L’Agenda des événements sur Plan

BMW Art & Culture vient d’annoncer le lancement du dixième appel à candidatures pour la Résidence BMW qui se tiendra pour la quatrième année à GOBELINS, l’école de l’image.
Pour bénéficier de cette résidence, carte blanche, dédiée à l’innovation photographique et la transmission, offerte à des talents contemporains, les candidats doivent envoyer leur candidature avant le 31 mars au soir sur le site residencebmw.plateformecandidature.com/

Le projet présenté par les candidat(e)s pour la Résidence BMW devra être riche de sens et orienté sur l’innovation et l’expérimentation pour proposer une vision renouvelée de notre monde en transition, par tous procédés: techniques, narratifs, documentaires, humoristiques… en s’appuyant sur les ressources de GOBELINS et l’expertise de François Cheval, directeur artistique de la résidence.
Le projet doit être original et exclusif pour la Résidence BMW, il ne doit pas avoir été montré, même partiellement au moment de la candidature, et il ne devra pas être exposé avant les Rencontres d’Arles* ni Paris Photo* 2021.

La Résidence BMW aboutit à la production d’œuvres réalisées sous la direction artistique de François Cheval et avec l’accompagnement de l’équipe de GOBELINS.

BMW offre au lauréat(e) de la Résidence à GOBELINS une bourse de 8000€, l’accès à un accompagnement d’experts, la production de deux expositions dans des lieux prestigieux, aux Rencontres d’Arles* et à Paris Photo*, l’édition d’un livre, un jeu des photographies exposées, le support de François Cheval, directeur artistique et un  accompagnement en communication.
L’artiste est choisi(e) sur dossier, par un comité de sélection, après avoir répondu à l’appel à candidatures. Le comité de sélection est constitué de personnalités du monde de la photographie.

La production des œuvres, composée d’une sélection choisie entre l’artiste et le directeur artistique de la Résidence BMW est répartie en trois lots :
–  Le premier, le jeu d’exposition, est remis à l’artiste
–  Le second est composé pour GOBELINS d’une œuvre en version numérique.
–  Le troisième lot est remis à l’attention de BMW France. Il est constitué d’une sélection d’œuvres choisies entre l’artiste et BMW France. Cette sélection devra comporter l’ensemble des œuvres représentatives de l’expérimentation  et  du  travail  réalisé  en  Résidence  (y  compris  les  images/objets photographiques utilisés pour la communication de l’exposition).

Les dossiers de candidatures devront être composés d’une biographie,  d’une ou deux séries de travaux aboutis ainsi que d’une note d’intention sur le projet artistique envisagé.
Dix candidat(e)s seront retenus dans une présélection. Il leur sera demandé de se rendre disponible une demi-journée pour un entretien avec le jury et présenter des tirages photographiques et travaux réalisés. L’entretien peut se faire sur site ou par visioconférence.

Calendrier
Appel à candidatures jusqu’au 31 mars
La Résidence BMW se déroulera de septembre à décembre 2020.
Une sélection d’œuvres produites en résidence sera exposée dans deux évènements photographiques majeurs dont BMW est partenaire : aux Rencontres d’Arles*, de la semaine d’ouverture en juillet à fin août 2021 et à Paris Photo* 2021.
Les œuvres réalisées pendant la Résidence BMW seront présentées dans un livre dans la collection BMW Art & Culture.

L’appel à candidatures pour la Résidence BMW est téléchargeable sur les sites internet de BMW France et de GOBELINS:
www.bmw.fr/fr/topics/univers/bmw-art-et-culture/candidatures-residence-2020.html
www.gobelins.fr/residencebmw2020.

Le dossier devra être rempli sur la plateforme Award Force.com en français ou en anglais,   avant le 31 mars 2020, 23h59 CET
residencebmw.plateformecandidature.com

Questions sur les dossiers de candidature candidatures.residencebmw@GOBELINS.fr

*Les évènements cités ne sont pas contractuels et peuvent être amenés à être modifiés.

Né à Buenos Aires en 1925, dans une famille juive originaire de Russie installée en France en 1932, il ­travaille comme apprenti teinturier dès l’âge de quinze ans et apprend les ­rudiments de la chimie.
Interné à Drancy en 1943 avec ­sa ­famille, il peut quitter le camp grâce à sa nationalité argentine.

Engagé dans la Résistance à dix-sept ans, il devient, grâce à ses compétences de chimiste, un expert dans la réalisation de faux papiers. Il travaille successivement pour la résistance juive – les Éclaireurs israélites, la Sixième et l’Organisation juive de combat – avant de collaborer avec les ­services secrets de l’armée française jusqu’en 1945.

Après la guerre, il fabrique des faux papiers pour la ­Haganah, facilitant l’émigration clandestine des rescapés vers la Palestine, puis pour le groupe Stern, qui s’oppose violemment au mandat britannique. Connu comme ­« le technicien », dans les années 1950 et 1960, il est le faussaire des réseaux de soutien aux indépendantistes algériens, aux révolutionnaires d’Amérique du Sud et aux mouvements de libération du Tiers-Monde, ainsi qu’aux opposants aux dictatures de l’Espagne, du Portugal et ­de­ la­ Grèce.
Autant de combats auxquels il a apporté son concours, au péril de sa vie et au prix de nombreux sacrifices.
Resté fidèle à ses conceptions humanistes, il refusera toute collaboration avec les groupes violents qui émergent en Europe dans les années 1970. C’est pendant la Seconde Guerre mondiale qu’Adolfo Kaminsky découvre la photographie.

Après la Libération, il réalise des milliers de clichés, offrant un regard en clair-obscur sur le ­monde, où se pressent travailleurs, amoureux clandestins, brocanteurs, mannequins réels ou factices, poupées disloquées, ou barbus errants… Des puces de Saint-Ouen aux néons de Pigalle, il a capturé les regards, les silhouettes solitaires, les lumières, l’élégance et la marge, tout ce qui constitue son univers.

Dans le foyer de l’auditorium, le mahJ rend hommage à ­cette figure de la Résistance dont l’œuvre photographique remarquable est resté ignoré en raison de ses engagements et ­d’une existence pour partie clandestine.

Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

À l’origine d’un style unique qu’il décrit lui-même comme «ballenesque », Roger Ballen est l’un des photographes les plus importants de sa génération.

Après avoir acquis une reconnaissance internationale en collaborant notamment avec le groupe Die Antwoord, il utilise depuis peu dessins, peinture, collages et différentes techniques sculpturales pour créer des installations élaborées, inventant une nouvelle esthétique hybride encore fermement enracinée dans l’art photographique.

Pour la première fois en France, La Halle Saint Pierre propose avec l’exposition Le Monde selon Roger Ballen une véritable rétrospective de cet artiste hors-normes, avec également des installations inédites produites in situ.

Né en 1962 à Xiangyang dans la province du Hubei.

Bien qu’arrivé récemment dans le monde de la photographie contemporaine, Wu Guoyong s’adonne à cette pratique depuis 1984. Dans un premier temps, cet ingénieur de formation s’empare de la caméra dans le but de documenter les chantiers auxquels il est associé.
Mais il faut attendre la retraite pour qu’il se décide à faire de la photographie son activité principale. Conseillé par son ami photographe Li Zhengde, il envisage désormais sa pratique comme un dépassement du document, une recherche de l’esthétique du mal.
La série « No place to place », débute en Janvier 2018. Avec l’aide d’amis contactés sur le réseau Wechat, il repère 45 cimetières de vélos et n’en retient qu’une vingtaine.
Mettant à profit ses connaissances techniques, il conçoit ses propres drones au service de son propos et qui font l’originalité d’une série vue plus de 300 millions de fois par les utilisateurs du réseau social, Sohu Portal Network of China.

Et vous trouverez ci-dessous une présentation de l’exposition :

La Chine est saisie d’une crise d’asthme. La pollution n’obscurcit pas seulement ses villes et son ciel, c’est tout le futur du pays qui s’assombrit. Un brouillard grisâtre et toxique de particules fines, le smog, recouvre les grandes villes. Ce pays, qui a oublié même le souvenir du ciel bleu, dans les rues encombrées de ses cités monstrueuses, où usines et voitures contaminent l’atmosphère, voit la mort lente s’insinuer dans les corps, dans le paysage, dans l’économie. L’espérance de vie diminue et on estime à un million de décès par an les conséquences d’une qualité de l’air dégradée.

Premier pollueur de la planète, premier émetteur de gaz à effet de serre, la Chine a décidé de limiter les effets de la pollution. Le pays redouble d’effort pour stopper la dégradation de l’environnement, conséquence de décennies de croissance. Les résultats sont réels et contradictoires. Entre 2013 et 2017, le taux de particules fines a baissé de 32 % mais une nouvelle pollution, la concentration d’ozone, s’avère particulièrement menaçante.
Face à ce problème de santé publique, les autorités ont depuis 2013 mis en place un plan d’action afin de réduire de 30 % les émissions des industries hautement polluantes.

Dans le domaine des transports, les grandes métropoles soutenues par le pouvoir central ont fait appel à des sociétés de partage de cycles pour limiter les émissions de CO2. En moins de deux ans plus de 70 sociétés spécialisées dans la mise à disposition de ce moyen de transport sont apparues. Ces compagnies ont investi plus de 10 milliards de dollars et ont installé 27 millions de vélos dans la majeure partie des grandes cités chinoises, chaque société se différenciant par une couleur de cycle différente. La première expérience de vélos partagés eut lieu à l’université de Pékin, en Mai 2015. Dès lors, il n’est pas une ville qui ne se soit saisie de cette opportunité. Mais à l’engouement réel des débuts fait place désormais une situation inattendue : les cimetières de deux-roues. Dans les faubourgs des métropoles ont surgi et se sont multipliées des lieux nouveaux, inconnus de l’histoire industrielle, des casses à vélos ! Des accumulations à l’échelle du pays où l’on voit se succéder à perte de vue des carcasses qui s’empilent, se chevauchant dans un alignement et un ordonnancement mortel. Des millions de ces vélos sont ainsi mis au rebut. Ce n’est pas seulement à la disparition d’objets à laquelle nous assistons, c’est à la fin d’une illusion régénératrice.

Paradoxe que ces images de la catastrophe, réalisées par Wu Goyong, entre mars et décembre 2018, dans une vingtaine de villes de Chine. Pour celui qui, à l’aide d’un drone, survole la ruine moderne, la photographie magnifie l’échec, quand l’erreur fait l’horreur. Images inversées du monde réel, les photographies agencées selon une symétrie parfaite sont empreintes d’une beauté profonde. Simulacre impressionniste grotesque, la lumière varie sur les « champs » de vélos. Ces accidents « heureux » façonnent des paysages colorés et chatoyants. Vision délicieuse du mélange des complémentaires et des contrastes.
Ce que le ciel ne donne plus, la véritable couleur de l’atmosphère, Wu Goyong l’a surprise dans les rebuts de notre monde « moderne ».

François Cheval, Juillet 2019

En septembre 1919, au lendemain de la signature d’une convention entre la France et la Pologne, de nombreux travailleurs polonais arrivent dans le Bassin minier du Nord de la France. Kasimir Zgorecki fait partie de cette diaspora polonaise.
En 1922, il quitte la Ruhr où son père travaille comme mineur de fond, et s’installe à Rouvroy dans le Pas-de-Calais. Chaudronnier de formation, il ne travaille que six mois dans les mines, avant de se tourner vers la photographie professionnelle.

En 1924, il reprend l’atelier-librairie de son beau-frère photographe, qui l’initie aux rudiments de la technique. Durant la période d’entre-deux-guerres, l’activité de Kasimir Zgorecki connait une ascension fulgurante et une période particulièrement intense.

Il se plait à portraiturer les émigrés polonais partis loin de leur pays, en gardant trace de leur histoire intime, en immortalisant  leur réussite personnelle, en rendant palpable leur existence et en révélant leur quotidien à la fois sobre et touchant.
L’exposition présente une centaine de photographies en noir et blanc témoignant de la vie de cette communauté polonaise émigrée, soucieuse à la fois de montrer ses capacités d’intégration et de réussite, et de garder vivantes ses traditions.

En partenariat avec le CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France

Les espions infiltrent la Cité des Sciences

« Cet automne, la fiction prend vie à la Cité des sciences et de l’industrie. Fermez les yeux et imaginez-vous, soudain, plongé au cœur du monde du renseignement contemporain. Dans la peau d’un officier traitant, vous allez être chargé d’une mission qui vous plongera dans une histoire d’espionnage inédite. Tout commence avec ce qui ressemble à un essai nucléaire de faible intensité à l’étranger. La suite est à vivre à la Cité des sciences et de l’industrie, dans une exposition originale. Pour la première fois, les services nationaux de renseignement, dont la discrétion est une seconde nature, ont accepté de prêter leur concours à une présentation de cette envergure ; grâce à eux, le parcours de visite est au plus près de la réalité que vivent celles et ceux qui exercent les métiers du renseignement d’aujourd’hui. » Bruno Maquart, président d’Universcience.

« Série réaliste, synthèse entre la fiction et la réalité, Le Bureau des Légendes est la fenêtre privilégiée sur les services de renseignements pour le grand public. Ce partenariat avec la Cité des sciences et de l’industrie pour imaginer un projet novateur et ludique est, pour les équipes de la série, un défi exaltant qui prolonge l’univers riche et complexe créé par Éric Rochant. » Alex Berger, producteur exécutif du Bureau des Légendes.

Cette nouvelle exposition temporaire offre une intrigue unique imaginée à partir d’une documentation passionnée et attentive sur l’espionnage qui en dévoile l’envers du décor. Civils ou militaires, tous travaillent pour l’un des six sigles (DGSE, DRSD, DRM, DGSI, DNRED et Tracfin) désignant les services du premier cercle du renseignement français qui ont pour mission principale d’éclairer les autorités, d’anticiper et de parer les menaces qui pèsent sur la sécurité nationale. Pas à pas, tel un agent secret, le visiteur recueille des informations en utilisant les différentes méthodes et outils des services de renseignement. Une expérience inédite faisant dialoguer réalité et fiction, co-produite par Universcience et TOE -The Oligarchs Edition

A la fin du 18è siècle, la prison devient le lieu d’application de peines jusqu’alors le plus souvent dévolues au bourreau. La détention apparaît plus humaine que l’exécution capitale ou les châtiments corporels fréquemment appliqués. Alliant isolement, contrainte des corps et soumission des esprits, la prison a alors pour mission de punir et d’exclure pour protéger la société. L’exposition s’attache à expliciter le paradoxe soulevé dès le siècle suivant : comment exclure tout en préparant le retour à la liberté ?

Une coproduction du musée des Confluences, du musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge de Genève et du Deutsche Hygiene Museum de Dresde

Après une introduction qui traite de la naissance de l’institution pénitentiaire en Europe, le visiteur découvre les règles régissant l’univers carcéral, les rapports de force qu’elles engendrent et leurs transgressions. Puis viennent les moyens déployés par les détenus pour survivre à l’enfermement par l’activité, la création, les liens avec l’extérieur. Des trafics aux mutineries, de l’évasion au suicide, les différentes expressions de la révolte en prison sont mises en lumière. Si l’enfermement est aujourd’hui une peine communément admise par l’opinion publique, ses alternatives visant à la réinsertion dans la société interrogent et ouvrent le débat.
Par les regards croisés des détenus, du personnel pénitentiaire et d’experts de la prison, l’exposition rassemble de nombreux témoignages. Sont également présentés des objets du quotidien, photographies et oeuvres d’art réalisés notamment par des détenus.
Dans sa version française, l’exposition au musée des Confluences ajoute à son parcours une forme théâtrale inédite, conçue par le Théâtre Nouvel Génération de Lyon (TNG). Par l’illusion de petits théâtres optiques, le visiteur vivra en 3 actes une expérience de détention où les frontières entre l’intérieur et l’extérieur deviennent floues.
Eclairages historique, philosophique, anthropologique, sociologique et artistique livrent une réalité complexe qui bouscule les stéréotypes et interroge le paradoxe de la prison : maintenir l’individu à l’écart de la société tout en le préparant à sa réinsertion.

Le musée de Bretagne aux Champs Libres à Rennes met à l’honneur deux photographes d’origine rennaise, Charles et Paul Géniaux, précurseurs de la photographie de reportage dont les clichés ont été largement diffusés en France à leur époque (fin du 19e – premier quart du 20e siècle).
Frères dans la vie et dans leur art, ils se lancent dans l’aventure photographique en multipliant les initiatives : création d’un atelier de collographie à Rennes, lancement d’une revue consacrée à la littérature et à la photographie en Bretagne, organisation d’expositions, publications. En 1898, ils deviennent propriétaires d’un studio photographique à Paris.
Ils ont laissé un important fonds photographique, en partie conservée par leur famille, mais aussi par le musée de Bretagne, le MuCEM, le musée d’Orsay, le musée Carnavalet et le musée des arts décoratifs. Pour la première fois leur production est rassemblée à l’occasion de cette exposition qui présentera également des images inédites.

Tirages photographiques et négatifs originaux sur plaque de verre, mis en parallèle avec les écrits de Charles, témoignent d’un autre siècle et de l’intérêt des frères notamment pour la Bretagne, l’Afrique du Nord, le Sud de la France mais aussi Paris.
L’oeuvre de ces deux personnalités complémentaires est mise en lumière permettant de comprendre le point de vue des photographes et leurs choix esthétiques (cadrage, sujets) mais aussi de se questionner sur le devenir des oeuvres.
Le musée de Bretagne qui mène depuis plusieurs années un important travail de numérisation, d’inventaire et de valorisation de ses fonds photographiques, retrace la formidable histoire de ces deux frères désormais tombés dans l’oubli. C’est toute la question de la postérité qui se pose et avec elle celle de la transmission et des conditions qui font qu’une oeuvre artistique reste ou non dans la mémoire.

