025 et a été publié dans les magazines Fisheye, Hochparterre, NZZ, Disegno, National Geographic Traveler China et Süddeutsche Zeitung Magazin.

Photo : © Matthew Avignone / Courtesy La Galerie Rouge

La Galerie Rouge vous invite à découvrir l’oeuvre de Danny Lyon, un des plus importants photographes étasuniens de la seconde moitié du XXe siècle. Grand admirateur de Walker Evans et Robert Frank, il s’en détache pourtant en adoptant un style documentaire immersif proche du « New Journalism », genre littéraire américain des années 1960 et 1970. Danny Lyon s’immerge en effet entièrement dans la vie des sujets qu’il photographie jusqu’à devenir l’un d’entre eux. Loin d’être une posture, cette proximité physique et émotionnelle lui permet d’accéder à une certaine « vérité », essentielle à son oeuvre et à sa dimension militante. Car Danny Lyon croit profondément dans le pouvoir qu’a la photographie de changer les systèmes politiques et avec eux les destinées humaines.

Pour cette exposition exceptionnelle, La Galerie Rouge a réuni trois de ses plus importantes séries photographiques : The Civil Rights Movement, The Bikeriders et Conversations with the Dead. Les tirages photographiques présentés dans l’exposition Danny Lyon, L’Amérique en Lutte proviennent de trois collections privées distinctes et n’ont jamais été montrés jusqu’ici.

The Movement (1962- 1966)

En 1962, alors qu’il est étudiant à l’Université de Chicago, Danny Lyon décide de rejoindre le mouvement pour les droits civiques des noirs américains. A Cairo, dans l’Illinois, il rencontre le jeune militant John Lewis, figure centrale du mouvement et futur membre du Congrès Américain. Ce dernier lui propose de devenir photographe du Student Nonviolent Coordinating Committee ou SNCC (littéralement « Comité de coordination non-violent des étudiants »). Participant à leurs actions dans le Sud des Etats-Unis en même temps qu’il les photographie, Danny Lyon devient progressivement un activiste à part entière et côtoie aussi bien les grandes figures du mouvement, à l’instar de Martin Luther King avec qui il est emprisonné, que la base militante. A cette époque, ses photographies sont reproduites sur les affiches et les tracts pour diffuser les idées et les actions du Comité. Danny Lyon documente les rassemblements, les violences, les sit-in et également les liens qui unissent ces militants. Qu’il capture deux mains entrelacées en gros plan, la convivialité d’une scène autour d’un jeune Bob Dylan encore inconnu, ou le portrait de deux femmes emprisonnées qui défient un système implacable derrière leurs lunettes noires, Lyon humanise ces « héros » qui, face à un monde injuste, semblent les seuls à vouloir le renverser. En racontant le quotidien de leurs luttes, il révèle que ce mouvement pour l’égalité ne se résume pas à quelques grandes figures mythiques mais qu’il a été réalisé par tous et toutes et que nous-mêmes, qui regardons ses photographies, détenons un pouvoir d’action. Ces images de solidarité et de courage, qui constituent une oeuvre mémorielle, n’ont rien perdu de leur force et de leur actualité.

« Cela nous enseigne une chose très simple et que nous semblons tous avoir oublié : Qu’il est possible de faire l’histoire et que chaque individu aux Etats-Unis a un certain contrôle sur sa destinée. Cela s’est produit une fois—et il n’y a pas si longtemps que ça. »
– Danny Lyon

The Bikeriders (1963-1967)

En 1963, Danny Lyon poursuit sa quête de liberté et d’expériences en fréquentant un groupe de motards, le Chicago Outlaws Motorcycle Club dont il devient un membre à part entière en 1965. Sans concession et de manière honnête, Danny Lyon photographie le quotidien marginal de ces femmes et ces hommes qui vivent sur la route, attachés à leur « bécane », symbole d’un mode de vie nomade. Danny Lyon crée des images épiques qui font écho aujourd’hui à l’imaginaire que nous avons de cette figure du « bikerider » guidé par une lutte existentielle pour la liberté. Ses photographies relèvent à la fois du mythe individuel et de la glorification du groupe contre une société normative. Puisqu’il partage leur intimité, Danny Lyon est aussi à même de brosser un portrait sensible, engagé et humaniste de leur vie. Le photographe quitte toutefois ce gang après deux années de vie à leur côté, lassé par la violence et la radicalisation politique de certains de ses membres. Cette série, sans doute la plus célèbre du photographe, publiée en 1968 dans le livre Bikeriders, marque durablement la contre-culture américaine des années 1960.

« Ces types étaient des marginaux et les marginaux me fascinaient. Depuis mon engagement dans la lutte pour les droits civiques, je savais que la meilleure manière d’obtenir de bonnes photos était de s’impliquer, j’étais l’un des leurs avant d’être photographe. »
– Danny Lyon

Conversations with the Dead (1967-1971)

Enfin le troisième volet de cette exposition présente une série majeure de Danny Lyon, Conversations with the Dead, vibrant plaidoyer contre le système carcéral aux Etats-Unis et la société américaine elle-même. En 1967, Lyon obtient un droit d’accès au monde pénitencier du Texas et photographie pendant quatorze mois le quotidien de prisonniers dans six prisons différentes. Ce qu’il découvre est terrifiant : un système carcéral fondé sur l’esclavagisme où les prisonniers sont condamnés à être enfermer à vie dans des conditions extrêmement difficiles, parfois pour de simples délits. Dans cette oeuvre, Danny Lyon brise définitivement l’objectivité du documentaire pour raconter avec subjectivité et émotion le quotidien de ces personnes auxquelles il s’attache à mesure qu’il gagne leur confiance. Il photographie les jeunes prisonniers dans un quotidien à la fois routinier et oppressant. Alignés dans la cour d’exercice de la prison, dans les files d’attente des repas ou à la cueillette du coton dans les champs environnants tandis que des gardes armés à cheval les surveillent sans relâche, ces prisonniers semblent venir d’un autre temps. Ils réalisent des travaux exténuants sans but allant jusqu’à s’évanouir sous la chaleur écrasante. En parallèle de cette vision globale du système carcéral, Danny Lyon fait également le portrait intimiste de certains prisonniers dont il devient proche comme Billy McCune, détenu qui échappe plusieurs fois à la peine de mort et qui lui envoie régulièrement des dessins et des lettres bouleversantes. Lorsque Danny Lyon décide de publier cette série, il invite les détenus à participer et incluent leurs témoignages manuscrits mais aussi les rapports de prison, les photos d’identité carcérales des prisonniers et les lettres d’appel. Publié pour la première fois en 1971, Conversations with the Dead, a gardé toute sa force brute et reste, encore aujourd’hui un témoignage unique sur le système pénitentiaire au Texas et une condamnation sans appel de la violence de la société américaine.

« J’ai tenté, avec le peu de pouvoir qui est le mien, de donner une image de l’incarcération qui paraisse aussi éprouvante qu’elle est dans la réalité, et les quelques fois où j’ai pu douter de la justesse de mon point de vue, je n’ai eu qu’à aller voir dans sa cellule un détenu que je connaissais. On m’avait dit de faire attention à ne pas me laisser embobiner par les détenus. On m’a beaucoup répété que je n’avais pas vu ce que ces hommes avaient commis à l’extérieur. C’est vrai. Je n’ai vu que ce qui se trouvait devant mes yeux. Et les documents que j’ai rassemblés sont encore très loin du sentiment que l’on éprouve après avoir passé deux minutes dans les couloirs d’Ellis. »
– Danny Lyon

Danny Lyon (1942, New York – )
Danny Lyon est un photographe et cinéaste américain reconnu pour son approche immersive et engagée de la photographie documentaire et sociale.
Né en 1942 à Brooklyn et élevé dans le Queens, Danny Lyon découvre la photographie auprès de son père, ophtalmologiste de métier qui a pour patient le photographe Alfred Stieglitz en personne. Très tôt, Lyon développe un goût pour le voyage et l’observation sociale, et part faire le tour de l’Europe en 1959 en compagnie de son frère. Sur les conseils de son père il se procure son premier appareil photographique en Allemagne de l’Est, un Exa. À son retour, Lyon étudie la philosophie et l’histoire à l’Université de Chicago et devient le photographe officiel du journal étudiant. Sur le campus, il assiste au premier sit-in pour les droits civiques tenu dans le Nord des Etats-Unis et y photographie le futur Sénateur Bernie Sanders. Toutefois, Danny Lyon se rappelle avoir pensé « Ce n’est pas ici que ça se passe réellement. Le véritable combat a lieu dans le Sud ».
En 1962, âgé alors de vingt ans, Danny Lyon rejoint Cairo (Illinois) dans le but de rejoindre le mouvement des droits civiques dans le Sud des Etats-Unis. Il y rencontre John Lewis, leader du mouvement et futur membre du Congrès Américain. Ce dernier lui propose de devenir photographe du Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC), organisation majeure du mouvement des droits civiques aux États-Unis. Danny Lyon documente pendant trois ans les événements clés de cette lutte pour la justice et l’égalité raciale dans le Sud des Etats-Unis. Ses photographies sont réunies dans un premier ouvrage intitulé The Movement: Documentary of a Struggle for Equality publié en 1964 puis dans Memories of the Southern civil rights movement (Twin Palms Publishers, 2010).
À partir de 1963, Lyon poursuit son exploration des marges de la société américaine en partageant la vie de motards du Midwest. En 1965, il rejoint le Chicago Outlaws Motorcycle Club et réalise un portrait intimiste de ce monde de la contre-culture américaine. Cette immersion aboutit à la publication de son ouvrage mythique The Bikeriders (Macmillan, 1968). Au même moment, Danny Lyon travaille sur deux autres projets documentaires. Il photographie la vie des habitants de Uptown, un quartier ouvrier de Chicago et réalise un reportage sur les travaux de démolition du Lower Manhattan à New York. La série des Bikeriders, en particulier, lui apporte une reconnaissance immédiate. En 1966, il expose à l’Art Institute de Chicago soutenu par son mentor et ami Hugh Edwards, le conservateur du musée. Et dès 1967, il est invité à rejoindre l’agence Magnum dont il sera membre associé jusqu’en 1975.
En 1967, Danny Lyon s’installe au Texas afin de documenter le système pénitentiaire étasunien. Pendant deux ans, il photographie la réalité carcérale, donnant une voix aux détenus dans Conversations with the Dead (Holt, Rinehart Winston, New York, 1971), ouvrage majeur qui dénonce la dureté des conditions de détention.
Ensuite, Danny Lyon s’installe à New York et s’associe avec le photographe et cinéaste Robert Frank pour créer la société Sweeney Films. Dans les années 1970, Lyon se tourne vers le cinéma documentaire, réalisant notamment Los Niños Abandonados (1975), consacré aux enfants des rues en Colombie, ainsi que Born to Film (1982), une réflexion sur sa propre pratique artistique.
Depuis, Lyon partage sa vie entre le Nouveau-Mexique et New York. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions et distinctions. En 2016-2017, une rétrospective intitulée Danny Lyon: Message to the Future lui est consacrée au Whitney Museum, New York ; au Fine Arts Museum de San Francisco, au Fotomuseum Winterthur et à la C/O Berlin Foundation.

Alors qu’au sous-sol les collections d’archéologie entament leur mue, les anciennes salles consacrées à l’Égypte accueillent pour la première fois l’exposition d’une artiste contemporaine.

Le Musée de Picardie invite FLORE qui propose une traversée dans son œuvre égyptienne, mise en dialogue avec des objets de la collection.

Artiste photographe franco-espagnole née en 1963, FLORE vit et travaille entre Paris et son atelier à Roye, dans la Somme.

Ses travaux se réalisent sur le long cours, souvent lors de voyages. Ils sont acquis et présentés par différents musés prestigieux comme le Petit Palais, la BnF, le Mémorial de Rivesaltes, la Villa Tamaris, le Musée Chopin de Varsovie ou le Sungkok Museum de Séoul ainsi qu’au sein de maisons d’écrivains comme celle de George Sand à Nohant.

De son enfance passée en Égypte, FLORE garde un attachement viscéral à ses odeurs, à ses monuments, mais surtout à sa lumière. Quarante ans plus tard, elle est retournée sur les lieux qui l’ont marquée pour en rapporter des images empreintes de mélancolie et de poésie. Ce territoire invisible ne se visite pas : il se traverse. Et l’on comprend alors que l’Égypte, telle qu’elle la convoque, n’est pas un ailleurs. C’est une éternité qui brûle au dedans.

Elle réalise elle-même le tirage de ses photographies et ses gestes, proches de ceux des peintres, confèrent à ses images leur poésie toute matérielle.

Le Musée de Picardie est ouvert tous les jours sauf le lundi de 9h30 à 18h (11h à 18h le week-end).

En 2026, le Centre des monuments nationaux s’inscrit dans la célébration du Bicentenaire de la Photographie et participe à la commémoration du 150e anniversaire de la disparition de l’écrivaine au domaine de George Sand à Nohant. À cette occasion, l’artiste photographe FLORE est invitée à investir la maison et le jardin de George Sand avec une création photographique inédite conçue spécialement pour ce site chargé d’histoire. Au fil de plusieurs séjours menés pendant deux années de résidence, elle a arpenté Nohant, laissant au temps et à la familiarité des espaces le soin de faire émerger une relation sensible avec l’endroit.

Après neuf ans d’amour passionné, George Sand se sépare de Frédéric Chopin et entreprend de faire disparaître de Nohant toute trace de son compagnon. Paradoxalement, ce geste d’effacement a renforcé au fil du temps un sentiment d’absence qui imprègne aujourd’hui encore les lieux.
FLORE explore cette tension entre présence et absence. Plutôt que de rechercher des traces matérielles désormais disparues, elle mobilise les potentialités du médium photographique pour suggérer et évoquer cette présence fantomatique. Les images deviennent des échos visuels, des résonances silencieuses de ce qui fut et persiste de manière invisible.
Je suis dans des mondes étranges propose ainsi une immersion poétique dans l’empreinte émotionnelle laissée par deux figures liées par une relation intense, et dans la mémoire vibrante qui continue d’habiter Nohant.

Cette exposition est l’aboutissement d’une traversée au long cours des Pyrénées, menée sur plusieurs années. De nuit comme de jour, Sébastien Normand arpente les reliefs pour saisir ce qui échappe, ce qui tremble, ce qui demeure en limite de perception. L’exposition réunit ces fragments de voyage : images argentiques, lumières incertaines, silhouettes de crêtes, atmosphères vibrantes où la frontière entre réel et abstraction se brouille. Elle propose une expérience visuelle autant qu’une réflexion : marcher, c’est apprendre à voir. Le visiteur est invité à suivre ces chemins d’altitude comme on suit une pensée, à s’ouvrir à la lenteur, au silence et à la beauté brute des montagnes. L’exposition « Vérité en deçà, …, et au-delà » invite ainsi le public à franchir la frontière entre visible et invisible, dans un voyage où la montagne devient matière à pensée autant que matière à image.

Photographe-auteur formé à l’ENS Louis-Lumière à Paris, Sébastien Normand s’est construit un chemin artistique entre rigueur technique et regard singulier. Installé en région marseillaise, il développe depuis plusieurs années une pratique qui explore les seuils du visible, mêlant dispositifs expérimentaux, longues marches et travail photographique en chambre grand format. Tour à tour auteur et photographe de commande, il accompagne aussi des artistes, chorégraphes et architectes, documentant leurs gestes et leurs lieux avec une attention méthodique presque scientifique. Son oeuvre avance à pas lents, par séries au long cours où se rencontrent paysage, lumière faible et observation patiente. À mesure que son parcours s’affirme, son travail s’impose comme une manière de penser l’image autant qu’une manière de l’habiter.

DISCORDED LOVE explore l’espace latent entre l’amour et le désamour à travers des photographies transfigurées, des vidéos performatives et des figures où l’amour demeure.
Discorded Love interroge ainsi la notion même du lien : que reste-t-il lorsque l’harmonie disparaît ? En refusant toute narration explicative, Sylvie Benoit ouvre un espace de projection intime pour le regardeur. La série invite à une expérience contemplative, presque physique, où l’émotion naît précisément de ce qui ne s’accorde plus.
Françoise Besson

Photo : Scènes et types d’Egypte, technique mixte, crayon et encre

Manon Pieyre de Mandiargues, en collaboration avec la galerie Aline Vidal, a le plaisir d’accueillir Sigurður Árni Sigurðsson: Corrections dans l’espace Grille à Arles, à l’occasion de la quatrième édition du Festival du dessin.

L’exposition rassemble des dessins importants dans l’oeuvre de Sigurðsson, tous issus de sa série Corrections qui compte, à ce jour, plus de 200 dessins. Cette série reflète la passion de l’artiste pour les cartes postales et les photos qu’il trouve dans les marchés aux puces ou les brocantes lors de ses voyages à l’étranger, principalement en France. Comme Sigurður Árni le souligne lui-même, les Corrections jouent un rôle particulier dans sa création. Il commence à corriger photos et cartes postales dans le but de faire sauter les blocages et de donner libre cours à l’énergie créatrice, une situation analogue à la méthode que le surréaliste français, André Breton (1896–1966) appelait l’écriture automatique.

La matière des Corrections est intimement liée au contexte culturel français, comme en témoignent la photographie de jeunes mariés anonymes sortant de l’église ou encore celle des Types corses. Dans Paysage sur l’eau, un marais salant traditionnel situé sur une côte lointaine, se transforme en paysage géométrique. Même une scène apparemment anodine, telle qu’une famille en pique-nique, devient loufoque lorsqu’elle est mise en relation avec une publicité comique pour le célèbre Bibendum de Michelin.

Par ses interventions, Sigurður Árni libère la photographie de ses limites. Il la « dégèle » et la prolonge dans le dessin, qui s’émancipe du cadre et finit par prendre le dessus sur l’image originelle. En faisant dialoguer photographie et dessin, l’artiste rappelle que la photographie n’a pas toujours été perçue comme une référence absolue du réel, le dessin ayant longtemps été considéré comme une représentation plus précise et plus scientifique. En réunissant ces deux modes d’expression, Sigurður Árni efface les frontières temporelles et conceptuelles, transformant Corrections en une métaphore de la création artistique elle-même, au-delà du temps. Le spectateur est alors amené à s’interroger : qu’est-ce qui relève de l’image originelle et qu’est-ce qui a été ajouté ? Ces interventions instaurent une nouvelle relation, arrachant les cartes postales à leur ancrage passé pour les projeter dans un présent suspendu, où l’espace et le temps s’effacent ou perdent toute importance.

Né en 1963 à Akureyri en Islande. Sigurður Árni Sigurðsson commence à étudier à l’Akureyri College of Art à Akureyri en 1983 puis à l’Icelandic College of Art and Craft à Reykjavik jusqu’en 1987. Il part ensuite à l’École nationale supérieure d’art de Cergy-Pontoise où il reste jusqu’en 1990 pour effectuer une résidence d’art à la Villa Saint-Clair à Sète. L’année suivante, il intègre l’Institut des Hautes Études en Arts Plastiques à Paris. Certaines des oeuvres les plus remarquables de Sigurður Árni ont été installées dans des lieux publics tels que la centrale hydroélectrique de Sultartanga en Islande (« Sólalada », 2000), la résidence médicalisée Hlíð à Akureyri, en Islande (« Ljós í skugga », 2006), la Banque nationale d’Islande à Reykjavik (« Samhengi », 2004) et la ville de Loupian dans le sud de la France (« L’Éloge de la Nature », 2011). Sigurður Árni a représenté l’Islande à la Biennale de Venise en 1999. En 2000, lorsque Reykjavik était capitale européenne de la culture, l’une de ses oeuvres a été choisie comme emblème de l’année culturelle. Il a été professeur à l’Académie des arts d’Islande et à l’École supérieure des arts de Montpellier (ESBAMA), et a été sélectionné comme artiste lauréat 2000-2001 par la ville d’Akureyri en Islande. Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections : le Musée National d’Islande, le musée de la Ville de Reykjavik, et de nombreuses institutions françaises telles que le FNAC, différents FRACS ou encore la Ville de Paris.

