L’Agenda des événements sur Plan

Picto Foundation est heureux de lancer la 22ème édition du Prix Picto de la Mode.
Distinction de référence pour les talents émergents dans le domaine de la mode, le Prix Picto de la Mode a le plaisir d’accueillir la photographe Bettina Rheims comme présidente du jury de cette édition.

Cette année le Prix Picto de la Mode inaugure le Prix Filippo Roversi. Conçu avec la complicité du photographe Paolo Roversi, le Prix Filippo Roversi récompensera l’art et le plaisir du savoir-faire autour de la photographie de mode. La dotation permet au lauréat de recevoir un tirage de collection et un workshop avec Paolo Roversi.

La cérémonie de remise des Prix aura lieu au Palais Galliera, musée de la mode de la ville de Paris, tout juste ré-ouvert après une année d’importants travaux de transformation.

– Avoir moins de 35 ans, tous pays.
– Proposer obligatoirement 2 séries de 8 à 10 images maximum par série.
– Envoyer le dossier de candidature complet à prixpictodelamode@picto.fr comprenant :
– le formulaire de candidature à télécharger ici.
– L’envoi des photos par Wetransfer ou lien de téléchargement en basse définition (1,5 Mo – 300 DPI max.) et en Haute Définition (20 Mo – 300 DPI min.) en format jpg.
Nommer ses images de la manière suivante :
NOM DU CANDIDAT_NOM DE LA SERIE_N° DE LA PHOTO_BD et NOM DU CANDIDAT_NOM DE LA SERIE_N° DE LA PHOTO_HD
– une biographie/parcours du photographe (15 lignes maximum) en version PDF.
– Un texte de présentation des deux séries.

DOTATIONS

PREMIER PRIX : PRIX PICTO DE LA MODE
– Un appareil photo Leica Q2 d’une valeur de 4990 €
– Une exposition d’une valeur de 2000 € de fabrication
– Une campagne d’affichage JCDecaux à Paris
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.
DEUXIÈME PRIX : PRIX FILIPPO ROVERSI
– Un workshop d’une journée avec Paolo Roversi
– Un tirage signé de Paolo Roversi
– 1000 € d’aide à la réalisation.
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.
TROISIEME PRIX : PRIX DE L’ÉMERGENCE
– 1500 € d’aide à la réalisation.
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris

Envoi des dossiers par mail à prixpictodelamode@picto.fr avant la date limite fixée au 6 septembre 2020.
TOUT DOSSIER INCOMPLET ET NE RESPECTANT PAS LES CONDITIONS NE SERA PAS ÉTUDIÉ

29 MARS 2020.
Fin de l’appel à candidatures.

6 AVRIL 2020.
Annonce des finalistes sur nos sites et réseaux sociaux.

29 AVRIL 2020.
Délibération du jury et soirée de remise des prix au Palais Galliera.

Photo : © Rosanna Lefeuvre, lauréate du Prix 2019

Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

L’entrée dans le monde pictural de François Fontaine passe à travers le portail du grand écran et de l’art cinématographique.

Tout film est un assemblage d’images animées tandis que la photographie, sa discipline apparentée, est basée sur l’image statique. Les deux médiums sont générés par une source commune : la lumière.

La lumière alimente l’univers. Elle brave l’espace profond et anonyme par sa force créatrice. Le regard vers les étoiles provient d’un désir ardent de l’homme de trouver l’origine des choses. La lumière est une ouverture vers cet ailleurs infini et inconnu. Elle guide le regard. Il n’y a ni obscurité ni clarté qui domine l’espace.

La quête de la lumière est une aventure qui influence la pensée et l’imagination de l’homme. Elle emmène l’individu en voyage spirituel et semble dissoudre les limites de son existence. Paradoxalement cet effet finit par le confirmer dans son individualité.

Cette sensation sublime se transmet dans les images floues de François Fontaine et reflètent ses réflexions artistiques.

Texte: A. Meyer, Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Arcades II, montée de l’église

À l’origine d’un style unique qu’il décrit lui-même comme «ballenesque », Roger Ballen est l’un des photographes les plus importants de sa génération.

Après avoir acquis une reconnaissance internationale en collaborant notamment avec le groupe Die Antwoord, il utilise depuis peu dessins, peinture, collages et différentes techniques sculpturales pour créer des installations élaborées, inventant une nouvelle esthétique hybride encore fermement enracinée dans l’art photographique.

Pour la première fois en France, La Halle Saint Pierre propose avec l’exposition Le Monde selon Roger Ballen une véritable rétrospective de cet artiste hors-normes, avec également des installations inédites produites in situ.

Né en 1962 à Xiangyang dans la province du Hubei.

Bien qu’arrivé récemment dans le monde de la photographie contemporaine, Wu Guoyong s’adonne à cette pratique depuis 1984. Dans un premier temps, cet ingénieur de formation s’empare de la caméra dans le but de documenter les chantiers auxquels il est associé.
Mais il faut attendre la retraite pour qu’il se décide à faire de la photographie son activité principale. Conseillé par son ami photographe Li Zhengde, il envisage désormais sa pratique comme un dépassement du document, une recherche de l’esthétique du mal.
La série « No place to place », débute en Janvier 2018. Avec l’aide d’amis contactés sur le réseau Wechat, il repère 45 cimetières de vélos et n’en retient qu’une vingtaine.
Mettant à profit ses connaissances techniques, il conçoit ses propres drones au service de son propos et qui font l’originalité d’une série vue plus de 300 millions de fois par les utilisateurs du réseau social, Sohu Portal Network of China.

La Chine est saisie d’une crise d’asthme. La pollution n’obscurcit pas seulement ses villes et son ciel, c’est tout le futur du pays qui s’assombrit. Un brouillard grisâtre et toxique de particules fines, le smog, recouvre les grandes villes. Ce pays, qui a oublié même le souvenir du ciel bleu, dans les rues encombrées de ses cités monstrueuses, où usines et voitures contaminent l’atmosphère, voit la mort lente s’insinuer dans les corps, dans le paysage, dans l’économie. L’espérance de vie diminue et on estime à un million de décès par an les conséquences d’une qualité de l’air dégradée.

Premier pollueur de la planète, premier émetteur de gaz à effet de serre, la Chine a décidé de limiter les effets de la pollution. Le pays redouble d’effort pour stopper la dégradation de l’environnement, conséquence de décennies de croissance. Les résultats sont réels et contradictoires. Entre 2013 et 2017, le taux de particules fines a baissé de 32 % mais une nouvelle pollution, la concentration d’ozone, s’avère particulièrement menaçante.
Face à ce problème de santé publique, les autorités ont depuis 2013 mis en place un plan d’action afin de réduire de 30 % les émissions des industries hautement polluantes.

Dans le domaine des transports, les grandes métropoles soutenues par le pouvoir central ont fait appel à des sociétés de partage de cycles pour limiter les émissions de CO2. En moins de deux ans plus de 70 sociétés spécialisées dans la mise à disposition de ce moyen de transport sont apparues. Ces compagnies ont investi plus de 10 milliards de dollars et ont installé 27 millions de vélos dans la majeure partie des grandes cités chinoises, chaque société se différenciant par une couleur de cycle différente. La première expérience de vélos partagés eut lieu à l’université de Pékin, en Mai 2015. Dès lors, il n’est pas une ville qui ne se soit saisie de cette opportunité. Mais à l’engouement réel des débuts fait place désormais une situation inattendue : les cimetières de deux-roues. Dans les faubourgs des métropoles ont surgi et se sont multipliées des lieux nouveaux, inconnus de l’histoire industrielle, des casses à vélos ! Des accumulations à l’échelle du pays où l’on voit se succéder à perte de vue des carcasses qui s’empilent, se chevauchant dans un alignement et un ordonnancement mortel. Des millions de ces vélos sont ainsi mis au rebut. Ce n’est pas seulement à la disparition d’objets à laquelle nous assistons, c’est à la fin d’une illusion régénératrice.

Paradoxe que ces images de la catastrophe, réalisées par Wu Goyong, entre mars et décembre 2018, dans une vingtaine de villes de Chine. Pour celui qui, à l’aide d’un drone, survole la ruine moderne, la photographie magnifie l’échec, quand l’erreur fait l’horreur. Images inversées du monde réel, les photographies agencées selon une symétrie parfaite sont empreintes d’une beauté profonde. Simulacre impressionniste grotesque, la lumière varie sur les « champs » de vélos. Ces accidents « heureux » façonnent des paysages colorés et chatoyants. Vision délicieuse du mélange des complémentaires et des contrastes.
Ce que le ciel ne donne plus, la véritable couleur de l’atmosphère, Wu Goyong l’a surprise dans les rebuts de notre monde « moderne ».

François Cheval, Juillet 2019

La qualité de la lumière est mesurée en tonalités et – aussi bizarre que ce soit – également en sons, respectivement par absence de ces derniers – selon Mona Kuhn. La photographe a su transposer cette expérience empirique en images. Elle est allée à la rencontre de la lumière pour aboutir dans le désert de Joshua Tree en Californie.

Comme une symphonie classique se construit de rythmes et du développement d’un motif initial, le potentiel de la lumière devient perceptible par son intensité rythmique et évolutive. L’observateur différencie facilement l’alternance des effets chromatiques et le jeu d’ombres. Plus la lumière est saturée, moins il y a de champ d’ombres, plus les bruits semblent s’atténuer.

Dans un orchestre chaque famille instrumentale attend son intervention ou son silence. Face à la puissance grandissante du soleil tout se soumet et devient muet.

La clarté ne se plie qu’au temps, qui lui garantit quelques moments précieux et fugaces, car les ombres ne supportent pas être bannis longtemps de la scène. Dès que soleil dépasse le zénith elles préparent leur renaissance.

L’impression qui naît de ce moment magique est enivrante. Le silence complet règne. Une illusion? Ce silence éphémère offre une ouverture à une série de spectacles optiques qui prennent la relève des bruits de fond devenus muets : les reflets s’annoncent.

La lumière projette des écrans non tangibles et transparents en plein milieu du désert. Des mirages se produisent. Des images surgissent et se répètent à l’envers et à l’inverse. Le haut et le bas se confondent, le loin et le proche s’entremêlent. Les apparitions se superposent. Les lignes se tordent sous la chaleur du désert et de l’atmosphère luisante. Les motifs scintillent, le soleil brille. Paradoxalement la lumière paraît statique au milieu de toutes ces vibrations dynamiques et fluctuantes.

Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Texte : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Echappée Belle, place du marché

Anna Lehmann-Brauns photographie des intérieurs et des architectures. Cependant, elle ne rejoint pas la photographie d’architecture. Elle nie également réaliser un travail documentaire.

La photographe basée à Berlin est plutôt comparable au « director of photography ». Comme au cinéma, elle crée des univers picturaux à l’aide d’ombres et de lumières. À partir de perspectives choisies, elle combine ses vues avec une imagination subjective et spatiale, basée sur l’intérêt pour les atmosphères et l’association de souvenirs.

Ses compositions silencieuses valorisent les ombres au même degré que les effets de lumière auxquels elles se rapportent. Vu sous cet angle on croirait trouver une relation avec la discipline artistique qu’est la nature morte. Les espaces vides et abandonnés affichent uniquement des choses inanimées, des objets, des éléments, qui occupent l’espace tout en silence.

Souvent la lumière douce contraste avec les endroits géographiques choisis. La photographe amène le contemplateur sur des lieux nocturnes et urbains – cinémas, discothèques, hôtels, plateaux de tournage. Il s’agit de scènes dynamiques et bruyantes pleines d’histoires et de mouvements. Ici les contrastes sont multiples. L’obscurité nocturne s’affirme face à la lumière artificielle. La confrontation des deux phénomènes se fait en douce : les deux mondes se confondent, comme un brouillard épais et sourd qui estompe les frontières réelles.

« Sun in an Empty Room » n’est pas simplement le nom d’une série d’images, mais aussi une citation concrète et donc une référence à Edward Hopper. Le maître a utilisé les effets de la lumière pour transposer l’espace sculptural sur la toile plane sans perdre la profondeur de ses motifs. Il en résulte des ambiances chromatiques qui correspondent à une époque dont elles présentent les caractéristiques.

Le travail d’Anna Lehmann-Brauns fonctionne de la même manière : la lumière pénètre et fuit la pièce sombre, révélant des décors contemporains à caractère individuel. Les ombres s’échappent tranquillement dans la nuit.

Texte : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Arcades I, grand-rue

Les espions infiltrent la Cité des Sciences

« Cet automne, la fiction prend vie à la Cité des sciences et de l’industrie. Fermez les yeux et imaginez-vous, soudain, plongé au cœur du monde du renseignement contemporain. Dans la peau d’un officier traitant, vous allez être chargé d’une mission qui vous plongera dans une histoire d’espionnage inédite. Tout commence avec ce qui ressemble à un essai nucléaire de faible intensité à l’étranger. La suite est à vivre à la Cité des sciences et de l’industrie, dans une exposition originale. Pour la première fois, les services nationaux de renseignement, dont la discrétion est une seconde nature, ont accepté de prêter leur concours à une présentation de cette envergure ; grâce à eux, le parcours de visite est au plus près de la réalité que vivent celles et ceux qui exercent les métiers du renseignement d’aujourd’hui. » Bruno Maquart, président d’Universcience.

« Série réaliste, synthèse entre la fiction et la réalité, Le Bureau des Légendes est la fenêtre privilégiée sur les services de renseignements pour le grand public. Ce partenariat avec la Cité des sciences et de l’industrie pour imaginer un projet novateur et ludique est, pour les équipes de la série, un défi exaltant qui prolonge l’univers riche et complexe créé par Éric Rochant. » Alex Berger, producteur exécutif du Bureau des Légendes.

Cette nouvelle exposition temporaire offre une intrigue unique imaginée à partir d’une documentation passionnée et attentive sur l’espionnage qui en dévoile l’envers du décor. Civils ou militaires, tous travaillent pour l’un des six sigles (DGSE, DRSD, DRM, DGSI, DNRED et Tracfin) désignant les services du premier cercle du renseignement français qui ont pour mission principale d’éclairer les autorités, d’anticiper et de parer les menaces qui pèsent sur la sécurité nationale. Pas à pas, tel un agent secret, le visiteur recueille des informations en utilisant les différentes méthodes et outils des services de renseignement. Une expérience inédite faisant dialoguer réalité et fiction, co-produite par Universcience et TOE -The Oligarchs Edition

La qualité de la lumière est mesurée en tonalités et – aussi bizarre que ce soit – également en sons, respectivement par absence de ces derniers – selon Mona Kuhn. La photographe a su transposer cette expérience empirique en images. Elle est allée à la rencontre de la lumière pour aboutir dans le désert de Joshua Tree en Californie.

Comme une symphonie classique se construit de rythmes et du développement d’un motif initial, le potentiel de la lumière devient perceptible par son intensité rythmique et évolutive. L’observateur différencie facilement l’alternance des effets chromatiques et le jeu d’ombres. Plus la lumière est saturée, moins il y a de champ d’ombres, plus les bruits semblent s’atténuer.

Dans un orchestre chaque famille instrumentale attend son intervention ou son silence. Face à la puissance grandissante du soleil tout se soumet et devient muet.

La clarté ne se plie qu’au temps, qui lui garantit quelques moments précieux et fugaces, car les ombres ne supportent pas être bannis longtemps de la scène. Dès que soleil dépasse le zénith elles préparent leur renaissance.

L’impression qui naît de ce moment magique est enivrante. Le silence complet règne. Une illusion? Ce silence éphémère offre une ouverture à une série de spectacles optiques qui prennent la relève des bruits de fond devenus muets : les reflets s’annoncent.