Vingt-cinq ans après la dernière exposition qui lui était consacrée, le Jeu de Paume – Château de Tours présente cet automne une rétrospective consacrée à René-Jacques. Étudiant en droit, ce qui le prédestinait à une tout autre carrière, il fait très rapidement le choix de suivre la voie artistique et d’adopter définitivement son nom d’artiste, afin de s’adonner à sa passion : la photographie.
« L’élégance des formes » dévoile une sélection de cent vingt tirages originaux, dont certains montrés pour la première fois, à travers un parcours rythmé par huit sections chrono-thématiques qui retracent les thèmes emblématiques de l’œuvre de ce photographe qui demande a être redécouvert.
Figure marquante de la photographie française d’après guerre, René-Jacques (né René Giton, 1908-2003) débute sa carrière dans les années 1930. Très rapidement, il embrasse les mille métiers de la photographie, se faisant tour à tour reporter pour L’Intransigeant, illustrateur pour les éditions Grasset ou photographe industriel pour la régie Renault. Arpenteur des rues d’un Paris vide, sur les traces de Francis Carco et Léon-Paul Fargue, il est aussi photographe de plateau pour René Lucot, Wilhelm Pabst et Jean Grémillon.
Conscient de la difficulté des photographes à faire valoir leurs droits et reconnaître leur art, René-Jacques, comme François Kollar, son aîné, ou Jean Dieuzaide, son cadet, participe aux différents groupes qui animent la photographie française : Le Rectangle, sous l’égide d’Emmanuel Sougez ; le Groupe des XV, à partir de 1946, où il retrouve Daniel Masclet, Willy Ronis, Robert Doisneau et son ami Marcel Bovis. Défendant ses images et ses points de vue, il participe aux nombreuses expositions que ces groupes organisent. Président pour les photographes du conseil d’administration de la Spadem (Société de la propriété artistique des dessins et modèles) à partir 1946, il prend également la tête du syndicat de la photographie publicitaire en 1961 et représente les photographes à la Commission nationale des sites.
Dans les photographies de René-Jacques, rien n’est anodin : chaque image est pensée et trouve sa source dans ses expériences préalables. Ainsi, quand il propose des illustrations pour des œuvres de Carco et de Montherlant, il traduit en images les ambiances et les formes évoquées par les textes. De même, le jeu des ombres et des reflets sur les matières, qu’il affectionne dans ses natures mortes industrielles, fait suite à ses premières recherches et à son expérience de l’éclairage sur les plateaux de cinéma. Pour René-Jacques, professionnel exigeant, répondre aux demandes de ses commanditaires suppose de proposer, au-delà d’une image techniquement parfaite, un supplément d’âme et une vision renouvelée du paysage, du monument ou de l’objet industriel.
En 1991, conscient de la richesse de son travail photographique, il fait don à l’État de son œuvre.
Aujourd’hui conservée à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), la donation RenéJacques regroupe ses négatifs, un ensemble de plus de 20 000 tirages, ainsi que de très riches archives formées de ses publications, de sa correspondance professionnelle et des planches de tirages de lecture qui servaient à la diffusion de ses images.
Commissaire : Matthieu Rivallin

Une centaine d’œuvres déployées sur près de 1 000 m2 | 300 archives photographiques et filmiques | 14 artistes : Giovanni Anselmo / Alighiero Boetti / Pier Paolo Calzolari / Luciano Fabro / Jannis Kounellis / Eliseo Mattiacci / Mario Merz / Marisa Merz / Giulio Paolini / Pino Pascali / Giuseppe Penone / Michelangelo Pistoletto / Emilio Prini / Gilberto Zorio

L’exposition « Entrare nell’opera / Entrer dans l’oeuvre : actions et processus dans l’Arte Povera » explore en profondeur, pour la première fois, la dimension performative inhérente à ce mouvement, qui fut moins un groupe qu’une aventure collective, jalonnée de multiples actions et événements, dans l’Italie des années 1960 et 1970.
Le parcours de l’exposition rassemble une centaine d’œuvres emblématiques, conçues entre 1963 et 1978, accompagnées d’une riche documentation de près de 300 archives photographiques et filmiques, pour certaines inédites. Les deux premières sections, intitulées « Théâtre » et « Temps et lieu », mettent en dialogue œuvres et documents pour restituer et contextualiser les actions. Les deux sections suivantes, « Actions » et « Entrer dans l’œuvre », permettent aux visiteurs d’être directement impliqués et d’interagir avec tout un ensemble d’objets. Ce rôle crucial de la participation, essentielle dans l’Arte Povera, a révolutionné le rapport entre l’œuvre, l’espace et le spectateur. Évoquant autant le concept d’« art total » que celui d’« œuvre ouverte » formulé par Umberto Eco, ces propositions font de l’Arte Povera, près de cinquante ans après son émergence, un art au présent, toujours vivant.

Commissaire de l’exposition : Alexandre Quoi, Responsable du département scientifique du MAMC+

Photo : © Giovanni Anselmo, Entrare nell’opera, 1971/1998, tirage jet d’encre sur toile, 336 x 491 cm, collection Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal. Acquisition 1999 © Giovanni Anselmo

Le Collectif Confrontations et le Centre des Monuments Nationaux, ci-après dénommés « les organisateurs », avec le soutien de la Caisse Locale de Gex du Crédit Agricole Centre-Est, du magazine Compétence Photo, du laboratoire Art Photo Lab, des partenaires institutionnels du festival des Confrontations Photo (Pays de Gex Agglo ; département de l’Ain et région Auvergne-Rhône-Alpes), organisent dans le cadre de la 6ème édition du festival des Confrontations Photo le Prix Voltaire de la Photographie. Celui-ci, s’adresse aux photographes de 35 ans au maximum et a pour thème exclusif le portrait photographique.
Le Prix Voltaire de la Photographie souhaite apporter une attention toute particulière et pérenniser un soutien à une approche contemporaine et originale des portraits photographiques.

Conditions de participation au Prix
Pour participer au Prix Voltaire de la Photographie, tout candidat doit remplir les conditions du présent règlement, stipulées ci-dessous.
– Les candidat(e)s doivent être âgé(e)s de 35 ans au maximum au moment de l’envoi du dossier de sélection.
– Les candidat(e)s doivent être ressortissant(e)s européens ou suisses ou d’un pays francophone (langue officielle ou seconde).
– En signant le présent règlement, les candidat(e)s s’engagent à respecter l’intégralité des conditions.

Dates du dépôt des candidatures
L’appel aux candidatures est ouvert aux photographes amateurs ou professionnel(le)s du 1er janvier au 30 avril 2020 à minuit. À l’issue de cette période, les dossiers seront présentés à un comité de sélection.

Constitution du dossier de candidature
Les dossiers de candidature devront être déposés par wetransfer ou équivalent à l’adresse suivante : prix-voltaire@confrontations-photo.org
Ils devront comporter obligatoirement les éléments suivants :
– Une sélection de 8 à 10 portraits photographiques au format jpg (3000 pixels minimum sur le plus grand côté), constituant un projet de série cohérente. La série finale pourra être constituée d’une quinzaine d’images(voir point 7 « Dotation »). Le nom du fichier doit contenir le nom du photographe et le numéro de l’image dans la série.
– Le dossier de présentation à télécharger sur le lien suivant http://confrontationsphoto.org/prix-voltaire-de-la-photographie/, comprenant la biographie du/de la candidat(e)
et la présentation de sa série.
– Le présent règlement téléchargeable également sur le lien suivant http://confrontationsphoto.org/prix-voltaire-de-la-photographie/, daté et signé, avec la mention manuscrite « Lu et approuvé ».
– Le/la candidat(e) peut ajouter à son dossier tout élément qui lui semblera pertinent.

Tout dossier incomplet au 30 avril 2020 à minuit, ou ne répondant pas aux critères du présent règlement ne sera pas retenu.
Toute question concernant les dossiers de candidature et le Prix Voltaire de la Photographie peuvent être adressées à l’adresse suivante : prix-voltaire@confrontations-photo.org.

Etude des dossiers de candidature :

Comité de sélection
Le comité de sélection se compose de membres du Collectif Confrontations, du Centre des Monuments Nationaux et de personnalités du monde de la photographie. Les organisateurs se réservent le droit de modifier en tout temps la composition du comité de sélection.
Jury
Le Jury du Prix Voltaire de la Photographie est constitué de personnalités du monde de la photographie.
Les organisateurs se réservent le droit de modifier en tout temps la composition du jury.

Procédure, résultats et finalisation
– À l’issue des dépôts de candidatures (30 avril 2020), le comité de sélection désignera 3 finalistes. Cette décision sera sans appel et ne donnera lieu à aucune justification.
– Les 3 finalistes seront auditionné(e)s par le jury, au château de Ferney-Voltaire, le vendredi 5 juin 2020. Ils devront obligatoirement être présents lors des auditions.
– À la suite des auditions de ces 3 finalistes, le jury choisira le/la lauréat(e) du Prix Voltaire de la Photographie 2020.
– Les résultats seront annoncés le 1er juillet 2020.
– Le/la lauréat(e) devra ensuite, si nécessaire, compléter sa série dans la continuité du projet initial (voir point 7 « Dotation »). Il/elle la soumettra dans son intégralité aux organisateurs du Prix avant la production qui sera réalisée en septembre 2020.

Points particuliers :
– Les candidat(e)s ne peuvent présenter au maximum que deux projets. Dans ce cas ils/elles devront constituer un dossier complet par projet.
– Chaque projet peut être réalisé par plusieurs co-auteurs.
– La ou les séries soumises ne devront pas avoir été déjà lauréates d’un autre prix ou concours.
– Le/La lauréat(e) s’engage à citer par la suite dans sa biographie sa participation au Prix Voltaire de la Photographie.
– Les membres de l’association organisatrice ne peuvent participer au Prix Voltaire de la Photographie.
– Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie se réservent le droit en cas de force majeure ou si les circonstances l’imposent, de modifier le présent règlement ou d’annuler l’édition 2020 du Prix. Leur responsabilité ne saurait être engagée du fait de ces modifications.

Dotation :
– Le/La lauréat(e) du Prix Voltaire de la Photographie 2020 se verra remettre une dotation de 2 000 € (deux-mille Euros).
– Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie prendront en charge les frais de production de l’exposition du/de la lauréat(e) en partenariat avec le laboratoire Art Photo Lab : jusqu’à 15 photographies dont les caractéristiques auront été déterminées avec le/la lauréat(e), en tenant compte de son projet et des contraintes techniques liées aux différents lieux d’exposition (taille, support, etc…). Les organisateurs se réservent le droit d’accepter la production d’un plus grand nombre de photographies s’ils l’estiment dans l’intérêt de la série.
– Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie prendront en charge les frais de production de 3 photographies pour chacun(e) des deux autres finalistes et dans les mêmes conditions.
– L’exposition complète donnera lieu à une présentation au public ainsi qu’à une itinérance (voir point suivant).
– À l’issue de l’itinérance, les photographies seront remises à leurs auteurs. Le/La lauréat(e) 2020 s’engage néanmoins à en céder une, sans contrepartie de quelque ordre que ce soit, aux organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie.
– Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie prendront en charge le transport et l’assurance de l’ensemble des œuvres durant l’exposition initiale et l’itinérance de l’exposition.
– Si nécessaire, les organisateurs prendront en charge l’hébergement et les repas des 3 finalistes au moment des auditions de juin 2020 puis du vernissage au château de Ferney-Voltaire le 2 octobre 2020.

Expositions :
– Le vernissage de l’exposition et la remise du prix se dérouleront au château de Ferney-Voltaire le 2 octobre 2020 en ouverture du festival des Confrontations Photo. Le/La lauréat(e) devra obligatoirement être présent(e) au vernissage.
– Itinérance : La série lauréate ainsi que les 3 photographies des deux autres finalistes seront exposées à partir du 2 octobre 2020 au château de Ferney-Voltaire (01), puis au château de Bussy-Rabutin (21). Il pourra être proposé aux lauréat(e)s une ou plusieurs expositions supplémentaires.
– Durant l’exposition et l’itinérance, les photos exposées seront indissociables. Toute cession ou vente éventuelle devra attendre la fin de l’itinérance pour être finalisée ou devra donner lieu à la production d’un nouveau tirage à la charge de l’auteur. Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie ne percevront aucune part sur ces ventes éventuelles.

Droits :
– En soumettant sa candidature, le/la photographe certifie qu’il/elle est l’auteur des photographies proposées et qu’il/elle en possède légalement tous les droits (droit à l’image, droit de soumission, droit de la vie privée, droit de la propriété intellectuelle en particulier et tout droit lié à la reproduction de l’image d‘une personne ou d’un bien). Il/elle devra pouvoir le justifier en tout temps. Les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie déclinent toute responsabilité dans le cas contraire et pourront demander la restitution du prix en cas de violation des certifications et droits évoqués.
– En signant le présent contrat, les 3 finalistes acceptent tacitement d’être ensuite cité(e)s sur l’ensemble des supports de communication du Prix Voltaire de la Photographie et du festival des Confrontations Photo (site internet, catalogue, page facebook, réseaux sociaux, presse, radio et télévision). Les finalistes autorisent également les organisateurs à utiliser, sur leurs supports de communication, des images pouvant les représenter (images prises lors des différents événements : vernissages, expositions).
– Les 3 finalistes gardent leurs droits d’auteur sur leurs photographies.
Ils/elles mettront néanmoins gracieusement à la disposition des organisateurs du prix le ou les fichiers numériques, choisis d’un commun accord, nommés « extraits », nécessaires à la présentation de leur série dans les supports de communication du Prix Voltaire de la Photographie et du festival des Confrontations Photo (site internet, catalogue, page facebook, réseaux sociaux, presse, radio et télévision). Les finalistes autorisent les organisateurs du Prix Voltaire de la Photographie à utiliser ensuite ces extraits, en les citant nommément, sans contrepartie financière et pour une durée indéterminée, dans le but unique de promouvoir le Prix Voltaire de la Photographie.
– Les organisateurs s’engagent à ne faire aucun usage des photographies issues de dossiers non sélectionnés. L’anonymat des photographes qui n’auront pas été sélectionné(e)s sera respecté.

Données personnelles :
– Les données collectées dans le cadre de l’appel à candidature du Prix Voltaire de la Photographie, feront l’objet d’un traitement informatique. Elles seront utilisées par les organisateurs du prix pour la gestion des dossiers des participants. Conformément à la loi Informatique et Libertés du 6 janvier 1978 modifiée par la loi du 6 août 2004, les Participants disposent d’un droit d’accès ainsi que d’un droit d’information complémentaire, de rectification et, le cas échéant, d’opposition sur les données les concernant. Toute demande d’accès, de rectification ou d’opposition doit être adressée par écrit à l’adresse suivante : Prix Voltaire de la Photographie, 23 Passage des Lavoirs – 01170 Gex.

> Règlement : http://confrontations-photo.org/wp-content/uploads/2019/11/Prix-Voltaire-de-la-Photographie-Re%CC%80glement-2020.pdf

Prix international décerné à une femme photographe, le Prix Virginia est remis tous les deux ans depuis 2012 à une photographe professionnelle, de toute nationalité, sans limite d’âge pour un travail photographique, hors commande presse et publicitaire, inédit en France.

5ème édition
Dépot de candidature du 2 janvier au 7 mai 2020

http://www.prixvirginia.com/

Photo : Three Boys, 2016 – You an Orchestra You a Bomb © Cig Harvey

Du 6 janvier au 24 avril 2020, Château Palmer accueille l’exposition « Arctique » du photographe Jean Gaumy. Membre de l’agence Magnum Photos, élu en 2016 à l’Académie des Beaux-Arts, le Français y présente un choix de photographies prises lors de ses récentes missions scientifiques au Pôle Nord. Paysages telluriques, décors de glace et minéraux, organiques jusqu’à l’abstraction. Un regard singulier sur une zone extrême, bien au-delà du cercle polaire, qui résonne avec les préoccupations environnementales de Château Palmer.

On connaissait la passion du photographe aquitain pour les huis-clos. Celui de l’hôpital, de l’univers carcéral — en 1976, il fut le premier photojournaliste à être admis dans une prison française — ou des sousmarins de dissuasion nucléaire. Salués par Raymond Depardon ou Marc Riboud, ses premiers reportages lui ont valu de rejoindre l’agence Gamma puis d’intégrer l’équipe de Magnum en 1977. Depuis, Jean Gaumy n’a cessé d’élargir le périmètre de sa curiosité et de son champ d’intervention : l’Iran, l’Amérique centrale, les territoires contaminés de Tchernobyl ou de Fukushima, la haute mer à bord de chalutiers, les falaises de Normandie…
Doublement récompensé par le Prix Nadar (2002, 2010), élu en 2016 à l’Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France, le photographe arpente cette fois les paysages de l’Arctique, chaos de matières fluides ou gelées, territoires primitifs dont il tire des compositions magnétiques et somptueuses. Outre la liberté du cadrage, s’y reflète son « instinct décisif » et, depuis des années, une méditation inquiète sur le sort du monde.
Le réchauffement climatique est trois fois plus sensible aux pôles que sur le reste de la planète. Depuis 2013, Jean Gaumy accompagne régulièrement des océanographes du laboratoire BeBEST/LEMAR (CNRS, UBO, Museum d’Histoire Naturelle) qui étudient l’impact des changements environnementaux sur les coquillages. Il collecte ici des fragments de réel, traque le miroitement des temps anciens et immortalise les paysages menacés. De l’archipel de Svalbard (Norvège) à la base de Daneborg (Groenland), il explique vouloir « capter la genèse du monde » tout en repoussant les « limites de la photographie ».
Le récit de cette immersion septentrionale, au plus près de la matière, trouve naturellement sa place dans le domaine de Château Palmer. Même volonté de valoriser l’empreinte d’un territoire, de défendre la biodiversité, même fascination pour la « terra incognita » et l’esprit d’aventure, même conviction que l’art doit savoir se mettre au service de la nature.

Exposition sur rendez-vous uniquement !

Cédric Roux aime voyager, photographier, capter les lumières de la ville, à l’affût d’une géométrie des couleurs et de l’humain au cœur de l’espace urbain. Un exemple de l’amateur passionné qui choisit désormais ses destinations pour photographier.

Il a reçu le Prix du Public des ZOOMS 2018 du salon de la photo et verra sa série « Droit à l’image » exposée à Paris durant le salon ainsi qu’au Japon, fin février 2019.
Il a également été finaliste et exposé lors de festivals de streetphotography à Miami, San Francisco, Londres et Rome et coup de cœur du Jury pour une exposition intitulée « Intimité » lors d’une exposition aux Beaux Arts de Rouen.