« Le projet a commencé à travers des conversations intimes avec ma Nonna, tandis que nous regardions des photographies de famille. Elle me racontait des histoires de sa vie — des moments traversant générations et continents — mais parfois les souvenirs se brouillaient. Les noms, les lieux et les événements devenaient insaisissables, m’amenant à m’interroger sur la nature des photographies en tant qu’objets et sur les significations qu’elles portent lorsque leurs récits s’estompent. Que se passe-t-il lorsque le contexte derrière une image se perd ? Comment les photographies personnelles façonnent-elles notre compréhension du monde, à la fois individuellement et collectivement ?

Plutôt que de me concentrer uniquement sur mes images familiales, j’ai élargi ma recherche en collectant des photographies vernaculaires provenant de diverses sources. Ces images anonymes, détachées de leur contexte d’origine, m’ont intriguée. Elles m’ont permis de réfléchir à la manière dont les photographies communiquent — ou dissimulent — lorsque leur provenance est perdue.

À travers l’expérimentation, j’ai développé un processus consistant à perforer les photographies à la main, laissant la lumière les traverser. Cette utilisation de la lumière est devenue centrale dans le projet, symbolisant la renaissance de ces images oubliées. Le titre, Dare Alla Luce, se traduit de l’italien par « mettre au monde » ou « porter à la lumière », une expression utilisée pour désigner l’accouchement, mais qui fait ici également référence à la présence renouvelée et aux nouvelles interprétations de ces photos « perdues ». Ce titre m’a semblé approprié, car il résume l’idée de renaissance — la manière dont les photographies renaissent continuellement chaque fois qu’elles sont regardées à nouveau.

La photographie, née de la lumière, est intrinsèquement malléable : chaque regard la transforme subtilement, façonnée par l’évolution de nos perceptions. »

Amy Friend

Amy Friend grandit dans la banlieue de Windsor, Ontario au Canada où le fleuve Detroit rejoint le lac Saint Clair. Elle étudie à l’université d’art et de Design OCADU à Toronto, avant de voyager entre l’Europe, l’Afrique, Cuba et les Etats-Unis.

Le travail de Friend a été exposé à l’échelle nationale et internationale dans le cadre d’expositions majeures, de festivals et d’institutions, notamment à la Bibliothèque nationale de France (Paris), à Photoville (New York) et au Museum London (Canada).

Friend a été sélectionnée pour le Taylor Wessing Portrait Prize 2019 à la National Portrait Gallery (Londres, Royaume-Uni). Friend a été sélectionnée parmi les 50 meilleures photographies du concours international de photographie Critical Mass et a été lauréate de Critical Mass en 2014.

En 2018 à Paris Photo, le travail de Friend a été sélectionné pour l’exposition Elles X, organisée par Fannie Escoulen, présentant 100 femmes photographes, des débuts de la photographie à aujourd’hui.

Les photographies de Friend font partie de plusieurs collections publiques, notamment la Fondation Orestiadi (Gibellina, Sicile), la Fondation Onassis (Athènes, Grèce), la ville de St. Catharines, (St. Catharines, Canada) et l’Université York (Toronto, Canada).

Friend crée actuellement de nouvelles œuvres avec le soutien du Ontario Arts Council et sa nouvelle monographie, Firelight, a été publiée aux Editions L’Artière sous la direction de Laura Serani.

Du verbe à l’image et Portraits de Cannes et son festival de Stars
Avec deux panneaux pour le Centenaire de la naissance de Michel Butor (1926 – 2026)
Avec le soutien de Matthieu Rivallin Médiathèque du patrimoine et de la photographie

Je fêterai mes 80 ans dans mon village natal d’Oppède-le-Vieux ou le Vieil-Oppède où je résiderai dorénavant. Un retour aux sources de la vie, la mort viendra quand elle viendra.
« Accrochez-vous à vos rêves, car si les rêves meurent, la vie est un oiseau aux ailes brisées qui ne peut plus voler. » Langston Hughes (1901-1967). Désormais plus tranquille. Je parle aux oiseaux, au soleil et à la forêt. Et je marche, je marche, je marche.
Cet été, j’aurai donc une grande exposition en deux volets : le premier avec l’exposition « Du verbe à l’image » sous les Halles La Croix où je serai présent tous les jours, avec des portraits d’écrivains et les manuscrits qu’ils ont écrits sur l’une de mes images, ainsi qu’un hommage Michel Butor, pour le centenaire de sa naissance ; le deuxième volet intitulé « Portraits de Cannes et son festival de stars » proposera un parcours dans le jardin de Lizzie-Terrasses Sainte-Cécile.
Exposition organisées par la Mairie d’Oppède avec le service Culture et Patrimoine, ainsi que le soutien de Matthieu Rivallin, Médiathèque du patrimoine et de la photographie.
Que du Bonheur
Serge Assier
Serge Assier Editeur de ma passion envers la poésie

Les régions marquées par les trois fleuves la Sarre, la Moselle et le Rhin ont un passé mouvementé. Les cours d’eau ont eux aussi subi des transformations profondes, passant d’un état naturel à une exploitation culturelle et industrielle. Je souhaite partir à la recherche photographique des traces de cette transformation, explique Boris Becker.

Commande photographique portée par le Nouvel Observatoire Photographique du Grand Est, N.O.P-G.E. Avec le soutien financier du ministère de l’Éducation et de la Culture de la Sarre et du Département de la Moselle.

À travers une démarche photographique qui s’écarte du registre strictement documentaire, l’exposition L’année de l’avalanche réunit et articule le travail réalisé en résidence par François Deladerrière et un ensemble d’images antérieures.

L’exposition se construit comme un récit ouvert. Si les lieux photographiés restent potentiellement identifiables, ils ne sont jamais donnés comme des documents. L’artiste privilégie une approche sensible et poétique.

En s’écartant de l’imagerie traditionnellement associée à la montagne, le travail met en lumière les signes discrets de l’instabilité : tremblements, effondrements, transformations progressives d’un milieu exposé.

Commissariat d’exposition : Marie Bondy

Japon, 1964, Collection Photo Elysée / Succession Nicolas Bouvier © Nicolas Bouvier
En 2026, dans la continuité des succès majeurs des expositions Play, play, play, rétrospective William Klein (21 653 entrées) et Genesis de Sebastião Salgado (28 662 entrées), Montélimar-Agglomération propose au MAC une rétrospective inédite consacrée à l’écrivain-voyageur suisse Nicolas Bouvier (1929-1998).

Auteur d’ouvrages devenus des références pour des générations d’aventuriers aux quatre coins du globe, à commencer par son chef d’œuvre L’Usage du monde (1963), et le Poisson-scorpion (1982), cet explorateur, curieux d’images et iconographe, était aussi photographe. L’exposition à venir, du 12 mai au 31 octobre 2026, propose de découvrir cet aspect méconnu de son œuvre, deux ans avant le centenaire de sa naissance et l’année du bicentenaire de l’invention de la photographie.

Les images de Nicolas Bouvier, principalement prises lors de ses voyages au Japon entre 1955 et 1970, sont mises en lien avec celles de photographes majeurs. Cette exposition immersive dévoile plus de 130 clichés – argentiques rares et tirages couleur – au fil d’une déambulation rythmée par les textes de Nicolas Bouvier.

Commissariat : Nicolas Crispini

Comme le titre le suggère, les photographies présentées dans cette exposition ont été prises principalement au crépuscule, lorsque les ombres s’allongent, les couleurs se transforment sous l’effet de la lumière déclinante et un sentiment de mystère envahit la scène. Le flou n’est pas recherché, il est la résultante de la façon de travailler du photographe. Les images lui viennent latéralement, chemin faisant, comme un souvenir dont on rêve, la netteté n’est pas ce qui l’intéresse, il est en mouvement quand il déclenche, d’où le flou qui en résulte…
Les couleurs se démultiplient, créant une 3ème dimension dans le paysage. L’exposition présente les tirages argentiques « vintage » de l’artiste en errance dans la Russie enneigée, elle-même en perte de repères au début des années 90 après la perestroïka, ainsi que ses tirages numériques couleurs récents (2018-2025) ayant pour cadre un milieu familier, l’Aubrac et, aux antipodes, le Japon.

Né à Nantes et basé entre Paris et l’Aubrac, Daniel Anizon est un photographe-auteur au parcours atypique. Après un doctorat en économie en 1973, il voyage seul autour du monde trois ans sans appareil photo, une expérience fondatrice relatée en 2021 dans son récit Sans raison ni maison. Il s’initie à la photographie en 1982. Son regard artistique a également été marqué par la découverte du Japon en 2018.
Sa carrière est jalonnée de distinctions prestigieuses, notamment le Prix Ilford (1984), le Prix Médicis Hors les Murs (1987) avec son travail sur les trappeurs canadiens et le Prix News aux Rencontres d’Arles (1988). Il a bénéficié de résidences internationales au Canada et aux États-Unis, et a célébré 40 ans de photographie lors d’une présentation à Gens d’images/ADAGP à Paris en 2024.
Ses œuvres figurent dans de grandes collections publiques, telles que le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et la Bibliothèque Nationale de France. Toujours actif, il a récemment exposé à la Maison Heinrich Heine à Paris (2021) ainsi qu’à la Galerie Mind’s Eye en 2026.

Claudine Doury s’est rendue en Sibérie extrême-orientale pour la première fois en 1991, puis en 1997, afin de témoigner de la vie des peuples natifs sibériens.

Voyageant le long des rives du fleuve Amour, elle a parcouru le pays de Nergen à Bogorodskoye en passant par les villages de Boulava et d’Ous-Gour.

Vingt ans plus tard, elle retourne dans la région pour retrouver les familles nanaïs, oultches et nivkhes qu’elle avait rencontrées lors de ses précédents voyages. Elle souhaite ainsi témoigner du passage du temps sur ces familles photographiées alors, mais aussi des mutations à plus grande échelle sur ces populations…

Ce portrait des familles issues des peuples asiatiques natifs de l’Amour permet de redéfinir les contours d’un territoire qui porte les traces de son histoire : la conquête de l’Est en passant par l’arrivée des cosaques et le peuplement russe au cours des siècles, jusqu’à l’actuelle influence de la puissante Chine frontalière sur la géopolitique de la région.

Photo. © Axelle de Russé

Du 29 mai au 30 septembre 2026, les deux communes du Guilvinec et de Treffiagat-Léchiagat accueilleront la 16e édition du Festival Photo du Guilvinec. Au programme : « La mer en Partage » à travers dix-sept séries photographiques sélectionnées par le comité artistique, des photos anciennes liées au territoire, des projets scolaires et un pôle dédié au club photo.
Trois cents images seront exposées sur cinq kilomètres, en plus de projections, conférences et de deux marathons photos. Le Festival débutera par un week-end en présence des photographes, permettant échanges et convivialité autour des spécialités culinaires de la pointe bretonne.
Créé en 2012 par Michel Guirriec, Lannick Vigouroux et René-Claude Daniel, le Festival Photo du Guilvinec s’impose aujourd’hui comme un événement culturel majeur en Bretagne, soutien à la création photographique et à l’éducation à l’image.
De début juin à fin septembre, le public pourra découvrir, gratuitement, les expositions photographiques en plein air, installées au coeur du port.
Fidèle à son ancrage maritime, Le Festival Photo du Guilvinec trace chaque année un sillon plus audacieux. Grâce aux photographes professionnel.les qui répondent à l’appel, il explore la culture maritime sous tous les angles, pourvu que l’humain en soit le coeur battant.
Sa programmation s’articule autour d’une thématique qui permet aux photographes, qu’ils soient en devenir, ou déjà reconnus, de s’afficher aux yeux de dizaines de milliers de visiteurs.
Au-delà des seules expositions, l’équipe du Festival organise des animations, des déambulations, rencontres et visites commentées. Un cycle de conférences/projections « Les mercredis du Festival » aura lieu sur les mois de juillet et août.

Les photographes sélectionnés
Parisa Bajelan
Bernard Biger
Maurizio Borriello
Marc Chaumeil
Axelle de Russé
Gaëlle de Trescadec
Pierre de Vallombreuse
Franck Desplanques
Bruno Estrade
Philippe Geslin
Jérémie Labbé
Eric Laforgue
Manon Lanjouère
Isabelle Serro
Thibaut Vergoz
Audrey Zaltron
Les ports bigoudens vus par… Richard Roudaut

Pour sa programmation de printemps, le Kiosque présente Le Murmure des Égarés, fruit d’une création originale signée par la photographe-auteure Aurélia Frey et Emmanuel Faivre, créateur visuel et sonore. Un projet artistique, mêlant images et paysages sonores sur les traces des marins-pêcheurs bretons qui partaient pour de longs mois pêcher la morue dans les eaux glacées d’Islande.

Le Murmure des Égarés rassemble des images et des sons réalisés en Islande au printemps 2024.

Aurélia Frey et Emmanuel Faivre ont suivi les pas des marins-pêcheurs bretons qui dès le XVIe siècle jusqu’aux années 30 partaient pêcher au péril de leur vie dans les eaux glacées de l’Atlantique Nord, avant de débarquer leur pêche dans les grands ports de la côte française, de la Manche à l’Atlantique.

Leur envie est de rappeler à la mémoire ces bretons qu’on appelait les « Islandais », dont beaucoup ne revinrent jamais au pays. Faire entendre leur voix, ne serait-ce que par un murmure… Le Murmure des Égarés.

L’installation immersive offre une déambulation au milieu de voilages et de tirages photographiques dans une multidiffusion sonore qui invite le spectateur à une rencontre poétique et sensible.

Cette création originale à quatre mains, où dialoguent deux univers artistiques, invite à un voyage dans la mémoire de ces existences maritimes.

Photo : La villa Médicis à Rome, photographiée par Gabrielle Hébert en 1891.

Conçue en partenariat avec le musée d’Orsay, l’exposition révèle une facette méconnue de l’épouse du peintre Ernest Hébert, Gabrielle Hébert, née Gabriele von Uckermann (1853, Dresde, Allemagne – 1934, La Tronche, France). Le parcours dévoile l’oeuvre intime et novatrice d’une femme pionnière de la photographie à la fin du 19e siècle.

Proposée en partenariat avec le musée d’Orsay, l’exposition révèle une facette méconnue de Gabrielle Hébert, épouse du peintre Ernest Hébert. Le parcours dévoile l’oeuvre intime et novatrice d’une femme pionnière de la photographie à la fin du 19e siècle.
Gabrielle Hébert, née Gabriele von Uckermann (1853-1934), est d’abord peintre amateure, avant d’épouser le peintre Ernest Hébert en 1880. Lors du second directorat de son mari à l’Académie de France à Rome – Villa Médicis, elle dépasse le rôle attendu d’épouse du directeur pour s’engager dans une pratique photographique assidue et passionnée. Elle entreprend alors de documenter le quotidien de l’Académie, le palais, les jardins, les pensionnaires et surtout son mari. Ses images, véritables pages d’un journal intime visuel où se conjuguent sensibilité et modernité, font d’elle la première chroniqueuse photographique du lieu.
L’exposition propose de redécouvrir l’histoire de cette pionnière, de ses premiers clichés réalisés en 1888 à ses ultimes images datées de 1908. Le parcours révèle une figure singulière et désormais incontournable de l’histoire de la photographie.
Après sa présentation au musée d’Orsay, l’exposition arrive au musée Hébert pour trois mois, avant de partir pour Rome, à la Villa Médicis, début 2027.

INTRODUCTION

Peintre amateure et épouse de l’artiste Ernest Hébert, directeur de l’Académie de France à Rome, Gabrielle Hébert démarre la photographie de manière intensive et exaltée à la Villa Médicis en 1888. Elle cesse brutalement vingt ans plus tard à La Tronche, à la mort de l’homme qu’elle idolâtre et qui est son aîné de quarante ans. Elle assurera sa postérité par la création de deux musées monographiques.

À l’instar d’Henri Rivière, de Maurice Denis ou d’Émile Zola qui s’emparent à la fin du 19e siècle d’un boîtier photographique pour enregistrer le quotidien familial, Gabrielle développe une pratique privée et sentimentale, favorisée par la révolution technique et esthétique de l’instantané. Comme le montrent les mentions « Je photo » ou « Je photographie » dans son agenda, pas un jour ne passe sans qu’elle réalise des prises de vue. De ses débuts aux dernières images, cette exposition présente ce que Gabrielle fait de la photographie et ce que la photographie fait d’elle. S’assurant grâce aux images une place d’auteure dans un milieu où la création artistique est réservée aux hommes, elle se révèle à elle-même. À travers la chronique de sa terre d’élection et des jours heureux, elle fait oeuvre de mémoire et s’inscrit dans l’Histoire

UNE FEMME SOUS INFLUENCE

Le 21 juillet 1888, Gabrielle « sort acheter des choses nécessaires pour la photographie ». C’est le début d’une production obsessionnelle de deux mille clichés majoritairement pris à la Villa Médicis où, Première Dame d’une institution culturelle prestigieuse, elle organise les réceptions et reçoit le gotha en visite.
Gabrielle échappe vite aux assignations : elle acquiert un appareil photographique, prend des leçons auprès de Cesare Vasari, un professionnel romain, et installe, en compagnie du pensionnaire Alexis Axilette, une chambre noire pour développer ses négatifs, tirer et retoucher ses épreuves.
Elle a déjà un oeil grâce à sa culture artistique et par sa pratique de la peinture et du dessin. Les nombreux tirages que son mari a collectionnés de ses découvertes artistiques (sites, monuments et oeuvres) marquent la photographe débutante.
Mais c’est avec les comtes Giuseppe et Luigi Primoli, deux frères franco-italiens « malades et enragés de la photographie », selon l’écrivain Romain Rolland, que Gabrielle explore les potentialités de l’instantané, devenant le sujet d’une expérience créative et existentielle : la photographie.

UN ART DE LA JOIE

Gabrielle tient la chronique de la Villa Médicis, à la fois chef-d’oeuvre architectural dominant la Ville éternelle, lieu de vie des lauréats du Grand Prix de Rome et laboratoire d’une nouvelle relation entre la France et l’Italie tout juste « unifiée ». Elle pose son regard sur les occupants : artistes et modèles, visiteurs étrangers en goguette, employés italiens au travail, fleurs et bêtes.
Elle aime exercer en compagnie des « presses-bouton » de son entourage, comme on désigne les amateurs équipés d’un appareil à main, qu’il s’agisse d’artistes, d’amis ou même de l’ambassadeur de France près le Saint-Siège. Elle observe aussi les professionnels effectuant des perspectives du palais avec leur imposante chambre photographique.
« Temps magnifique. Je photographie les pensionnaires » : Gabrielle associe souvent la météo du jour à une nécessité impérieuse d’opérer. Présente au monde, dans la joie d’être, elle appuie alors sur l’obturateur. La prise de vue est une épiphanie. Je photographie, donc j’existe, semble-t-elle signifier.

