L’Agenda des événements sur Plan

Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon réunit au Musée Jean Couty (Lyon), du 16 octobre 2020 au 11 avril 2021, quelque 90 photographies de Robert Doisneau (1912-1994) que viennent compléter 17 œuvres de Jean Couty (1907-1991). Cette exposition conçue par Clotilde Scordia, commissaire de l’exposition, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau s’articule autour de deux thématiques : portraits et ateliers d’artistes, d’une part, et vues de Lyon, d’autre part.

Inédite, l’exposition Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon, présente plusieurs séries de tirages originaux de l’illustre photographe français, connu dans le monde entier pour ses portraits et scènes de genre si justes et sensibles. Le Musée Jean Couty accueille plus de quatre-vingt-dix clichés, dont une vingtaine jamais montrée au public. Charles et Myriam Couty, directeurs du musée, ont fait réaliser, par ailleurs, une trentaine de tirages, notamment des photos de Lyon prises pendant les années Vogue. Artiste viscéralement humaniste, Robert Doisneau livre un univers singulier qui se donne au regard de tous par sa poésie et, encore aujourd’hui, par son actualité.

Un tel ensemble n’a jamais été présenté. L’équipe du musée a souhaité ajouter une dizaine de photos de portraits d’artistes à l’exposition : certaines photographies avaient déjà été tirées pour des expositions précédentes mais ont été très rarement présentées. Parmi celles-ci figurent les portraits de Braque, Foujita, Léger et son chien, Fautrier. D’autres n’ont cependant jamais été exposées : les portraits de Wolinski, David Hockney, Duchamp / Villon, et Sempé, et Picasso palmé. En outre, 6 tirages en couleurs – Poliakoff, Savignac, Vasarely, Braque dans son atelier, Picasso à Mougins, Nikki de Saint Phalle – seront dévoilés pour la première fois au public. Les vues de Lyon, quant à elles, n’avaient pour la plupart jamais été tirées et présentées.

Photo : Robert Doisneau. Tinguely -portrait de l’artiste, Paris 1959 © Atelier Robert Doisneau

Roue libre
un mouvement
de l’intérieur à l’extérieur,
d’une intériorité à une autre

Une troupe de rêveurs éveillés émerge des jardins, fontaines, prairies et forêts de Trévarez. Nymphe  alanguie, faune victorieux, samouraï désarticulé, dompteur de chevaux de bois… captifs le temps d’un cliché, ils livrent par bribe les secrets de leurs domaines intérieurs.

Sur l’invitation de l’équipe d’animateurs du foyer d’accueil spécialisé Ker Arthur de Châteauneuf-du-Faou, la comédienne Séverine Valomet et son complice le photographe Éric Legret, ont imaginé un dispositif mêlant images et mots. L’idée est de mettre en scène rêves et intériorités, avec les résidents présentant un traumatisme crânien, une lésion ou paralysie cérébrale.

Bien que contraint à l’immobilité ou à la lenteur, leur esprit roule à grande vitesse, foisonne de pensées et déborde d’imagination. Séverine Valomet a attrapé au vol les mots criés ou dits dans un souffle pour en faire des fantaisies poétiques, décalées, surréalistes.

Le projet artistique « Roue Libre » est né en 2019, suite à l’organisation d’une saison artistique organisée par la Quincaille (compagnie de théâtre et zone de ressources artistiques) dans le centre Ker Arthur. Autour de cette programmation de spectacles une envie forte de créer « quelque chose » ensemble et d’aller vers l’extérieur a émergé.

Le Domaine de Trévarez, associé au projet, présente à proximité de la chapelle les clichés réalisés en septembre 2020 dans le parc. Cette exposition fait écho à une autre série de photographies disséminées dans les rues de Châteauneuf-du-Faou et sur les cimaises de l’antenne de la Bibliothèque du Finistère à Plonévez-du-Faou (à partir de l’été 2021).

En partenariat avec le Centre Ker Arthur, la commune de Châteauneuf-du-Faou et l’antenne de la Bibliothèque départementale de Plonévez-du-Faou.
Ce projet est soutenu par la DRAC Bretagne, l’ARS de Bretagne dans le cadre du dispositif
« Culture-santé », et le Conseil départemental du Finistère dans la cadre du dispositif « Culture solidaire ».

“Roue libre” est une étape d’Une Traversée photographique en Bretagne qui regroupe une quinzaine d’initiatives autour de la photographie en 2021.
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MÉMOIRE DU MONDE DE L’UNESCO
La collection The Family of Man se compose de 503 photographies de 273 auteurs originaires de 68 pays, rassemblées par Edward Steichen pour le Museum of Modern Art de New York (MoMA).

Présentée pour la première fois en 1955, l’exposition se veut un manifeste pour la paix et l’égalité fondamentale des hommes à travers la photographie humaniste d’après-guerre. Les images d’auteurs tels que Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Dorothea Lange, Robert Doisneau, August Sander, Ansel Adams, … sont mises en scène d’une manière moderniste et spectaculaire.

Après un voyage autour du monde dans plus de 160 musées, la dernière version intégrale de l’exposition est installée en 1994 au Château de Clervaux de façon permanente.

Depuis sa création The Family of Man a attiré plus de 10 millions de visiteurs et entre ainsi dans l’histoire de la photographie comme exposition légendaire. Depuis 2003, elle fait partie des documents inscrits dans le registre de la Mémoire du Monde de l’UNESCO.

L’exposition permanente au château de Clervaux est ouverte:

de mercredi à dimanche de 12h à 18h
visites guidées possibles sur demande en dehors des horaires d’ouverture
(mercredi au dimanche)

Fermés les lundis et mardi, sauf jours fériés
Fermeture annuelle du 04.01.21 au 28.02.21

Le photographe finlandais Santeri Tuori porte son regard sur les paysages de l’île de Kökar, qui fait partie de l’archipel d’Åland.
Son oeuvre est connue en raison de l’intérêt porté aux propriétés de la nature et à ses changements.

Sa série d’images « Forest » est basée sur des années d’observation de motifs et d’endroits identiques (série en cours, depuis 2006) et sur la représentation répétée de ceux-ci. La surimpression et la superposition de négatifs individuels donnent naissance à de nouvelles images. Elles illustrent les métamorphoses naturelles et rendent le changement tangible. Les branches des arbres qui s’entremêlent, les sens dessus dessous des rameaux, les lignes qui se ramifient et le mélange confus de courbes et de méandres sont accentués par un jeu d’ombres et de lumières. Cet enchevêtrement pictural ressemble à un maillage organique de voies nerveuses, un réseau de fines artères et de veines qui vibrent. Ces images sont vivantes. Leur caractère pictural dépasse les qualités visuelles de la photographie. Le pouvoir du « moment décisif » est annulé. Le moment n’est qu’une partie d’un tout, en somme, une nouvelle oeuvre d’art complète d’une profondeur inhabituelle est créée.

L’effort pour définir la création artistique comme un processus et pour mettre consciemment en avant le facteur temps se reflète également dans son travail « Sky ». Si l’on considère le ciel comme une surface de projection pour une variété infinie de formations nuageuses, leurs mouvements et leurs changements ne peuvent s’expliquer que par le phénomène du temps.
Les photographies de Santeri Tuori font l’effet d’images d’un monde parallèle, d’un univers soumis à la loi du temps mais qui se meut et qui existe en dehors des paradigmes humains. « Sky » est une révélation pour les sens laissant beaucoup d’espace à l’imagination, et en même temps c’est une oeuvre photographique avec des caractéristiques philosophiques.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée au Schlassgaart, château de Clervaux

Sky © Santeri Tuori

Jardins de l’Abbaye de Daoulas l Du 1^er avril 2021 au 5 décembre 2021
Dans les jardins de l’Abbaye, le photographe Babak Kazemi revisite la légende, tragique et romantique, d’un triangle amoureux :  La fuite de Shirin & Farhad. Farhad, tailleur de pierre, et le roi Khosrow sont tous deux amoureux de la belle Shirin. Le roi, pour évincer Farhad, lui assigne une tâche insurmontable, celle d’ouvrir un chemin à travers une montagne. Farhad s’y attelle avec courage, montrant ainsi la force de son amour pour Shirin. Avec La fuite de Shirin & Farhad, Babak Kazemi offre une écriture moderne de l’un des plus grands textes classiques de la culture persane, « Shirin et Farhad » du poète Nezami Ganjavi (1175). Revisiter cette histoire d’amour par la photographie est un moyen détourné pour l’artiste d’évoquer les luttes actuelles de ceux qui doivent s’exiler pour retrouver l’amour et la liberté.

 ALICE AU PAYS D’IRAN
LES CAPTIFS 
 UN RAPPORT POUR D’ARCY
LE TEMPS DU PASSÉ CONTINUE  
4 SÉRIES DE PHOTOGRAPHIES DE BABAK KAZEMI
Ville de Daoulas l À partir du 1^er avril au 5 décembre 2021
Dans la commune, quatre autres séries de Babak Kazemi, Alice au pays d’Iran, Un rapport pour d’Arcy, Les Captifs et Le temps du passé continue donnent à comprendre, avec sensibilité et poésie, les espoirs d’un jeune photographe pour un monde en paix.

Babak Kazemi est né à Ahvaz en Iran en 1983. Il vit et travaille à Téhéran. Son œuvre, présente dans les collections de différents musées à Téhéran, est marquée par la guerre entre l’Iran et l’Irak et l’impact de la production de pétrole dans sa région natale. Il est représenté par la galerie Silk Road à Téhéran.

Les Balades photographiques de Daoulas sont une étape d’Une Traversée photographique en Bretagne qui regroupe une quinzaine d’initiatives autour de la photographie en 2021.
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Parcours photographique dans les jardins de l’abbaye et la ville de Daoulas

Un paysage, presque entièrement blanc, doux comme de la ouate. Des nuages, si épais et si lourds qu’aucun rayon de soleil ne les traverse. Une bande de neige. L’horizon s’estompe, il disparaît.

Où sommes-nous ?
Cela fait un peu penser au phénomène météorologique et non anodin du « blanc dehors ». En cas de sol enneigé et de forte couverture nuageuse, dans les régions montagneuses par exemple, peut apparaître une luminosité forte et diffuse, uniformément claire, et il nous est impossible de discerner des repères que sont les lignes du paysage, les ombres ou l’horizon.

Pourtant, nous disposons d’un point de repère, même s’il peut passer inaperçu au premier abord : Au centre de l’image – le point crucial de l’ensemble de la série de Donovan Wylie – l’œil perçoit une fine ligne dans un paysage autrement fait de nuages et de neige d’un blanc éclatant, presque monochrome. Il s’agit du « Lab1 » ou de Cap Kakiviak, une base militaire canadienne et américaine destinée à surveiller l’espace aérien et le trafic maritime à Terre-Neuve, au nord-est du Canada.

Les progrès technologiques et le développement de bombardiers et de missiles à longue portée ayant rendu les frontières arctiques du Canada vulnérables aux attaques après la Seconde Guerre mondiale, le Canada et les États-Unis se sont vus obligés de construire un réseau de stations radar le long des frontières nord du pays dans les années 1950. Ces systèmes ont finalement été améliorés dans les années 1990, pour devenir le « Système d’alerte du Nord », jouant un rôle de plus en plus actif au fil des ans.

Le voyage que Donovan Wylie entreprend en hélicoptère suit un plan élaboré. Le poste de surveillance sans personnel, construit aux frontières de la civilisation sur une chaîne de montagnes, et dont le rôle est de détecter des menaces invisibles, est visé lentement et stratégiquement contourné. Alors que la tour radar est toujours dans le point de mire et au centre de l’image, le paysage environnant change constamment ; les nuages se déchirent et révèlent des rochers, de la glace et des fjords glaciaires. Le calme apparent au milieu de ce paysage blanc est cependant trompeur – l’œil vigilant de la station militaire est dirigé vers nous et enregistre le moindre de nos mouvements.

Au cas où, toujours prêt.

Texte: B. Praun / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée dans le jardin de Lélise, montée de l’église

North Warning System © Donovan Wylie

« Enjeu de mémoire, le destin des “triangles roses” a longtemps été invisibilisé. Cette exposition entend rendre compte, grâce à de nombreux documents originaux, du sort des homosexuels et des lesbiennes sous le régime nazi, entre stigmatisation, persécution et lutte pour la reconnaissance. »
Florence TAMAGNE, commissaire scientifique de l’exposition
Maîtresse de conférences en histoire contemporaine à l’Université de Lille
Spécialiste de l’histoire de l’homosexualité

En 2021, pour la première fois en France, un musée d’histoire retrace de manière chronologique et thématique l’histoire de la persécution des homosexuels et lesbiennes sous le Troisième Reich en s’appuyant sur une riche sélection de documents pour la plupart jamais présentés en France.

Longtemps tabou, le destin des « triangles roses », s’il est, depuis une trentaine d’années, l’objet de recherches historiques de premier plan, reste encore méconnu du grand public. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, rares furent les hommes et femmes homosexuels à témoigner du sort qui fut le leur sous le régime nazi. En Allemagne, ils se virent nier le statut de victimes, du fait notamment du paragraphe 175 du Code pénal allemand, criminalisant les relations sexuelles entre hommes, qui resta en vigueur après 1945.

Ce n’est qu’à la faveur du mouvement de libération gay et lesbien des années 1970 que le sujet commença à être débattu, soulevant de nombreuses questions, constituant autant d’enjeux mémoriels : quelle fut la nature des persécutions ? Combien de personnes furent touchées ? Tous les homosexuels furent-ils visés ? Quel fut le sort des lesbiennes ? Quels furent les territoires concernés par la répression, notamment en France ? Comment honorer le souvenir des victimes ?

S’appuyant sur une variété de documents, la plupart jamais présentés en France, cette exposition se propose de répondre à ces multiples interrogations en replaçant la persécution des femmes et des hommes homosexuels sous le régime nazi dans un cadre géographique large – même si l’Allemagne et la France seront privilégiées – et dans le temps long.

