L’Agenda des événements sur Plan

Le musée départemental de Préhistoire d’Île-de-France propose une nouvelle exposition intitulée « Évolution » jusqu’au 29 septembre 2019. Conçue par l’éditeur Xavier Barral et l’auteur Jean-Baptiste de Panafieu, elle présente plus de 50 photographies de squelettes d’animaux réalisées par Patrick Gries en grande partie au Musée national d’Histoire naturelle. L’exposition, entre art et science souligne la beauté des formes des vertébrés et leur complexité.

Spectaculaires, mystérieux, élégants ou grotesques, les squelettes des vertébrés qui peuplent aujourd’hui la Terre portent en eux les traces d’une évolution de plusieurs milliards d’années. En offrant un vaste panorama du monde des vertébrés, la cinquantaine de tirages photographiques exposés invite le public à s’interroger sur les mécanismes de cette évolution.
Les exemples d’architectures osseuses permettent en effet de révéler les origines communes entre espèces. Chaque photographie est accompagnée d’un court texte pointant un détail visible de l’animal afin d’éclairer sa forme, son comportement ou son histoire. Ces textes, signés de Jean-Baptiste de Panafieu, écrivain biologiste, s’adressent à un très large public.
Cette exposition a déjà été présentée dans divers muséums en France et à l’étranger : aux muséums du Havre (2008) et de Nantes (2009), à Martigues (2009), à Copenhague (2009), en Chine (2009) et en Russie (2013).

A Nemours, les auteurs, Xavier Barral et Jean-Baptiste de Panafieu, ont souhaité l’adapter à la thématique du musée de Préhistoire d’Île-de-France consacré à l’apparition de l’Homme.
Après une première partie sur les rouages de l’Évolution, l’exposition évoque donc les proches et lointains cousins de l’Homme. La dernière partie porte sur le rôle que celui-ci a joué dans l’évolution de certaines espèces animales, pour le meilleur ou pour le pire. Outre les tirages, un diaporama projeté dans l’auditorium permet de découvrir un plus grand nombre de spécimens.

En mêlant art et science, l’exposition « Évolution » veut susciter le désir de compréhension du visiteur. Lorsqu’ils sont associés, art et science possèdent un extraordinaire pouvoir de fascination où l’émerveillement se mêle au désir de comprendre. Émerveillement devant la beauté des formes des animaux et leur complexité ; désir de comprendre comment elles fonctionnent et comment elles se sont formées.
Alors qu’il ne s’agit ici que d’animaux contemporains, c’est bien à un voyage dans le temps profond de l’évolution que cette exposition nous invite. Sur ces photos spectaculaires, les squelettes révèlent un passé que nous cachent la fourrure ou le plumage des animaux vivants.

L’exposition Génération 40. Les jeunes et la guerre dresse le portrait d’une jeunesse multiple, transformée par l’expérience de la guerre et de l’Occupation. Des jeunes présentés à travers leurs choix et engagements, mais aussi des contraintes, des mots d’ordre et des sollicitations dont ils furent constamment l’objet.

Fruit d’un vaste travail de recherche et de collecte – comprenant témoignages directs mais aussi objets – l’exposition Génération 40. Les jeunes et la guerre vise à dresser le portrait d’une classe d’âge, les « J3 », qui vécurent leur adolescence ou l’entrée dans l’âge adulte au cours des quatre années de l’Occupation.

Au-delà des engagements de certains, les jeunes qui vivent les épreuves de l’Occupation et de la Collaboration composent un groupe hétérogène, dans lequel chacune et chacun ont conscience d’appartenir à une classe, un milieu social déterminé. Jeunesse populaire et jeunesse bourgeoise ne se côtoient guère, quand la séparation des sexes paraît aller de soi, idée entretenue par la Révolution nationale portée par le gouvernement de Vichy.

En dépit de ces distinctions, que viendront atténuer les circonstances, les jeunes ont en commun d’avoir été l’objet de multiples sollicitations et tentatives d’encadrement, au sein de leur famille, mais aussi par Vichy qui place en eux sa grande œuvre de régénération.

Les diverses organisations de jeunesse créées par le gouvernement de Vichy dans le cadre de sa campagne de Révolution Nationale, l’attention portée à l’enseignement, aux apprentissages, à la formation morale, sportive et professionnelle témoignent ainsi de son intérêt pour la « jeunesse ».

Encadrer et enrégimenter les jeunes constituaient la toile de fond de l’action politique du régime de Vichy, renforcée et soutenue par les exigences allemandes. À partir de 1942, les jeunes commencèrent à subir de lourdes contraintes. L’une d’elle concerna l’institution par la loi du 16 février 1943 du service du travail obligatoire (STO) pour les jeunes hommes âgés de 20 à 22 ans, événement qui devait signifier pour certains la fuite dans le maquis et l’entrée dans la Résistance.

Afin de retracer ces parcours, le CHRD a lancé en vue de l’exposition Génération 40, une vaste campagne de collecte. Ces témoignages directs, objets, photographies, archives, parfois des inédits, viendront enrichir les collections du musée par la suite.

Le CHRD est ainsi allé à la rencontre d’une vingtaine de témoins clefs, qui avaient entre 13 et 25 ans durant la période dont :

• Le futur ministre des Affaires Étrangères de François Mitterrand, Roland DUMAS (18 ans en 1940), y relate avec précision la manifestation du 19 mai 1942 contre le concert de l’Orchestre de la Philharmonie de Vienne, programmé le soir même salle Rameau par le régime de Vichy. Première manifestation contre Vichy en zone libre, la manifestation contre la Philharmonie associait étudiants résistants missionnés par le général de Gaulle depuis Londres – « empêcher par tous moyens la tenue du concert » – et des Lyonnais scandalisés par la provocation.
• Issue d’une famille d’origine juive convertie au protestantisme depuis trois générations, le traducteur et romancier Georges-Arthur GOLDSCHMIDT (12 ans en 1940) se souvient des raisons qui poussèrent ses parents à l’envoyer, lui et son frère, depuis Hambourg en Italie avant qu’ils ne trouvent, in extremis, un refuge temporaire dans un pensionnat savoyard de Megève. Quasi livrés à eux-mêmes, il raconte le sadisme de certains de ses camarades, la solidarité d’un village montagnard, la montée de la peur, l’embrigadement de la jeunesse allemande, y compris sur son frère aîné, et comment la langue nazie raidit alors les nuques et redresse les corps.
• Alors jeune fille de la bourgeoisie lyonnaise, Marie-Thérèse MORAT (14 ans en 1940) se souvient des expériences nouvelles – telles qu’aller faire du vélo du vélo dans les fermes, jouer dans les champs – que représenta cette période de pénurie et de bouleversement des usages habituels.
• La résistante, Jeannine PEYSSON (17 ans en 1940) raconte comment elle intégra le réseau Polytechnique. Recrutée par Mme Brunschwig, sa professeure de philosophie, à la suite d’une dissertation sur la notion de « liberté puis arrêtée en juillet 44 place Bellecour, elle sera brutalisée par Klaus Barbie puis emprisonnée au fort de Montluc, jusqu’à la libération de Lyon, le 24 août 1944.
• L’ancien joueur de football professionnel des « Verts », Émile ROBERT (18 ans en 1940), raconte comment il fut rattrapé par la réquisition du STO et envoyé en Autriche dans le massif du Dachstein construire des barrages à 2.000 m d’altitude.

Koen Wessing a témoigné dans son travail de l’histoire de l’après-guerre : la décolonisation, la violence et la barbarie en Amérique latine, la désintégration du bloc soviétique, la guerre en Yougoslavie, l’apartheid en Afrique du Sud ou encore la résurgence de la Chine. Dans l’exposition « Koen Wessing. L’Image indélébile », le Jeu de Paume – Château de Tours présente un ensemble de 80 tirages, ainsi que des projections et un entretien filmé avec le cinéaste et directeur de la photographie néerlandais Kees Hin.

Que ce soit pour décorer, protéger, rassurer, adorer ou rappeler des souvenirs plaisants, les raisons d’accrocher des images sur les murs sont nombreuses. Depuis le 15^e siècle, les images populaires sont le miroir des mœurs et des usages de leur époque.

Si l’étude des images a été le sujet des expositions du musée depuis son ouverture, la question de leur accrochage n’a jamais vraiment été abordée.

C’est une découverte exceptionnelle, soixante images du 17^e au 19^esiècle retrouvées sur une cloison d’une maison à Bessans en Savoie, cloison prêtée par le Musée Savoisien, qui est à l’origine de cette exposition.

D’autres témoignages, coffres, portes d’armoire, estampes, tableaux et  extraits littéraires viennent enrichir cette exposition et permettent d’explorer les multiples usages des images, dans un voyage qui mène de Bessans à Pont-Aven, en passant par Écouen.

En connivence, les oeuvres photographiques de nombreux artistes contemporains, dont Christian Boltanski, Sabine Weiss et Jean-Luc Tartarin accompagneront cette exploration inédite dans nos imaginaires.

Voyagez parmi les œuvres de Christian Boltanski / Luigi Ghirri / Thomas Struth / Jean-Luc Tartarin / Sabine Weiss

Photo : Série Etude photographique sur les habitants du Val-de-Marne , 1986. Collection MAC VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine ©  Sabine Weiss Photo/ © Jacques Faujour

Après un an passé à la tête de ce musée, Vingt-quatre heures de la vie d’une femme est une première lecture de cette
immense et exceptionnelle collection. Une sélection s’est opérée sur plus de 20 000 oeuvres acquises entre 1833 et 2019,
couvrant plusieurs siècles et toutes les disciplines, entre peinture, sculpture, dessin, gravure, photographie, design,
installation, embrassant l’art ancien, moderne et contemporain.

Avec 275 oeuvres de plus de 135 artistes réparties sur plus de 1000 m2, cette exposition se veut le reflet d’une collection multiple regardée par les yeux d’une femme1, racontant vingt-quatre heures de la vie d’une autre femme, imaginaire.

L’exposition propose un cheminement dans les espaces sous la forme d’un tour horaire, dans le sens des aiguilles d’une
montre, figurant l’écoulement du temps, depuis le matin jusqu’à la nuit. En dix sections – L’éveil ; Le bain ; Dehors, le
monde ; Le travail ; Le déjeuner ; Le repos ; La promenade ; La rencontre ; La fête ; La nuit, les rêves – le visiteur parcourt le quotidien d’une femme aux mille visages, tantôt ouvrière, secrétaire ou oisive bourgeoise. Les oeuvres réunies traduisent des actions, des gestes, des habitudes à différents moments de la journée, donnent le ton de lieux foulés ou d’intérieurs au mobilier soudain familier, mais convoquent aussi des souvenirs, des images surgies de l’esprit d’une jeune femme indépendante.

Chaque section, dans sa thématique, rapproche des oeuvres très différentes, jouant sur la mise en perspective d’attitudes
de personnages, d’effets de matières, de compositions, de chromatismes, donnant ainsi au spectateur la possibilité de
sentir ou de vivre certains moments de la journée ou de la nuit, revêtant une autre peau. Vingt-quatre heures de la vie
d’une femme, titre emprunté au livre éponyme de Stefan Zweig, déconstruit les catégories esthétiques habituelles ou
chronologiques pour raconter une autre histoire de l’art, par le biais d’une fiction.

L’exposition, dans cette forme volontairement narrative, a pour but de montrer la proximité étonnante des artistes de ces
siècles derniers dans leur approche formelle et sensible : une lithographie maculée de Dubuffet semble dans la droite
lignée d’un tableau postimpressionniste d’Henri Lebasque. La nonchalance d’un nu photographié par Nadar résonne dans
un tableau moderne de Marcel Gromaire. L’hésitation dans la rencontre de deux carrés d’André Valensi se retrouve dans ce
couple dansant pour la première fois d’André Lhote. La nuit, les constellations du tableau de Lucio Fontana semblent surgir d’un paysage au clair de lune d’Albert Gosselin, de 1900, à moins que ce soit l’esprit étoilé de cette femme aux yeux fermés, photographiée par Walker Evans, dans le métro.

La narration comme cheminement, plutôt que l’histoire de l’art dans sa stricte chronologie : c’est un parti pris de
commissaire, dans la volonté d’examiner les oeuvres autrement, de les montrer au public autrement, peut-être dans un
élan plus proche du quotidien de chacun, en reconnectant l’art au présent. Il s’agit de raconter une autre histoire de l’art, par le prisme du sensible, de l’émotion et de la vie.

Digital After Love. Que restera-t-il de nos amours ?
par Ruppert Pupkin, compositrice-interprète et Oan Kim, photographe, lauréats de la troisième édition du Prix Swiss Life à 4 mains

Cette édition exceptionnelle du Prix Swiss Life à 4 mains a récompensé le photographe Oan Kim et la compositrice-interprète Ruppert Pupkin. Ils présenteront Digital After Love.
Que restera-t-il de nos amours ? leur création photo-musique à l’hiver 2018 au Musée de la musique-Philarmonie de Paris, dans le cadre de l’exposition Doisneau et la musique du 4 décembre 2018 au 28 avril 2019, et dans un livre disque édité chez Actes Sud.
Ruppert Pupkin et Oan Kim étaient respectivement marrainés par Clémentine Deroudille et Laetitia Guillemin.
Une bourse de 15 000 euros a été attribuée à chacun des lauréats du Prix. Le duo d’artistes a imaginé en sons et en images le récit d’un amour révolu (passé) retrouvé dans les vestiges numériques d’un vieux smartphone.
De la découverte d’un smartphone endommagé, les deux artistes tentent d’ordonner, comme un puzzle, les pièces d’une histoire d’amour contemporaine : d’un côté une femme, que l’on découvre en images et en sons, de l’autre un partenaire invisible, qui la photographie inlassablement. De leurs sms, e-mails et messages vocaux morcelés, pixélisés, rendus partiellement illisibles par l’altération des données, transparaît une histoire d’amour marquée par l’errance, entre réalité et fiction.
Un kaléidoscope musical et photographique reconstitué à partir de ruines numériques, d’où surgit le fantôme d’une obsession amoureuse à travers notre monde urbain d’aujourd’hui.
Exposition du Prix au Musée de la musique-Philarmonie de Paris L’oeuvre photo – musique des lauréats, Digital After Love. Que restera-t-il de nos amours ?, sera exposée dans le cadre de l’exposition Doisneau et la musique, organisée par le musée de la Musique – Philharmonie de Paris du 4 décembre 2018 au 28 avril 2019. Le commissariat de l’exposition est assuré par Clémentine Deroudille, petite fille du célèbre photographe.

Voir l’exposition Doisneau et la Musique
https://www.9lives-magazine.com/events/doisneau-et-la-musique/

La carrière de Robert Doisneau a été ponctuée de rencontres musicales, toutes inspirantes pour son œil d’artiste. Des bals populaires aux fanfares, en passant par les cabarets, il a croisé musiciens de jazz et vedettes de son époque. Les photographies de ces instants, souvent inédites, sont rassemblées pour la première fois dans cette exposition.

En ethnographe de son époque, Robert Doisneau eut la curiosité d’aller partout. Muni de son inséparable appareil photo, il a sillonné Paris et sa banlieue dans tous les sens. Des bals populaires aux fanfares, en passant par les cabarets, il a croisé musiciens de jazz et vedettes de son époque. Homme de spectacle, pour qui l’image devait être mise en scène, il répondait toujours avec bonheur aux commandes de journaux pour immortaliser Georges Brassens, Juliette Gréco, Charles Aznavour, Claude François… et, bien sûr, son ami le violoncelliste Maurice Baquet.

Maurice, ami dans la vie et complice des balades buissonnières du photographe, et son violoncelle ont été des modèles merveilleux. Une large centaine de photographies est ici rassemblée. Au-delà de la facétie et des rires qui s’en dégagent, l’exposition rassemble toute la magie du travail de l’artiste : montages, trucages, photomontages, collages, déformations et fractionnements.

Loin de la nostalgie, l’exposition permet de découvrir une autre facette du photographe, plus inattendue : un homme résolument tourné vers demain, heureux d’immortaliser une nouvelle génération de musiciens dans les années 1980, comme les Rita Mitsouko, Les Négresses vertes, ou encore Pierre Schaeffer et Pierre Boulez.

Toutes ces photographies nous dévoilent un homme au travail qui a passé sa vie à courir derrière l’imprévisible et la surprise. Conçue par Clémentine Deroudille, petite-fille du photographe et, notamment, commissaire de l’exposition Barbara, cette joyeuse balade sera mise en musique par les Moriarty et mise en scène par Stephan Zimmerli, musicien et graphiste du groupe.

Egalement à la Philharmonie :
https://www.9lives-magazine.com/events/troisieme-editio…s-life-a-4-mains/

Inscrite dans l’opération « Métamorphoses, Issy se [ré]invente », cette exposition associe deux grands noms, le photographe Raymond Depardon et l’artiste Jean-Michel Alberola, chargé de la scénographie avec sa fille Théa, un duo inédit et complice qui vous dévoile son regard sur le territoire à travers une quarantaine de photographies. Elle offre un panorama significatif de l’évolution urbaine et de l’innovation architecturale à Issy-les-Moulineaux dans les trente dernières années.