MEIN ALLES (MON TOUT)

Gabrielle prend pour point de mire son mari, autour duquel elle tourne et dont elle semble surprendre les activités lorsqu’il est en train de peindre ou de faire les honneurs des lieux à des hôtes. Le portrait tendre et sensible qu’elle dresse de lui est celui d’un directeur, d’un artiste tout entier dévoué à son oeuvre sur ses lieux de travail (jardin jouxtant son atelier, bosco, sommet d’un campanile, et jusqu’au lit de sa chambre à coucher), ou dessinant sur le motif en excursion.
Elle le saisit aussi dans sa nudité d’homme âgé prenant des bains de mer, dont elle tient la comptabilité. Elle se soucie de son état de santé ; elle note la façon dont il a dormi ou l’heure de son lever.
L’asymétrie du couple, banale à cette époque et dans ce milieu, s’exprime aussi dans leurs écrits : alors qu’il la tutoie, elle utilise le voussoiement et s’adresse à lui par la formule superlative allemande « Mein Alles » : Mon Tout. Leur pratique artistique prolonge cet état de fait : Ernest est le sujet principal de ses images ; il ne la peint qu’à deux reprises.

VOYAGES EN ITALIE

Lors de leur séjour de onze ans en Italie, Ernest et Gabrielle sillonnent tout le pays. Ils visitent villas et jardins, chapelles et cathédrales, palais et nécropoles. L’artiste se plaît à revenir sur des lieux de prédilection peints pendant sa jeunesse. Ils emmènent avec eux un pensionnaire ou un élève, Amelia Scossa, le modèle chéri d’Ernest, ou encore quelques amis ; les chiens sont eux toujours présents. En 1893, ils se rendent en Sicile, dans la propriété du grand collectionneur Henri d’Orléans, Duc d’Aumale, puis découvrent les sites antiques de Sélinonte et Agrigente et les théâtres grecs de Syracuse et de Taormine.
En s’extrayant du huis-clos formé par la Villa Médicis et ses occupants singuliers, Gabrielle sort littéralement de son milieu. Dans une attention pleine d’empathie pour la culture populaire et régionale, elle parvient à faire poser devant son objectif, sans doute posé sur un pied, des groupes d’inconnus, des femmes et des hommes, qu’elle réunit dans une amusante pagaille autour d’une fontaine ou sur les marches d’un bâtiment, suscitant en retour une curiosité certaine.

EN ESPAGNE, UN REGARD CINÉMATOGRAPHIQUE

En 1896, le ménage quitte à grand regret et dans la douleur l’Italie, rejoignant Paris et La Tronche où il continue à mener une vie mondaine intense, Ernest bénéficiant d’abondantes commandes publiques et privées. Deux ans plus tard, Gabrielle accomplit son chant du cygne photographique lors d’un ultime périple, cette fois-ci en Espagne, qui les mène tous deux de Burgos à Grenade en passant par Madrid, l’Escurial, Tolède, Grenade, Séville.
Délaissant sa chambre photographique pour un appareil Kodak, elle amplifie en près de trois cents clichés ce qu’elle avait déjà expérimenté : points de vue audacieux – notamment depuis le train en pleine course -, boîtier en mouvement, regards vers la caméra, ombre projetée de l’opératrice au sol, flou de bougé des êtres et des choses (fumée, nuages et vagues), figures tronquées et gros plans. Le cinématographe naissant est passé par là. Elle ne fait plus poser ses sujets, elle les attrape au vol. Elle saisit les gestes fugaces, les instants radieux, la flânerie les badauds, l’éclat d’un rire.
Ce voyage est une parenthèse enchantée qui permet au couple de se remettre en marche, une dernière fois.

LE TOMBEAU D’UN ARTISTE

De retour d’Espagne, Gabrielle cesse de cultiver sa passion, née sous le ciel d’Italie.
Sa production s’amoindrit significativement pour s’interrompre en 1908, à la mort d’Ernest. Au fil des derniers mois de celui-ci, elle enregistre les ultimes visites et sorties au soleil, les promenades et l’installation du chevalet sur le motif. Elle le campe en dessinateur et peintre jusqu’au bout, puis met en scène son portrait posthume, pour l’éternité.
Portant en germe l’anticipation de la fin, les photographies des moments vécus, des lieux traversés, des personnes rencontrées, étaient en réalité destinées à être regardées par d’autres que leur seule autrice. Avec ses milliers d’images, Gabrielle compose un tombeau, au sens poétique du terme, édifié en mémoire de son mari et de leur amour.
Dans le musée qu’elle a créé en Isère, à La Tronche, à la gloire d’Ernest, il faudra attendre le début du 19e siècle pour que soit découverte par un heureux hasard son oeuvre photographique.

L’inscription au concours se fait en ligne sur le site → www.la-chambre.org (⚠️ frais de dossier : 10€ — règlement détaillé sur le site)

Pour sa 8ème édition, le concours de photographie d’architecture Archifoto réunit une nouvelle fois deux structures strasbourgeoises pour son organisation : la Maison européenne de l’architecture – Rhin supérieur (MEA) et La Chambre, espace d’exposition et de formation à l’image consacré à la photographie.

Archifoto, european awards of architectural photography est un concours original qui met en valeur les liens forts qui existent entre les domaines de l’architecture et de la photographie. En privilégiant un regard libre et subjectif, il récompense les photographes dont les images aident à la compréhension de l’architecture, du paysage urbain, du monde…

Depuis 2010, ce sont ainsi plusieurs centaines de photographes qui ont soumis des séries répondant à un thème faisant écho aux problématiques actuelles de l’architecture. Ce thème correspond également au fil rouge des Journées de l’Architecture, organisées chaque année par la Maison européenne de l’architecture – Rhin supérieur en octobre. L’exposition des lauréat·es Archifoto s’inscrit dans cette manifestation et est montrée dans un premier temps à La Chambre, puis dans différents lieux partenaires.

Pour la première fois cette année, l’un·e des lauréat·es sera choisi·e parmi les étudiant·es en école d’architecture de la région transfrontalière Rhin supérieur.

THÉMATIQUE 2026

Avec, cette fois, pour thématique Architecture & Paysage, c’est un vaste champ d’exploration qui s’ouvre aux participant·es du concours Archifoto. Mais c’est aussi un véritable défi que d’y répondre en photographie, en évitant les poncifs. Parce que justement, le paysage ne va plus de soi : devenu mot-valise, il dépasse largement la simple dimension esthétique pour embrasser des réalités politiques, sociales, environnementales et culturelles. Face aux mutations climatiques, démographiques et écologiques, il s’impose comme une matrice stratégique pour penser métropoles et territoires. Dès lors, comment conjuguer architecture et paysage, révéler leurs complémentarités ou leurs tensions, déceler leur capacité à façonner des territoires et des personnes et en donner une image ?

CANDIDATER

Le concours est ouvert à tous·tes les photographes, sans distinction d’âge ou de notoriété. Ils·elles doivent être basé·es dans l’Union Européenne ou dans un des pays suivants : Norvège, Lichtenstein, Suisse, Albanie, Bosnie-Herzégovine, Kosovo, Monténégro, Macédoine du Nord, Serbie, Turquie, Arménie, Géorgie, Ukraine, Angleterre, Ecosse, Pays de Galles, Irlande du Nord.

Chaque photographe est invité·e à envoyer une série cohérente de 5 photographies accompagnées d’une courte note de présentation.

Clôture des candidatures : 1er juin 2026, minuit

RÉSTITUTION

Un jury constitué de professionnel·les de la photographie et de l’architecture se réunira en juin pour sélectionner les cinq lauréat·es de l’édition 2026 d’Archifoto.

Les 5 artistes sélectionné·es verront leurs oeuvres produites et exposées à La Chambre à l’automne 2026, dans le cadre des Journées de l’Architecture. Les 5 artistes toucheront des droits d’exposition à hauteur de 500 € chacun·e. L’un·e des lauréat·es sera sélectionné·e parmi les candidat·es étudiant en école d’architecture de la région transfrontalière du Rhin supérieur. Suite à cette exposition, l’édition 2026 d’Archifoto pourra être montrée dans d’autres lieux partenaires de La Chambre et de la MEA.

Photo : © Paul Baudon / le signal silencieux

Pour cette 9e édition, Les Photomobiles, créées par Tulipe Mobile, s’installent au musée Quesnel-Morinière de Coutances avec l’exposition Aux quatre-vents.

Aux quatre-vents est née d’une rencontre entre Paul Baudon (collectif Trigone) et Hervé Dez (Tulipe Mobile) en 2023 autour de leurs projets respectifs de caravane laboratoire photographique. La série Le signal silencieux de Paul Baudon a été une autre occasion de partager à la fois des pratiques documentaires et des préoccupations environnementales. Commencé en 2021, le corpus The drowning archives d’Hervé Dez s’est enrichi lors de sa résidence au centre départemental de création des Fours à chaux de Regnéville-sur-Mer et de la sollicitation du Musée Quesnel-Morinière de Coutances de porter un regard pho- tographique sur l’environnement proche. Deux territoires (Soulac-sur-Mer et l’ouest du Cotentin), deux approches mais un seul et même questionnement : de quelle manière et sur le temps d’une génération, le changement climatique va-t-il changer nos vies ?

LE SIGNAL SILENCIEUX / PAUL BAUDON

Le Signal, c’est le nom de cet immeuble qui fait face à l’océan à Soulac-sur-Mer, en Gironde. Il y a soixante ans, lors de sa construction, il se trouvait à 200 mètres du rivage, l’érosion marine a réduit cette distance à 8 mètres. Les habitants ont tous été évacués en 2014, et cinq ans de procédures en ont découlé.
Ce bâtiment est donc devenu un symbole des transformations du territoire par le réchauffement climatique. Il représente aussi la fin de cette idée des années 60, que l’Homme et son économie de marché étaient une machine à rêves inépuisable. Cette enquête souhaite parler de ces gens à qui l’on avait promis de finir leurs jours face à l’océan, contre l’épargne d’une vie. Il veut aussi avancer l’idée que l’Homme comprend aujourd’hui qu’il ne pourra jamais dominer la Nature, et que peu de ses sujets et de ses représentants ne veulent en assumer la responsabilité. C’est ce lien entre un lieu et les personnes qui en sont privées que ce projet veut observer.
Ce travail a été finaliste de la Bourse Laurent Troude 2019.

Paul Baudon est né en 1993 à Libourne, en Gironde. Après avoir obtenu une licence en information et communication à l’université de Bordeaux Montaigne, il intègre l’ETPA de Toulouse en 2016 dont il est diplômé en 2019. Ses projets photographiques documentaires se concentrent sur des questions sociales, d’histoire et de démographie. Il travaille aujourd’hui entre Bordeaux, Toulouse et Paris. Il co-fonde le Collectif Trigone en 2019 avec Marianne Thazet et Anthony Jean, au sein duquel est produit la Résidence Trigone, le Festival Zoom en Couserans.
Paul Baudon participe à de nombreux programmes de transmission. Il est membre de Di- vergence Images. Ses travaux ont été récompensés par le Grand Prix de l’ETPA, le Prix Mark Grosset et la Bourse Laurent Troude.

THE DROWNING ARCHIVES / HERVÉ DEZ

Série réalisée en partie lors d’une résidence au centre départemental de création des Fours à Chaux à Regnéville, dans la Manche.
Nous avons tous fait l’expérience de l’instabilité des traces. Des pas sur l’estran effacés par la mer et le vent, une photographie jaunie, un crash de disque dur, des souvenirs de paysages en perpétuel mouvement. Les archives nous rassurent par leur sentiment d’éternité mais elles sont sensibles aux dégradations, aux pertes, aux absences, et aux changements de paradigme. Les archives sont un processus et une appropriation.
Les paysages, perçus par les humains, n’existent qu’à travers leurs regards et leurs représentations. Ils sont présents dans nos albums et dans nos mémoires : images persistantes, point de vue, cadre.
Ces paysages voient leurs transformations s’accélérer.

La mer mange les plages, les campings et les mielles, des falaises s’écroulent, les tempêtes plus fortes et plus fréquentes abattent des arbres, des marais et des havres me-
nacent de déborder.
Peut-on construire une histoire individuelle et collective dans cette temporalité intensifiée ?
Va-t-il falloir migrer ? Que va-t-il advenir de nos souvenirs, de nos photos de famille ?
Que reste-t-il dans nos archives ? Est-ce déjà arrivé ? Les couches du temps se superposent de manière simultanée.

Hervé Dez explore les rapports que les habitants entretiennent avec leurs paysages.
Paysages traversés, habités, travaillés, paysages-décors qui parfois finissent “instagramés”. A travers des débats et des interventions in situ, il questionne notre rapport au vernaculaire et par rebond au pittoresque. Une interrogation qui permet d’aborder les notions de lieux (habités) et d’espaces (traversés), ainsi que la part d’affection et de
mémoire que nous engageons collectivement et individuellement.
Cette approche se double régulièrement d’une réévaluation de l’emprise des images sur nos souvenirs et nos manières de nous raconter des histoires. Qu’est-ce que nos
archives photographiques familiales font à nos souvenirs ? Quelles fictions se dessinent dès qu’apparaissent des personnages dans les photographies collectées ou archivées ?
Précédemment, Hervé Dez a été membre du collectif de photographes « Le bar Floréal »
avec lequel il a exposé son travail documentaire sur l’ex-Yougoslavie « Transition amère », à la Maison Européenne de la Photographie, en 2005. Le documentaire multimédia «
Transkraïna » sur les nouvelles frontières de l’espace soviétique, réalisé avec Alexandre Billette pour le site du journal Le Monde et soutenu par le CNC, a obtenu le prix Philippe Chaffonjon 2015.

Photo : Kazuo Kitai, Unité de résistance des enfants, série Sanrizuka, 1970

Pour son exposition de printemps-été 2026, la Maison de la culture du Japon à Paris (MCJP) met à l’honneur le photographe Kazuo Kitai, l’un des grands maîtres de la photographie japonaise, pourtant encore peu connu en Europe.
Depuis les années 1960, Kazuo Kitai documente le Japon de l’intérieur : luttes étudiantes, résistances paysannes, villages voués à disparaître, banlieues en plein essor et scènes du quotidien. Toujours au plus près des gens, son regard mêle engagement, douceur et mémoire.

L’exposition « Kazuo Kitai, l’éloge du quotidien » propose de faire découvrir, pour la première fois en France, l’un des photographes japonais les plus importants de l’après-guerre. À travers près de 130 tirages, l’exposition offre une traversée complète de son œuvre, depuis les séries militantes des années 1960-1970 jusqu’à ses travaux les plus récents réalisés chez lui. Cette rétrospective permet ainsi de saisir l’évolution d’un regard profondément humaniste, attentif aux transformations du Japon et à la mémoire de ceux qui l’habitent. L’exposition est articulée autour de quatre sections : la première Se révolter, revient sur les débuts de Kitai notamment au travers de ses séries sur les luttes étudiantes. Puis avec Vivre à la campagne, le visiteur est immergé dans la mélancolie de la campagne japonaise des années 1970. La troisième section intitulée La vie en milieu urbain donne à appréhender le quotidien de la classe moyenne dans les villes-dortoirs de la banlieue de Tokyo dans les années 1980, ainsi que le quartier populaire de Shinsekai à Osaka. Et enfin, l’exposition se clôture par la section Au fil des jours dédiée à un travail plus intimiste du photographe (Promenades avec mon Leica) et sur l’une de ses dernières séries, IROHA, qui témoigne de sa capacité intacte à se renouveler à 80 ans.

Kazuo Kitai (né en 1944 en Mandchourie) retourne au Japon avec sa famille alors qu’il est enfant. Il s’impose dès la fin des années 1960 avec des séries documentaires emblématiques comme Barricades et Sanrizuka, réalisées au cœur des mouvements étudiants et des luttes paysannes contre la construction de l’aéroport de Narita. Dans les années 1970, il se tourne vers les villages en voie de disparition avec Vers les villages et Paysages vaguement familiers, œuvres sensibles qui consolident sa réputation.

Lauréat du prix Ihei Kimura en 1975, il poursuit ensuite son exploration du quotidien japonais, notamment dans Funabashi Story (années 1980) et, plus récemment, dans ses séries Promenades avec mon Leica et IROHA. Récompensé à plusieurs reprises, notamment par la Société de photographie du Japon, Kitai reçoit en 2024 le prix Kazuemon Hidano. En plus de cinquante ans, il a bâti une œuvre humaniste, attentive aux transformations sociales autant qu’aux gestes ordinaires de la vie.

Le programme de résidences artistiques du Chalet du Parc s’inscrit pleinement dans cette philosophie. Il offre à des artistes contemporains un cadre de recherche et de production dédié à l’expérimentation artistique autour des enjeux écologiques et sociétaux.

Chaque résidence a pour objectif de faire émerger des travaux artistiques qui sensibilisent au vivant, poussent à la réflexion sur nos comportements et participent à éveiller les consciences. Les projets attendus ne relèvent pas d’une approche strictement didactique, mais cherchent avant tout à faire naître une émotion, une réflexion, un désir d’agir.

Les travaux et recherches artistiques seront :

• ancrées dans le territoire de la Métropole de Lyon.
  connectées au Parc de la Tête d’Or, à ses acteurs, ses usagers, humains et non humains.
• en dialogue avec les thématiques propres au Chalet du Parc et/ou sa programmation : nature en ville, alimentation durable, pratiques responsables, écologie du quotidien etc.
• Pour information, pour son ouverture la semaine du 14 septembre 2026 et jusqu’au printemps 2027, dans l’espace d’exposition temporaire du Chalet du Parc sera présentée l’exposition France, un album de famille de Yann Arthus-Bertrand et Hervé Le Bras. Cette exposition photographique propose un portrait sensible et contemporain des habitantes et habitants de la France, mettant en lumière la diversité des territoires, des parcours de vie et des visages qui composent le pays. La première résidence, de septembre à janvier, pourra éventuellement entrer en résonance avec cette exposition et les thématiques qu’elle explore. Dans une logique de sobriété, une attention particulière sera portée aux démarches intégrant le réemploi des matériaux, l’usage de ressources biosourcées ou recyclées, la limitation des transports et, lorsque cela est possible, une production locale.

FORMAT DES RÉSIDENCES

Le programme prévoit :

• trois résidences par an, sur le temps de l’année scolaire,
  une durée d’environ deux mois et demi de résidence ; suivi d’une restitution d’environ un mois
• un atelier de travail dédié de 30 m., situé au sein du Chalet du Parc
• Chaque résidence se conclut par une restitution publique, sous la forme d’une exposition d’un mois présentée dans l’espace de résidence, pensé comme un lieu à la fois de création et de monstration.

CALENDRIER PRÉVISIONNEL

— Résidence 1 : 7 septembre 2026 → 3 décembre 2026
Sortie de résidence : 3 décembre 2026 → 3 janvier 2027

— Résidence 2 : 11 janvier 2027 → 18 mars 2027
Sortie de résidence : 18 mars 2027 → 18 avril 2027

— Résidence 3 : 25 avril 2027 → 1er juillet 2027
Sortie de résidence : 1er juillet 2027 → 29 août 2027

Concernant la première résidence, l’artiste pourra investir les lieux à partir du 7 septembre 2026. L’inauguration étant prévue la semaine du 14 septembre, il est fortement encouragé à présenter, à cette occasion et dans son atelier, des oeuvres existantes et/ou des éléments en lien avec son projet de résidence.

MODALITÉS D’ACCUEIL

L’accueil des artistes comprend :

• des honoraires de recherche et de création
  la mise à disposition d’un atelier d’environ 30 m. composé : de cimaises blanches, d’un bureau, d’une chaise, d’un point d’eau à proximité, de spots directionnels sur rails, d’un rideau occultant sur la fenêtre donnant sur l’extérieur et de plusieurs prises électriques 16A.
• un accompagnement curatorial, artistique et technique assuré par l’équipe de Maison Gutenberg.
• un accompagnement financier à la production de la sortie de résidence et à la documentation du projet.

NB : La pièce dédiée à l’atelier est située au coeur de l’espace d’exposition temporaire du Chalet du Parc. Indépendante et cloisonnée, elle est accessible par deux portes vitrées depuis l’espace d’exposition. L’intérieur de l’atelier est également visible depuis l’extérieur du bâtiment.