Nous vous invitons chaleureusement à célébrer la nouvelle année autour de son amour du voyage et de la Streetphotography.

Cédric Roux a commencé son travail au Leica Q et vient d’adopter le Leica Q2.

Ces compositions abstraites ont tous les atours des canons artistiques modernes. On y voit volontiers un peu de Kandinsky, une bonne dose de Arp, un zest de Bacon et du Hains ou du Villéglé évidemment, pour les déchirures. Ce sont des constructions aux couleurs vives, dans certaines on perçoit un espace sous les couches de formes qui occupent leurs centres. Comme autant de vortex chromatiques et poétiques, ces zones fragiles et instables sont des invitations au voyage à travers un univers tout en suspension au sein duquel une ligne vous mène vers un aplat de couleur qui lui-même fait émerger une forme aussi captivante qu’indéfinissable. On est happé. Propulsé dans une traversée introspective mais heureuse de ces espaces inconnus. L’artiste les qualifie d’Absences. Pourtant, ils paraissent bien présents, pleins de couleurs et de formes.
De quelles absences s’agit-il alors ?
Il est vrai qu’ici pas de signifiant et encore moins de signifié. Rien de familier auquel se raccrocher. Pas de sujet directement visible. Tout est en rupture avec l’histoire de celui qu’on connaît avant tout comme photographe de presse.
On apprend que pour créer ces Absences, l’artiste manipule d’anciens tirages par le déchirement, le froissage, le découpage et enfin l’assemblage, quelque part entre la peinture, la sculpture, le bas-relief aussi. L’absence du sujet est ainsi à relativiser.
Le sujet photographique, nécessairement autoréférentiel, est au coeur du processus et si absence il y a, c’est moins de photographie que d’image. Et il semble nécessaire de revenir sur le long cheminement artistique de ce regardeur du réel qu’est Denis Darzacq pour saisir les enjeux de ce travail profondément paradoxal dans son corpus.
(…)
Les deux pendants de son travail (photographie reportage et photographie plasticienne) s’enrichissent et s’alimentent mutuellement dans une perpétuelle recherche de cohérence sémantique et artistique à travers les réalités sociales et politiques. Celle-ci le mènera par exemple en banlieue, à Bobigny en 2004. En dehors de toute actualité, quelques années après la génération qu’on appelait alors « black-blanc-beur » et quelques mois avant la révolte de novembre 2005, le série dépasse les préjugés et offre une image de la banlieue radicalement différente de celle que véhiculent traditionnellement les médias. L’artiste arpente ce paysage urbain avant tout espace social vivant revendiqué collectivement comme individuellement par leurs habitants. En proposant entre autre, aux jeunes des cités de poser devant chez eux, Denis Darzacq entérine une approche photographique qui problématise la place du corps dans l’espace social. Travail poursuivit avec La Chute (2006) qui constitue certainement la série la plus exemplaire de sa virtuosité à conjuguer mise en scène et réalité. Elle figure des danseurs de banlieue photographiés en suspension dans l’air pendant qu’ils performent une figure de hip-hop. Comme pour illustrer la citation issue du film générationnel culte La Haine (1995) de Mathieu Kassovitz « l’important n’est pas la chute, c’est l’atterrissage », Denis Darzacq saisit le moment de la fragilité absolue, de tous les possibles comme de tous les dangers, où on s’émancipe des pesanteurs sociales, l’espace d’un instant. La pertinence de la série sera récompensée par le 1er Prix du World Press Photo, catégorie Arts and Entertainment, en 2007. Les questionnements de La Chute trouveront prolongement dès l’année suivante dans la série Hyper (2007-2009) qui fera l’objet d’une exposition aux Rencontres d’Arles en 2009. Poursuivant son investigation des formes chorégraphiques et de leur potentiel signifiant, Denis Darzacq photographie des corps en suspension cette fois dans les rayons des supermarchés. Il se dégage toujours de ces images une impression de point d’arrêt, de temps figé, d’équilibre précaire et de potentiel effondrement mais cette fois, l’artiste s’attaque directement à la place du corps dans l’espace normatif du consumérisme. Cette problématique constitue d’ailleurs un champ de recherche important qui va jusque constituer un fil rouge dans sa pratique notamment avec le travail Casques de Thouars (2007-2008) réalisé lors d’une résidence dans cette petite ville des Deux-Sèvres. Changement radical de décor, le photographe se trouve alors bien loin de la capitale et de ses banlieues dans un contexte social marqué par l’éloignement physique des espaces de consommation et de culture de masse. Il se passionne alors pour une pratique de customisation des casques de motos par des jeunes du coin en pleine déshérence. Aussi bien armure que masque et parure, le casque super-esthétisé devient de support d’expression du corps social, l’endroit de l’indispensable singularisation autant que de la revendication de l’appartenance à un tout : le monde globalisé. C’est également de l’existence au-delà des stigmatisations que traite la série Act (2008-2011). Denis Darzacq mène alors un travail de longue haleine avec des personnes en situation de handicap.

« To act » en langue de Shakespeare fait aussi bien référence au fait de jouer un rôle qu’au fait d’agir. Le photographe invite chacun de ses complices à faire acte dans l’image qu’ils soient acteurs, sportifs ou danseurs pour revendiquer leur singularité en transcendant le statut des personnes en situation de handicap et donc d’assistés que la société leur assigne. Dans la proximité ou l’éloignement, dans la performance ou l’anonymat, chacun cherche sa place dans la société contemporaine.

Le début des années 2010 marque un point de bascule dans la carrière de Denis Darzacq. Il prend la décision de rompre avec une pratique proprement documentaire de la photographie pour verser dans une approche résolument plasticienne sans pour autant perdre de vue ses ingrédients thématiques d’élection à commencer par les problématiques de consommation de masse. Avec Recomposition (2010-2011), il jette son dévolu sur une chaise Ikea dont il propose à des danseurs de se saisir de l’assise et de l’emballage en carton. En résulte des images énigmatiques de corps affublés de volumes géométriques. Alors qu’on parierait que ces hybridations sont le fruit de quelques manipulations numériques, tout ici est chorégraphie. L’objet devient l’artefact qui définit le corps autant qu’il le contraint. Quand les précédentes séries postulaient la revendication de la subjectivité du sujet, la Recomposition postule le produit de consommation courante – la chaise Ikea – comme outil de sa disparition, le chemin vers son abstraction.

Nous sommes alors fondés de penser que les Absences que nous présentent Denis Darzacq constituent en somme le point d’orgue d’une recherche plastique profondément ancrée dans une conscience politique construite par la photographie documentaire.
Les Absences sont faites de cette matière photographique nécessairement signifiante dont la perte de sujet visible ne constitue en rien l’abandon de la valeur politique.

« L’absence, ce n’est jamais le vide, c’est la présence qui manque. »

Studio Harcourt présente l’exposition In/Out, et met sous les projecteurs une soixantaine de photographies singulières entre studio, lieux insolites et collaborations inattendues.
Depuis 85 ans la séance photo est rythmée par le même rituel : Silence sur le plateau, et c’est la voix du photographe qui entre en scène pour guider son modèle. Le portrait signé « Harcourt Paris » est intimement lié au studio, univers calfeutré où la lumière est l’apanage du photographe.
Qu’en est-il du savoir-faire unique de Studio Harcourt au-delà des portes du 6 rue de Lota ?
Même si la photographie en lumière continue se pratique principalement en studio, elle n’empêche pas d’en sortir.
Dès 1930 Studio Harcourt se rend dans les théâtres et salles de spectacles afin de photographier les artistes sur scène, expérience renouvelée en 2018 au Théâtre des Champs Élysées.
Hors les murs la photographie trouve un autre moyen de s’exprimer sans rien enlever à sa technique héritée du cinéma noir et blanc. Si en studio il est souvent impossible de dater ni même d’identifier la fonction du modèle, l’isolation du sujet de son contexte ne s’applique pas à l’intégralité des portraits Studio Harcourt.
Au-delà des salles de spectacle la photographie se réinvente au travers d’autres formes artistiques comme le (P)Harcourt artistique proposé en 2018 dans le cadre de l’été du Canal. Un dialogue entre les arts où le caractère éphémère d’oeuvres street-art rencontre l’éternité du portrait photographique.
L’exposition s’organise autour de trois thématiques : Au théâtre, Studio Harcourt In Situ et Studio Harcourt un art de rue ? In/Out propose au visiteur de découvrir une autre facette du savoir-faire Studio Harcourt. A travers des icônes populaires comme Johnny Halliday, Raphaël Varane et des personnages atypiques comme le couple Guerlain, le duo Die Antwoord, Studio Harcourt s’affirme encore et toujours comme précuseur et acteur d’une photographie en mouvement.

Photo : César sculpteur, 2005 © Studio Harcourt Paris | César par Joachim Romain, (P)Harcourt artistique du Canal de l’Ourcq, 2018 ©Studio Harcourt Paris

C’est une histoire entre deux rives, celle du Maroc d’hier où les matières sont à ras de la terre et des corps, et celle d’aujourd’hui, entre béton et rocailles. Depuis 2012, Yasmina Benabderrahmane traverse les dunes et les plaines de son pays d’origine qu’elle tente d’apprivoiser par l’image, après quatorze ans d’absence. Dans la vallée de Bouregreg, un nouveau centre culturel, théâtre et musée archéologique, chantier pharaonique du roi, semble une bête couchée, figure d’une modernité en cours qui ronge le paysage et change, peu à peu, la physionomie claire d’un pays ances- tral. Plus loin, on découvre les plaines désertiques, calleuses, pelées, de Chichaoua, où sommeillent des villages pavés de temps mort, de traditions que l’on se passe de mains en mains, et où on peut encore entendre la voix adoucie du bouche à oreille et des contes qui rassemblent les familles. Yasmina Benabderrahmane ouvre la voie et nous invite à suivre le chemin qui serpente entre ces deux mondes. Son travail filmique et photographique, en noir et blanc et en couleur – mais aussi sonore – est habité par son histoire familiale, entre métaphore et fragments bruts. Il y a l’oncle, d’abord, figure incontournable des grands chantiers marocains, respon- sable de la « bête » de la vallée de Bouregreg, garant des sols et de la mémoire, et il y a la grand-mère, un peu plus loin, à Chichaoua, qui boucle le temps et tresse les coutumes, entre henné et viscères.

De ces espaces et de ces corps familiers où se joue l’histoire contrariée du Maroc contemporain, Yasmina Benabderrahmane cherche à s’approcher du détail et des matières, des mains qui façonnent, qui agissent ou reproduisent, au fil des âges, les mêmes gestes. Dans les tons saccadés de la pellicule et ceux, composés, entrouverts, des photographies, l’exposition de Yasmina Benabderrahmane nous invite à une histoire marocaine sensible, minérale et instinctive, où les pierres dégoulinent et le sang caille, et où le regard de l’artiste se pose sur l’intimité du temps qui gît, passe et se retourne.

Dans la partie orientale de la Pologne, juste à la frontière avec la Biélorussie, se situe la forêt millénaire de Bialowieza. Elle est l’une des plus anciennes forêt naturelle d’Europe. Coupé du temps, c’est un lieu où les préoccupations du monde moderne semblaient jusqu’alors absentes. Cependant, depuis le début de l’année 2016, elle est le théâtre du plus important conflit environnemental en Europe. Des lieux protégés par l’Unesco depuis 1979 et par la législation européenne sont menacés de destruction. 187 procès en 2 ans ont été intentés contre les activistes qui protestent contre les ravages faits à cet environnement. Malgré leur interdiction par la Cour de Justice de l’Union Européenne, les abattages continuent jusqu’en décembre 2017. C’est ce combat pour la préservation de la nature que raconte Andréa Olga Mantovani.
Durant plusieurs mois, la photographe a exploré ce territoire en cherchant à saisir les tenants et les enjeux du conflit qui s’y déroule. Dans son approche, elle alterne des images de paysage célébrant la force et la beauté d’une nature immuable et des photographies plus allégoriques. Elles nous renvoient à la complexité de cette crise, à la relation entre les concepts de nature et culture et elle évoque de manière métaphorique, certains aspects de l’affrontement qui oppose un gouvernement traditionaliste aux valeurs défendues par les militants écologistes. Dans ce travail, elle a cherché à rendre compte de ces rencontres, à porter par l’image, la voix des peuples de la forêt, celles des luttes et des imaginaires, révélant ce qu’elles ont de commun et d’actuel. Et depuis là, pouvoir saisir, autrement qu’en éternelles victimes, la guerre qui nous est faite.

Géographe de formation, Andrea Olga Mantovani (*1985) a travaillé durant 6 ans en Europe sur des problématiques environnementales et sociales. Voyant dans l’image, un instrument de témoignage indispensable, elle se consacre dès 2015 à la photographie de manière professionnelle en tant que contributrice régulière pour le NYTIMES et à travers des projets personnels. Andrea Olga Mantovani est lauréate du Prix Talent Emergent du Festival de la Gacilly 2018, du Prix Focale pour la Photographie Documentaire, du Prix Obs «Les Femmes s’Exposent» et finaliste de la Bourse du Talent en catégorie Reportage avec son travail sur la forêt de Bialowieza. Son travail est exposé à la Foire de la Photographie Contemporaine Fotofever du 8 au 10 novembre 2019 au Carrousel du Louvre à Paris.

Pour sa première exposition personnelle dans un centre d’art en France, le jeune artiste Matan Mittwoch poursuit son exploration des outils technologiques qui nous entourent et des dispositifs de contrôle qu’ils induisent.

L’artiste s’intéresse aux techniques d’enregistrement et de reproduction par lesquelles une image ou un objet peuvent être générés. L’artiste a mis au point des dispositifs de prises de vues invisibles aux spectateurs par lesquels il investigue fréquemment le comportement d’un écran tactile et contrôle le processus de création d’une image, de sa genèse à sa duplication. Des machines se font face et fonctionnent en circuit fermé, l’oeil mécanique concurrence l’oeil humain qui se retrouve pris dans une expérience perceptuelle, parfois cinétique. Les machines détournées s’avèrent être de surprenants catalyseurs de formes, rappelant souvent l’histoire
moderne de l’abstraction.

Matan Mittwoch est né en 1982 à Tel-Aviv. Il est représenté par la galerie Dvir (Tel-Aviv, Bruxelles).

La Ville de Mérignac ouvre la saison photographique 2020 en se questionnant sur l’avenir, les choix de vie, la place de la nature dans notre société.
La découverte de ces mondes parallèles, différents et possibles constituera le fil conducteur de la programmation tout au long de l’année. D’abord repéré sur les réseaux sociaux, puis reconnu à l’étranger, avec IN SITU Alain Laboile présente sa première exposition personnelle en France.

Sculpteur, photographe et père de six enfants, Alain Laboile a entamé un album de famille en 2007, à l’âge de 39 ans.
La série « La Famille » était au commencement son trésor intime. Ce photographe autodidacte qui ne possède qu’une photo de sa propre enfance, désirait simplement marquer le temps qui passe avec les siens.
L’album de famille a rapidement franchi le cadre intime pour séduire la toile. Chaque jour, des dizaines de milliers d’internautes, dans le monde entier, attendent les nouvelles images de cette « tribu » française qui vit, en Gironde, au bord du monde.
En décembre 2012, le New York Times célèbre le talent d’Alain Laboile. Les premières expositions suivent, d’abord au Japon et aux Etats-Unis, puis en France, lorsqu’en 2014 la série « La Famille » entre dans la collection du Musée français de la photographie, prenant désormais sa place dans la longue tradition de la photographie de famille.

À travers son travail photographique Alain Laboile documente et célèbre sa vie de famille : une vie au bord du monde, où se mêlent intemporalité et universalité de l’enfance.
Jour après jour, il crée un album de famille qui constitue un héritage qu’il transmettra à ses enfants. Son oeuvre reflète leur mode de vie, qui gravite autour de l’enfance. Une enfance proche de la nature, où chacun se découvre, découvre le monde, passe à sa guise d’une expérience sensible à l’autre, où les enfants à l’imagination débordante s’amusent, prennent le temps de vivre, de jouer, de construire, mais aussi de s’ennuyer.
Si les plus petits « cherchent » l’objectif, les plus âgés participent avec plus de distance.
Ses photographies en sont le témoignage.
Vivantes – on lui dit souvent que l’on peut entendre dans ses photos le rire des enfants ou l’éclaboussure de l’eau – pleines d’humour, ses images aux noir et blanc lumineux capturent la poésie du quotidien et l’esprit de liberté. Cette pratique peut être rapprochée de celle d’un ethnologue.
Bien que son travail soit profondément personnel, il est totalement universel, exaltant la nature humaine et permettant au spectateur de replonger dans le monde de l’enfance. Certains y retrouvent un peu de leur passé, d’autres se posent des questions existentielles.
Alimenté quotidiennement et partagé dans le monde entier grâce à internet, sa production photographique s’est mue en un moyen de communication, amenant à un questionnement sur la liberté, la nudité, l’éducation, l’être et l’avoir.

Cette proposition inédite est le troisième volet du projet de Constance Nouvel qui s’est déployé dans un premier temps avec Atlante à la galerie In Situ – fabienne leclerc à Paris, puis Solstice au Centre d’art/éditeur Le Point du Jour, à Cherbourg.

Commissariat : Nathalie Giraudeau

Le projet se présente sous la forme d’une énigme : un parcours que le visiteur est invité à suivre, entre la surface des images, l’expérimentation de simulacres et la mise en abîme du médium photographique.

L’exposition, espace d’expérimentation, est envisagée comme un plateau de jeu, offrant des ponts spatio-temporels entre les lieux, dans une recherche de déconstruction-construction des représentations et jouant avec la notion de décor. Elle a pour intention d’interroger les mécanismes d’assimilation du réel par le regard et la pensée, comme la nature et le potentiel de l’image photographique.

Rythmée par la photographie, le dessin et l’installation, la proposition de Constance Nouvel ouvre une nouvelle voie d’exploration de l’espace et du réel, de leurs représentations, à la fois physiques et mentales, tout comme de la capacité des différents médiums à créer l’illusion et à renouveler notre perception.

Une publication, à paraître à la fin de l’exposition, conclut ce cycle d’expositions et en constitue le chapitre ultime.