Immortalisée sous l’objectif de Robert Doisneau au début du XXe siècle, Issy-les-Moulineaux est passée d’une banlieue industrielle à une ville moderne pleinement ancrée au cœur du Grand Paris qui a accueilli des signatures architecturales prestigieuses : Christian de Portzamparc, Jean Nouvel, Jean-Michel Wilmotte, Daniel Libeskind, Winy Maas et Françoise Raynaud, entre autres, participent pleinement de l’attractivité de la Ville reconnue pour son audace et ses projets avant-gardistes.

A l’aube du XXIe siècle, elle s’offre au regard de Raymond Depardon, artiste reconnu mondialement pour son œuvre photographique et cinématographique, notamment récompensé par le Prix Louis-Delluc, le César du meilleur film documentaire… Ses photographies mettent à l’honneur une quinzaine d’édifices et de sites emblématiques : « c’est en quelque sorte la photographie de notre modernité » dit-il.

Ainsi, vous pourrez découvrir sa vision du Vaisseau (« V-SO ») par Jean Nouvel (1992), Galéo (Bouygues Immobilier) par Christian De Portzamparc (2009), EOS (Campus Microsoft) par Bridot-Willerval et Arquitectonica (2009), Zenora (Yves Rocher) par Jean-Paul Viguier (2014), Isséane par Marc Landowski (2008), l’ École Française du Barreau par Jean-Michel Wilmotte (2013), la Piscine Feng Shui Aquazena par les Sœurs Mikou (2015), l’École Justin Oudin par Pascal Gontier (2013), l’opération Pont d’Issy -Aquarel par Françoise Raynaud (2017/19). En effet, l’architecture, pour Raymond Depardon, « nous permet de se confronter avec notre temps, d’une manière à la fois contemporaine et terre à terre (…) ».

Plusieurs événements accompagnent cette exposition exceptionnelle : conférences, vidéo mapping. Programmation à découvrir sur sortir-issy.com

Une riche programmation accompagne cette exposition exceptionnelle du 5 décembre au 30 juin 2019. Vernissage le mercredi 5 décembre à 18h30.

Avec cet accrochage photographique, le Musée de l’Homme plonge le visiteur dans un phénomène social : l’accueil et l’intégration des immigrés.

La photographe, Clarisse Rebotier, présente dans son exposition Hic & Nunc des portraits de personnes sereines et souriantes sur l’Esplanade des Droits de l’Homme, en arrière-plan, la Tour Eiffel symbole d’ancrage dans le temps et dans un lieu. La Tour Eiffel est à tout le monde. Ces personnes ont fui les guerres et sont aujourd’hui réfugiées en France. « Ils sont joyeux. Ce sont des battants ! Je voulais montrer que les personnes réfugiées sont d’abord des citoyens, incroyablement emplis d’émotions et de vie. » confie Clarisse Rebotier. Pour cette série, la photographe a souhaité monter un projet participatif : les sujets sont devenus auteurs, ils ont tiré eux-mêmes leur portrait en chambre noire.
Si l’accueil de la diversité et l’intégration des réfugiés sont actuellement un défi pour l’Europe et pour la France, ils mobilisent également des principes humanistes et universalistes chers au Musée de l’Homme. Ces photographies deviennent un plaidoyer pour la solidarité, dans lequel les préjugés sur les immigrés sont déconstruits peu à peu.

La participation de Sebastião Salgado à la saison En droits ! est exceptionnelle et montre non seulement son adhésion à la Déclaration universelle des droits de l’Homme mais aussi son attachement au Musée de l’Homme, institution qui cherche à comprendre l’humain dans toute sa complexité.

Pour le Musée de l’Homme, Sebastião Salgado raconte l’histoire des droits de l’Homme telle qu’il l’a ressentie tout au long de ses 40 ans de carrière dans une vingtaine de pays. Le photographe et la commissaire ont porté un regard rétrospectif sur son œuvre et a sélectionné 30 photographies réalisées dans 20 pays : Afghanistan, Angola, Algérie, Bosnie, Brésil, Éthiopie, France, Hong Kong, Inde, Indonésie, Italie, Kenya, Mexique, Mozambique, Philippines, Rwanda, Somalie, Soudan et Tanzanie. Il témoigne ainsi de la nécessité de faire vivre au quotidien les droits énoncés dans la Déclaration quelle que soit la région du monde concernée, soulignant ainsi la portée universelle de ce texte. Ces images illustrent, entre autres, le droit à la vie, le droit à l’asile, à la liberté de pensée, de conscience et de religion ou le droit au travail et répondent aux œuvres des street artistes qui feront leur apparition dans le musée entre janvier et février 2019.

photo © Moment de prière dans les grandes dunes de sable à Maor, Tadrart. Sud de Djanet. Algérie. 2009. © Sebastião Salgado

Le VR Arles Festival, créé par BNP Paribas, les Rencontres d’Arles et Fisheye, a eu l’honneur de récompenser Treehugger : Wawona du collectif Marshmallow Laser Feast et Dinner Party d’Angel Manuel Soto lors de sa dernière édition. Pour l’édition 2019, le festival lance un appel à candidatures. Que vous réalisiez des films documentaires, de fiction ou des créations artistiques, artistes VR, vous avez jusqu’au 5 mai pour candidater. L’appel est ouvert à tous : professionnels, artistes, jeunes diplômés, étudiants, etc.

Comment participer ?

Il vous suffit de remplir un formulaire sur le site du VR Arles Festival. Il vous faudra également envoyer une copie de votre film via WeTransfer. Les fichiers doivent peser moins de 2 Go, en h264 et doivent faire entre 30 et 50 FPS, avec une résolution minimum de 3k.

Si le format de l’expérience comprend une mise en scène particulière, vous pouvez contacter directement le festival par mail au contact@vrarlesfestival.com.

Les récompenses :

Les expériences sélectionnées seront présentées à Arles du 1er juillet au 8 septembre 2019.

Photographes adeptes du noir et blanc ? Vous pouvez participer à l’appel à candidatures pour le Monovisions Photography Awards jusqu’au 12 mai 2019. Afin de mettre en lumière les meilleurs photographes monochromes du monde, ce prix récompense la meilleure photographie et la meilleure série de l’année avec une dotation de 5000$.

Attention ! La souscription des photographies est payante ! 30$ pour soumettre une série et 25$ pour une photographie.

© Michel Kirch

En 2017 / 2018 pour sa première programmation à La Colline – théâtre national, Wajdi Mouawad avait souhaité mettre en résonnance et en tension le travail de l’artiste photographe Sarah Moon avec celui du graphiste-typographe Pierre di Sciullo. Pour l’année 2019, c’est Alain Willaume, photographe, qui sera aux côtés de Pierre di Sciullo dans les pages de l’almanach aussi bien que sur les murs du métro et ceux du théâtre.

Mélancolie des collines, l’installation photographique inédite d’Alain Willaume, sera présentée dans les espaces publics du théâtre à partir du 8 janvier 2019.
Les photographies, en grand format, seront accompagnées d’écritures nomades, textes de passages, changeant au gré des jours. Ils seront autant ceux des poètes, dramaturges, romanciers, philosophes ou essayistes, que ceux du public, de 2 à 110 ans.

« Nature aime se cacher1 » et celui qui montre, qui dévoile, ne trahit pas forcément cet amour de l’esquive. Montrer n’est pas toujours obscène quand montrer est offrir du mystère, inviter le regard à revenir pour raconter mille histoires, pour se perdre dans la puissance des formes, ou la profondeur des noirs, la générosité bouleversante des gris à l’infini. Le monde ne chute pas, il montre son insomnie et dans son épuisement, il nous raconte l’épuisement des humains. Instantanéité de notre harassement comme de notre fragilité. Beaucoup en font l’expérience, quand le paysage qui s’ouvre au regard révèle ce que nous ignorions de nous-mêmes. « Nature aime se cacher », jouer à la débusquer ne peut être qu’un dépassement, une bonté supérieure, un acte de bravoure.

Wajdi Mouawad
1. Héraclite d’Éphèse, vers 544 av. J.-C.

La seconde édition du concours Incadaqués est ouverte ! Les photographes sont invités à soumettre leurs projets en participant au concours 2019. 15 projets seront sélectionnés et exposés à “The sala de l’Amistat” durant le festival. Le jury, composé de professionnels du monde de la photographie, sélectionnera les projets les plus intéressants.

Jury du concours 2019

Valmont Achalme, Président du festival Incadaqués (Espagne)
Julia de Bierre, Galerie 8, Arles (France)
Sofia Sanchez & Mauro Mongiello, photographes (Argentine)
François Bouchara, Directeur de Granon digital (France)
Patrick J. Domken, galleriste (Espagne)
Wilfrid Estève, fondateur du studio hans lucas (France)
Olivier Chamarin, galeriste (UK)
Esther Friedman, photographe (Allemagne)
Neil Gordan, réalisateur (Irlande)
Huc Malla, galeriste & curator (Espagne)
Dominic Turner, photographe & gagnant du concours 2018 (Irlande)

Conditions & information

Il n’y a pas d’âge limite ou de thème imposé
/!\ Les frais d’inscription sont de 20€ par personne et sont à régler en ligne
Chaque candidature doit être composée d’une série de 15 images maximum (10 minimum)
Toute candidature incomplète ne sera pas prise en compte!

> Etape 1
Procédez au paiement en ligne

> Etape 2
Créez un fichier .zip contenant le reçu de votre paiement ainsi que les images en jpg basse définition.
Toutes les images doivent être nommées ainsi: nom_prénom_nomserie_numeroimage.jpg
Vous trouverez un tutoriel pour la création d’un fichier .zip ici

> Etape 3
Copiez le lien wetransfer une fois le téléchargement terminé
Si vous avez besoin d’aide pour créer un lien wetransfer, cliquez ici

> Etape 4
Remplissez le formulaire d’inscription en ligne en n’oubliant pas d’y inclure votre lien wetransfer

Le gagnant du concours 2019 exposera sa série durant le festival incadaqués 2019.
Une sélection de 3 images de chacun des 14 autres photographe sélectionnés sera exposée durant le festival.
Les tirages de l’exposition seront réalisés par le festival et le laboratoire Granon digital
L’espace d’exposition sera aussi dédié à la présentation des portfolios des photographes sélectionnés s’ils le souhaitent
Les tirages, le logement durant le week-end d’ouverture ainsi que le transport est offert par le festival pour le gagnant.
Les 14 autres photographes sélectionnés se verront offrir un pass vip s’ils souhaitent venir au festival.

Pour en savoir plus : info@incadaques.com

Depuis le début du XIXème siècle, l’essor de la vitesse puis la démocratisation de nos déplacements motorisés ont donné lieu à un véritable « tournant de la mobilité » : aujourd’hui, il est pratique courante de se déplacer et de voyager souvent, vite et loin. 

L’exposition présentée aux Archives nationales par le Forum Vies Mobiles, think tank sur la mobilité du futur, propose d’explorer les manifestations de cette mobilité devenue centrale dans nos modes de vie et d’en interroger les futurs. Associant les regards d’artistes contemporains, de chercheurs en sciences sociales et le fonds des archives nationales, l’exposition Mobile/Immobile met en exergue l’ambivalence liée à nos déplacements, à la fois formidables sources de liberté (griserie de la vitesse, possibilité d’échapper à son milieu géographique ou de travailler en ville et de vivre à la campagne…) mais aussi d’aliénation (intensification du quotidien, injonction dans le monde professionnel…), de contrôles et d’interdictions (crise des migrants, accès au transports…) et de problèmes environnementaux (pollution, changement climatique…).

La mobilité des réfugiés par Ai Weiwei, le mystère de la fluidité des foules tokyoïtes par Sylvie Bonnot, le plan Voisin dessiné pour Paris par Le Corbusier revisité par Alain Bublex, l’éclatement de nos vies sociales par Laurent Proux, les paysages urbains pollués de Tim Franco, la vie des néonomades par Ferjeux Van der Stigghel, le temps ralenti par Marie Velardi… les visions singulières des artistes sur nos vies mobiles et sur des futurs utopiques ou dystopiques invitent à réfléchir à des modes de vie différents, des modèles alternatifs, et des possibles presque réels.

Le parcours imaginé avec Hélène Jagot (directrice du Musée de la Roche-sur-Yon) et François Michaud (conservateur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris) rassemblent des propositions artistiques (photographies, objets, peintures, dessins, vidéos, installations, …) dont beaucoup sont issues des commandes lancées par le Forum Vies Mobiles, dialoguant avec les fonds des archives nationales portant sur la surveillance des mouvements humains et des publications scientifiques.

Issue de sept années de recherches art-sciences menées par le Forum Vies Mobiles, l’exposition Mobile/Immobile explore de façon historique, sensible et scientifique le présent, le passé et le futur de notre mobilité pour, in fine, ouvrir le débat et inviter le visiteur à imaginer des modes de vie plus désirés et plus durables.

LES ARTISTES :
Ai Weiwei
Alain Bublex
Caroline DelmotteCatherine Poncin
Claire Chevrier
Elinor Whidden
Ferjeux Van der Stigghel
Géraldine Lay
Gildas Etevenard
Groupe BP
Hans Haacke
Ishan Tankha
Jürgen Nefzger
Laura Henno
Laurent Proux
Marie Velardi
Marion Poussier
Olivier Culmann
Patrizia di Fiore
Sylvie Bonnot
Thomas Sauvin
Tim Franco
Wang Gongxin

Depuis le début du XIXème siècle, l’essor de la vitesse puis la démocratisation de nos déplacements motorisés ont donné lieu à un véritable « tournant de la mobilité » : aujourd’hui, il est pratique courante de se déplacer et de voyager souvent, vite et loin. 

L’exposition présentée aux Archives nationales par le Forum Vies Mobiles, think tank sur la mobilité du futur, propose d’explorer les manifestations de cette mobilité devenue centrale dans nos modes de vie et d’en interroger les futurs. Associant les regards d’artistes contemporains, de chercheurs en sciences sociales et le fonds des archives nationales, l’exposition Mobile/Immobile met en exergue l’ambivalence liée à nos déplacements, à la fois formidables sources de liberté (griserie de la vitesse, possibilité d’échapper à son milieu géographique ou de travailler en ville et de vivre à la campagne…) mais aussi d’aliénation (intensification du quotidien, injonction dans le monde professionnel…), de contrôles et d’interdictions (crise des migrants, accès au transports…) et de problèmes environnementaux (pollution, changement climatique…).

La mobilité des réfugiés par Ai Weiwei, le mystère de la fluidité des foules tokyoïtes par Sylvie Bonnot, le plan Voisin dessiné pour Paris par Le Corbusier revisité par Alain Bublex, l’éclatement de nos vies sociales par Laurent Proux, les paysages urbains pollués de Tim Franco, la vie des néonomades par Ferjeux Van der Stigghel, le temps ralenti par Marie Velardi… les visions singulières des artistes sur nos vies mobiles et sur des futurs utopiques ou dystopiques invitent à réfléchir à des modes de vie différents, des modèles alternatifs, et des possibles presque réels.

Le parcours imaginé avec Hélène Jagot (directrice du Musée de la Roche-sur-Yon) et François Michaud (conservateur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris) rassemblent des propositions artistiques (photographies, objets, peintures, dessins, vidéos, installations, …) dont beaucoup sont issues des commandes lancées par le Forum Vies Mobiles, dialoguant avec les fonds des archives nationales portant sur la surveillance des mouvements humains et des publications scientifiques.

Issue de sept années de recherches art-sciences menées par le Forum Vies Mobiles, l’exposition Mobile/Immobile explore de façon historique, sensible et scientifique le présent, le passé et le futur de notre mobilité pour, in fine, ouvrir le débat et inviter le visiteur à imaginer des modes de vie plus désirés et plus durables.

LES ARTISTES :
Ai Weiwei
Alain Bublex
Caroline DelmotteCatherine Poncin
Claire Chevrier
Elinor Whidden
Ferjeux Van der Stigghel
Géraldine Lay
Gildas Etevenard
Groupe BP
Hans Haacke
Ishan Tankha
Jürgen Nefzger
Laura Henno
Laurent Proux
Marie Velardi
Marion Poussier
Olivier Culmann
Patrizia di Fiore
Sylvie Bonnot
Thomas Sauvin
Tim Franco
Wang Gongxin

Fidèle à son éthique valorisant l’humanisme, l’échange, la curiosité et l’éveil des sens, Château Palmer a choisi le jazz comme thème de l’année 2019 – également celle de la 10ème édition de Hear Palmer. Une belle occasion pour mettre à l’honneur les oeuvres de Guy Le Querrec, au travers de son exposition Jazz de J à ZZ du 19 janvier au 19 août 2019.

Château Palmer : une philosophie commune avec le jazz

Le jazz est un art qui s’enracine dans l’histoire d’une terre, d’un peuple et fait vibrer de façon imprévisible la créativité exubérante de ses musiciens. Dans le même esprit, Château Palmer écoute la voix de son terroir pour porter avec passion et liberté la création de son oeuvre contemporaine.
Aujourd’hui, ce genre musical est devenu indissociable des activités culturelles du Château Palmer. Le domaine organise chaque année Hear Palmer avec de grands jazzmen qui, après quelques journées d’immersion dans la propriété et à la veille de la semaine de dégustation des Primeurs, interprètent et célèbrent librement le nouveau millésime.

La photographie : un autre territoire d’expression du Château Palmer.