Photo : Photographies anthropométriques de John Walter, déporté homosexuel, camp d’Auschwitz. Pologne, 08/1941 © Mémorial de la Shoah/Coll. Musée d’Auschwitz

Un immense terrain vague sépare les deux lieux : « Tibby », ou Tipton, et son cul de sac de maisons résidentielles qui entoure une petite aire de jeu, des gamins obligés de tendre leurs bras jusqu’au-dessus de leurs têtes pour pousser un landau, ou d’autres qui déboulent à vélos. Par une allée étroite on arrive au terrain vague, une étendue d’herbe bordée de mûres et d’orties. Des motos, scooters et quads rugissent, tous les jours et à toute heure, dans un vacarme assourdissant. Les gamins font la course jusqu’à cramer leurs machines, perfectionnant l’art de rouler sur une seule roue. Habituellement les chevaux, qui sont tout aussi populaires, sont gardés à l’arrière des jardins, ou dans les écuries du coin. Les filles se blottissent autour de petits feux malgré le soleil brûlant de l’été.
Sur le terrain adjacent on arrive au « Lost City Estate ». La plupart des gars s’y retrouvent devant les grilles de Jack Barrett’s, une clôture métallique plantée à l’entrée du champ. Sur leurs perchoirs ils se racontent des histoires, cigarettes et joints allumés, se donnant mutuellement le surnom affectueux de « Mush ». Ce qui m’attire dans cet endroit c’est sa communauté insulaire. Tout le monde se connaît. Les habitants, se sentant oubliés, ont eux-mêmes choisi le nom « The Lost City ». Avec peu de divertissements ou d’inspiration, en l’absence de modèles à suivre, ces jeunes se sentent effectivement perdus. La police leur livre bataille. Mon but est d’explorer les amitiés, un parlé et une tradition unique, propre à cette région et à ses habitants.

EXPOSITION EXTÉRIEURE, Gare SNCF de SÈTE

Children Power au Château de Rentilly prend le parti de s’intéresser à la façon dont les artistes ont pu, par l’image photographique ou vidéographique, représenter l’enfance et l’adolescence, cette période essentielle de la vie où l’on découvre le monde et au cours de laquelle on se construit. Dans cette perspective, une recherche a été effectuée au sein de collections publiques (Frac, Cnap, etc.) avec, d’emblée, une règle bien précise : ne retenir que les pièces où la présence de l’enfant – ou de l’adolescent – est résolument centrale.
Au-delà de la traversée de la représentation de l’enfant proposée –de la fin du XIXe siècle à nos jours–, qui permet tant de revisiter quelques icônes du genre, que de redécouvrir certains artistes pas assez reconnus, en résulte un dispositif très particulier : en son sein, le visiteur a l’étrange impression de se sentir cerné, scruté par les regards d’enfants qui habitent Le Château comme autant de fantômes. Si, de fait, cette présence n’est qu’illusoire – le propre de l’image photographique ou animée – et que de surcroît ces enfants et autres adolescents ne sont plus, ils occupent néanmoins avec force les espaces investis pour exercer leur immense pouvoir d’attraction.

Diane Arbus, Roger Ballen, Daniel Baracco, Joël Bartoloméo, Philippe Bazin, Christian Boltanski, Melanie Bonajo, Carlos Bosch, Pierre Boulat, Carina Brandes, Jean-Paul Brohez, Henri Cartier-Bresson, Daniel Challe, Henri Coldebœuf, Elaine Constantine, Julien Crépieux, Gabriel Cualladó, Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Robert Doisneau, Véronique Ellena, Ruud van Empel, Jacques Faujour, Charles Fréger, Aurélien Froment, Michel François, Julia Fullerton-Batten, Daan van Golden, Ali Hanoon, Bertrand Hosti, Sarah Jones, Richard Kalvar, Mikhail Karikis, Christian Kempf, Wiliam Klein, Oleg Kulik, Suzanne Lafont, Inez van Lansweerde, Helen Levitt, Martine Locatelli, Ken Lum, Robert Mapplethorpe, Maria Marshall, Sabine Meier, Laurent Montaron, Chloe Piene, Barbara Probst, Laurence Reynaert, Marc Riboud, Jens Rötzch, Édith Roux, Anri Sala, Margaret Salmon, August Sander, Françoise Saur, Collier Schorr, Assaf Shoshan, Malick Sidibé, Virgilijus Šonta, Larry Sultan, Pekka Turunen, Shoji Ueda, Janina Wick, Piet Zwart.

Photo : Elaine Constantine © droits réservés / Cnap

Comme des rencontres artistiques qui ont soudé Richard Avedon et Christian Dior ou encore Yves Saint Laurent et Helmut Newton, Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa ont trouvé un territoire commun où chacune de leur expression se veut le reflet de l’autre.
Sans mot dire, le photographe et le couturier se sont retrouvés dans l’affection pour le noir qu’ils cultivent de manière égale en tirages argentiques ou en aplats vestimentaires. Lindbergh ne cesse d’appeler le noir et le blanc pour signifier sa recherche d’authenticité des visages qu’il met en lumière. Alaïa puise dans le monochrome des vêtements intemporels, véritables sculptures pour le corps.
Chacun d’eux trouve alors cette impression de réalisme poétique qui magnifie les personnalités avant de satisfaire leur ambition créative.
Bien que de géographies opposées, Lindbergh et Alaïa ont cultivé des horizons proches.
Originaire de Duisbourg, une ville située en Allemagne qui regarde sans peine les Pays Bas, Peter Lindbergh a été formé à l’École d’Arts Appliqués de Krefeld. L’École d’Azzedine Alaïa est celle des Beaux-Arts au département des sculptures à Tunis où le couturier a grandi. Les façades blanchies à la chaux qui renvoient les ombres profondes de passants ont accompagné la Tunisie d’Alaïa. Les architectures que Duisbourg, ville industrielle et commerciale possède, servent de cadre au photographe autant que les plages néerlandaises qu’il fréquente. Tous deux partagent le goût pour les grands horizons qu’ils soient de Méditerranée ou du Nord, où parfois l’usage des noirs en aplats dialoguent en complicité.
Alors que Lindbergh se fait une réputation en Allemagne notamment grâce au magazine Stern, puis installe son studio à Paris en 1978, Alaïa est ce couturier pétri de discrétion dont les techniques sophistiquées s’échangent secrètement entre grandes clientes de haute couture. Bientôt ce garçon allemand épris de photographie noble et ce jeune homme d’origine tunisienne aux ciseaux éclairs écriront les plus beaux chapitres de la mode parisienne et française.
Avec presque simultanéité, Alaïa devient l’architecte des corps, les révèle et les découvre, Lindbergh les ennoblit en éclairant leur âme et leur personnalité. Pas à pas ils deviennent ces auteurs qui dominent leur discipline respective. Tous deux rejettent les artifices qui divertissent des vrais sujets et c’est sans effort qu’ils se retrouvent au gré de collaborations puissantes.
Comme il en est des plus grands qui feignent de ne pas s’obstiner, la simplicité est leur terrain de jeu.
Une plage au Touquet, les rues d’un vieux Paris indiquent des inspirations partagées pour le cinéma en noir et blanc et les panoramas étendus. Les sous pentes de métal d’une salle des machines, les bases de la tour Eiffel illustrent le souvenir d’un paysage industriel allemand chez l’un, renvoient au goût immodéré pour le design fonctionnel et l’architecture chez l’autre.
A travers les visages qu’ils participent à magnifier, ils réalisent leur grande oeuvre dans ce rapport étrange des disciplines qui tentent de se faire oublier pour mieux révéler l’autre.
Les vêtements d’Alaïa, selon les voeux du couturier lui-même doivent être les socles des sourires et des regards de celles, icônes et top-modèles qui les portent. Pour Lindbergh qui a construit sa notoriété sur l’image de ces grandes mannequins, seule l’authenticité d’un trait compte.
Tous deux auront été les grands artisans passionnés de leurs visages.
« Peu de mots suffisent pour qui sait comprendre » semble s’avouer le couturier et le photographe sur les images instantanées qui les réunissent. Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa y conversent avec le silence des clins d’oeil qui font des ententes amicales des oeuvres destinées.

« Ce que je cherche, c’est cet instant furtif où la photographie racontera le caractère de l’animal. Comme j’ai tenté de le faire avec la faune sauvage en éludant les approches naturalistes et en magnifiant mon sujet, j’ai envie de démontrer qu’il n’existe pas de frontières entre les animaux. Sauvage, de compagnie, d’élevage ou nuisible, l’animal reste un individu sensible, capable d’aimer, de détester, d’avoir peur et de souffrir. Ce sont les hommes qui créent des barrières psychologiques en nommant, classant, triant, et organisant selon leurs convenances et leurs intérêts. » explique Laurent Baheux.

Après un parcours dans la photographie de sport et d’actualité, Laurent Baheux choisit de consacrer son activité à la photographie de nature et dans la nature. Sa prise de conscience de la dégradation des habitats sauvages menacés par l’expansion des activités humaines et l’exploitation irraisonnée des ressources naturelles fut le point de départ d’une réorientation de son métier vers une démarche artistique engagée au service de la cause animale.
Depuis le début des années 2000, il voyage là où subsistent les espaces préservés et tente de témoigner des derniers vestiges d’un monde sauvage en sursis. Ses photographies sont exposées en galerie et lors de festivals, événements ou conférences, en France et à l’étranger.

Exposition pérenne.

L’exposition Regards croisés sur la nature fait dialoguer des pièces de la collection zoologique du Château-Musée de Saumur et des photographies de Magali Lambert, en détournant le principe des dioramas des Muséums d’Histoire Naturelle.

Fondé en 1829, le musée de Saumur est d’abord un « cabinet d’histoire naturelle ». Installé dans les combles de l’Hôtel de Ville, il s’enrichit de collections d’archéologie et de beaux-arts avant de d’emménager au château en 1912 pour devenir le Château-Musée que nous connaissons.
Les collections de sciences naturelles ont peu à peu disparu du parcours permanent. Elles reviennent aujourd’hui se faufiler dans les salles du château et les vitrines du musée grâce au travail de Magali Lambert.

Les animaux sont tournés vers les paysages photographiques, au lieu d’être tournés vers les spectateurs comme dans un diorama traditionnel.
Ils sont les premiers visiteurs du musée, ils sont les regardeurs, les porteurs de nos propres interrogations.

Ces mises en scène évoquent le besoin d’évasion, de retour à la nature, sur un ton parodique. Le vivant côtoie l’inerte. Il est à la fois immobilisé et immortalisé par la photographie et la taxidermie. Les temporalités se superposent, les objets du XIXe siècle entrent dans des photographies du XXIe siècle. Contemplatifs ou en action, les animaux se mêlent aux images sous forme de dioramas contemporains agissant comme autant de Memento Mori.

Au cœur du Château de Mézières et de ses inestimables papiers peints, l’insignifiant prend place à l’occasion de la nouvelle exposition du musée. Cette surprenante confrontation questionne nos relations à la richesse par la photographie de lieux invisibles à nos yeux. Au travers
de l’industrie, de la ruralité et de l’urbanité, David Bard, Joël Tettamanti et Jean-Marc Yersin tentent de démontrer l’incroyable fascination que peut susciter la découverte de ces territoires oubliés. Défiant les préjugés par l’immédiateté de leurs sujets, notre regard ne peut qu’en être bouleversé…

DAVID BARD
curateur de l’exposition – architecte
La photographie est pour lui un moyen de révéler la force expressive de ses réflexions sur la matière brute et l’immédiateté.

JOËL TETTAMANTI
photographe
Il propose une démarche singulière traduisant l’observation distanciée de la coexistence de la nature et de l’architecture.

JEAN-MARC YERSIN
photographe
Ancien co-directeur du Musée suisse de l’appareil photographique de Vevey et parmi les fondateurs du Festival Images en 1995, il reprend aujourd’hui sa recherche d’un temps oublié.

La situation sanitaire nous a contrains à annuler les dates de la 13ème édition du rendez- vous de la photographie documentaire ImageSingulières, qui devait se tenir à Sète du 12 au 30 mai 2021. Mais la programmation des expositions, que nous avons préparée avec cœur et exigence, est maintenue et redéployée de juillet 2021 à avril 2022.
L’occasion de débuter notre mutation et d’anticiper sur l’annonce du changement de nom de notre actuel espace à l’année « La Maison de l’Image Documentaire ». En effet, avec un espace agrandi au rez-de-chaussée et avant le lancement de travaux de restructuration qui sont à l’étude auprès de François Commeinhes, Maire de Sète, nous pouvons dorénavant présenter deux expositions ainsi qu’une installation sur la façade et organiser des projections et des rencontres dans la cour.
C’est donc au « Centre photographique documentaire – ImageSingulières » que démarre la programmation du festival 2021 le 3 juillet, avec deux à trois expositions tous les deux mois, des rencontres, des projections, et toutes les actions que nous menons habituellement tout au long de notre saison culturelle. Nous remercions chaleureusement les photographes, les partenaires et nos publics pour leur confiance et leur engagement, et vous donnons rendez- vous pour une folle saison photographique à Sète !
Cet été singulier débute avec les portraits saisissants de jeunes adolescents du nord de l’Angleterre de Laura Pannack qui investissent la gare SNCF de Sète dès la mi-mai et jusqu’en avril 2022. Au nouveau Centre photographique documentaire – ImageSingulières, au rez-de-chaussée que nous occupons pour la première fois, la résidence 2021 confiée à Hugues de Wurstemberger promet un voyage poétique redessinant le portrait de la ville et de ses alentours. À l’étage, c’est l’Allemagne de Ute Mahler, celle d’avant la chute du Mur, avec des images de rues, des intérieurs aussi, qui dévoile un panorama de la vie privée en ex-RDA d’une infinie délicatesse. Tendance Floue retrace les 30 années du collectif à travers une imposante fresque murale inspirée de son film POESIS, installée sur la façade extérieure. Nous présentons aussi, au Musée Ethnographique de l’Étang de Thau, à l’occasion du centenaire Brassens, le travail de Clémentine Schneidermann, qui lors de sa résidence en 2020 était partie sur les traces du poète chanteur.
C’est ensuite une rentrée en Grand Prix avec les expositions des lauréats 2019 et 2020 du Grand Prix ISEM : Romain Laurendeau, pour une dramatique plongée dans l’univers de la drogue chez les jeunes Palestiniens de Cisjordanie et Christian Lutz avec un projet sur la montée des nationalismes dans la vieille Europe.
Puis, l’honneur est fait aux femmes photographes avec le remarquable travail de Marylise Vigneau « Article 19 », autour d’une loi qui porte atteinte à la liberté de parole au Pakistan, et à la décapante chronique familiale de la jeune photographe argentine Cecilia Reynoso.
L’environnement est au cœur des préoccupations des deux expositions présentées début 2022. La série « Oil and Moss » de Igor Tereshkov, témoigne des ravages de l’industrie pétrolière au cœur de la Russie dans le district autonome des Khantys-Mansis, et « Bastard Countryside » de Robin Friend explore le paysage britannique par métaphores représentant la façon dont notre mode de vie moderne détruit la planète.
Pour terminer la saison, nous exposons le travail de Panos Kefalos sur les jeunes migrants afghans d’Athènes et celui de Ioana Cîrlig qui nous livre un tendre portrait de sa Roumanie post-industrielle.
L’année est également ponctuée de rendez-vous, de rencontres et de projections mais aussi de workshops, de signatures de livres…
Gilles FAVIER, cofondateur et directeur artistique
Valérie LAQUITTANT, cofondatrice et directrice