Constance Nouvel vit à Paris et travaille à Aubervilliers. Elle développe depuis 2010 un ensemble d’œuvres qui prend pour point de départ l’analyse critique des caractéristiques de la photographie : comprendre pourquoi et en quoi le processus photographique n’est pas uniquement la reproduction d’un réel, mais aussi l’image d’une réalité tangible, ouvrant aux complexités de la représentation. Ses réflexions se déploient dans un langage plastique et formel ouvert à l’interdisciplinarité des médiums, et aboutissent à la notion d’objets photographiques. Les questions de format, d’échelle et de support sont au cœur de son travail et dialoguent dans un glissement permanent entre espace réel et espace suggéré.

Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, Constance Nouvel a participé à plusieurs expositions collectives, notamment au Centre Photographique d’Ile-de-France, et réalisé sa première exposition personnelle au Centre d’Art et de Photographie de Lectoure en 2013. Lauréate du Prix Yishu8, elle a dernièrement exposé à Yishu8-Maison des Arts à Pékin. Elle enseigne la photographie à l’École Supérieure d’Art de Lorraine – site de Metz, et la technique du tirage chromogène (argentique couleur), au laboratoire photographique de l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris. Elle est représentée par la galerie In Situ – fabienne leclerc depuis 2016.

Autour de l’exposition :

Rencontre dialoguée avec Constance Nouvel et Paul Sztulman, historien et critique d’art
Samedi 4 avril 2020, 15h
Navette gratuite au départ de Paris, sur réservation à contact@cpif.net
Départ depuis Bastille à 14h15
Retour pour 18h30 environ à Paris

Ce projet a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a accordé son soutien
L’artiste a bénéficié du soutien de la Région Île-de-France (dispositif FoRTE).
La monographie bénéficie du soutien de l’ADAGP.

Visuel : Last, 2018, © Constance Nouvel / Adagp, Paris, 2019, courtesy galerie In Situ – fabienne leclerc

a ppr oc he est un salon avec un parti pris unique: présenter des artistes qui semparent du médium photographique. En 2020, a ppr oc he renforce sa singularité et présentera exclusivement des pièces uniques.

Dirigé par Emilia Genuardi, co-fondatrice et Elsa Janssen, a ppr oc he est un salon marchand indépendant conçu comme une exposition, dédié aux artistes qui s’emparent du médium photographique. Il présente chaque année, en novembre, lors de la grande semaine de la photographie à Paris, les oeuvres de 14 artistes représentés par 12 galeries.
Un nouveau format de salon qui met en valeur les artistes et invite à la conversation.
< L’open call est ouvert à tous les artistes représentés par une galerie, sans distinction d’âge ni de nationalité.
-> La candidature s’effectue en binôme artiste/galerie uniquement.
-> Le 27 avril 2020 au plus tard, chacune des personnes ayant soumis une candidature sera informée de sa sélection ou de sa non-sélection.
-> Dans le cas où vous êtes sélectionné pour participer à la quatrième édition du salon a ppr oc he, la présence de l’artiste sera requise tout au long du salon.

Thibault Brunet pratique une forme de ralentissement en prenant le temps d’assembler les images de lieux dont on ne sait plus très bien s’ils existent encore en l’état où il nous les présente. Usant d’un procédé de photogrammétrie, l’artiste se saisit des regards d’autrui en observant des territoires en ruine avec la plus grande des attentions. Il explore ses représentations tridimensionnelles qui sont la somme des images glanées en ligne quand ce ne sont pas elles, sérendipité oblige, qui se sont imposées à lui. Les scrutant sous tous les angles de vue possibles, il n’en privilégie qu’un seul par image.

Ses images de particules aux infinies variations échappent aux catégories car elles ne sont plus véritablement de nature photographique.

Les ruines de Thibault Brunet sont inévitablement susceptibles de retourner là d’où elles proviennent. C’est-à-dire au sein du flux circulant de centres de données en navigateurs Internet. Elles pourraient, un jour peut-être, croiser celles dont elles sont les conséquences par la fusion comme elles pourraient tout autant croiser les regards de celles ou ceux qui, pratiquant la guerre, la communication, l’information ou le tourisme ont capturé tant de scènes au Moyen Orient. C’est pourquoi les ruines de Thibault Brunet nous sont si familières.

Extrait du texte de Dominique Moulon pour La Capsule et la Biennale Némo.

Les vues de la série ont été réalisées à partir des vidéos proposées par le navigateur YouTube, Thibault Brunet les a triées afin de ne retenir que celles provenant d’organes de presse, traduites en JPEG, puis modélisées en 3D. La « boîte noire » du logiciel code le réel en données chiffrées et agence les ruines d’Alep ou de Damas sous la forme d’un monde-maquette, à mi-chemin entre le jeu vidéo et la restitution muséographique. Ces miniatures paraissent tout à la fois déréalisées et, paradoxalement, recorporalisées par la simulation. L’objet semble circonscrit par une enveloppe charnelle, dont la couleur sable des briques et les parpaings gris-bleus des bâtiments évoquent une peau meurtrie. Ces membranes quasi organiques et closes sur elles-mêmes recouvrent dès lors leur fonction de boîtes noires, en conservant la trace mémorielle des désastres de la guerre.

Extrait du texte de Marion Zilio « De la kill-box à la boite noire »

Autour de la thématique de l’arbre, deux surfaces parallèles se répondent.
Gilbert Bellan, artiste encouragé au siècle dernier par Clemenceau – il est de pire soutien – est exposé en très grands formats. Des dessins au fusain et pastel de chênes puissants et si français s’affichent et tiennent le mur.
S’y oppose une anthologie de l’arbre dans la photographie contemporaine qui couvre l’intégralité de la surface à la manière d’un cabinet de curiosité. La multiplicité des points de vue exposés renforce paradoxalement la solitude et l’unicité de chaque tirage.
La tentation anthropomorphe du dessin s’oppose au fait brut de la photographie. Arbre miroir de l’homme ou image du monde, tous les regards portés par les auteurs de cette exposition attestent de la façon singulière qu’a chacun d’eux à arpenter la terre.
Thomas Doubliez

Gilbert Bellan est tour à tour le peintre du traité de Versailles, des ruines de la Grande Guerre, de la Victoire (1918) ou de la Libération (1944). Il est un admirateur inconditionnel de Georges Clemenceau. De Paris aux côtes de Vendée, il accompagne le Tigre tout au long des dernières années d’une retraite heureuse. De sa maison sur la dune, Clemenceau lui commande un « chêne vert titanesque » auquel il s’identifie. L’Ancêtre c’est lui.
Extrait du livre Gilbert Bellan – le peintre de Clemenceau, éditions du CVRH, 2019.

Avec les œuvres de :
Rémy Artiges
Shiraz Bazin
Jean-Christophe Béchet
Denis Brihat
Henry Bellan
Gregor Beltzig
Édouard Boubat
Richard Caillot
Jérôme Combe
Vincenzo Cottinelli
Damien Daufresne
Patrick Deby
Bernard Descamps
Jean-Michel Fauquet
Dorian François
Philippe Grunchec
Arja Hyytiäinen
Nicolai Howalt
Claude Iverné
Bogdan Konopka
Ingar Krauss
Olivier Marchesi
Veronica Mecchia
Sarah Moon
Marc Riboud
Pentti Sammallahti
Sylvie Valem
Vanessa Winship
Masao Yamamoto

Changer d’apparence, d’époque, de genre, se regarder dans le miroir, avant de se produire devant les copains, le cercle de famille, en reproduisant les tics de chacun, les vedettes de l’écran.
Les enfants aiment à se déguiser, piochant dans les armoires et les greniers costumes, chapeaux et autres accessoires.
En grandissant, certains ont conservé cette part de jeu, ce goût du déguisement, du grimage, il arrive même qu’ils en fassent profession. Ainsi de Laurence Bibot que l’on aura connue en Miss Bricola avec Les Snuls, puis en ses spectacles tel Bravo Martine où les clichés s’enchaînaient, l’intonation, le timbre de voix démasquant les stéréotypes, féminins cette fois.

Cette galerie de portraits se poursuivra en d’autres spectacles, Miss B ou Soeurs Emmanuelle, entre dérision et hommage, qui traduisent un humour ravageur et une faculté d’observation aiguë, avant Travestis, un documentaire qu’elle réalise sur l’univers des transformistes.
Depuis quelques années, au départ d’archives télévisées, Laurence Bibot a réalisé une série de petites capsules s’emparant d’archétypes féminins, shampouineuse, directrice d’école, nymphette, ménagère de plus de 50 ans, femme dépressive ou exaltée, mais aussi des personnages connus, Barbara, Juliette Gréco, Soeur Sourire ou plus récemment Amélie Nothomb dont la confection du chapeau haut aura nécessité des trésors d’imagination.
Il ne s’agit plus ici d’imitations mais de playbacks, Laurence Bibot reproduisant le mouvement des lèvres des interviewées dont elle a adopté le costume et les éléments du décor.
Livrées jusqu’ici aux réseaux sociaux, ces capsules seront pour la première fois présentées au Musée de la Photographie, qui avait accueilli de mai à septembre 2017 l’exposition En léger différé consacrée à la télévision belge, organisée par la Sonuma partenaire cette fois encore, Studio Madame en constituant le prolongement humoristique, une façon de recycler l’image télévisée.
Perruques, foulards, lunettes anachroniques, sur chemisiers fleuris ou tailleurs Chanel, seront au rendez-vous de ces parodies où l’on aura parfois quelque peine à reconnaître la comédienne.
À notre plus grand plaisir et sans doute le vôtre, voici Laurence Bibot, telle qu’en elles-mêmes.

« Si le cinéma s’est émancipé en ajoutant du son à l’image, Laurence Bibot s’amuse à faire le contraire. Dans sa série de vidéos, qui multiplie à l’infini son image tout en la déformant, elle incarne des voix et réalise l’un de ses fantasmes – être la femme aux mille visages. A l’exception des quelques personnalités publiques qu’elle a représentées dans sa galerie (Gina Lollobrigida, Marguerite Duras, Amélie Nothomb…), on ne sait pas à quoi ressemblent celles à qui elle emprunte la parole. L’effet est surprenant et touchant, au point d’envisager l’exercice comme un hommage aux anonymes qui, à leur corps défendant, participent à cette immense vitrine de personnages. En ajoutant un visage imaginaire à un son bien réel, Laurence Bibot procède par réalité augmentée et déploie un paysage insoupçonné là où on croit qu’il n’y a qu’une voix. »

Sébastien Ministru
Extrait du livre qui accompagne l’exposition.

Photo : Des Moines et des hommes, 1981 – Laurence Bibot 2018 ©Laurence Bibot/Sonuma

Dans le cadre de leur partenariat, Le Soir et le Musée de la Photographie ont lancé la Galerie du Soir. Parallèlement à chaque nouvelle grande exposition du Musée, la Galerie du Soir présente un jeune artiste à découvrir.
Un pari sur l´avenir décliné en quatre volets : un accrochage réduit mais significatif au Musée, un portfolio dans la revue Photographie ouverte, une présentation du photographe dans les pages du Soir et une sélection de son travail sur le site www.lesoir.be.
Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, notre choix s´est porté sur Mathieu Van Assche.
« A la base , explique Mathieu Van Assche, « je viens du monde de l’illustration ». Né en 1980, ce graphiste de profession arrive à la photographie par le biais de la gravure. « Comme tout le monde je faisais des photos de vacances mais je n’avais aucune ambition dans ce domaine. Un jour, je suis allé au Carnaval sauvage (carnaval urbain alternatif : ndlr) dont une copine m’avait parlé. J’avais un petit appareil et j’ai commencé à prendre des photos en me disant qu’il y avait là une bonne matière pour la gravure.»
A force d’avoir ces photographies sous les yeux, il décide de s’en servir directement pour les transférer sur plaque de cuivre et réaliser d’autres gravures. Tout en intervenant sur l’image. « Je voulais faire disparaître toute présence humaine, avoir uniquement les masques.
Donc je redessinais sur les visages puis je réimprimais et ainsi de suite. »
Petit à petit, photo et gravure changent de statut. « La gravure est devenue un simple moyen d’impression et plus mon but final. Par contre, les « accidents » qui surgissent toujours en gravure ajoutent de la matière, un petit supplément d’âme. »
Aujourd’hui, Mathieu Van Assche continue à pratiquer l’illustration, le graphisme, la photographie, mêlant souvent les diverses disciplines. Mais en ce qui concerne la photo, il a redécouvert les plaisirs de l’argentique.
« Pour tout ce qui touche au carnaval ou aux photos de rue, j’aime bien travailler à l’argentique, avec de petits appareils compacts qui tiennent dans la poche. Car il y a, une fois encore, cette notion d’accident. Puis cette attente avant de découvrir le résultat. Et l’obligation de choisir, l’impossibilité de mitrailler à tout-va comme avec la photo numérique. Ne pas avoir tout, tout de suite, j’aime assez cette situation. »
A travers le Carnaval sauvage mais aussi les photos anciennes sur lesquelles il dessine, il explore différentes facettes du masque. « Ce que j’appelle les « photos sabotées », ça date d’il y a longtemps. J’en avais fait quelques-unes juste pour moi, pour m’amuser. Des photos anciennes trouvées sur le marché aux puces du Jeu de Balle. Je les ai ressorties il y a deux ans pour une petite expo et j’ai décidé de poursuivre la série.
Je leur crée des masques en fonction de l’image, de mon humeur, de toutes les choses que j’ai vues… En travaillant toujours sur les originaux pour leur redonner une seconde vie. Si je ne les transformais pas, ces images finiraient à la poubelle ou dans le meilleur des cas chez un collectionneur. »
Avec le Carnaval sauvage, il est entré au coeur de cette passion du masque. « La première fois que j’ai suivi le Carnaval sauvage, c’était en spectateur. Maintenant, je participe également. Le fait d’être masqué me permet de vivre les choses de l’intérieur, d’avoir un contact beaucoup plus direct. »
Si le masque est au coeur de son travail actuel, cela ne résulte pourtant pas d’une volonté délibérée. « Je ne me suis pas dit : je vais travailler sur le masque. A la base, c’est une esthétique que j’aime. En peinture, j’admire Bosch, Brueghel… On retrouve ça dans le Carnaval sauvage et dans d’autres manifestations du même type. Au fil du temps, j’ai lu énormément sur le sujet à travers le monde : masques africains, japonais, chinois… Ce sont des choses qui m’attirent esthétiquement et, finalement, je crée petit à petit un univers cohérent avec des liens entre tout ce que je fais : les monstres, les esprits, les masques, le côté fête païenne… »
Et quand on lui demande, souvent, ce qu’il fait exactement, il répond : « Je fais des images. Et pour moi, une photo est une image au même titre qu’une illustration ou une gravure. C’est la même démarche : susciter des réactions à travers une création spontanée. Je ne cherche pas à délivrer un message. Par contre, ça m’intéresse de voir comment les gens interprètent les choses. Ce sont ceux qui regardent une image qui la font vivre en lui donnant parfois un sens auquel je n’ai pas du tout pensé. »
Jean-Marie Wynants

Au cours des siècles, de nombreuses visions de futurs alternatifs se sont développées : elles témoignent de notre nostalgie d’un passé «idéalisé», de préoccupations présentes ou des peurs suscitées par la société de demain.

L’exposition explore notre fascination pour les déplacements dans l’espace et le temps et la manière dont ils ont stimulé les imaginations des artistes et des écrivains.

L’espace et le temps : une matière qui se transforme, se modèle, s’interroge

Le temps paraît s’écouler de manière linéaire : irrémédiablement chaque seconde passée est perdue. Et si ce n’était pas tout à fait le cas ? Et si rien de nos rêves, de nos futurs non advenus, de nos contes et histoires n’avait disparu, mais pris des formes différentes et parfois méconnaissables ?

Grâce à la littérature, au cinéma, à l’art contemporain ou encore au « fan art » des cultures « pop » et de science-fiction, les artistes donnent corps aux futurs du passé tout en exprimant leurs propres interrogations. Ces « retours vers le futur » sont autant de miroirs où se reflète notre société prise entre l’évolution des mentalités ou des technologies, les espoirs suscités par demain.

Découvrez la manière dont les questions de temps et d’espace ont été au cœur de nos préoccupations et le restent aujourd’hui plus que jamais.

Discours sur les futurs : un voyage entre arts plastiques et culture pop

« Bye Bye Future! L’art de voyager dans le temps » fait interagir, de manière inattendue, différentes formes d’arts et de récits. Pour cette rencontre sans précédent, l’exposition propose des lectures croisées d’œuvres et de créations de diverses provenances et époques.

Elle fait la part belle à de nombreux artistes contemporains tels que Fred Biesmans, Stéphane Halleux, Olivier Deprez, Wim Delvoye, Katia Bourdarel, Pierre et Gilles, Tania Mouraud ou Clara Marciano. Sont ainsi présentées plus d’une centaine d’œuvres provenant de grandes collections privées et publiques européennes ou spécialement conçues pour l’occasion ; ainsi l’œuvre Panorama du Domaine de Mariemont en 2100 dévoilée le 25 janvier !

Résolument pop, l’exposition présente également tout un pan dédié aux jeux vidéo, aux robots de nos enfances ou héros de nos écrans, ainsi qu’à la manière dont ils investissent notre imaginaire et notre culture contemporaine.

Futurs du passé, futurs alternatifs, futurs de demain, futurs retro, futurs sans lendemain? Quelques thèmes de l’exposition

I Le temps conté…

II Pré.dire l’avenir

III Voyages dans l’espace et le temps

IV Utopie Dystopie Uchronie

V créat.e.ur.e : le miroir des transgressions

VI Vestiges du temps présent

VII Disparitions du livre et de l’écrit

VIII Effondrements

IX Carte blanche à Luc Schuiten

Avec des œuvres de Fayçal Baghriche, Katia Bourdarel, Louise Bourgeois, Ray Bradbury, Fabien Chalon, Wim Delvoye, Jacques Demy, Marguerite Duras, Pierre et Gilles, David LaChapelle, Chris Marker, Tania Mouraud, Panamarenko, Nicolas Rubinstein, Pierrick Sorin, François Truffaut, Linda Tuloup, Jules Verne, Orson Welles, etc.