Instantanéité et spontanéité, temporalité dans l’intemporel, réalité et imaginaire, émotion et savoir-faire caractérisent ces deux univers du patrimoine artistique et vivant. Après avoir exploré les thèmes du Bleu Palmer (Jacques Mataly – 2015), du Jardin (Sebastião Salgado, Maitetxu Etcheverria – 2017) des Jeux d’écriture (Bernard Plossu, Ernest Pignon-Ernest, Raymond Depardon – 2018), Château Palmer présente en 2019 le jazz à travers les photographies de Guy Le Querrec.

En une quarantaine de scènes, Guy Le Querrec s’immisce avec pudeur et générosité dans la vie des artistes pour capturer
un silence, un secret, une note : leur pouls. L’oeil observateur et curieux, il a toujours su saisir l’atmosphère de près d’un demi-siècle de jazz, en captant des images imprévisibles, authentiques et touchantes.

Guy Le Querrec « La photographie ? Une éternelle partie de cache-cache entre le réel et soi »

Photographe de l’agence Magnum Photos depuis 1976, ce parisien d’origine bretonne est tombé amoureux de l’image dès son plus jeune âge. Dans la lignée de Marc Riboud, Henri Cartier-Bresson, Sergio Larrain…, qu’il admire –, il parcourt alors le monde, livrant des reportages qui ont fait date. L’Afrique, particulièrement, le marque de son empreinte. Dans la vie et le travail de Guy Le Querrec, la musique figure en bonne place.
Son regard se promène librement dans cet univers pour donner quelques-uns des plus célèbres clichés du 20e siècle.
Il devient le photographe de tous les plus grands noms du jazz (Lauréat du Grand Prix de la Ville de Paris en 1998).

“Le jazz, mes oreilles, mon coeur, mes sentiments en ont besoin. Ces cadences, ces rythmes…
Et il y a ce mot majeur : pratiquer une photographie de l’improvisation. »

Chroniqueur régulier des épisodes de la vie de musiciens, il est aussi inventeur de spectacles « De l’eau dans le jazz » en 1983, « Jazz comme une image » en 1993 où défilent sur écran géant ses photographies mises en musique en live par un quartet où il réunit Michel Portal, Louis Sclavis, Henri Texier et Jean-Pierre Drouet.
En 2006, la projection-spectacle de «L’Oeil de l’ Élephant» est inaugurée aux Rencontres Internationales de la Photographie à Arles.
Il révèle également son talent à travers la campagne d’affichage évolutif consacrée au festival Banlieues Bleues (Seine Saint-Denis), sa participation à des films documentaires sur le jazz, sa présence à l’exposition Le siècle du jazz en 2008 au musée du Quai Branly…
En 2011, il est invité à suivre Michel Portal et Yaron Herman lors de la 2ème édition de Hear Palmer.
Cette rencontre marque le début d’une belle amitié entre le photographe et la propriété.

Sur rendez-vous uniquement dans le cadre des visites de la propriété à Château Palmer (horaires donnés à titre indicatif)

Une exposition inédite, conçue par l’Association Azzedine Alaïa, réunit deux grands noms qui ont modifié l’histoire de la mode : Gilbert Adrian et Azzedine Alaïa.

Pour la première fois les modèles d’Azzedine Alaïa conversent avec ceux de Gilbert Adrian. Couturier américain mythique, Adrian est représenté en nombre important dans les collections patrimoniales que Monsieur Alaïa a constituées avec minutie et respect de l’histoire.

Organisée par l’Association Azzedine Alaïa sous la direction d’Olivier Saillard, cette exposition montre comment le goût pour l’élégance intemporelle, la quête d’un style avant celle de la mode, l’exigence de la coupe, peuvent se transmettre entre deux grands couturiers que les décennies et les continents séparent.

A travers le prisme des tailleurs dont tous deux partagent l’excellence, l’exposition montre à quel point la conception et la construction des vestes unissaient ces deux grands de la mode.

Les choix des tissus, la recherche des formes, la finesse des détails sont des traits d’union entre eux.

Dans les modèles de l’un, on peut lire le secret héritage de l’autre, de la main d’un maître à celle de l’autre comme seuls les plus talentueux et les plus exigeants peuvent le faire.

Présentés sous la forme d’un dialogue entre les vêtements créés au cours de leurs carrières respectives, deux grands couturiers partagent un discours unique sur le tissu et la coupe.

Gilbert Adrian, plus simplement connu comme Adrian tout au long de sa carrière, était le directeur des costumes à la MGM à Hollywood pendant “l’âge d’or” du cinéma des années 1930. Son travail devint synonyme du glamour hollywoodien sur grand écran. Le talent d’Adrian variait, de la garde-robe de femme fatale de Jean Harlow dans “Les invités de 8 heures”, aux costumes du “Magicien d’Oz”, ou encore à l’incroyable garde-robe de toutes les actrices du film “Femmes” en 1939.

Ses créations étaient si recherchées que dans les années 1940, Adrian quitta Hollywood pour fonder sa maison de couture à New-York, où ses tailleurs structurés, portés par Katherine Hepburn, Greta Garbo et Joan Crawford, seront précurseurs de la mode américaine des années 1940 et 1950.

Arrivé à Paris dans les années 1960 et malgré des moyens financiers modestes dus à son jeune âge, Azzedine Alaïa avait toujours l’œil pour dénicher les pièces rares. Il commença à collectionner des objets d’art, de design et de mode tout en créant ses collections.

Alors qu’il avait à peine vingt ans, il acheta dans un petit magasin une exceptionnelle statuette ancienne représentant une tête copte. C’est seulement plus tard qu’il découvrit que cette statuette avait appartenu à la comtesse de Greffulhe, qui inspira à Marcel Proust l’héroïne de la Duchesse de Guermantes. Ce talisman l’accompagna toute sa vie.

À la fermeture de la prestigieuse Maison de Cristobal Balenciaga en 1968, Alaïa recueillit des chefs-d’œuvre de coupe qu’il ne pouvait supporter de voir disparaître. Il en reçut une véritable responsabilité d’ordre patrimonial et c’est ainsi qu’il commença sa collection de pièces de grands noms de la mode, passés ou récents.

Il fut en outre le premier à collectionner les pièces du designer Jean Prouvé.

Alaïa deviendra également un collectionneur majeur, si ce n’est le plus important, du travail d’Adrian, peu représenté dans les musées français. La collection constituée par Alaïa, de plus de 150 pièces, est une représentation fidèle de toutes les facettes du couturier hollywoodien.

Créateur de costumes et couturier, Adrian était admiré par Azzedine Alaïa pour ses constructions techniques sophistiquées, l’esprit de ses créations influencées par la haute couture parisienne, les détails, la coupe, et sa façon de travailler le tissu et de le courber selon son imaginaire fertile.

Mais c’est le “Power suit” des années 1940, aux larges épaules et cintré à la taille, pionnier de la révolution des garde-robes des femmes, qui a le plus impressionné le jeune Alaïa. Depuis sa Tunisie natale dans les années 1950, il admirait l’élégance, la force et l’invulnérabilité des femmes parisiennes. L’esthétique Alaïa deviendra plus puissante à partir de cette mémoire. L’art de la sculpture et du modelé, qu’il avait étudié à l’école des Beaux-Arts de Tunis, va contribuer à forger son style personnel.

En 1979, alors qu’il se trouvait dans son atelier de la rue de Bellechasse, une de ses fidèles clientes couture, la baronne Cécile de Rothschild, se présenta avec une amie proche, Greta Garbo. Ce fut une rencontre décisive dans la vie d’Azzedine Alaïa. La recluse Greta Garbo, qui avait porté les costumes d’Adrian dans les années 1940, à la scène comme à la ville, demanda à Alaïa de lui créer un pantalon et un manteau de coupe ample et masculine en cachemire bleu marine. Alaïa parlait souvent de cette rencontre en ces termes : « une femme belle et puissante en chaussures plates ». Il y a quelques années, il put racheter aux enchères le manteau qu’il lui avait confectionné, lors d’une vente célèbre qui suivit la disparition de la Divine.

Partageant de nombreuses affinités avec Adrian dans l’exécution des ses modèles ainsi que dans l’obsession pour la technique au service de l’art de la couture, Azzedine Alaïa passait des nuits entières sur la même veste noire sans jamais être satisfait, à la recherche de la perfection. Formé à la sculpture, il devint le maître de la coupe et de la silhouette, véritable architecte des corps à partir des années 1980.

La collection des maîtres de la Couture assemblée et réunie par Azzedine Alaïa tout au long de sa vie représente l’un des départements les plus importants des archives de l’Association Azzedine Alaïa, aux côtés de ses collections en nom propre.

Cette exposition est une sélection rigoureuse du travail de Gilbert Adrian, amplement collectionné au fil des ans par Azzedine Alaïa. Tous les modèles choisis et voulus par Monsieur Alaïa témoignent de la passion unique et de l’amour qu’il nourrissait pour l’histoire de la mode.

Parallèlement à l’exposition, deux films seront projetés et mettront en lumière les talents d’Adrian et d’Alaïa : “Les femmes”, 1939 – avec les stars Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell, Joan Fontaine, Paulette Goddard, et de nombreuses figurantes habillées par Adrian.
“Dangereusement vôtre”, 1985 – un James Bond, pour lequel Azzedine Alaïa a réalisé les costumes de Grace Jones, qui joue le personnage de May Day

Lorsque l’on évoque le nom de Jacques Meuris, c’est spontanément à l’homme de lettres que l’on songe, plutôt qu’au photographe ou au théoricien. Figure atypique dans la sphère culturelle belge de l’après-guerre, il est l’auteur de nombreux textes tant littéraires que poétiques ou critiques. C’est aux côtés de l’artiste Marc Mendelson que l’auteur d’Elpénor, la Méditérrannée développe, dès les années 1950, un intérêt pour la photographie. L’expérience photographique de Jacques Meuris donne lieu à une œuvre conséquente (sans pour autant être abondante), perméable aux influences et aux idées de son temps et notamment, de façon durable, à l’énergie nouvelle dégagée par le surréalisme. Il se lie d’amitié avec de nombreux artistes qui vont considérablement influencer son regard ; on retrouve par exemple dans ses premières images la composition rigoureuse des peintures de Gaston Bertrand, tandis que son éloignement progressif de la pho- tographie figurative au profit d’images plus abstraites semble devoir beaucoup à l’amitié de Serge Vandercam. S’essayant à différents styles, Meuris s’oriente dans les années 1960 vers une esthétique proche de celle d’Aaron Siskind ; il interroge également la relation texte-image, plaçant le mot au cœur de ses photographies, ou encore s’intéressant à la couleur au moment où Stephen Shore et William Eggleston exposent pour la première fois au MoMA, en 1976-1977. Cette variété d’écritures et d’approches est pour Meuris l’occasion d’expérimenter le médium mais aussi de le questionner. En un peu plus de trente ans de carrière photographique, Meuris exposera à maintes reprises à Bruxelles et à l’étranger — nombreuses expositions avec le groupe Photo-graphie, dont il est membre aux côtés notamment d’Yves Auquier et Hubert Grooteclaes ; participation à la XIVe Biennale de São Paulo, au Brésil, en 1977… Meuris écrit en outre de nombreux articles critiques à propos de la photographie et finit par publier un ouvrage théorique plus construit et conséquent, Le Photographe et ses modèles, en 1983.
À la mort de Jacques Meuris, en 1993 — après une dernière exposi- tion présentée à l’Espace photographique Contretype à Bruxelles en 1989 —, son épouse Fernande Duchateau fait don d’une part de toute sa production et des tirages au Musée de la Photographie à Charleroi ; d’autre part, elle lègue les archives littéraires de Meuris mais également l’ensemble de ses négatifs aux Archives et Musée de la Littérature de Bruxelles (AML).
L’étude de ces négatifs, réalisée en collaboration avec le photographe Marc Trivier, permet de mieux cerner le cheminement de la pensée pho- tographique de Meuris, mais également la diversité de ses démarches et de ses recherches.
L’exposition présente les images plus connues ou attendues de Jacques Meuris, mais elle fait également la part belle à une sélection de sé- quences puisées au sein de ses planches-contacts.

Dans le cadre de leur partenariat, Le Soir et le Musée de la Photographie ont lancé la Galerie du Soir. Parallèlement à chaque nouvelle grande exposition du musée, la Galerie du Soir présente un jeune artiste à découvrir. Un pari sur l ́avenir décliné en quatre volets : un accrochage réduit mais significatif au musée, un portfolio dans la revue Photographie ouverte, une présentation du photographe dans les pages du Soir et une sélection de son travail sur le site www.lesoir.be. Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, notre choix s ́est porté sur Erika Paquay.

« J’ai acquis mon premier appareil photo lorsque j’ai commencé mes études à Saint-Luc » avoue Erika Paquay. Jusque-là, elle n’avait jamais imaginé devenir photographe. Son univers était plutôt celui de la mode pour laquelle elle avait commencé des études. Jusqu’à ce que la maladie vienne mettre fin à ses rêves. Une maladie virulente qui la cloue chez elle pendant de longs mois. « Mes soucis de santé m’ont obligée à me rediriger. Je me suis tournée vers la photo pour pouvoir faire de la photo de mode. Et je n’en ai jamais fait ». Très vite, elle découvre en effet autre chose. « A la fin de ma première année, j’étais très en retard. Mes soucis de santé m’empêchaient de mener mes projets à bien. Comme j’étais bloquée à la maison, j’ai décidé de photographier cela : cette vie avec la maladie. Je me suis vite aperçue qu’en traitant cela, je m’exprimais différemment. En fait, la maladie m’oblige à m’arrêter et à observer les choses qui sont là, autour de moi, tous les jours. »
Dans ses images, nulle trace évidente de douleur. Juste une impression un peu étrange, ambiguë ou malgré la beauté des choses, on sent comme un décalage, un malaise diffus. Une manière de raconter cette maladie qu’elle considère, dit-elle, comme une copine/ennemie. Et qu’elle ne nomme jamais. « En la nommant, on tombe dans le technique, le scientifique. Quand je dis « la » maladie ou « une » maladie, ça peut parler à chacun. J’aime le fait que les gens puissent se retrouver dans mon travail, qu’ils soient malades ou pas. »

Pour le texte qui accompagne son travail, elle a quand même fini par lui donner un nom : l’étrangère.
« L’étrangère, c’est la maladie qui habite en moi, qui me révolte, et avec laquelle je vais devoir vivre toute ma vie.
Je suis coincée dans un corps qui soudainement me semble inconnu et que je vais devoir apprivoiser.
Il n’est pas facile d’apprendre qu’on est atteint d’une maladie, d’autant plus lorsqu’on sait qu’elle va nous accompagner pour toute notre vie. Parfois, elle sera discrète, parfois, elle nous rappellera brutalement qu’elle est là.
Le diagnostic de la maladie est une annonce tragique. Et dans tous les cas, ça fait mal.
On remet tout ce que l’on connaît en question.
Qu’est-ce qu’il m’arrive ?
Pourquoi moi ?
Qu’ai-je fait pour en arriver là ?
Tout est bouleversé par la maladie.
On se sent piégé.
Ma vie a complètement changé.
Je ne vis plus comme tout le monde. Mes journées sont rythmées par mes fatigues et mes douleurs chroniques. Je ne peux plus faire ce que je veux comme je le veux ou quand je le veux.
J’ai dû changer mes projets d’avenir.
Je me retrouve confrontée à de lourds questionnements par rapport à mon avenir qui devient soudainement tellement flou.
Réussirais-je à terminer des études ?
Pourrais-je un jour trouver un métier qui me convienne ?
Arriverais-je un jour à vivre avec la maladie ?
Je présente un travail qui est très personnel, avec des autoportraits et des images qui représentent beaucoup de choses pour moi, qui sont très intimes.
Je vais vous partager quelques instants de réflexion, des moments de trouble, des périodes de solitude que j’ai vécus au cours de différentes expériences de vie qui ont changé ou immobilisé mon quotidien. J’offre cette partie de moi que j’aurais aimé garder secrète.
C’est aussi agréable que déplaisant. Il peut être très douloureux de montrer une part de sa personne plus faible, c’est devenu en quelque sorte ma force.
J’essaie d’exprimer quelque chose de fort avec mes faiblesses. » Jean-Marie Wynants

Songs of the Walés est le fruit de divers séjours que Patrick Willocq a menés au nord de la République démocratique du Congo, dans une Afrique où il a vécu une part de son enfance et de son adolescence.

Dans les forêts de la région équatoriale vivent les Ekondas et les Ntom- bas, deux sous-groupes du peuple Mongo appartenant lui-même à l’ethnie Bantou ou Pygmée, lesquels pratiquent le rituel Walé, la « mère-allaitante », célébration originale de la maternité. Sitôt qu’elle a donné vie à son premier enfant, la jeune mère est emmenée en semi-isolement chez ses parents afin de protéger le nouveau-né, fille ou garçon, héritier de tout un clan. Il lui sera interdit de se livrer aux travaux des champs, à tout exercice physique, ou même de se promener seule, tout rapport sexuel étant proscrit. Toute l’attention et les soins seront portés à l’enfant, comme à la mère, aidée des Basomis, ses servantes et gardes, son élégance et ses courbes avantageuses faisant la fierté du clan. Le respect de ces interdits et d’une condition décidés par son époux et son père lui procure de fait un statut de patriarche aux yeux du clan. La Walé se couvrira en outre le visage et le buste de poudre rouge, autant pour se protéger des maladies que des mauvais esprits ou des hommes. Au terme de cette période d’isolement pouvant atteindre parfois jusqu’à cinq années, la Walé sera amenée à offrir un spectacle codifié, l’expression par le chant et la danse de ses désirs, de ses rêves, mais aussi de son expérience de recluse, cherchant avant tout à convaincre de sa supériorité sur les autres Walés, n’hésitant pas à les discréditer ; à l’issue d’une cérémonie de trois heures, la Walé sera projetée dans les airs depuis une nacelle, scellant ainsi la fin de sa réclusion, pour peu que son époux ait pu s’acquitter des coûts engendrés par le spectacle et par l’isolement de la jeune mère, la rémunération de l’entourage particulièrement.