EXPOSITIONS AU CENTRE PHOTOGRAPHIQUE DOCUMENTAIRE – IMAGESINGULIÈRES
(Ex Maison de l’Image Documentaire – MID)
3 JUILLET > 5 SEPTEMBRE 2021
> Hugues de Wurstemberger / SÈTE #21
> Ute Mahler / ZUSAMMENLEBEN
> Tendance Floue / POESIS
16 SEPTEMBRE > 7 NOVEMBRE 2021
> Christian Lutz / CITIZENS
> Romain Laurendeau / MISTER NICE GUY
18 NOVEMBRE 2021 > 2 JANVIER 2022
> Cecilia Reynoso / THE FLOWERS FAMILY
> Marylise Vigneau / ARTICLE 19
13 JANVIER > 3 MARS 2022
> Robin Friend / BASTARD COUNTRYSIDE
> Igor Tereshkov / OIL AND MOSS
17 MARS > 1ER MAI 2022
> Panos Kefalos / SAINTS
> Ioana Cirlig / POST-INDUSTRIAL STORIES

EXPOSITIONS HORS-LES-MURS
MAI 2021 > AVRIL 2022
> Laura Pannack / THE CRACKER – Gare SNCF de S te
JUIN > AOUT 2021
> ClÉmentine Schneidermann/ SETE#20 – Musée Ethnographique de l’Étang de Thau, Bouzigues

Photo : © Robin Friend

Anita Conti, pionnière de l’océanographie, relieuse d’art, grande photographe et écrivain, a sillonné les mers froides et tropicales sur des bateaux de pêche. Toute sa vie, elle n’a de cesse de questionner le rapport des hommes à la mer. Rien d’étonnant alors qu’elle se soit attachée à la Bretagne. De son premier bain en pleine mer âgée de quelques semaines à peine en 1899 à son ultime voyage presque un siècle plus tard, cette exposition explore les différents liens d’Anita Conti avec la Bretagne. A partir de ses archives et photographies conservées à Lorient, l’exposition mène le visiteur d’embarquement en embarquement, de photographie en poème et livre le regard d’une femme exceptionnelle sur l’océan, les bêtes et l’homme.

Informations pratiques
Hôtel Gabriel, enclos du port, Lorient, du 3 juillet 2021 au 2 janvier 2022, entrée gratuite
Du 3 juillet au 30 septembre 2021 : tous les jours de 10h à 12h30 et de 13h30 à 18h (sauf le lundi matin)
Du 1er octobre 2021 au 2 janvier 2022 : du mardi au dimanche de 14h à 17h30

La photographe Aglaé Bory est la lauréate de la première Résidence Ruralité(s), initiée par le Festival Photo La Gacilly en partenariat avec Les Champs Libres. La série photographique issue de son travail en immersion sur le territoire breton est présentée simultanément aux Champs Libres et au Festival Photo de La Gacilly.

L’œuvre d’Aglaé Bory, dans laquelle le portrait est central, interroge notre humanité et notre relation intime au paysage, qu’il soit géographique ou humain, métaphorique, réel ou fictif. Lors de cette résidence, elle explore la figure, réelle et symbolique, de la ligne d’horizon, cet espace où l’intériorité des habitants peut prendre corps.

Entre Pays Bigouden et Monts d’Arrée
L’exposition présentée en salle Anita Conti présente plusieurs séries photographiques réalisées en Bretagne : L’Equipage, galerie de portraits sonores d’habitués d’un bistrot de Penmarc’h ; Les Mois Noirs, un portrait du Pays Bigouden, ses habitants et ses paysages, ses travailleurs de la pêche et sa jeunesse ; et Les Enchanteurs, série inédite réalisée pour l’occasion, qui part sur les traces de l’Ankou à travers les Monts d’Arrée. Quant aux 11 courts épisodes de Pause photographique, série documentaire d’Arte, ils reviennent, de Vladimir Poutine à Zinedine Zidane, sur le travail de portraitiste pour la presse mené par le photographe pendant une dizaine d’années.

A l’issue de l’exposition, 35 photographies de Stéphane Lavoué seront acquises par le Musée de Bretagne et viendront enrichir ses collections photographiques contemporaines.

Des visages connus, des noms… Tout au long de sa carrière, Daniel Angeli, objectif à la main, a su capturé les clichés des plus grandes icônes françaises et internationales. Johnny Hallyday, Romy Schneider, Simone Veil, Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot, Mick Jagger… Du 7 août au 30 janvier 2022, le toit de la Grand Arche accueille le travail incroyable du paparazzi français de légende et photographe des stars. Venez découvrir la carrière de Daniel Angeli à travers ses nombreux clichés témoignant d’une toute autre époque.

Pour la première fois, et dans un format inédit, cinq œuvres certifiées seront mises en vente en NFT (non fungible tokens ; certificats de propriété associés à un objet numérique).

Ouvert tous les jours de 10h à 19h

J’ai décidé d’être heureux parce que c’est bon pour la santé
Voltaire

Peut-on mettre le bonheur en pilule ? Happy Pills est une investigation sur cette quête éperdue du miracle chimique.

Durant cinq années, le journaliste Arnaud Robert et le photographe Paolo Woods ont parcouru le monde à la recherche des Happy Pills, ces médicaments qui chacun répare une blessure humaine, ces molécules qui font bander, travailler, agir, ces formules qui permettent aux dépressifs de ne pas totalement sombrer, ces antidouleurs que les travailleurs pauvres avalent pour avoir la force de nourrir leur famille.

Du Niger aux États-Unis, de la Suisse à l’Inde, d’Israël à l’Amazonie, Big Pharma déploie aujourd’hui les outils de la science, du marché et de la communication pour offrir à certains une réponse standardisée à la quête du bonheur, longtemps apanage des religions, des philosophies ou même du politique.

Le motif de la pilule – qui court dans l’inconscient collectif et la pop culture (d’Alice au pays des merveilles à Matrix) – exprime une réponse quasi-magique aux faiblesses, aux mélancolies, aux inacceptables limitations de la condition humaine. La promesse de transformation et de guérison par la chimie offre la métaphore la plus parfaite d’une société prométhéenne qui ne croit qu’en l’efficacité, la puissance, la jeunesse et la performance. Une société où l’apparence du bonheur vaut presque mieux que le bonheur lui-même, où la représentation s’impose au réel.

Ancien co-directeur du Musée suisse de l’appareil photographique, Jean-Marc Yersin a d’abord été photographe professionnel. Il est retourné depuis 2018 à sa passion première, poursuivant un cycle d’images dont il avait eu l’inspiration trente ans plus tôt. Il cadre en noir et blanc des structures autoroutières, des usines, des constructions de montagne. Les compositions sont géométriques, contrastées, d’une netteté tranchante. Les photographies montrent le conflit entre le bâti et les paysages de l’Arc lémanique, du Rhône, des Alpes. Elles se projettent aussi imaginairement dans l’avenir. Voilà à quoi ressembleront, nous suggère Jean-Marc Yersin, les grands ouvrages d’art et les architectures industrielles dans plusieurs décennies. Cet inventaire d’un territoire en devenir est magnifié par l’œil rigoureux du photographe et son art du tirage.

En mai 2020, Les Filles de la Photo lancent la première édition du Mentorat, sous l’impulsion de Véronique Prugnaud, Julie Champin et Corinna Schack. Cette action fait suite à l’étude menée dans le cadre de « L’Observatoire de la « mixité » des Filles de la Photo soutenue par le ministère de la culture. L’un des éléments révélés par l’enquête menée en 2019-2020 était notamment les disparités observées sur le parcours de reconnaissance des femmes et des hommes photographes. Ce programme est un accélérateur de carrières dédié aux femmes photographes dans le but de les accompagner dans la réalisation de leurs projets et le développement de leur parcours. Il est ouvert à toutes les femmes photographes professionnelles sans limite d’âge. Un jury composé de 10 marraines, représentantes des divers métiers de la photographie sélectionne 5 lauréates. Les photographes sont accompagnées par leur binôme pendant 15 mois jusqu’à la restitution.
Cette exposition présente trois des cinq lauréates : Amélie Chassary, Elsa Leydier et Juliette-Andréa Elie.

La Biennale Photoclimat
La première édition de Photoclimat, Biennale sociale et environnementale de photographie de Paris, aura lieu du 18 septembre au 17 octobre 2021.
Au programme : un parcours d’expositions réunissant plus d’une trentaine d’artistes internationaux engagés ainsi que les acteurs majeurs de l’engagement écologique en France.
ONG, associations, fondations – pour sensibiliser le public, notamment les jeunes générations, à l’urgence de la question climatique.
Des expositions éco-conçues, à ciel ouvert et en accès libre dans de multiples lieux de la capitale et dans des institutions du Grand Paris.

Permettre au passé de parler, c’est un peu le cheminement que propose Jim Naughten dans ses séries Hereros (2013) et Mountains of the Moon (2018). Cette parole, bien que documentée ne repose pas sur un regard ethnologique qui permettrait de capturer la vie de tous les jours des êtres photographiés. Jim Naughten raconte la complexité du passé qui s’entremêle au présent en brassant nos imaginaires. Ainsi les deux séries présentées par la Galerie Confluence jouent sur les couches d’histoires, de domination et de fantasmes qui recouvrent nos idées de tissus chamarrés et de blanc d’Espagne.

«Ces portraits ne sont pas conçus comme un témoignage conventionnel de la culture Herero. Ils ne capturent pas le sujet dans un instantané de la vie quotidienne, ni avec des objets typiques de la routine ou du statut social. L’identité du sujet en tant que membre de la tribu Herero est retranchée dans ses vêtements et son regard, les couleurs vives étant mises en valeur par contraste avec le décor. En composant ces portraits avec le paysage namibien – un paysage d’une intensité impitoyable mais aussi un témoin silencieux – il y a une vivification qui prend place dans un moment autrement figé. L’espace immobile, un regard direct, les vêtements réappropriés se combinent pour créer une immobilité qui permet au passé de parler.» Jim Naughten.

«Chaque image de la série Hereros, représentant un portrait d’un membre de la tribu Herero de Namibie, révèle une culture matérielle qui témoigne du passé tumultueux de la région : les habitants portent des robes de l’ère victorienne et des costumes paramilitaires, conséquence directe et documentée de la colonisation allemande du début du XXe siècle. Les frontières de la Namibie englobent le plus vieux désert du monde. La géographie de la Namibie a été le témoin d’une histoire turbulente et peu documentée de peuplement humain, de bouleversements et de guerres, dans le cadre d’une période particulièrement brutale de colonisation européenne. Chaque membre de la tribu pose ainsi dans ce paysage sans âge.
Dans la course européenne à la colonisation de l’Afrique, l’Allemagne du Kaiser Wilhelm revendique l’un des environnements les moins peuplés et les plus hostiles de la planète. C’est devenu la Deutsche Sudewest-afrika. Bien que faiblement peuplé, il abrite déjà les peuples San, Nama et Herero. Des missionnaires rhénans entreprennent de les convertir et de les habiller à la mode européenne. Au fil du temps, cela est devenu une tradition herero, et continuer à s’habiller de cette manière était une grande source de fierté pou celui qui le portait. »
Traduction du texte de Mia Rae Oppenheimer

Jim Naughten est un artiste qui explore les sujets historiques et l’histoire naturelle en utilisant la stéréoscopie. Le travail de Naughten a été largement présenté dans des expositions à travers l’Europe et les États-Unis, y compris des expositions personnelles au Imperial War Museum, au Horniman Museum, et une exposition à venir à la Wellcome Collection (2022), ainsi que des expositions collectives à la Royal Academy of Art et à la National Portrait Gallery à Londres. Ses œuvres font partie des collections du Museum of Photographic Art de San Diego, de l’Imperial War Museum (Royaume-Uni), du Museum of Art de Houston, du Museum of Honolulu et de collections privées aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Europe et en Amérique du Sud. Il a été nominé pour le Prix Elysee 2016 et sélectionné pour le prix Vevey Images 2012.

En 2001 et en 2017, le Museum of Modern Art de New York (MoMA) faisait l’acquisition de plus de 350 photographies provenant du collectionneur suisse Thomas Walther. Cet ensemble, qui constitue aujourd’hui un des piliers de la collection moderne du MoMA, est présenté pour la première fois hors de New York, dans une exposition rassemblant environ 230 images.

Comprenant des oeuvres iconiques de la premiere moitié du XXe siècle, l’ensemble permet d’écrire une histoire des avant-gardes photographiques européennes et américaines. À travers les oeuvres d’une centaine de photographes, de Berenice Abbott à Karl Blossfeldt, de Claude Cahun à El Lissitzky, d’Edward Weston à André Kertész, entre chefs-d’oeuvre et images moins connues, la collection retrace l’histoire de l’invention de la modernité en photographie. Mêlant les genres et les approches (architecture et vues urbaines, portraits et nus, reportages, photomontages et experimentations…), l’exposition explore les réseaux artistiques de l’Entre-deux-guerres, du Bauhaus au Paris surréaliste, en passant par Moscou et New York. Par sa radicale invention visuelle, l’ensemble rend enfin parfaitement compte de l’esprit d’utopie de ceux qui voulaient changer les images pour changer le monde et fait pleinement comprendre les propos du photographe et théoricien Lazlo Moholy-Nagy qui, il y a maintenant un siècle, affirmait que « l’analphabète du futur ne sera pas l’illettré mais l’ignorant en matière de photographie ».