Sous le commissariat de Sofiane Laghouati

Photo : Présences © Linda Tuloup

La découverte des photographies de René Magritte dans les années 1970, dix ans après la mort du peintre, a jeté un nouvel éclairage sur son processus de création et les liens étroits qu’il entretient avec « l’image mécanique », qu’elle soit photographique ou cinématographique.
D’autres images sont apparues depuis, issues des albums de ses proches, qui viennent compléter l’étude des relations peinture-photographie dans l’oeuvre de René Magritte, mais aussi l’influence du cinéma, un art dont Magritte était, autant que de la littérature populaire, des plus friands.

Composée de 131 photographies originales, la plupart créées par René Magritte, et d’un chapitre reprenant ses films d’amateur se mettant en scène avec ses complices, l’exposition « René Magritte. Les images révélées » interroge le rapport de Magritte à l’image mécanique en traçant des liens avec son oeuvre, révélant en outre un Magritte intime.

Conçue à partir de trois grandes collections privées, constituées par des passionnés ayant acquis des photos au fil des années, de la collection du Musée de la Photographie et du Fonds J. Nonkels y déposé, l’exposition raconte le peintre autant que l’usager de la photographie. On y retrouve l’album de famille de Magritte avec ses photos d’enfance, ses parents, son épouse. On y voit ensuite la famille intellectuelle du peintre, celle qui l’a nourri, le groupe des surréalistes bruxellois qui dès 1925 accompagnèrent le développement de son oeuvre. L’exposition présente également un René Magritte facétieux, jouant et s’amusant avec ses complices. On y retrouve enfin les photos qui ont servi de modèles pour ses peintures et celles qu’il n’a jamais utilisées – Magritte ne se considérant pas plus photographe qu’il ne se voulait « peintre » – peut-être les plus créatives… L’exposition lève aussi le voile sur l’influence du cinéma sur l’artiste, les surréalistes ayant grandi avec le Septième art.
Après Melbourne, Hong Kong, Taïwan, Séoul, le Musée de la Photographie a le plaisir d’accueillir, en Belgique, l’exposition René Magritte, Les images révélées, sous le commissariat de Xavier Canonne.

L’exposition est accompagnée de l’ouvrage « René Magritte. Les images révélées » écrit par Xavier Canonne, publié en 2017 aux Éditions Ludion en anglais et en chinois, qui sera pour l’occasion édité en français.

Photo : L’Ombre et son ombre, Bruxelles, 1932, Georgette et René Magritte © 2019-2020, Charly Herscovici c/o SABAM

À la fin de l’année 2015, la photographe Diana Matar entreprend de rechercher aux USA les endroits où la police a tué des civils. Elle réalise des cartes détaillées dans son studio et compile des informations sur chaque cas mortel de violence policière survenu les deux années précédentes. Diana Matar consacre alors deux ans à sillonner les routes et photographier la plupart des 2 200 sites où ces meurtres ont eu lieu. « Je travaille dans une certaine histoire de la photographie qui revient aux lieux où les choses sont survenues, – un genre qui se concentre généralement sur des faits de guerre ou des injustices – je l’utilise cependant pour enregistrer le phénomène constant de la violence policière qui contamine l’Amérique. »
Travaillant en ce genre du paysage et de la photographie documentaire, My America est une paisible mais glaciale critique de l’Amérique contemporaine. En photographiant plus de 300 endroits où des officiers de police ont tué des citoyens américains, Diana Matar a instauré un langage photographique opportun autant que critique sur les brutalités policières, ses photographies mettent constamment l’accent sur le déclin de la structure sociale du pays.
Bien que ses photographies soient d’un style plutôt classique, elle n’utilise pourtant qu’un iPhone. Ainsi elle l’explique : « Nous ne saurions rien des meurtres policiers sans les smartphones. Les gens ont commencé à les utiliser pour documenter les injustices et les partager sur le web. J’ai pensé qu’il était important d’user de la même technologie en réalisant ces images immobiles. »
Ce n’est pas la première fois que Matar réalise une série importante relative aux lieux de violence. En son précédent travail, Evidence 2014, qui fut présenté à la Tate Modern, au Museum of Contemporary Photography de Chicago à l’Institut du Monde Arabe, et en six autres institutions internationales, Diana Matar a consacré quelques années à se concentrer sur les paysages et les immeubles d’enfermements extra-judiciaires, kidnappings et meurtres menés par le régime de Kadhafi en Lybie. En réponse à la disparition de son beau-père dans ces circonstances, Matar a documenté les espaces où ces violations ont été perpétrées contre une nation tout entière.
Le travail de Diana Matar en Amérique est profondément imprégné de cette recherche qui met en évidence les questions structurelles influençant le nombre important de meurtres par la police. Elle met l’accent sur l’histoire des injustices raciales, l’absence d’instruction et de préparation, et l’un des plus bas niveaux de police par habitant au monde. Mais Diana Matar entend livrer bien plus que des statistiques : « Pour moi, chaque image de My America représente non seulement un acte de violence mais aussi la perte d’un individu – un individu avec famille. C’est pourquoi je n’ai pas peur d’user d’une certaine beauté en ces descriptions, un concept qui tend à la controverse dans la représentation de la violence. »
Pour le Musée de la Photographie à Charleroi, Diana Matar a opéré une sélection de 99 photographies sur un ensemble de 300 images. L’échelle du projet témoigne de celle du problème, mais nécessite que l’on se remémore chaque personne ayant été tuée. Le titre de chaque photographie reprend seulement le nom, les dates de naissance et de décès, et la ville où la personne a été tuée. Les endroits que Matar photographie correspondent aux adresses qu’elle a obtenues par les rapports de police. Elle précise toutefois que ses images ne sont pas des scènes de crime.
Le niveau de mortalité par suite de violence policière en Amérique est unique parmi les pays développés. Matar s’interroge sur les raisons qui ont mené l’Amérique à ce point, chaque photographie, représentant une mort, à un moment déterminé.

Pendant une année, le Musée de la Photographie a choisi de présenter le travail « filmé » de l’agence NOOR dans sa Boîte Noire. L’agence, qui rassemble des photographes talentueux et internationaux, propose des reportages et des documentaires engagés sur l’actualité.
Privilégiant des sujets « en marge » de ce que les médias traditionnels ont l’habitude de nous montrer, c’est au coeur même des problématiques contemporaines que nous
emmènent les images de NOOR. Le panel de leurs travaux est vaste et le musée a décidé de consacrer, pendant une année entière, sa Boîte Noire à l’agence. Chaque cycle
d’exposition temporaire correspond à une problématique soulevée par NOOR. Cette troisième et dernière session est consacrée à la politique américaine et aux fractures
sociales qui gangrènent le pays.

Qui est NOOR ?
Révolte
Nous sommes un collectif indépendant d’auteur-e-s, de journalistes, de photographes, d’artistes et de cinéastes. Avec intégrité, passion et respect, nous documentons, enquêtons et témoignons de notre monde pour inspirer l’action.
Nous racontons des histoires qui ont un impact sur notre humanité.
Nous affirmons avec force le pouvoir de notre narration visuelle pour contribuer à une meilleure connaissance du monde, provoquer des changements sociaux et modifier notre compréhension du monde contemporain et de ses enjeux.
Nous pensons « que certaines choses ont simplement besoin d’être vues ».
La photographie est notre forme de résistance et notre révolte.
Notre combat est celui de l’engagement, de l’activisme par le medium visuel et photographique.
NOOR, signifie Lumière en arabe, a été créée en 2007 comme une entité commerciale et une fondation pour permettre à ses membres – actionnaires de prendre le contrôle de leur travail et de tirer parti de la force de cette communauté groupe dans un paysage médiatique en pleine mutation.
NOOR se compose de quatorze photographes : Nina Berman (États-Unis), Pep Bonet (Espagne), Andréa Bruce (États-Unis), Arko Datto (Inde), Alixandra Fazzina (Royaume-Uni), Tanya Habjouqa (Palestine), Yuri Kozyrev (Russie), Bénédicte Kurzen (France), Sebastian Liste (Espagne), Jon Lowenstein (États-Unis), Kadir van Lohuizen (Pays-Bas), Léonard Pongo (Belgique), Sanne De Wilde (Belgique) et Francesco Zizola (Italie).

1. Triumph of the shill – Nina Berman – 10:21
Prenant Washington D.C. et la Trump Tower de New York comme toile de fond, le court métrage de Nina Berman, Triumph of the Shill, utilise le classique de propagande nazie de Leni Riefenstahl comme plan esthétique pour envisager l’élection et l’investiture de 2017 du président américain Donald J. Trump.
Le film de Berman s’inspire de scènes clés et de motifs visuels du film de Riefenstahl, Triumph of the Will, qui documente la conférence du parti nazi de 1934 à Nuremberg. Commandé par Adolf Hitler, Triumph of the Will, tourné en noir et blanc dramatique, célébrait le pouvoir du Troisième Reich, et présentait Hitler comme un chef suprême, vénéré par les masses aryennes.
Dans le film de Berman, les foules en adoration sont toujours présentes aux côtés des symboles contemporains de l’iconographie fasciste. Mais alors que le film de Riefenstahl célèbre le national-socialisme, celui de Berman habite l’espace de la satire noire et du surréalisme absurde. Dans le film de Riefenstahl, Hitler est à bord d’un avion volant à travers des nuages blancs, suggérant spiritualité et puissance divine. Dans le film de Berman, les nuages blancs sont remplacés par un jet de vapeur soufflant d’un tuyau d’égout sur la 5e avenue avec le gratte-ciel noir de Trump à l’arrière-plan.
Dans le film de Riefenstahl, de multiples angles de prise de vue ont capturé chaque mouvement d’Hitler. Dans le film de Berman, Trump n’est jamais vu en chair et en os. Au lieu de cela, il est une masse de pixels projetés sur des écrans devant le Lincoln Memorial, un visage souriant transformé en t-shirt ou une figure de cire grandeur nature. Son discours basé sur la promesse autoritaire d’un retour à un passé glorifié est vivement accueilli par le public américain. Berman enregistre des scènes qui font écho par leur signification et par leur esthétique aux images des partisans nazis au rassemblement de Nuremberg.
Pour ses recherches sur Triumph of the Will, Berman a visité le Centre de documentation de Munich et le site commémoratif du camp de concentration de Dachau. Elle s’est également inspirée de ses propres expériences au fil des décennies en tant que photographe couvrant la politique américaine, la suprématie blanche, le nationalisme chrétien et le mouvement des milices.

2. Lincoln’s Promise – Jon Lowenstein – 9:34
Jon Lowenstein se spécialise dans les explorations documentaires qui confrontent les domaines du pouvoir, de la pauvreté, de la discrimination raciale et de la violence. Par la combinaison de la photographie, de l’image en mouvement, de l’écriture expérientielle et de la poésie, il s’efforce d’obtenir une lecture claire et sans faille de sujets oubliés de l’histoire.
Dans Lincoln’s Promise il suit le parcours du train funéraire du président américain Abraham Lincoln. Le film retrace une partie de l’itinéraire original allant de Washington D.C. à New York en passant par Baltimore et jusqu’à Chicago.
Ce trajet est un prétexte pour aborder les sujets qui interpellent Jon Lowenstein. Abraham Lincoln reste dans l’imaginaire collectif l’homme du 13e amendement des États-Unis, celui par lequel l’esclavage a été aboli en 1865. Il est aussi tristement célèbre par sa mort, assassiné en plein théâtre en avril 1865. C’est donc sur les traces d’une personnalité hautement symbolique que se lance le réalisateur.
Parallèles et constats d’une société toujours fragmentée, en proie aux doutes, aux manifestations, aux injustices, émanent de ce film. Ce sont les témoignages d’Américains désabusés par une société qui leur avait promis la liberté et les images de ce racisme ordinaire présent dans une société « moderne » que nous découvrons.
Cela nous amène forcément à nous poser la question, 150 ans plus tard, de l’héritage du 13e amendement.

Né en 1933 et décédé en 2014 à Zurich (Suisse), René Burri a été, tout le long de sa vie, aux avant-postes de l’histoire mondiale. Rejoignant Magnum Photos en 1955, il en est devenu membre en 1959. Au fil de presque soixante ans de carrière, il a parcouru l’Europe, le Moyen-Orient, l’Amérique du Nord, Centrale et du Sud, le Japon, la Chine, et a rendu compte avec lucidité et acuité de la plupart des événements marquants de la seconde moitié du XXe siècle. De nombreuses personnalités sont également passées devant son objectif : Picasso, Giacometti, Klein, Tinguely, Le Corbusier, Niemeyer, Barragan… Il a réalisé, en 1963, son célèbre portrait du « Che au cigare » qui le fera connaître auprès de tous les publics.

Sous le commissariat de Marc Donnadieu et Mélanie Bétrisey, le Musée de l’Elysée propose, de janvier à mai 2020, une nouvelle rétrospective sur l’ensemble de son œuvre intitulée « René Burri, l’explosion du regard ». Les liens entre le photographe et le musée sont solides et ancrés dans l’histoire de l’institution. En 1985, à l’ouverture du Musée de l’Elysée en tant que « musée pour la photographie », René Burri est présent par amitié pour Charles-Henri Favrod. Deux ans plus tard, son projet sur la conquête spatiale aux États-Unis, intitulé « Les Ruines du futur » y est présenté. En 2004, le Musée co-organise l’exposition « René Burri – Rétrospective 1950-2000 ». En 2013 enfin, René Burri, soucieux de préserver ses archives, décide de créer une Fondation à son nom et choisit le Musée de l’Elysée pour l’abriter.

Résultat d’un travail assidu de recherches et d’études mené depuis 2013 par les équipes du Musée de l’Elysée sur l’ensemble du fonds René Burri, dans les archives familiales ou les archives de Magnum Photos à Paris et à New York, cette nouvelle exposition a comme ambition de porter un regard nouveau sur l’ensemble des multiples activités créatrices de René Burri au fil du temps. Elle révèle ainsi la part la plus intime et secrète de l’un des plus grands photoreporters de notre temps à travers des documents pour la plupart inédits : planches contact, tirages d’études, films, maquettes de livres, projets d’exposition, carnets, collages, aquarelles, dessins…

A partir d’une longue « Ligne de vie » chronologique qui parcourt les neuf salles des deux niveaux d’exposition du Musée de l’Elysée, ce projet développe douze « Focus » qui, à tour de rôle, mettent en lumière un élément déterminant du processus créatif de René Burri au sens le plus large du terme : Cinéma ; Structures ; Moi et les autres ; Che ; China ; Télévision ; Magnum ; Book ; One World ; Couleur ; Collages ; Dessins. René Burri s’y révèle moderne et inventif, engagé et facétieux, curieux et généreux, rassembleur et passeur, rebelle et poète, passionné et passionnant, et particulièrement explosif !
Commissaires
Marc Donnadieu, conservateur en chef, et Mélanie Bétrisey, responsable du Fonds René Burri, conservatrice assistante, département des collection, Musée de l’Elysée, assistés de Jessica Mondego.

René Burri, Xerox, Los Angeles, États-Unis, 1971 © René Burri/Magnum Photos. Fondation René Burri courtesy Musée de l’Elysée, Lausanne

Rencontres est une grande exposition rétrospective constituée de 90 photographies argentiques retraçant la carrière de Bernard Descamps. Ses travaux emblématiques sur l’Afrique, le Japon, l’Inde, les années 70 et ses paysages y seront exposés ainsi que sa dernière série, natura. 

Il serait légitime qu’un jour Bernard Descamps obtienne le statut de trésor national vivant, au Japon, en France, ou au pays des oies sauvages.

Fabien Ribery (extrait de l’article) Lire l’article ici

Les paysages de Descamps ne sont pas faits pour être reconnus tout de suite, ni consommés à la hâte. Leur effet vise la durée et déploie sa poésie par une esthétique photographique de l’absence. 

Maria Spiegel (*) extrait du texte accompagnant l’ouvrage natura – Informations sur l’ouvrage Natura ici

(*) Maria Spiegel est directrice de la fondation Situation Kunst, à Bochum, en Allemagne.

La Galerie Agathe Gaillard présente la seconde partie de l’exposition « Féminin » avec 3 Femmes photographes : Martine Barrat, Maya Mercer et Fiona Mackay.

L’Open Call InCadaqués 2020 est un concours organisé dans le cadre du Festival de photographie InCadaqués, qui se déroulera du 24 septembre au 4 octobre 2020 à Cadaqués en Espagne.

Le concours est ouvert du 15 janvier au 30 juin 2020.
L’annonce des lauréats aura lieu le 31 juillet 2020 par email.

15 projets seront sélectionnés par le Jury composé de professionnels du monde de la photographie.

* 1er Prix : exposition d’une série de 10 à 15 photos durant le Festival InCadaqués.
Les tirages, le logement durant le week-end d’ouverture du 24 au 27 septembre, ainsi que le transport depuis l’Europe est pris en charge par le Festival. Un pass VIP est offert.

* 14 finalistes : exposition d’une sélection de 3 images de chacun finalistes sera exposée durant le festival. Un pass VIP leur est offert.

Les tirages de l’exposition seront réalisés par le laboratoire Granon Digital, partenaire du Festival. L’espace d’exposition durant le Festival sera aussi dédié à la présentation des portfolios des photographes sélectionnées s’ils le souhaitent.

* Prix Coucours Instagram : en attendant la sélection finale des gagnants du concours par le Jury, une présélection des photographies « coup de cœur » seront publiées dans sur notre Instagram et réseaux sociaux du festival. Les 2 images ayant reçu le plus grand nombre de « like » seront publiée dans le catalogue InCadaqués 2020 en Risographie.

Lien vers site pour inscription :
http://www.incadaques.com/open-call-2020-fr

Lien vers site du Festival :
http://www.incadaques.com

Photo : © Céline Croze / Prix InCadaquès 2019

L’appel à candidature de l’édition 2020 du festival L’IMAGE_SATELLITE est lancé.
Les dépôts de candidatures sont ouverts jusqu’au 30 AVRIL 2020.

Depuis plus de 20 ans, l’association Sept Off organise une grande manifestation consacrée à la photographie à Nice, Vence et sur le littoral azuréen.
Plus de 2 décennies d’engagement auprès des photographes, de soutien à la création contemporaine, de diffusion d’œuvres photographiques originales auprès des publics.