C’est ici qu’intervient Patrick Willocq, pour fixer par l’image une tradi- tion orale : par la traduction que lui fera un ethnomusicologue du récit de la Walé, et en accord avec celle-ci, Willocq compose un véritable tableau photographique, une retranscription visuelle de l’un des frag- ments les plus marquants du rite qu’elle a vécu. Après la construction par la communauté d’un véritable décor de nattes, de feuillages et de bambous, trompe-l’œil végétaux et bigarrés, chaque Walé devient l’or- donnatrice de sa photographie et, avec son entourage, les acteurs de celle-ci. Il sera question de désirs d’avions ou de bateaux, d’hommes volages et repentants, de femmes méchantes et tentatrices que l’on a rêvées suspendues aux branches ; cela parlera aussi de ce Blanc qui vient les photographier au volant de sa jeep et qui aurait pu faire un bon mari. Mais cela donne surtout à voir et à pérenniser un rituel jusque-là incanté, et d’abord à celles-là même qui l’ont composé, en offrant sans jamais dérober puisque Willocq complètera « la valise » qui soldera de tout compte la dette de l’époux.

L’exposition Songs of the Walés est une immersion visuelle et sonore dans l’univers des Walés. Elle est non seulement composée de tableaux photographiques, de portraits, de wall papers, d’installation, d’images du making of, d’un film documentaire mais aussi ponctuée par des chansons des Walés

Née en Géorgie en 1985, Meggy Rustamova vit et travaille en Belgique depuis de longues années. Elle a suivi sa formation à la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten (KASK) de Gand ainsi qu’à l’Universität der Künste (UdK) de Berlin, et a complété ses études par une résidence post-académique à l’Hoger Instituut voor Schone Kunsten (HISK) de Gand. Passionnée des arts visuels, elle est active dans le milieu artistique depuis 2009. Elle a participé à de nombreuses expositions de groupe, a réalisé des performances, des projections, des installations, et depuis 2015 Meggy Rustamova a eu plusieurs expositions solo. Cette diversité de moyens d’expression montre les nombreux intérêts de cette artiste multiple et curieuse. Observatrice méticuleuse des réalités qui l’entourent, c’est dans l’attention qu’elle porte à ses expériences vécues qu’elle puise son inspiration. Deux films de l’artiste sont présentés dans notre Boîte Noire.

Le premier, L’invitation au voyage, emprunte son titre au poème de Charles Baudelaire écrit en 1857. La voix de l’artiste nous guide tout au long du film. La caméra parcourt les images qui se succèdent, les anime au-delà des mots, les rend vivantes. C’est un jeu subtil d’équilibre qui se déploie entre la narratrice, les images et la caméra. Une histoire poétique qui rappelle les vers de Baudelaire « Là, tout n’est qu’ordre et beauté, Luxe, calme et volupté ».

Light Displacement, le second film présenté, trouve son origine dans la volonté de Meggy Rustamova de photographier un arbre d’Hiroshima, au Japon. Le lieu choisi n’est pas anodin : il évoque dans l’imaginaire collectif la guerre atomique. Celle du passé mais également celle contemporaine qui menace notamment les États-Unis et la Corée du Nord. Rustamova exprime ce danger latent au travers de ses tirages surexposés qui s’additionnent jusqu’à mener au « white-out » complet. La partie centrale du film, l’arbre, est présentée sans contexte. Il pourrait être enraciné à Paris, Bruxelles ou Amsterdam, renforçant l’aspect universel de la question atomique. Pour conclure son film, l’artiste fait se succéder les différentes prises de vues de l’arbre, capturé sous multiples lumières. Elle montre ainsi l’impossibilité de la photographie de reproduire parfaitement le réel, lui préférant, pour un temps, la réalité mouvante de la vision cinématographique du début du film.

Charlotte Doyen
Collaboratrice scientifique en charge de

Dans mon jardin les fleurs dansent est une série entamée il y a quelques années, à Bugeat, en Corrèze, où ma mère a décidé d’aller vivre.
C’est l’histoire simple, mais comme beaucoup d’autres pas toujours facile, d’une femme, d’une mère, de liens, de ruptures, de deuils et d’envies.
De résignations et de renouveau, de souvenirs, de pleurs et de rires. Des images de là-bas et des textes d’ici.
Une histoire. Hier, douloureuse. Belle, aujourd’hui.
Olivier Cornil

«Dans mon jardin les fleurs dansent » est un titre pour le moins interpellant pour une exposition de photographies mais c’est bien celui choisi par Olivier Cornil pour illustrer par l’écriture et la photographie un récit autobiographique.
Esthétique sans prétention « plasticienne », artisanale et lente, formidablement perméable à l’humain comme à la poésie du détail, son approche photographique se complète souvent de textes, de docu- ments… Olivier Cornil livre en ces images de la série « Dans mon jardin les fleurs dansent » dans l’exposition et le livre qui l’accompagne, le résultat d’un travail récent et très personnel à propos de sa mère et du cercle familial, mené en Corrèze entre 2002 et 2018, s’attachant aux gens autant qu’aux éléments et au paysage. Ce travail nous parle de l’absence et de la mort et des errances du quotidien.

Olivier Cornil travaille un peu partout en Belgique et parfois ailleurs, ce qui a été régulièrement le cas lors des tournées du groupe Girls in Hawaii dont il fut longtemps « membre visuel » à part entière. Diplômé de l’ESA « Le Septante-cinq » à Bruxelles, il a exposé et publié, depuis lors, maints travaux mêlant souvent photographies et notes, à mi-chemin entre l’autobiographie pudique et une approche généreuse et sensible du documentaire. Son travail s’est surtout fait connaître lors des missions ou des expositions en Belgique : biennale du Condroz en 2013, Mons 2015 et commande d’architecture pour la Fédération Wallonie-Bruxelles dans la même région, « Propositions d’artistes » chez Contretype, à Bruxelles, en 2012. Il a publié de nombreux livres d’artiste et une monographie, Homeland / Vladivostok, chez Yellow Now, en 2013. Il enseigne depuis 2017 à l’ESA Saint-Luc Liège.

Dans la continuité des présentations régulières dédiées à la collection du Mudam, Figures sensibles dévoile une sélection d’oeuvres majeures issues du fonds photographique. Elle offre une réflexion sur le médium au travers de la question de la représentation et des effets de l’image sur notre approche du réel. Rassemblant douze artistes originaires d’Europe, d’Asie, du Moyen-Orient et d’Amérique du Nord, la présentation s’articule autour des notions de territoire et de figure au sens large du terme, et explore différents aspects de la pratique photographique contemporaine.
Mettant en oeuvre de rigoureux protocoles de prise de vue, des artistes comme Bernd et Hilla Becher (1931–2007 / 1934–2015) inventorient ainsi un monde industriel en voie de disparition.
La dimension documentaire présente chez les Becher se retrouve dans les photographies de vitrines luxembourgeoises de Valérie Belin (*1968) et plus encore dans celles de Martin Parr (*1952) qui, évoluant indifféremment entre le reportage et le champ artistique, croque de manière acerbe notre société contemporaine.
Oscillant entre enquête et fiction, Sophie Calle (*1953) ou Pasha Rafiy (*1980) exploitent quant
à eux, dans leurs périples respectifs à travers Venise et New York, le potentiel narratif des images, tandis que les mises en scène fantaisistes d’inconnus passionnés de mode par Kyoichi Tsuzuki (*1956) recomposent une réalité nouvelle. Ses clichés révèlent pourtant en creux de manière sensible autant de personnalités, et trouvent un écho dans l’atmosphère intimiste des images de Nan Goldin (*1953) et l’univers foisonnant de Wolfgang Tillmans (*1968) dont les portraits puisent dans la tradition picturale.

Artistes : Bernd et Hilla Becher, Valérie Belin, Sophie Calle, Roland Fischer, Nan Goldin, Shirin Neshat, Martin Parr, Pasha Rafiy, Mitra Tabrizian, Wolfgang Tillmans, Kyoichi Tsuzuki

Du 1er février au 30 avril 2019, l’exposition « Métro en vues » rassemble à Saint-Ouen-sur-Seine près de 70 photographies réalisées par les étudiants de l’École. Au cœur de cette commande : le Grand Paris Express, ses chantiers titanesques et les mutations urbaines qu’il annonce.

L’exposition est à découvrir à la Fabrique du métro, soit en accès libre lors de journées portes ouvertes les premiers samedis des mois de février, mars et avril, soit du lundi au vendredi dans le cadre de visites guidées avec inscription préalable obligatoire.

©Alexandre Wallon / ENS Louis-Lumière 2018

Une grue qui se déploie dans le ciel francilien, des gravats du Val-de-Marne annonciateurs d’un big-bang métropolitain, la chorégraphie d’une pelleteuse à Saint-Denis Pleyel, la vie secrète sous une dalle de 7 000 tonnes qui servira de toit à la gare Fort d’Issy – Vanves – Clamart : les imposants chantiers du nouveau métro ont accueilli 16 étudiants de l’ENS Louis-Lumière, durant plusieurs semaines, fin 2017 et début 2018. Cette commande photographique sera présentée du 1er février au 30 avril 2019 à la Fabrique du métro, espace dédié au Grand Paris Express situé à Saint-Ouen-sur-Seine.
Elle est le fruit d’un partenariat entre la Société du Grand Paris et l’ENS Louis-Lumière.

©Amanda Sellem / ENS Louis-Lumière 2018

Étudiants exposés :
Juliette Alhmah, Steven Baillin, Agathe Barisan, Antoine Clauzier, Elise Comte, Louis Dewynter, Laurelenn Jacquet, Emna Jaïdane, Sarah Krzyzaniak, Ana Lefaux, Amandine Loget, Marie-Pierre Magherini, Juliette Paulet, Amanda Sellem, Jules Séverac.

En accès libre lors de journées portes ouvertes
les samedis 2 février, 2 mars et 6 avril, de 11h à 18h
Visite guidée du lundi au vendredi, avec inscription obligatoire :
https://www.societedugrandparis.fr/gpe/visiter-la-fabrique-du-metro

L’histoire bégaie parfois et pas toujours pour le bonheur de tous. À deux pas de la Maison de l’Image Documentaire de Sète, le Môle Saint-Louis, vestige historique du port de Sète commémore à sa manière, de deux plaques modestes, le départ en mille neuf cent trente sept de 1599 réfugiés espagnols pour le Mexique, le seul pays à leur avoir offert l’hospitalité, et celui de 4551 rescapés de la Shoah qui appareillèrent le onze juillet mille neuf cent quarante sept pour la Palestine à bord de l’Exodus.
La Méditerranée est toujours là, qui baigne le port de l’île singulière, mais beaucoup ici ne la regardent plus comme on s’extasie devant une carte postale, mais comme une frontière meurtrière où 30.000 migrants ont perdu la vie au cours des huit dernières années.
L’Aquarius, le désormais célèbre navire, va finir sa carrière à Marseille faute de pouvoir continuer sa mission de sauver tous ceux qui se risquent à la traversée funeste, sans trop savoir, au cas où ils survivraient, de quoi leur avenir sera fait.
Nous avons décidé, puisque ce problème de réfugiés, migrants et autres parias ne date pas d’hier, de montrer le précieux travail photographique de John Vink qui, depuis les années quatre vingt jusqu’à l’aube des années deux mille, a sillonné le monde pour documenter avec une précision et une opiniâtreté rare le sort des réfugiés. Du départ contraint de leur pays, à l‘arrivée et à la tentative de reconstruction d’une vie « normale ». C’est alors tout le processus de ce déracinement qui nous apparaît dans une iconographie respectueuse, digne et talentueuse.
Nous montrerons à la MID une sélection des images de John Vink et nous débattrons avec les acteurs locaux, mais aussi nationaux, de cette problématique des réfugiés.
Cette exposition est organisée en partenariat avec Médecins Sans Frontières.

Afin d’encourager l’innovation dans les domaines de l’image et de la culture, la société de presse et de production Fisheye, via son incubateur dédié aux projets culturels innovants (l’Agrandisseur Fisheye), et Incuba’School, l’incubateur du campus de la Chambre de commerce et d’industrie de Paris Ile-de-France, lancent la deuxième édition de leur appel à projets.

Ce prix récompense des étudiants ou des futurs diplômés de la région Ile-de-France ayant créé ou travaillant sur un projet de start-up dans les domaines de l’image et de la culture. Les candidats ont jusqu’au 20 mai 2019 pour présenter leur projet. Ceux qui sont sélectionnés seront présentés devant un jury entre le 11 et le 18 juin. La remise des prix aura lieu à la fin du mois de juin. A la clé pour le projet lauréat : 3000 euros en financement direct et 2000 euros en accompagnement.

Pour les candidatures non retenues, cet appel à projets est également l’opportunité d’être repéré par l’Agrandisseur Fisheye qui décidera d’un éventuel accompagnement sur-mesure de six mois. En 2018, la première édition avait récompensé Mila, start-up spécialisée dans la rééducation des troubles du langage et de l’apprentissage par la musique.

> Pour accéder à l’appel à projets, cliquez sur le lien suivant :
http://agrandisseurfisheye.fr/wp-content/uploads/2019/01/appel-a-projet_Fisheye2019.pdf

À propos de l’Agrandisseur Fisheye :
Lieu d’accompagnement pour les projets innovants et à fort potentiels centrés sur l’image et la culture, l’Agrandisseur Fisheye propose aux start-up un programme personnalisé de formation qui leur permet notamment d’affiner leur modèle, d’expérimenter leur solution et d’acquérir les outils nécessaires à leur développement.
www.agrandisseurfisheye.fr

L’exposition est une véritable rétrospective de l’oeuvre de Steve McCurry : pour la première fois à Lyon, plus de 200 de ses photos sont présentées au public. On peut y admirer ses clichés les plus célèbres, réalisés tout au long de ses 35 ans de carrière, mais également maintes photos inédites.
Conçue par Biba Giacchetti et scénographiée par Peter Botazzi, l’exposition propose un long voyage dans le monde de Steve McCurry, de l’Afghanistan à l’Inde, de l’Asie du Sud-Est à l’Afrique, de Cuba aux États-Unis, du Brésil à l’Italie, à travers son vaste et fascinant répertoire d’images, où l’Humain est toujours le protagoniste principal, même s’il n’est qu’évoqué.

L’objectif de Steve McCurry était de capturer des images poétiques, dans des lieux du monde où la vie est plus difficile. Parmi celles-ci se retrouvent quelques clichés récents, animés par la recherche d’une dimension quasi métaphysique de l’espace, où l’absence est parfois à la base de l’histoire et d’où émerge avec force sa passion pour le cinéma. Il ne manque pas non plus de montrer les atrocités de la guerre et la violence dont l’humanité est témoin et parfois protagoniste : des Twin Towers photographiées depuis son studio new-yorkais à la guerre du Golfe, du conflit afghan au tsunami japonais, des enfants soldats à la souffrance dans les hôpitaux.

La scénographie de Peter Botazzi plonge le visiteur dans un labyrinthe d’images qui le force à des découvertes successives.
Ici, pas de classement chronologique ou thématique mais un tourbillon de chocs visuels plus forts les uns que les autres.
Le visiteur se perd dans le monde de l’artiste, dans ses yeux.

Le parcours s’ouvre sur une sélection de photos inédites en noir et blanc, réalisées par Steve McCurry entre 1979 et 1980, pendant son premier reportage en Afghanistan, où il est entré clandestinement, guidé par un groupe de moudjahidin qui combattait les troupes soviétiques. Il y est retourné de nombreuses fois et c’est au cours d’un de ces voyages qu’il photographie Sharbat Gula dans le camp de réfugiés de Peshawar au Pakistan. Cette photo, publiée dans le National Geographic, est, depuis lors, devenue une icône de la photographie mondiale, mais aussi un symbole d’espoir et de paix.
Dans l’exposition, un espace entier est d’ailleurs consacré à cette jeune femme. A côté de son premier portrait, devenu célèbre, le visiteur peut découvrir celui que McCurry a fait d’elle 17 ans plus tard, après de longues recherches. Un reportage raconte son histoire et celle des retrouvailles avec le photographe.
Le visiteur s’engage alors dans le labyrinthe d’images qui forme le coeur de l’exposition. Le parcours est tout en transparence, les photos étant présentées en avant-plan de tulles qui figurent la présence du monde dans le lieu de l’exposition. Il est entraîné dans un tourbillon où se mélangent les âges, les cultures, les ethnies. Chaque photo est bien sûr légendée, mais a minima, à chacun de réaliser sa propre découverte, de comprendre ce que chaque photo lui dit. Pour une cinquantaine d’entre elles cependant, le visiteur peut, grâce à un audoguide qui lui est fourni gratuitement, entendre Steve McCurry lui expliquer l’histoire de ses photos avec des anecdotes et des témoignages passionnants.
Tout le parcours est consacré à des vidéos où McCurry raconte ses voyages, son expérience de vie et sa conception de la photographie.