Commissaires : Sarah Meister et Quentin Bajac.
La Manufacture Jaeger-LeCoultre et la Fondation d’entreprise Neuflize OBC ont choisi d’apporter conjointement leur soutien à l’exposition.
Avec la complicité de la Fondation Louis Roederer.

En résonance avec l’exposition “Exercice de styles” présentée en 2019 en partenariat avec le Centre National des Arts Plastiques et le réseau Diagonal, le Carré Amelot propose de prendre un peu de recul et de prendre le temps d’explorer d’autres facettes de la création photographique du 20e siècle.

Les photographies présentées dans cette exposition sont organisées autour d’un abécédaire non exhaustif. Chaque lettre conduit à un mot. Chaque mot nous invite à réfléchir et observer l’image d’un certain point de vue.

Artistes exposés : John Coplans, Richard Dumas, Muriel Bordier, Stéphane Couturier, Malick Sidibé, Gilbert Garcin, Keiichi Tahara, Willy Ronis, Lewis Baltz, Guy Le Querrec, William Klein…

En partenariat avec l’Artothèque de Vitré Communauté

Le parcours de Vivian Maier (New York, 1926 – Chicago, 2009) est atypique mais c’est pourtant celui d’une des plus grandes photographes du XXe siècle. C’est au cœur de la société américaine, à New York dès 1951 puis à Chicago à partir de 1956, que cette gouvernante d’enfants observe méticuleusement ce tissu urbain qui reflète déjà les grandes mutations sociales et politiques de son histoire. C’est le temps du rêve américain et de la modernité surexposée dont l’envers du décor constitue l’essence même de l’œuvre de Vivian Maier. L’exposition permet au public d’accéder pour la première fois à des archives inédites de la photographe, découvertes en 2007 : photographies vintages que Vivian Maier a pu tirer, films super 8 jamais montrés, enregistrements audio… L’exposition permet ainsi de saisir toute l’ampleur de l’œuvre de cette grande artiste et de replacer son œuvre dans l’histoire de la photographie.

Anne Morin, commissaire d’expositions et directrice de diChroma photography

Delphine Balley développe depuis plus de vingt ans une pratique de la photographie et de la vidéo. L’exposition Figures de cire est pensée comme un voyage à travers le temps et le vernaculaire. Elle regroupe un ensemble narratif composé de trois projections, Le Pays d’en haut, Charivari et Le Temps de l’oiseau, d’une suite de tirages photographiques et d’un travail sculptural. En embrassant le huis-clos du portrait de famille et la tradition de la peinture de genre, Delphine Balley dresse un portrait d’une rigidité humaine universelle, répondant au temps de pose prescrit par la photographie à la chambre. Elle met en correspondance le vivant et le figé, l’informe et le stable, le vrai et le faux.
Figures de cire sonde le dysfonctionnement des rites et les représentations sociales et invite le visiteur à prendre place à son tour dans la procession, dans une architecture symbolique fictive et un récit lacunaire dans lequel les cérémonies du mariage et de l’enterrement se confondent.
Delphine Balley narre l’apparition et la disparition, le cycle de la vie dont les motifs et reliques perdurent, eux, au passage du temps.
Commissaire : Agnès Violeau

Photo © Delphine Balley, Faire les morts, 2019 – Série Figures de cire

L’exposition collective « L’image et son double » au Centre Pompidou rassemble des oeuvres nées d’une réflexion sur une des propriétés principales – sinon la première – de la photographie : la reproduction.
Faisant dialoguer des oeuvres photographiques historiques et contemporaines, cette exposition offre un éclairage sur la nature même de la photographie, ses spécificités, et ses liens fondamentaux avec les autres disciplines artistiques.
« L’image et son double » présente une soixantaine d’oeuvres issues de la collection du Centre Pompidou, et regroupe une vingtaine d’artistes internationaux, parmi eux : Pierre Boucher, Man Ray, Raoul Ubac, Constantin Brancusi, Berenice Abbott, Hirofumi Isoya, Miklos Erdely, Timm Ulrichs, Paolo Gioli, Sara Cwynar, Kanji Wakae, Wallace Berman, Bruno Munari, Pati Hill, Eric Rondepierre, Susan Meiselas, Claudia Angelmeier ou encore Philipp Goldbach. Plusieurs des oeuvres présentées ont été acquises récemment, notamment grâce au Groupe d’Acquisition pour la Photographie (GAP) du Centre Pompidou.
Empreinte du réel, la photographie reproduit, mécaniquement et chimiquement, ce qu’elle a devant elle.
Grâce au négatif et aux techniques numériques, elle peut être démultipliée à l’infini. Fascinés par le principe, les mécanismes, et les conséquences de la reproduction photographique, certains artistes ont placé cette notion au coeur même de leurs oeuvres. La reproduction devient alors le sujet de l’oeuvre. Au moyen de dispositifs divers, ces artistes contestent, chacun à leur manière, l’apparente simplicité de cette action de reproduction.
Conscients des enjeux liés à la multiplication des représentations visuelles – renforcée depuis l’avènement du numérique – , ils dévoilent les utopies comme les dysfonctionnements des processus de répétition et de copie. Interroger la reproduction, c’est aussi, dès lors, repenser l’identité de l’auteur et son autorité.
Cette fascination pour l’idée comme pour l’esthétique formelle de la reproduction révèle aussi, parfois, un rapport obsessionnel au réel, et à sa possession, fantasmée, par l’image. Accumulations, collections, mais aussi morcellements photographiques des objets et des corps permettent de satisfaire, un temps, cette frénésie.

Photo : Sara Cwynar. Girl from Contact Sheet II, 2013 © All rights reserved Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/ Audrey Laurans/Dist. RMN-GP

Hangar présente la première rétrospective en Belgique du photographe anglais Martin Parr (°1952). Cette exposition retrace quarante années de la carrière de l’artiste à travers 15 séries emblématiques. Plus de 400 images colorées et décalées, drôles et ironiques, s’étendent sur les trois étages du Hangar.
Satyre des temps modernes, Martin Parr est considéré comme l’un des représentants les plus importants de la photographie documentaire contemporaine et un des photographes les plus célèbres au monde. « Chroniqueur de notre temps » (disait Thomas Weski), il scrute le monde d’un regard espiègle et réalise des images étranges, souvent exagérées ou grotesques et aux couleurs criardes.

Associé à l’humour typiquement anglais, il photographie – parfois de manière impitoyable – la société occidentale, façonnée par la consommation de masse, une économie imprévisible et les disfonctionnement poli- tiques. En plus des œuvres de séries célèbres telles que The Last Resort, Think of England, Luxury et Common Sense, l’exposition comprend également ses premières séries : Bad Weather ou Non Conformists.

Jusqu’aux conquêtes romaines et germaniques, les îles Britanniques ainsi qu’une grande partie de l’Europe occidentale étaient celtiques. Seules les régions situées aux extrémités nord-ouest du continent résistèrent à l’emprise romaine et préservèrent ainsi leur langue et leur culture. Elles constituent aujourd’hui les six nations celtes reconnues officiellement par la Ligue Celtique : la Bretagne, les Cornouailles, l’Écosse, l’Île de Man, l’Irlande et le Pays de Galles. « Six Pays, une seule âme » telle est la devise de la Celtie entretenue avec ferveur !
Au-delà de leur communauté linguistique et culturelle, les terres celtes ont bien d’autres similitudes. La préservation de la beauté sauvage de leur littoral battu par des vents fougueux est la plus saisissante. Les arrière- pays riches de sites archéologiques qui mêlent avec délice l’histoire et la légende en composent un autre chapitre emblématique. Les mers celtes partagent aussi des myriades d’îles et de récifs, ultimes sanctuaires pour une faune marine d’une exceptionnelle diversité. Sauvegarder ce patrimoine inestimable est une priorité assumée depuis fort longtemps par la grande majorité des habitants, auxquels il convient de rendre hommage.

Ne cherchons pas le fil conducteur de cette exposition. Laissons nous guider par la seule sensibilité de son auteur. Chaque photo est autonome, même si parfois elle appelle la suivante. Les premières expriment la tonalité mystérieuse des terres celtes. Ensuite, les régions, les paysages, les châteaux, les phares et balises, les faunes terrestres ou marines se croisent et s’entrecroisent en toute liberté. Loin du reportage, cette balade nature est une invitation à se projeter dans la magie celte sans contrainte.
Mon vœu le plus cher est de donner quelques instants de plaisir aux visiteurs et de leur suggérer quelques prochaines escapades dans ces terres celtes si chères à nos cœurs.

Photographe paysagiste et animalier, Philippe Decressac parcourt depuis près de 40 ans les grands espaces terrestres et sous-marins sous toutes les latitudes. Il a publié onze ouvrages photographiques, dont «Terres Celtes» en 2018.
Son dernier et volumineux livre «Paysages et faunes remarquables, de l’Arctique à l’Antarctique », dans le même esprit que les précédents, nous invite à un grand voyage nature, terrestre et sous-marin, sur les cinq continents.

Accès libre au public 24H sur 24 Eclairage nocturne

Depuis le début de cette pandémie du Covid-19, nous rêvons de retrouvailles, de fêtes et de légèreté.
La 18ème édition des Photaumnales sera donc festive, colorée et internationale.
La programmation propose un vaste panorama autour des fêtes privées et familiales, des fêtes traditionnelles et religieuses et des fêtes exutoires de la nuit, qui se développera au Quadrilatère à Beauvais, et dans l’ensemble des lieux partenaires répartis sur l’ancienne région Picardie.
Cette année, le festival invite également pour une carte blanche The Anonymus Project qui nous plonge dans les photographies d’amateurs des fêtes familiales, ainsi que la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine qui nous fait découvrir cette thématique à travers les grands noms de l’histoire de la photographie.
Pour cette édition, la photographie thaïlandaise est mise à l’honneur dans un parcours à la fois historique et contemporain avec des artistes importants de ce pays.
Le festival affirme toujours sa volonté d’être présent partout sur le territoire et plus particulièrement dans les communes rurales et y déploie dans des lieux parfois atypiques, les expositions des artistes invités en résidences de création tout au long de l’année.
Enfin la thématique autour de la jeunesse trouvera sa place dans la ville d’Amiens à travers des expositions dans des lieux culturels et dans des lycées, qui croisent une grande diversité d’approches photographiques.

• À BEAUVAIS

* Le Quadrilatère – du 16 octobre 2021 au 2 janvier 2022
C’EST LA FÊTE !

– Les fêtes Jeanne Hachette de Beauvais
Fonds photographiques de Fernand WATTEEUW,
Charles COMMESSY et autres photographes, conservés aux Archives départementales de l’Oise.
Commissariat : Francis Dubuc

– Le carnaval
Invitation du Château Coquelle de Dunkerque sur le carnaval (1993)
DAHOU et Jean-Marc ZAORSKI
Pascale SÉQUER Bateau ivre

Myriam BOULOS Nightshift
Maciej DAKOWICZ Cardiff After Dark
Olivier DEGORCE Plastic dreams
Laurent GUENEAU Blue Hawaï
Nick HANNES
Tom JANSSEN Parade
Cyril PORCHET Reina
François PROST After Party
Gintarė RAKICKAITĖ-KLIMIENĖ Three Quarter (vidéo)
Nick WAPLINGTON The Wedding

– La fête avec The Anonymous Project
Commissariat : Lee Shulman
Exposition de photographies anonymes
Kodachrome des années 50 et 60 sur le thème de la fête.

– La fête dans la collection de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP)
Commissariat : Matthieu Rivallin
John BATHO Manèges
Marcel BOVIS Fêtes foraines
François KOLLAR Les tables de fêtes
Jacques-Henri LARTIGUE Mariage de Jean-Michel
Jarre – fêtes des casinos
François LE DIASCORN Fêtes des arbres – Semaine
sainte en Espagne
Dolorès MARAT
Émile MULLER Fêtes de Noël dans les années 1950
Bruno RÉQUILLART Carnaval de Bench
Willy RONIS
Frères SÉEBERGER Fête des fleurs

– Panorama de la photographie thaïlandaise
Dans l’eau il y a des poissons dans les champs il y a du riz
Thaïlande, une rétrospective
Commissariat : Stéphane Damant
Partenaire : la galerie Kathmandu à Bangkok

I / The Old Masters
Chitt CHONGMANKHONG
Saengjun LIMLOHAKUL
Pornsak SAKDAENPRAI
II / L’Artiviste
Manit SRIWANICHPOOM
III / La Thaïlande telle quelle
Viriya CHOTPANYAVISUT In State of flux
Lek KIATSIRIKAJORN Flowing Through
The Wreckage of Despair
Miti RUANGKRITYA A Convenient hold up &
A Convenient sunset
Harit SRIKHAO Mt Meru
Prateep SUTHATHONGTHAI Holly Production,
Kawita VATANAJYANKUR The Scale II

PANORAMA SUR LE TERRITOIRE

* Place au cirque !
Commissariat : Marie-Bénédicte Dumarteau
L’exposition réunit des œuvres du musée et des photographies historiques et contemporaines pour nous faire revivre la magie du cirque à travers le regard de quelques-uns de ses meilleurs ambassadeurs.
> au MUDO – Musée de l’Oise
> du 6 novembre 2021 au 23 janvier 2022
Rhona BITNER, Marcel BOVIS, Paul DE CORDON, Robert DOISNEAU, André KERTÉSZ, Tina MERANDON, Gaston PARIS, Roger PARRY, RENÉ-JACQUES (René Giton dit), Frères SÉEBERGER, François TUEFFERD, André ZUCCA

* Carte blanche au magazine Fisheye
> Grilles de la cathédrale
> du 16 octobre 2021 au 2 janvier 2022

• À CLERMONT

– Carte blanche aux festivals partenaires Kaunas Photo festival (Lituanie) Photolux festival – Lucca (Italie) Rencontres internationales de la photographie en Gaspésie (Québec)
> à l’Espace Séraphine Louis
> du 18 septembre au 7 novembre 2021
Romualdas POŽERSKIS Lithuanian Pilgrimages (LT)
Serge-Olivier RONDEAU Grand National (QC)

• À NOYON
> au Théâtre du Chevalet
> du 6 octobre au 24 décembre 2021
Arne PIEPKE