Approches documentaires, démarches de plasticiens, usages vernaculaires de la photographie, expérimentations autour de l’image imprimée, affichée, projetée, animée…
Toutes les expressions de la création contemporaine sont attendues.

Le festival L’IMAGE_SATELLITE 2020, c’est :

6 semaines de festival du 19 septembre au 31 octobre 2020
1 parcours d’expositions et projections à Nice et Vence réunissant les travaux de photographes émergents et reconnus sur la scène photographique nationale et européenne
1 semaine d’ouverture avec vernissages, rencontres avec les photographes exposés, projections, événements
1 collectif de photographes invité
… et des installations et événements croisés avec d’autres producteurs d’image fixe et animée sur le territoire

L’IMAGE_SATELLITE est doté de 4 500 euros de prix en numéraire et en nature pour soutenir le travail de création des photographes.

DATE LIMITE DE DÉPOT DES DOSSIERS
30 AVRIL 2020

Toutes les infos sur http://www.sept-off.org

Pour débuter l’année 2020 sous le signe de l’engagement et de l’avenir, ENTRE I DEUX donne carte blanche à un collectif d’artistes basé à Nice qui fait de la marche, du rassemblement et de la collaboration, le sédiment de leur approche commune. Le collectif PALAM est composé de Benoît Barbagli, Tom Barbagli, Evan Bourgeau, Camille Franch-Guerra, Omar Rodriguez Sanmartin, Florent Testa et Anne-Laure Wuillai.

Ces amis-artistes, issus de la Villa Arson (école nationale des beaux-arts, Nice) ou autodidacte, se retrouvent autour de balades, d’expéditions, d’escapades et de randonnées, à la recherche d’expériences sensibles avec la nature. Ces corps-à-corps poétiques donnent naissance à des expositions combinant œuvres personnelles et collectives dans une démarche partagée, synergique, reflétant leurs complicités, à l’instar d’« Azimuth » à la galerie Eva Vautier en 2019 ou à l’Anniversaire de l’art à Villefranche-sur-Mer le 17 janvier 2020. Véritables appels d’air, proches du processus performatif dans leurs formations, ces quêtes initient des récits, des installations, des sculptures, des peintures, des dessins, des photographies, des vidéos éminemment ancrés dans les enjeux environnementaux avec une fraicheur et une poésie sidérantes.

Palam ouvre ici une nouvelle aventure. Riche de ses expériences de marches en milieu naturel, sensible à l’écologie, le collectif récidive dans l’enceinte de la Caisse d’Épargne de la Place Masséna à Nice et invite le musicien multi-instrumentiste et performatif Benjamin Fincher à se joindre à ce périple.

Palam prend à bras le corps les contraintes présentes, s’en joue et vous propose de questionner ce paradoxe initial : au combien le souci écologique s’effrite-t-il dans l’antre du Capital ?

Palam prend cette difficulté avec le plus grand sérieux, et s’efforce avec un regard pour le moins critique de mettre au jour ces tensions sous-jacentes en donnant une vision si ce n’est politique au moins poétique.

Plus qu’une exposition, « Sous la glace, l’eau » est un parcours initiatique, une chasse au trésor, qui ne pouvait se suffire à questionner l’espace d’exposition. C’est ainsi qu’elle invitera les plus téméraires d’entre vous, loin du cadre normatif du pouvoir symbolique, à plonger dans la nature, au sommet des montagnes.

Avec le collectif PALAM
Benoît Barbagli, Tom Barbagli, Evan Bourgeau, Camille Franch-Guerra, Omar Rodriguez-Sanmartin, Florent Testa, Anne-Laure Wuillai
Avec la participation de Benjamin Fincher

Charbonnier est l’un des représentants de ce qu’on appelle « l’école photographique humaniste » française. Il fut l’un des membres de la prestigieuse revue Réalités, très active dans les années 1960, et engagé de ce fait dans des reportages significatifs de l’état du monde de son temps, jusqu’en 1974. Il touche également à la photographie de mode. Choisies par Emmanuelle de l’Écotais, commissaire indépendante, ces photographies constitueront la première exposition rétrospective significative de cet artiste grinçant et satirique.

© Jean-Philippe Charbonnier – Partir en vacances, 1958

Julien Mignot expose à l’Hôtel Fontfreyde – centre photographique de Clermont-Ferrand du mercredi 5 février au samedi 16 mai 2020. Cette exposition s’ouvrira pendant le festival international du court métrage de Clermont-Ferrand où Julien est membre du jury Labo.
Le vernissage aura lieu le mardi 4 février 2020 à 18h30.
L’exposition sera ouverte au public le mercredi 5 février à 14h.

Julien Mignot est né en Auvergne, à Beaumont, en 1981. Après un master de géographie à l’Université Blaise Pascal, il s’installe à Paris pour travailler au plus près de la presse et des maisons de disques en tant que photographe.
Il commence par le reportage pour Libération, Le Monde, Elle ou Télérama puis s’internationalise en même temps qu’il se tourne de plus en plus vers le portrait en travaillant pour le New York Times ou Vanity Fair.
Il met également son regard au service des maisons de disques et signe la couverture de nombreux albums, tout en veillant à conserver un éclectisme précieux, du classique de Claudio Abbado à la pop de Jeanne Added en passant par Izia, le quatuor Ebène ou Kiddi Smile. Il existe peu de photographes capables de répondre aux exigences diverses de Chanel, Hermès, Sony, Dom Perignon, Boucheron, Louis Vuitton, ou de collaborer avec Xavier Dolan, la Philharmonie ou l’Opéra de Paris.
Il poursuit cette carrière entre la musique et les journaux tout en laissant libre cours à ses projets personnels. Il créait le Studio J’Adore ce que vous Faites !
en 2013 pour se doter d’un outil de production et d’un lieu adapté à un univers de plus en plus enclin à utiliser la lumière artificielle et les images fabriquées. Il continue cependant d’oeuvrer pour les grandes marques et les institutions reconnues tout en poursuivant son travail personnel. Il intègre la galerie Intervalle en 2016 avec les projets 96 Months, puis Screenlove et enfin Airlines.
En 2020, alors qu’il est invité à intégrer le jury Labo du festival du court métrage de Clermont-Ferrand, la Ville lui lance une invitation pour exposer à l’Hôtel Fonfreyde – centre photographique.
Au même moment, la Coopérative de Mai, institution clermontoise de la musique actuelle, célèbre ses 20 ans en confiant à Julien et Jean-Daniel Beauvallet, fondateur des Inrockuptibles, une carte blanche pour produire un livre anniversaire.
A cette occasion, il suit pendant six mois une dizaine de jeunes musiciens pour parler de cette génération en devenir dont il faisait partie en quittant Clermont.
Cette exposition rassemble un échantillon de ses travaux depuis ses portraits cinématographiques jusqu’aux cieux de Airlines en passant par la série documentaire 20 YO. Il invite le spectateur à se plonger dans ces histoires particulières qui racontent sa trajectoire singulière.

En 1986, Gérard Musy, tout en écrivant son mémoire en Histoire de l’Art à l’Université de Genève sur le photographe Robert Frank, visite souvent Paris où il découvre les défilés de mode et le Palace. Le monde de la nuit et de la mode n’en font qu’un. Tous les mannequins sortent la nuit avec les tenues des Nouveaux Créateurs qui redécouvrent eux-mêmes le corps et sa liberté par les différentes matières fétichistes : le vinyle de Mugler, le latex de Gaultier, le cuir de Montana et finalement la maille galbante d’Alaïa.

La jeunesse a soif d’insouciance, de folie, de transgression, de rires. Elle redécouvre le corps, le noir et blanc, le graphisme, la mode et la nuit : une énergie fun faite de BD et de clips musicaux. La nuit avec son énergie vitale est la grande réinvention des années 80. Musy découvre les coulisses de la mode dont les défilés sont de plus en plus spectaculaires – les cabines comme on disait à l’époque. Il se trouve au cœur d’un monde en ébullition qui correspond à ses images. Personne n’avait encore photographié l’antre de ce volcan en fusion. Gérard Musy s’intègre naturellement dans cet espace intime dont il saisit l’intensité, la grâce et la légèreté.

Une invitation à contempler avec nostalgie ce tourbillonnement qui entre avec magie dans le cadre de son Leica M.

Toutes les images sont réalisées au Leica M en argentique.

Gérard Musy est représenté par la galerie Esther Woerdehoff à Paris

L’exposition qui se tiendra au Fresnoy cet hiver a pour but de montrer les systèmes de représentation qui se réfèrent à l’état du monde ou préfigurent celui de demain ; ou la façon dont les artistes nous aident à comprendre les problèmes en jeu à l’heure où nous envisageons l’avenir de l’humanité. En dialogue avec l’exposition se tiendra le colloque L’humain qui vient, les 28 et 29 avril.

La spéculation sur l’avenir est toujours guidée par des perspectives à la fois utopiques et dystopiques. En observant la situation mondiale actuelle, on pourrait affirmer que nous avons besoin de paradigmes entièrement nouveaux pour envisager le futur de façon positive, tant il y a de crises importantes auxquelles l’humanité est confrontée.

Comprendre un monde au niveau global est un immense défi, alors que le flux d’informations et sa vitesse ne cessent d’augmenter. De plus, et peut être en raison de la fusion de références culturelles, la conscience humaine a également évolué. La notion d’autorité est devenue plus répandue, et chacun·e peut librement associer des références culturelles ou liées au genre pour façonner et refaçonner sa propre identité à l’envi. En outre, l’humanité est de plus en plus encline à explorer la communication entre les espèces, qui inclut toutes les formes de vie. La notion de vie telle que nous la comprenons jusqu’à présent est également remise en question, si l’on considère la très lente évolution d’organismes perçus comme inertes. Pourrait-on alors parler d’une résurgence de l’animisme en tant que concept – et non comme système de croyance, comme moyen d’appréhender l’univers ? Imaginer l’humain·e qui vient n’est pas envisageable uniquement à partir de spéculations purement scientifiques et factuelles : penser l’avenir dépend aussi des fantasmes et des rapports très ambivalents de l’humanité avec la technologie, sans oublier les effets des intérêts économiques ou politiques.  Benjamin Weil

Artistes : Hicham Berrada, Alfonso Borragan, Shu Lea Cheang, Cliff Evans, Joan Fontcuberta, Karlos Gil, Antony Gormley, Lynn Hershman Leeson, Ismaël Joffroy Chandoutis, Yosra Mojtahedi, Michael Najjar, Pedro Neves Marques, Philippe Rahm, SMITH x Diplomates, Daniel Steegmann Mangrané, Teresa Van Dongen

Commissaire : Benjamin Weil, avec Pascale Pronnier

Photo : SMITH x Diplomates, « Désidération », 2019 © DR

Depuis 2009, Alain Cornu photographie les toits de Paris, la nuit, se hissant en haut des immeubles de la capitale pour en donner une vision inédite et poétique. L’exposition de ses photographies spectaculaires ouvre la saison 2020 de la Belle Juliette, avec la présentation de nouvelles images de cette série. C’est au fil des rencontres, qui lui permettent l’accès aux toits, qu’Alain Cornu découvre de nouveaux points de vue, proches ou éloignés sur le panorama parisien ou des détails de ses toitures historiques.

Notre-Dame, la Tour Eiffel ou le Sacré Coeur apparaissent au loin, comme des clins d’oeil au prestige de la ville lumière, mais le véritable Paris est dans ses toits gris de zinc ou d’ardoise qui couvre les anciennes chambres de bonnes. (…) Alain Cornu découvre cette vision des toits une nuit d’insomnie, et choisit de les photographier de façon traditionnelle, à la chambre et au film argentique couleur, dans une pose longue qui restitue à merveille les ambiances nocturnes dans les hautes et les basses lumières. Ces photographies nous offrent une autre vision de la ville, à travers les saisons et les variations de la lumière, une vision fascinante d’un Paris atemporel.

Né en 1966 à Decize (Nièvre), Alain Cornu vit et travaille à Paris. Après des études secondaires consacrées aux arts plastiques, il intègre l’école des Gobelins où il apprend la photographie. Major de sa promotion, il s’installe en tant que professionnel en 1991. Dès lors, son travail va suivre deux voies complémentaires : le studio dans lequel il développe ses projets de natures mortes et de portraits et réalise de nombreux travaux de commande et l’extérieur où il élabore une œuvre personnelle consacrée au paysage. Au cours de ces vingt dernières années, il a exploré la France à travers le littoral atlantique, les zones rurales, la forêt ainsi que Paris et ses alentours. Sa série « Les Signes de la Forêt » a été récompensée en 2007 par la Bourse du talent Kodak et par le prix du public au festival de Montpellier 2010. Sa série « Sur Paris » a été présentée à la galerie Thierry Bigaignon en 2016 et a fait l’objet d’un livre.

La photographie saisit et poinçonne dans l’aveuglement de la lumière des instants de notre temps. C’est dans un montage sans fin, le film d’une présence au monde qui sera interrompu par le dernier clap. En attendant, les quatre photographes de cette exposition, dans des itinéraires sans autre but que donner libre cours à leur vacuité, parcourent des territoires. Point de destination si ce n’est de s’immerger dans la solitude et le silence du voyage à la recherche d’un équilibre intérieur. Se mettre en disponibilité, être dans le mouvement renversé de l’écoulement du sablier pour saisir les écarts, les fulgurances et retenir les grains de temps qui frappent leur rythme. C’est une affaire de tempo, de battement profond, qui à l’égal du flux sanguin dit leur tension au monde.
Deux d’entre eux expérimentent « l’image mouvement »» ils utilisent la vidéo en photographe.
L’un Serge Clément travaille la durée par le temps, sans tournage filmique, en
utilisant le montage d’images fixes et une bande son très visuelle qui, dans leur scansion et leur défilement, créent un réc it filmique poétique d’une densité profonde.
L’autre Jacques Damez fi lme en plans fixes en des lieux choisis sur la carte pour leur toponymie (très évocatrice en Gaspésie). Après ce premier voyage imaginaire cartographié, deux voyages, l’un au printemps, l’autre en hiver, l’ont emmené en ces lieux. Zooms avant et arrière dans un cadre fixe nous font découvrir l’imperceptible par le grossissement en glissant d’une saison à l’autre.

Avec : Thomas Chable, Serge Clément, Jacques Damez, Bernard Plossu

L’exposition Mondo DERNIER CRI envahit les plateaux du MIAM (Musée International des Arts Modestes) du 8 février au 20 septembre 2020 avec une rétrospective sur 26 ans d’édition du Dernier Cri (plus de 400 livres, 200 estampes en sérigraphies, 5 films d’animations…), le tout augmenté d’un panorama subjectif sur certains acteurs internationaux (ateliers, artistes) croisés par Le Dernier Cri durant toute son aventure éditoriale et sérigraphique .

La technique de la sérigraphie, plat principal de l’exposition, permet la reproduction d’images via la superposition successive de couches de couleurs sur une feuille à l’aide d’écrans de soie et de films exposés à la lumière. Elle laisse libre court à des œuvres à la fois spontanées et sérielles, conservant une qualité artisanale avec une force primordiale donnée au travail de la couleur.

En sollicitant des artistes de tous les pays, l’exposition défend la propagation d’ouvrages artisanaux à contenu graphique : l’image y a une place prépondérante, réalisée de a à z, de manière souvent collégiale. D’autre part, ces « undergraphistes » sont généralement en marge du marché de l’art et de la grande distribution éditoriale.

A travers ces procédés de reproduction les personnalités se rencontrent par le biais de festivals et autres lieux d’échange.

Commissaire : Pakito Bolino – Co-créateur de l’association Le Dernier Cri.

Le Dernier Cri
Basé depuis 1995 à la Friche de la Belle de Mai, Le Dernier Cri est un collectif d’auteurs né du mouvement « undergraphique » (édition graphique alternative autoproduite/ mouvement international).

Le Dernier Cri s’attache depuis 25 ans à promouvoir les travaux d’auteurs évoluant à la fois en marge de l’industrie du livre, de l’art contemporain, et à la frontière de l’art brut et de l’art singulier. Tout en étant solidement ancré dans ce qui constitue sa singularité éditoriale (édition d’art artisanale, réalisée en sérigraphie, expertise dans la gestion expérimentale de la couleur), le catalogue du Dernier Cri s’ouvre à des modes narratifs toujours renouvelés et novateurs.

Ce mélange des styles fait du Dernier Cri le véritable laboratoire d’une édition inventive, toujours grinçante et singulière, en prise avec les préoccupations sociétales (hybridation des cultures internationales, mutation de la culture de masse, omniprésence des images).

Heures d’ouvertures
– du 1er octobre au 31 mars : du mardi au dimanche de 09h30 à 12h00 et de 14h00 à 18h00.
– du 1er avril au 30 septembre : tous les jours de 09h30 à 19h00
Visites guidées du lundi au vendredi à 14h30 et 16h
Fermetures annuelles : 1er mai, 1er novembre, 25 décembre et 1er janvier

Tarifs
– Adultes : 5,60 euros
– Groupes de plus de 10 personnes : 3, 60 euros
– Etudiants, 10-18 ans : 2,60 euros

Gratuit pour les moins de 10 ans, demandeurs d’emploi, groupes scolaires sétois, et le premier dimanche du mois

Entre chiens et loups, vents et pluies, le photographe Vincent Descotils arpente la semi pénombre pour saisir chaque scintillement, chaque relief, des êtres que son objectif croise. Surprises au détour d’un chemin, les créatures animales ou humaines surgissent, presque féériques, dans un noir et blanc intime comme un secret…

Vernissage le samedi 29 février à 16h30.
L’exposition est ouverte du mardi au samedi, de 14h à 19h, ainsi que les soirs de spectacle au Théâtre-Sénart.

L’art et l’économie entretiennent, depuis la plus haute Antiquité, des relations complexes et décisives. Mais l’enjeu auquel nous sommes confrontés depuis plus d’un siècle est bien plus vaste que celui du seul marché de l’art : il y va, ni plus ni moins, de la marchandisation du visible en général.