CONDITIONS FINANCIÈRES

Les honoraires de recherche et de création s’élèvent à 3 300 € TTC par résidence. Une bourse de production de 2 400 € TTC est attribuée à chaque artiste pour la réalisation de ses travaux artistiques et/ou objets de documentation.

Les frais de montage de l’exposition de sortie de résidence sont pris en charge par la structure, dans la mesure du raisonnable, et ne sont pas imputés sur la bourse de production.

MÉDIATION CULTURELLE ET ARTISTIQUE

Les résidences artistiques du Chalet du Parc accordent une place centrale à la médiation culturelle. Les artistes en résidence devront participer à des temps de rencontre avec les publics. Dans une logique de sensibilisation et de partage, ils proposeront également plusieurs ateliers ou temps de médiation spécifiques autour de leur pratique et/ou de leur projet artistique pendant leur résidence.

Demandes de présence ou d’animation :

Deux ateliers de médiation au minimum à destination des familles et du grand public (mercredi après-midi, week-end et/ou vacances scolaires), répartis sur la durée totale de la résidence.
Une ouverture de l’atelier au public une fois par semaine, sur des plages horaires définies (une demi-journée).
Une séance de travail avec les équipes de médiation du Chalet pour concevoir une action de sensibilisation en lien avec la démarche de l’artiste (sans animation ultérieure ni intervention directe de l’artiste). L’objectif est de permettre aux équipes de médiation de s’approprier et valoriser le travail du résident.
Deux visites commentées pendant la sortie de résidence.
Un temps de rencontre par résidence à destination des partenaires et mécènes.
Le coût de ces temps de rencontre et ateliers de médiation sont inclus dans les honoraires et les frais de production.

Calendrier

Date limite de candidature : 15 mai 2026
Annonce des artistes sélectionnés : 20 juin 2026
Début de la première résidence : 7 septembre 2026 * (inauguration du Chalet prévue à mi-septembre)
*date provisoire

La sélection des artistes sera confiée à un comité d’experts réunissant :

des membres de l’Association Chalet du Parc
des personnalités du secteur artistique
des représentants institutionnels
Marie Bassano, directrice de la Factatory et de la galerie Tator
Marie-Sarah Carcassonne, coordinatrice générale de l’Association Chalet du Parc
Valérie Disdier, co-fondatrice de Cité Anthropocène
Morgan Labar, directeur de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon
Sébastien Lapendry, président de l’Association Chalet du Parc
Éric Petrotto, directeur de la Fabuleuse Cantine
Romain Weber, directeur de Maison Gutenberg
Ce comité garantira la diversité des pratiques, la pertinence des projets au regard des thématiques précitées et leur ancrage territorial.

Conditions spécifiques

Résidences ouvertes aux artistes français et internationaux.
Toutes les disciplines des arts visuels et plastiques. Il n’y a pas de contreindication quant aux médiums utilisés, dès lors que les projets sont compatibles avec les conditions d’accueil du lieu et s’inscrivent dans le respect de la cohabitation avec les autres usages du Chalet.
Les artistes émergents sont particulièrement encouragés à candidater.
Les collectifs peuvent postuler (le budget restera le même). Au moins un artiste par an sera originaire ou résident de la Métropole de Lyon.
Les artistes devront présenter un projet de recherche conçu spécifiquement pour cette résidence. Ils pourront également, lorsque cela fait sens, adapter des travaux et des recherches préexistants au contexte et aux thématiques du Chalet du Parc.

Le dossier devra comprendre :

• Une note d’intention présentant le projet de recherche-création, son ancrage potentiel dans le Chalet, le Parc de la Tête d’Or et/ou le territoire de la Métropole de Lyon, ainsi que les intentions de médiation envisagées (2 pages maximum).
• L’indication de la période de résidence souhaitée parmi les trois propositions. Selon les contraintes, nous nous réservons le droit de proposer un changement de période ou d’autres créneaux.
• Un portfolio (10 pages maximum).
• Un CV artistique.
  Pour l’envoi du dossier : residence@chaletduparc.fr

Pour toute question, merci d’écrire à l’adresse suivante : contact@maison-gutenberg.com

Ingar Krauss est né en 1965 à Berlin-Est.
Autodidacte, il a commencé à peindre, puis à photographier, en marge d’un travail alimentaire de gardien de nuit dans un hôpital psychiatrique.
C’est au début des années deux mille que son travail est découvert : d’abord montré en Allemagne, il atteint vite une audience internationale avec des expositions aux Etats-Unis, en Italie, en France et ailleurs en Europe.
Il a reçu des bourses du département de la culture de la ville de Berlin, de la Fondation Robert Bosch, du ministère de la culture du Brandebourg, du Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf et a bénéficié de résidences artistiques à Moscou, Kaliningrad, Turin, Reggio Emilia, Jena, Dresde et Davao (Philippines).
Il est représenté en France par la galerie Camera Obscura depuis 2009.

Ingar Krauss est photographe, mais il élève aussi des abeilles et cultive un jardin où poussent fleurs et légumes. Cette activité tient une grande place dans sa vie, tout comme la création d’images dont elle est d’ailleurs une parfaite métaphore : comme le jardinier tente de maîtriser et mettre en ordre la nature, l’artiste compose une image du monde.
Le jardinier fait avec ses arbustes et ses plantes ce que le poète fait avec les mots, les assemblant en telle sorte qu’ils paraissent nouveaux et étranges et aussi, comme pour la première fois, totalement eux-mêmes.
Hugo von Hofmannsthal

Fasciné par le portrait (c’est ainsi que son travail a été tout d’abord reconnu), il s’est ensuite intéressé à la nature morte qui l’occupe presque exclusivement depuis plusieurs années.
Ce n’est pas un hasard si ces deux genres majeurs dans l’histoire de l’art sont au coeur du travail d’Ingar Krauss, qui voue une admiration à Balthus et aux natures mortes de Juan Sánchez Cotán (1560, Tolède -1627, Grenade). Portrait et nature morte ont en commun une exploration du monde qui laisse de côté la hâte et le mouvement pour se concentrer sur un cadre immobile et méditatif.
Cette photographie est conforme à son caractère : concentré et en prise directe sur les choses, tel un paysan ou un artisan.

L’observation de la nature et le travail dans le jardin sont les principales sources d’inspiration d’Ingar Krauss et il choisit souvent de cultiver un légume ou une fleur dans le but de les photographier.
Pour la prise de vues, l’idée d’isoler ses sujets dans une boite s’est imposée intuitivement et permet de les photographier en lumière naturelle, sans disposer de studio ni d’éclairage, en créant un espace intime et réservé, hors du temps.
La lumière qui en résulte évoque la peinture classique qui, dans la pénombre des ateliers orientés au nord, s’évertuait à capter minutieusement la présence physique, mais surtout spirituelle des objets.
Mais, à la différence de cette tradition, il n’y a aucun symbolisme à déchiffrer dans les photographies d’Ingar Krauss, simplement la présence et le rayonnement des choses. Sinon que cette présence suspendue dans le temps évoque en creux la disparition, le memento mori de toute nature morte.

Ingar Krauss travaille de façon traditionnelle en moyen ou grand format analogique.
Il réalise lui-même les tirages de ses oeuvres par agrandissement sur un papier argentique noir et blanc qu’il met en couleur avec de la peinture à l’huile. Cette technique qui lui est propre consiste en glacis de peinture à l’huile appliqués sur le papier humide afin que la couleur pénètre la gélatine sans affecter la surface du papier photographique.
Il limite ses tirages à huit exemplaires.

La galerie Leica inaugure le quatrième opus de la résidence INSTANTS à Château Palmer réalisée en 2025 par Alexandra Catiere.

Quatrième artiste invitée de la résidence INSTANTS, initiée en 2023 par Château Palmer et son partenaire historique Leica, Alexandra Catiere a, au cours des saisons, su déployer en parallèle des activités du domaine, son regard attentif et méditatif. Fidèle à une pratique exigeante, ancrée dans le temps long, elle a mené cette résidence en alternance avec son propre laboratoire photographique. Ce va-et-vient entre le terrain et la chambre noire prolonge son geste artistique : à la prise de vue succède un patient travail de révélation, de superposition et de nuance.
À partir de la matière du lieu, elle remonte ainsi le fil du temps, stratifiant les images comme des couches sensibles, pour saisir l’évidence ample et silencieuse d’une nature qui traverse et survit aux générations d’hommes et de femmes qui l’ont habitée.

« Cette résidence est une véritable carte blanche. Elle m’a permis d’explorer ce qui m’obsède depuis toujours : l’idée que l’histoire n’est pas chronologique mais condensée en nous. Je ne cherchais pas à figer l’instant présent, mais à révéler cette épaisseur du temps, cette accumulation invisible qui fait qu’un lieu respire encore longtemps après le passage de ceux qui l’ont habité. C’est de là qu’est né le titre de ce travail : Tout en ce lieu me survivra. Dépassée l’étape de la mélancolie, pour se rendre à l’évidence sereine. »

La galerie Clémentine de la Féronnière présente Small World, l’une des séries les plus célèbres de Martin Parr, portrait acéré, tendre et parfois dérangeant du tourisme de masse et de notre rapport collectif au désir de voir le monde.

Publiée pour la première fois en 1995, la série met en lumière le paradoxe au cœur du voyage moderne : mus par la quête d’authenticité, les touristes deviennent les premiers artisans de sa disparition. Avec ses couleurs saturées et son regard sans détour, Martin Parr saisit à la fois l’absurdité et la jubilation de l’expérience touristique, des monuments noyés sous les visiteurs jusqu’au selfie érigé en rituel, avec autant de mordant que de tendresse.

L’exposition rassemble une sélection de plus d’une vingtaine de tirages d’époque et de tirages modernes, témoignant de l’ampleur et de la vitalité d’une série que l’artiste n’a cessé de revisiter et d’enrichir sa vie durant.
Au-delà des cimaises de l’exposition principale, la librairie de la galerie accueille une installation immersive consacrée à Common Sense, une série viscérale et hypnotique de gros plans extrêmes sur des aliments, des corps et des objets du quotidien, invitant les visiteurs à pénétrer dans l’une des œuvres les plus emblématiques et les plus provocantes de l’artiste.

Du 23 avril au 25 juillet 2026 dans le cadre de son programme d’expositions, la Maison de l’Amérique latine à Paris renoue avec la photographie, en dédiant une exposition à une figure majeure de cette discipline en Amérique latine : le Péruvien Javier Silva Meinel. Sous l’intitulé d’« Umbrales, Javier Silva Meinel. Une poétique de l’image » (umbrales, seuils en français), cet événement à caractère rétrospectif est placé sous le commissariat d’Alejandro León Cannock, en association avec la Galerie Younique.

Pour la première fois en France, ce sont non moins d’une centaine d’images mêlant photographies argentiques, tirages digitaux contrecollés sur aluminium, boîtes de lumière rétro-éclairées et wallpapers qui sont ici montrés aux visiteurs.
Cette proposition inédite les invite à s’immerger dans l’oeuvre de l’un des photographes péruviens les plus importants de sa génération, voire de l’histoire de la photographie latino-américaine. Le parcours imaginé par Alejandro León Cannock les entraÎnera dans un univers aussi merveilleux que cocasse et étrange, fruit des visions de Javier Silva Meinel.

Comme un voyage du jour vers la nuit, à la fois physique et spirituel, à travers l’ensemble du territoire péruvien, Silva Meinel – à la manière d’un Irving Penn ou d’un Martín Chambi – recrée le studio en chemin. Prenant du temps avec ses sujets, il développe avec eux une complicité singulière.

« Le recours constant au (re)cadrage dans l’image, dès lors, avec la toile, n’est pour Silva Meinel ni un décor, ni une question esthétique, ni un élément lui permettant de souligner la narration de l’image et la puissance symbolique du portrait, mais plutôt un geste méta-photographique, c’est-à-dire un geste philosophique critique par lequel le photographe mobilise la photographie non pas pour traiter d’un thème déterminé ni pour exprimer un affect singulier, mais pour produire un commentaire sur le processus photographique lui-même : les opérations, les formes et les logique à travers lesquelles le monde y est rendu visible. Ainsi, Silva Meinel engage la photographie dans un mouvement réflexif : il ne s’agit plus de représenter quelque chose, mais d’interroger les conditions de possibilité de la représentation photographique en tant que telle, en en dévoilant ses présupposés et ses régimes de visibilité »
Alejandro León Cannock, Commissaire de l’exposition (extrait du livre-catalogue)

Abordant ses thématiques de prédilection (masques, passages, artificios, animaux, étrangetés, encantados), depuis plus de quatre décennies Silva Meinel n’a cessé de parcourir les côtes du Pacifique, les montagnes des Andes et la forêt amazonienne à la recherche de signes, d’interstices, de scintillements, d’épiphanies qui invitent le regardeur à franchir le seuil du connu pour pénétrer dans les profondeurs qui constituent l’inconscient du réel : un intermezzo. Dans ses images, le réel, l’imaginaire et le symbolique s’entrecroisent et se confondent, créant un espace de transition ; où la photographie se révèle comme phénomène liminaire : l’image-seuil. Un lieu de transit et de transformation, comme un passage qui relie l’ici et là-bas, le visible avec l’invisible, le réel avec le surréel.
Le travail patient et constant au fil des années – un travail de proximité, d’écoute, de dialogue et de partage – a été la méthode, mais surtout l’éthique, de Silva Meinel. Et ce qui ne se voit pas à la surface des images se laisse pourtant ressentir dans leur atmosphère : un souffle fait de curiosité, de fascination, de respect et de délicatesse traverse ses photographies, rehaussant la présence de ceux qu’il photographie et leur restituant toute leur force sensible. Il démontre que l’image peut être un lieu de réciprocité et de présence partagée.

En cette époque d’essentialisation de la représentation de l’autre, l’oeuvre de Silva Meinel rappelle que d’autres figures du photographe sont possibles : peut-être est-il, avant tout, un tisserand de liens, d’histoires, de relations, d’imaginaires

« Dans les gestes des modèles se lisent les traces d’un héritage colonial, mais aussi la liberté de réinventer ce passé ; notamment lorsqu’il s’agit sous l’objectif du photographe, de céder à une forme de fantaisie libératrice. Ainsi, certains vont accepter de composer une forme de bestiaire allégorique où se lient hommes et animaux ; des animaux – poissons, oiseaux… – qui nous paraissent étonnants alors qu’ils font partie du quotidien de ces habitants et distillent cette « familière étrangeté » freudienne. D’autres vont apparaître déguisés ou masqués, se grimant afin d’exprimer leur liberté, s’appuyant sur l’exubérance festive et les symboles perdus, afin de donner à voir le mystère palpitant du réel transfiguré par l’imaginaire »
Héloïse Conésa, Conservatrice en chef du Département de Photographie de la BnF (extrait du livre-catalogue)

Maqtas y el bolero, 1996

Dans Maqtas y el bolero, à l’occasion des festivités de la Virgen del Carmen au mois de juillet, Javier Silva Meinel saisit un groupe de maqtas — figures d’arlequins andins connues pour leurs saynètes humoristiques et leur interaction espiègle avec le public — rassemblés autour d’une toile noire et jouant avec la boule en bois du bolero, en se la passant de main en main. En arrière-plan, une toile peinte évoquant une architecture coloniale avec une présence de végétation (inspirée des toiles originelles de Martín Chambi) fait partie du dispositif récurrent de son oeuvre photographique. Par le jeu contrasté de cette double toile — l’une opaque, l’autre illusionniste — le photographe instaure une ambiguïté expressive singulière et subtilement cocasse : le regardeur, désorienté, est invité à (re)construire la réalité et à résoudre l’énigme visuelle proposée; tandis que la documentation d’une scène festive se transforme en méditation poétique sur l’identité, le rite et la mémoire collective andine.

María Reiche y las líneas de Nazca, 1993

Dans cette photographie consacrée aux lignes de Nazca, Javier Silva Meinel choisit de représenter María Reiche, grande archéologue et écologiste d’origine allemande qui consacra sa vie à la défense de ces géoglyphes précolombiens datant d’environ 500 av. J.-C., de dos, assise face à l’immensité du désert péruvien. Alors que ces tracés monumentaux sont naturellement perceptibles depuis le ciel, le photographe en propose une vision terrestre, intime et méditative, où la protagoniste contemple ce paysage organique et sinueux qui se déploie à perte de vue. La composition, d’une profondeur vertigineuse, met en perspective une vision intemporelle et ambiguë : María Reiche n’est plus seulement l’archéologue scrutant les lignes, mais une présence silencieuse en dialogue avec la mémoire d’une civilisation ancienne, révélant à la fois la vigilance et la dévotion qui animèrent son engagement ; tout en soulignant le mystère et l’invisibilité persistante de ces géoglyphes à travers les siècles.

Paucartambo, 1987

Cette photographie, réalisée à Paucartambo et publiée pour la première fois dans l’ouvrage El libro de los encantados (1988) de Javier Silva Meinel, s’inscrit dans la première grande série consacrée par l’artiste à la cosmovision andine et à ses traditions, au terme de nombreux voyages dans le Pérou profond au milieu des années 1980. On y voit un « Qolla » saisi en pleine danse, propulsé dans un élan presque irréel, comme en suspension dans une transe hallucinée baignée d’étrangeté. Grâce à une technique de pose longue, les gestes du danseur ainsi que les lumières des torches et des étincelles se transforment en lignes lumineuses, traçant dans l’air des arcs et des volutes qui prolongent le mouvement dans l’espace. L’image restitue ainsi l’énergie brute du rite tout en lui conférant une dimension poétique et presque abstraite, révélant la capacité de Silva Meinel à rendre visible l’invisible — le rythme, l’extase et la spiritualité d’une célébration andine — et à redonner à son héros masqué toute son aura.

Javier Silva Meinel est né en 1949 à Lima, où il vit et travaille actuellement. Il est représenté par la Galerie Younique.
Javier Silva Meinel est l’une des figures majeures de la photographie péruvienne et latino-américaine. Son oeuvre dialogue avec les plus importants photographes de sa génération, tels que Graciela Iturbide, Juan Carlos Alom, Paz Errázuriz ou Fernell Franco.
Il décide de se dédier à la photographie au mitan des années 1970. Il s’est ensuite associé au mouvement qui s’est constitué autour de la désormais légendaire Fotogalería Secuencia, fondée à Lima par Fernando La Rosa en 1977.
Depuis plus de quarante ans, il parcourt le Pérou et construit une oeuvre en noir et blanc d’une grande intensité, où portraits, paysages et rituels interrogent les liens entre l’humain, le territoire et le sacré. Travaillant le format carré argentique comme un espace équilibré géométriquement, il transforme la réalité en une matière spirituelle. Nourrie par la cosmovision andine et une intimité complice avec les sujets qu’il photographie, son oeuvre pleine d’étrangeté dépasse le visible pour ouvrir un seuil vers l’invisible.
Les photographies de Javier Silva Meinel font partie de nombreuses collections institutionnelles telles que le Museo de Arte de Lima (Mali), le Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, le Museum of Fine Arts de Houston, le Brooklyn Museum, le Phoenix Museum, le Musée du Quai Branly – Jacques Chirac, la BnF ainsi que de nombreuses collections privées au Pérou, aux États-Unis et en Europe.

Photo : © Marion Pehée, lauréate 2025

Pour la vingt-sixième année, Canon organise, avec Images Evidence, la Bourse Canon de la Femme Photojournaliste.

Cette bourse, remise chaque année à Perpignan à l’occasion du Festival International du Photojournalisme Visa pour l’Image – Perpignan, est dotée d’un montant de 8 000 euros par Canon. Elle est destinée à soutenir une femme photographe dans la réalisation d’un projet de reportage. Elle est ouverte aux femmes photojournalistes professionnelles, sans exclusion d’âge ou de nationalité.