• À RÉMÉCOURT
> à l’église de Rémécourt
> du 22 octobre au 3 décembre 2021
Cédric MARTIGNY
Commande pour les 60 ans du Pays du Clermontois

• À THOUROTTE
> à l’Espace culturel
> du 28 septembre au 27 novembre 2021
(en cours de programmation)

• À CHAUMONT-EN-VEXIN
> dans le parc de la Foulerie
> à partir du 18 septembre 2021
Romain CAVALLIN
Résidence de création dans le cadre des contrats « culture-ruralité »

• À CREIL
> à L’Espace Matisse
> du 5 novembre au 17 décembre 2021
Tomas van HOUTRYVE Lines and lineage

• À SAINT-ERME
> sur le parking de l’Intermarché
> à partir du 18 septembre 2021
Stéphanie LACOMBE
Résidence de création dans le cadre des contrats « culture-ruralité »

• À VENDEUIL-CAPLY
> au Musée archéologique de l’Oise
> du 18 septembre au 5 décembre 2021
Martin BECKA
Résidence de création dans le cadre des contrats « culture-ruralité »

REGARD SUR LA JEUNESSE

• À AMIENS
– Lycéen, t’es qui ?, portraits de lycéens en région Picardie réalisés entre 2010 et 2018 par 15 photographes accueillis en résidence de création au sein de lycées de la région.
> à la Maison de la Culture
> du 9 novembre 2021 au 20 février 2022
Marie-Noëlle BOUTIN, Luc CHOQUER, Olivier CULMANN, Denis DARZACQ, Dominique DELPOUX, Claudine DOURY, Philippe GUIONIE, Awen JONES, Yannick LABROUSSE, Stéphanie LACOMBE, Xavier LAMBOURS, Vincent LEROUX, Cédric MARTIGNY, Tina MERANDON, Ambroise TÉZENAS

– Rêves d’en France, Rêves d’enfance
Cette exposition rassemble des photographies, du graphisme et des textes créés dans le cadre d’ateliers artistiques menés en collaboration avec des jeunes des Apprentis d’Auteuil.
> au Safran
> du 26 octobre 2021 au 12 janvier 2022
Ce projet a été encadré par Sophie ZÉNON et Annabelle MUNOZ RIO (photographes), Elsa ABDERHAMANI et le studio Les Canailles (graphistes), Arno BERTINA et Cédric BONFILS (écrivains).

> à l’UFR des Arts
> du 15 novembre au 13 décembre 2021
Nina MEDIONI Campus

Débutée en 2019 à l’initiative de la Villa Pérochon avec le soutien la première année du Carré Amelot et du Centre Intermonde de La Rochelle. Du Vert aux voiles est une balade photographique de l’artiste sarde Emanuela Meloni qui visite le cours de la Sèvre niortaise, depuis sa source dans le pays de Saint-Maixent jusqu’à l’océan Atlantique. La diversité des paysages a guidé ses recherches photogra­phiques pour une quête artistique singulière empreinte de poésie et de philosophie.
La première étape de ce voyage photographique l’a menée sur la côte atlantique pour remonter des marais salants jusqu’aux marais mouillés aux portes du pays niortais. Cette première partie a donné lieu à La Rochelle à une très belle exposition simultanée au Carré Amelot et au Centre lntermonde. Emanuela Meloni a ensuite posé son appareil photo dans la communauté de communes du Haut-Val-de­Sèvre pour explorer la source du fleuve. Pour finir, elle s’est arrêtée à Niort cet été pour découvrir la partie plus urbaine de la Sèvre niortaise. Toutes ces étapes ont donné lieu à des rencontres avec le public et de nombreux scolaires lors d’ateliers et de visites commentées par l’artiste.

L’accumulation considérable d’études théoriques et pratiques récentes de la part des artistes comme des historiens de l’art ou des scientifiques a mis en lumière plus nettement qu’autrefois l’interaction entre la naturalité et l’artificialité de la perspective. Quels que soient les cultures, les codes et les habitudes, nous percevons naturellement en perspective – tel objet éloigné apparaîtra plus petit que celui se trouvant à proximité –, mais la représentation en sera très différente selon ces mêmes codes et habitudes, selon les schémas de nos relations au monde. Ce qui semble naturel pour une époque, une civilisation, un rendu plastique, est en définitive une fabrication rendant manifestes les manières dont nous percevons la réalité et, surtout, dont nous l’agençons, ce qui explique – puisque nous partageons une physiologie identique – l’apparition de diverses perspectives à travers les époques : inversée, aérienne, axonométrique, cavalière, isométrique, linéaire, curviligne, bifocale, trifocale, anamorphotique, à point de fuite central. Voir la réalité « en perspective » semble évident et naturel, mais dès qu’il y a représentation cela change du tout au tout — par exemple, dans les grottes du paléolithique, certains animaux placés derrière ceux situés au premier plan sont transparents comme ceux qui devraient les cacher partiellement. Pour reprendre un terme de la peinture renaissante, nous projetons une grille de lecture sur le monde, une conception, un système culturel, un ordonnancement que l’on appela la « construction légitime », laquelle n’avait de légitime que la domination toute temporaire de certaine pensée et vision plastique comprises alors comme les véritables manières de présenter et de représenter les choses, les êtres et les objets. La preuve la plus parlante de cette artificialité était que ladite perspective fut inventée au début du XIVème siècle, voire dès le XIIIe siècle – sa supposée naturalité universelle aurait dû contraindre depuis longtemps tous les artistes à travailler dans la même veine –, notamment à partir de la « mise au carreau » qui partait du pavement des sols, réels ou imaginés, à partir desquels on pouvait alors tracer les principales lignes de la perspective désirée. Cependant, l’artifice doit être préservé, même en faussant légèrement l’aspect naturel, pour que des figures peintes au plafond, des sculptures placées en hauteur, les colonnes ou les marches d’un bâtiment n’apparaissent pas déformées.

Dans l’art contemporain, non seulement la problématique de la perspective n’a aucunement disparu mais elle s’est même démultipliée, si l’on songe aux immenses possibilités de nos technologies. Dans le parcours proposé par Angela Detanico et Rafael Lain, la perspective ou le perspectivisme ne saute pas immédiatement aux yeux, car on y perçoit d’abord des choses… plates ou planes, une sorte de monde à deux dimensions, un micro-Flatland habité par ces petites entités que sont les lettres, elles aussi fatalement planes. Il y a bien une structure métallique tridimensionnelle posée au sol, des éléments de bois rouge et vert accrochés aux murs, mais au premier regard et au final la véritable perspective est celle dessinée par les lignes du pavement, présent auparavant dans cette salle, représentatif du modèle de la costruzione legittima. Mais si cette citation perspectiviste classique est utilisée de manière ludique par les artistes – et aussi par les renvois de la grisaille du sol et des panneaux de lettres –, la reprise n’est ni arithmétique ni géométrique – comme dans la majorité des traités traditionnels –, étant plutôt verbo-visuelle. À commencer par les deux structures rouge et verte, car tout amateur de traités perspectivistes, ou amateur de cinéma, connaît le moyen d’obtenir des anaglyphes (images stéréoscopiques), à savoir le recours au rouge et au vert qui font partie des couleurs servant à restituer le relief fondé sur la perception simultanée de deux couleurs différentes.

Dans une majorité d’oeuvres de Detanico-Lain, les phrases, les mots, les lettres, l’agencement typographique de ces derniers, et aussi temporel dans certains cas, est prépondérant, comme est fondamental notre usage continuel de mots, de phrases, de sons, de lettres, même par bribes, parcelles, fragments. Ce travail récurrent, continuellement approfondi de l’intérieur du langage et des langues, fait partie d’un processus que l’on peut nommer une textualité par contrainte. Toute langue est déjà constituée de contraintes nécessaires à ses usages, fonctionnements et significations, et le processus, ou la méthode, de Detanico-Lain se constitue par des dérivés autant que par des contournements, des prolongements, des extensions de ce que permet la contrainte choisie, cela jusqu’au possible point de rupture, pourtant jamais volontairement atteint, où le sens se disjoindrait du signifiant tout en laissant entrevoir la résolution de la tension et de la reprise du sens. Aussi loin que l’on puisse aller, la contrainte demeure toujours signifiante et véhicule toujours un signifié, parfois infime, sans laquelle l’on ne comprendrait pas que nous sommes pris dans une interdépendance du sens et de la forme ni que signifiant et signifié s’autodéterminent et s’autocontraignent par là même. Cette contrainte est propre à toute langue, et, à cet égard, est prédéterminée, non décidée par les artistes. Comme dans toutes leurs oeuvres, Detanico-Lain explorent l’homologie entre le système de la langue et différents systèmes de représentations, en l’occurrence le système perspectiviste.

L’homologie entre les deux systèmes de représentation n’est pas totale – l’un est langagier, l’autre visuel – mais suffisamment importante pour que l’on puisse transposer l’un dans l’autre. La contrainte de textualité choisie par Detanico-Lain dans ce cas consiste à attribuer à toutes les lettres de l’alphabet (occidental) une longueur, un format, une taille ayant son équivalent dans une structure rectangulaire tridimensionnelle. À la lettre e correspond une mensuration de 50x10x10 cm, à la lettre o 150x10x10 cm, à lettre s 190x10x10 cm, et ainsi de suite pour toutes les lettres avec des mensurations différentes, croissantes si l’on commence par a, décroissantes si l’on commence par z. Notons, au passage, que nombre de traités classiques ont pour but d’exposer « l’art de mesurer », par exemple celui publié par Albrecht Dürer en 1525, Instruction sur la manière de mesurer, dont le livre III est d’ailleurs presque exclusivement consacré au dessin des lettres. La diversité et la variation étant inhérentes à la contrainte de tout système afin qu’il puisse, précisément, jouer pour s’appliquer à différents contextes, on peut aussi décider quelles sont les formes à donner aux structures, par exemple, celle de « coins », dont les grandeurs varient selon la méthode des correspondances entre lettre de l’alphabet et taille, mais avec une forme à angle droit, une contrainte dans la contrainte. Toujours dans les procédures rendues possibles par le jeu du système, on peut décider quels mots ou phrases écrire avec les formes obtenues et à quoi elles peuvent référer — comme pour la langue : un mot (signifiant-signifié) se réfère à tel objet de la réalité ou à tel état psychologique. « Écrire » peut sembler un terme inadéquat, mais outre que le terme grec ancien, graphein, signifiait simultanément écrire et dessiner ou peindre – de fait, on dessine ou peint les lettres d’un mot –, toutes les langues recourent inévitablement à une inscription sur un support. Nos artistes écrivent donc certains mots d’après les éléments choisis préalablement. Les morceaux en bois de couleur rouge et verte signalent, bien entendu, le cadre de la peinture, le cadre comme peinture, la peinture devenant objet plastique tridimensionnel, comme cela fut pratiqué durant la période des avant-gardes du début XXe siècle et ultérieurement.

Alors que d’après la méthode, la structure tridimensionnelle de couleur noire représente le mot « perspective », les éléments rouges et verts placés sur les murs écrivent leur couleur par autoréférentialité. Il faut souligner que cette autoréférentialité est essentiellement mentale, car si l’on peut penser aux mots « vert » et « rouge », nous ne pouvons les percevoir matériellement en toutes lettres et donc les lire en tant qu’ils référeraient directement à leurs objets, bien que l’on puisse les percevoir et lire en toutes formes. En réalité, les lettres existent bel et bien dans eikan-do, hogon-in et arashiyama, ou dans ROJVBIVORAELNIUAUREDOGNNTUILEGEGEEOT, lettres ou mots qui nomment les couleurs présentent dans la salle d’exposition, ou qui les montrent, comme dans le film Color Fields. La ligne des lettres de ROJVBIVORAELNIUAUREDOGNNTUILEGEGEEOT, réalisée au crayon de couleur à partir des sept couleurs de l’arc-en-ciel (rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet), commence par le rouge, partie extérieure du photométéore tel qu’il se présente naturellement, le violet étant la première couleur de la partie inférieure de l’arc. Les sept premières lettres de chaque couleur sont dessinées/écrites à la suite, puis d’autres lettres composent une espèce de phrase inintelligible, tant que l’on n’a pas compris que chaque première lettre compose le nom de la couleur en question à retrouver irrégulièrement, mais dans l’ordre, dans la ligne en suivant la couleur signalée par le nom (toutes les lettres de « rouge » sont rouges, les lettres de « orange sont orange, etc.).

Observé naturellement (pas en reproduction photographique ou filmique), l’arc-en-ciel est un phénomène qui toujours émerveille par son irréalité, son apparition étant tout à la fois proche et lointaine, persistante et éphémère, aussi régulier dans son ordre coloré qu’il est évanescent. Il semble ne pas avoir de consistance mais possède toujours la même forme, il est relativement transparent mais les couleurs sont clairement visibles et distinctes les unes des autres, son aspect vaporeux et liquide apparaît pourtant épais et dense. Bien que l’épaisseur soit le commencement de l’objet saisi en perspective, la planéité de l’arc-en-ciel naturel est cependant aussi visible. Comme pour les lettres composant ROJVBIVORAELNIUAUREDOGNNTUILEGEGEEOT et situées dans une sorte d’entre-deux perspectiviste dans lequel la planéité des lettres laisse entrevoir une ébauche de tactilité, de relief, d’épaisseur naissante.

Jacinto Lageira, critique d’art

Jacqueline Franjou, Présidente et Cyril Bruneau, Directeur artistique ont le plaisir de vous présenter pour la 17ème édition du Festival internationnal de la photographie de l’OEil en Seyne: l’exposition de Claude Gassian.