Diplômé de l’EESI en 2007, Régis Feugère est revenu s’établir à Angoulême il y a trois ans. Artiste photographe, ses œuvres traduisent son affection romantique pour les espaces esseulés, pour les moments suspendus et les circonstances transitoires.
Régis Feugère a souhaité mener un travail de création dans un quartier en mutation d’Angoulême, L’Houmeau, où est situé le site angoumoisin du FRAC Poitou-Charentes.

Le quartier de L’Houmeau, sur la rive du fleuve Charente, prospéra du 12ème siècle jusqu’à l’essor du chemin de fer lorsque celui-ci supplanta le commerce fluvial et entraina un long déclin du faubourg. La cause de son déclin semble aujourd’hui l’ouvrir à une seconde vie avec l’adaptation des accès à la gare (passerelle) aux exigences de la ligne à grande vitesse Bordeaux-Paris qui en fait un quartier attractif. Des îlots vétustes ont été démolis et des complexes immobiliers mêlant commerces, logements et services vont être édifiés dans les prochains mois, ancrant, avec le FRAC et l’Alpha, médiathèque de GrandAngoulême, le quartier dans le 21ème siècle.

Régis Feugère offre une documentation très subjective de cette mutation. Ses photographies révèlent les strates historiques de cet urbanisme qui, par le passé comme actuellement, est le produit de l’activité des personnes qui y vivent et y travaillent. Aussi l’ensemble créé mêle-t-il paysages indécis où la végétation adventice prolifère entre le bâti désaffecté et les terrains en attente, vues d’architecture et d’urbanisme et portraits de personnes qui travaillent dans le quartier.

En restitution de cette résidence de création qu’il a accompagnée en coordination et médiation tout au long de l’année 2018, le FRAC Poitou-Charentes présente une sélection de photographies sur son espace mezzanine. Des tirages exposés dans l’espace public du quartier articulent cette exposition à celle, complémentaire, accueillie par l’Alpha.

Ce projet est une carte blanche confiée à Régis Feugère par GrandAngoulême, le FRAC Poitou-Charentes et l’Alpha.
Par leurs contributions spécifiques, la Ville d’Angoulême et le Département de la Charente permettent la publication d’un livre présentant toutes les photographies de la série Adventices.

Dans le cadre de leurs collaborations, les FRAC de Nouvelle-Aquitaine ont invité Aurélien Mole, artiste photographe, à concevoir un cycle d’expositions à partir de leurs collections photographiques. Pour ce premier volet au FRAC Poitou-Charentes, il s’est associé à l’artiste Julien Carreyn pour nous offrir un accrochage inédit. Rendez-vous en juin à la MÉCA avec le FRAC Aquitaine pour le second volet.

Les trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine ont engagé d’intensives collaborations dans les champs suivants : diffusions communes d’oeuvres de leurs collections, développements numériques, médiation, étude mutualisée des collections.
Dans ce cadre, ils ont invité Aurélien Mole, artiste et, par ailleurs, photographe spécialisé dans la documentation de l’art contemporain, à concevoir un cycle d’expositions à partir de leurs collections photographiques. Chaque exposition sera singulière dans sa manière de composer avec les collections, par les collaborations initiées par le commissaire et par les oeuvres impliquées.
Pour cette première édition, présentée au FRAC Poitou-Charentes, site d’Angoulême, Aurélien Mole s’est associé à l’artiste Julien Carreyn dont l’oeuvre, sensible à la temporalité des esthétiques, creuse le potentiel poétique et symbolique de ce genre artistique académique qu’est le nu.
L’exposition qu’ils ont conçue ensemble, avec la complicité des équipes des trois FRAC, révèle l’attention particulière portée par les trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine à une photographie « de photographes », en particulier au cours de la première décennie de la constitution de leurs collections alors que ce médium n’avait pas encore été largement investi par les artistes plasticiens.
La cinquantaine d’oeuvres retenue procède ainsi d’une sélection délibérément subjective opérée par les artistes-commissaires selon une « coupe esthétique » à travers les collections orientée par la question suivante : « Quelles photographies aimerions-nous voir portées par un modèle nu dans la salle d’exposition ? ».
Ainsi, outre les pièces issues des collections des trois FRAC présentées en un accrochage linéaire sur réglette soulignant la matérialité de ces objets, l’exposition présente des oeuvres photographiques créées par Aurélien Mole et par Julien Carreyn au cours du montage.
Une publication, livre d’artistes bien plus que catalogue d’exposition, prolongera cette expérience artistique inédite avec des collections.

« Choisir des images en pensant à des corps c’est faire le pari que l’on peut concevoir une exposition sans en passer par les mots : ou chacun peut se risquer au contact des images. (…) Cette exposition est réalisée sous le haut patronage de Sainte Véronique, patronne des photographes que l’iconographie classique représente sous les traits d’une femme tenant entre ses mains un drap sur lequel l’image du visage du Christ s’est miraculeusement formée : un corps tenant une image. » (Aurélien Mole)

La prochaine exposition de ce cycle sera à découvrir du 29 juin au 9 novembre 2019 au sein de l’exposition «Il est une fois dans l’Ouest» au FRAC Aquitaine dans les nouveaux espaces de la MÉCA. Aurélien Mole y livrera un nouveau regard sur les collections photographiques des trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine avec la complicité du photographe Éric Tabuchi. Ce cycle d’expositions, partenariat des trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine se poursuivra ensuite chez des partenaires à Orthez, Mérignac, Limoges, Niort… par des formats spécifiques.

Commissariat Aurélien Mole et Julien Carreyn
Avec des oeuvres de : Rogi André | Harry Callahan | Arnaud Claass | Marc Deneyer | Robert Doisneau | Trisha Donnelly | Patrick Faigenbaum | Bernard Faucon | Peter Fischli & David Weiss | Michel François | Lee Friedlander | Anne Garde | Luigi Ghirri | Jan Groover | Florence Henri | Peter Hujar | Manuel Ismora | Michel Journiac Benoît Maire | Willy Maywald | Francis Morandini | Yan Morvan | Jean-Luc Moulène | Jean-Luc Mylayne | Bernard Plossu | August Sander | Émile Savitry | Josef Sudek | Didier Vermeiren | Willy Zielke
Collections FRAC Aquitaine, FRAC-Artothèque Nouvelle-Aquitaine Limousin, FRAC Poitou-Charentes et oeuvres inédites de Aurélien Mole et de Julien Carreyn

Photo © Arnaud Claass

L’époque est celle des développements technologiques, de ceux qui accroissent le potentiel de nouvelles découvertes. Elle est aussi celle de la résurgence des obscurantismes et d’une pensée accréditant les « alternative facts ». À la paresse et à la peur, le scientifique, comme le photographe, oppose un objectif : comprendre et éprouver les réalités du monde et tenter de les représenter. L’exposition SCIENCE fictions explore le phénomène d’attractions exercé par la science sur la création photographique contemporaine.

Rapidement considérée selon la formule de l’astronome Jules Janssen comme la « rétine du savant », la photographie, elle-même fruit de la science, devient l’outil de prédilection de la méthode scientifique, supplantant définitivement à la fin du XIXe siècle l’illustration. Dès les années 1920, envisagée sous le prisme surréaliste, la photographie scientifique jusqu’alors jugée impartiale et irréprochable va révéler son aura poétique. Si l’attraction des arts et parmi eux de la photographie pour la science n’est pas nouvelle, elle connaît ces dernières années un nouvel essor. L’exposition retient quelques-uns des travaux les plus récents sur le sujet, de l’approche documentaire et son potentiel poétique à l’exploration fictionnelle franche. Elle met au jour le parallèle entre la figure du scientifique, confronté à la nécessité de représenter ses objets d’étude au travers d’expérimentations en laboratoire, et celle du photographe, cherchant à faire image. Chacun de ces travaux singuliers vient rappeler l’existence de l’insondable mystère de notre présence au monde et notre persévérance à vouloir le déchiffrer. La création artistique rejoint là la recherche scientifique, posant comme un principe fondamental la liberté de chercher, le désir de comprendre.

Avec les oeuvres de : Berenice Abbott, Mustapha Azeroual, David Fathi, Robert Frank, Marina Gadonneix, Jos Jansen, Jan Köchermann, Sara Naïm, Nicolas Polli, Brea Souders, Patrick Tosani

Remerciements aux galeries Binôme (Paris), Les Douches (Paris), Christophe Gaillard (Paris), Howard Greenberg (New York), Mathias Güntner (Hambourg), Fabienne Leclerc – IN SITU (Paris), au Museum of Fine Arts (Houston) ainsi qu’au centre de recherche Deutsches Elektronen-Synchrotron (DESY, Hambourg).

Avec le soutien de Pro Helvetia.

Julie Béna travaille sur des environnements s’inspirant des univers de la littérature, du cinéma, du théâtre et de la culture populaire. Procédant par le biais d’incongruités, de changements et de déplacements, Béna détourne les images et les objets du quotidien. Ces derniers deviennent progressivement sujets à une variété de fictions poétiques et étranges. À travers l’installation, la photographie, la vidéo et la performance, l’artiste étudie des moments de transition, comme le passage qui sépare la nuit du coucher de soleil.

Julie Béna (1982, France) vit et travaille entre Paris et Prague. Elle est diplômée de la Villa Arson de Nice et de la Gerrit Rietveld Academie d’Amsterdam. Elle a récemment été nominée pour le prix AWARE destiné aux artistes femmes. Son travail a été exposé au Centre d’art Passerelle, à Brest ; à la galerie Joseph Tang, Paris ; au FUSED Space, San Francisco ; au Mathew, New York, et à BOZAR, Bruxelles. Elle a récemment pris part à des performances institutionnelles à la Fondation Ricard, Paris ; au M, Louvain ; à l’ICA, Londres, et au Palais de Tokyo, Paris. En 2018, Béna est invitée à la prochaine Biennale de Rennes. Cette même année, elle présente des performances à l’Independent, à Bruxelles ; au Centre Pompidou, à Paris, et au MRAC de Sérignan. Elle est représentée par la galerie parisienne Joseph Tang.

Un catalogue est publié à l’occasion de l’exposition. Coédition Jeu de Paume et Musée Amparo de Puebla, Mexique. Bilingue français-anglais, 15 x 21 cm, 64 pages, 14 €. Également disponible au format e-pub au prix de 6,99 €

Cette première rétrospective des photographies de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale est centrée sur les années 1970. Elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleur sans équivalent dans l’Europe de l’époque.

Géomètre de formation, Luigi Ghirri commence à photographier durant le week-end au début des années 1970, arpentant les rues, places et faubourgs de Modène, échafaudant des projets et des thématiques. Il pose sur les signes du monde extérieur un regard attentionné et affectueux en observant, sans les commenter ouvertement, les modifications apportées par l’homme au paysage et à l’habitat de sa province d’origine, l’Émilie-Romagne, baromètre d’un vernaculaire local exposé à l’avènement de nouvelles formes d’habitat, de loisirs et de publicité.

« Je m’intéresse à l’architecture éphémère, à l’univers de la province, aux objets considérés comme de mauvais goût, kitsch, mais qui, pour moi, ne l’ont jamais été, aux objets chargés de désirs, de rêves, de souvenirs collectifs […] fenêtres, miroirs, étoiles, palmiers, atlas, globes, livres, musées et êtres humains vus par l’image. »

À la fin de cette décennie, Luigi Ghirri a accumulé des milliers de vues et élaboré un style singulier et un cadre conceptuel complexe pour présenter son travail. Cette première décennie culmine avec deux temps forts : la publication, en 1978, de Kodachrome, un ouvrage photographique véritablement exceptionnel, et une exposition majeure, « Vera Fotografia », qui se tiendra en 1979 au centre d’exposition de l’Université de Parme, organisée par Arturo Carlo Quintavalle et Massimo Mussini, et qui, à travers quatorze projets et thèmes, retrace le mode de pensée et d’action propre à Luigi Ghirri.

« Cartes et territoires » reprend la cartographie poétique de l’exposition de 1979 où l’on trouvait à la fois des projets très cadrés comme Atlante (1973), constitué de photographies de pages d’atlas, et Colazione sull’erba (1972-1974), où l’artiste observe l’interface entre artifice et nature dans les petits jardins de Modène, et des groupes plus diversifiés comme Diaframma 11, 1/125, luce naturale (1970-1979), qui portent sur la façon dont les gens photographient et sont photographiés, ou le paysage des signes de l’Italie provinciale dans Italia ailati et Vedute (1970-1979).

Luigi Ghirri éprouve une fascination indéfectible pour les représentations du monde, pour les reproductions, images, affiches, maquettes et cartes et pour la façon dont ces représentations s’insèrent dans le monde, en tant que signes au sein de la ville ou du paysage.

La médiation de l’expérience par l’image dans une Italie partagée entre ancien et nouveau a constitué, pour Luigi Ghirri, une source inépuisable d’étude, «une grande aventure dans le monde de la pensée et du regard, un grand jouet magique qui réussit à faire coïncider miraculeusement notre connaissance adulte et le fabuleux monde de l’enfance, un voyage continu dans le grand et le petit, dans les variations à travers le règne des illusions et des apparences, des labyrinthes et des miroirs, de la multitude et de la simulation. »

Florence Lazar (née à Paris en 1966) est artiste, cinéaste et photographe. Elle s’attache dans son œuvre à faire surgir des récits minoritaires dans des contextes géographiques et sociaux particuliers. Le recours à l’enquête et l’attention portée au processus de transmission de l’histoire sont au cœur de son travail.

L’exposition de Florence Lazar au Jeu de Paume propose une mise en perspective de son œuvre à travers une sélection de films et de photographies datant de 2000 à aujourd’hui. À la fin des années 1990, au sortir des guerres d’ex-Yougoslavie, Florence Lazar se saisit d’une caméra vidéo et se rend sur place. Elle a besoin de comprendre ce qui vient d’avoir lieu sur ce territoire tout à la fois proche, par son histoire familiale, et étranger, parce qu’elle vit en France et n’en parle pas la langue. La forme documentaire fait ainsi irruption et s’impose durablement dans son œuvre.

Elle a ainsi réalisé un ensemble de films sur différentes situations issues du conflit en ex-Yougoslavie (la fin de la guerre, la chute de Milošević, la création d’une cour spéciale à Belgrade pour juger les crimes de guerre, la réécriture de l’histoire en République serbe de Bosnie). Parallèlement, elle a exploré d’autres contextes géographiques et sociaux, en s’intéressant à la restructuration urbaine d’une ville de la banlieue parisienne, Montfermeil, ou plus récemment, aux conséquences de l’usage massif du pesticide Chlordécone dans les bananeraies antillaises. L’ensemble de ces œuvres propose une relecture des évènements et questionne la notion de transmission dans des contextes d’entravement ou d’effacement de la mémoire collective. Ces problématiques se poursuivent dans son travail photographique où sont réanimés les débats nationaux et transnationaux autour de la période de la décolonisation et des fragments de l’histoire de la gauche autogestionnaire française.

L’enjeu de l’exposition est de rendre perceptible ces positions minoritaires et leur acuité, aussi bien dans l’urgence de la crise ou de la lutte qu’au regard de l’Histoire. Dans le film Les Paysans tourné en 2000 au sortir de la guerre, un paysan serbe livre sa vision du régime de Milošević. Kamen [Les Pierres, 2014] (2014) retrace la manière dont la falsification de l’histoire s’impose comme prolongement de l’épuration ethnique dans l’actuelle République serbe de Bosnie. Faisant entendre une voix dissidente et féministe, le groupe de parole des Femmes en noir (2002) montre un hors-champ de la guerre en ex-Yougoslavie. Dans Confession d’un jeune militant (2008), le père de l’artiste présente sa bibliothèque et redessine un cheminement intellectuel et militant à travers la gauche française.

Conjointement à cette sélection d’œuvres anciennes, l’exposition du Jeu de Paume dévoile la nouvelle création conçue pour l’occasion par Florence Lazar en Martinique. L’artiste y montre le combat d’une agricultrice pour un système qui tienne compte des spécificités et des besoins locaux.

« Tu crois que la terre est chose morte… c’est tellement plus commode ! (Morte, alors on la piétine.) »
Aimé Césaire

La Série photographique au collège Aimé-Césaire (2012-2016) réanime les débats nationaux et transnationaux autour de la période de la décolonisation, à travers couvertures de livres, revues, affiches et cartes saisies par de jeunes collégiens. La série Jeune militant (2008-2012), en écho au film Confessions d’un jeune militant, met en présence un adolescent et la revue Socialisme ou barbarie. Objets culturels et corps en devenir produisent un hiatus entre toucher et connaissance.

L’exposition s’attache à montrer comment la pratique documentaire de Florence Lazar s’est constituée, comment le plan fixe vidéo, issu de la photographie et d’une pratique antérieure du portrait, a évolué vers une image qui se creuse et un montage ciselé. Ce cheminement est aussi en soi une forme de transmission. Il est l’occasion de se rapprocher, de franchir le seuil de l’image pour accompagner ces mouvements, de circuler parmi des récits hétérogènes pour tenter de démêler les écheveaux de l’histoire qui s’est jouée ou se joue encore.