La lauréate sera sélectionnée en juin par un jury composé de professionnels de la photographie et de la presse. Parmi les critères de sélection : la qualité photographique, mais aussi la démarche journalistique et la pertinence du sujet choisi.

La bourse sera remise en septembre 2026, lors d’une des soirées de projection du festival Visa pour l’Image – Perpignan. Le projet soutenu devra aboutir en un an, afin d’être présenté à l’édition 2027 du festival.

Pour participer : https://visapourlimage.com/prix-et-bourses/bourse-canon-de-la-femme-photojournaliste

Photo : Autoportrait, double exposition 1929 © Gisèle Freund

Cette exposition met à l’honneur l’œuvre de Gisèle Freund, photographe et portraitiste majeure du XXᵉ siècle, sociologue et théoricienne de la photographie d’origine allemande, dont la vie fut marquée par l’exil et l’engagement intellectuel.

Membre de l’agence Magnum et pionnière de la photographie en couleur, elle a renouvelé le regard porté sur les écrivains, les artistes et les lieux de savoir.
Outre les archives audiovisuelles, l’exposition rassemble ses portraits, vues de bibliothèques et de librairies emblématiques des années 1930, paysages normands et écrits théoriques, tissant un récit à la fois intime et intellectuel.
Elle offre un dialogue fécond entre arts et littérature, en écho au projet culturel du musée, et s’inscrit dans le cadre du bicentenaire de la photographie

Photo : © Noor Datis

Le Festival Impulse revient à Arles pour sa 6e édition, du 12 mars au 30 mai 2026. Dédié à l’accompagnement de la photographie émergente, le festival accompagne de jeunes artistes dans le développement et l’affirmation de leur démarche à travers un accompagnement en 3 étapes. En cinq ans, le Festival Impulse est devenu un rendez-vous incontournable pour les photographes n’étant pas encore totalement intégrés aux réseaux de diffusion traditionnels.

+ L’ACCOMPAGNEMENT

Le Festival Impulse place l’accompagnement au centre de sa démarche. Chaque photographe sélectionné bénéficie d’un suivi personnalisé :
– échanges approfondis sur la pratique et le parcours.
– commentaire critique sur l’axe narratif et travail sur la cohérence entre l’intention intiale et les images du dossier de candidature.
– direction artistique pour l’editing et la scénographie.

Cet accompagnement permet aux photographes d’acquérir des réflexes et des méthodes de travail essentiels pour accomplir un projet et, à terme, travailler en toute autonomie.
Plus précisément, ce processus d’accompagnement aide les photographes à :
– Pitcher leur travail : grâce à la compréhension fine de l’axe narratif puis à la rédaction du texte d’intention, ils apprennent à présenter leur démarche artistique de
manière professionnelle.
– Construire une série cohérente : l’étape de l’editing et des recherches scénographiques permettent de structurer leur travail et à comprendre comment le récit narratif s’épanouit jusque dans l’espace de monstration.
– S’intégrer dans le milieu professionnel : en accompagnant les photographes avant leur rencontre avec le public, le Festival Impulse leur donne l’impulsion nécessaire pour s’inscrire durablement sur la scène photographique.

+ LES GALERIES
La programmation 2026 sera présentée à la Galerie Impulse et à la Galerie Actes Sud à Arles.

+ CARTE BLANCHE
Au-delà de son appel à candidature et de la sélection par le jury, le Festival Impulse ouvre chaque année un espace dédié à une Carte Blanche. Cette invitation directe naît de notre volonté de décloisonner les pratiques et d’accueillir des écritures exploratoires qui bousculent les frontières de la photographie contemporaine.

+ LES PHOTOGRAPHES
Les membres du jury de cette sixième édition : Cyrielle Gendron directrice de la rédaction du Magazine Photo, Pauline Caplet fondatrice de la Galerie l’Enfant Sauvage (Bruxelles) et Maxime Antony, photographe exposé au Festival Impulse et Prix Picto de la Mode en 2023.

Claire Amaouche
Caroline Ambonville
Charlotte Audoynaud
Noor Datis
Marie Debitus
Tristan Deboise
Elsa Faudé
Thomas Guillin
Barbora Krizova
Loïc Laforge
Vjola Leskaj
Sacha Luisada
Daniele Mele
Léna Mezlef
Juliette Parisot
Louna Pauly
Cecilia Pignocchi
Mélodie Roulaud
François Silvestre de Sacy
Vanda Spengler
Ksénia Timonine
Morgane Ubaldi

Les

Photo : Sima dans les eaux normandes. Veulettes-sur-Mer, 15 juillet 2023. « Je ne suis plus une enfant, je dois construire ma vie. Je suis en France maintenant, c’est moi qui décide de mon avenir. » Sima © Olivier Jobard / MYOP

Créé en 2007 par l’Académie des beaux-arts à l’initiative de Marc Ladreit de Lacharrière, membre de l’Académie des beaux-arts, le Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière – Académie des beaux-arts est conçu comme une bourse à projet permettant à un ou une photographe de réaliser un projet d’envergure dans un esprit d’entière liberté quant aux thèmes ou à l’écriture photographique. Il s’adresse aux photographes confirmés, sans limite d’âge, auteurs d’un projet photographique original.

Ce prix, biennal depuis 2018, est doté d’un montant de 30 000 euros. Ce prix récompense un photographe confirmé, français ou étranger travaillant en France, sans limite d’âge, auteur d’un projet photographique original.
Le projet primé est restitué, à l’issue d’une période de travail de 2 ans, sous la forme d’une exposition au Pavillon Comtesse de Caen de l’Académie des beaux-arts (Palais de l’Institut de France, Paris).

Depuis plus de 15 ans, ce concours a distingué des photographes de tous âges et esthétiques.
Présidé par le secrétaire perpétuel de l’Académie des beaux-arts, le jury du prix est composé des membres et correspondants de la section de photographie de l’Académie des beaux-arts, de membres d’autres sections de l’Académie ainsi que d’un représentant désigné par le mécène.

Dossier de candidature :

• 1e phase : Présélections
Inscriptions depuis la plateforme dédiée : https://academiedesbeauxarts.wiin.io/fr/applications/prix-de-photographie-marc-ladreit-de-lacharriere-academiedes-beaux-arts-2026
Le dossier devra comporter :
– une pièce d’identité en cours de validité à fournir pour les candidats de nationalité française 
– 15 photographies issues d’une ou plusieurs séries du candidat
– une note d’intention (maximum deux pages dactylographiées) présentant le projet et expliquant pourquoi le candidat souhaite bénéficier du prix ; il est demandé aux candidats de présenter au début de cette note une courte synthèse de leur projet (5 lignes dactylographiées)
– un calendrier de travail retenu pour la réalisation du projet et les modalités techniques de sa restitution (nombre, nature, format des tirages)
– un curriculum vitæ retraçant les points essentiels de son parcours (deux pages maximum)
Les candidats présélectionnés seront avertis par courrier électronique par l’Académie des beaux-arts avant le 15 juillet 2026.

• 2e phase : pour les candidats présélectionnés
Envoi au format papier des éléments suivants :
– les éléments textuels du dossier numérique, soit la note d’intention, le calendrier de travail et le curriculum vitae 
– 5 tirages (format 24 x 32 cm maximum) choisis parmi les 15 photographies du dossier numérique
– une publication éventuelle (livre, catalogue…) 
– une enveloppe de transporteur remplie et affranchie pour le retour du dossier

Calendrier 2026 – 2028
25 mars 2026 Ouverture de l’appel à candidatures
15 juin 2026 Date limite pour l’envoi des candidatures
Fin septembre 2026 Annonce de l’ attribution du prix
18 novembre 2026 Remise du prix lors de la séance solennelle de l’Académie des beaux-arts
Novembre 2028 Exposition du projet primé au Pavillon Comtesse de Caen

Participer. https://www.academiedesbeauxarts.fr/lancement-de-la-16e-edition-du-prix-de-photographie-marc-ladreit-de-lacharriere

En écho à « Veduta, les palais oubliés d’Italie », la grande exposition de l’artiste qui ouvrira ses portes début avril au Domaine de la Garenne Lemot en Loire-Atlantique, la galerie INSULA a le plaisir de présenter à Paris « Veduta, mémoires d’Italie », une sélection d’images inédites de palais italiens. À cette occasion, la galerie dévoilera également pour la première fois les pièces en céramique de l’artiste, révélant un dialogue unique entre mémoire et matière.

La galerie INSULA, qui représente l’artiste depuis plus de dix ans, est heureuse de présenter cette année une série inédite des dernières images de cette série italienne au long cours.
Un tout nouveau travail photographique sur céramique sera aussi exposé, inaugurant ainsi un nouveau langage plastique chez l’artiste.

Thomas Jorion propose avec sa série Veduta une plongée dans une Italie d’un autre temps. La série de clichés, présente des lieux délaissés, retirés du monde empreints d’une magnificence déchue. Palais, jardins, villégiatures estivales… le photographe a sillonné l’Italie du nord au sud pendant près de vingt ans pour trouver ces écrins mystérieux et silencieux dont plus personne ne se soucie.

Des Pouilles à l’Emilie Romagne, du Tessin à la Sicile en passant par la Toscane, la grandeur et le faste architectural de ces riches demeures des 18e et 19e siècles perdurent ainsi par le prisme du regard de l’artiste.

Les oeuvres de Thomas Jorion évoquent, par certains aspects, l’esthétique du védutisme, ce courant artistique du 18e siècle issu de la tradition vénitienne (de l’italien veduta, signifiant « vue »), qui s’attachait à représenter des paysages urbains ou architecturaux détaillés qui pouvaient être marqués par la présence de ruines. À l’instar de peintres tels que Giovanni Paolo Panini, Hubert Robert ou encore Piranèse, qui célébraient la splendeur perdue de l’antique à travers jardins oubliés et palais désertés, l’artiste fait du bâti qui disparaît un motif central. Cependant, là où ses prédécesseurs peignaient la monumentalité extérieure, l’artiste choisit d’explorer les intérieurs secrets : pièces effondrées, fresques fanées…

Dans ces lieux figés, chaque altération devient un nouveau point de vue, chaque trace du temps une composition en soi. Le regard du photographe ne documente pas seulement la ruine: il en révèle la puissance narrative, esthétique, presque onirique.

Prolongation : Ouverture jeudi 7, mercredi 13, jeudi 21 et samedi 23 mai 14h-19h et sur rendez-vous

Photo : Rue Désiré Chevalier © Claire Cocano, Paris, 2025 Crédit photo : Claire Cocano. Lauréate 2025

En partenariat avec (Made Anywhere), l’ADAGP, société des auteurs dans les arts visuels, lance la onzième édition de la Révélation Livre d’artiste destinée à soutenir et à promouvoir la création actuelle dans cette discipline artistique.

Date limite de candidature : mercredi 13 mai 2026 à 14h

La Révélation Livre d’artiste récompense un artiste émergent à l’occasion de (Made Anywhere), rendez-vous annuel consacré aux pratiques artistiques éditoriales contemporaines sous la direction de Nicholas Vargelis : www.madeanywhere.fr.

Le lauréat reçoit 5 000 € ainsi qu’une présentation dédiée sur les cimaises de l’ADAGP, accompagnée soit d’un texte critique, soit de prises de vue de son travail.

Quels sont les critères de sélection ?

• Être un artiste émergent (avoir maximum dix ans d’activité professionnelle et n’avoir jamais réalisé d’exposition personnelle dans une institution) ;
• Être de la scène française (travailler ou résider en France depuis au moins 5 ans ou être de nationalité française et vivre à l’étranger) ;
• La date de publication de l’ouvrage doit se situer entre le 1er janvier 2025 et le 1er août 2026 ;
• Le tirage doit être compris entre 15 à 1 000 exemplaires (les livres peuvent être signés et/ou numérotés) ;
• Les revues, fanzines, tirages de tête d’un exemplaire courant ne sont pas éligibles.

Quelles sont les modalités de candidature ?
Le candidat doit déposer un dossier de candidature en langue française. La démarche à suivre est disponible via ce lien accessible sur le site de l’ADAGP.

Le dossier de candidature comprend les éléments suivants :

• Un CV de l’artiste (2 pages maximum). Merci de ne faire apparaître aucune coordonnée personnelle dans le CV (adresse postale, courriel, n° de téléphone) ;
• 10 visuels du livre, dans un seul et même PDF ;
• Un texte de présentation du livre, de 1 500 signes ;
• Un lien de visionnage pour montrer le livre « en volume » et de préférence en train d’être manipulé, avec quelques phrases sur le livre, les enjeux, etc. ;
• Une attestation sur l’honneur signée par l’artiste (modèle à télécharger sur l’Espace de candidature en ligne) ;
• Un portfolio de l’activité artistique de l’artiste (20 pages maximum). Merci de ne faire apparaître aucune coordonnée personnelle dans le CV (adresse postale, courriel, n° de téléphone).

Calendrier de l’appel à candidature

• Lancement de l’appel à candidature : 27 mars 2026
• Date limite de candidature : 13 mai 2026 à 14h
• Pré-sélection entre 10 et 20 livres d’artiste : juin 2026
• Annonce de la pré-sélection : juillet 2026
• Réunion du jury : 18 septembre 2026

La Révélation est remise à l’artiste. La candidature peut être déposée par l’artiste ou son éditeur ou une personne tierce.

Pour plus d’informations, vous pouvez contacter : contact@madeanywhere.fr

> Déposer sa candidature en ligne

> Télécharger l’appel à candidature

Photo : La route du blues © Chloé Kerleroux, lauréate 2025

En partenariat avec FUJIFILM, ce prix récompensera un sujet photographique en lien avec les pratiques personnelles :

Les pratiques personnelles prennent mille formes et occupent une place essentielle dans nos vies. Loisirs, passions, activités artistiques, sportives, culturelles, etc., elles rythment les existences, nourrissent l’imaginaire et créent des espaces d’expression et de liberté. Qu’elles soient solitaires ou collectives, quotidiennes ou exceptionnelles, « normales » ou insolites, elles révèlent des univers personnels et des manières singulières d’habiter le monde.
Les projets photographiques proposés devront documenter ou illustrer ces pratiques personnelles et les univers qu’elles façonnent. Toutes les écritures photographiques, documentaires ou artistiques sont les bienvenues.

Les candidates doivent adresser leur dossier complet au plus tard le 3 mai 2026 avant minuit.

La lauréate sera dévoilée durant le week-end d’ouverture du festival, à l’occasion de la soirée de projections, le samedi 6 juin 2026, au cinéma de Houlgate.

Condition d’éligibilité :
– Être une femme photographe professionnelle.
– Résider en France.
– La série proposée ne doit pas avoir déjà remporté de prix par le passé.
– Aucune photographie soumise n’aura été réalisée avec de l’intelligence artificielle.

Dotation :
Un boitier X-T5 noir Kit 16-80mm (d’une valeur de 2.499 € TTC) et une optique XF70-300mm (d’une valeur de 899 € TTC), soit un total de 3.398 € TTC.

Candidature :
Avant le 4 mai 2026 minuit, les candidates doivent adresser leur dossier complet, exclusivement par WETRANSFER à : lesfemmessexposent@gmail.com :
– une série construite constituée de 12 photographies légendées au minimum et 20 au maximum, en HD haute définition ;
– un court synopsis du sujet (max. 2 500 signes)
– une courte biographie (max. 1 page)
– le formulaire d’inscription ci-joint complété.

Toute candidature incomplète ne pourra être étudiée.

Pour participer : https://www.lesfemmessexposent.com/wp-content/uploads/2026/03/Reglement-Prix-FUJIFILMxLFSE-2026.pdf

Douze bourses seront attribuées cette année à de jeunes professionnels dans les domaines de l’écrit, de l’audio, de l’audiovisuel, de la photographie, de l’humour et de la musique. Aux côtés des bourses décernées chaque année par la Fondation, deux nouvelles bourses viennent étoffer ce dispositif unique de soutien à la jeune garde de créateurs :

– La bourse Auteur de podcast (10 000 €) est destinée à un jeune journaliste ou professionnel de l’audiovisuel désireux d’écrire et de réaliser un projet de série de podcasts documentaires ;
– La bourse Humoriste (10 000 €) est destinée à soutenir un jeune humoriste pour la création et la diffusion d’un nouveau spectacle humoristique. Elle est ouverte aux projets de stand-up, de one man/woman show ou de seul en scène.

Ces deux nouvelles bourses viennent rejoindre les bourses historiques de la Fondation :
• Auteur de documentaire : 15 000 €
• Auteur de film d’animation : 20 000 €
• Écrivain : 20 000 €
• Journaliste de presse écrite : 10 000 €
• Libraire : 30 000 €
• Musicien (musiques actuelles) : 15 000 €
• Photographe : 10 000 €
• Producteur cinéma : 35 000 €
• Scénariste TV : 15 000 €

Depuis 2025, la bourse Regard Engagé (10 000 €) soutient les créateurs qui contribuent à favoriser la prise de conscience sur les enjeux de société ou à proposer de nouveaux récits porteurs de transformations positives et de solutions. Les dossiers présentés dans les onze catégories proposées par la Fondation, s’ils portent sur une thématique environnementale, sociétale ou sociale, pourront également être étudiés au titre de cette bourse.

Pour postuler aux Bourses de la Fondation, les candidats doivent avoir 30 ans maximum (35 ans maximum pour les bourses Humoriste, Libraire, Photographe et Scénariste TV), une première expérience professionnelle réussie dans leur discipline et présenter un projet original et ambitieux en langue française.

Décernées par des jurys prestigieux, les bourses de la Fondation offrent aux lauréats non seulement un soutien financier, mais aussi un temps précieux pour développer un projet d’envergure. Elles constituent, depuis plus de 30 ans, un formidable accélérateur pour de jeunes talents souhaitant s’affirmer dans leur domaine. La Fondation Jean-Luc Lagardère est fière d’encourager l’audace, la créativité et l’envie d’entreprendre de la nouvelle génération.

Plus d’informations sur le site de la Fondation (www.fondation-jeanluclagardere.com). Les dossiers de candidature doivent être déposés en ligne au plus tard le dimanche 14 juin 2026.

Chabe réunit chaque année une communauté grandissante d’auteurs, de passionnés d’images et le grand public lyonnais, permettant à notre équipe d’une dizaine de personnes de réaliser la parution de la revue dans plus de 70 librairies, de produire des expositions, des Apéros Chabe et de nombreux ateliers d’EMI réalisés toute l’année dans la région.

:
Annonce des sélections: juillet
Parution: Décembre

Que vous soyez photographe débutant·e, pro, étudiant·e, lyonnais·e ou de passage, la revue photo Chabe! est ouverte à tous les genres et tous les styles
Vous souhaitez faire découvrir vos travaux au public lyonnais ? Candidatez pour être mis en avant dans notre sélection « Invités » aux Apéros Chabe

, ’ ́ ́ :
— Du documentaire à l’expérimental
— Du portrait au reportage en passant par la street photography
— De la photographie plasticienne, argentique, numérique ou mixte, toutes techniques bienvenues
— Du regard d’auteur à des travaux plus intimes…
— D’hier comme d’aujourd’hui…
— De Lyon, ou juste passé par là …

✨ ̀ :
Série photo construite / Projet personnel
Lyon et ses territoires

́ ! Un sujet sera sélectionné pour interroger l’état du Monde vu par un photographe lyonnais, quelle que soit la destination

Photo poétique, sociale, créative
Images vernaculaires ou insolites
Expérimentations, procédés photographiques…
Photographie publicitaire créative et séries mode originale bienvenus aussi !
Catégorie Etudiant.e: candidatez pour le Prix Jeune Photographe 2026 !