La lumière projette des écrans non tangibles et transparents en plein milieu du désert. Des mirages se produisent. Des images surgissent et se répètent à l’envers et à l’inverse. Le haut et le bas se confondent, le loin et le proche s’entremêlent. Les apparitions se superposent. Les lignes se tordent sous la chaleur du désert et de l’atmosphère luisante. Les motifs scintillent, le soleil brille. Paradoxalement la lumière paraît statique au milieu de toutes ces vibrations dynamiques et fluctuantes.

Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Texte : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Jardins du Bra’Haus II, montée du château

Vingt-cinq ans après la dernière exposition qui lui était consacrée, le Jeu de Paume – Château de Tours présente cet automne une rétrospective consacrée à René-Jacques. Étudiant en droit, ce qui le prédestinait à une tout autre carrière, il fait très rapidement le choix de suivre la voie artistique et d’adopter définitivement son nom d’artiste, afin de s’adonner à sa passion : la photographie.
« L’élégance des formes » dévoile une sélection de cent vingt tirages originaux, dont certains montrés pour la première fois, à travers un parcours rythmé par huit sections chrono-thématiques qui retracent les thèmes emblématiques de l’œuvre de ce photographe qui demande a être redécouvert.
Figure marquante de la photographie française d’après guerre, René-Jacques (né René Giton, 1908-2003) débute sa carrière dans les années 1930. Très rapidement, il embrasse les mille métiers de la photographie, se faisant tour à tour reporter pour L’Intransigeant, illustrateur pour les éditions Grasset ou photographe industriel pour la régie Renault. Arpenteur des rues d’un Paris vide, sur les traces de Francis Carco et Léon-Paul Fargue, il est aussi photographe de plateau pour René Lucot, Wilhelm Pabst et Jean Grémillon.
Conscient de la difficulté des photographes à faire valoir leurs droits et reconnaître leur art, René-Jacques, comme François Kollar, son aîné, ou Jean Dieuzaide, son cadet, participe aux différents groupes qui animent la photographie française : Le Rectangle, sous l’égide d’Emmanuel Sougez ; le Groupe des XV, à partir de 1946, où il retrouve Daniel Masclet, Willy Ronis, Robert Doisneau et son ami Marcel Bovis. Défendant ses images et ses points de vue, il participe aux nombreuses expositions que ces groupes organisent. Président pour les photographes du conseil d’administration de la Spadem (Société de la propriété artistique des dessins et modèles) à partir 1946, il prend également la tête du syndicat de la photographie publicitaire en 1961 et représente les photographes à la Commission nationale des sites.
Dans les photographies de René-Jacques, rien n’est anodin : chaque image est pensée et trouve sa source dans ses expériences préalables. Ainsi, quand il propose des illustrations pour des œuvres de Carco et de Montherlant, il traduit en images les ambiances et les formes évoquées par les textes. De même, le jeu des ombres et des reflets sur les matières, qu’il affectionne dans ses natures mortes industrielles, fait suite à ses premières recherches et à son expérience de l’éclairage sur les plateaux de cinéma. Pour René-Jacques, professionnel exigeant, répondre aux demandes de ses commanditaires suppose de proposer, au-delà d’une image techniquement parfaite, un supplément d’âme et une vision renouvelée du paysage, du monument ou de l’objet industriel.
En 1991, conscient de la richesse de son travail photographique, il fait don à l’État de son œuvre.
Aujourd’hui conservée à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), la donation RenéJacques regroupe ses négatifs, un ensemble de plus de 20 000 tirages, ainsi que de très riches archives formées de ses publications, de sa correspondance professionnelle et des planches de tirages de lecture qui servaient à la diffusion de ses images.
Commissaire : Matthieu Rivallin

Le Prix Sciences Po de la Photographie Politique 2020 s’adapte à la situation : prolongation exceptionnelle au 15 septembre

Dans le contexte actuel de la propagation du Codiv-19, le report du calendrier et la modification des modalités d’attribution du Prix de la photo politique de Sciences Po se sont imposés.

Le confinement est une période inédite, génératrice d’interrogations mais aussi de perspectives nouvelles. Perspectives au sens géométrique : depuis le 17 mars, nous regardons le monde depuis notre fenêtre, notre balcon, notre jardin ou notre écran d’ordinateur… Et perspectives au sens philosophique, puisque pour la plupart d’entre nous, le monde ne sera plus jamais le même.

En ce sens; l’expérience du confinement peut être propice à l’émergence d’un nouveau regard, et notamment d’un regard politique sur ce qui nous entoure. Témoigner, rapporter, observer, exprimer, critiquer : ces réflexes sont l’essence de la photographie politique. Point n’est besoin de braver les consignes du confinement pour les saisir.

Pour donner à chacun le temps de développer son point de vue, et continuer d’offrir aux lauréats une visibilité auprès d’un large public, le jury de la 4^ème édition du Prix de la Photographie Politique a décidé de reporter la date-limite pour soumettre des photographies au 15 septembre 2020.

Les photographies déjà soumises resteront en compétition.

Gagnez des voyages pour deux et plus encore !

1^er PRIX :
1 500€ + 2 billets de train A/R 1re classe Paris-Barcelone
2^e PRIX :
1 000€ + 2 billets de
train A/R 1re classe Paris-Amsterdam
3^e PRIX :
500€ + 2 billets de train A/R 1re classe Paris-Nice.

“Coup de coeur VU” :
500 €, workshop offert par l’Agence VU

Diffusion des photos lauréates dans L’Actu, Le Figaro Magazine,
Public Sénat et Polka Magazine.
Exposition à l’Agence VU.

Photo : 1^er prix 2018 à Coline RENAULT, pour « Le Président parle aux Français »

Pendant une année, le Musée de la Photographie a choisi de présenter le travail « filmé » de l’agence NOOR dans sa Boîte Noire. L’agence, qui rassemble des photographes talentueux et internationaux, propose des reportages et des documentaires engagés sur l’actualité.
Privilégiant des sujets « en marge » de ce que les médias traditionnels ont l’habitude de nous montrer, c’est au coeur même des problématiques contemporaines que nous
emmènent les images de NOOR. Le panel de leurs travaux est vaste et le musée a décidé de consacrer, pendant une année entière, sa Boîte Noire à l’agence. Chaque cycle
d’exposition temporaire correspond à une problématique soulevée par NOOR. Cette troisième et dernière session est consacrée à la politique américaine et aux fractures
sociales qui gangrènent le pays.

Qui est NOOR ?
Révolte
Nous sommes un collectif indépendant d’auteur-e-s, de journalistes, de photographes, d’artistes et de cinéastes. Avec intégrité, passion et respect, nous documentons, enquêtons et témoignons de notre monde pour inspirer l’action.
Nous racontons des histoires qui ont un impact sur notre humanité.
Nous affirmons avec force le pouvoir de notre narration visuelle pour contribuer à une meilleure connaissance du monde, provoquer des changements sociaux et modifier notre compréhension du monde contemporain et de ses enjeux.
Nous pensons « que certaines choses ont simplement besoin d’être vues ».
La photographie est notre forme de résistance et notre révolte.
Notre combat est celui de l’engagement, de l’activisme par le medium visuel et photographique.
NOOR, signifie Lumière en arabe, a été créée en 2007 comme une entité commerciale et une fondation pour permettre à ses membres – actionnaires de prendre le contrôle de leur travail et de tirer parti de la force de cette communauté groupe dans un paysage médiatique en pleine mutation.
NOOR se compose de quatorze photographes : Nina Berman (États-Unis), Pep Bonet (Espagne), Andréa Bruce (États-Unis), Arko Datto (Inde), Alixandra Fazzina (Royaume-Uni), Tanya Habjouqa (Palestine), Yuri Kozyrev (Russie), Bénédicte Kurzen (France), Sebastian Liste (Espagne), Jon Lowenstein (États-Unis), Kadir van Lohuizen (Pays-Bas), Léonard Pongo (Belgique), Sanne De Wilde (Belgique) et Francesco Zizola (Italie).

1. Triumph of the shill – Nina Berman – 10:21
Prenant Washington D.C. et la Trump Tower de New York comme toile de fond, le court métrage de Nina Berman, Triumph of the Shill, utilise le classique de propagande nazie de Leni Riefenstahl comme plan esthétique pour envisager l’élection et l’investiture de 2017 du président américain Donald J. Trump.
Le film de Berman s’inspire de scènes clés et de motifs visuels du film de Riefenstahl, Triumph of the Will, qui documente la conférence du parti nazi de 1934 à Nuremberg. Commandé par Adolf Hitler, Triumph of the Will, tourné en noir et blanc dramatique, célébrait le pouvoir du Troisième Reich, et présentait Hitler comme un chef suprême, vénéré par les masses aryennes.
Dans le film de Berman, les foules en adoration sont toujours présentes aux côtés des symboles contemporains de l’iconographie fasciste. Mais alors que le film de Riefenstahl célèbre le national-socialisme, celui de Berman habite l’espace de la satire noire et du surréalisme absurde. Dans le film de Riefenstahl, Hitler est à bord d’un avion volant à travers des nuages blancs, suggérant spiritualité et puissance divine. Dans le film de Berman, les nuages blancs sont remplacés par un jet de vapeur soufflant d’un tuyau d’égout sur la 5e avenue avec le gratte-ciel noir de Trump à l’arrière-plan.
Dans le film de Riefenstahl, de multiples angles de prise de vue ont capturé chaque mouvement d’Hitler. Dans le film de Berman, Trump n’est jamais vu en chair et en os. Au lieu de cela, il est une masse de pixels projetés sur des écrans devant le Lincoln Memorial, un visage souriant transformé en t-shirt ou une figure de cire grandeur nature. Son discours basé sur la promesse autoritaire d’un retour à un passé glorifié est vivement accueilli par le public américain. Berman enregistre des scènes qui font écho par leur signification et par leur esthétique aux images des partisans nazis au rassemblement de Nuremberg.
Pour ses recherches sur Triumph of the Will, Berman a visité le Centre de documentation de Munich et le site commémoratif du camp de concentration de Dachau. Elle s’est également inspirée de ses propres expériences au fil des décennies en tant que photographe couvrant la politique américaine, la suprématie blanche, le nationalisme chrétien et le mouvement des milices.

2. Lincoln’s Promise – Jon Lowenstein – 9:34
Jon Lowenstein se spécialise dans les explorations documentaires qui confrontent les domaines du pouvoir, de la pauvreté, de la discrimination raciale et de la violence. Par la combinaison de la photographie, de l’image en mouvement, de l’écriture expérientielle et de la poésie, il s’efforce d’obtenir une lecture claire et sans faille de sujets oubliés de l’histoire.
Dans Lincoln’s Promise il suit le parcours du train funéraire du président américain Abraham Lincoln. Le film retrace une partie de l’itinéraire original allant de Washington D.C. à New York en passant par Baltimore et jusqu’à Chicago.
Ce trajet est un prétexte pour aborder les sujets qui interpellent Jon Lowenstein. Abraham Lincoln reste dans l’imaginaire collectif l’homme du 13e amendement des États-Unis, celui par lequel l’esclavage a été aboli en 1865. Il est aussi tristement célèbre par sa mort, assassiné en plein théâtre en avril 1865. C’est donc sur les traces d’une personnalité hautement symbolique que se lance le réalisateur.
Parallèles et constats d’une société toujours fragmentée, en proie aux doutes, aux manifestations, aux injustices, émanent de ce film. Ce sont les témoignages d’Américains désabusés par une société qui leur avait promis la liberté et les images de ce racisme ordinaire présent dans une société « moderne » que nous découvrons.
Cela nous amène forcément à nous poser la question, 150 ans plus tard, de l’héritage du 13e amendement.

La découverte des photographies de René Magritte dans les années 1970, dix ans après la mort du peintre, a jeté un nouvel éclairage sur son processus de création et les liens étroits qu’il entretient avec « l’image mécanique », qu’elle soit photographique ou cinématographique.
D’autres images sont apparues depuis, issues des albums de ses proches, qui viennent compléter l’étude des relations peinture-photographie dans l’oeuvre de René Magritte, mais aussi l’influence du cinéma, un art dont Magritte était, autant que de la littérature populaire, des plus friands.

Composée de 131 photographies originales, la plupart créées par René Magritte, et d’un chapitre reprenant ses films d’amateur se mettant en scène avec ses complices, l’exposition « René Magritte. Les images révélées » interroge le rapport de Magritte à l’image mécanique en traçant des liens avec son oeuvre, révélant en outre un Magritte intime.

Conçue à partir de trois grandes collections privées, constituées par des passionnés ayant acquis des photos au fil des années, de la collection du Musée de la Photographie et du Fonds J. Nonkels y déposé, l’exposition raconte le peintre autant que l’usager de la photographie. On y retrouve l’album de famille de Magritte avec ses photos d’enfance, ses parents, son épouse. On y voit ensuite la famille intellectuelle du peintre, celle qui l’a nourri, le groupe des surréalistes bruxellois qui dès 1925 accompagnèrent le développement de son oeuvre. L’exposition présente également un René Magritte facétieux, jouant et s’amusant avec ses complices. On y retrouve enfin les photos qui ont servi de modèles pour ses peintures et celles qu’il n’a jamais utilisées – Magritte ne se considérant pas plus photographe qu’il ne se voulait « peintre » – peut-être les plus créatives… L’exposition lève aussi le voile sur l’influence du cinéma sur l’artiste, les surréalistes ayant grandi avec le Septième art.
Après Melbourne, Hong Kong, Taïwan, Séoul, le Musée de la Photographie a le plaisir d’accueillir, en Belgique, l’exposition René Magritte, Les images révélées, sous le commissariat de Xavier Canonne.

L’exposition est accompagnée de l’ouvrage « René Magritte. Les images révélées » écrit par Xavier Canonne, publié en 2017 aux Éditions Ludion en anglais et en chinois, qui sera pour l’occasion édité en français.

Photo : L’Ombre et son ombre, Bruxelles, 1932, Georgette et René Magritte © 2019-2020, Charly Herscovici c/o SABAM

Changer d’apparence, d’époque, de genre, se regarder dans le miroir, avant de se produire devant les copains, le cercle de famille, en reproduisant les tics de chacun, les vedettes de l’écran.
Les enfants aiment à se déguiser, piochant dans les armoires et les greniers costumes, chapeaux et autres accessoires.
En grandissant, certains ont conservé cette part de jeu, ce goût du déguisement, du grimage, il arrive même qu’ils en fassent profession. Ainsi de Laurence Bibot que l’on aura connue en Miss Bricola avec Les Snuls, puis en ses spectacles tel Bravo Martine où les clichés s’enchaînaient, l’intonation, le timbre de voix démasquant les stéréotypes, féminins cette fois.