Claude Gassian vit et travaille à Paris.
C’est pour photographier les musiciens qu’il affectionne et être au plus près de sa passion que Claude Gassian s’empare du boîtier paternel, à l’aube des années 1970. Pour être contre la scène ou dans les coulisses. Pour voir Led Zeppelin à l’Olympia fin1969, Hendrix ou les Doors à l’île de Wight… Concert après concert, le photographe affine son cadre et signe ses premières parutions dans la presse musicale, avant de s’imposer comme un partenaire incontournable de la presse généraliste. Mais la véritable révélation photographique s’opère, quelques années plus tard, avec l’explosion du rock, l’émergence d’une nouvelle génération plus incisive, mais aussi plus disponible….
De ses photographies de scène très puissantes et pleines d’énergie à ses portraits posés, plus silencieux, cette propension à saisir ce qui se cache sous la panoplie du musicien s’affirme au fil du temps dans un style photographique très personnel. Claude Gassian développe ainsi une écriture qui lui ouvre l’intimité des plus grands, toutes ces icônes qui font l’histoire de la musique. Une confiance entre le photographe et les artistes s’installe lui permettant de les montrer sous un autre jour, plus authentiques, loin des images officielles, presque anonymes. Après Eurythmics en 1986, The Rolling Stones ou encore Prince l’emmènent en tournée dans les années 1990… Parallèlement, il poursuit avec de nombreux artistes de la scène française ses expériences photographiques qui donnent naissance à de multiples ouvrages.
Plusieurs livres (Rock Images en 1990, Claude Gassian photographies 1970-2001, un imposant volume publié en 2001 aux éditions La Martinière, ou encore Chanson(s) française, en 2017), ainsi que de nombreuses expositions (galerie Acte 2 en 2002, musée d’Art contemporain de Lyon en 2003, Govinda Gallery, Washington en 2007, Rencontres internationales de la photographie d’Arles 2010, A Galerie en 2017…) retracent l’ensemble de son travail.
En marge de ses photographies de musiciens, Claude Gassian développe une recherche très personnelle autour de structures graphiques, de paysages urbains, comme un véritable contrepoint à son immense galerie de portraits.

Arno Brignon a inauguré la première édition de la résidence croisée Terre & Territoires. Entre septembre et novembre 2020, Arno Brignon a marché. Il a relié Tavers à Thoré-la-Rochette, du Val de Loire au Perche vendômois en passant par la Beauce. En sillonnant ce territoire rural exploité, habité mais aussi déserté, Arno en a révélé les richesses et les failles à travers ses images réalisées avec un appareil photographique obsolète et des films argentiques périmés. Nous voyageons ainsi dans une sorte de road trip intemporel où le paysage semble atomisé de couleurs surnaturelles…

Date de fin non communiquée.

La bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles d’un montant de 20 000 euros est ouverte à tou·te·s les commissaires d’exposition.

Le projet retenu se déroulera en deux phases :
→ temps de recherche autour d’un projet d’exposition.
→ production du projet (après validation).

La bourse d’un maximum de 20 000 euros se compose :
→ d’un premier montant acquis pour le/la lauréat·e de 5 000 euros de droit d’auteur.
→ d’un second montant de 15 000 euros pour la production du projet.

APPEL À PROJETS OUVERT
JUSQU’AU 15 DÉCEMBRE 2021

→ RÈGLEMENT DE PARTICIPATION
& DOSSIER DE CANDIDATURE À REMPLIR ICI

Les Rencontres d’Arles associent le Prix Découverte Louis Roederer aux galeries, centres d’art, espaces associatifs, lieux indépendants et institutions.

En effet, par leur travail de défricheur, ces structures sont souvent les premières à accompagner les artistes émergent·e·s.

Elles peuvent proposer un projet d’exposition d’un·e artiste qu’elles défendent et dont le travail a été récemment découvert ou mérite de l’être auprès d’une audience internationale.

Accompagnés par une commissaire, dix projets seront retenus et exposés lors de la prochaine édition des Rencontres d’Arles.

Cette année, la commissaire invitée du Prix Découverte Louis Roederer 2022 est Taous R. Dahmani.

Pendant la semaine d’ouverture, un jury décernera le Prix Découverte Louis Roederer qui récompense un·e artiste et la structure porteuse du projet à travers une acquisition d’un montant de 15 000 euros et le public décernera le Prix du Public à travers une acquisition d’un montant de 5 000 euros.

APPEL À CANDIDATURES
OUVERT JUSQU’AU 4 DÉCEMBRE 2021

→ RÈGLEMENT 
DE PARTICIPATION 
& DOSSIER DE CANDIDATURE 
À REMPLIR ICI

Photo : © Tarrah Krajnak, lauréate 2021

“ALTER est un travail qui navigue dans l’espace temps d’Aurélien Aumond. Tous les jours, passer dans des endroits, voir tout un tas de trucs, des milliers de trucs, tellement de trucs.
ALTER veut regarder les choses insignifiantes de la vie, les capturer et les distordre.
ALTER est la clim du bureau, le phare avant gauche cassé de la Twingo, le caillou qui sert à caler la porte de la cave…
ALTER neutralise, isole, re-contextualise et réincarne. »

En marge du « Nice Transition Days », Festival international d’innovations écologiques, le Musée de la Photographie Charles Nègre vous propose de plonger dans le regard expert et bienveillant de Yann Arthus-Bertrand sur la beauté de notre planète, à travers une exposition sur l’œuvre de sa vie de photographe-réalisateur.
Cette exposition singulière dans sa scénographie et dans son format « hors les murs » en différents lieux à Nice, présentera les photographies iconiques de « La Terre vue du ciel » sur la Promenade du Paillon, la série « Bestiaux » illustrant les rapports de l’homme à l’animal sur la Place Pierre Gautier et une rétrospective du travail de Yann Arthus-Bertrand au Musée de la Photographie, accompagnée de la diffusion de son nouveau film « Legacy ».

Deux autres expositions sont également présentées:
« La Terre vue du ciel »
Promenade du Paillon
Espace Jacques Médecin

« Bestiaux »
Sur la Place Pierre Gautier
(à côté du miroir d’eau)

Dans la volonté de créer un maillage fort et une manifestation culturelle particulièrement attachée au territoire, la Maison de la Photographie a lancé en 2001 le festival des Transphotographiques. Le succès de cette première édition fut alors le commencement d’une quinzaine d’autres programmations d’envergure, variées et de qualité, permettant le rassemblement de photographes émergents et de grands noms internationaux, français et locaux.

Guidé par la passion de l’image, le festival s’est engagé à intégrer le paysage culturel régional par des partenariats territoriaux et une volonté de présenter une diversité de projets adaptés à tous les publics.

Cette année nous célébrons les 20 ans des Transphotographiques. Il nous tenait à cœur de produire un événement fort et symbolique dont la thématique illustrerait, sous toutes ses formes, les Hauts-de-France.

Cependant, depuis quelques années, les décideurs locaux ont largement délaissé les entités photographiques historiques de notre territoire, et la Maison de la Photographie en particulier, qui a ainsi progressivement perdu le soutien financier des collectivités territoriales, au profit de nouveaux projets évènementiels importés par ces mêmes responsables politiques.

De plus, la période de crise sanitaire et économique traversée depuis mars 2020 n’a pas épargné la Maison de la Photographie, qui a dû faire preuve de résilience pour surmonter les défis engendrés par l’impact de la pandémie. “Sept fois à terre, huit fois debout’’ disait le proverbe. Nous avons décidé que nous continuerons autant que nous pourrons à exister et à faire vivre les événements culturels au nom du vivre-ensemble de notre territoire, au service de la photographie pour tous et de notre patrimoine artistique à valoriser.

La présentation cette année de notre sélection photographique sera donc bien plus modeste que celle que nous aurions souhaitée, et que celle que les photographes auraient été en droit d’attendre. Nous le regrettons vivement, d’autant que nous avons sollicité les collectivités territoriales pour obtenir un soutien financier au profit des droits d’auteur des artistes, sans réponse à ce jour. Pour l’édition 2021, le festival des Transphotographiques a tout de même su habilement s’adapter et se réinventer dans un contexte tourmenté, en proposant un parcours inédit centré sur un nouveau site.

Ainsi d’un entrain renouvelé, notre regard s’est porté sur l’immense potentiel d’un lieu alternatif : nous ne sommes donc ni au Tripostal, ni au palais des Beaux-Arts, ni à l’Hospice Comtesse… mais dans les anciens locaux de la FNAC du centre commercial Les Tanneurs, en plein cœur de Lille, disposant de près de 3000 m2 d’espace vide à entièrement aménager. Accepter d’exposer sur ce site original et surprenant, c’est accepter d’expérimenter et de s’adapter à un lieu non-conformiste et non dévolu à l’art, d’engager une communication digitale type “pop-up” via les réseaux sociaux car évolutive, et avec un délai non délimité.

Quel challenge collectif, pour l’équipe des Transphotos, les commissaires et les artistes !

Un challenge également, que de convaincre une personnalité d’honorer le festival de son parrainage, dans le contexte décrit plus haut. Ainsi, chaque année, une ou un photographe devient marraine ou parrain de la programmation. Willy Ronis, Sabine Weiss, Peter Lindbergh, William Klein et bien d’autres ont honoré par leur présence et leur implication chacune des éditions.

Pour 2021, nous sommes fiers de compter parmi ces illustres professionnels de l’image, la photographe française Françoise Huguier, amie de toujours du festival, et déjà exposée en 2002 à l’Espace Matisse, puis en 2007 au TriPostal de Lille. À l’occasion des Transphotographiques 2021, nous mettons à l’honneur sa série “C’est pas logique mais c’est normal“, un reportage photographique intimiste sur quatre familles vivant dans des logements sociaux, un sujet au centre des préoccupations politiques et sociales de notre territoire. Merci à elle pour sa confiance.

En cohérence avec nos valeurs, nous sommes déterminés à honorer notre engagement à mettre en lumière le paysage culturel régional et à fêter dûment les 20 ans du festival. La première exposition a donc lieu en septembre 2021 à Lille, et en parallèle nous proposons aussi de monter un parcours complémentaire sur les mois suivants, pour continuer à faire vivre les œuvres dans d’autres lieux de la métropole et de la région jusqu’à la fin de l’année.

“En Hauts !” comme les Hauts-de-France, “En Hauts !” comme une renaissance !

L’appel à projets 2021 a suscité la réception de très nombreuses candidatures, près de 300.

En effet, la volonté première des Transphotographiques était de permettre à tous d’y participer sans condition particulière au préalable : professionnels, comme amateurs éclairés.

Après réception, chacun des dossiers de candidature a fait l’objet d’une étude minutieuse pour la présélection.

Les délibérations du jury se sont tenues le 24 juin dernier, sous la présidence de Jean-Luc Monterosso – président de la Maison de la Photographie de Lille – et de Françoise Huguier – marraine de cette édition. Le jury, composé également d’autres personnalités culturelles reconnues dans le milieu de la photographie et qui sont déjà intervenues dans des éditions antérieures du festival – Françoise Paviot, Gabriel Bauret, Sophie Doutriaux, Jérôme Bartosik, Diane-Laure Souci et Luc Hossepied -, a examiné la présélection afin de déterminer un choix final cohérent et une dynamique entre tous les travaux.

Au premier rang de tous les projets étudiés, c’est le travail de Jeremy Lempin sur son sujet “Docteur Peyo et Mister Hassen” qui a été le plus remarqué, et obtient le Prix Jean-Luc Monterosso. De plus, le Prix spécial du jury est décerné à Vincent Jarousseau “Les racines de la colère”. Le jury à décidé aussi de mettre particulièrement en avant 4 coups de coeur. Enfin, Olivier Spillebout, directeur et fondateur du festival à choisi de mettre à l’honneur 5 photographes pour la qualité de leur travail et leur implication dans le paysage photographique régional depuis de 30 ans.

La Maison de la Photographie a souhaité donner une place de choix à 3 artistes qui ont ou vont réaliser une commande photographique en lien direct avec la thématique.

Concernant le programme officiel, cette année, 42 candidatures (39 photographes, 2 binômes et 1 collectif) ont été sélectionnées et ont l’opportunité d’être exposées.

Dans une volonté de montrer les œuvres de tous les participants de l’appel à projets dont les travaux intègrent la thématique “En Hauts !”, nous proposons aux candidats qui n’ont pas été retenus dans la sélection officielle, de présenter s’ils le souhaitent leurs photographies sous la forme d’une projection commune, intégrée dans la programmation.

Remerciements

Cette année, nous tenons particulièrement à remercier les membres du jury ainsi que tous les photographes participants et exposants pour leur compréhension et leur adaptabilité. Cette expérience circonstancielle nous a confrontés au fait de faire face à l’imprévisible, et l’équipe des Transphotographiques a dû repenser entièrement la manière d’organiser et de monter une exposition avec des contraintes inaccoutumées.

Nous remercions également les responsables du centre commercial Les Tanneurs, en particulier son Président Frédéric Merlin, qui nous ont accordé toute leur confiance dans l’élaboration de ce beau et audacieux projet.

Une mention particulière pour le Furet du Nord qui accompagne le festival, comme depuis de nombreuses années.

Bien sûr, nos remerciements vont aussi à notre marraine 2021, Françoise Huguier, et à notre président, Jean-Luc Monterosso – entouré de notre conseil d’administration -, qui nous soutiennent, nous conseillent et nous font confiance tout au long du parcours passionné de la vie de la Maison de la Photographie et de son festival.

N’oublions pas non plus les nombreux bénévoles, fidèles de la Maison de la Photographie de Lille, qui tout au long de ces derniers mois nous ont généreusement proposé de participer à la mise en place du festival.

Cette édition collaborative, évolutive et non conventionnelle par ce choix atypique du lieu d’exposition nous a offert l’opportunité de vous proposer une réelle prouesse dans la conception et le montage de l’événement ainsi que d’être témoins d’une vague de grande solidarité entre tous. Encore merci à tous les bienveillants de cette aventure !

Olivier Spillebout

Directeur de la Maison de la Photographie de Lille et du festival les Transphotographiques
et toute l’équipe des Transphotographiques

Voici la présentation du programme Officiel :

Au premier rang de tous les projets étudiés, c’est le travail de Jeremy Lempin sur son sujet “Docteur Peyo et Mister Hassen” qui a été le plus remarqué, et obtient le Prix Jean-Luc Monterosso.De plus, le Prix spécial du jury est décerné à Vincent Jarousseau “Les racines de la colère”. Le jury à décidé aussi de mettre particulièrement en avant 4 coups de coeur que vous retrouvez ci-dessous.Enfin, Olivier Spillebout, directeur et fondateur du festival à choisi de mettre à l’honneur 5 photographes pour la qualité de leur travail et leur implication dans le paysage photographique régional depuis de 30 ans.De plus la Maison de la Photographie a souhaité donner une place de choix à trois artistes qui ont ou vont réaliser une commande photographique en lien direct avec la thématique. Concernant le programme officiel, nous avons retenu environ 50 photographes dont les projets étaient de qualité, et bien intégrés dans la thématique “En Hauts”.Les autres travaux seront présentés dans le OFF du mois Hauts de la Photographie, excepté ceux qui sont “hors sélection” car n’ayant aucun lien avec la thématique du festival.