💰 Tous les travaux publiés sont rémunérés:
– 200€ pour un sujet complet
– 70€ dans le cas d’une image unique

Tu peux :
✅ proposer plusieurs dossiers de 5 à 15 photos max
✅ recandidater même si tu n’as pas été publié les fois précédentes
✅ être re-publié si tu l’as déjà été

Photo : Maria-Helena Buckley Hannah O’Neill et Germain Louvet Le Parc 2026

Pour cette 3eme exposition consacrée à la Danse, nous souhaitons mettre en avant la beauté des corps bien sûr, du mouvement et l’empreinte profonde laissée par ces moments parfois suspendus et inoubliables pour nombre d’entre nous …

Voir la performance de Sylvie Guillem dans « In the middle somewhat elevated » de Forsythe, Nicolas Le Riche dans « le Boléro » de Béjart, ou Hugo Marchand dans « Giselle » est un moment unique. Lors des précédentes expositions j’ai pu échanger avec de nombreux visiteurs profondément marqués par ces performances.

Je me souviens de ma mère, Tessa Beaumont dans « Salomé » un de ses rôles fétiches, totalement habitée par son personnage, puissante, concentrée et pourtant malade en coulisses, dont plusieurs spectateurs m’ont parlé avec émotion, sans en avoir jamais rien su.

C’est cette émotion sincère, presque organique que nous souhaitons retrouver à travers ces images : la grâce d’Hannah O’Neill et de Germain Louvet dans « le Parc » par Maria Helena Buckley, l’intensité de Matthew Ball dans « Swan Lake » par Matthew Brookes ou bien ce merveilleux mélange de sensualité, de force et de virtuosité incarnée par Hugo Marchand dans les images d’Ann Ray, ou encore l’insolence de Noureev devant l’objectif de Cecil Beaton.

Julia Gragnon

Nous avons le plaisir de vous inviter au vernissage de notre nouvelle exposition « Histoires à voir : Pékin – Shanghai – Vietnam », qui réunit Arlette Cohen Rosa et François Catonné, deux photographes qui offrent à voir deux pays, deux périodes : Arlette Cohen Rosa nous mène en Chine en 1954 ; François Catonné, à Shanghai et au Vietnam dans les années 1980. Ces photographies, à trois décennies de distance, témoignent de deux époques apaisées et vivantes, où l’histoire collective de l’Asie fait la part belle à un quotidien magnifié par le noir et blanc argentique.

Une grande partie de ce projet photographique débute en 2020, année d’un repli forcé dû à la crise sanitaire. Dans à un monde à l’arrêt, Gabrielle Duplantier se réfugie dans la maison
familiale et décide de changer de vie. Là, elle capture des scènes de son environnement proche, familier, comme si elle le redécouvrait.
Portées par une forme d’hommage, ses images au noir et blanc profond prennent une dimension aérienne et fantasmagorique : entrelacs d’arbres, portraits de femmes et d’enfants, façades de vieux bâtiments, animaux messagers… On retrouve ici les sujets chers à la photographe sur un air d’apaisement retrouvé, comme une réconciliation avec la vie.

Dans le cadre du festival écocitoyen J’agis pour ma Planète.

Exposition co-produite avec La Chambre (Strasbourg) et le Centre Claude Cahun (Nantes).

La Galerie Binome est heureuse de présenter la première exposition personnelle d’AurelK, co-curatée par Claire Luna et soutenue par le Centre national des arts plastiques. Intitulée Au seuil, l’exposition réunit plusieurs corpus d’œuvres développés par l’artiste depuis 2023, dont la série Suaire (saint ?), qui a marqué l’émergence de son travail. Pour la première fois, seront également présentés de grands paysages ainsi que Livre d’apostasie, un album-écrin réunissant plus de quarante dessins réalisés sur photographies.

Au seuil s’inscrit dans une actualité particulièrement riche pour l’artiste, actuellement exposé à l’Académie des beaux-arts dans le cadre du Prix de dessin Pierre David-Weill, dont il est lauréat, ainsi qu’à Art Paris au Grand Palais.

Avec le soutien du Centre natio­nal des arts plas­tiques.

Standing Still s’inspire du mode opératoire des plantes qui, enracinées, n’ont d’autre choix que de faire face à toute situation. Cette contrainte les amène à tisser un rapport au monde radicalement différent de celui du règne animal. La plante s’adapte, mute, non pour dominer son environnement, mais pour coexister avec lui. Là où l’humain exploite, se croyant omnipotent et séparé de la nature, la plante s’inscrit dans une logique d’interdépendance.
Standing Still se développe à travers un ensemble d’œuvres qui mêlent archives photographiques, matières organiques, gestes artisanaux et manipulations expérimentales. L’intention n’est pas de représenter la nature, mais de travailler à partir d’elle. Faire parler les matériaux, qu’ils soient issus d’une forêt incendiée, d’un laboratoire scientifique ou d’un fragment de mémoire photographique.
Standing Still cherche à laisser place à la relation entre les matériaux, les gestes, le temps et le regard de celui qui observe.

Morvarid K est une artiste iranienne, installée à Bordeaux et Berlin, et représentée par la galerie Bigaignon à Paris. Travaillant à l’intersection de la photographie, de la transformation de la matière et des processus performatifs, sa pratique explore l’impermanence des formes et la persistance de la mémoire.
Par des gestes d’effacement, de répétition, de dissolution, d’épuisement, elle transforme des images et objets apparemment achevés, les faisant passer de la représentation à la substance, de la figuration à la trace. Engageant physiquement la matière (organique, tirage, papier, tissu), elle questionne les frontières entre présence et absence, surface et profondeur.
Son travail s’appuie sur le savoir-faire artisanal et élabore des dispositifs participatifs qui invitent le public à contribuer par des gestes partagés, reflétant sa conviction que la mémoire est collective et que l’art est un processus vivant en évolution.
Morvarid K crée des espaces réflexifs, où l’image se retire dans la matière et où la présence se ressent plus qu’elle ne se voit. Par des transformations subtiles, elle invite à une perception plus discrète, une perception qui reflète la manière dont la mémoire, le temps et la sensation se déploient en nous.
Ses œuvres font partie de collections publiques et privées importantes, notamment le musée MacVal, la Bibliothèque nationale de France (BnF), le CNAP, le FRAC Nouvelle-Aquitaine et la Fondation Louis Roederer.

Bernard Plossu est un photographe français né en 1945. Il travaille dans une approche spontanée et légère, privilégiant de petits appareils faciles à emporter pour saisir l’instant en mouvement. Recherchant une forme de simplicité et de douceur visuelle, son geste photographique est intuitif, proche du carnet de notes, où l’image devient trace immédiate de l’expérience vécue. Son œuvre explore le temps, la mémoire et l’errance avec une grande sensibilité.
Cette exposition exceptionnelle du photographe nous fait découvrir La Ciotat comme aucun autre n’aurait pu le faire…
Le livre La Ciotat, récits du golfe d’amour, dont sont issues les photographies exposées, est une exploration fascinante des liens entre cette ville et plusieurs grandes figures du patrimoine culturel français, qu’elles aient marqué la ville de leur empreinte ou qu’elles aient été influencées par elle.
À travers de multiples anecdotes, les auteurs – Marie-Paule Vial, Michel Cornille et Jean-Louis Tixier – nous entraînent dans différentes époques : celles des écrivains-voyageurs du XIXe siècle, des débuts du cinéma, ou encore au XXe siècle, à travers les regards d’historiens, d’écrivains et de cinéastes contemporains. Cet inventaire amoureux entre en résonance avec les 100 photographies de Bernard Plossu, qui partage avec les auteurs un enthousiasme sans réserve pour la ville. C’est une déambulation dans la ville aux côtés du célèbre photographe ciotaden, conduisant le lecteur devant des lieux emblématiques ou des paysages plus personnels.

Le livre La Ciotat, récits du golfe d’amour est paru chez Arnaud Bizalion Editeur.

Du 19 juin au 15 novembre 2026, le Jeu de Paume consacre une exposition à Ed Alcock, lauréat du Prix Niépce – Gens d’Images 2025 au Château de Tours. Avec Secrets et mensonges, Ed Alcock réunit quinze ans de travail photographique consacré à la famille, à la transmission et au sentiment d’appartenance.

Avec Secrets et mensonges, Ed Alcock réunit quinze ans de travail photographique consacré à la famille, à la transmission et au sentiment d’appartenance. Cette exposition marque une étape importante dans le parcours d’Ed Alcock : pour la première fois, l’ensemble de son œuvre est rassemblé en une seule présentation, permettant d’en saisir toute la cohérence et l’évolution. Elle est construite autour de cinq séries, réalisées entre 2009 et 2025 : Hobbledehoy (2013), sur la fin de l’enfance de son fils Nino ; Love Lane (2014) et The Wait (2015) variations sur un secret de famille ; Home Sweet Home (2016-2020), interrogation sur le rapport au pays natal à l’heure du Brexit ; Et enfin Buried Treasure (2025), retour sur une figure familiale, celle de son grand oncle et sur une époque révolue.

Construit de façon chronologique, le parcours de l’exposition fonctionne comme une invitation à dézoomer, des travaux les plus intimes et les plus anciens aux plus récents, qui adoptent une approche documentaire plus affirmée. Dans sa note d’intention pour le Prix Niépce, Ed Alcock décrivait sa pratique photographique comme une « exploration intime et narrative du réel ». Sa méthode est à la croisée des genres : autobiographie, documentaire, fiction.

De l’autobiographie elle adopte la dimension personnelle, puisque de manière différente chacune des séries s’ancre profondément dans l’histoire de leur auteur : relation à la famille proche, questions de paternité, rapport au pays d’origine, évolution sociale sur plusieurs générations.

Avec le documentaire, elle partage une démarche directe, souvent posée et frontale, parfois sous-tendue par une volonté d’enquêter, mêlant des images de natures diverses, le plus souvent prises par lui et parfois simplement trouvées.

À la fiction enfin, elle emprunte un goût des non-dits, construisant des images qui suggèrent davantage qu’elles ne montrent, ayant aussi dans certains cas recours au dessin voire au film pour compléter et prolonger certains ensembles.

L’exposition La Nuit américaine propose d’interroger la manière dont les mythes contemporains se fabriquent et se stabilisent à travers des dispositifs visuels, narratifs et spatiaux qui participent activement à la production du réel.
Elle s’inscrit dans le projet au long cours Le Voyage du Phoenix, une exploration sensible et critique des constructions imaginaires liées aux paysages d’oasis, entre mémoire coloniale, désir d’exotisme et reconfiguration contemporaine du regard.
Pensé et porté par l’artiste marocaine Laila Hida, ce projet examine les mécanismes de fabrication des représentations à travers la photographie, la littérature et le cinéma, en confrontant les récits hérités du XIXe siècle avec les réalités d’aujourd’hui.

Cette exposition constitue un moment charnière du projet : pour la première fois, les outils mêmes de la fabrication du mythe y sont exposés, disséqués et mis en tension. Dans ce contexte, le cinéma apparaît comme une matrice centrale, un modèle de construction du regard et de mise en forme du monde.

Événement organisé dans le cadre de la Saison Méditerranée 2026

À travers le prisme de l’art contemporain et l’éclairage de données scientifiques, l’exposition Aux origines interroge l’un des facteurs de discrimination les plus puissants et persistants de notre société. L’”origine”, réelle ou fantasmée, est cause d’exclusion et de stigmatisation au quotidien. Une réalité souvent sourde, qui façonne pourtant des trajectoires collectives et individuelles, et ce, dès l’enfance.

L’exposition

Les discriminations naissent souvent d’un simple regard. Les personnes d’origine étrangère et/ou perçues comme telles en subissent massivement les frais. Cette « origine » – réelle, supposée ou fantasmée – est à la source de stéréotypes tenaces, qui conditionnent souvent les parcours de vie dès l’enfance.

À travers le regard subversif d’artistes contemporains – parmi lesquels les sœurs Chevalme, Patrick Zachmann, Euridice Zaituna Kala, Hamedine Kane – et des données inédites, l’exposition Aux origines nous invite à remonter à la source de ces mécanismes de stigmatisation et d’exclusion, en interrogeant la manière dont les regards se construisent et se perpétuent.

En s’appuyant sur les recherches récentes en sciences sociales, et notamment sur le projet européen UNDETTERED* – UNintentional Discrimination dETEcted and Racism REveal and Deactivate – le parcours met en lumière le caractère structurel, parfois inconscient, des discriminations. Sans en oublier les effets concrets dans la vie quotidienne, en particulier chez les plus jeunes. Accès à l’éducation, à l’emploi, au logement ou aux soins : autant de domaines où cet engrenage produit des inégalités durables.

En écho aux données chiffrées, les œuvres d’artistes contemporains témoignent du versant sensible de ces discriminations : la fatigue, les obstacles, mais aussi les formes de résistance et de solidarité qui en découlent sont autant d’effets intimes, durables et souvent invisibles de celles-ci.

Aux origines est une manière d’inviter chacune et chacun à questionner ses propres perceptions et à envisager une société libérée de ces mécanismes de discrimination dans son quotidien.

* Le projet UNDETERRED entend contribuer à la lutte contre les discriminations systémiques subies par la jeunesse européenne (18/35 ans) dans les domaines de la santé, du logement, de l’éducation et de l’emploi. Coordonné par l’Université de Bordeaux, il prend pour
point de départ l’analyse empirique de six villes – Amsterdam, Barcelone, Bordeaux, Bucarest, Lausanne, Québec – pour mettre en lumière la manière dont des discriminations structurelles traversent les politiques publiques et la vie quotidienne de la jeunesse.

Photo : Sapeurs de Bacongo © Baudoin Mouanda

La saison 2026 est inaugurée au Moulin Blanchard avec un premier cycle d’expositions sous la direction artistique de Frédérique Founès.

Le vendredi 17 avril, le Moulin Blanchard ouvrira ses portes pour la saison 2026. A l’occasion du 200ème anniversaire de la photographie, notre directrice artistique, Frédérique Founès, propose pour cette première partie printanière un panorama du portrait de studio à travers trois expositions:

– Les grands portraits de Nadar
Nadar (1820-1910), l’un des plus importants portraitistes du Second Empire, sut fixer avec une finesse psychologique hors du commun les visages de célébrités diverses, artistes, savants, hommes politiques, tels Delacroix, George Sand, Baudelaire, Victor Hugo, Sarah Bernhardt, et bien d’autres.

– Sape et Studio, photographies de Malick Sidibé et Baudoin Mouanda
L’exposition explore deux univers photographiques, de générations et de pays différents : celui de la jeunesse de Bamako (au Mali) dans les années 1950-60, capturée en noir et blanc par le célèbre Malick Sidibé et les défilés contemporains très colorés de la Société des ambianceurs et des personnes élégantes (SAPE) de Brazzaville (au Congo), saisis par Baudouin Mouanda.

– The others, photographies d’Olivier Culmann/Tendance floue
La série « The Others » se fonde et s’est développée sur deux axes principaux : le premier s’interroge sur l’aptitude et les capacités de la photographie à représenter la réalité du monde. Le second explore les modes de représentation à travers le cas particulier des pratiques de la photographie de studio de quartier en Inde. En reproduisant sur lui-même l’apparence des Indiens rencontrés dans son quotidien, il n’en représente que ce qu’il a réussi à en percevoir.

Également, au Manoir de Courboyer (maison du Parc naturel régional du Perche), en avant-première du Festival Moulin Blanchard hors les murs dont le thème est cette année « La pomme dans tous ses états », du 13 avril au 24 juin : « La Sagesse des arbres », photographies de Michel Séméniako.

Du 26 juin au 1er novembre 2026, le département du Var confirme l’Abbaye de La Celle comme centre départemental d’art photographique d’excellence en accueillant Klavdij Sluban. Avec l’exposition « Solitudes insulaires », cette figure emblématique de la photographie contemporaine propose un voyage méditatif en noir et blanc, des terres australes des Kerguelen aux rivages du Japon.

L’exposition Solitudes insulaires présentée à l’Abbaye de La Celle, en partenariat avec les Rencontres de la photographie d’Arles, met en lumière deux séries photographiques inédites ou peu vues, issues de ses explorations lointaines : l’une réalisée dans les îles Kerguelen, l’autre au Japon.

Ces deux corpus d’images, malgré leur éloignement géographique, convergent vers le thème universel de l’insularité et de la solitude. Les photographies de Sluban invitent à une réflexion sur la fragilité de la présence face à l’immensité du monde. Aux Kerguelen, « l’île de la Désolation », les rares figures humaines, les phoques massifs ou les colonies d’oiseaux semblent être là par accident, leur présence provisoire et vulnérable contrastant avec l’éternité minérale des paysages. Au Japon, l’insularité se fait plus intérieure, spirituelle, explorant la solitude au sein de la densité humaine et le rapport à la nature sacrée.

L’installation des oeuvres au sein de l’Abbaye a été pensée pour créer un dialogue poétique et puissant avec l’architecture cistercienne du lieu. Les murs millénaires de l’Abbaye, empreints de silence et d’histoire, serviront d’écrin et de résonance à ces images d’espaces désertiques et de temps suspendu. Le parcours d’exposition est conçu comme un voyage spirituel vers des « îles », qu’elles soient concrètes (géographiques) ou métaphoriques (intimes).

Klavdij Sluban : une écriture photographique de la solitude Figure majeure de la photographie contemporaine internationale, Klavdij Sluban, franco-slovène né en 1963, développe une oeuvre exigeante, exclusivement réalisée en noir et blanc. En marge de l’actualité et de toute mise en scène, il privilégie des cycles de voyages au long cours — de la Sibérie aux îles Kerguelen — pour explorer la solitude existentielle et le temps suspendu.

Il privilégie une approche lente, méditative, cherchant à capturer l’instant sans aucune mise en scène (« no staging ») ni intervention postérieure. Cette quête de l’authenticité brute confère à ses images une puissance narrative et une gravité singulière. Le noir et blanc, par sa capacité à condenser le réel et à le sublimer, devient le vecteur privilégié de cette introspection photographique, intimement lié au sujet central de son travail : la solitude existentielle. Lauréat de prix prestigieux (Prix Niépce, European Publishers Award, Villa Kujoyama), son travail, souvent empreint de références littéraires, est exposé dans les plus grandes institutions mondiales (Centre Pompidou, MET de Tokyo, La Maison Européenne de la Photographie à Paris).

Le commissariat de l’exposition est assuré par Ricardo Vazquez, Conservateur en chef du patrimoine. À la fois Directeur artistique de l’Abbaye de La Celle et Directeur scientifique de l’Hôtel Départemental des Expositions du Var (HDE Var), il met son expertise au service d’un dialogue exigeant entre art contemporain et héritage historique.

Nous sommes heureux de présenter pour la première fois le photographe japonais Kazuo kitai, et tout particulièrement sa dernière série, Iroha. Cette exposition, « iroha — 1, 2, 3» accompagne la rétrospective majeure qui se tiendra à la Maison de la Culture du Japon à Paris du 30 avril au 25 juillet 2026.

Kazuo Kitai, encore trop méconnu en Europe, est pourtant l’une des figures incontournables de la photographie documentaire japonaise et est reconnu dans l’archipel nippon comme l’un des grands maîtres de sa génération. Depuis plus de 60 ans, il a documenté les mouvements sociaux de son pays — des manifestations étudiantes des années 1960 aux luttes paysannes contre l’aéroport international de Narita, les transformations des campagnes japonaises et le quotidien des quartiers populaires. Son regard, profondément humaniste, forme un large panorama des transformations de la société japonaise depuis les années 1960.