Cette galerie de portraits se poursuivra en d’autres spectacles, Miss B ou Soeurs Emmanuelle, entre dérision et hommage, qui traduisent un humour ravageur et une faculté d’observation aiguë, avant Travestis, un documentaire qu’elle réalise sur l’univers des transformistes.
Depuis quelques années, au départ d’archives télévisées, Laurence Bibot a réalisé une série de petites capsules s’emparant d’archétypes féminins, shampouineuse, directrice d’école, nymphette, ménagère de plus de 50 ans, femme dépressive ou exaltée, mais aussi des personnages connus, Barbara, Juliette Gréco, Soeur Sourire ou plus récemment Amélie Nothomb dont la confection du chapeau haut aura nécessité des trésors d’imagination.
Il ne s’agit plus ici d’imitations mais de playbacks, Laurence Bibot reproduisant le mouvement des lèvres des interviewées dont elle a adopté le costume et les éléments du décor.
Livrées jusqu’ici aux réseaux sociaux, ces capsules seront pour la première fois présentées au Musée de la Photographie, qui avait accueilli de mai à septembre 2017 l’exposition En léger différé consacrée à la télévision belge, organisée par la Sonuma partenaire cette fois encore, Studio Madame en constituant le prolongement humoristique, une façon de recycler l’image télévisée.
Perruques, foulards, lunettes anachroniques, sur chemisiers fleuris ou tailleurs Chanel, seront au rendez-vous de ces parodies où l’on aura parfois quelque peine à reconnaître la comédienne.
À notre plus grand plaisir et sans doute le vôtre, voici Laurence Bibot, telle qu’en elles-mêmes.

« Si le cinéma s’est émancipé en ajoutant du son à l’image, Laurence Bibot s’amuse à faire le contraire. Dans sa série de vidéos, qui multiplie à l’infini son image tout en la déformant, elle incarne des voix et réalise l’un de ses fantasmes – être la femme aux mille visages. A l’exception des quelques personnalités publiques qu’elle a représentées dans sa galerie (Gina Lollobrigida, Marguerite Duras, Amélie Nothomb…), on ne sait pas à quoi ressemblent celles à qui elle emprunte la parole. L’effet est surprenant et touchant, au point d’envisager l’exercice comme un hommage aux anonymes qui, à leur corps défendant, participent à cette immense vitrine de personnages. En ajoutant un visage imaginaire à un son bien réel, Laurence Bibot procède par réalité augmentée et déploie un paysage insoupçonné là où on croit qu’il n’y a qu’une voix. »

Sébastien Ministru
Extrait du livre qui accompagne l’exposition.

Photo : Des Moines et des hommes, 1981 – Laurence Bibot 2018 ©Laurence Bibot/Sonuma

À la fin de l’année 2015, la photographe Diana Matar entreprend de rechercher aux USA les endroits où la police a tué des civils. Elle réalise des cartes détaillées dans son studio et compile des informations sur chaque cas mortel de violence policière survenu les deux années précédentes. Diana Matar consacre alors deux ans à sillonner les routes et photographier la plupart des 2 200 sites où ces meurtres ont eu lieu. « Je travaille dans une certaine histoire de la photographie qui revient aux lieux où les choses sont survenues, – un genre qui se concentre généralement sur des faits de guerre ou des injustices – je l’utilise cependant pour enregistrer le phénomène constant de la violence policière qui contamine l’Amérique. »
Travaillant en ce genre du paysage et de la photographie documentaire, My America est une paisible mais glaciale critique de l’Amérique contemporaine. En photographiant plus de 300 endroits où des officiers de police ont tué des citoyens américains, Diana Matar a instauré un langage photographique opportun autant que critique sur les brutalités policières, ses photographies mettent constamment l’accent sur le déclin de la structure sociale du pays.
Bien que ses photographies soient d’un style plutôt classique, elle n’utilise pourtant qu’un iPhone. Ainsi elle l’explique : « Nous ne saurions rien des meurtres policiers sans les smartphones. Les gens ont commencé à les utiliser pour documenter les injustices et les partager sur le web. J’ai pensé qu’il était important d’user de la même technologie en réalisant ces images immobiles. »
Ce n’est pas la première fois que Matar réalise une série importante relative aux lieux de violence. En son précédent travail, Evidence 2014, qui fut présenté à la Tate Modern, au Museum of Contemporary Photography de Chicago à l’Institut du Monde Arabe, et en six autres institutions internationales, Diana Matar a consacré quelques années à se concentrer sur les paysages et les immeubles d’enfermements extra-judiciaires, kidnappings et meurtres menés par le régime de Kadhafi en Lybie. En réponse à la disparition de son beau-père dans ces circonstances, Matar a documenté les espaces où ces violations ont été perpétrées contre une nation tout entière.
Le travail de Diana Matar en Amérique est profondément imprégné de cette recherche qui met en évidence les questions structurelles influençant le nombre important de meurtres par la police. Elle met l’accent sur l’histoire des injustices raciales, l’absence d’instruction et de préparation, et l’un des plus bas niveaux de police par habitant au monde. Mais Diana Matar entend livrer bien plus que des statistiques : « Pour moi, chaque image de My America représente non seulement un acte de violence mais aussi la perte d’un individu – un individu avec famille. C’est pourquoi je n’ai pas peur d’user d’une certaine beauté en ces descriptions, un concept qui tend à la controverse dans la représentation de la violence. »
Pour le Musée de la Photographie à Charleroi, Diana Matar a opéré une sélection de 99 photographies sur un ensemble de 300 images. L’échelle du projet témoigne de celle du problème, mais nécessite que l’on se remémore chaque personne ayant été tuée. Le titre de chaque photographie reprend seulement le nom, les dates de naissance et de décès, et la ville où la personne a été tuée. Les endroits que Matar photographie correspondent aux adresses qu’elle a obtenues par les rapports de police. Elle précise toutefois que ses images ne sont pas des scènes de crime.
Le niveau de mortalité par suite de violence policière en Amérique est unique parmi les pays développés. Matar s’interroge sur les raisons qui ont mené l’Amérique à ce point, chaque photographie, représentant une mort, à un moment déterminé.

Rencontres est une grande exposition rétrospective constituée de 90 photographies argentiques retraçant la carrière de Bernard Descamps. Ses travaux emblématiques sur l’Afrique, le Japon, l’Inde, les années 70 et ses paysages y seront exposés ainsi que sa dernière série, natura. 

Il serait légitime qu’un jour Bernard Descamps obtienne le statut de trésor national vivant, au Japon, en France, ou au pays des oies sauvages.

Fabien Ribery (extrait de l’article) Lire l’article ici

Les paysages de Descamps ne sont pas faits pour être reconnus tout de suite, ni consommés à la hâte. Leur effet vise la durée et déploie sa poésie par une esthétique photographique de l’absence. 

Maria Spiegel (*) extrait du texte accompagnant l’ouvrage natura – Informations sur l’ouvrage Natura ici

(*) Maria Spiegel est directrice de la fondation Situation Kunst, à Bochum, en Allemagne.

Willy Ronis, André Kertész, Robert Capa, Bruno Réquillart, Marcel Bovis, René Jacques, Fred Stein : autant d’artistes talentueux et internationalement reconnus qui, grâce à des partenariats prestigieux, ont pu être mis en lumière et présentés au public depuis 2009, d’abord au coeur du musée archéologique Eburomagus puis au sein de l’espace arts et cultures : les Essar[t]s !

Et 10 ans plus tard, la ville de Bram continue de tisser un lien intime avec les grands maîtres de la photographie “noir et blanc” en mettant en avant – du 01 février au 03 mai 2020, aux Essarts, espace arts et cultures – l’un des photographes français les plus célèbres du XXe siècle, dont les images sont entrées dans l’imaginaire collectif : Robert Doisneau.

L’appareil photo en bandoulière, ce témoin du quotidien à l’œil malicieux et à l’esprit poétique était toujours aux aguets de la surprise et de l’imprévu et savait saisir à la perfection la part d’ombre et de lumière dans chaque instant.

Surtout connu pour ses clichés d’un Paris pittoresque, saisissant l’image agréable et l’anecdote inattendue, comme le célèbre “Baiser de l’Hôtel de Ville”, Robert Doisneau a aussi consacré une grande partie de son œuvre à la condition sociale, au monde ouvrier et à la culture populaire.

Un milieu qu’il connaît bien pour avoir été photographe industriel aux usines Renault de Billancourt, de 1934 à 1939, avant d’être licencié pour retards abusifs. Plus tard, Doisneau fut plusieurs fois introduit secrètement par les militants syndicaux dans les usines et dans les mines pour photographier le quotidien des ouvriers puis fit la part belle au monde agricole qu’il eut l’occasion d’arpenter pendant les années 50 et 60.

Loin de l’image parfois réductrice d’un Doisneau qualifié de “chantre des faubourgs, du milieu mondain et du Paris de carte postale”, cette exposition inédite réunissant plus de 100 tirages révèle donc – à travers une sélection de clichés populaires et d’images moins célèbres mais tout aussi saisissantes – toute la complexité de son art et présente le jeu subtil, mêlant artifice et saisie sur le vif, d’un artiste iconique, dont le regard empathique réinventa le monde.

« Comme tous les familiers de la rue, Doisneau a su fixer cette gravité rayonnante qui isole un être humain de la foule, ces moments de grâce qui rassemblent des passants dans “l’illusion d’un instant” comme dans une géométrie de rêve ». Jean-François Chevrier

L’exposition est ouverte au public du 01 février et 03 mai 2020.

Du mercredi au dimanche, de 14h à 18h
Aux Essarts, espace arts et cultures de Bram
Parc des Essars, Avenue Georges Clémenceau, 11150 Bram
Tel : 0468244066 | E-mail : culture@villedebram.Fr
Entrée gratuite pour les bramais | 4€ pour les extérieurs

Julien Mignot expose à l’Hôtel Fontfreyde – centre photographique de Clermont-Ferrand du mercredi 5 février au samedi 16 mai 2020. Cette exposition s’ouvrira pendant le festival international du court métrage de Clermont-Ferrand où Julien est membre du jury Labo.
Le vernissage aura lieu le mardi 4 février 2020 à 18h30.
L’exposition sera ouverte au public le mercredi 5 février à 14h.

Julien Mignot est né en Auvergne, à Beaumont, en 1981. Après un master de géographie à l’Université Blaise Pascal, il s’installe à Paris pour travailler au plus près de la presse et des maisons de disques en tant que photographe.
Il commence par le reportage pour Libération, Le Monde, Elle ou Télérama puis s’internationalise en même temps qu’il se tourne de plus en plus vers le portrait en travaillant pour le New York Times ou Vanity Fair.
Il met également son regard au service des maisons de disques et signe la couverture de nombreux albums, tout en veillant à conserver un éclectisme précieux, du classique de Claudio Abbado à la pop de Jeanne Added en passant par Izia, le quatuor Ebène ou Kiddi Smile. Il existe peu de photographes capables de répondre aux exigences diverses de Chanel, Hermès, Sony, Dom Perignon, Boucheron, Louis Vuitton, ou de collaborer avec Xavier Dolan, la Philharmonie ou l’Opéra de Paris.
Il poursuit cette carrière entre la musique et les journaux tout en laissant libre cours à ses projets personnels. Il créait le Studio J’Adore ce que vous Faites !
en 2013 pour se doter d’un outil de production et d’un lieu adapté à un univers de plus en plus enclin à utiliser la lumière artificielle et les images fabriquées. Il continue cependant d’oeuvrer pour les grandes marques et les institutions reconnues tout en poursuivant son travail personnel. Il intègre la galerie Intervalle en 2016 avec les projets 96 Months, puis Screenlove et enfin Airlines.
En 2020, alors qu’il est invité à intégrer le jury Labo du festival du court métrage de Clermont-Ferrand, la Ville lui lance une invitation pour exposer à l’Hôtel Fonfreyde – centre photographique.
Au même moment, la Coopérative de Mai, institution clermontoise de la musique actuelle, célèbre ses 20 ans en confiant à Julien et Jean-Daniel Beauvallet, fondateur des Inrockuptibles, une carte blanche pour produire un livre anniversaire.
A cette occasion, il suit pendant six mois une dizaine de jeunes musiciens pour parler de cette génération en devenir dont il faisait partie en quittant Clermont.
Cette exposition rassemble un échantillon de ses travaux depuis ses portraits cinématographiques jusqu’aux cieux de Airlines en passant par la série documentaire 20 YO. Il invite le spectateur à se plonger dans ces histoires particulières qui racontent sa trajectoire singulière.

L’exposition Mondo DERNIER CRI envahit les plateaux du MIAM (Musée International des Arts Modestes) du 8 février au 20 septembre 2020 avec une rétrospective sur 26 ans d’édition du Dernier Cri (plus de 400 livres, 200 estampes en sérigraphies, 5 films d’animations…), le tout augmenté d’un panorama subjectif sur certains acteurs internationaux (ateliers, artistes) croisés par Le Dernier Cri durant toute son aventure éditoriale et sérigraphique .

La technique de la sérigraphie, plat principal de l’exposition, permet la reproduction d’images via la superposition successive de couches de couleurs sur une feuille à l’aide d’écrans de soie et de films exposés à la lumière. Elle laisse libre court à des œuvres à la fois spontanées et sérielles, conservant une qualité artisanale avec une force primordiale donnée au travail de la couleur.

En sollicitant des artistes de tous les pays, l’exposition défend la propagation d’ouvrages artisanaux à contenu graphique : l’image y a une place prépondérante, réalisée de a à z, de manière souvent collégiale. D’autre part, ces « undergraphistes » sont généralement en marge du marché de l’art et de la grande distribution éditoriale.

A travers ces procédés de reproduction les personnalités se rencontrent par le biais de festivals et autres lieux d’échange.

Commissaire : Pakito Bolino – Co-créateur de l’association Le Dernier Cri.

Le Dernier Cri
Basé depuis 1995 à la Friche de la Belle de Mai, Le Dernier Cri est un collectif d’auteurs né du mouvement « undergraphique » (édition graphique alternative autoproduite/ mouvement international).

Le Dernier Cri s’attache depuis 25 ans à promouvoir les travaux d’auteurs évoluant à la fois en marge de l’industrie du livre, de l’art contemporain, et à la frontière de l’art brut et de l’art singulier. Tout en étant solidement ancré dans ce qui constitue sa singularité éditoriale (édition d’art artisanale, réalisée en sérigraphie, expertise dans la gestion expérimentale de la couleur), le catalogue du Dernier Cri s’ouvre à des modes narratifs toujours renouvelés et novateurs.

Ce mélange des styles fait du Dernier Cri le véritable laboratoire d’une édition inventive, toujours grinçante et singulière, en prise avec les préoccupations sociétales (hybridation des cultures internationales, mutation de la culture de masse, omniprésence des images).

Heures d’ouvertures
– du 1er octobre au 31 mars : du mardi au dimanche de 09h30 à 12h00 et de 14h00 à 18h00.
– du 1er avril au 30 septembre : tous les jours de 09h30 à 19h00
Visites guidées du lundi au vendredi à 14h30 et 16h
Fermetures annuelles : 1er mai, 1er novembre, 25 décembre et 1er janvier

Tarifs
– Adultes : 5,60 euros
– Groupes de plus de 10 personnes : 3, 60 euros
– Etudiants, 10-18 ans : 2,60 euros

Gratuit pour les moins de 10 ans, demandeurs d’emploi, groupes scolaires sétois, et le premier dimanche du mois

La photographie argentique fait preuve de résilience. De plus en plus de photographes s’y intéressent à nouveau ou la découvrent. Jean-Claude Péclet la pratique depuis toujours. Le journaliste vaudois, ex-rédacteur en chef de l’Hebdo, lauréat d’un prix Jean Dumur en 2007, se consacre désormais pleinement à sa passion. Avec un vénérable Rolleiflex de 1938 chargé de pellicules noir et blanc, il prend le portrait de jeunes gens animés de passions et du sens du collectif. Des jeunesses paysannes, des activistes du climat, des sportifs urbains ou olympiques, des mordus de jeux vidéo. Cette génération Z est souvent interloquée par l’appareil du baby boomer, un étrange boîtier qui se tient sur le ventre, tête baissée vers la visée. La quarantaine de portraits de l’exposition est complétée par une histoire du Rolleiflex, dont la société-mère – Rollei – a été fondée il y a un siècle en Allemagne.