Les photographies, dessins, peintures, vidéos, films, œuvres numériques et installations multimédia choisies pour cette exposition explorent les matières premières qui composent les images, les immenses stocks ou banques dans lesquels elles s’accumulent, le travail humain (ou non humain) qui participe à leur création ainsi que la fluctuation de leurs valeurs au cours de leur circulation globalisée.
L’exposition propose des points de vue critiques et des perspectives inattendues sur la fabrique de ce grand marché des images qui structure notre regard.

Nous habitons un monde de plus en plus saturé d’images. Leur nombre connaît une croissance tellement exponentielle — sur les réseaux sociaux, les écrans en tout genre — que l’espace dans lequel nous vivons déborde littéralement d’images, comme s’il n’était plus possible de les contenir, comme s’il n’y avait plus d’interstices entre elles. On s’approcherait ainsi de la limite que Walter Benjamin, en 1929 déjà, décrivait comme « un espace chargé à cent pour cent d’images ».

Face à un tel trop-plein, face à une telle surproduction d’images, se pose plus que jamais la question de leur stockage, de leur gestion, de leur circulation et de leur transport (fût-il électronique), de leur poids, de la fluidité ou de la viscosité de leurs échanges, de leurs valeurs fluctuantes — bref, la question de leur économie. Dans l’ouvrage qui a servi de point de départ au projet de cette exposition (Le Supermarché du visible, paru aux Éditions de Minuit en 2017), Peter Szendy propose de donner à la dimension économique de la vie des images le nom d’iconomie.

Les œuvres et les artistes choisis pour accompagner le visiteur dans son parcours posent un regard incisif et vigilant sur ces enjeux. D’une part, elles réfléchissent les bouleversements qui affectent aujourd’hui l’économie en général, qu’il s’agisse de stocks aux dimensions inouïes, de matières premières raréfiées, du travail et de ses mutations vers des formes immatérielles ou encore de la valeur et de ses nouvelles expressions, notamment sous forme de cryptomonnaies. Mais aussi, d’autre part, elles interrogent chaque fois le devenir des images et des visibilités à l’ère de leur iconomie globalisée.

Dans le supermarché qui s’expose ici, en somme, les images de l’économie parlent chaque fois de l’économie de l’image. Et vice-versa, comme si elles formaient un recto-verso.

Commissaire général : Peter Szendy
Commissaires associés : Emmanuel Alloa et Marta Ponsa

Exposition produite par le Jeu de Paume, Paris

La photographie argentique fait preuve de résilience. De plus en plus de photographes s’y intéressent à nouveau ou la découvrent. Jean-Claude Péclet la pratique depuis toujours. Le journaliste vaudois, ex-rédacteur en chef de l’Hebdo, lauréat d’un prix Jean Dumur en 2007, se consacre désormais pleinement à sa passion. Avec un vénérable Rolleiflex de 1938 chargé de pellicules noir et blanc, il prend le portrait de jeunes gens animés de passions et du sens du collectif. Des jeunesses paysannes, des activistes du climat, des sportifs urbains ou olympiques, des mordus de jeux vidéo. Cette génération Z est souvent interloquée par l’appareil du baby boomer, un étrange boîtier qui se tient sur le ventre, tête baissée vers la visée. La quarantaine de portraits de l’exposition est complétée par une histoire du Rolleiflex, dont la société-mère – Rollei – a été fondée il y a un siècle en Allemagne.

Poltred continue sa curation et vous propose 4 nouveaux talents à découvrir pendant 3 mois.

– Magali Wood
– Pauline Dreyer
– Mediogram
– Florian Langelier
– Arnaud Bathiard

Vernissage le jeudi 13 février à 18h
Exposition du 13 février au 5 mai 2020.

Partenaires: Labo Photo LYNX
Crédit photo : © Magali Wood

Slab City, ancienne base militaire de la seconde guerre mondiale, démantelé en 1956 puis occupée par des soldats installés à sa fermeture est un endroit emblématique d’une certaine Amérique. Laura Henno s’y est rendue plusieurs fois réalisant de nombreuses photographies et un film, tous deux d’une grande sensibilité intemporelle. Son projet qui croise la sociologie, ne se limite pourtant pas à ce champ, que goûtait dans l’entre-deux guerres son ainée américaine Dorothea Lange, ni à celui d’un constat anthropologique sur des marginaux.

Il s’articule et se centre autour d’une vision plus intimiste et poétique qui relate les faits et gestes d’une famille : Mary Ann, Ethan et Jack Jack devenant les héros de sa saga, aux côtés des autres résidents, le Pasteur Dave, Benjamin, Julie, Michael, Connie et les chiens Chronos et Zéro ; personnages qui déclenchent aussitôt notre sympathie. Portraits individuels faits à la chambre, qui constituent dans le même temps, un portrait général de cette communauté dans ce territoire délimité, par les mobil home, quelques arbres solitaires, flanqués d’objets insolites et horizon brulé dans les lointaines chaines de montagne, vision globale et indivisible qui recèle une puissance photographique rare, et un sentiment de familiarité bizarrement rassurante pour le spectateur de ces images magnifiques dans leur simplicité touchante, exempte de toute sentimentalisme ou pathos misérabiliste.

© Annie reading at church, Outremonde (USA), Laura Henno, 2018

La reconstruction d’après-guerre, l’essor de la photographie publicitaire, les Trente Glorieuses, la « libération » sexuelle des années 1960 : lorsque Jean-François Bauret débute sa carrière à la fin des années 1950, tout est possible pour un jeune photographe autodidacte, enthousiaste, séducteur et très bien entouré. Fer de lance de la photographie publicitaire naissante, suractif, Jean-François Bauret incarne à sa manière un demi-siècle de la courte histoire de la photographie.

Alors que le médium était en pleine transformation, Jean-François Bauret a touché à presque tous les genres de photographies, a beaucoup exposé, organisé de nombreux stages et constamment participé à accroitre la visibilité du médium. Surtout, il a su conjuguer pratique professionnelle et ambitions artistiques. Plus de 400 000 phototypes attestent de sa suractivité. Il est évident que Jean-François Bauret a marqué son époque.

Cette exposition monographique propose une sélection de plus de 400 œuvres, retraçant la carrière de l’auteur.

Pour démarrer l’année en beauté, une invitation à une photographe Chilienne que nous aimons beaucoup et qui est déjà connue de nos publics, de la ZUP Nord à la regrettée enseigne du disquaire 340 ms, elle a proposé son travail à vos regards, à Nîmes, Cerbère et Paris, à plus d’une reprise, pasionaria de toutes les divergences, s’il y en a bien une qui incarne la rebellion parmi tous les artistes que nous défendons, c’est bien elle : Zaida GONZALEZ RIOS is back in town!

Le jugement dernier : Tarot Trans
Il s’agit d’un projet photographique qui s’approprie les 22 arcanes majeurs du Tarot (puisant dans le Rider-Waite Smith Tarot, le Tarot de Marseille et le Tarot du chat de Marseille) en remplaçant les figures des cartes par des modèles non standardisés, tels que des travestis, des transgenres, des transsexuels, des migrants, des jeunes atteints du syndrome de Down, des personnes âgées et d’autres personnes qui correspondent au sens de la carte attribuée.
« À l’heure actuelle, les groupes représentants la diversité sexuelle, les migrants, les personnes handicapées mentales et cataloguées qui font la une dans notre pays, sont nombreux à s’organiser et à manifester tels des citoyens luttant pour que leurs droits soient respectés, pour l’inclusion sociale et pour la fin de la discrimination, étant donné qu’au Chili, ils sont catalogués, violentés et discriminés via une stigmatisation ayant la valeur d’un procès, ignorant et répugnant.
N’oubliez pas que dans notre pays, les groupes LGBT et les migrants en particulier, ont été victimes d’abus répétés, d’homicides et de féminicides volontaires.
La relation qui se crée entre le tarot et ces groupes de personnes, grâce au support même, doit implicitement servir à faire tomber les masques. Ce jeu de cartes est consulté par de nombreuses personnes appartenant à toutes les couches socioculturelles. Bénéficiant d’une diffusion massive et populaire, il s’agit donc d’un média très visible et auquel on peut facilement s’identifier. Il est construit sur l’union du langage et de la vision. Le tarot est également l’une des traditions magiques principales de l’occident, il véhicule une riche iconographie et de nombreux symboles intéressants à contextualiser dans une représentation non normative.
Chaque carte a permis d’extraire un ensemble de valeurs identificatrices pour une réflexion qui se manifeste à travers des concepts tels que: la liberté, l’indépendance, le pouvoir, la création, l’autorité, la sagesse, la revendication, l’amour, la lutte, la transcendance, la victoire et la guérison, entre autres. »
Zaida Gonzalez Rios

Le musée de la Vie romantique présente une sélection inattendue de 40 œuvres de trente artistes contemporains autour de la représentation du cœur comme expression du sentiment amoureux, en écho à l’une des thématiques phares du romantisme.
Cette exposition souhaite ouvrir la programmation du musée au-delà du XIXe siècle en explorant les prolongements du romantisme dans l’art contemporain, en résonance avec ses collections. À la manière des écrivains et peintres romantiques qui inscrivaient les passions au cœur de leur création, l’exposition invite à une découverte esthétique du cœur et de sa représentation.
Le cœur en tant qu’organe, motif et symbole est présenté ici à travers différentes techniques : peinture, dessin, sculpture, céramique, néon et photographie. Certains artistes évoquent leurs sentiments et leurs tourments intérieurs en harmonie avec le romantisme du XIXe siècle. D’autres reprennent le motif en tant que forme esthétique et invitent à des pensées humanistes en ouvrant des horizons de sensibilité vers le rêve, l’idéal et le sublime. Outre les gures emblématiques de Niki de Saint Phalle,
Jim Dine, Annette Messager, Sophie Calle, Pierre et Gilles, Jean-Michel Othoniel et Françoise Pétrovitch, le visiteur pourra découvrir dans cette présentation une vingtaine d’autres artistes.
Le parcours se décline en sept sections autour d’un récit sur l’amour et se poursuit dans l’ensemble du musée et du jardin, invitant le visiteur à revoir de façon sensible et poétique les collections permanentes. Le principe de la déambulation permet de faire ressentir au public les multiples nuances du sentiment amoureux en évoquant les grands thèmes de la séduction, du coup de foudre, de la déclaration d’amour, de l’érotisme, de la rupture, du deuil et de l’amour éternel. Des miniatures, dessins et objets précieux, aux côtés de formats plus spectaculaires, mêlant une approche naturaliste à une vision idéaliste, illustrent ce motif populaire, son sens symbolique et ses appropriations esthétiques dans l’art d’aujourd’hui.
Cette exposition ouvrira pour la Saint-Valentin, lors d’une journée exceptionnelle gratuite destinée à tous les amoureux de l’art, de la musique et de la poésie. Une riche programmation culturelle, des animations et des dispositifs de médiation comme un photomaton, un parcours de visite pour les enfants, un mur à messages d’amour, une carte du cœur ainsi que des visites guidées et des ateliers, feront battre le cœur du public au musée de la Vie romantique.

COMMISSARIAT
Gaëlle Rio, directrice, musée de la Vie romantique
Maribel Nadal Jové, curatrice invitée

ARTISTES PRÉSENTÉS
Martine Aballéa, Pilar Albarracín, John M. Armleder, Gilles Barbier, Ronda Bautista, Sophie Calle, Hsia-Fei Chang, Delphine Coindet, Jim Dine, Jacques Halbert, Oda Jaune, Ouka Leele, Philippe Mayaux, Annette Messager, Marc Molk, Mrzyk & Moriceau, Claude Nori, Vincent Olinet, Jorge Orta, Jean-Michel Othoniel, Javier Perez, Françoise Pétrovitch, Pierre et Gilles, Sarah Pucci, Agatha Ruiz de la Prada, Niki de Saint Phalle, Ida Tursic et Wilfried Mille, Luise Unger, Winshluss.

photo : Pierre et Gilles, 40 ans – Autoportrait, 2016. Photographie imprimée par jet d’encre sur toile et peinte, 123,5 x 102 cm. Pièce unique.

Les vitrines de la rue de la République s’ouvrent à la photographie !

Dans la lignée de l’installation « l’Art en passant » (réalisé par le musée Regard de Provence) « la Photographie en passant » propose de tisser des liens entre le grand public et la photographie contemporaine pratiquée à Marseille et dans le département des Bouches-du-Rhône.
5 artistes contemporains, qui inventent des univers particuliers vont transcender le rapport au quotidien et ainsi que la perception de l’espace urbain.
Il s’agit aussi de valoriser et présenter des actions faites pour les jeunes publics que ce soit à Marseille ou au sein de la métropole. Ces actions s’inscrivent dans une logique de partage, d’éducation aux images, et de valorisation des actions menées à travers tout le département.
Chaque artiste présente une série spécifique de son travail qui s’inscrira parfaitement dans le contexte particulier des vitrines de la rue de la République. Ainsi Olivier Rebufa pourra reconstituer son univers de prise de vue en studio, Hélène David nous faire appréhender son rapport au vivant, David Giancatarina présenter sa recherche sur la fixité et le mouvement dans ses natures mortes, Aurore Valade inscrire ses variations poétiques – et politiques- sur le vent et enfin Amaral et Barthes revisiter l’histoire de l’art de manière iconoclaste.

Avec : Amaral et Barthes / Hélène David / David Giancatarina / Olivier Rebufa / Aurore Valade

A voir du mois de février au mois de juin 2020 à l’angle de la rue de la république et de la rue de la Joliette, à deux pas du Centre Photographique !
Réalisé grâce au soutien du département des Bouches-du-Rhône

Photo : L’Envol en chantier, 2014. Aurore Valade

Du 14 février au 4 avril 2020, Frank Lamy présente au Centre d’art contemporain Transpalette, à Bourges, l’œuvre intime de l’artiste britannique Simon English. L’exposition « Your Top Is My Bottom », fait état d’un paradoxe, d’un retournement, d’un renversement. Elle retourne l’usage habituel de l’espace du Transpalette. La visite sera descendante. Le visiteur suivra le lapin d’Alice au fond du terrier. Dans cette exploration des profondeurs de l’inconscient, dans cette descente aux Enfers, on croisera certainement Orphée et Eurydice, mais aussi Oui-Oui, un écureuil ou une souris… Seront réunies œuvres sur papier, toiles libres et assemblages réalisés spécifiquement pour cette exposition.

Essentiellement versatiles, les œuvres de Simon English sont mouvantes. Il s’y trouve quelque chose de la dynamique et de la logique du collage (jonctions-disjonctions), du cadavre exquis et des procédés d’écritures automatiques, quelque chose du travail de la condensation onirique, mais également des pratiques méditatives. Il y a du geste et de la Geste. Du fragment et de l’impermanence. Il dit « L’inconscient est ma matière » et cherche à se libérer de la narration consciente, a laisser émerger, apparaître. À faire confiance au flux.

Si cet œuvre est une exploration intime, il n’est pas clos pour autant et résonne des fracas du monde. L’extérieur s’y dépose par des paroles de chansons cheezy entendues à la radio, des notes griffonnées à la hâte, des numéros de téléphone, horaires de trains ou listes diverses. Des traces de vie, quoi. Le support est littéralement entrepris dans TOUS les sens au gré de la nécessité et des moyens économiques à disposition. Plus de haut ni de bas, d’envers ou d’endroit, de gauche ou de droite.

Dans l’atelier, coexistent différents pôles. L’atelier est un espace, en permanente redistribution. On y trouve des zones de travail (sur table ou au mur, parfois au sol), de tests, des zones de stockage, de séchage, des espaces de mise en attente, des bassins de décantation, de refroidissement, des surfaces…

La contrainte économique, au départ subie, devient chez Simon English, un moteur et une force de résistance. Faire avec la situation telle qu’elle est. À cet égard, il n’est certainement pas anodin que cet œuvre se développe en résistance dans l’épicentre du néolibéralisme galopant, opposant sa force d’inertie, son rythme, sa propre nécessité interne.

SNCF Gares & Connexions et le Musée océanographique de Monaco présentent en gares de Marseille, Toulon, Cannes et Nice, quatre expositions inédites du photographe sous-marin David Doubilet intitulées « En immersion au cœur du corail ».

Avec cette exposition déclinée dans quatre gares – et co-conçue par les équipes de SNCF Gares & Connexions et le Musée océanographique de Monaco -, l’artiste David Doubilet cherche à éveiller les consciences. L’artiste propose une rencontre visuelle entre les visiteurs des gares et les récifs coralliens pour révéler la beauté fragile et le lien ténu existant entre l’Homme et l’Océan, face à l’urgence climatique.

Convaincu du pouvoir des images pour « informer, illuminer, honorer mais surtout provoquer le changement », David Doubilet plonge en mer avec son regard de journaliste, artiste et d’explorateur pour documenter, à la fois la splendeur mais également la dévastation de nos océans.

Ces expositions en gares s’intègrent dans la volonté du Musée océanographique de Monaco de mettre en lumière les récifs coralliens, et ce dans toutes les actions de préservation et de sensibilisation qu’il mène depuis des décennies, et qui seront particulièrement présentes tout au long de l’année 2020.

En effet, sous l’impulsion de S.A.S. le Prince Albert II de Monaco, l’Institut océanographique de Monaco s’engage à travers toute une programmation à révéler les différentes facettes du corail au plus grand nombre, afin de leur donner envie d’agir pour sa protection.

4 EXPOSITIONS À RETROUVER EXCLUSIVEMENT EN GARES DE MARSEILLE, TOULON, CANNES & NICE

Chaque année depuis 2011 le Prix Maison Blanche récompense des photographes émergents dans le champ de la photographie contemporaine. Le Prix Maison Blanche s’adresse aux photographes-auteurs, sans condition de nationalité, ni d’âge.

Dans le cadre de la dixième édition du festival PHOTO MARSEILLE, l’association Les Asso(s), organisatrice du festival, Maison Blanche – Mairie des 9e et 10e arrondissements de Marseille, l’Ecole des Beaux-Arts de Marseille (ESADMM) et les éditions Le Bec en l’air lancent un appel à candidatures pour le Prix Maison Blanche 2020.