Iroha, que l’on peut traduire par « a, b, c », marque un tournant décisif dans sa carrière. Si ce photographe s’est toujours reconnu dans les luttes de ceux qu’ils photographiaient, participant aux rébellions autant qu’il les documentait, à plus de 80 ans, il revisite par un geste tout aussi radical ses propres archives: déchirant, puis rapiéçant, et enfin en recouvrant de peinture les tirages de ses débuts—ceux réalisés à 20 ans, au moment des mouvements de protestations étudiants— c’est désormais contre sa propre photographie qu’il se rebelle.

Comme il le raconte : « Photographier était devenu pour moi un peu pénible. Ne sachant plus quoi faire, j’ai décidé de déchirer d’anciens tirages originaux. J’ai pensé qu’en les déchirant, je me sentirais plus léger et pourrais alors envisager de nouvelles images. » Ces gestes de destruction et de recouvrement radicaux, qui se rapprochent d’un palimpseste, explorent sa propre rébellion — non plus politique, mais personnelle.

Traçant des lignes simples, des chiffres (1, 2, 3), des lettres (i, ro, ha) et des formes géométriques basiques (carrés, ronds, triangles), il établit un lien entre ses premiers pas dans la photographie, les gestes de contestation de sa jeunesse, et sa capacité intacte à se renouveler.

« Soixante ans se sont écoulés depuis que j’ai commencé à prendre des photos. Je ne sais pas pourquoi j’ai pu poursuivre aussi longtemps, mais je crois que c’est en partie parce que cela m’a toujours amusé. » iroha illustre cette liberté et cette énergie renouvelée, où mémoire, couleur et geste se rejoignent pour offrir un regard inédit sur son œuvre documentaire. La série est une véritable invitation à la réinvention, une ode à la création joyeuse et rebelle.

Photo : © Sevdenur DOGAN

archipel est un projet de soutien à la scène photographique émergente en Belgique créé par Contretype en 2023. Il s’agit ici de sa quatrième édition. Le dispositif fonctionne comme un dispositif d’accompagnement : recherche, production d’œuvres nouvelles, mise en dialogue des pratiques.

« archipel » rassemble 6 propositions issues d’un appel à candidatures, offrant autant de regards singuliers sur les enjeux et les formes contemporaines de la photographie et de l’image.

Harold Delhaie, Sevdenur Doğan, Barbara Salomé Felgenhauer, Nanténé Traoré, Quinten Vermeulen et Serena Vittorini interrogent la photographie comme pratique traversée par des enjeux sociaux, politiques et sensibles. Ils questionnent l’intime, le politique, le domestique, la mémoire, le territoire, le visible et ses zones d’effacement. Ensemble, leurs projets composent une cartographie sensible et fragmentée de notre rapport au monde, où l’image devient à la fois un outil critique et un lieu de résistance ou de réparation.

En 2026, archipel devient un réseau rassemblant 5 acteurs institutionnels de la photo et de l’image : BIP (Liège), CRP (Douchy-les-Mines), Fabrique du Regard (Bruxelles), ILES asbl (Bruxelles) et Contretype

Photo : © Paul Queste – ECPAD – SPA 116B 6153

Présentée en partenariat avec l’ECPAD et Arte, l’exposition « Silence après l’impact » interroge la photographie de ruines de guerre et ce qu’elle révèle des conflits.

Le territoire du Nord–Pas-de-Calais, et en particulier les villes de Lens et d’Arras, ainsi que des villages tels que Souchez ou Ablain Saint-Nazaire, ont été presque entièrement détruits pendant la Première Guerre mondiale. Les affrontements par l’artillerie y ont laissé un paysage dévasté, un territoire meurtri où ne subsistaient souvent que ruines, gravats et vestiges d’habitations. Dans ces paysages silencieux, la photographie est devenue l’un des moyens privilégiés pour témoigner de l’ampleur des destructions et conserver la trace d’un territoire anéanti par la guerre.

À travers des archives et des photographies réalisées par des opérateurs de l’ECPAD ainsi que par des photographes tels que Peter Richard Sen, Grant McLean, Richard Peter, Eric Bouvet, Edouard Elias, Chloé Sharrock et Fatma Hassona, le parcours propose des clés de lecture pour comprendre ce que ces images de destruction racontent des conflits.

La ruine apparaît d’abord comme document : témoin d’un événement, trace matérielle d’un affrontement, parfois même preuve versée à l’histoire ou à la justice. Puis l’image se charge d’une toute autre puissance : instrumentalisée, détournée, elle peut devenir outil de propagande ; mais elle peut aussi, par sa force visuelle et esthétique, dire les conséquences d’un conflit avec une intensité qu’aucun texte ne saurait égaler.

Entre silence et sidération, ces photographies interrogent notre regard : que voyons-nous lorsque nous contemplons les images de la destruction ? Quelle perception des conflits ces images nous livrent-elles, encore aujourd’hui ?

Photo : © Ziqian Liu / Galerie XII

« Ce matin est tout lumière, je ne sais dans quel fond de ma tête.
Et il y a une présence qui n’est point de la pensée, aux portes de la pensée. »
Paul Valéry

Dans la continuité du « Rêve » et de l’apesanteur des précédentes éditions, la thématique de l’exposition 2026 à CAMPREDON art & image prolonge cette échappée vers l’imaginaire. Au fil d’un cheminement entre réel et intangible une nouvelle histoire se déploie, dans laquelle le hors-champ tient une place d’honneur. « PRESENCE » offre ainsi une nouvelle opportunité créative aux 26 artistes contemporains exposés ; une «PRAESENTIA» polysémique qui augure une richesse de représentations et de questionnements sur notre humanité, notre traversée dans l’espace et le temps, notre empreinte, voire notre EXISTENCE.

L’impérieuse PRESENCE même de l’artiste au monde, en éveil, invite le regardeur à ouvrir – ou fermer – les yeux et imaginer, révéler l’invisible. Elle nous guide, à l’intérieur d’un paradoxe poétique, vers une histoire silencieuse dans laquelle l’ABSENT* prend tout son sens. À l’écart du tumulte, cette « pleine conscience » des relations de l’être à l’espace, du corps au paysage, se joue du temps qui s’égrène…

Par une PRESENCE sensible et spirituelle imagée au cœur des œuvres présentées, comme un hommage aux espaces (faussement) vides ; les artistes réhabilitent ici une esthétique, comblent peut-être un manque, ou font renaître le souvenir évanescent des lieux de mémoire.
L’Homme détient ce pouvoir de faire perdurer par l’anamnèse – mémoire du vécu – un être, un territoire, un instant, une émotion, une vision… l’artiste nous en offre la matière. Il est alors le passeur qui évoque et immortalise par l’image, produite en peinture, art génératif, ou photographie, le précieux support d’un souvenir qui s’évapore, inéluctablement.

Sollicitant une réflexion sur notre relation aux autres et à soi, en ouvrant de nouvelles fenêtres et en nous tendant un miroir, cette exposition révèle l’imperceptible et convie à la découverte de réalités cachées. Ainsi, en invitant le visiteur à l’introspection, elle soutient la représentation ancienne de la PRAESENTIA ; celle de la matérialité d’un espace devant et autour de quelqu’un ou de quelque chose.

* Lat. Qui n’est pas dans le lieu où l’on pourrait s’attendre à le trouver

Les artistes : ABNS . Xaadim BAMBA MBOW • Isa BARBIER • Marco BARBON • Susana DEL BAÑO . Florent DEVAUCHEL • Elliott ERWITT • Christine FERRER • FLORE • Sylvie HENOT • JR • Ziqian LIU • Yves MARCHAND & Romain MEFFRE • Sanja MARUSIC • Patrizia MUSSA • Phédia MAZUC • Francesco MISCEO • Anja NIEMI • Françoise NUÑEZ • Alexis PESKINE • Bernard PLOSSU • Gideon RUBIN • Philippe RAMETTE • Christopher THOMAS • Sophie ZENON

Photo : Leftover (hands), Martin Depalle, 2025

Ithaque présente l’exposition Light Theories, conçue par Ugo Casubolo Ferro, qui rassemble les travaux d’Irene Abello, Ugo Casubolo Ferro, Martin Depalle, Ralf Marsault & Heino Muller (25/34 Photographes), Sébastien Reuzé et de Sixtine de Thé.

Sept artistes de la scène française et internationale sont réunis autour d’une pluralité de pratiques de la photographie. Leurs œuvres explorent différentes manières de produire, de transformer et de penser l’image, en mobilisant les procédés de la photographie contemporaine — du tirage chromogène au transfert de toner, de l’impression sur textile à une approche sculpturale du photosensible.

Avec Le premier spectateur, Thierry Valletoux nous invite à pénétrer dans l’intimité du cinéma. Photographe de plateau, il occupe une position singulière : témoin discret mais privilégié, il est souvent le premier regard extérieur posé sur les scènes en cours de création.
À travers cette exposition, la galerie met en lumière une sélection de photographies capturées sur les tournages de films, où se croisent réalisateurs, acteurs et techniciens. Ces images sont des archives du cinéma de notre époque, vivant, avec un brin de malice.
Depuis plus de trente ans, Thierry Valletoux accompagne le monde du cinéma.
Après une première décennie marquée par son travail de journaliste et photographe pour Studio Magazine (1994–2004), il poursuit aujourd’hui une présence fidèle sur les plateaux, collaborant avec de nombreux cinéastes contemporains.
Son regard s’est forgé au fil des rencontres et des situations : instants suspendus entre deux prises, concentration d’un acteur, gestes précis d’un réalisateur, énergie collective d’une équipe. Chaque photographie capte une tension particulière, celle du réel qui se transforme en fiction.

Photo : Gil Rigoulet, Claudia and the Sea, 2022 – 2024

Galerie d’art et cantine installée au cœur du quartier des Bains — épicentre de l’art contemporain à Genève — Ou Bien Encore, confie ses murs à la curatrice indépendante Marion Gardair pour un nouveau cycle d’expositions. Intitulé ENCORE, il cultivera le goût de l’art dans un lieu de vie chaleureux, sans solennité ni distance. Encore est un mot qui dit le désir, celui d’une rencontre que l’on voudrait prolonger. S’ouvrant à tous les médiums, la programmation s’inscrira dans les grands rendez-vous du calendrier artistique genevois pour inviter les visiteurs à se réunir, à revenir, encore.

Pour son exposition inaugurale et à l’occasion du bicentenaire de la photographie, ENCORE présente tout l’été une exposition du photographe français Gil Rigoulet. Depuis plus de 40 ans, celui qui fut le premier photographe attitré du journal Le Monde, mène une recherche à l’argentique dans les piscines du monde entier et en mer, sur le thème « Le Corps et l’Eau ». Ce corpus de plus de 250 images dresse une œuvre hors du commun et une vie de regards. Nichée dans le quartier des Bains, la galerie offre un port d’attache à ces images en perpétuel flottement, dont l’accrochage proposera un florilège, de 1984 à 2025. Gil Rigoulet présentera aussi une sélection de tirages vintage uniques, traités directement par le photographe à un exemplaire en 1986.

Photographiées à la piscine d’Évreux en Normandie — où son père lui apprit à nager—, dans les eaux du Venezuela, ou en Camargue, les images de Gil Rigoulet célèbrent ces espaces où le corps se déleste de lui-même. Témoignage devenu iconique de la liberté d’une époque révolue, la série « Molitor 1985 » a ainsi fait le tour du monde. La mythique piscine parisienne, alors publique, se révèle le théâtre d’une chorégraphie de gestes propres aux délices du loisir. La dimension sociologique qui caractérisait ces images, a progressivement laissé place à une approche plus esthétique, méditative où l’eau cesse d’être un décor.

Dans les photographies récentes — tirées en série limitée sur papier japonais pour l’exposition —, le corps fusionne intimement avec l’eau. Présentées à Genève, ces images nous confrontent à la puissance de l’eau dans ses jaillissements et ses accalmies et entrent en résonance avec le paysage de la ville. Dans le cadre de l’exposition, Gil Rigoulet réalisera également de nouvelles photographies sur le Lac Léman qui viendront enrichir l’accrochage pour l’été.

Photo : © Chema Madoz, sans titre 1986 – Fundació Foto Colectania/ADAGP

L’exposition « Diseños habitados » établit un dialogue entre deux grands artistes, Helena Almeida, portugaise (1934-2018) et Chema Madoz, espagnol (né en 1958). Elle met en résonance deux univers artistiques très différents mais profondément liés par leur approche de la photographie et du processus créatif. La présentation des carnets de croquis, dessins préparatoires et objets artisanaux, rarement montrés dans le travail de Chema Madoz, ainsi que des études et dessins d’Helena Almeida, permet d’appréhender au plus près leurs démarches de création.

Commissaire de l’exposition : Pepe Font de Mora, directeur de la Fundació Foto Colectania à Barcelone de 2002 à 2025.

« Diseños habitados » (« Des dessins habités ») s’appuie sur les résonances entre les oeuvres de deux des premiers artistes à avoir rejoint la collection Foto Colectania avec laquelle Le Château d’Eau présente cette exposition, révélant leur approche personnelle du processus créatif.

Le titre de l’exposition rend hommage à « Desenho habitado » d’Helena Almeida, première série dans laquelle l’artiste a utilisé la photographie. Pepe Font de Mora, commissaire de l’exposition et longtemps directeur de Foto Colectania, s’est également inspiré du concept du dessin admis à l’époque de la Renaissance, qui fait référence à la fois au dessin lui-même aini qu’au projet ; c’est donc le processus mental de traduction de l’idée d’un artiste en oeuvre. Une pratique qui définit avec précision le travail fascinant de ces artistes.

Le fait qu’Almeida et Madoz aient tous deux réalisé des croquis est peut-être lié à leur intérêt commun pour l’intime et l’expérientiel. Les deux artistes ont réalisé d’innombrables croquis – qui ne se sont pas toujours concrétisés en oeuvres – comme première étape vers la matérialisation de leurs idées à l’aide d’un crayon et d’une feuille de papier. Dans cette exposition, Font de Mora a voulu mettre en évidence la valeur intrinsèque de ces dessins en tant que simples et beaux croquis, le résultat final prenant vie grâce à la photographie. Almeida intervient parfois dans son travail avec des coups de pinceau ou des traits de crayon soigneusement exécutés, et nous fascine toujours par son étude de la réflexion et de la théâtralité.

Madoz dessine dans des carnets personnels qu’il a conservés au fil des ans, dont des facsimilés sont présentés dans cette exposition, aux côtés de certains de ses objets personnels qu’il assemble artisanalement.

« Diseños habitados » est une exposition qui se situe au point de convergence entre les oeuvres d’Helena Almeida et de Chema Madoz : deux artistes qui, bien qu’ayant des univers créatifs différents, ont en commun le choix de la photographie comme moyen d’expression pour nous transmettre des créations pleines d’imagination et de subtilité.

Helena Almeida expérimentait déjà les limites de la peinture dès ses premières oeuvres dans les années 60, avec différentes propositions telle celle d’échapper au cadre du tableau. Elle a poursuivi en ce sens dans divers travaux jusqu’au milieu des années 70. Elle a toujours expérimenté avec sa propre image, cherchant de nouvelles voies pour explorer la relation entre le corps humain et l’espace qui l’entoure. « Je traite mon corps comme s’il s’agissait d’une installation visuelle et je le fixe à travers la photographie, pour ensuite l’intégrer. Je préfère parler de sculpture éphémère plutôt que de performance, car j’essaie de fixer un moment pour attirer l’attention sur ce qui est plus subtil, pour que l’image soit figée, immobile. C’est pourquoi je choisis la photographie et aussi le noir et blanc », disait Helena Almeida.

Pour sa part, Chema Madoz oscille souvent entre des concepts opposés (le virtuel et le réel, l’apparence et la réalité), manifestant parfois une tension qu’il traduit à travers des photographies aux cadrages précis et symétriques. « J’ai toujours eu le sentiment de pouvoir manipuler le sens des images. C’est une chose avec laquelle je sais bien jouer », explique Chema Madoz.

Almeida et Madoz ont tous deux suivi une formation artistique qui les a finalement orientés vers des univers où l’image occupe une place centrale, un domaine qu’ils maîtrisent avec une habileté particulière et qu’ils abordent sous des angles différents. Alors qu’Almeida a commencé par exposer des peintures et des dessins avant de se tourner vers la photographie pour ses séries en 1974, Madoz s’est consacré à ce médium dès ses débuts.

Bien qu’ils aient été en lien avec les mouvements artistiques de leur époque, leurs oeuvres n’ont pas suscité un intérêt particulier à leurs débuts. Cependant, dans les deux cas, ils ont par la suite obtenu une reconnaissance importante, tant de la part du public, de la critique et des collectionneurs que de leurs propres collègues.

La différence la plus significative entre les oeuvres des deux auteurs réside dans leur approche : alors qu’Almeida s’intéressait à briser les limites formelles de la création, s’exprimant toujours à travers son propre corps (« mon oeuvre est mon corps, mon corps est mon oeuvre »), Madoz se concentrait sur la conceptualisation d’idées à travers une pratique hybride, dans laquelle les outils de la poésie visuelle ou la tradition de l’objet surréaliste sont incorporés au registre photographique.

Malgré ces divergences, les oeuvres d’Almeida et de Madoz présentent de nombreux points communs. « Diseños habitados » vise à montrer les travaux des deux artistes en soulignant les points communs entre leurs processus créatifs.

De l’esquisse à la photographie

Madoz dessine dans des carnets personnels qu’il a conservés au fil des ans. Les esquisses d’Almeida ont été publiées et exposées à plusieurs reprises, généralement aux côtés de ses oeuvres photographiques. L’exposition présente pour la première fois les carnets de Madoz ainsi que les esquisses réalisées par Almeida pour sa série O perdâo.
La coïncidence remarquable qui réside dans le fait que ces artistes réalisent tous deux des croquis – comme première étape pour transposer leurs idées à travers le crayon et le papier – est peut-être liée à l’intérêt de leurs oeuvres pour l’intime et l’expérientiel. Ces dessins sont l’outil initial pour configurer l’oeuvre finale, même si tous ne se concrétisent pas. Ici, le talent de Madoz réside dans sa capacité à transformer ses croquis en objets et ses objets en images pleines de magie. Almeida, quant à elle, nous fascine en transformant ses dessins en exercices de réflexion et de théâtralité, capturés dans des photographies parfois retravaillées à l’aide de coups de pinceau ou de traits de crayon.

Photographies / Dessins / Écriture
Anne Desplantez, auteure photographe avec les enfants du centre du Sarthé « Parce que. Ici. » est une oeuvre réalisée par la photographe-auteure Anne Desplantez en collaboration avec les enfants du Sarthé. Construit sur trois années, ce projet rassemble un ensemble de photographies, dessins et textes réalisés avec vingt-quatre enfants et adolescents, âgés de 8 à 18 ans, placés par l’aide sociale à l’enfance dans une maison d’enfants située dans le Gers.
Présentée dans la Galerie 2, l’exposition donne à voir et à entendre ces jeunes voix, leurs imaginaires et leurs réalités, dans une démarche à la fois artistique et profondément humaine.

Ce projet, pensé sous forme d’art en commun, a été réalisé avec vingt-quatre enfants placés par l’aide sociale à l’enfance dans une maison d’enfants à caractère social dans le Gers. Il a été exposé la première fois à l’Été 2025 au centre d’art et de photographie de Lectoure.
Associant un questionnement poétique et politique, les travaux de recherche d’Anne Desplantez à la fois photographiques et plastiques visent à élaborer une vision foisonnante, fragmentée et non réductrice, de l’expérience humaine de l’être ensemble.