Invitée d’honneur & Marraine des Transphotographiques 2021 :
Françoise Huguier

Grand Prix du Jury Transphotographiques & Prix Jean Luc Monterosso :
Jérémy Lempin

Prix Spécial du Jury :
Vincent Jarousseau

Prix du Collectif :
Collectif Chambre à part

Sélection Coup de coeur du Jury :
Agnès Caffier
Sébastien Hildebrand
Natalya Saprunova
Arnaud Calais & Christophe Meireis
Sélection du directeur :

Anna Solé
Philippe Dupuich
Sam Bellet
Bruno Delannoy
Flavio Tarquinio
Commande Maison Photo & Trans 2021:

Cédric Roux
Thomas Muselet
Pierre Faure
Sélection Programme Officiel :

Pascal Bachelet
Samir Belkaïd
Jo Brunenberg
Viviane Dalles
Margaret Dearing
Laure Debrosse
Louise Desbrusses
Anouk Desury
Adrien Dewisme
Patrizia Di Fiore
Anaïs Docteur
Hervé Dulongcourty
Zak Eazy
Eric Facon
Nicolas Fremiot
Ophélie Giralt
Reynald Goubelle
Michel Hirsch
Jean Larive
Patricia Lecomte
Laure Maugeais
Laurent Mayeux
Elodie Merland
Pierre Moreau
Dorothée Nowak
Brigitte Olivier
Cliff Chan & Palmyre Leleu
Nicolas Portnoi
Thomas Dhellemes
Louise Skira
Hervé Van de Meulebroeke
Victor Zurbaran

Magicien contemplatif du règne végétal, Denis Brihat cueille en passant l’ordinaire de son jardin et réalise des œuvres uniques, comme un art rupestre végétal.

Denis Brihat est un photographe majeur. Une carrière internationale, des images exposées dans le monde entier : MOMA de New-York, Albert museum de Londres, Palais de Tokyo à Paris, prix Niepce en 1957…
Installé depuis plusieurs décennies « à Bonnieux-Vaucluse » comme il dit, c’est la nature autour de lui qui constitue son univers créatif. Tel un révélateur de la splendeur, étudiant les formes, les structures, l‘architecture de la nature dans ses manifestations modestes, celles à portée d’un regard quotidien, l’essence de la quête de Denis Brihat est une véritable « offrande visuelle » pour nous faire partager son émerveillement.
Qu’il photographie des paysages, des pissenlits, des herbes folles, des chardons ou encore des coquelicots, des tulipes noires ou des oignons, ses préférés, cet alchimiste de la beauté cherche la restitution photographique aussi parfaite que possible. Ses images, bien loin des planches naturalistes ou des natures mortes, sont de véritables œuvres d’art.
La série de photographies d’une poésie stupéfiante présentée à La passerelle, s’inscrit indubitablement dans l’histoire de la photographie contemporaine.

La carrière de Georges Pierre fut longue et fructueuse. Il commença sa carrière avec la Nouvelle Vague : Godard, Resnais, Malle ; «
Alphaville, Le Feu Follet, l’Année dernière à Marienbad, et surtout Pierrot Le Fou dont le portrait bleu de Belmondo ainsi que son baiser avec Anna Karina sont des clichés gravés dans notre mémoire collective. Sa carrière se prolongea au-delà de la Nouvelle Vague et il devint le complice de nombreux réalisateurs : Chabrol, Tavernier, de Broca, Rappeneau, Sautet, Zulawski et même Serge Gainsbourg !

J’ai rencontré Laurence, la femme de Georges Pierre grâce à l’amitié de Raymond Cauchetier, célèbre photographe de la Nouvelle Vague. Après avoir reçu, au sens propre, sa confiance et les clés de ses archives, j’ai pu me plonger dans ce travail merveilleux et découvrir de nombreuses pépites inconnues du public. Ainsi pour honorer sa mémoire et son oeuvre il fallait à tout prix monter cette exposition !

Si Raymond Cauchetier ne fut photographe de plateau qu’une courte période, à peine une dizaine d’années…la carrière de Georges Pierre fut longue et fructueuse. Comme son ami, il commença sa carrière avec la Nouvelle Vague : Godard, Resnais, Malle ; «Alphaville, Le Feu Follet, l’Année dernière à Marienbad, et surtout Pierrot Le Fou dont le portrait bleu de Belmondo ainsi que son baiser avec Anna Karina sont des clichés gravés dans notre mémoire collective.

Sa carrière se prolongea au-delà de la Nouvelle Vague et il devint le complice de nombreux réalisateurs : Chabrol, Tavernier, de Broca, Rappeneau, Sautet, Zulawski et même Serge Gainsbourg !

Sa délicatesse le rendit aussi extrêmement populaire auprès des actrices : Marlène Jobert, Nathalie Baye, Jane Birkin, Sophie Marceau, Nastassja Kinski, Catherine Deneuve et surtout Romy Schneider avec qui il collabora sur sept films, dont César et Rosalie et l’Important c’est d’aimer, encore une fois des images restées dans nos mémoires !

Sa bienveillance et sa discrétion firent de lui un partenaire unique pour ces artistes, il était donc temps de partager ce travail passionnant, non pas seulement d’un photographe de plateau, mais bien d’un réel artiste !

Prix August Sander :
Le prix est doté de 5 000 euros.
Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur organisera également, si possible, une exposition solo des œuvres des lauréats en coopération avec l’artiste.

Objectif et éligibilité :
Le prix est destiné à promouvoir de jeunes artistes travaillant dans le domaine de la photographie documentaire et conceptuelle. En hommage à August Sander à la photographie de portrait, les travaux photographiques des candidats seront présentés dans le cadre du concours. Les travaux photographiques des candidats doivent être principalement axés sur le portrait.

Le prix
Ce prix est décerné tous les deux ans.
Les artistes nationaux et internationaux âgés de 40 ans (à la date de clôture du concours, le 28 janvier, 2022) et moins, qui travaillent principalement avec la photographie, peuvent participer.

Comment participer ?
L’artiste doit soumettre une série en grande partie achevée de 20 photographies au maximum réalisées spécialement pour le prix. La candidature doit rassemble une série de tirages non encadrés en qualité exposition provenant d’une seule et même série unique. (Taille maximale des tirages de 60 cm)
Les candidats doivent également inclure un fichier PDF (10 Mo maximum) contenant tous les motifs de la série, les dates et les dimensions.
Le titre du PDF doit être le suivant : “nom du candidat_titre de la
série.pdf”.
Veuillez envoyer le PDF à l’adresse suivante : projekt@sk-kultur.de.
Seules les œuvres qui forment une série ou une séquence thématiquement cohérente seront examinées.
Les images individuelles ne seront pas prises en considération. Les œuvres qui ont déjà été primées dans d’autres concours ne seront pas acceptées.

Pour participer : https://www.photographie-sk-kultur.de/fileadmin/user_upload/August_Sander_Award__Call_for_Entries_2022.pdf

Pierre-Elie de Pibrac est un jeune photographe qui sait allier l’art du portrait à celui du reportage.
D’abord, ce sont ses visages qui frappent : regarder le photographe droit dans les yeux nous dérange en tant que spectateur. Associés à une présentation grand format, ces visages nous interrogent avec intensité, nous interpellent jusqu’au tréfonds de nos âmes. C’est ensuite la dimension émotionnelle qui prend le pas sur l’esthétique et vous embarque littéralement dans une complicité avec l’artiste.

Son travail de reportage sur Cuba en noir et blanc est à l’inverse de ses portraits en couleur, la situation décrite laisse vite place à l’imaginaire et à la mélancolie. Les lumières tropicales et la banalité des sujets ont un charme envoûtant auquel je n’ai pas su résister.

Pierre-Elie est un photographe plein de charme et d’élégance, qui éveille nos esprits de manière salutaire et délicate sur l’étrange destin d’un pays, Cuba, qui ne cesse de fasciner toute une génération éprise de liberté.

Jean-François Camp

Le 2 octobre 2020, la tempête Alex, exceptionnelle par son intensité, frappe les vallées de la Vésubie, de la Roya et de la Tinée dans l’arrière-pays niçois. Le bilan de cet « épisode méditerranéen » hors-normes est effroyable; neuf personnes décédées et douze toujours disparues ; 1 600 familles impactées ; 400 maisons emportées dans soixante-dix communes classées en état de catastrophe naturelle ; une cinquantaine d’ouvrages d’art touchés partiellement ou totalement détruits ; 1 100 km de sentiers détériorés ; une centaine de kilomètres de routes emportées ; des paysages défigurés… L’addition se chiffre à plus de 1,2 Md e

Quelques jours après la plus importante catastrophe écologique dans la France du 21e siècle, le photographe Marc Pollini s’est rendu dans la vallée de la Vésubie, un territoire qu’il connait bien pour l’avoir arpenté en randonnée ou à vélo. Durant près de dix mois, il a effectué plusieurs séjours à Saint-Martin-Vésubie, le village où on a mesuré en 24 h plus de 500 mm de pluies (par comparaison, la pluviométrie annuelle moyenne à Paris est de 720 mm). Dans les bois, dans les forêts et les montagnes qui cernent cette « Suisse niçoise », le long des petites rivières qui se sont transformées en torrents démentiels, dans les communes alentour, il a documenté, sans sensationnalisme, les traces de cette tempête. Au fil de quatre saisons, ce travail brosse avec bienveillance le portrait d’un territoire meurtri, transformé à jamais.

Le Palais Galliera présente une exposition d’envergure inédite qui célèbre les 100 ans du magazine Vogue Paris.

Fondé par Condé Nast en 1920, Vogue Paris est aujourd’hui le plus ancien des magazines de mode français toujours publié, et le seul titre du groupe à porter le nom d’une ville et non celui d’un pays. Capitale de la mode, Paris y est figurée comme le cœur de la vie culturelle et artistique et la Parisienne y incarne la femme Vogue.

Miroir de son époque, défenseur de la création, Vogue Paris est un acteur majeur de la mode, questionnant les notions de goût, de beauté et d’élégance. L’exposition témoigne de la capacité de création, d’adaptation et d’anticipation qui, pendant 100 ans, a caractérisé le magazine. Vogue Paris 1920-2020 retrace l’histoire du magazine à travers les rédactrices et rédacteurs en chef qui l’ont façonné par leurs choix éditoriaux et artistiques, de Michel de Brunhoff à Emmanuelle Alt, en passant par Edmonde Charles-Roux, Francine Crescent et Carine Roitfeld. Leur personnalité, la durée de leur collaboration, leur engagement, font la spécificité et la cohérence de Vogue Paris.

L’exposition met en lumière le talent des grands illustrateurs et particulièrement des photographes que Vogue Paris a promus : Hoyningen-Huene, Horst, Bourdin, Klein, Newton, Lindbergh, Testino, Inez & Vinoodh… y ont réalisé leurs plus belles pages.

Au sein du parcours chronologique, plusieurs focus rendent hommage aux complices fidèles du magazine. L’exposition évoque les collaborations exceptionnelles avec de grands couturiers, Yves Saint Laurent d’une part et Karl Lagerfeld d’autre part, que Vogue Paris a soutenus tout au long de leur carrière. La femme Vogue est ici incarnée par Catherine Deneuve et Kate Moss, qui ont posé pour le plus grand nombre de couvertures.

Vogue Paris 1920-2020 rassemble près de 400 œuvres issues principalement des archives du magazine – photographies, illustra- tions, magazines, documents, films – ainsi qu’une quinzaine de modèles de haute couture et de prêt-à-porter.

Photo : © Peter Lindbergh. « Désir d’ailes », 1989

Lise Gaudaire présente à L’Imagerie le résultat de la résidence de création qu’elle a menée dans le Trégor à partir de février 2020, sur la manière dont les paysages sont façonnés par l’homme. L’exposition rassemble les trois volets de son projet Les Faiseurs de paysage, initié en 2017 : « La Forêt » réalisé à Bazouges-la-Pérouse (Ille-et-Vilaine), « Le Bocage » à Pontmain (Mayenne) et « La Rivière », chapitre conçu le long du Léguer à Lannion et dans les environs.

Associant photographies de paysages et portraits de ceux qui les construisent (paysans, techniciens, élus, pêcheurs, etc.), ces images interpellent sur ce qu’on considère aujourd’hui comme un « paysage naturel ».

Le Festival accueille, chaque année, un pays différent depuis près de 30 ans, en invitant des artistes à croiser leur regard avec des photographes français.
Parallèlement, le public peut découvrir dans toute la ville, de très nombreuses ex- positions dans le cadre de PARCOURS thématiques.
Le Japon, la Belgique, la Chine, l’Autriche, le Liban et l’Afrique ont été successivement à l’honneur ces dernières années.

En 2021, Aix en Provence accueille l’Italie L’exposition « REGARDS CROISÉS avec l’Italie » se déroule du 6 octobre au 31 décembre, dans la Galerie Zola, un lieu culturel prestigieux, au cœur d’Aix en Provence, situé dans l’espace de la Cité du Livre.

STÉPHANIE GENGOTTI
Le cirque love

Stéphanie GENGOTTI aime raconter des histoires montrant les aspects les moins explorés de la société humaine et la part la plus intime et la plus secrète des gens et de leur environnement. Elle nous en- traîne dans l’univers du cirque si démodé et pourtant si parfait, symbole d’un monde sans frontière, roue mondiale multi-ethnique qui tourne sans relâche, métaphore de la vie avec ses joies et ses peines, symbole à la fois de liberté et d’esclavage. Sa peinture délicate du Cirque Love nous donne à voir des vies d’artistes remplies d’amour, de triomphes et de défaites, des vies nomades qui suivent des routes circulaires comme le cycle des saisons, qui ignorent les frontières, des vies d’esclaves confrontées à la rudesse des hivers, à la chaleur suffocante des étés, à la poussière des routes. A travers leur quotidien, elle s’attache à capter le désordre appelé amour.