Le corpus d’œuvres de l’artiste traduit aussi une expérience du regard et de l’attention pour parvenir à discerner et à construire un point de vue. Rien n’est donné d’emblée. Aucune réponse en tant que telle, mais des fragments à assembler et des liens à tisser à partir de faits et de récits subjectifs défiant l’autorité de l’histoire dominante.

Après avoir été exposé au musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 2010, le travail de Florence Lazar a été présenté dans plusieurs festivals dont le FID Marseille, Cinéma du réel et l’International Women Film Festival de Barcelone. L’artiste a également obtenu le prix Qualité du CNC pour le film Les Bosquets (2012). Son film Kamen a remporté le prix de la Compétition française du festival Cinéma du réel 2014. Son œuvre est présente dans de nombreuses collections publiques, notamment au Musée de Grenoble, au Centre national des arts plastiques, au musée d’Art moderne de la Ville de Paris et au musée national d’Art moderne-Centre Pompidou.

Un catalogue est publié à l’occasion de l’exposition. Textes de Sandra Cattini, Dean Inkster, Rasha Salti et Giovanna Zapperi. 192 pages, 100 ill., 35 €

De son observation attentive du monde, Virginie Marnat construit des images questionnant les aspirations de l’être humain, ses conditionnements et représentations. Saisissant des instants de vie, au naturel ou mis en scène, elle synthétise dans l’image des modes de relation à l’autre, entre être et paraître. Les attitudes et postures révèlent une apparence sociale tout comme un état intérieur. Jouant de toutes les potentialités de la photographie, l’artiste nous propose des oxymores visuels où se mêlent la réalité et l’invraisemblable. Des personnages nous scrutent, nous laissant constituer le récit en notre for intérieur.
La force du travail de Virginie Marnat est de créer des évidences visuelles qui une fois vues, nous incitent à nous considérer et considérer l’autre avec une plus grande profondeur.

Virginie Marnat est née en 1970. Elle vit et travaille à Dijon. Formée à l’école des beaux-arts de Dijon, elle étudie plus spécifiquement la photographie au Brooks Institute of Photography en Californie, aux Etats-Unis. Elle réalise en 1999/2000 une résidence à Göteborg en Suède. Son travail est présent dans les collections du Consortium de Dijon, du Frac Bourgogne, de la Fairpath Foundation (Etats-Unis). Elle a réalisé en 2014 une commande publique pour la Ville de Chalon-sur-Saône, sur l’avenue Kennedy dans le quartier des Prés-Saint-Jean.

Soumise à la morsure est l’œuvre primée et produite par les Ateliers Vortex dans le cadre de la quatrième édition du Prix Impression Photographique soutenu par le musée Nicéphore Niépce et la Région Bourgogne-Franche-Comté.

Soumise à la morsure est un projet photographique ancré sur le territoire où vit Coline Jourdan. Il s’inspire du déversement d’eau de javel dans la rivière du Cailly, l’un des affluents de la Seine, en 2009. Cette pièce est une réflexion sur le paysage qui oscille entre vision romantique et une inquiétude face aux bouleversements environnementaux. Pour ce projet, la pellicule est révélée à l’eau de javel. Il résulte de cette interaction chimique des images noircies et tachetées dans lesquelles tente de persister des fragments de paysages.

Dans les contes, le miroir est le symbole d’une porte vers un autre monde. L’artiste néerlandaise Viviane Sassen (1972) voit son travail photographique comme un miroir, une façon d’évoquer le monde du rêve et de se saisir de son subconscient à partir d’instants du quotidien. L’exposition, qui réunit des travaux réalisés au cours des dix dernières années, compose un récit inattendu de l’œuvre de cette artiste très remarquée sur la scène internationale, et qui s’apparente à l’autoportrait. La photographie lui permet de capturer l’étrange, le magique et le merveilleux. Dans Hot Mirror, les séries de Sassen se mêlent: on y retrouve les photographies de Flamboya, réalisées au Kenya où Sassen a vécu durant trois ans lorsqu’elle était enfant, celles de Parasomnia qui évoquent le sentiment de décalage lorsqu’on est entre l’état d’éveil et de sommeil, celles de UMBRA qui est une exploration sur le thème de l’ombre physique et psychologique, et sa série la plus récente Of Mud and Lotus, où la transformation des œuvres par le collage ou la peinture symbolise des thèmes qui lui sont chers, la maternité et la fertilité. Enfin, Sassen nous convie dans son monde captivant avec TOTEM, une installation immersive faite d’images en mouvement et de miroirs. Ici la présence des visiteurs, plongés dans un paysage infini et transformés en ombres portées, entre en interaction avec la projection de l’artiste qui nous désoriente une fois de plus. Ainsi les poèmes visuels de Sassen sont tels des miroirs renvoyant au spectateur ses questions plutôt que ses réponses.

L’exposition est organisée en collaboration avec le musée britannique The Hepworth Wakefield, et est accompagnée d’un livre paru en anglais aux éditions Prestel. L’artiste est représentée par Stevenson Gallery, Cape Town.

Le travail de Laura Letinsky (1962) nous renvoie à un autre temps. Travaillant avec un Polaroïd 55, le fameux procédé à développement instantané qui donne une image unique, Letinsky photographie des fruits, des fleurs, de la nourriture, des ustensiles et des objets de la vie quotidienne. Pour qui connaît le travail de la photographe canadienne, on y retrouve ses natures mortes, genre dans lequel elle excelle depuis les années 1990. Comme de nombreux photographes avant l’ère du numérique, elle utilisait le Polaroid pour faire des tests. Alors même qu’elle s’apprêtait à se débarrasser de ces tirages, elle fut intriguée par leurs dégradations. Le matériau avait pris un chemin imprévisible et offrait par lui-même une réflexion sur la vulnérabilité de la vie. Alors que le numérique a rendu la photographie contemporaine immatérielle et par bien des aspects nette et lumineuse, les Polaroids de Letinsky dont la détérioration est causée par la chimie, le hasard et le passage du temps, nous saisissent. Il en émane un mystère, une étrangeté, comme une métaphore de la vie.

L’exposition est accompagnée d’un livre paru en anglais aux éditions Radius Books. L’artiste est représentée par la galerie Yancey Richardson, New York.

L’artiste français·e SMITH ( 1985) développe un travail où la métamorphose de soi prend une place centrale. Ses images poétiques invitent à la contemplation et évoquent le souvenir de corps absents. Similaires à des images de laboratoire, ses Spectrographies font référence aux nouvelles technologies qui nous permettent, par l’intermédiaire d’un écran, de regarder, d’échanger, de toucher des êtres pourtant physiquement absents. SMITH s’est armé·e ici d’une caméra thermique afin de poursuivre son exploration d’une anatomie transformée, cherchant à représenter un au-delà du corps. Ses photographies thermiques – ou thermogrammes – sont des spectres conjurant l’absence. Dans le film qui accompagne la série, un personnage déambule seul dans la nuit. Là aussi, le corps se transforme en fantôme, le manque devient une force plastique qui affirme sa présence par surbrillance. Dans ce face-à-face avec l’invisible, l’être disparu fait présence. Il s’agit pour l’artiste de convoquer la philosophie, la littérature, le cinéma, les sciences et la psychanalyse dans une œuvre qui donne à voir l’invisible.

L’exposition est organisée en collaboration avec la galerie Les Filles du Calvaire, Paris. Une interview de l’artiste par Joël Vacheron paraît dans la série « Pouvez-vous nous parler … », publiée trois fois par an par le MBAL.

L’Amour…
Si l’on s’en tient à la définition du dictionnaire, l’amour renvoie à un large éventail de significations, de sentiments : de l’amour filial à la dévotion spirituelle, du romantisme au désir passionné. Dans l’histoire des arts, les relations amoureuses ont été continuellement célébrées. Jeune adolescent ailé, baiser à la dérobée, amants damnés pour l’éternité,… Du coup de foudre à la disparition des sentiments, toutes les étapes des rapports amoureux ont inspiré bien des œuvres littéraires et plastiques.

L’exposition « Probabilité 0.33 » propose un regard photographique décalé, voir corrosif sur le sujet. Le médium, à travers les collections du musée Nicéphore Niépce et le travail d’artistes contemporains, offrira au public une vision éclectique des relations amoureuses.
“Probabilité : 0.33” – comme une chance sur trois de réussir sa vie de couple – est une exposition conçue comme un face à face entre photographies vernaculaires (cartes postales, vues stéréoscopiques, photographies de famille, portraits de mariage, ou photomontages pour la presse à scandale, etc.) et travaux contemporains évoquant les rapports amoureux, tels les séries de Delphine Balley, François Burgun, Natasha Caruana, Olivier Culmann, Anouck Durand, Amélie Landry, Romain Mader, Virginie Marnat, Jenny Rova, Thomas Sauvin [Beijing Silvermine], et Manon Weiser. 
L’exposition dissèque, par chapitre, les étapes d’une histoire d’amour dont l’issue reste incertaine…

Du 20 février au 20 mai 2019 le Musée National des Arts Asiatiques, Guimet (Mnaag) présente l’exposition Infinis d’Asie de Jean-Baptiste Huynh. Le parcours de l’exposition s’articulera en trois grandes parties, l’une sera consacrée à la première rétrospective sur l’intégralité du travail photographique de Jean-Baptiste Huynh – portraits et natures mortes – réalisé en Asie depuis plus de vingt ans (Vietnam, Inde, Japon, Chine, Cambodge…) ; la seconde mettra en scène l’interprétation d’œuvres issues des collections du Musée national des arts asiatiques – Guimet (miroirs, bols à thé, divinités bouddhiques, objets de passage…) ; enfin, il sera possible de découvrir sa dernière série inédite REFLECTION – dédiée à la beauté du visage de la femme en Asie dans sa diversité : reflets de visages à travers des constellations.

Jean-Baptiste Huynh est né en France, en 1966, de mère française et de père vietnamien. Autodidacte, il apprend les techniques photographiques, d’éclairage et de tirage. L’écriture photographique épurée et intemporelle de Jean-Baptiste Huynh lui permet de décliner son travail à travers des sujets variés : le portrait, le nu, l’univers minéral ou végétal, ou encore les symboles spirituels emblématiques des pays dans lesquels il travaille. Les thèmes récurrents de son œuvre sont le regard, l’image de soi, la lumière, l’intemporalité et la relation à l’infini. Jean-Baptiste Huynh est le premier artiste français vivant à bénéficier d’une exposition monographique dans les espaces du rez de jardin du Musée national des arts asiatiques – Guimet.

Soucieux de soutenir et promouvoir la création contemporaine, le Musée de l’Elysée présente la première exposition personnelle en institution muséale du projet A Myth of Two Souls de Vasantha Yogananthan. Né en 1985, le photographe autodidacte français appartient à une génération qui aime brouiller les lignes entre fiction et réalité.
Cette série est inspirée par le Râmâyana, œuvre fondamentale de la mythologie hindoue, écrite en sanskrit entre le IIIe siècle av. J.-C. et le IIIe siècle de notre ère.

Depuis six ans, Vasantha Yogananthan se rend régulièrement en Inde et au Sri Lanka pour compléter son projet. L’essentiel des sept chapitres qui le composent sont pour la première fois exposés ensemble. Un espace consacré à chacun est aménagé à l’étage inférieur du Musée de l’Elysée, créant ainsi une atmosphère propre à chaque stylistique convoquée par l’artiste pour raconter son histoire. Si les premières salles sont de facture traditionnelle et présentent, au mur, des tirages encadrés, la suite accorde une large place à la projection, au papier peint ou à l’installation.
L’artiste met en effet au point des traitements esthétiques différents et explore, ou revisite, des techniques ancestrales.
C’est le cas notamment de la section inaugurale de A Myth of Two Souls, constituée de photographies en noir et blanc, réalisées à la chambre, puis colorisées à la main par un peintre indien, comme cela se faisait traditionnellement au XIXe siècle, avant l’apparition de la pellicule couleur. Vasantha Yogananthan se réapproprie cette technique tout en la modernisant : il réalise ses photographies hors studio, avec des passants devenus acteurs. Le champ du portrait domestique est ainsi étendu à l’ensemble de la société – sans distinction de classe – et du territoire, des métropoles à la campagne profonde.

Les sept chapitres exposés – Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue – offrent aux visiteurs une déambulation à la fois temporelle et géographique, tout en leur faisant découvrir des techniques photographiques peu répandues et une scénographie originale. L’exposition comprend des œuvres photographiques, des tirages repeints ainsi qu’une installation vidéo multi-canale.

Commissariat
Vasantha Yogananthan et Lydia Dorner, Musée de l’Elysée, avec la collaboration du studio Kummer & Herrman

Souhaitant mettre en lumière l’œuvre pionnier des femmes photographes au cours du XXe siècle, le Musée de l’Elysée présente une importante rétrospective consacrée à Martine Franck (1938-2012). Conçue par la Fondation Henri CartierBresson, Paris, et coproduite avec le Musée de l’Elysée, cette exposition, unique par son ampleur, est constituée de près de 140 photographies, dont certaines inédites, en grande partie sélectionnées par la photographe de son vivant.

Au-delà de ce regard inédit d’une photographe sur l’ensemble de son œuvre, ce projet d’exposition et d’édition est fondé sur une étude approfondie des archives de Martine Franck, ce qui lui permet de se démarquer des rétrospectives précédentes.

Figure essentielle de l’art photographique du XXe siècle, membre de l’agence VU en 1970, cofondatrice de l’agence Viva en 1972 et membre de la coopérative Magnum à partir de 1983, journaliste, reporter et portraitiste, Martine Franck vient à la photographie à travers une démarche personnelle liée en grande partie à ses voyages en Asie et en Europe. Lorsqu’elle décide de se consacrer à la carrière de photographe, elle choisit un domaine d’activité comprenant encore peu de femmes. Elle réussit pourtant à trouver sa place en s’attachant à des sujets peu abordés par ses confrères, comme le monde du travail, les femmes, la vieillesse, la solidarité et l’humanitaire. Durant une cinquantaine d’années, indépendamment de tout courant esthétique, elle a ainsi construit une œuvre personnelle principalement consacrée à la condition humaine à travers le monde.

En programmant cette exposition, le Musée de l’Elysée offre au public la possibilité de redécouvrir une œuvre majeure qui, au-delà de la diversité des sujets, porte un regard intense et singulier sur notre époque.

De nombreux documents d’archives, dont certains inédits, viendront enrichir l’exposition conçue par la Fondation Henri Cartier-Bresson. Ils illustreront, dans des vitrines dédiées, les relations étroites entre Martine Franck et Lausanne, en particulier son exposition en 1979 à la galerie Portfolio dirigée par Jean-Pierre et Marlène Vorlet, ou ses liens d’amitié avec Monique Jacot et Jean Genoud.

Commissariat
Agnès Sire, directrice artistique de la Fondation Henri CartierBresson, Paris, et Marc Donnadieu, conservateur en chef au Musée de l’Elysée, assisté d’Emilie Schmutz.

Itinérance
Cette exposition a été présentée à Paris à l’automne 2018, à l’occasion de la réouverture de la Fondation Henri Cartier-Bresson dans son nouveau bâtiment dans le Marais. Après Lausanne, elle poursuivra son itinérance au FOMU (Fotomuseum) d’Anvers, ville natale de Martine Franck, durant l’été 2019.

Du 21 février au 13 juillet 2019, le musée des Avelines, en partenariat avec la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP) rend hommage au photographe André Kertész (1894-1985), photographe majeur du XX^e siècle.

L’exposition s’attache plus particulièrement à montrer la diversité et la modernité de ses oeuvres publiées entre 1931 et 1936 dans la revue Art et Médecine du docteur Debat, figure emblématique de Saint-Cloud.

Cette rétrospective rassemble 80 tirages en noir et blanc de Kertész, soulignant son regard très personnel et sa vision poétique des belles choses que les autres ne voient pas. Elle invite à une déambulation dans la France de l’entre-deux guerres, une promenade onirique entre ombre et lumière.

Photo : André Kertész (1894-1985), Les escaliers de Montmartre, étude de lignes et d’ombres, 1926.  Négatif gélatino-bromure noir et blanc sur support verre. Photographie publiée dans Art et Médecine, octobre 1931, p. 38 © Ministère de la Culture – Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, dist. RMN-Grand Palais / Donation André Kertész

Alex Majoli, membre de magnum photos depuis 2011, a photographié des événements et des non-évènements, questionnant la théâtralité présente dans chaque représentation du monde.

Depuis huit ans, Alex Majoli parcourt le globe pour photographier des événements comme des non-événements. Il peut s’agir de manifestations politiques, d’urgences humanitaires ou de moments paisibles de la vie quotidienne. Ces images sont liées entre elles par leur aspect théâtral, comme si nous étions tous des acteurs, voués à interpréter les rôles que l’histoire et les circonstances exigent de nous.

Les photographies de Majoli sont le résultat de sa propre performance. S’invitant dans une situation donnée, ses assistants et lui manœuvrent discrètement pour installer un appareil photographique et des projecteurs. Cette activité est une sorte de spectacle en soi, auquel assistent ceux-là mêmes qui seront ensuite photographiés. Majoli se met au travail, sans donner aucune consigne aux individus présents devant son appareil. La prise de vue peut durer vingt minutes comme une heure. Parfois, les sujets modifient leur comportement en prévision de l’image à venir. Ou bien ils ajustent leur attitude de façon consciente, quand d’autres restent imperturbables. La représentation du spectacle et le spectacle de la représentation finissent par se confondre.