« Parce que. Ici. » porte l’empreinte de cette synergie collaborative, mélangeant les individualités de chacun des enfants dans une harmonie collective. Il en résulte une oeuvre riche de sens et de diversité. Les enfants entrent dans une forme concrète de résistance en se mettant ainsi à nu, sans faux-semblant, mais avec beaucoup de pudeur, et le projet peut alors prendre la forme d’un message plus politique, qui relève du savoir être ensemble dans une société qui marginalise souvent, isole parfois, questionnant en creux les limites d’un système mis en place au départ pour protéger nos enfants jusqu’à leur majorité, un système qui s’essouffle et qui s’épuise à force d’être oublié.

Ce travail a été soutenu par la Région Occitanie – Aide à la production 2025, la DRAC Occitanie, l’ARS Occitanie, le réseau Diagonal, la fondation de France, le centre d’art et de photographie de Lectoure et le centre MECS/ITEP du Sarthé à Magnas.

Depuis plus de cinq ans, Anne Desplantez développe dans une perspective sociale et politique des dispositifs de pratique artistique participative au long cours. Sa démarche interroge le statut de l’individu dans le collectif ainsi que sa juste distance d’artiste vis-à-vis des communautés auprès desquelles elle s’engage.
Le projet Parce que. Ici. est quant à lui l’aboutissement de trois années de collaboration entre la photographes et 29 enfants, âgé-es entre 8 et 18 ans et placé-es au Sarthé, à savoir une Maison d’enfants à caractère social. (…) . « Rentrer au Sarthé, c’est rentrer dans un village miniature avec son école, sa forêt, sa ferme, ses habitations, et ses habitant-es », décrit ainsi l’artiste invitée à construire autour de l’expérience photographique un espace de dialogue et de confiance avec ces enfants.

Damarice Amao,
Historienne de la photographie,
Attachée de conservation au cabinet de la photographie du Centre Pompidou, Paris.

Yasuhiro Ogawa (°1968, Chigasaki, préfecture de Kanagawa), dont nous présentons le travail pour la première fois, est ce que l’on pourrait appeler un «photographe errant», en ce qu’il ne cherche rien de précis lorsqu’il part en quête d’images, mais préfère se fier à ce que le monde qui l’entoure lui offrira en cadeau.
Si ses différents projets sont liés à des territoires plus ou moins circonscrits, l’aspect strictement documentaire est on ne peut plus secondaire dans sa proposition. Il convient plutôt d’y voir une longue déambulation silencieuse au cœur du Japon d’aujourd’hui, déambulation exempte de tout cliché réducteur.
Avec Ogawa, nous cheminons lentement, en prenant le temps nécessaire à l’immersion, en découvrant avec lui ce qu’un esprit moins disponible aurait plus que vraisemblablement manqué.
Rien de spectaculaire ni d’exceptionnel, mais une succession d’émerveillements tout simples, à la portée de qui veut bien accorder du temps au temps.
Le monde tel que nous le propose le photographe se découvre souvent à travers la fenêtre d’un train, d’un autocar ou d’un ferry — moyens de transport privilégiés lorsque l’expérience du voyage, du déplacement, importe plus que la destination.
Pour cette exposition, nous avons choisi de montrer de larges extraits des deux séries les plus récentes de Yasuhiro Ogawa, qui toutes deux ont donné lieu à une monographie: Into the Silence et Lost in Kyoto. Nous avons également pris le parti d’en mélanger les images, tant il nous a paru qu’il s’agissait bien, au-delà d’une thématique précise, d’une même signature visuelle, d’une même manière d’aborder le réel pour en donner image.
Into the Silence, pour lequel Ogawa s’est basé sur Le chemin étroit vers les contrées du Nord, livre écrit au 17e siècle par le poète Matsuo Bashō, nous invite à parcourir la région de Tōhoku, une province aujourd’hui quasi désertée au nord-est de l’île de Honshū, où l’artiste a été particulièrement sensible à l’isolement et à la solitude.
Pour sa part, Lost in Kyoto nous permet d’aborder l’ancienne capitale de l’empire du Soleil Levant, une ville vielle de quelque douze siècles que le photographe compare volontiers à une «créature vivante» qui se serait nourrie de l’existence de tous ceux qui y ont vécu depuis sa création, qui y ont versé leur sang, qui y sont morts… Y demeurent selon lui les joies, les peines, les prières, les désirs, les larmes et les luttes de tous ceux qui s’y sont suivi au fil des ans.
Dans une longue séquence sans véritable début ni fin, les saisons succèdent aux autres, les paysages défilent, montagnes enneigées ou perdues dans la brume, mers démontées, rues et forêts détrempées, jardins de sable, stations service surgissant dans la nuit, rideaux séparant le dedans du dehors…
Les voyageurs et les voyageuses se perdent dans leurs pensées, seuls au monde. Les corbeaux croassent. Les arbres se parent des teintes de l’automne. Un enfant dessine sur la buée qui s’est formée sur la vitre, un autre salue le train qui passe…
Il est donc question d’errance. D’itinéraires linéaires ou sinueux. De vide, d’apparitions fugaces. D’hommes, de femmes, d’enfants plus entrevus que rencontrés. De couleurs à la fois étranges et naturelles.

Alain D’Hooghe

Photo : Josef Sudek, From the series Still Life on the Window of My Studio, 1944, 23 × 29 cm, from the PPF Art Collection

Le Centre tchèque de Paris en collaboration avec la Fondation PPF ont le plaisir de vous présenter l’exposition Pixels et Poétiques : Sudek, Funke et l’impact des nouvelles technologies sur la photographie qui confronte l’univers de la photographie analogique de l’entre-deux-guerres et l’esthétique visuelle de l’ère numérique actuelle.
Gratuite et ouverte au public du 26 mars jusqu’au 14 mai 2026, l’exposition confronte deux figures majeures de la photographie d’avant-garde du XXe siècle à la scène artistique tchèque contemporaine. Organisée à l’occasion du 130e anniversaire de la naissance de Josef Sudek (1896–1976) et Jaromír Funke (1896–1945), deux figures majeures de la photographie moderne, et dans l’optique du bicentenaire de la photographie, Pixels et poétique tente de comparer deux siècles d’évolution de l’image dans un contexte social et culturel plus large : des traces tangibles de la lumière jusqu’aux représentations synthétiques générées par l’intelligence artificielle.

« Les anniversaires de Josef Sudek et Jaromír Funke sont pour nous l’occasion de revenir sur ce que leur œuvre représente pour la photographie tchèque et européenne », déclare Radka Ondráčková, directrice du Centre tchèque de Paris. « Ces deux photographes nous rappellent que l’image n’a jamais été une simple reproduction de la réalité. À une époque où la technologie évolue si rapidement, il est important d’observer comment la relation entre l’image, la réalité et la confiance se transforme. »

L’exposition bénéficie du soutien médiatique de Photo Days.

LA PHOTOGRAPHIE : REFLET DE LA VÉRITÉ OU ILLUSION OPTIQUE ?

Ainsi, Pixels et poétique ne cesse de remettre en question l’objectivité de la photographie. À travers les images poétiques de Josef Sudek, connu pour ses paysages nocturnes envoûtants de Prague, et de Jaromír Funke, célèbre pour ses expériences d’ombre et de lumière, l’exposition nous invite à réfléchir sur la subjectivité d’un tel média : pouvons-nous réellement nous fier à ce que nous voyons ? Depuis toujours, l’image est avant tout une interprétation du message du photographe, façonnée par ses intentions artistiques : choix de composition, gestion de la lumière, mise en scène des éléments, etc.

En juxtaposant approches classiques et contemporaines, Pixel et poétique propose un panorama historique des procédés photographiques qui, à travers les époques, ont servi à maîtriser le récit de l’image.
Les approches classiques de Sudek et Funke sont complétées par des photomontages historiques, des doubles expositions et des manipulations analogiques qui montrent à quel point le désir de transformer l’image est profondément ancré dans la tradition photographique.

Du 4 avril au 23 août 2026, le musée de Grenoble consacre une exposition à l’œuvre de Bernard Descamps à partir d’une centaine de photographies données par l’auteur en 2025 parmi lesquelles des tirages inédits. L’exposition Bernard Descamps – Là où souffle le vent invite à suivre le regard du photographe sur l’Humain et son rapport au monde et à la nature en particulier depuis plus de 40 ans. Chaque voyage, chaque destination entrepris depuis 1974 s’impose comme une rencontre avec l’Autre mais aussi un face-à face avec soi .

Ce cheminement géographique et personnel inscrit son œuvre dans l’histoire de la photographie de façon originale : Une image de notre monde traduite avec une économie de moyens qui sublime le réel par la poésie et une once d’ironie parfois. Pour lui, le voyage n’est en aucun cas une finalité en soi ni la marche un processus créatif : il s’agit avant tout de la concrétisation d’un rêve. Celui d’un enfant quand il découvre l’Afrique en 1991 dont il dit être tombé amoureux . Ce qui le nourrit quotidiennement c’est avant tout la vie de ces hommes et femmes auprès desquels il séjourne en Centrafrique, au Mali ou au Maroc. Chaque image s’impose comme une invitation à faire ce pas de côté pour préserver cette terre dont l’équilibre est mis à mal par les enjeux de politiques mondialistes ultraconsuméristes.

En 1990 , lors d’un séjour au Japon, le photographe choisit le format carré devenu depuis sa signature. Cette forme rigoureuse est une découpe dans l’espace qui permet au regard de capter la composition dans son entièreté spontanément. Parfois la miniaturisation de la figure humaine dans de vastes paysages introduit une prise de distance qui modifie la vision du monde au profit d’une nature théâtrale au sein de laquelle fourmillent des essaims d’humains. Ce point de vue réducteur de l’humanité en restreint subtilement sa domination sur le monde vivant qui l’entoure. Petite fragmentation d’espace et de temps, la photographie de Bernard Descamps est comme le Haiku qui avec peu de moyen parvient à traduire une émotion en lien avec la nature. Chacune des images s’impose comme une syllabe et crée la cadence de cette narration photographique du monde tandis que le choix des sujets autour du vivant serein, silencieux ou léger est un parti pris assumé de la part de l’auteur et nous lui savons gré de nous faire profiter de cette grâce !

Depuis une trentaine d’années, la photographie connaît une reconnaissance institutionnelle croissante qui l’affirme comme un art à part entière. Autrefois considérée comme un médium secondaire, associée au reportage, à la documentation ou à l’amateurisme, elle a progressivement trouvé sa place dans les collections publiques, les programmations d’expositions et le marché de l’art contemporain. L’exposition propose de retracer l’histoire de la photographie à Roubaix à travers les collections du musée La Piscine, en s’intéressant autant à ses usages sociaux qu’à ses formes artistiques. Du tirage argentique aux expérimentations numériques, de la photographie humaniste à la mise en scène conceptuelle, du cliché vernaculaire à la création plasticienne, elle offre un panorama pluriel et sensible du médium. À travers des œuvres historiques et contemporaines, des fonds documentaires et des séries d’artistes, cet accrochage révèle la richesse du fonds roubaisien et la diversité des regards photographiques qu’il conserve — portraits d’artistes, scènes de vie ouvrière, patrimoine textile. Dans une approche transversale fidèle à l’esprit du musée, où les disciplines se rencontrent et se répondent, l’exposition fait dialoguer la photographie avec d’autres formes d’expression (peinture, sculpture, arts graphiques, céramique, haute couture) et interroge les enjeux culturels, sociaux et esthétiques de notre rapport au réel et à la mémoire collective.

Cette exposition préfigure les célébrations du bicentenaire de la photographie, organisées de septembre 2026 à septembre 2027 par le ministère de la Culture.

Commissariat
Amandine Delcourt, responsable de la documentation, La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent

La scénographie est réalisée grâce au généreux concours des peintures Tollens.

Légende : Jean-Philippe Charbonnier (1921 – 2004), La Fillette au chat, Roubaix 1958-1959. Roubaix, La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent. Don de la Société des Amis du musée en 2024. © ADAGP, Paris, 2025.

Photo : Emile Zola Autoportrait en buste, mains croisées vers 1900

À côté du Zola nouvelliste et romancier, bâtisseur du cycle des Rougon-Macquart, du Zola journaliste et critique d’art, du Zola auteur de « J’accuse… ! », il existe un visage moins connu et exploré de l’écrivain, et pourtant tout aussi fascinant que les autres facettes : le Zola photographe.

Conçue par le Centre Zola de l’ITEM et la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), cette exposition permanente dans le jardin du Pavillon Flaubert ouvert à tous, composée de tirages modernes réalisés d’après les négatifs originaux, fait le choix d’un ensemble resserré autour d’une vingtaine de photographies significatives à plusieurs titres.

Leur cohérence réside dans l’éclairage privilégié proposé au public : tenter de comprendre ce que Zola appelait lui-même, à propos de sa vision d’artiste, « le mécanisme de mon oeil ». Quel photographe était-il ?

L’exposition sera présentée dans un lieu que Zola affectionnait : le pavillon de Croisset, où il rendit plusieurs fois visite à son ami Flaubert.

Photo : L’écho des sentinelles – sans_titre_#852 © Patxi Laskarai

Les pierres murmurent. La lumière en réveille l’écho.
Elles se dressent, silhouettes noires sur l’horizon, semblant nées d’une ombre pétrifiée. Gardiennes fantômes de la mémoire des lieux, elles portent en elles des mythes oubliés dans les strates du temps, que les lueurs captées par le photographe viendraient réveiller.
Patxi Laskarai saisit ces spectres par le jeu de superpositions où chaque couche dévoile sur le papier un fragment d’éternité.
Mais ses images en surimpression ne figent pas l’instant : elles le font vibrer.
Le minéral y devient transparent, la lumière y dessine des formes incertaines – visages
sans traits qui semblent murmurer des noms perdus, gestes suspendus comme des prières inachevées, portes élancées comme des offrandes aux astres éternels, cercles qui ne se ferment jamais tout à fait, comme des danses interrompues.
À l’écoute des chuchotements de la pierre, les photographies de Patxi Laskarai créent des échos visuels qui résonnent entre ombre et clarté. Il fait de chacune de ses images une apparition, une respiration entre deux mondes, un moment où la matière laisse filtrer l’invisible, où le présent se laisse traverser par ce qui fut, où la lumière devient le langage secret des choses muettes.
– Didier Mandart, L’ANGLE

Originaire de Lekunberri, en Basse-Navarre, Patxi Laskarai, « entré en photographie » à l’adolescence et diplômé en histoire de l’art, a installé son atelier à Saint-Jean-de-Luz (64) en 1996. Le photographe qui arpente fréquemment le mont Okabe et ses fameux cromlechs, au-dessus de la forêt d’Iraty, est par ailleurs friand de sujets puissants et de collaborations artistiques, notamment avec d’autres peintres et plasticiens.
En véritable sculpteur de la matière photographique, Patxi Laskarai réalise ses images
à l’argentique, avec lenteur et expérimentation. Il imprime lui-même ses tirages sur des papiers manufacturés rares, comme ceux de Juan Barbe — fournisseur, entre autres,
de Chillida, Barceló ou Tàpies. Ses créations, captivantes et d’une grande sincérité, se distinguent par leur simplicité, voire leur brutalité, tout en intégrant parfois des accidents formels qui en font des pièces uniques.
Les photographies de Patxi Laskarai ont fait l’objet de nombreuses expositions principalement en Euskadi-Pays basque, des deux côtés des Pyrénées. Après « Æncrage » présentée en 2023, « L’écho des sentinelles » est la seconde exposition personnelle que L’ANGLE a le grand plaisir de lui consacrer.
«Je photographie à hauteur d’homme, je suis ancré dans la terre jusqu’aux hanches.» – Patxi Laskarai

Les Éditions de Juillet proposent une plongée rare au coeur de leur univers avec une exposition rétrospective qui prend la forme d’un atelier reconstitué.

Photo : Auto-portrait de Kegham Djeghalian Sr avec ses enfants, Gaza, c.1952

Figure majeure de la photographie à Gaza au milieu du XXème siècle, Kegham Djeghalian Senior (1915-1981) a documenté la ville et ses habitants pendant près de 40 ans. Rescapé du génocide arménien, il fonde en 1944 le premier studio photographique professionnel de Gaza : Photo Kegham.

Cette exposition organisée en quatre thématiques, est conçue par son petitf ils Kegham Djeghalian Junior – artiste et enseignant – qui ravive ici cet héritage tout en explorant la notion d’« histoires interrompues.» En 2018 il découvre trois boîtes rouges enfouies au fond d’un placard chez son père au Caire. Remplies de négatifs, de documents et de souvenirs familiaux, elles révèlent non seulement la vie de son grand-père, mais aussi témoignent d’une mémoire plus vaste de Gaza.

D’abord centrée sur la figure de son grand-père, la recherche de Djeghalian Junior s’ouvre progressivement à une lecture élargie et non linéaire de l’histoire visuelle de Gaza. En refusant dates et légendes, il interroge la nature même de l’archive et fait émerger le potentiel de ce qu’il nomme une «unmade archive» : une archive ouverte, inachevable, réfractaire à toute clôture. Préférant une approche typologique à une organisation chronologique, ses installations photographiques esquissent, avec subtilité, une historiographie alternative de Gaza.

Kegham Djeghalian Junior est un artiste visuel, directeur artistique et professionnel de la mode palestino-arménien basé au Caire et à Paris, dont le travail se situe à la croisée de la photographie, de l’image, des archives et des pratiques de la mode. Il est professeur à la German International University (GIU), où il occupe le poste de directeur artistique du département de création de mode. Ses œuvres, recherches et interventions ont été exposées et présentées dans de nombreuses institutions internationales dont le Centre Pompidou à Paris, la Photographers Gallery à Londres et La Biennale de Sharjah aux Émirats Arabes Unis.

L’exposition est présentée pour la première fois en France dans le cadre de la Saison Méditerranée, avec le soutien de l’Institut français et en partenariat avec Photopia et Cairo Photo Week .Elle fait partie de la programmation satellite des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

Dans cette exposition, la photographe Marthe Lazarus présente une sélection d’images issues de différentes séries et approches plasticiennes :
• GUERRE DE HAUTE INTENSITÉ, consacrée à l’invasion de l’Ukraine, dans laquelle l’intime et la dimension historique se superposent et se heurtent.
• MULTIPLE dans laquelle l’identité se questionne et se dédouble.
• CIRES où l’image est travaillée comme une photographie-tableau.

Du 16 avril au 2 juillet, l’exposition sera ouverte du mardi au samedi de 12h à 20h.

Art, science, protection des océans, accessibilité

En 2025, parmi 600 candidatures européennes, l’artiste Carole Sionnet devient lauréate et seule Française d’un financement de l’Union européenne via le programme TIDAL ArtS, dédié à l’art, à la science et à la protection des océans, pour son projet (IN)VISIBLE.

Par une approche artistique, la photographe et plasticienne met en lumière une pollution marine invisible, ses impacts et ses solutions. Elle explore comment traduire les données scientifiques en formes, images et expériences perceptibles, afin de rendre visible l’invisible.

Dans ce cadre, elle collabore avec des scientifiques et des marins de France, d’Allemagne (universités de La Rochelle et de Rostock, initiative EcoBilge) et du Brésil.
Ils ont conçu un équipement écologique réduisant la pollution des eaux de cale huileuses et en étudient les effets sur la biodiversité grâce à des analyses d’eau, révélant les espèces sans les observer.

Des zones de surbrillance apparaissent sur les photographies au mouvement du spectateur, illustrant la pollution et la vie marine invisibles.
Une expérience accessible à toutes et tous (braille, tactile et langue des signes en direct avec l’artiste).

Ouverture : Lundi 18h30-21h, mardi au vendredi 15h-19h, samedi 15h-22h, dimanche 14h-17h

Rencontres :
Mardi 12 mai 15h30 avec la scientifique Dr Josephine Schaumburg EcoBilge Rostock Université
Samedi 16 mai 19h30 avec l’artiste + sur rendez-vous