MATTHIEU CHAZAL
Avant scène – Life is a Circus

Dans la salle, les lumières sont allumées. Dans les coulisses, c’est la pénombre. Dernier tour de chauffe avant qu’acrobates, clowns, danseuses, jongleurs et musiciens n’entrent en scène. En revanche, le cirque est en pleine mu- tation : les animaux, pourtant un des clous du spectacle depuis plusieurs siècles, n’ont plus vraiment le vent en poupe, certains pays les interdisent sous chapiteau. Le cirque alors se réinvente et se théâtralise. Cependant si les pratiques évoluent, l’esprit reste le même. Facéties des clowns et contorsions des acrobates – spectacle pour tous ! Dans cette série, Mathieu Chazal donne à voir ce qui se passe de l’autre côté du rideau avant scène, des moments de concentration mais aussi de poésie, empreints d’une forme d’onirisme.

MARIO LASALANDRA
Théâtres humains et histrions imaginaires

L’approche surréaliste de Mario LASALANDRA est originale dans le panorama italien. Il saisit la nature humaine pour la traduire en scènes irréelles mises en valeur par l’esthétisme ou par un subtil mélange de mémoire, d’émotion et d’intellect. Sa photographie est étudiée, scrupuleusement composée, elle est le miroir de ses rêves qui dialoguent avec la réalité et s’en échappent. Mario LASALANDRA nous montre comment les souvenirs peuvent être transformés en images créatives et originales, magni- fiées par un noir et blanc qui renvoie aux souvenirs. En nous introduisant dans sa farandole de scènes et de personnages imaginaires, l’auteur nous emmène sur les ailes du rêve, de l’imagination et de la sensation.

LAURE PUBERT
Je marcherai sur tes traces

La photographie forme ici l’argile onirique d’une enquête surréelle sur une disparition sans corps qui a pour cadre et décor la Norvège. Laure PUBERT est partie sur les traces d’une chimère, avec comme obsession, celle de donner vie et matière à un être fictif, Mattis, le passeur solitaire des Oiseaux du roman de Tarjei Vesaas. Il lui fallait comprendre la solitude de cet être égaré, sans voix ni figure, sans âge. Laure PUBERT est allée sur ses terres. Et l’a recherché dans ses investigations. Bien sûr, les tremblements de l’imagination font vaciller les références factuelles. Mais l’illusion cherche à se faire conscience aiguë de la vérité. Derrière la dilution des lieux, la déviation du réel, il y a l’affirmation d’une poétique des frontières, d’une histoire commune qui nous relie les uns aux autres, comme elle nous relie à lui. Face à l’impermanence du lien, les corps et les objets se confondent dans une même matière, une même danse moléculaire, un même élan.

FRANCESCA CATASTINI
Petrus

Commencé avec l’exploration de l’appartement de son voisin et la découverte d’une bouteille de Petrus, «la boisson de l’homme fort», puis poursuivi à l’extérieur à la recherche de formes trouvées dans la sculpture classique et les paysages produits par l’homme, le travail de Francesca CATASTINI reflète et questionne une certaine rhétorique de la masculinité dans la culture occidentale. Elle concerne la volonté humaine de définir hommes et femmes, soi-même et le monde à travers des formes déterminées qui évoluent. À la recherche de décalages subtils suscitant analogies et connotations, Petrus joue avec les archétypes et les images, en considérant leur violence symbolique et la façon dont ils influencent notre vision. Explorant la différence entre ce que fait l’homme et ce qu’il est, Francesca CATASTINI montre comment notre culture, notre formation, nos idées sont influencées par des symboles et des images préconçues.

GABRIEL DIA
Sabar
Cette série d’autoportraits rend hommage à une danse sénégalaise réservée aux femmes, le Sabar. Les hommes qui osent la danser se font traiter de tous les noms. Cela fut le cas de Gabriel DIA à l’âge de 6 ans. Ce souvenir de sa mère venant le chercher en furie dans cette foule de femmes a hanté son enfance et son adolescence. Et a sûrement été décisif dans le choix du photographe de s’exiler en France à l’âge de 18 ans, sous prétexte de faire des études. Vingt- six ans après, Gabriel DIA décide de danser à nouveau le Sabar, se dissimulant derrière un négatif qui opère comme un voile protecteur. Une façon d’affirmer son homosexualité et de soulever la question de sa condamnation au Sénégal.

FABIO MANTOVANI
Cent habitations populaires

À travers un reportage sur dix grands ensembles d’habitations italiens, Fabio MANTOVANI documente la façon dont les gens vivent dans ces grandes agglomérations de constructions publiques conçues il y a 50 ans dont la conception et la dégradation font aujourd’hui l’objet de polémiques. Il ne dénonce pas, il plante le décor de la vie quotidienne dans les ban- lieues italiennes à un moment où elles se retrouvent au centre du débat politique. Son regard n’est pas allusif, il est précis. Il ne décrit pas, il saisit. Le moment précis où la conception de la ville est en crise et où on se retourne sur ces grands ensembles des années 60-70 qui nous ont légué une architecture traduisant une vision à la fois commune et à facettes. Mais il saisit aussi la vie de ceux qui se sont trouvés y vivre par choix ou malgré eux. Son regard à la fois politique, sociologique et humaniste écrit un ultime chapitre du genre littéraire désormais séculaire qu’est «le voyage en Italie».

THÉO GIACOMETTI
Marseille poussière

Béton, poussière, chaleur Marteau-piqueur et gravat Chant des machines
Tu respires toi ?
Euroméditerranée.
T’as une gueule de chantier
Trop blanc, tu crames au soleil.
Et dans tes rues, même le vent sent la pierre. Et la poussière brûlante.
Et alors ainsi chaque jour le soleil s’effondre dans l’eau et délivre, farouche, son voile rose et or sur nos pupilles hébétées. Et nos corps, abrutis de ces inévitables journées, convergent lentement vers le littoral. C’est facile pour certains, moins pour d’autres. Marseille, ou la misère au soleil.
«Mast’Errico dit que les pêcheurs ne savent pas nager, que c’est bon pour les estivants qui vont au milieu des vagues pour s’amuser et qui se mettent exprès au soleil. Le soleil est agréable pour celui qui le prend allongé, immobile. Pour celui qui le porte sur le dos, le soleil est un sac de charbon.» Erri De Luca in Montedidio.

ALESSANDRA CALO
Les Inconnues

Les Inconnues est une œuvre née en hommage aux premières femmes, Anna Atkins et Constance Fox Talbot, qui au XIXè siècle ont réalisé des photographies et des livres illustrés à partir d’image photographiques. Il est ici question d’une réflexion personnelle sur les premières techniques d’impression (argentique et calotype). Le concept du temps et la transformation de quelque chose d’immatériel en une forme visible sont les aspects centraux de son travail. Alessandra CALO a choisi d’imprimer des fragments d’images féminines sur des plaques en verre.

MARIE-ANNE HAUTH
Se souvenir

Qui ne s’est pas posé la question sur la permanence des souvenirs, sur la manière dont la mémoire les conserve et les restitue ?
La mémoire qui fait des choix, la mémoire qui aime embellir les souvenirs. Puis, les souvenirs qui se mêlent aux rêves ou rêves qui se mêlent aux souvenirs. Les frontières s’estompent… reste un senti- ment de déjà vu, la rémanence d’un passé qui n’est plus…
Parfois la mémoire n’est pas fidèle, elle aime les histoires racontées par d’autres et se les approprie.
Et puis il y a aussi les souvenirs qui s’émoussent, se perdent parfois au fil du temps…
« Dans mon jardin secret il y a des images brûlées par la lumière, des parfums de lilas, d’eucalyptus, de terre mouillée. Il y a aussi des voix qui résonnent à travers les persiennes, du vide et du silence aussi. »

Virgilio CARNISIO est l’invité du Festival PHOT’AIX, organisé par la Fontaine Obscure, avec deux expositions :
– Le Vieux Milan : photographies de Virgilio Carnisio du 6 octobre au 31 décembre à Aix en Provence dans le cadre de REGARDS CROISÉS.
– Le charme d’antan : photographies de Virgilio Carnisio du 3 au 31 décembre à Marseille, à l’Institut Italien de la Culture de Marseille.
Et deux conférences : le 3 déc. à l’IIC à Marseille (suivie du vernissage à 17h30) et le
4 déc. à Aix, avec présentation et signatures des ouvrages édités par l’AFI.

Photo : © Matthieu Chazal

Au début du XXe siècle, la commercialisation des premiers appareils automatiques bon marché génère une production exponentielle de la photographie. Accessible à un plus vaste public, l’appareil photographique investit les foyers et confirme sa fonction familiale.
Depuis une dizaine d’années, Nadine et Paul Catry, originaires de Lille, n’ont cessé d’explorer cette pratique domestique de la photographie. Leur « collecte du regard » rassemble des tirages anonymes de divers sujets et périodes, qui révèlent une appropriation quasi-universelle du médium pour témoigner de notre rapport au monde.
L’exposition est consacrée à un ensemble de plus de 370 photographies d’une jeune fille belge que Nadine Catry a pu reconstituer. Si notre motivation première était de restituer une identité à cette figure anonyme, cet ensemble est aussi l’opportunité de revenir sur cette pratique partagée de la photographie, en s’appuyant sur les études consacrées à la photographie vernaculaire. Cet ensemble témoigne notamment des rituels et des codes de la photographie de famille, révélés par l’étude sociologique dirigée par Pierre Bourdieu, Un art moyen. Essai sur les usages sociaux de la photographie, publiée en 1965. Le choix de présenter l’intégralité des tirages et des informations disponibles, ainsi que notre processus de recherche, s’inscrit dans une démarche participative. L’exposition propose la reconstitution d’une frise chronologique de la vie de cette jeune fille, de sa naissance en 1926 à ses 27 ans, avec la retranscription des annotations découvertes au dos des photographies. Certaines images ont été isolées, rassemblées et complétées par d’autres tirages plus récents de la collection, afin de mettre en exergue les singularités de cette histoire privée, et de contextualiser cette pratique individuelle en regard de l’histoire de la photographie instantanée amateur.
Une cimaise invite le public à enrichir cette enquête collective.

Photo : Photographie anonyme © Collection Nadine et Paul Catry 1932

L’exposition se concentre sur les correspondances entre les recherches plasticiennes de Ralf Marsault et les collections du musée Hèbre, sous le prisme des perméabilités et réminiscences culturelles. Bien avant de devenir ethnologue, quand il a travaillé dans le territoire socio-temporel particulier des campements de caravanes des communautés de punks, Ralf Marsault s’est interrogé sur le sens du langage des corps, qui est tout autant un jeu avec les préjugés sur l’apparence, qu’une façon de laisser entendre, et sur les figurations mythiques du soi. Pour ces êtres considérés comme persona non grata par la société, la mise en scène de soi prenait une importance particulière, leur permettant de traverser le miroir des apparences. Au-delà de leur valeur ethnographique, les photographies de Ralf Marsault transforment en conscience plasticienne une expérience.
La sélection des compositions que Ralf Marsault préfère appeler « vie aventureuse » plutôt que nature morte, se propose de manifester la façon dont son oeuvre glisse peu à peu vers plus d’immanence. Quand il assemble, dans une densité du geste créateur, quelques fleurs, souvent fanées, avec des objets laissés pour compte, il initie des rencontres qui dépassent la temporalité de la Vanité pour suggérer la métamorphose des choses et leur rayonnement, transgressant le réel en immatériel, la mémoire sensorielle du spectateur réagissant inconsciemment à ce vécu intrinsèque. Il nous a semblé pertinent de mettre en lumière la dimension métaphorique de ses photographies, en ce qu’elles possèdent une portée évocatoire des matières, couleurs, parfums et sons, qui ouvre vers des potentialités expressives inusitées.
Héléna Bastais, historienne de l’art et critique d’art.

Entrée du musée :
Plein : 4 € / Réduit : 2,50 €
(comprenant entrée exposition temporaire)

“Le livre de photographies est une forme d’art autonome, comparable à une sculpture, à une pièce de théâtre ou à un film. Les photographies perdent de leur caractère photographique d’objets « en soi » pour devenir les composantes, exprimées à l’encre d’imprimerie, d’une création exceptionnelle appelée livre”.1
L’édition est le principal mode de diffusion de la photographie jusqu’à ce qu’elle parvienne à s’imposer au sein des institutions muséales dans la seconde moitié du XXe siècle. Dès le milieu du XIXe siècle, le livre photographique a fait l’objet d’une créativité sans cesse renouvelée grâce aux progrès constants de l’imprimerie qui ont permis d’explorer une grande variété de qualités d’impression et d’assurer sa reproduction à moindre coût.
La bibliothèque de Lucien Birgé, qui comprend plus de 25 000 ouvrages internationaux depuis la fin du XIXe siècle jusqu’à aujourd’hui, témoigne de cette histoire riche et variée de l’édition photographique. Elle rend compte de tous les usages et formes de la photographie depuis les travaux de commande ou de propagande, en passant par le genre prédominant du documentaire, jusqu’à des approches formelles et créatives.
La perspective de cette donation exceptionnelle à l’Institut pour la photographie est l’occasion d’initier une série d’expositions consacrée à ce mode de diffusion privilégié de la photographie. Contrairement au tirage, l’enjeu du livre réside dans sa cohérence d’ensemble, afin d’affirmer le propos de l’auteur et d’offrir au lecteur une expérience singulière. La sélection des images, leur séquence et leur mise en page, la place du texte, le choix du graphisme et de la typographie, la qualité du papier et de l’impression, le format, la reliure, la couverture sont autant de paramètres à considérer dans les phases de conception et de production.
Cette exposition, réalisée d’après la première donation de 2 053 ouvrages en 2020 et complétée par des prêts du collectionneur, propose une sélection de livres d’auteurs iconiques et moins connus, sur le travail de séquence et de mise en page des photographies. L’auteur ou son graphiste disposent en effet d’un vaste champ d’actions — depuis le choix des formats des images jusqu’à leur agencement dans la page — pour guider notre lecture des images individuelles et susciter notre intérêt permanent.

1 – Ralph Prins, en conversation avec Cas Oorthuys en 1969, cité in Mattie Boom et Rik Suermondt, Photography between Covers : the Dutch Documentary Photobook After 1945, Fragment Uitgevererij, Amsterdam, 1989, p. 12 – cité dans Martin Parr et Gerry Badger, Le livre de photographies : une histoire volume 1, 2005, p. 7.

Photo : Woman to woman © Nancy Honey. Hexagon Editions, UK, 1990