La reconstruction d’après-guerre, l’essor de la photographie publicitaire, les Trente Glorieuses, la « libération » sexuelle des années 1960 : lorsque Jean-François Bauret débute sa carrière à la fin des années 1950, tout est possible pour un jeune photographe autodidacte, enthousiaste, séducteur et très bien entouré. Fer de lance de la photographie publicitaire naissante, suractif, Jean-François Bauret incarne à sa manière un demi-siècle de la courte histoire de la photographie.

Alors que le médium était en pleine transformation, Jean-François Bauret a touché à presque tous les genres de photographies, a beaucoup exposé, organisé de nombreux stages et constamment participé à accroitre la visibilité du médium. Surtout, il a su conjuguer pratique professionnelle et ambitions artistiques. Plus de 400 000 phototypes attestent de sa suractivité. Il est évident que Jean-François Bauret a marqué son époque.

Cette exposition monographique propose une sélection de plus de 400 œuvres, retraçant la carrière de l’auteur.

Le musée de la Vie romantique présente une sélection inattendue de 40 œuvres de trente artistes contemporains autour de la représentation du cœur comme expression du sentiment amoureux, en écho à l’une des thématiques phares du romantisme.
Cette exposition souhaite ouvrir la programmation du musée au-delà du XIXe siècle en explorant les prolongements du romantisme dans l’art contemporain, en résonance avec ses collections. À la manière des écrivains et peintres romantiques qui inscrivaient les passions au cœur de leur création, l’exposition invite à une découverte esthétique du cœur et de sa représentation.
Le cœur en tant qu’organe, motif et symbole est présenté ici à travers différentes techniques : peinture, dessin, sculpture, céramique, néon et photographie. Certains artistes évoquent leurs sentiments et leurs tourments intérieurs en harmonie avec le romantisme du XIXe siècle. D’autres reprennent le motif en tant que forme esthétique et invitent à des pensées humanistes en ouvrant des horizons de sensibilité vers le rêve, l’idéal et le sublime. Outre les gures emblématiques de Niki de Saint Phalle,
Jim Dine, Annette Messager, Sophie Calle, Pierre et Gilles, Jean-Michel Othoniel et Françoise Pétrovitch, le visiteur pourra découvrir dans cette présentation une vingtaine d’autres artistes.
Le parcours se décline en sept sections autour d’un récit sur l’amour et se poursuit dans l’ensemble du musée et du jardin, invitant le visiteur à revoir de façon sensible et poétique les collections permanentes. Le principe de la déambulation permet de faire ressentir au public les multiples nuances du sentiment amoureux en évoquant les grands thèmes de la séduction, du coup de foudre, de la déclaration d’amour, de l’érotisme, de la rupture, du deuil et de l’amour éternel. Des miniatures, dessins et objets précieux, aux côtés de formats plus spectaculaires, mêlant une approche naturaliste à une vision idéaliste, illustrent ce motif populaire, son sens symbolique et ses appropriations esthétiques dans l’art d’aujourd’hui.
Cette exposition ouvrira pour la Saint-Valentin, lors d’une journée exceptionnelle gratuite destinée à tous les amoureux de l’art, de la musique et de la poésie. Une riche programmation culturelle, des animations et des dispositifs de médiation comme un photomaton, un parcours de visite pour les enfants, un mur à messages d’amour, une carte du cœur ainsi que des visites guidées et des ateliers, feront battre le cœur du public au musée de la Vie romantique.

COMMISSARIAT
Gaëlle Rio, directrice, musée de la Vie romantique
Maribel Nadal Jové, curatrice invitée

ARTISTES PRÉSENTÉS
Martine Aballéa, Pilar Albarracín, John M. Armleder, Gilles Barbier, Ronda Bautista, Sophie Calle, Hsia-Fei Chang, Delphine Coindet, Jim Dine, Jacques Halbert, Oda Jaune, Ouka Leele, Philippe Mayaux, Annette Messager, Marc Molk, Mrzyk & Moriceau, Claude Nori, Vincent Olinet, Jorge Orta, Jean-Michel Othoniel, Javier Perez, Françoise Pétrovitch, Pierre et Gilles, Sarah Pucci, Agatha Ruiz de la Prada, Niki de Saint Phalle, Ida Tursic et Wilfried Mille, Luise Unger, Winshluss.

photo : Pierre et Gilles, 40 ans – Autoportrait, 2016. Photographie imprimée par jet d’encre sur toile et peinte, 123,5 x 102 cm. Pièce unique.

Le voyage est souvent à l’origine du travail photographique de Jacques Borgetto. Tout en s’appuyant sur les genres classiques du portrait et du paysage, il pose un regard nouveau sur des contrées et des civilisations méconnues et il arrive à en livrer une vision intime. Ainsi au Tibet, dont Borgetto montre la sérénité, le quotidien et le spirituel, les traditions persistantes et la modernité approchante, mais où l’immensité du ciel, si présente dans ses images, semble évoquer la question du territoire nié, telle une forme de résistance céleste.
Depuis 2007, il a parcouru le Tibet de nombreuses fois, au printemps, en hiver et à l’automne, à l’occasion de sept voyages d’une durée de cinq à six semaines, pendant lesquels il partageait le quotidien des nomades des hauts plateaux et des moines. Si ces voyages ont toujours été pour lui une expérience spirituelle, ils lui ont permis également de découvrir un peuple exceptionnel, aujourd’hui menacé dans son identité.

Rencontre avec le photographe Jacques Borgetto le samedi 15 février à 14h30

Studio du portraitiste néerlandais Koos Breukel, Amsterdam. À l’intérieur, un mur sur lequel se pressent les uns contre les autres sans hiérarchie de taille ni de support, sans chronologie, une petite foule de tirages. Le regard s’y promène, passe d’une photographie en pied et en couleur du couple royal à un nu allongé de femme en noir et blanc, remonte vers un buste du photographe Robert Frank, et puis là, dans le coin, retrouve un visage déjà croisé plusieurs fois sur ce mur, à divers endroits et âges, son fils peut-être.

Les visages connus saisissent, les inconnus tout autant. Nu ou vêtu, l’individu est photographié dans son « simple appareil », dans le studio, sans accessoire, sur un fond monochrome empruntant parfois à la palette de la tradition classique, plus ponctuellement dans un extérieur, où rien n’aura été arrangé pour la flatterie. Les êtres tels qu’ils apparaissent, leur mystère sur le visage, face au photographe.

L’exposition Fils dévoile un opus mené au long cours par Koos Breukel (1962) et consacré à Casper, son fils, de sa naissance en 2000 à ses dix-huit ans. Mêlant différents registres de photographies, de l’instantané qui rappelle l’album de famille au portrait posé, de la planche contact au tirage monumental, l’exposition montre autant le cheminement d’un photographe que celui d’un père, observant par l’image l’altérité irréductible qui se joue devant lui. Avec Fils, l’homme continue de scruter avec acuité et sans complaisance ce qui l’occupe depuis qu’il est photographe : les cycles de la vie et son corollaire, le passage du temps.

L’exposition a été permise grâce au studio Koos Breukel, au musée de la photographie Huis Marseille, Amsterdam et au soutien du Fonds Mondriaan.

Photo : © Koos Breukel, Casper, Amsterdam, 2015.

Sebastião SALGADO, photographe franco-brésilien et humaniste, se consacre depuis 40 ans à l’environnement et à la démographie. La Sucrière à Lyon accueille, du 20 février au 10 mai 2020, « GENESIS » l’exposition événement du photographe, une véritable invitation au voyage et à la réflexion sur notre planète et sur la manière dont nous la traitons.
Durant 8 ans, le photographe est parti à la (re)découverte de la nature, des montagnes, déserts, océans, animaux et peuples qui ont jusqu’ici échappé à l’empreinte de la société moderne. Sensible aux conditions humaines de certaines populations et aux changements de la biodiversité, SALGADO imagine « GENESIS ». Découpée en cinq chapitres géographiques, l’exposition est une rétrospective de 245 photographies en noir et blanc. Du Sud de la Planète, aux Sanctuaires naturels, en passant par l’Afrique, aux Terres du Nord et plongeant en Amazonie et au Pantanal, Sebastião SALGADO rend hommage à notre planète.
En 1998, il fonde avec son épouse et partenaire, Lélia Wanick Salgado, l’ONG Instituto Terra, dans le but de lutter contre la déforestation et la disparition de la faune et la flore et ainsi contribuer à la restauration de notre belle planète. Depuis 20 ans, la fondation a planté 2,7 millions d’arbres dans le Minas Gérais, au Brésil. Pour la première fois dans cette exposition, un espace entier est dédié à l’Instituto Terra afin de présenter ses objectifs et ses actions au public !

« Photographier la nuit implique l’usage de la pause longue, et l’une des particularités de la pause longue c’est d’ajouter du temps à la mesure de la lumière. » Marie Bovo

C’est bien souvent à la tombée du jour que Marie Bovo est tentée de retenir le temps. Non seulement à cause de la pause très longue que la technique photographique choisie lui impose – grand format, argentique, lumière naturelle – mais aussi pour voir lentement se dérouler ce passage des heures en des espaces intermédiaires dépeuplés mais habités. L’exposition Nocturnes à la Fondation HCB présente une sélection inédite d’images prises par Marie Bovo entre chien et loup, à Marseille et en Afrique.

Cette approche du temps, illustrée aussi bien par la photographie que par le film, est fondée sur l’observation tranquille et concernée, la politesse du regard, l’appropriation d’un dedans imaginaire par le dehors. Marie Bovo passe ainsi avec bonheur de la photographie à l’image en mouvement et ses images, présentées systématiquement en série pour insister sur le passage du temps, se situent à la limite du cinéma. La qualité visuelle et la plastique très contrôlée de ses œuvres ne laissent pas soupçonner de prime abord l’esprit quasi humaniste qui les sous-tend.

La frontière de l’intime sans invasion, les habitants, la nuit, sont choses communes chez Marie Bovo qui entend par là résister à l’agression de l’objectif chasseur et se couler en rythme dans le flux de la vie, en toute discrétion.

L’exposition à la Fondation HCB présente 35 tirages de grand format de 5 séries différentes ainsi que 2 films.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique
L’exposition est réalisée en collaboration avec la galerie kamel mennour et accompagnée de la publication d’un ouvrage.

Biographie
Née en 1967 à Alicante en Espagne, Marie Bovo vit et travaille à Marseille. Elle est représentée par la galerie kamel mennour à Paris. Marie Bovo fut nominée aux Infinity Awards par l’International Center of Photography à New York en 2016.

Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles en France, notamment aux Rencontres d’Arles, à la galerie kamel mennour à Paris, à la Maison Européenne de la Photographie, au FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur à Marseille et à la Fondation Fernet-Branca à Saint-Louis. Des expositions lui ont également été consacrées à l’étranger – à l’OSL Contemporary Gallery en Norvège, au California Museum of Photography et au Moscow Museum of Modern Art. Ces expositions ont donné lieu à plusieurs ouvrages.

Ses œuvres ont également été présentées lors d’expositions collectives, notamment à la Biennale de Venise en 2011, la Busan Biennale en Corée du Sud en 2012, la Biennale d’Art Contemporain de Thessalonique en 2013 et la Triennale de Milan en 2014. Récemment, elle a participé la 29ème édition du Roesler Hotel à Sao Paulo en 2019.

Photo : Alger 22h05, le 9 novembre 2013 © Marie Bovo, Courtesy the artist and kamel mennour, Paris/London

« Le portrait, c’est toujours une nouvelle rencontre. Avant la prise de vue, j’ai le trac, puis peu à peu les langues se délient. Ce que je cherche à capter c’est la lumière dans l’œil, les gestes, un moment d’écoute ou de concentration – lorsque précisément le modèle ne parle pas. » Martine Franck

La Fondation HCB consacre une exposition aux portraits de Martine Franck (1938-2012) dans la galerie dédiée à ses Collections.

Pour celle qui croyait par-dessus tout à la bienveillance, le portrait se caractérise surtout par un regard direct, l’empathie pour la personne ainsi qu’une admiration sincère. Rien n’est plus étranger à Martine Franck que l’artifice de la pose. Son « regard amical », ainsi qualifié par Robert Doisneau, a su se poser sans détours sur nombre de ses semblables.

Photographe engagée, elle souhaite voir la réalité en face, celle de l’âge, celle des exclus, celle des artistes, et mettre en lumière un moment d’échange subtil : les portraits de Martine Franck lui ressemblent. Ces quelques « face à face » s’inscrivent sobrement dans le temps et distillent la plastique discrète d’un regard attentif et pénétrant.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique

Biographie
Martine Franck naît en 1938 à Anvers. Elle découvre la photographie en 1963, au cours d’un voyage en Orient avec Ariane Mnouchkine. Elle épouse Henri Cartier-Bresson en 1970 et intègre la même année l’agence Vu. Elle co-fonde l’agence Viva en 1972 puis intègre Magnum Photos huit ans plus tard. En 2003, elle créé la Fondation HCB avec son mari et leur fille Mélanie. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective présentée du 6 novembre 2018 au 10 février 2019 à la Fondation HCB, coproduite avec le Musée de l’Élysée à Lausanne et présentée au FotoMuseum à Anvers du 30 octobre 2020 au 7 mars 2021.

Le concours de portfolios, organisé chaque année depuis 2010 par l’association Helio, est devenu un rendez-vous incontournable pour les photographes amateurs ou confirmés, débutants ou expérimentés, venus de la France entière et des pays limitrophes. De nombreux lauréats des années précédentes ont d’ailleurs effectué depuis un remarquable chemin artistique et professionnel. La présentation des travaux au jury composé de spécialistes de la photographie est, à chaque édition, un moment d’échange et de rencontre enrichissant.

La 10e édition du concours a eu lieu en novembre 2019 à la maison Folie hospice d’Havré de Tourcoing lors des 15e Rencontres du Livre et de la Photographie. Le jury a distingué trois lauréats : Alexandre Vigot, Mélanie Lemay et Anouk Desury. Helio leur consacre maintenant une exposition, offrant ainsi aux visiteurs trois regards très personnels sur le monde, trois sujets différents, traités chacun selon le style propre à leur auteur.

Pleine de toutes sortes d’industries lourdes allant de la construction navale à la chimie, Ulsan est un terrain de travail photographique pour Jo Choonman. Chaque jour, il s’aventure dans tous les aspects de cette gigantesque ville industrielle pour prendre des photos de la beauté de l’industrie. Éduqué en photographie très tard dans sa carrière, il a développé lui-même son propre sens de la photographie. Pourtant, ses photographies des scènes industrielles d’Ulsan sont bien plus belles que celles d’autres photographes.

En effet, Jo Choonman est le seul photographe industriel en Corée.
Aucun autre photographe n’a trouvé la beauté de l’industrie en Corée. “Une beauté” nourrie à partir de son expérience d’ouvrier/technicien sur divers sites industriels. Bien que plusieurs photographes aient travaillé sur l’industrie, ils ne l’ont pas fait par amour pour la scène industrielle. Seul Choonman a trouvé de la beauté dans l’industrie.
En outre, il a développé son propre sens de la photographie à partir d’une expérience de travail sur diverses scènes industrielles. Son travail couvre tous les domaines de l’industrie lourde en Corée. Ses yeux vifs capturent tous les détails de l’industrie que même les ingénieurs travaillant sur les scènes ont tendance à rater ou à ignorer.