Le flash photographique est instantané, bien plus puissant que la lumière naturelle. Cet afflux de lumière plonge la scène dans l’obscurité, dans une sorte d’ambiance crépusculaire. Le monde ressemble à une scène de théâtre sous les feux de la rampe. Tout semble se passer à la tombée de la nuit.
À l’heure où la clameur du monde devrait s’assoupir, Majoli nous en livre une version magnifiée.

Nous ne voyons jamais réellement les individus ni les lieux – nous voyons la lumière qu’ils réfléchissent. Or la qualité de cette lumière a une incidence sur la manière dont nous comprenons ce qui nous entoure.

– David Campany

Pour célébrer la Fashion Week de Paris, l’emblématique photographe William Klein investit les passages de Bercy Village.

L’occasion pour les visiteurs de (re)découvrir son œuvre à travers une sélection de 34 tirages sélectionnés par l’artiste : un mix parfait entre photographies de mode, clichés de vie et contacts peints.

BERCY VILLAGE MET WILLIAM KLEIN À L’HONNEUR

Le plus français des photographes américains, célèbre pour casser les codes traditionnels du médium, sera exposé sur les murs des passages piétons de Bercy Village dans une scénographie imaginée en collaboration avec l’atelier William Klein et la galerie Polka.

Bousculant les cadrages et les angles, jouant sur le rythme, la succession des images, le flou et le grain de la pellicule, William Klein dépasse l’approche traditionnelle de la photographie en imaginant une approche artistique unique. L’exposition, mixant tirages anciens et plus récents, offre un regard rétrospectif sur l’œuvre du photographe, qui, dès les années 50, fait descendre la photographie dans la rue : il immerge alors ses modèles dans la foule et parvient ainsi à retranscrire le mouvement, la vitalité de l’instant.

A découvrir dans les passages de Bercy Village en accès libre du 23 février au 14 mai 2019, de 7h à 2h tous les jours.

En partenariat avec Polka Galerie

Deux lignes tracées dans le territoire, surplombant la campagne, enjambant les cours d’eau, séparant les champs… lignes de béton, de ballast, d’acier.
L’une en France, l’autre au Canada, nous plongeant chacune dans une histoire et un espace temps différent.
Deux abandons, pour des raisons différentes, l’une économique, l’autre structurelle.
Deux photographes suivant ces rails, deux visions, deux ressentis qui nous transportent vers nulle part.
Une balade mélancolique au cœur du souvenir d’endroits qui paraissent désertés de l’humanité.

Les photographies de Gabrielle Duplantier présentées au centre d’art sont issues de plusieurs séries et périodes : Voltar a Portugal, Floriane L., Portrait I et II, Pays basque, Figures et petites fictions.
Gabrielle Duplantier campe un univers en noir et blanc qui l’aide, dit-elle, à créer une distance avec le réel, à ouvrir vers un espace sauvage originel, un monde féminin en prise avec la nature, un monde tortueux, en marge, énigmatique, qui capture les mouvements autant que les accidents de la vie. Sans doute l’expérience d’une enfance passée dans une grande et ancienne maison des Landes, au milieu d’une nature encore sauvage, entre forêts et marais, peut expliquer cette approche instinctive, poétique, dense et abrasive de l’image photographique. à la fois brute, sincère, vibrante, éprouvante, son écriture photographique infusée aux ressentis a opté pour la rugosité de l’intuition. La photographie surgit et frémit, tremblote, parfois chancèle. Chargée émotionnellement, elle touche et remue l’inconscient des visiteurs. Un visage, un paysage, des lieux du quotidien, des lieux anodins deviennent extraordinaires, magiques, presque mystiques et réapparaissent tels des fantômes d’un passé lointain.

Gabrielle Duplantier est née en 1979 au Pays basque. Elle vit à Bayonne.

Passionnée de photographie depuis son jeune âge, elle réalise un certain nombre de séries alors qu’elle effectue ses études en peinture et histoire de l’art à la faculté des Arts Plastiques de Bordeaux. C’est en 2002, de retour au Pays basque, avec son diplôme en poche, qu’elle commence à entreprendre un travail personnel plus fouillé en photographiant des paysages et des personnes qui la fascinent. Gabrielle Duplantier cite volontiers deux photographes pour la liberté et l’audace qu’ils transmettent dans leurs images : Julia Margaret Cameron et Mickael Ackerman. En 2003, elle est lauréate du Grand concours Agfa et en 2008 du concours Actuphoto. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions. On peut citer Terres Basses à la galerie Confluence à Nantes et Eyes Wild Open / About a trembling photography au musée Botanique à Bruxelles en 2018, Regard sur le Pays basque à la bibliothèque de Bordeaux, Volta à l’Espace Saint-Cyprien à Toulouse, Jeunes-Génération (Commande publique CNAP / Cétavoir) à la Villa Pérochon à Niort et au festival de Sète en 2017. En 2012, le travail de Gabrielle Duplantier figure dans MONO, édité par GOMMA books, monographie de photographes noir et blanc internationaux tels qu’Anders et Petersen, Mickael Ackerman, Trent Park ou Roger Ballen. Elle a publié en 2018 Terres Basses aux éditions Lamaindonne, maison d’éditions avec laquelle elle avait déjà collaboré pour le livre Volta en 2014.

http://gabrielleduplantier.com

Dans la série Joséphine, toujours en cours d’élaboration (2009 – 2018), qui est présentée au centre d’art, la famille constitue un terrain de jeu ensorcelant. Arno Brignon devient ici spectateur, photographiant les à-côtés de sa vie de famille.
Il capte inlassablement les êtres qui lui sont chers et proches ; sa compagne Caroline, sa fille Joséphine. Il suggère des bribes de vie, son quotidien et son intimité, le temps qui passe et ne reviendra pas, entre fantôme et disparition. Dans son travail d’artiste, l’écriture est devenue une étape essentielle à la construction des images, leur conférant de nouvelles dimensions, leur apportant des trames narratives inédites, une autre lecture, une pensée.

Arno Brignon est né en 1976 à Paris. Il vit à Toulouse.

En 2010, diplômé de l’ETPA (grand prix du jury), Arno Brignon quitte son métier d’éducateur dans les quartiers sensibles pour se consacrer entièrement à la photographie. Il articule son travail entre reportages, recherches personnelles et enseignement aux ateliers de photographie Saint-Cyprien à Toulouse. Il mène également des actions éducatives auprès de différents publics et institutions. Son travail a fait l’objet d’exposition de nombreuses expositions en France et à l’étranger. On peut citer entre autres l’été photographique de Lectoure et le festival l’œil urbain à Corbeil-Essonnes en 2018, le festival Fotolimo à Portbou et à la villa Tamaris à La Seyne-sur-Mer en 2017, le Fotofestival de Cluj et Photomed à l’Institut Français à Beyrouth en 2016, Fotoistanbul en 2014. Il a également pris part à plusieurs résidences ; à Lectoure en 2018, en Pays du Couserans (Ariège) ainsi qu’à Aussillon (Regards et Mémoire), résidences débutées toutes deux en 2015. Arno Brignon est membre de l’agence Signatures, maison de photographes. Il collabore régulièrement avec la presse nationale et Internationale. Il a publié trois ouvrages significatifs : Based on a true story (éditions Photopaper, 2017), Ancrage (éditions de Juillet, 2014) et une monographie Joséphine éditée par le Château d’eau à Toulouse en 2014.

http://arno-brignon.fr

L’exposition rassemble une trentaine d’œuvres de Marina Ballo Charmet, photographies et vidéos, qui donnent une vision d’ensemble de son travail depuis trente ans. Marina Ballo Charmet utilise la photographie comme un outil d’expérience et un instrument de connaissance. Son travail se situe hors de l’alternative description / fiction qui détermine une grande part de la production photographique contemporaine.

Marina Ballo Charmet s’est toujours intéressée aux mouvements inconscients de la vue, aux tropismes excentriques du regard : tout se passe d’abord pour elle au bord de la vue. Avec la série Primo campo (« Premier champ »), la vision dite « périphérique » est entrée dans le cadre du portrait ; l’œil photographique divague à la surface des corps. Les images, de format variable, font appel à des registres (sinon des genres) distants, mais reliés dans un réseau d’analogies et de récurrences. Le grand format n’est pas le vecteur d’une photogénie descriptive et spectaculaire. La description passe plutôt dans le petit format. D’un ensemble à l’autre, l’image, statique ou animée, est le lieu d’une intimité expérimentale, indéfinie ; la dimension de l’intime se donne sans béquille autobiographique, au plus près des sensations. Dans Con la coda dell’occhio (« Du coin de l’œil »), la proximité correspond à une vision rabaissée à ras de terre. Tout ce qui faisait une ville et les qualités d’un paysage urbain a disparu. Reste le socle d’un territoire urbain fragmenté. Les images de Marina Ballo Charmet ont cette dimension océanique de la navigation dans les villes, parmi les corps.

Marina Ballo Charmet est née en 1952 à Milan, où elle vit et travaille. Après des études de philosophie, elle s’est spécialisée en psychologie et psychanalyse de l’enfant et a travaillé comme psychothérapeute dans les services territoriaux de Milan. Elle est l’auteur de plusieurs ouvrages dont Primo campo publié par Le Point du Jour en 2004. Son travail a été exposé à de nombreuses reprises depuis une vingtaine d’années dont, en 2018, au Bleu du Ciel à Lyon et au Museo Arte Gallarate à Milan.

Photo : Azikiwe St, Dar es Salaam, Tanzanie, 2017 © Guy Tillim, Courtesy of Stevenson, Cape Town and Johannesburg

En relation avec le Mémorial de Rivesaltes, le Centre International du Photojournalisme (CIP) propose une importante exposition du photographe Paul Senn.
Ce travail photographique d’une très grande finesse humaine témoigne d’un travail de mémoire exceptionnel qui correspond très exactement à la vocation du CIP. À savoir la conservation et la diffusion de la mémoire photographique des événements mondiaux depuis la découverte du procédé photographique.
Jean-François Camp

Mais qui est donc Paul Senn?
Un photographe suisse, un témoin de son temps, un œil acéré qui témoigne en deux décennies, de 1930 à 1950, d’une époque tragique où va se mettre en place avec le fascisme et le nazisme, la matrice de la catastrophe à venir.
Photographe humaniste, il va devenir ensuite reporter de guerre et témoin d’un aprèsguerre dont il tirera les lueurs d’espoir avec de merveilleuses photographies en couleur.
Dans les années 1930, sur fond de crise économique, d’affrontements sociaux et de violences politiques, les photographes suisses, au premier rang desquels Paul Senn, rendent compte de l’actualité, Leica et Rolleiflex en main, dans une presse illustrée très dynamique.
C’est l’âge d’or du photojournalisme et la Suisse y prend sa place. Nous sommes loin de l’image d’Epinal de la Suisse des sports d’hiver et des lacs majestueux, du chocolat et des meules de fromage. Paul Senn, au début, photographie les travailleurs aux champs ou à l’usine avec empathie mais aussi une manifestation ouvrière réprimée à coup de fusils par la police à Genève.
Son reportage dans les foyers d’enfants abandonnés qui vivent dans des conditions indignes fait scandale. Il parcourt déjà l’Europe avec une prédilection pour l’Espagne où il se rend plusieurs fois avant le déclenchement de la guerre civile. Il y retournera sous les bombes en 1937, infatigable témoin de la guerre et de l’exil espagnol aux côtés de ses amis de l’Ayuda suiza. Il sera aussi le témoin de l’exode de l’armée française vers la Suisse en juin 1940 et des camps d’internement sous le régime de Vichy, en particulier à Rivesaltes. Il traquera la joie de la Libération et de la reconstruction dans le monde entier, en France, en Italie et beaucoup aux Amériques, qu’il parcourra longuement du Canada au Mexique en s’attardant aux États-Unis, dont le dynamisme et les couleurs le fascinent.
En cent photos et une quinzaine de reportages, cette exposition donne à voir la diversité du travail journalistique d’un reporter suisse témoin de son temps, une leçon qui montre que la photographie n’est jamais neutre. Les archives Paul Senn, des centaines de milliers de négatifs, sont abritées au Musée des Beaux-Arts de Berne.
Markus Schürpf qui administre ce fonds a organisé plusieurs expositions sur ce photographe et dirige une banque de données gigantesque sur les photographes suisses (photo.ch).
Michel Lefebvre

En relation avec le Mémorial de Rivesaltes, le Centre International du Photojournalisme (CIP) propose une importante exposition du photographe Paul Senn.
Ce travail photographique d’une très grande finesse humaine témoigne d’un travail de mémoire exceptionnel qui correspond très exactement à la vocation du CIP. À savoir la conservation et la diffusion de la mémoire photographique des événements mondiaux depuis la découverte du procédé photographique.
Jean-François Camp

Mais qui est donc Paul Senn?
Un photographe suisse, un témoin de son temps, un œil acéré qui témoigne en deux décennies, de 1930 à 1950, d’une époque tragique où va se mettre en place avec le fascisme et le nazisme, la matrice de la catastrophe à venir.
Photographe humaniste, il va devenir ensuite reporter de guerre et témoin d’un aprèsguerre dont il tirera les lueurs d’espoir avec de merveilleuses photographies en couleur.
Dans les années 1930, sur fond de crise économique, d’affrontements sociaux et de violences politiques, les photographes suisses, au premier rang desquels Paul Senn, rendent compte de l’actualité, Leica et Rolleiflex en main, dans une presse illustrée très dynamique.
C’est l’âge d’or du photojournalisme et la Suisse y prend sa place. Nous sommes loin de l’image d’Epinal de la Suisse des sports d’hiver et des lacs majestueux, du chocolat et des meules de fromage. Paul Senn, au début, photographie les travailleurs aux champs ou à l’usine avec empathie mais aussi une manifestation ouvrière réprimée à coup de fusils par la police à Genève.
Son reportage dans les foyers d’enfants abandonnés qui vivent dans des conditions indignes fait scandale. Il parcourt déjà l’Europe avec une prédilection pour l’Espagne où il se rend plusieurs fois avant le déclenchement de la guerre civile. Il y retournera sous les bombes en 1937, infatigable témoin de la guerre et de l’exil espagnol aux côtés de ses amis de l’Ayuda suiza. Il sera aussi le témoin de l’exode de l’armée française vers la Suisse en juin 1940 et des camps d’internement sous le régime de Vichy, en particulier à Rivesaltes. Il traquera la joie de la Libération et de la reconstruction dans le monde entier, en France, en Italie et beaucoup aux Amériques, qu’il parcourra longuement du Canada au Mexique en s’attardant aux États-Unis, dont le dynamisme et les couleurs le fascinent.
En cent photos et une quinzaine de reportages, cette exposition donne à voir la diversité du travail journalistique d’un reporter suisse témoin de son temps, une leçon qui montre que la photographie n’est jamais neutre. Les archives Paul Senn, des centaines de milliers de négatifs, sont abritées au Musée des Beaux-Arts de Berne.
Markus Schürpf qui administre ce fonds a organisé plusieurs expositions sur ce photographe et dirige une banque de données gigantesque sur les photographes suisses (photo.ch).
Michel Lefebvre

Dans le cadre de l’exposition collective « Photographier l’Algérie », Bruno Boudjelal présente sa série « Voyages à Sétif » ainsi qu’une installation « Correspondances », par lesquelles il photographie ses racines.

En 1993 Bruno Boudjelal part sur les traces de ses origines paternelles en Algérie. Cette découverte sera le point de départ de 10 ans d’explorations très personnelle qui l’amènent, entre carnet de voyage et témoignages, à assumer la subjectivité de son point de vue.

« Ne connaissant que le lieu de naissance de mon père, je me suis finalement retrouvé, un jour, dans un petit village de la région de Sétif, entouré de femmes en larmes, bouleversées de voir, quarante ans après le départ de mon père, son fils frapper à leur porte. De retour en France, j’étais, moi aussi, bouleversé d’abord d’avoir retrouvé les miens, mais aussi d’avoir été confronté à cette violence que je ne pouvais m’expliquer. C’est au cours de l’automne 1996 que je réussis à convaincre mon père de retourner là-bas avec moi. »

La Hune, librairie-galerie et véritable symbole culturel du quartier de Saint-Germain-des-Prés depuis 1949, présente l’exposition dédiée à l’oeuvre photographique du moine bouddhiste Matthieu Ricard, « Un demi-siècle dans l’Himalaya », à partir du 28 février 2019.

L’exposition du célèbre photographe prend ici une dimension sacrée puisqu’elle était initialement prévue en novembre 2017 et n’avait pu voir le jour ravagée par le terrible
incendie qu’avait alors connu La Hune. « Un demi-siècle dans l’Himalaya », véritable ôde au voyage et à la contemplation, offre un regard bienveillant, empli de sagesse et de sérénité sur les paysages et sur la vie quotidienne des populations himalayennes.

Moine bouddhiste, photographe et ambassadeur Lumix, auteur ou docteur en génétique cellulaire, Matthieu Ricard est l’un des intellectuels incontournables de notre temps.

À la suite d’un premier voyage en Inde en 1967 où il rencontre de grands maîtres spirituels tibétains, il part s’installer dans l’Himalaya en 1972. Aujourd’hui, il réside principalement au monastère de Shéchèn au Népal.