A l’issue de cet appel à candidatures, un jury désignera les lauréats. Les 5 premiers lauréats, dont le premier prix, seront exposés dans les salons de Maison Blanche du 8 octobre au 6 novembre 2020. Le travail du premier prix fera l’objet d’une édition et rejoindra la collection Prix Maison Blanche aux éditions Le Bec en l’air :

2014 / Léa Habourdin – Les Chiens de fusil, 2015 / Adrien Selbert – Srebrenica, nuit à nuit, 2016 / Julien Lombardi – L’inachevé, 2017 /Corentin Fohlen – Le village, 2018 / Shinji Nagabe – Espinha, 2019 / Polly Tootal – The Hands That Built This City

Les autres lauréats auront leurs travaux présentés lors de la soirée d’ouverture du Prix sous la forme d’une projection.

Télécharger l’appel à candidatures

Candidatures
Peuvent candidater au PRIX MAISON BLANCHE 2020, sans condition de nationalité, ni d’âge, tous les photographes-auteurs. Le jury choisira les dossiers qui présenteront un travail personnel, sous la forme d’une série. Le critère principal de sélection demeure l’expression d’une vision d’auteur.

Jury
Un jury composé de professionnels de la photographie désignera les lauréats.

Calendrier
Inscriptions du 15 février au 15 avril 2020
Date limite de réception des dossiers : 15 avril 2020
Sélection des dossiers : mai-juin 2020
Annonce des résultats : juillet 2020

Responsabilités
La participation au PRIX MAISON BLANCHE 2020 implique l’acceptation du règlement (disponible sur demande par email).

Composition du dossier
Le dossier de participation pour le PRIX MAISON BLANCHE 2020 devra être constitué des éléments suivants :
– Un document au format PDF, regroupant un CV et un texte expliquant la démarche et la série présentée.
– Une série de 20 à 50 photographies haute définition (JPEG qualité maxi / 1800 x 1200 pixels environ / RVB). La numérotation doit indiquer la succession des images
Le dossier doit être envoyé via We Transfer à l’email suivant :
contact@laphotographie-marseille.com

Vous recevrez ainsi une confirmation de téléchargement qui attestera de la bonne réception du dossier.

Les frais d’inscription sont de 15 euros. Règlement par virement bancaire (RIB disponible sur demande par email).

Informations : contact@laphotographie-marseille.com

http://www.photo-marseille.com

Le voyage est souvent à l’origine du travail photographique de Jacques Borgetto. Tout en s’appuyant sur les genres classiques du portrait et du paysage, il pose un regard nouveau sur des contrées et des civilisations méconnues et il arrive à en livrer une vision intime. Ainsi au Tibet, dont Borgetto montre la sérénité, le quotidien et le spirituel, les traditions persistantes et la modernité approchante, mais où l’immensité du ciel, si présente dans ses images, semble évoquer la question du territoire nié, telle une forme de résistance céleste.
Depuis 2007, il a parcouru le Tibet de nombreuses fois, au printemps, en hiver et à l’automne, à l’occasion de sept voyages d’une durée de cinq à six semaines, pendant lesquels il partageait le quotidien des nomades des hauts plateaux et des moines. Si ces voyages ont toujours été pour lui une expérience spirituelle, ils lui ont permis également de découvrir un peuple exceptionnel, aujourd’hui menacé dans son identité.

Rencontre avec le photographe Jacques Borgetto le samedi 15 février à 14h30

Le contexte
S’inspirant d’une série de photographies réalisée par Corinne Mercadier en 2019 dans une réserve de la commanderie Sainte-Luce et puisant son inspiration dans l’esthétique et l’esprit des cabinets de « curiosités », le nouvel accrochage des collections du musée Réattu érige la figure de Pandore en allégorie d’une mission fondamentale pour une institution labellisée « Musées de France » : le récolement.

Peu connu du grand public, le récolement est pourtant un exercice passionnant, qui consiste à vérifier la présence et l’appartenance légale de tout objet constituant une collection muséale. S’il est l’occasion de s’immerger en profondeur dans le corps des collections, il ouvre aussi, souvent, sur un abîme vertigineux d’inconnu et de recherche. Lorsqu’un fonds atteint, comme celui du Réattu, plusieurs milliers d’objets, le conservateur ne sait en effet pas toujours ce qui l’attend lorsqu’il pousse la porte d’une réserve, qu’il rouvre un grenier, une boîte ou une armoire ancienne mise de côté depuis des années… Et il ne sait pas toujours vers quelles histoires les objets vont le mener.

Parfois, ce sont les artistes invités par le musée qui ont joué les éclaireurs. Explorant les lieux les plus improbables, ils ont incité les conservateurs à s’interroger et à se renseigner sur des patrimoines moins connus ou d’un intérêt a priori secondaire pour la recherche. Ils ont aussi fixé sur pellicule des objets aujourd’hui disparus, doublant l’intérêt artistique de leurs œuvres d’une valeur mémorielle inestimable.

L’exposition
Cette exposition nous invite donc à suivre Pandore – dont la curiosité proverbiale, souvent prise en mal, est ici réhabilitée –, à ouvrir des chapitres peu connus de l’histoire d’Arles et du musée et a découvrir sous un nouveau jour des collections que l’on pensait connaître.

La présentation décline différents univers : « le cabinet de Pandore » évoque les réserves du musée, le mystère que recèlent certains objets ; « le cabinet des moulages » rappelle le temps des écoles de dessin d’Arles, dont la première fut créée par Jacques Réattu ; « le grand cabinet » et le « cabinet minéralogique » exposent, entre naturalia et artificialia, les vestiges du muséum d’histoire naturelle et de l’ancien hôpital d’Arles ; « le cabinet des archives » révèle les trésors de la bibliothèque du musée ; « le cabinet graphique » et « la chambre photographique » révèlent des pépites méconnues de ces riches collections ; enfin « le trésor », dans la chapelle Saint-Jean, évoque le passé des églises et chapelles arlésiennes.

Ces objets insolites – animaux naturalisés, moulages de plâtre anciens, objets liturgiques etc. – dont le musée s’est retrouvé dépositaire au cours de son histoire, sont mis en regard d’œuvres contemporaines issues des collections ou empruntées pour l’occasion, qui invitent toutes à s’interroger sur le devenir de ces précieux patrimoines.

Les artistes exposés:
Les artistes exposés: Mark Alsterlind / Dieter Appelt / Patrick Bailly-Maître-Grand / Guillaume Barrême de Châteaufort / Charles Antoine Baron / Antonio Beato / Roger Bezombes / Werner Bischof / Pierre Buraglio / François Burgun / Pol Bury / Francisco Cano y Guerra / Armand-Charles Caraffe / Lucien Clergue / Jean Cocteau / Jean-Antoine Constantin / Meiffren Conte / Richard Cosway / Antoine Coypel / Claude Mathieu Delagardette / Bernard Descamps / Guillaume-Marius Dieudonné / Robert Doisneau / Albrecht Dürer / Véronique Ellena / Joseph Felon / Claude-André Férigoule / Charles Fréger / Daniel & Geo Fuchs / Matthieu Gafsou / Marc Garanger / Brigitte Garcia / Paul Gauguin / Patricia de Gorostarzu / François-Marius Granet / François de Hérain / Suzanne Hetzel / Katerina Jebb / Mimmo Jodice / Simon Julien / François Kollar / Bogdan Konopka / Christian Lacroix / Alfred Latour / Claude Mellan / Marino Marini / Corinne Mercadier / Tomas Monserrat / Pierre Parrocel / Pablo Picasso / Jean Baptiste Marie Pierre / Bernard Plossu / Mario Prassinos / Antoine Raspal / Jacques Réattu / René-Jacques / René Richard-Gall / Dominique Roman / Henri-Émilien Rousseau / Xavier Sigalon / John Stewart / Yves Trémorin / Jerry Uelsmann / André Villers / Vincent Voillat / Ossip Zadkine / Ton Zwerver

Commissariat:
Andy Neyrotti.
Responsable du pôle étude, conservation et diffusion des collections du musée Réattu.

Photo : Corinne Mercadier, Pandora, série de vive mémoire 2019 © Courtesy Galerie les Filles du Calvaire / Fondation des Treilles

L’appel à projet de la Biennale de l’Image Tangible, festival dédié aux nouvelles pratiques photographiques, est ouvert jusqu’au 15 avril 2020 !

Tous les artistes ayant un travail en lien avec la photographie comme médium source sont invités à participer à l’appel à projet de la Biennale, sans limite d’âge ou de nationalité.

Un jury composé de professionnel.le.s du monde de la photo et de l’art contemporain sélectionneront une trentaine de dossiers. Les lauréat.e.s se verront exposé.e.s dans les galeries et lieux partenaires en novembre 2020.

EXPOSITION PHARE
NOVEMBRE 2020
L’exposition phare, curatée par les organisateurs de la Biennale, réunit une quinzaine d’artistes français et internationaux.
Photographes ou plasticiens, les artistes exposés mettent en exergue des images détournées, déconstruites, reconstruites, falsifiées, et sont porteurs d’idées photographiques innovantes tant sur les sujets que les méthodes employées.

EXPOSITIONS SATELLITES
NOVEMBRE 2020
Dix expositions satellites prennent place dans des lieux culturels et galeries du 20e arrondissement de Paris durant le mois de novembre 2020. Les artistes exposés auront ont été sélectionnés par un Jury d’experts du monde de la photographie, de l’art contemporain et de l’image, suite à un appel à projet.

PROJET INSITU
NOVEMBRE 2020
Un artiste invité réalise un projet in situ en lien avec l’architecture et/ou la population du 20ème, en accord avec la Mairie de l’arrondissement. Ceci aboutit à une installation ou un collage en lien avec les thèmes exposés lors de la Biennale.

PRIX INSTAGRAM
01-31 OCTOBRE 2020

Un prix du public Instagram est organisé en amont du déroulement de la Biennale de l’Image Tangible, du 1er au 31 octobre 2020. Le post ayant atteint le plus grand nombre de « likes » emporte le prix. Le lauréat est annoncé le jour de l’ouverture de la Biennale. Le concours est doté d’un prix pour le lauréat.

© Photo : Edouard Taufenbach, Regard Hors-champ, sérieSpéculaire, 2018

Studio du portraitiste néerlandais Koos Breukel, Amsterdam. À l’intérieur, un mur sur lequel se pressent les uns contre les autres sans hiérarchie de taille ni de support, sans chronologie, une petite foule de tirages. Le regard s’y promène, passe d’une photographie en pied et en couleur du couple royal à un nu allongé de femme en noir et blanc, remonte vers un buste du photographe Robert Frank, et puis là, dans le coin, retrouve un visage déjà croisé plusieurs fois sur ce mur, à divers endroits et âges, son fils peut-être.

Les visages connus saisissent, les inconnus tout autant. Nu ou vêtu, l’individu est photographié dans son « simple appareil », dans le studio, sans accessoire, sur un fond monochrome empruntant parfois à la palette de la tradition classique, plus ponctuellement dans un extérieur, où rien n’aura été arrangé pour la flatterie. Les êtres tels qu’ils apparaissent, leur mystère sur le visage, face au photographe.

L’exposition Fils dévoile un opus mené au long cours par Koos Breukel (1962) et consacré à Casper, son fils, de sa naissance en 2000 à ses dix-huit ans. Mêlant différents registres de photographies, de l’instantané qui rappelle l’album de famille au portrait posé, de la planche contact au tirage monumental, l’exposition montre autant le cheminement d’un photographe que celui d’un père, observant par l’image l’altérité irréductible qui se joue devant lui. Avec Fils, l’homme continue de scruter avec acuité et sans complaisance ce qui l’occupe depuis qu’il est photographe : les cycles de la vie et son corollaire, le passage du temps.

L’exposition a été permise grâce au studio Koos Breukel, au musée de la photographie Huis Marseille, Amsterdam et au soutien du Fonds Mondriaan.

Photo : © Koos Breukel, Casper, Amsterdam, 2015.

Georges Fessy est l’un des photographes d’architecture les plus importants de ces dernières décennies en France. Il a mis en images les réalisations d’architectes contemporains de premier plan : Jean Nouvel, Dominique Perrault, Odile Decq et Benoît Cornette, Henri et Bruno Gaudin, Christian Hauvette, Jean-Marc Ibos et Myrto Vitart ou Claude Vasconi. Il a aussi montré les chefs-d’oeuvre de leurs prédécesseurs : Jean-Baptiste André Godin, Claude-Nicolas Ledoux, François Obin et Bruno Renard, Louis Le Vau, Jules Hardouin-Mansart, Sebastiano Serlio ou Jean-Germain Soufflot.

Né à Lyon en 1937, Georges Fessy est d’abord mécanicien dans l’industrie textile, avant de choisir, en autodidacte, d’être photographe.
À Lyon, puis Paris, il pratique les différents genres de la photographie : industrielle, publicitaire, de mode, d’objets d’art. La diversité des commandes lui donne l’occasion de travailler à différentes échelles et dans des conditions de prises de vue très différentes. Dans l’usine, il faut pouvoir confronter les hommes à un appareil de production parfois démesuré, et jouer du violent clairobscur.
À l’intérieur de son studio, Georges Fessy scénographie de savantes natures mortes, qu’il modèle délicatement par des éclairages extrêmement réfléchis.

En 1984, à l’invitation de Richard Edwards, il photographie au fil des saisons la Saline royale d’Arc-et-Senans. Ce travail est le début du long compagnonnage de Georges Fessy avec le patrimoine monumental, l’architecture et les architectes.
En général, le photographe d’architecture doit représenter la réalité construite comme une manifestation du dessin de l’architecte. Mais, ainsi que l’écrivait Gérard Monnier en 2008, « Georges Fessy choisit de s’écarter de temps à autre de la vision descriptive ; de faire, comme le dit joliment Christian Hauvette, un « saut de côté » ; sur un mode mineur et discret, il s’attache à produire une image lyrique d’un bâtiment, dans une sorte d’interprétation piranésienne moderne. Par des points de vue et des cadrages qui échappent à la représentation classique, par des lumières raréfiées, il lui arrive d’agir sur la mise en scène d’un lieu, où s’équilibrent le regard sur les objets et les indications légères qui suggèrent une fiction » Georges Fessy, photographe d’architecture, textes de Gérard Monnier et Danielle Benzonelli, Cognac, Le temps qu’il fait, 2008).
En 2019 et 2020, plus de cent photographies de Georges Fessy sont exposées dans deux lieux qu’il connaît bien, parmi ceux qu’il connaît le mieux. À la Saline royale d’Arc-et-Senans et au Familistère de Guise, le photographe est venu et ne cesse de revenir. Il a puissamment contribué à construire la représentation que nous nous faisons de ces monuments d’exception. Jamais, le travail du photographe n’avait été présenté d’une manière aussi rétrospective.
Selon le souhait de Georges Fessy, l’exposition et le livre qui l’accompagne traduisent la diversité d’une vie de photographe. Avec des photographies iconiques d’édifices contemporains, sont présentés des paysages inquiétants, des portraits raffinés d’objets d’art ou de personnes, des images publicitaires ironiques, des fantasmagories monumentales.
Toutes images réalisées dans la réflexion, à la chambre argentique.
Un autre monde.
Les tirages en grand ou moyen format sont spécialement exécutés pour l’exposition.
L’exposition Georges Fessy et la photographie est coproduite par le Familistère de Guise et la Saline royale d’Arc-et-Senans.

Alors que le Brexit relance le débat sur l’indépendance de l’Ecosse, c’est vers ses rivages que nous invite à faire cap Francesca Piqueras. Les plateformes pétrolières comme les dispositifs militaires en ruine qu’elle a pris pour sujet apparaissent dans ses photographies comme des monuments immémoriaux qui délimitent ce territoire au destin singulier. Un territoire que Piqueras interroge depuis la mer en nous offrant, comme toujours, des images au fort pouvoir métaphorique.
Pour cette série “Territoire tranquille”, Francesca Piqueras s’est intéressée à trois type de structures maritimes :
– le chantier de maintenance de plateformes pétrolières situé au large de Cromarty, où elle s’était déjà rendue il y a une dizaine d’années ; – des cibles d’entrainement pour les bombardiers de la Royal Air Force, construites en 1937 à Luce Bay, et aujourd’hui abandonnées ; – les vestiges de la barrière anti sous-marins édifiée pendant la Seconde Guerre mondiale entre l’Ile de Cramon et le rivage Ecossais. Ces structures de béton et d’acier permettent à Piqueras de jouer sur les paradoxes. D’abord parce qu’emblématiques de l’ère industrielle, elles paraissent ici sorties du fond des âges. Les plateformes évoquent des totems érigés à la gloire de quelques divinités marines. Les enfilades de pyramides de Cramon font écho aux alignements de Sphinx de Louxor. Les cibles de Luce Bay font immanquablement penser à ces pierres levées du mégalithique, que l’on trouve d’ailleurs en nombre en Ecosse.
Autre paradoxe sur lequel joue la photographe : si ces plateformes et ces vestiges marquent les lien étroits (militaires, économiques) de l’Ecosse avec le reste du Royaume Uni, ils semblent ici délimiter et isoler le “territoire tranquille” que l’on aperçoit en arrière-plan de ses photographies. Comme si ces structures étaient des éléments d’une seule et même barrière immémorielle, qui prolongerait par mer le mur qu’Hadrien fit édifier pour isoler l’antique Calédonie de l’Empire Romain.
Dans ses premières séries sur les structures maritimes, le point de fuite des photographies de Francesca Piqueras était constitué par l’horizon marin. Son propos était alors essentiellement de souligner la fragilité des oeuvres humaines face aux éléments naturels. Le changement qu’elle opère ici et qu’elle a initié dans sa série “In Fine” (2018), prise en Sibérie, marque au propre comme au figuré un changement de perspective.
Ses photographies sont moins méditatives, plus frontales. Le rapport aux éléments et à la lumière est à la fois plus naturaliste et plus nuancé. Son oeuvre atteint un point de maturité en continuant à nous interroger sur la destinée humaine. Seulement ce n’est plus par la confrontation de nos artefacts aux élé-ments marins. C’est à ce rivage qui apparait désormais en arrière-plan, qu’ils sont d’abord confrontés.
Pour les Aborigène d’Australie, chaque parcelle de territoire est habitée depuis sa création par un rêve. Quel rêve habite ce territoire pour s’entourer de tels monuments marins ?