En capturant ces scènes, Choonman Jo ajoute une autre couche à la signification de l’industrie. Jusqu’à présent, l’industrie lourde coréenne n’était connue que comme un moyen de gagner sa vie dans le processus de modernisation. Choonman Jo découvre la beauté de l’industrie lourde et la place à un niveau culturel. Ainsi, dans ses photographies, l’industrie lourde n’est pas seulement une affaire d’acier et de béton, mais aussi de savoir comment construire une culture de l’ingénierie. La Corée est connue pour être le pays qui produit des automobiles, des gros navires et des téléphones portables. Avec les photographies de Choonman Jo, aussi brillantes que les produits industriels, la Corée est désormais dotée de la culture de l’industrie.

Attention pour le moment nos horaires d’ouverture sont aménagés :
Entrée libre du mercredi au samedi de 14h à 18h 

Dès le 7 mars 2020, le MAC VAL entame sa nouvelle saison artistique avec la première exposition monographique muséale en France de deux jeunes artistes engagés, David Brognon et Stéphanie Rollin. Ce duo, actif depuis 2006 et déjà intégré dans la collection du MAC VAL, plonge avec autant de ferveur dans la théorie de l’art que dans l’adhésion au monde des humains. Au travers de leurs multiples projets révélant une distance poétique, les deux artistes condensent, dans une esthétique qui s’inscrit dans l’histoire de l’art minimal (entre autres), des narrations enchevêtrées. Sous l’intitulé « L’avant-dernière version de la réalité» (emprunté à Borgès), cette monographie réunit de nouvelles productions et des œuvres existantes autour d’une réflexion sur le temps, sa perception, sa relativité, son déroulement, ses liens à l’espace…. L’enfermement (les addictions, les prisons, les îles, les territoires occupés, etc.) constitue également l’un des fils rouges de l’exposition, portée par un questionnement aussi simple que vertigineux : « Le réel est-il soluble dans sa représentation ? »

Les deux artistes, qui se plaisent au décloisonnement des idées comme des moyens, adaptent le medium en fonction des projets ; ceux-ci évoluant au fur et à mesure des rencontres, des contraintes, du temps, des événements politiques. Leur travail est polymorphe – installations, sculptures, vidéos, séries photographiques – et les œuvres présentées dans l’exposition« L’avant­ dernière version de la réalité » au MAC VAL proposent une plongée dans leur univers singulier à l’esthétique minimale qui cristallise avec justesse et distance leur perception du temps et de l’espace.

Art Explora et l’Académie des beaux-arts lancent un Prix européen pour favoriser le partage des arts et de la culture avec chacun.

De nombreuses initiatives existent pour favoriser la diffusion des arts et de la culture auprès de tous les publics. Ce sont à ces pratiques innovantes qu’Art Explora souhaite donner un véritable coup d’accélérateur.

Dotée de 150 000 €, cette première édition 2020 du Prix européen Art Explora – Académie des beaux-arts récompensera 3 lauréats :

• Catégorie Or : 80 000 €
• Catégorie Argent : 50 000 €
• Catégorie Bronze : 20 000 €

Afin de donner de la visibilité à tous et de favoriser l’échange autour de bonnes pratiques, Art Explora proposera par ailleurs à tous les candidats de faire apparaître leur projet sur son site internet à l’issue des résultats.

#PrixArtExplora

Pour qui ?
Le Prix s’adresse à toutes les institutions culturelles européennes, publiques ou privées, quelle que soit leur taille.

Pour quoi ?
Le Prix européen Art Explora – Académie des beaux-arts viendra distinguer et amplifier des actions volontaristes, innovantes et particulièrement remarquables menées par des institutions en direction des publics. Toutes les actions spécifiques ou les démarches globales seront les bienvenues : innovations numériques, actions hors les murs, inclusion des personnes en situation de handicap, lutte contre l’exclusion culturelle, nouvelles médiations, éveil culturel pour les plus jeunes, programmes pour des publics exclus ou empêchés…

Sont éligibles les initiatives existantes appelées à être renouvelées ou amplifiées, mais aussi les nouveaux projets qu’un financement permettrait de lancer.

Une attention particulière sera portée aux projets faisant appel au numérique et maîtrisant leur impact environnemental.

Le calendrier
Ouverture des candidatures : 9 mars 2020
Date de clôture des candidatures : 25 septembre 2020 à minuit
Remise des Prix à l’Institut de France : automne 2020

Le jury
L’ensemble des dossiers sera examiné par un comité de pré-sélection, qui soumettra les dossiers retenus au jury du Prix.
Le jury du Prix sera composé de 12 personnalités, pour moitié désignées par Art Explora, pour moitié membres de l’Académie des beaux-arts.
Il désignera les 3 lauréats après étude des dossiers et attribuera également un prix spécial du Jury, ainsi qu’une médaille de la Fondation, à une personnalité s’étant particulièrement illustrée pour son engagement en faveur de la découverte des arts et de la culture par le plus grand nombre.

> CANDIDAT

Chaque année, le Carré d’Art met en oeuvre une résidence de photographe sur son territoire, qui s’achève lors d’une exposition des images réalisées.
En 2017-2018, la photographe Julie Hascoët a évoqué des thématiques qui lui tenaient à coeur : une recherche autour du territoire, de la cartographie et du nomadisme en tentant de trouver des correspondances visuelles entre la ville de Chartres de Bretagne et ses villes jumelées. Cette série, Géographies jumelles, a fait l’objet d’une exposition au Carré d’Art et d’un livre, Twins, publié chez Poursuite Editions.
En 2018-2019, c’est le duo de photographes nantais Jérôme Blin et Gaëtan Chevrier qui ont fait un portrait de la ville, par le prisme de l’histoire industrielle fortement liée à l’implantation de l’usine Citroën – PSA sur son territoire en 1960. La série La Janais a fait l’objet d’une exposition et d’un livre, publié aux Editions Sur la Crête.
En 2019-2020, le Carré d’Art a choisi le photographe Pierre Faure pour réaliser un travail de création.

La résidence
Pour Pierre Faure, être en résidence à Chartres de Bretagne, c’est se concentrer sur des lieux et des personnes rencontrées dans les limites de son territoire.
Ainsi, il photographie, sous la forme d’une errance, la ville, en s’attachant à des détails prélevés dans les paysages urbains, ces paysages dans lesquels les habitants peuvent reconnaitre -ou non- leur ville.
Dans le cadre de cette résidence, Pierre Faure a également très vite choisi de s’intéresser aux adolescents de Chartres de Bretagne, tournés vers un avenir qui se situe au-delà de la commune, insistant sur leur perception de leur territoire, intime et/ou collectif. Le plus souvent réalisés en extérieur, ces visages

Slab City, ancienne base militaire de la seconde guerre mondiale, démantelé en 1956 puis occupée par des soldats installés à sa fermeture est un endroit emblématique d’une certaine Amérique. Laura Henno s’y est rendue plusieurs fois réalisant de nombreuses photographies et un film, tous deux d’une grande sensibilité intemporelle. Son projet qui croise la sociologie, ne se limite pourtant pas à ce champ, que goûtait dans l’entre-deux guerres son ainée américaine Dorothea Lange, ni à celui d’un constat anthropologique sur des marginaux.

Il s’articule et se centre autour d’une vision plus intimiste et poétique qui relate les faits et gestes d’une famille : Mary Ann, Ethan et Jack Jack devenant les héros de sa saga, aux côtés des autres résidents, le Pasteur Dave, Benjamin, Julie, Michael, Connie et les chiens Chronos et Zéro ; personnages qui déclenchent aussitôt notre sympathie. Portraits individuels faits à la chambre, qui constituent dans le même temps, un portrait général de cette communauté dans ce territoire délimité, par les mobil home, quelques arbres solitaires, flanqués d’objets insolites et horizon brulé dans les lointaines chaines de montagne, vision globale et indivisible qui recèle une puissance photographique rare, et un sentiment de familiarité bizarrement rassurante pour le spectateur de ces images magnifiques dans leur simplicité touchante, exempte de toute sentimentalisme ou pathos misérabiliste.

© Annie reading at church, Outremonde (USA), Laura Henno, 2018

Dans ses images, Eric Bourret exprime les transformations sensorielles et physiques profondes que provoque la marche. En désintégrant la structure de l’image initiale, il crée une autre réalité, mouvante et sensible.

Les photographies d’Eric Bourret font un écho troublant aux collections géologiques et archéologiques du Musée de Lodève : elles rappellent à la fois les strates successives laissées par le temps et l’éphémère temporalité de l’homme.
Dans l’exposition Terres, les créations, réalisées dans le cadre d’une résidence en Lodévois et Larzac en 2018 et 2019, dialoguent avec des photographies plus anciennes (Cradle of Humankind, Afrique du Sud, 2015 ; Primary Forest, îles Canaries et Madère, 2016).
L’artiste investit le sol et les murs du musée avec plus de 150 photographies.
Pour accompagner l’exposition, Laurie Bellanca et Benjamin Chaval, connus pour leurs « Lectures électriques », ont réalisé une création sonore et visuelle à partir de textes choisis par Éric Bourret.

La démarche photographique de Thomas Balaÿ a débuté aux Etats-Unis et plus particulièrement au Marie Selby Botanical Garden alors qu’il préparait une exposition itinérante sur les plantes en voie d’extinction. Ce photographe diplômé d’agronomie tropicale qui a voyagé dans le monde entier est à l’initiative d’ouvrages botaniques dont le dessein est de révéler la diversité et la beauté du monde végétal qui nous entoure.

Dans chacun de ses ouvrages, Thomas Balaÿ oscille entre témoignage scientifique, documentaire et recherche artistique. Son approche des « Orchidées » paru en 2015 aux éditions Ulmer tout comme sa série « Succulentes, le design végétal » édité en 2017 chez le même éditeur offre en un dialogue intime, un éclairage subtil du monde végétal sur lequel il s’attarde, celle de l’image d’une nature transfigurée.

Issue de diverses collections publics et privés, la plante est revisitée en une stylisation sculpturale propre à retrouver l’essence même du « vivant organique ». Des Orchidées, Thomas Balaÿ retranscrit l’infinie délicatesse, la diversité inégalée de ses formes et couleurs, la pureté auréolée du mystère de ces plantes à fleurs fascinantes. Une famille à part dans le règne végétal aux comportements unique tant dans leur ingéniosité que dans leur stratégie de reproduction. A la fragilité apparente des Orchidées répond ici les Succulentes, ces plantes dites « grasses », « gorgées de sucs » aux formes multiples et charnues, aux familles diverses et dont l’évolution provient de leur capacité de résistance à la sécheresse des déserts.

Avec le choix d’une prise de vue rapprochée sur fond neutre et noir, Thomas Balaÿ fait ressortir les formes et les volumes structurels, architecturels de la plante. Cette mise en scène met en évidence la beauté du graphisme végétal, son design intrinsèque pour en déceler ses lignes, ses épaisseurs pour toucher sa matière et sentir sa splendeur. Le monde végétal est ainsi transporté avec Thomas Balaÿ en des formes artistiques sobres, simples à la netteté des lignes et aux formes proches des créations de design ou de la joaillerie.

De ce face à face entre l’œil du photographe et la plante jaillit une galerie de portraits aux sonorités humanisées, à l’interaction complice entre l’homme et la nature sauvage. En célébrant leurs élégances, leurs couleurs, en nous guidant à les regarder autrement, telles des icônes dont le raffinement et l’éclat nous éblouit, c’est aussi un hommage au règne végétal que l’artiste nous suggère.

Le photographe nous livre la somptuosité et l’élégance de ces plantes créés par la nature et ses millions d’années d’évolutions. Il nous les élève au rang d’œuvres d’art, au statut d’icônes du règne végétal. Inscrit dans une tradition artistique illustre (en témoignent les expérimentations du photographe de la Nouvelle Objectivité allemande, Karl Blossfeldt et celles de la peintre moderniste américaine Georgia O’Keeffe), Thomas Balaÿ renouvelle ce riche patrimoine en offrant une image contemporaine et délicate de notre nature fragile.

Le travail d’Armelle Sèvre s’attache à questionner le lien entre les mediums cinématographiques et photographiques ou comment faire discuter ces deux statuts d’images sans les opposer.
Installée depuis deux ans à Arles, elle découvre le territoire camarguais qui s’est tout de suite imposé à elle comme un possible lieu de scène de western. Elle s’aperçoit alors que les premiers westerns français ont été réalisés ici en 1920 par Joë Hamman et qu’en 1963 Noel Howard y tournera D’où viens-tu Johnny. Estelle Rouquette et Sam Stourdzé y ont consacré une exposition, Western Camarguais, en tant que commissaires en 2016 lors des Rencontres Internationales de la Photographie.
La camargue évoque dans l’imaginaire collectif cette esthétique si particulière du western par ses paysages, ses lumières, ses personnages.
Naît alors la série Nouveaux Westerns qui tente d’apprégender ce genre cinématographique, aux codes et aux images très fortes qui existent à l’intérieur de chacun de nous.
Armelle Sèvre parcourt la camargue seule et se heurte à ses limites, la présence de l’eau partout, les manades et les taureaux qui bloquent son exploration. Afin de photographier ce paysage de l’intérieur, à cheval, elle rejoint la manade Jacques Bon et ses gardians pendant plusieurs jours et arpente les paysages au milieu des taureaux à la recherche d’un nouveau mythe du western.
Nouveaux Westerns est une expérience à la fois sensible et fictionnée du territoire pour mieux l’appréhender.
Cette série à été développée en partenariat avec la Maison Close dans le cadre de la résidence des Hôtes d’or et avec le soutient de l’atelier SHL.

Expression(s) décoloniale(s) au Château des ducs de Bretagne résonne avec l’engagement que la ville de Nantes a pris de faire face à son histoire.

Cette seconde saison propose aux visiteurs de confronter des approches historiques actuelles sur la Traite négrière, et de faire dialoguer des regards européens et africains sur cette histoire commune. La question de l’ancrage territorial dans le regard et le mode d’approche d’une même histoire est au centre de l’interrogation de la manifestation. Elle propose aux visiteurs de remettre en question leur point de vue, en découvrant d’autres discours historiques et sensibles, et de se laisser surprendre, dans un dialogue ininterrompu entre passé et présent.

L’invitation a été faite à un artiste contemporain majeur de la scène artistique africaine, Romuald Hazoumè, de mettre en place un parcours ponctué par ses oeuvres dans la cour du château et dans plusieurs salles du musée. Une vingtaine de pièces, dont certaines réalisées spécialement pour le musée d’histoire, viennent côtoyer les objets de collection.

Poltred continue sa curation et vous propose 4 nouveaux talents à découvrir pendant 3 mois.

– Magali Wood
– Pauline Dreyer
– Mediogram
– Florian Langelier
– Arnaud Bathiard

Vernissage le jeudi 13 février à 18h
Exposition du 13 février au 5 mai 2020.

Partenaires: Labo Photo LYNX
Crédit photo : © Magali Wood

Réunir des artistes de la galerie, présenter une vaste sélection d’œuvres issues de différentes séries et sortir de la réserve privée de la galerie des trésors insoupçonnés dans une expérience unique : voici ce que promet l’exposition collective « United ». Avec un accrochage modifié une fois par semaine entre le 14 mai et le 5 septembre, et grâce au lancement d’un service de visites privées, la galerie offre aux collectionneurs un traitement de faveur.