Devenu moine bouddhiste à l’âge de 30 ans, proche disciple de grands maîtres spirituels et parlant couramment le tibétain, Matthieu a ainsi bénéficié d’un accès privilégié à la vie intime des monastères bouddhistes, des maîtres spirituels, des communautés nomades, ainsi qu’aux lieux sacrés et sites naturels les plus reculés. Toujours l’oeil aux aguets, il n’a eu de cesse, tout au long de ses pérégrinations, de témoigner en photographie, du quotidien des peuples locaux et du monde dans lequel ils évoluent.

« Un hymne à la beauté, voilà ce qu’est pour moi la photographie. Au cours de cinquante ans passés dans l’Himalaya, j’ai eu l’immense fortune de vivre auprès de grands maîtres
tibétains dont Kanguiour Rinpotché et Dilgo Khyentsé Rinpotché. J’ai été le témoin de leurs qualités exceptionnelles et j’ai pu également découvrir la vie quotidienne des
populations himalayennes et les lieux sauvages de ces hautes montagnes. Mon but était de partager avec tous la beauté, la force et la profondeur de leur univers. » déclare
Matthieu Ricard.

Au cours de sa carrière et de ses voyages, Matthieu a côtoyé certains des plus grands noms de la photographie qui sont devenus ses amis et l’ont aidé à progresser dans son art dont l’incontournable Henri Cartier Bresson qui déclare : « La vie spirituelle de Matthieu et son appareil photo ne font qu’un, de là surgissent ces images fugitives et éternelles. »
Pour la première fois, Matthieu Ricard expose ses photographies dans une galerie d’Art en choisissant La Hune pour présenter, avec raffinement et authenticité, son regard humaniste sur cette région et sur ses habitants.

Les tirages s’inscrivent dans la continuité du travail de Matthieu Ricard : imprimés en papier washi japonais awagami bizan blanc, fabriqués artisanalement et encadrés en bois naturel, en édition très limitée de 8 exemplaires.

Matthieu Ricard reverse l’intégralité de ses revenus – photographies, conférences et livres – à la fondation Fondation Matthieu Ricard et Karuna-Shechen. Après 20 ans d’existence, l’association accompagne plus de 250 000 personnes chaque année en Asie dans le domaine de la santé, de l’éducation, de l’environnement, du social et envisage de développer des activités en Europe à l’attention des plus démunis.

L’exposition « Un demi-siècle dans l’Himalaya » de Matthieu Ricard est à découvrir à partir du 28 février 2019 à La Hune.

Chervine est né en 1972 en Iran. Il grandit à Paris et part habiter à New York en 2008. Photographe autodidacte, il se forme au cours de ses nombreux voyages dans le monde et commence à travailler pour la presse et la mode. Depuis 2015, il développe une oeuvre personnelle, photographiant la ville et les scènes qui s’y déroulent, en noir et blanc et surtout en couleurs. Son travail a été présenté dans plusieurs expositions en France et à l’étranger et était à l’honneur de la nuit de la Photo à Vevey (Suisse) en février 2018.

Chervine a intitulée cette série Solitudes et la lumière isole en effet chacune des personnes qu’il photographie, témoignant de la solitude et de l’anonymat des villes mais aussi de ce qui nous rapproche et nous unit. Avec beaucoup d’empathie, il capture les passants dans un petit théâtre du quotidien. Une femme regarde le soleil, un couple discute devant un café, une mère et sa fille traverse la route, ces moments anodins, le photographe les sublime avec une recherche de clair obscur qui dramatise la scène et nous plonge dans un imaginaire cinématographique. Chervine invite le spectateur à imaginer l’histoire de chacune de ces figures anonymes, proches et lointaines à la fois. […]

L’exposition des photographies de Chervine est réalisée en collaboration avec la Galerie Esther Woerdehoff qui le représente.

Le musée convie l’artiste franco-américaine Babette Mangolte à investir exceptionnellement l’ensemble du musée au printemps 2019. Babette Mangolte déploie depuis le début des années 70 une œuvre filmique et photographique centrée sur la temporalité, le point de vue subjectif de la caméra et les perceptions du spectateur qui lui ont permis d’explorer les domaines de la peinture et de la danse, des espaces intimes et politiques, du paysage et de l’imaginaire. Cette première rétrospective de l’artiste rassemblera une riche sélection de plus de 100 œuvres photographiques et filmiques avec la présentation d’ensembles inédits, la production d’un film et la réactivation d’installations produites entre autre pour la Biennale de Berlin (2008) et le centre d’art VOX de Montréal (2013).

L’appel à candidature pour participer au Prix Levallois 2019 est lancé ! Jeunes photographes, vous avez moins de 35 ans ? Vous avez jusqu’au 4 mai pour candidater en ligne sur le site du Prix Levallois et tenter de remporter les 10000€ de dotation et d’être exposé lors de la prochaine édition qui accueille Rip Hopkins comme parrain invité. Le Prix n’impose aucun thème.

> Pour participer :
http://prix-levallois.com/pc/files/reglement-prix-levallois-2019.pdf

Photo : © Pierre-Elie de PIBRAC / Agence VU’, Desmemoria, 2017
Ouvrier du sucre partant travailler à la Centrale Manuel Fajardo

” J’ai jusqu’à présent beaucoup photographié les jeunes filles, convoquant à travers elles mon enfance et mon adolescence. Dans ces travaux, les rares présences masculines y faisaient toujours office de figurants. Je veux explorer maintenant l’identité masculine dans une période de transition à la fin de l’adolescence. Quand et comment le garçon devient-il homme ? Quels sont les signes de cette transformation ? En quoi est-elle différente des générations précédentes ? En questionnant l’identité masculine au passage à l’âge adulte, j’aborderai les notions de genre et d’altérité à l’entrée du XXI° siècle.

J’ai effectué ce travail à St Petersbourg où une nouvelle génération de Russes émerge. Elle est née au moment où l’Union Soviétique s’effondrait. Fils de la nouvelle classe moyenne ces jeunes Russes ont aujourd’hui vingt ans et sont aux antipodes de leurs aînés : ils viennent des quatre coins de Russie et ont choisi Saint Petersbourg comme lieu de leur nouvelle vie. En rupture de ban par rapport à une Russie empêtrée dans le poids de ses appareils, ils sont résolument modernes, tournés vers l’art et la culture, connectés avec le reste de la planète, et ils s’approprient les codes du monde en marche.

Connaissant déjà bien la Russie, je travaille sur ces jeunes hommes comme je l’avais fait avec les jeunes filles russes, dans une société en pleine évolution où les rapports au statut d’homme, à la virilité, à l’image de soi et à tous les codes du genre sont entièrement revisités. Ce nouvel « homme nouveau » qui se définit là-bas est un des témoins des mutations de notre temps et je sais pouvoir trouver des signes et des traces de ces mutations. “

Claudine Doury

Claudine Doury est une photographe française qui vit et travaille à Paris. Son travail aborde les notions de mémoire, de transition et de passage, notamment autour de l’adolescence et du voyage, thématiques centrales de son travail. Claudine Doury reçoit le prix Leica Oscar Barnack en 1999 et un World Press Award la même année pour sa série « Peuples de Sibérie ». En 2004, elle reçoit le Prix Niépce pour l’ensemble de son travail. En 2017, elle est doublement lauréate, de la Commande Photographique Nationale « La Jeunesse en France » puis du Prix Marc Ladreit de Lacharrière-Académie des Beaux-arts.

Claudine Doury est membre de l’agence Vu.

Avec « LOVE, Ren Hang », première exposition majeure et institutionnelle consacrée au photographe Ren Hang, la MEP honore la mémoire de l’artiste chinois le plus influent de sa génération, tragiquement disparu à l’âge de 29 ans

Exposé dans de nombreuses galeries à travers le monde, régulièrement publié dans des magazines de mode tels que Purple et Numero, Ren Hang laisse, après son suicide en 2017, une œuvre complète que l’exposition « LOVE, REN HANG » aborde à travers tous les aspects de sa pratique artistique, de la photographie à la création de livres et d’écrits auto-publiés. Présentées pour la première fois au sein d’une institution française – à Paris, une ville que l’artiste aimait particulièrement – 150 photographies sélectionnées par la MEP, au sein de collections d’Europe et de Chine, font prendre la mesure de ce corpus majeur.
Avec audace, l’œuvre de Ren Hang questionne la relation à l’identité et à la sexualité. Particulièrement influent auprès de la jeunesse chinoise, son ton subversif déstabilisait d’autant plus l’environnement politique et moral de son pays. Son travail, souvent censuré ou qualifié de pornographique – bien que Ren Hang affirmait qu’il n’était pas destiné à défier l’establishment politique – reste, vis à vis d’un contexte répressif, l’expression d’un désir de liberté de création, de fraicheur et d’insouciance.
Sa vision, unique, est une référence évidente au « réalisme cynique » (mouvement artistique chinois né des événements de Tian’anmen en 1989).
Immédiatement reconnaissable, l’œuvre de l’artiste se compose essentiellement de portraits, de paysages et de nus. Ren Hang travaille avec ses proches – ses amis et sa mère – ou avec de jeunes chinois sollicités via internet ; il produit ses images emblématiques dans les espaces confinés de son appartement ou dans la ville et les jardins.
Si ses photographies semblent mettre en scène ses sujets, elles sont pourtant le fruit d’une démarche spontanée et instinctive.
Leur prise de vue, sur le vif, leur confère légèreté, poésie et humour.
Composée de grands et de petits tirages, l’exposition occupe tous les espaces du deuxième étage de la MEP. La scénographie n’offre pas une lecture par série de l’artiste mais met d’avantage en regard ses différents univers. Avec une approche chromatique, le visiteur traverse les différentes constellations de son univers onirique : la présence du rouge, les couleurs acidulées, une salle consacrée à sa mère, une autre, plus sombre, dédiée à des prises de vue nocturnes. Une dernière salle rassemble un travail plus « osé » sur le corps, créant un lien, fort et organique, entre l’érotisme et la nature.
À découvrir également au sein de l’exposition, un aspect moins connu du travail de l’artiste, ses poèmes et écrits qu’il consignait sur son site internet qu’il alimentait régulièrement. Ces textes étaient pour la plupart des méditations liées à son combat contre la dépression. « Si la vie est un abîme sans fond, lorsque je sauterai, la chute sans fin sera aussi une manière de voler » écrivait-il.
La présentation simultanée à La MEP de Ren Hang et Coco Capitán – qui ressentait d’ailleurs une grande affinité avec le travail de celui-ci – n’est pas une simple coïncidence. S’ils n’ont jamais eu l’occasion de se rencontrer, ils entretenaient cependant une relation épistolaire. Ensemble,
leurs œuvres offrent une vision alternative aux trajectoires croisées de la mode, de la performance, du texte et des approches les plus originales de l’image photographique.

La MEP présente « Coco Capitán : Busy Living », la première exposition institutionnelle en France d’une des artistes les plus accomplies de sa génération.

Très tôt engagée dans l’univers de la mode, Coco Capitán acquiert rapidement une notoriété internationale.
Saisissant souvent ses modèles dans des poses incongrues, elle réinvente le rapport au corps dans l’imagerie de la mode, avec son regard singulier et décalé, pour de nombreuses marques de luxe, tel que Gucci.
Mais son travail est beaucoup plus vaste : à seulement 26 ans, Coco Capitán est une artiste déjà accomplie, l’une des plus prolifiques de sa génération, qui allie la photographie, la peinture et les performances à un travail éditorial constitué de slogans et d’aphorismes. Ainsi, à travers cette première grande exposition institutionnelle en France de l’artiste, la MEP offre un large panorama de sa démarche artistique.
Avec près de 150 œuvres – photographies, peintures et textes inédits – l’exposition “Busy Living” révèle la sensibilité instinctive de l’artiste pour les problématiques sociales contemporaines ; elle passe au crible les liens entre réalité et perception, entre beauté et subversion. Elle diffuse ses aphorismes via ses réseaux sociaux et les reproduit sur des toiles peintes, nous lançant l’injonction de vivre dans un “ici et maintenant”, alors même que nous sommes constamment incités à vivre dans la projection du lendemain.
Construite comme un parcours immersif dans l’univers de l’artiste, l’exposition “Busy Living” traverse tout d’abord un espace où plusieurs séries se croisent, rassemblées de façon chromatique.
Puis les nombreuses séries exposées font prendre la mesure de son œuvre : “Highway to disappearance and other death-related anxieties”, composée de paysages de l’ouest américain saisis à l’été 2017, révèle des infrastructures à l’abandon et intègre la réflexion métaphorique du cycle de la vie.
Les installations, les photographies et les peintures évocatrices de la série “Art and commerce after the Big Pop” , notamment autour de canettes de Coca-Cola, révèlent le regard critique de l’artiste sur la société de consommation et traduisent une vraie filiation avec le courant Pop Art, que Coco Capitán renomme Big Pop.
Fidèle également à son intérêt pour la représentation et la perception du corps, des photographies de mode “sans la mode” (série “fashion wihout fashion”) font partie intégrante de l’exposition et proposent une réflexion renouvelée des conventions habituelles de l’imagerie de la mode.
Ce sont encore d’autres corps, ceux des membres de l’équipe olympique espagnole de natation synchronisée, qui, dans la série “Ten hours a day, six days a week” mettent en exergue les efforts physiques intenses d’athlètes après leur entraînement. La série “Middle Point Between My House and China », est quand à elle un clin d’œil aux relations très personnelles que l’artiste entretient avec ce pays, depuis son enface – où elle pensait rejoindre l’autre bout de la Terre en creusant dans son jardin – jusqu’à son voyage en Chine.
Enfin, un ensemble de toiles peintes sur lesquelles sont écrits ses aphorismes et la présentation de carnets de notes jamais dévoilés au public, clôturent ce parcours d’immersion dans le processus créatif de l’artiste.
la présentation simultanée de son travail à un étage de l’exposition de Ren Hang n’est pas une simple coïncidence : ensemble, leurs œuvres offrent une vision alternative aux trajectoires croisées de la mode, de la performance, du texte et des approches les plus originales de l’image photographique. Coco Capitán a toujours ressenti une certaine filiation avec le travail de Ren Hang. s’ils n’ont jamais eu l’occasion de se rencontrer, elle avait initié une relation épistolaire qu’ils entretenaient tous les deux.

Laetitia Lesaffre : Lauréate du Prix « Objectif femmes » en 2018

Laetitia Lesaffre est artiste plasticienne -peintre laqueur et photographe. Son travail explore le reflet. Elle photographie ses sujets en reflet dans ses laques. Dans la droite ligne du courant pictorialiste, elle cherche à dissoudre la frontière entre peinture et photographie.

Série REFLETS

Le temps est suspendu, tel une image surgie d’un rêve et dont on ne se rappelle ni l’endroit, ni l’époque à laquelle elle appartient.
Le miroir –symbole de la pureté de l’âme au Japon- incite à souvent à l’introspection. Au travers de l’effet miroir, le modèle émerge de l’obscurité, se perçoit, se voir regardé et regardant…
L’image qu’il offre ne sera plus vraiment la sienne : déclenchée au moment où il laisse dériver ses pensées, et déformée parce reflet si particulier, l’image qui reste est une esquisse, une impression, qui se veut être la plus juste possible.
Entre composition et spontanéité, entre méditation et action immédiate, l’artiste cherche à saisir ce moment où le sujet échappe à son image et donne ainsi à voir une autre interpréta-tion du corps, du portrait, de l’essence même du sujet.
‘Le grain, le flou du tableau rendent au sujet son intimité. Mes photographies en deviennent impressionnistes, elles délaissent le trait pour ne garder que l’essence du sujet.’ – Laetitia Lesaffre
« Une étrange force émane de ces instants capturés, de celle qui nous pousse à rêver, à voir, à ressentir.
La photo se fait peinture, sculpture, video, impression.
La matière, aqueuse, granuleuse ou sableuse, et les couleurs donnent vie aux sujets en brouillant aussitôt notre regard. Les corps, comme d’insaisissables réalités, flottent, se cabrent, s’exposent, se contractent, s’échappent. Matière, couleur, reflets Laetitia Lesaffre emploie tous les moyens plastiques pour créer une oeuvre sensible entre légèreté et gravité, entre rêve et réalité.
Tout en nous entrainant dans son espace Laetitia Lesaffre ouvre le notre nous offrant une liberté et une rare intimité. À l’image de ces impressions flottantes, nous dérivons dans nos pensées, nos souvenirs ou encore dans nos ressentis. Ainsi, l’oeil prend le pouvoir sur nos sensations et nos émotions. »
Emma BELZ, historienne d’art

Anna Shumanskaia

Anna Shumanskaia est née le 31 mai 1974 à Piatigorks en Russie dans une famille d’artistes et de comédiens. La beauté de sa région, entourée par les montagnes du Caucase, les peintures de son père et de son grand-père ont baigné son enfance d’une atmosphère artistique qui influence sa perception de la vie et sa création.
Après des études de Linguistique en Russie, elle se forme à l’école « Photoplay » de Moscou.
En 2014 elle emménage à Paris, apprend le français et obtient le diplôme RNCP après ses études à Spéos (Paris Photographic Institute).
Anna est aujourd’hui auteur photographe et développe plusieurs séries autour des fleurs, du corps et de l’identité.

Sa série « Reflection & Colors », images de reflet de fleurs sur des surfaces éclairées, interroge la perception que nous avons de nous-mêmes, différente de l’impression que nous donnons aux autres. Plus au moins lumineuse, mais jamais la même.