GTB_United_eFlyer.png
Dans le contexte de la pandémie de COVID-19, la Galerie Thierry Bigaignon propose une exposition collective très spéciale en rassemblant pour la première dans une même exposition des artistes de la galerie, qu’ils ou elles soient invité(e)s ou représenté(e)s, à savoir, Catherine Balet, Renato D’Agostin, Harold Feinstein, Henri Foucault, Vittoria Gerardi, Ralph Gibson, Yannig Hedel, Hideyuki Ishibashi, Irène Jonas, Sabine Mirlesse, Rémi Noël, Thomas Paquet, Thierry Urbain, Tobi Wilkinson et Thibaud Yevnine.

Une occasion immanquable de découvrir des pièces encore jamais exposées, des photographies des expositions passées ou un avant-goût de celles à venir.

Pour la première fois, la galerie vous ouvre les portes de sa réserve.

La galerie offre une expérience à la fois unique et fascinante tant à ses fidèles de la première heure qu’aux nouveaux venus, en sortant de sa réserve privée certains de ses trésors les plus précieux ! Réunissant les œuvres de différents artistes, variant les styles et les époques, un dialogue sans précédent pour faire découvrir ou redécouvrir aux visiteurs, sous un jour nouveau, des pièces de collection.

Ces quatre dernières années ont permis à la galerie de se construire une identité forte : cette exposition collective met en lumière la cohérence de la ligne artistique qu’elle a suivi.

United, une exposition collective qui évolue au fil des jours.

Si la plupart des expositions sont statiques de nature, l’exposition United s’habille d’un élément dynamique qui la rend d’autant plus intéressante qu’elle nourrit sans cesse la curiosité des visiteurs ! Comme l’explique Thierry Bigaignon : « Nous pensons depuis toujours que la galerie n’est pas simplement l’enceinte la plus à même de montrer de l’art mais qu’elle est aussi et surtout le point de rencontre indispensable entre artistes, amateurs et collectionneurs. Nous devions nous servir de la crise actuelle pour réaffirmer la place de la galerie en tant que pièce maîtresse sur le marché de l’art. Dans cet état d’esprit, nous voulions nous assurer que les visiteurs pourraient revenir aussi souvent qu’il leur plairait au cours des trois prochains mois et découvrir des œuvres différentes à chacun de leurs passages ».
Une exposition s’étalant sur trois mois et demi, laissera le temps à chacun de venir à son propre rythme et au marché de l’art celui de se rétablir, doucement mais sûrement.

Une exposition ouverte aux visites privées 7 jours sur 7

Afin d’offrir aux visiteurs un accès confortable à l’art qu’ils affectionnent, tout en préservant leur santé en cette période délicate, la galerie met en place un nouveau service premium permettant de réserver gratuitement une visite privée de l’exposition, visite pendant laquelle aucun autre visiteur ne sera admis dans la galerie. La galerie est ouverte au public de 12h à 19h, mais un accès privé est désormais possible, sur réservation, entre 10h et 20h, 7 jours sur 7 !

RÉSERVER UNE VISITE PRIVÉE !

Agnès Geoffray explore les potentialités de fiction portées par les images. A l’aide de différents médiums comme la photographie, la sculpture ou le film, elle plonge le spectateur dans un climat d’étrangeté, d’imaginaire, de fantasme. Ses œuvres s’articulent souvent autour d’un instant vacillant, cristallisant les éléments d’une chute dramatique. Ses photographies anciennes retouchées dévoilent le degré de falsification possible des images et en appellent souvent à l’inconscient, aux peurs archaïques, aux récits enfantins, aux faits divers les plus inattendus tout autant qu’à la mémoire d’événements historiques majeurs.

Les regards croisés entre peintures et photographies, figuratif ou abstrait, paysage et lumière, ciel, terre, eau, matière, fleurs ou flore, sont un plongeon dans la nature.

Joëlle Kem Lika / Joëlle Dollé / Philip Provily

Samedi et dimanche 15h / 19h
En semaine sur rendez-vous : Tel 03 86 75 39 01

Photo : © Philip Provily

Entre 2016 et 2018, Maxence Rifflet a réalisé des photographies dans sept prisons françaises.
Évitant la fascination du fait divers et le pathos des anecdotes personnelles, il tente de mettre
à nu le mécanisme même de l’enfermement.
Lors d’ateliers, il partage avec des détenus cette expérimentation : photographier derrière ces lourdes portes, entre ces murs épais, sans pour autant réduire l’espace ou écraser davantage les perspectives, et sans que l’appareil photographique ne crée un registre supplémentaire de surveillance et de paranoïa. Ensemble, ils observent et documentent l’espace exigu qui leur est dévolu – cette privation d’espace −, devenant tantôt le théâtre d’une fable, tantôt celui d’une performance.
Et si l’œuvre de Maxence Rifflet nous renvoie à des questions de société essentielles,
elle déploie dans l’espace du Centre d’art GwinZegal, dans une ancienne prison, des formes singulières et expérimentales, entre photographies, installations, volumes…
L’artiste nous pousse à nous interroger sur l’histoire de ce lieu, sur la cohérence et l’acuité de sa réhabilitation patrimoniale, et sur notre impunité à y déambuler librement.

En partenariat avec le Centre photographique Rouen Normandie, Le Bleu du Ciel (Lyon) et Le Point du Jour (Cherbourg).

L’un des temps forts de la programmation 2020 du Mudam Luxembourg est la grande exposition Me, Family. Conçue par Francesco Bonami, elle brosse un tableau complexe de l’humanité au début du XXIe siècle. Inspirée par l’exposition historique The Family of Man (1955) conçue par Edward Steichen, Me, Family aborde les grandes questions de notre époque.

Soixante-cinq ans après sa présentation au Museum of Modern Art à New York, The Family of Man forme le point de départ d’une grande exposition de sculptures, installations, vidéos, photographies et performances récentes d’artistes contemporains. Pensée par Edward Steichen (né en 1879 à Bivange au Luxembourg, mort en 1973 à West Redding dans le Connecticut), l’exposition itinérante The Family of Man a été présentée dans plus de 150 musées à travers le monde entre 1955 et 1962. Depuis 1994, elle est visible en permanence au château de Clervaux au Luxembourg. Fidèle à l’esprit radical de Steichen, Me, Family présente une sélection d’œuvres témoignant des récits pluriels et divers de l’humanité et des différentes problématiques auxquelles elle doit faire face aujourd’hui. Donnant à voir une réalité à la fois attrayante, dramatique et exaltante, elle propose un voyage fascinant à travers l’art contemporain, les réseaux sociaux, la mode, les technologies de l’information, la publicité, le son, la musique et la performance.

Présentée sur trois niveaux du musée, Me, Family est l’un des projets d’exposition les plus ambitieux jamais entrepris par le Mudam. Elle comporte des œuvres de plus de 30 artistes de 16 pays, dont une sélection d’œuvres de la collection du Mudam. Parmi celles-ci figure notamment l’installation monumentale World Airport (1999) de Thomas Hirschhorn (né en 1975 à Berne), créée pour la 48e Biennale de Venise comme métaphore contemporaine d’un monde connecté et globalisé.

Biographie du curateur
Francesco Bonami (né en 1955 à Florence) a été le commissaire de grandes manifestations internationales, telles que la Whitney Biennial of American Art (2010), la 50e Biennale de Venise (2003) et la Manifesta 3 (2000). Récemment, il a été le commissaire d’expositions présentées au Walker Art Center à Minneapolis, à la Whitechapel Gallery à Londres, au National Museum à Séoul, au Hara Museum à Tokyo, au Museum of Contemporary Art à Chicago, au Palazzo Reale à Milan. Il a écrit et dirigé de nombreuses publications, dont des ouvrages monographiques sur Yan Pei-Ming, Jeff Koons, Maurizio Cattelan, Damien Hirst ou encore Glenn Brown. Directeur honoraire de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo à Turin, il est actuellement directeur artistique de JNBY Art Matters à Huangzhou. Il vit et travaille entre New York et Milan

Dans le cadre de sa mission d’encouragement et de soutien à la création et la diffusion de travaux d’auteurs dans le champ de l’image ainsi que dans une perspective de formation, le CNA a mis en place la Bourse CNA – Aide à la création et à la diffusion en photographie.

La bourse s’adresse à des photographes et artistes professionnels, ou en formation, de nationalité luxembourgeoise, résidant, travaillant au Luxembourg ou attachés au Luxembourg ayant une pratique en photographie.

Aucun sujet ou « genre » photographique ne sont imposés, le but étant de soutenir des créateurs talentueux, sans limite d’âge, leur permettant de réaliser un travail photographique personnel ou d’en soutenir la diffusion par la production d’une exposition ou d’une publication.

Le CNA accompagne l’artiste sélectionné pendant le développement de son projet.

La date limite de dépôt des dossiers est fixée au 25 septembre 2020.

Le formulaire de candidature et le règlement sont à compléter en ligne :

https://forms.gle/CYHpNyu1ioJHtMhk8

Photo : © Sebastien Cuvelier

L’appel à candidature de la Bourse 2020 de Mécène & Loire est lancé !
En 2020, Mécène et Loire accompagnera un jeune artiste photographe sur le thème « Ecologie & Urbanisme en Maine-et-Loire ».
Vous avez entre 18 et 30 ans ?
Alors à vos candidatures !

COMMENT CANDIDATER ?
Un dossier de présentation du projet devra être transmis avant le vendredi 21 aout à Mécène & Loire :
• par mail à : priscille.formon@mecene-et-loire.fr
• par courrier à : Mécène & Loire
8 boulevard du Roi René – CS60626
49006 Angers CEDEX 01
Ce dossier de présentation comprendra :
• une note d’intention artistique présentant le projet proposé
• une présentation de l’artiste (CV) et un book
• le n° SIREN/SIRET, une copie d’attestation d’assujettissement ou d’affiliation à la Maison des artistes-sécurité sociale, ou Agessa ou document similaire pour les artistes étrangers
• une attestation d’assurance en responsabilité civile
• un échéancier de travail

INFORMATIONS TECHNIQUES
Le projet artistique final comprendra un minimum de 10 clichés.
• 1 série de tirages, avec ou sans encadrement en accord avec la Fondation, destinée à l’exposition au RU et qui entrera, au terme de celle-ci, dans la collection de l’artothèque de la Ville d’Angers et rejoindra le domaine public,
• 1 série de tirages, sans encadrement, qui sera attribué à la Fondation d’Entreprises Mécène et Loire.

CONDITIONS FINANCIÈRES
La répartition de la contribution financière annuelle des 30 000€ de Mécène et Loire est la suivante :
– A hauteur de 10 000 € pour la commande à l’artiste.
– A hauteur de 20 000 € maximum, pour le financement de deux ensembles de tirages photographiques
o 1 série de tirages, avec ou sans encadrement en accord avec la Fondation, destinée ·à l’exposition et qui entrera, au terme de celle-ci, dans la collection de l’artothèque et rejoindra le domaine public,
o 1 série de tirages, sans encadrement, qui sera attribué à la Fondation d’Entreprises Mécène et Loire.

LES ÉTAPES CLÉS ?
Les principales étapes de la procédure de sélection :
– Jusqu’au 21 août 2020 : réception des dossiers de candidature et envoi d’un accusé de réception
– Début septembre 2020 : comité de pré-sélection
– Fin septembre 2020 : Finale

http://www.mecene-et-loire.fr/wp-content/uploads/2020/06/ML-BOURSE-Appel-%C3%A0-candidatures-2020.pdf

Loin du reportage ou de la photo de voyage, écrit Marie Colmant, “Mugler est, dans cette aventure, le photographe mais aussi le metteur en scène, celui qui tient tout sur ses épaules. Celui qui a l’image idéale dans la tête et qui ne mettra un terme à cette quête qu’une fois l’image dans la boîte.”

Les modèles de Mugler, ses créatures et compagnons d’aventure, sont des personnages captivants et surhumains. Des supermen and women sublimés, haut perchés sur leurs talons ou leurs piédestaux. On les découvre jonchés sur le nez des aigles, des gargouilles et de dinosaures stupéfiants au-dessus des villes, au-dessus du monde. Sur les toits de buildings gigantesques voire monstrueux. Au sommet d’architectures de métal, d’argile ou de pisé. Dans le désert du Sahara ou à l’ombre des Iceberg de Disko Bay. En Chine, en Russie, au Japon Mali. Dans les galaxies mexicaines de Luis Barragan. Sous les sabots des chevaux de l’Opéra Garnier et du Grand Palais. Sur les cimes Art déco du Chrysler Building.

“Pour moi, le noir et blanc, c’est un filtre, un art” dit celui qui travaille exclusivement en couleur. “Ma patte elle est très simple, c’est un point de vue poétique sur une réalité qui peut être banale, c’est le contraste, le vertige, comme disait Amélie Nothomb, mais c’est toujours vrai. Le rêve au coin de la rue.” Ce rêve, cette patte du futur qui continue d’inspirer les artistes du monde entier, de David Bowie à Lady Gaga en passant par Beyoncé, se raconte ici dans un lumineux carnet de voyage architectonique.

Les Photographiques 2021 se dérouleront du 13 mars au 4 avril au Mans et dans des villes alentours. La manifestation, organisée chaque année par l’association  »Festival de l’image », permet la rencontre d’un large public avec la création photographique contemporaine, avec les œuvres et les auteurs.

Il n’y a pas de thème imposé.

Les organisateurs établiront leur programmation en privilégiant la diversité des sujets et des formes photographiques (y compris les installations), tout en cherchant des visions d’auteur caractérisées par leurs qualités artistiques, leur originalité et leur cohérence.

Peuvent participer tous les artistes à l’origine d’une œuvre photographique quels que soient leur statut, leur âge et leur nationalité. Les candidats proposeront un ou deux ensembles maximum mais un seul d’entre eux pourra être retenu.

Chaque photographe sélectionné au titre de l’appel à auteurs sera présenté dans le cadre d’une exposition collective du 13 mars au 4 avril. Il se verra attribuer la somme forfaitaire de 700 € à titre de droits d’auteurs pour l’exposition et pour l’acquisition d’un tirage par l’association.
L’auteur organisera l’acheminement de ses images et leur retour en accord avec l’association. Seuls les frais de transport et de déplacement seront pris en charge sur justificatifs dans la limite de 500 € (facture, billets de train, tickets de caisse carburant, tickets autoroutes, etc…).
L’association  »Festival de l’image » ne prendra pas en charge les coûts de production des œuvres exposées.

Pour participer à la sélection :
Prenez connaissance du règlement de participation : www.photographiques.org

– Faites nous parvenir votre candidature au plus tard le 31 août 2020 par voie numérique obligatoirement et éventuellement complétée par un dossier papier (facultatif)
– Réglez les droits d’inscription de 15 € dans les mêmes délais (Règlement par chèque ou CB via HelloAsso).
– Les dossiers non conformes ne seront pas examinés.
– Utilisez uniquement ce courriel pour votre candidature : (Tous les éléments que vous avez besoin de connaître sont dans les conditions de participation. Merci d’utiliser cette adresse uniquement pour votre inscription ou pour une demande exceptionnelle) : appelaauteurs@photographiques.org

Charbonnier est l’un des représentants de ce qu’on appelle « l’école photographique humaniste » française. Il fut l’un des membres de la prestigieuse revue Réalités, très active dans les années 1960, et engagé de ce fait dans des reportages significatifs de l’état du monde de son temps, jusqu’en 1974. Il touche également à la photographie de mode. Choisies par Emmanuelle de l’Écotais, commissaire indépendante, ces photographies constitueront la première exposition rétrospective significative de cet artiste grinçant et satirique.

© Jean-Philippe Charbonnier – Partir en vacances, 1958

Malgré le report des Rencontres de la jeune photographie internationale 2020 en avril 2021 en raison des conditions sanitaires liées à la pandémie du coronavirus, la Villa Pérochon-CACP est heureuse de pouvoir vous présenter du 3 juin au 29 août 2020 l’exposition JH Engström: Anknytningar / Correspondances / Correspondences. Cette exposition est organisée avec le soutien de la galerie Jean-Kenta Gauthier, Paris.

En écho avec l’architecture de la Villa Pérochon, JH Engström a investi toutes les pièces de la galerie, présentant un nombre très important de photographies (plus de 450) mais aussi des projections, dont une inédite, et de nombreuses publications.

JH Engström nous plonge dans ses questionnements personnels et sociaux à travers un parcours riche de formes de monstration d’une rare cohérence au regard de la multiplicité des supports.

Découvrez l’oeuvre et la vie de Stanley Greene, photographe incontournable du reportage de guerre. Une rétrospective exceptionnelle qui donne à voir des conflits et événements majeurs de notre temps.

À travers une centaine d’images issues de reportages majeurs, de la scène punk américaine aux grands conflits et événements qui ont marqué notre temps, l’exposition permet de redécouvrir la profondeur de son engagement et la force de son témoignage. Elle constitue une plongée dans le quotidien des populations qu’il a côtoyées, au plus près des survivants et des disparus.

Ancien membre du groupe révolutionnaire The Black Panthers Party, Stanley Greene naît à New York en 1949. Il se lance dans la photographie après sa rencontre avec W. Eugène Smith, l’un des pionniers du photojournalisme. Il remportera d’ailleurs le prestigieux prix qui porte son nom en 2004 pour son reportage au long cours sur la guerre en Tchétchénie. Son travail a été récompensé par de nombreuses autres distinctions, jusqu’à son décès en 2017.

Une exposition coproduite avec l’agence NOOR

L’exposition Humanité végétale est le récit en images d’un périple de 10 ans, réalisé par Mario Del Curto à travers le monde. Le photographe nous invite à réfléchir à ce qui se joue dans nos rapports avec la nature et à réagir au développement d’une « humanité hors sol ».

Parmi les lieux visités, l’immense forêt de pommiers originels du Kazakhstan menacée de disparition, les jardins urbains de plusieurs mégalopoles, l’excentrique Parc aux monstres de Bomarzo et des jardins singuliers ou modestes du monde entier.
Les végétaux capturés par ces photos n’étaient censés se croiser ; jamais certains itinéraires ne devaient même être contés. Mario Del Curto interroge : Qu’est-ce qui relie tout cela ? Qu’est-ce qui nous relie à cela ?

Sauvage ou façonné, le jardin évoque toujours une culture, des personnalités ou des savoirs transmis. En chemin, le photographe rencontre des spécialistes de botanique et des citoyens ordinaires. En images fortes et symboliques, le jardin s’expose dans toutes ses dimensions – alimentaire, scientifique, ornementale, artistique et politique.

La planète et l’humanité vivent aujourd’hui un épisode pandémique de leur histoire qui a déjà eu lieu par le passé… Mais qui ne s’était jamais déroulé dans notre société consumériste et mondialisée. Outre le fait que tous les signaux écologiques sont dans le rouge, à cause des activités humaines et de la surconsommation, le monde a définitivement muté vers un fonctionnement bipolaire numérisé.

Ce contexte n’existait pas durant les grandes pandémies passées, à savoir : la possibilité de mener une vie sociale distancée et de voir le moi numérique dépasser le moi réel ; et la capacité à survivre socialement sans contact physique grâce aux artifices des outils du web 2.0.

Cette situation met aussi en exergue la fracture qui s’est creusée entre la réalité d’une société de service (et ses activités nécessaires au maintien du système actuel), et l’utopie d’une vie digitalisée, confinée et rendue possible sans déplacement physique.

Cette pandémie dévoile avec clarté l’impact négatif de l’homme sur son environnement (si tant est que nous n’étions pas déjà en mesure de le voir), mais aussi l’impact des phénomènes de distanciation humaine exacerbés par la société des médias, l’intelligence artificielle, ou les outils modernes de communication et de travail.

Elle révèle également la mise en application de projections futuristes, telles que les outils de surveillance et de maintien de l’ordre dans le monde, la reconnaissance faciale, les applications de suivi de la population, la diffusion des règles de sécurité par drone ou robots parlants.

Pour marquer sa réouverture au bout de 4 mois de suspension, Plateforme met à l’honneur la capacité des créateurs et des artistes à s’émanciper dans ces conditions de confinement et de surveillance.

Le lieu ouvre un appel à projets du 10 juin au 15 août pour tous les créateurs qui auront écrit, composé ou réalisé des oeuvres en lien avec cette période. Tous types de médias sont acceptés.

Les projets sélectionnés par l’équipe de Plateforme seront présentés dans une exposition qui se déroulera du 11 au 27 septembre 2020.

Chaque projet doit être envoyé avec visuels/textes/liens par email à :

info@plateforme-paris.com avant le 15 août 2020 à minuit.

Photo : Copyright Dominique Clerc – Welcome 006

L’exposition New Way of Living présentée au Bel Ordinaire à Billère à partir du 12 mai, se prolonge au centre d’art image/imatge avec un ensemble d’œuvres complémentaires.

Sabine Delcour nous livre son dernier projet, New Way of Living, situé au carrefour des problématiques sociales, environnementales et sociétales contemporaines. Ici, les images argentiques grand format d’une urbanité chinoise verticale répondent à des photographies captées au téléobjectif dans des villes numérisées et ultra-connectées où la crise sanitaire actuelle légitime la généralisation d’outils permettant l’identification, le contrôle, l’évaluation et l’isolement des individus. Est-ce le prélude annonciateur d’une transformation profonde de nos sociétés ?

De la ville fantôme d’Ordos, à la ville portuaire de Qingdao en passant par Wuhan, l’artiste met en place un dispositif qui s’inspire de l’observation de la faune pour questionner notre manière de faire ville et d’habiter le monde. Espace privé et espace public sont devenus poreux. Les avancées technologiques ont fait bouger les frontières géographiques, sociales, culturelles, physiques.

Qu’en est-il des identités, des sphères individuelles, des responsabilités des uns vis à vis des autres, des liens qui nous unissent ? La mutation est son hypothèse de départ. Elle préfigure peut-être un nouveau genre humain.

Sabine Delcour quitte la Chine la veille de la mise en quarantaine de Wuhan, une concomitance qui donne à cette introspection anthropologique une tonalité particulière.

L’exposition New Way of Living se déroule dans le cadre de l’opération « Plein Soleil 2020 – L’été des centres d’art contemporain » organisée par d.c.a (Association française de développement des centres d’art contemporain).
Elle est le fruit d’une coopération entre le Bel Ordinaire à Billère, le centre d’art image/imatge, la ville de Mérignac, la Galerie arrêt sur image et Point de fuite à Bordeaux. Ce projet a reçu le soutien d’Astre – réseau des arts plastiques et visuels en Nouvelle-Aquitaine, dans le cadre du contrat de filière « Action innovantes » 2018, de la ville de Bordeaux via l’Aide à la création 2017, de la DRAC Nouvelle-Aquitaine via l’Aide individuelle à la création 2017 et des aides complémentaires de la Région et de la DRAC Nouvelle-Aquitaine.

Dans la Petite Nef, La Galerie Rouge présente Des Silences Assourdissants, le regard de deux artistes émergentes sur la jeunesse iranienne et le féminin. Aïda Ganjipour y présente sa série Aïda dans le miroir et Jeanne Grouet sa série Les murs battent des ailes.

Aïda dans le miroir
Jeune artiste iranienne installée en France depuis 2017, Aïda Ganjipour immortalise des moments de vie, des saynètes et des moments d’intimité dans les méandres des rues et des campagnes iraniennes.
Ici, elle dévoile sa série Aïda dans le miroir, photographies réalisées au téléphone portable où l’artiste se met en scène, chez elle, dehors, dans la rue ou dans des magasins.
Décors intérieurs et extérieurs sont soumis à son regard bienveillant questionnant le rapport du corps à l’espace et plus particulièrement la place de la femme dans l’espace public et privé de la société iranienne. Des clichés où la fragilité, l’amour et la beauté tentent malgré tous les obstacles de se frayer un chemin pour s’épanouir.

Les murs battent des ailes
Cette série est issue de la résidence effectuée par la photographe en août 2019 en Iran, grâce à la Jee Art Gallery, où elle découvre le pays et explore une nouvelle féminité faite d’intimité et de silence.

Espace principal, Luc Choquer et Sergey Neamoscou

L’exposition Ruskaïa, propose un dialogue entre le regard d’un photographe français sur la Russie des années 1980-90 et celui d’un artiste russe, né à Moscou à l’époque où Luc Choquer photographiait la Russie, sur la France d’aujourd’hui.
Ruskaïa, extrait de la série éponyme de Luc Choquer, qui a exploré la Russie entre 1988 et 1991 au moment de la Perestoïka, raconte un pays en mouvement en particulier à travers des femmes, emblèmes d’une jeunesse en renaissance. Pour ce travail constitué de tirages d’époque, Luc Choquer a reçu le prix de la Villa Médicis hors les murs, ainsi que le prix Niépce (1992). Cette série a également fait l’objet d’un ouvrage publié aux Éditions Marval sous le même titre et a donné lieu à des expositions en France, à Moscou et à San Francisco.
Sergey Neamoscou, né à Moscou en 1981, au moment où Luc Choquer s’est intéressé à son pays, est arrivé en France à 18 ans. Depuis ce jour, il parcourt les rues avec son appareil photographique pour y capturer des moments de grâce et de poésie.
Ses photographies de la France, réunies dans sa série Le temps suspendu, proposées ici en dialogue avec celles de Luc Choquer, sont empreintes d’un regard pictural, inspiré par la peinture et l’aquarelle. L’utilisation d’anciennes pellicules renforce ce rendu entre impressionnisme et réalisme où l’onirisme triomphe.

Photo : © Luc Choquer, Ruskaïa

Intitulée Parrathon, cette rétrospective de l’iconique photographe anglais retrace la carrière de l’artiste du milieu des années 1970 à aujourd’hui, à travers 14 séries emblématiques.
Au total, ce sont près de 500 images qui attendent le public au Frac Bretagne et dans le Parc du Thabor à Rennes.

Comptant aujourd’hui parmi les photographes les plus célèbres au monde, sans conteste un des regards les plus espiègles de la photographie actuelle, Martin Parr est le « chroniqueur de notre temps » d’après Thomas Weski, spécialiste international de la photographie contemporaine et biographe officiel de l’artiste.
Ses images colorées et décalées, pleine de dérision et d’ironie, semblent, à première vue, exagérées voire grotesques. Les motifs qu’il choisit sont étranges, les couleurs criardes et les perspectives inhabituelles.
Tourisme de masse, loisirs de classes ou objets du quotidien glanés autour du monde, les sujets de ses images nous montrent de façon pénétrante comment nous vivons, comment nous nous présentons aux autres, et ce que nous valorisons.

Le Frac Bretagne présente la première mondiale de la rétrospective Parrathon conçue par l’artiste et produite avec l’agence Magnum Photos en collaboration avec Fovearts. Celle-ci réunit ses obsessions, son goût du kitsch, son attirance pour la surabondance, son regard intuitif et critique sur notre société sans jugement de valeur, mais marqué de son goût très anglais pour le sous-entendu ironique.

La logistique consiste à organiser l’entreposage et le transport des matières premières, des composants pour l’industrie et des marchandises depuis leurs lieux de fabrication jusqu’à leurs lieux de consommation. L’image du « flux tendu » et les promesses de sa digitalisation présentent cette activité comme un écoulement continu et autorégulé de marchandises. Or les entrepôts constituent des points de passages obligés pour pouvoir contrôler, stocker, dégrouper, préparer et réexpédier les marchandises vers leur destination finale. Ces activités sont effectuées par des agents de tri, caristes, agents d’expédition, agents de réception, manutentionnaires, magasiniers ou pickers. Ces métiers représentent 13 % des emplois ouvriers en France, 17 % en Allemagne. Ils sont principalement localisés dans des zones logistiques, à la périphérie des grandes agglomérations.

Souvent décriées pour leurs pollutions environnementales , les zones logistiques sont l’oeuvre d’acteurs concrets. Des années 1970 aux années 1990, les implantations logistiques ont majoritairement lieu au sein de zones industrielles préexistantes. Les terrains, acquis et réhabilités par des sociétés d’aménagement publiques, sont disponibles pour tout type d’implantation d’entreprises. Le rôle des autorités municipales se limite à la signature des permis de construire.
Durant les années 1990, émerge un marché immobilier dominé par de grandes firmes internationales (Prologis, Global Logistic Properties, Goodman, Segro).
Ces firmes développent et gèrent des zones logistiques de plusieurs entrepôts, totalement privées et closes, dont ils sont les seuls responsables : de la construction des bâtiments à l’aménagement en passant par la gestion quotidienne.

C’est précisément sur ces nouveaux lieux du travail ouvrier et sur les mondes sociaux qui se déploient à partir d’eux que porte l’enquête présentée dans cette exposition.
Des vies précaires Le secteur logistique est le premier employeur d’intérimaires en Allemagne – 21,7 % – et le second en France – 12,2%.
Dans les entrepôts étudiés pour cette enquête, la proportion d’intérimaires est supérieure à 30 %.
Néanmoins, la situation des intérimaires est différente dans les deux pays. En France, certaines ouvrières et certains ouvriers, le plus souvent jeunes, valides, célibataires et discriminés sur la base de critères sexistes et racistes, privilégient l’intérim pour le surcroît de revenus des « primes de précarité » et l’imaginaire de la mobilité qu’il véhicule. La multiplication des heures supplémentaires, l’enchaînement des missions peuvent ainsi leur permettre de développer des pratiques de consommation qui ne sont pas à la portée des franges les plus précaires des classes populaires (achat de voitures et de vêtements de marque, investissements locatifs, sorties régulières au restaurant, voyages à l’étranger). Ce type de stratégie reste néanmoins difficilement tenable dans la durée parce qu’elle suppose beaucoup d’endurance physique et accélère l’usure des corps.
En Allemagne, refuser un CDI ne paraît pas envisageable pour les intérimaires, tant les différences de revenus sont importantes (de l’ordre de 5 euros bruts horaires) avec leurs collègues embauchés.
Accéder à un emploi stable par la signature d’un contrat pérenne signifie très souvent en finir avec de multiples galères : obtenir un titre de séjour pour les travailleuses et travailleurs étrangers, ne plus dépendre d’un mari ou d’un parent violent, obtenir la garde d’un enfant, accéder à un logement décent, réduire le temps de trajet quotidien par l’acquisition d’une voiture.

Une enquête sociologique et photographique au long cours en France et en Allemagne Le travail photographique présenté dans cette exposition a été réalisé avec la collaboration des chercheurs Clément Barbier, David Gaborieau, Gwendal Simon et Nicolas Raimbault.
Ce travail repose sur une enquête qui a associé photographes et sociologues pendant trois ans, dans le cadre d’une commande contractualisée entre le laboratoire d’urbanisme de l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée et des artistes photographes.
L’enquête a commencé sur quatre sites français et allemands, par la réalisation d’un observatoire photographique et d’une première campagne d’entretiens auprès des acteurs de la production urbaine des zones d’activités logistiques.
Cette démarche s’est inspirée des observatoires photographiques mis en place à la fin des années 1990 dans plusieurs communes françaises par le Ministère de l’Environnement. Les protocoles de prise de vue retenus ont ainsi servi à construire un regard sensible sur ces zones :
– Cécile Cuny a travaillé sur l’interface entre les entrepôts et l’espace public en reconstituant des linéaires de façades.
– Nathalie Mohadjer est partie à la recherche de la fragilité des personnes et des choses, déconstruisant l’imagerie du « non-lieu » souvent associée aux zones logistiques.
– Hortense Soichet a traversé les zones à pied en réalisant systématiquement une prise de vue dans le sens des quatre points cardinaux, puis a installé sa caméra dans deux lieux de sociabilité. Prenant appui sur ce premier travail, une deuxième campagne d’entretiens a été menée auprès des ouvrières et ouvriers rencontrés en entrepôts.

Cette démarche a été complétée par une immersion d’Hortense Soichet dans un entrepôt de livres, où elle s’est intéressée à l’investissement des espaces et à la manière dont ils évoquent la vie au sein du lieu de travail.

La troisième étape de cette enquête s’est fondée sur la scénarisation de la rencontre entre ouvrières, ouvriers, photographes, et sociologues. Elle a consisté à sortir des entrepôts pour suivre une vingtaine de personnes dans le cadre d’itinéraires photographiques, durant lesquels elles ont mis en scène leur histoire avec la complicité des photographes et sociologues.

Cécile Cuny, Nathalie Mohadjer, Hortense Soichet en collaboration avec Clément Barbier, David Gaborieau, Gwendal Simon et Nicolas Raimbault

L’exposition présente les photographies lauréates des concours internationaux 5th Fine Art Photography Award et 14th Arte Laguna Prize.

La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente la plus vaste exposition jamais consacrée à l’œuvre de la grande photographe brésilienne Claudia Andujar qui, depuis les années 1970, dédie sa vie à la photographie et à la défense des Yanomami, peuple amérindien parmi les plus importants de l’Amazonie brésilienne.

Fruit de plusieurs années de recherche dans les archives de la photographe, cette exposition, conçue par Thyago Nogueira pour l’Instituto Moreira Salles au Brésil, présente son œuvre à travers plus de 300 photographies en noir et blanc ou en couleur dont un grand nombre d’inédits, une installation audiovisuelle ainsi que des dessins réalisés par des artistes Yanomami et des documents historiques. Reflétant les deux versants indissociables de sa démarche, l’un esthétique, l’autre politique, elle révèle à la fois la contribution majeure de Claudia Andujar à l’art photographique et le rôle essentiel qu’elle joue en faveur de la défense des droits des Indiens Yanomami et de la forêt qu’ils habitent.

Une interprétation de la culture Yanomami
Née en 1931 à Neuchâtel, Claudia Andujar vit à São Paulo. Après une enfance en Transylvanie, elle rejoint la Suisse avec sa mère pendant la Seconde Guerre mondiale pour fuir les persécutions nazies en Europe de l’Est. Son père, juif hongrois, est déporté à Dachau où il est exterminé avec la plupart des membres de sa famille. Après la guerre, Claudia Andujar immigre aux États-Unis et s’installe définitivement en 1955 au Brésil, où elle entame une carrière de photojournaliste.

Elle rencontre pour la première fois les Indiens Yanomami en 1971, alors qu’elle participe à un reportage sur l’Amazonie pour le magazine Realidade. Fascinée, elle décide d’entreprendre un travail photographique approfondi sur le monde des Yanomami grâce à une bourse de la Fondation Guggenheim. Son approche diffère nettement du style documentaire de ses contemporains. Les photographies prises à cette période montrent les diverses techniques qu’elle expérimente pour traduire ce qu’elle perçoit de l’expérience chamanique des Indiens Yanomami. En appliquant de la vaseline sur l’objectif de son appareil, en utilisant une pellicule infrarouge ou en jouant avec la lumière, elle crée des distorsions visuelles qui imprègnent ses images d’une certaine surréalité.

Claudia Andujar réalise également de nombreux portraits en noir et blanc à travers lesquels elle saisit la noblesse et l’humanité des Yanomami. Elle privilégie les plans resserrés de visages ou de fragments de corps, et crée des effets de clair-obscur pour instaurer un sentiment d’intimité et mettre en valeur avec empathie l’intériorité de ses sujets. Dans le même temps et afin de mieux comprendre leur culture, elle propose aux Yanomami de représenter eux-mêmes leur univers métaphysique en leur fournissant papier, stylos et feutres. Une sélection de ces dessins montrant des scènes mythologiques ou rituelles et des visions chamaniques est présentée dans l’exposition.

Le militantisme politique
La fin des années 1970 marque un tournant dans la carrière de Claudia Andujar. La construction, par le gouvernement militaire brésilien, de la route transamazonienne dans le sud du territoire Yanomami ouvre la région à la déforestation ainsi qu’à des projets de colonisation agricole, et provoque la destruction de communautés entières en favorisant la propagation d’épidémies. Cette situation dramatique n’est pas sans rappeler à Claudia Andujar le génocide auquel elle a assisté en Europe, et cette prise de conscience la pousse à s’engager entièrement dans la lutte en faveur de la défense des droits des Yanomami et de la protection de leur forêt. En 1978, elle fonde avec le missionnaire Carlo Zacquini et l’anthropologue Bruce Albert la Commissão Pro-Yanomami (CCPY) et se lance dans une campagne longue de près de quinze ans pour la délimitation de leur territoire, condition essentielle de la survie physique et culturelle de ce peuple. Son militantisme prend alors le pas sur son travail artistique et la photographie devient pour elle une préoccupation secondaire, dont la vocation est désormais de soutenir la cause des Yanomami.

C’est à cette époque que Claudia Andujar réalise, lors d’une campagne de vaccination, des photographies en noir et blanc de Yanomami portant autour du cou un numéro servant à les identifier sur des fiches médicales. Elle reprendra plus tard ces photographies dans l’une de ses séries les plus célèbres, celle des « Marcados [Marqués] ». L’ambigüité de ces images réside dans le malaise que crée l’identification numérique des individus, qui n’est pas sans rappeler le tatouage des juifs pendant la Shoah bien que le procédé soit ici, à l’inverse, mis en place pour la survie d’un peuple. Des photographies inédites issues de cette série seront dévoilées pour la première fois dans l’exposition.

En réaction aux décrets signés en février 1989 par le gouvernement brésilien pour démembrer le territoire Yanomami en un archipel de dix-neuf micro-réserves, Claudia Andujar crée Genocide of the Yanomami: Death of Brazil (1989-2018), un manifeste audiovisuel réalisé à partir de photographies tirées de ses archives qu’elle re-photographie à l’aide de filtres et d’éclairages divers. Véritable point d’orgue de l’exposition, cette œuvre, présentée dans une nouvelle version réalisée à cette occasion, montre le bouleversement d’un monde amérindien dévasté par la prédation de la civilisation occidentale. Une bande-son composée par Marlui Miranda à partir de chants Yanomami et de musique expérimentale accompagne l’installation.

En 1992, grâce au combat mené sans relâche par Claudia Andujar, Carlo Zacquini, Bruce Albert et le chaman et porte-parole des Indiens Yanomami Davi Kopenawa, le gouvernement brésilien a accepté de reconnaître légalement le territoire des Yanomami. L’intégrité de ce territoire, homologué à la veille de la conférence générale des Nations unies sur l’environnement tenue la même année à Rio, est encore aujourd’hui menacée par une invasion massive de chercheurs d’or et la déforestation causée par les grands éleveurs.

En retraçant le combat d’une vie et en dévoilant la richesse formelle du travail de Claudia Andujar, l’exposition Claudia Andujar, La Lutte Yanomami montre pour la première fois son œuvre dans toute sa beauté et sa complexité. Elle offre une immersion dans l’univers cosmologique et la vie quotidienne des Yanomami ainsi qu’une puissante mise en accusation politique des abus dont ils sont victimes.

La Fondation Cartier pour l’art contemporain soutient la cause Yanomami et le travail de Claudia Andujar depuis 20 ans. Claudia Andujar et des artistes Yanomami, tels que Taniki, Joseca, Ehuana et Kalepi ont participé à plusieurs expositions et figurent parmi les artistes de la collection de la Fondation Cartier.

La Fondation Cartier a le plaisir d’annoncer la présence exceptionnelle de Claudia Andujar, Davi Kopenawa, Bruce Albert et Thyago Nogueira lors des événements d’ouverture de l’exposition. Ils participeront également à la Nuit Yanomami organisée à cette occasion.

Pour accompagner l’exposition, la Fondation Cartier publie un catalogue en trois versions (français, anglais, italien), qui présente les photographies de l’artiste et des extraits de ses carnets, ainsi que des dessins Yanomami réalisés à sa demande dans les années 1970. Des textes de Claudia Andujar, Thyago Nogueira et Bruce Albert, ainsi qu’une carte du territoire Yanomami et une chronologie documentent à la fois l’engagement de l’artiste et l’histoire de l’un des derniers grands peuples de la forêt amazonienne. Le catalogue est en lice pour le prix Paris Photo-Aperture du catalogue photographique de l’année.

Dans le cadre du partenariat entre la Fondation Cartier et Triennale Milano, Claudia Andujar, La Lutte Yanomami sera présentée à Milan à partir de l’automne 2020. L’exposition voyagera également au Fotomuseum Winterthur (Suisse) à partir du 6 juin 2020, et à la Fondation Mapfre (Espagne) à partir du 11 février 2021.

L’exposition est organisée en collaboration avec l’Instituto Moreira Salles (Brésil) et bénéficie du soutien de l’Association Yanomami Hutukara (Boa Vista) et de l’Instituto Socioambiental (São Paulo et Boa Vista).

Commissaire de l’exposition : Thyago Nogueira, Directeur du département de photographie contemporaine de l’Instituto Moreira Salles (Brésil) assité de Valentina Tong

Conservatrice : Leanne Sacramone, assitée de Juliette Lecorne

Exposition organisée en collaboration avec l’Instituto Moreira Salles (São Paulo)

Du 12 mars au 26 juillet 2020, l’Institut des Cultures d’Islam présente Croyances : faire et défaire l’invisible, exposition dont le commissariat est assuré par Jeanne Mercier, co-fondatrice de la plateforme Afrique in Visu.
Les oeuvres de seize artistes photographes et vidéastes interrogent la puissance évocatrice des religions, superstitions et mythes du continent africain, revendiqué comme lieu d’expérimentation, de glissements, de frictions et de négociations.
Loin du panorama et des récits stéréotypés, les artistes se saisissent ici de façon poétique, critique ou décalée de la question du « croire », de ses conventions, pratiques et représentations.
Leurs oeuvres dialoguent entre réel et fiction, esquissant des croyances en mouvement, anticipant leurs possibles évolutions.

Entrons dans la transe
L’exposition projette d’abord les visiteurs dans l’univers de la transe. Ses vibrations sont perceptibles dans les photographies de Bruno Hadjih sur la pratique du wird dans la mystique soufie en Algérie, tandis que la vidéo de Léonard Pongo revisite les cérémonies pratiquées par les églises évangéliques en République Démocratique du Congo.

Djinns, esprits et autres êtres intermédiaires
Les artistes invités proposent également une réflexion sur les superstitions. Btihal Remli et Mohammed Laouli s’intéressent à la pratique de la « sorcellerie » et des rituels au Maroc. Dans Land of Ibeji, Bénédicte Kurzen et Sanne de Wilde mettent en scène les croyances autour des jumeaux au Nigéria. Nicola Lo Calzo livre quant à lui un récit sur le vaudou pratiqué au Bénin et au Togo, notamment avec la figure de Tchamba, celui qui incarne l’esprit des esclaves.

Corps sacrés
L’exposition fait ensuite dialoguer les trois monothéismes en interrogeant la pratique du sacrifice dans la série de portraits Ovine Condition de Nabil Boutros. La représentation de l’autorité religieuse séculaire devient un acte de résistance aux schémas dominants avec la série Black Pope de Samuel Fosso ou encore une allégorie féminine dans le travail mené depuis plusieurs années par Maïmouna Guerresi.

Voyage initiatique
La question du pélerinage traverse également l’exposition. Elle y est abordée de façon imagée, comme étape nécessaire d’un processus de transformation de soi. Éric Guglielmi photographie les pèlerins se rendant chaque année à Touba au Sénégal. De son côté, Giya Makondo-Wills capte le rite initiatique du baptême en Afrique du Sud tandis que Rahima Gambo orchestre une fable contemporaine sur la résilience suite aux exactions du groupe terroriste Boko Haram dans un village du Nigéria.

Dieu ou le wifi ?
Nos croyances futures sont anticipées par les artistes qui mixent les pratiques traditionnelles avec le digital. Josèfa Ntjam, Tabita Rezaire ou Seumboy VRAINOM : € créent ainsi des nouveaux rituels hybrides à l’ère de « l’homo-numericus ».

Performances et métamorphoses
L’exposition s’active lors de performances et s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire mêlant arts de la scène, tables rondes et films. La transe saharienne et l’électro indus fusionnent, le cérémonial mouride se métamorphose en expérience multimédia immersive et la pleine lune est célébrée lors d’une soirée alternative, tandis que des conférences et projections abordent le rôle des femmes dans la transmission des croyances, la manière dont les artistes rendent visible l’invisible, ou encore l’avènement de nouveaux sacrés. Enfin, le jeune public bénéficie d’une offre dédiée proposant des contes musicaux, des ciné-goûters et la réalisation d’un livre de recettes magiques.

Photo : The Necessary Evil, 2011 © Léonard Pongo

À partir du 4 mars 2020, la Maison Européenne de la Photographie propose de découvrir le travail d’Erwin Wurm, artiste de renommée internationale, sous un nouvel angle, dans le cadre de la première rétrospective consacrée à son travail photographique. L’artiste autrichien est célèbre pour son œuvre complexe et conceptuelle, mêlant sculpture, performances, vidéo, dessin et photographie, à travers laquelle il interroge avec humour et cynisme notre relation au corps, en associant espièglerie, burlesque et sens de l’absurde. Réunissant quelque 200 tirages réalisés depuis les années 1990 sur les deux principaux étages de la MEP, cette exposition exhaustive – la première du genre organisée à Paris depuis de nombreuses années – présentera planches contacts originales et tirages provenant des archives personnelles de l’artiste, qui n’ont encore jamais présentés au public. Cette exposition sera l’occasion de montrer le rôle unique joué par ce médium dans son œuvre : bien plus qu’un moyen d’immortaliser ses performances, Wurm considère la photographie comme une forme d’expression “sculpturale” à part entière. Associant œuvres problématisées et images plus philosophiques, l’exposition explorera le processus artistique par lequel il réalisa des œuvres majeures telles que ses « dust sculptures », créées à l’aube des années 1990, pour lesquelles l’artiste place un objet sur une surface, le saupoudre de poussière puis retire l’objet afin de montrer l’emprunte résiduelle, ou encore « Fabio Gets Dressed » (1992), inspiré par sa conviction que le corps humain, avec sa capacité à remplir un pull, à occuper l’espace, à prendre ou perdre du poids, est une sculpture à part entière. Seront également exposés « Instructions for Idleness » (2001), « How to Be Politically Incorrect » (2002-2003), « Thinking About Philosophy » (2004), « Nudelskulpturen » (2016) ainsi que des Polaroid récents grand format. En plus de ses photos, vidéos et meubles, l’exposition proposera également ses célèbres « One-Minute Sculptures » à travers des œuvres interactives invitant les visiteurs à devenir des sculptures vivantes en suivant les instructions de l’artiste.