L’Agenda des événements sur Plan

Le Svalbard est un archipel de l’Arctique. Son territoire est rattaché à la Norvège, mais, étant déclaré zone démilitarisée, il occupe un statut neutre.

Dans la langue norvégienne, le nom « Svalbard » désigne un « littoral frais », une description qu’on peut prendre à la lettre, car la température moyenne est de -6° C.

Toutes les histoires n’ont pas leur origine dans les milles racines de l’orient. Certaines viennent des régions du nord, et leur intensité et degré de suspens peuvent rivaliser avec les célèbres contes orientaux.

L’archipel nordique a le potentiel de toutes les narrations fantastiques ; son sol est peuplé d’une diversité des espèces étonnante. Ses paysages sont riches en surface et sous terre. C’est un fait dont il convient de relativiser le côté positif, car il est souvent associé à la notion d’intérêts spécifiques et partiels, voire à la rentabilité définie selon un point de vue humain, respectivement à la perspective économique.

L’histoire ne fait que commencer. L’on se rappelle les expéditions polaires du début du siècle dernier impliquant des légendes comme Amundsen.
Ny-Ålesund, une agglomération dense de Svalbard, a fait sa renommée dans l’industrie minière.

Aujourd’hui, le Svalbard est un terrain d’action pour une dizaine de nations différentes se profilant dans la recherche scientifique. La motivation et les buts partent dans toutes les directions, la zone est caractérisée par les oppositions et les contrastes. Entre réserve naturelle à accès réduit et zone de lancement de ballon-sonde scientifiques, cet archipel est fortement lié à notre époque et soumis au rythme du présent.

En attendant le prochain chapitre de cette histoire inachevée.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

Relecture/correction: A. Tumiotto

Exposition présentée à Echappée Belle, place du marché

Arctic Zero © Paolo Verzone / Agence VU’

Pour honorer la mémoire de Richard Martin, photographe emblématique de L’Équipe décédé le 7 juillet 2020, L’Équipe créé un concours international qui récompensera chaque année les meilleures photos d’action de sport. La première édition de ce prix se tiendra en 2021.

L’Équipe tient ainsi à saluer le talent et l’obsession du détail de Richard, qui a offert parmi les plus belles photographies du journal et du magazine. La Coupe du Monde de football en 2018, les Jeux Olympiques plusieurs fois et tout le travail effectué sur ses disciplines de prédilection, la natation, le tennis et le patinage artistique.

REGLEMENT DU CONCOURS PHOTOS 2020/2021
PRIX L’EQUIPE / RICHARD MARTIN

ARTICLE 1 : L’ORGANISATEUR

La société L’EQUIPE, située 40-42 quai du Point du jour 92250 Boulogne Billancourt (ci-après l’« Organisateur »), organise du 1er février 2021 au 30 septembre 2021, le grand prix international de la photographie de sport intitulé « Prix L’EQUIPE / Richard Martin » (ci-après le « Concours »), dont la remise des Prix se déroulera au mois de novembre 2021.

ARTICLE 2 : MODALITES D’INSCRIPTION

Le Concours est gratuit, l’inscription s’effectuera sur la plateforme de l’Organisateur accessible à l’adresse suivante : https://blog.lequipe.fr/prix/
Les participants pourront s’inscrire jusqu’au 30 septembre 2021, 23h59 (heure de Paris, France), date à laquelle les inscriptions seront closes.
La carte de presse ou un justificatif d’appartenance à un organisme de presse ou à une agence de presse sera exigé lors de l’inscription au Concours.

ARTICLE 3 : CONDITIONS DE PARTICIPATION

Le Concours est ouvert aux photographes professionnels du monde entier.
Une seule participation par personne est acceptée, étant entendu que chaque participant pourra présenter jusqu’à 3 (trois) photographies dans un seul et même envoi.

Les photographies devront représenter une action de sport réalisée lors d’une compétition officielle et devront avoir été prises entre le 1er octobre 2020 et le 30 septembre 2021.

Critères techniques :
– Les photographies devront être au format .jpeg avec profil couleur RVB.
– La taille du fichier de chaque image ne devra pas dépasser les 5 MB.
– Les dimensions du fichier devront être d’un maximum de 1920 pixels en largeur pour le côté le plus long (qu’il soit vertical ou horizontal) pour une résolution de 300 dpi.

Autres critères :
Les photographies devront comporter :
– La date et le lieu de la prise de vue.
– Une légende.
– Le nom et le prénom de l’auteur.
– Le numéro de la carte de presse ou le nom de l’organisme de presse qu’il représente.

Manipulation digitale des images :
Il est possible de recourir à la manipulation digitale (luminosité, contraste, balance de couleur) pour optimiser l’image ainsi qu’au recadrage et à l’effacement des pétouilles. Mais il est interdit d’ajouter ou d’enlever un élément important de la composition qui serait susceptible de dénaturer la photographie. Le jury aura la faculté de refuser toute image qui, selon son appréciation, a été trop retouchée par rapport à l’image originale.
Il sera demandé aux « finalistes » d’envoyer les fichiers RAW ou les originaux pour la validation finale.

Le participant enverra sa ou ses photographie(s) à l’adresse mail suivante : prixrichardmartin2021@lequipe.fr.

ARTICLE 4 : COMPOSITION DU JURY

1er Jury
Ce jury est composé de 5 (cinq) membres dont les compétences sont compatibles pour participer à une sélection de photos.
Ce jury va évaluer toutes les photos inscrites et procéder à la pré-sélection de 100 (cent) photographies ci-après les « Photographies Sélectionnées ».

Grand Jury
Les 9 (neuf) membres de ce jury sont représentatifs des filières de la photographie, de la presse et de la culture :
– Le Président : Monsieur Franck Seguin (2 voix),
– Le Coordinateur général : Monsieur François Gille (1 voix),
– Un représentant de la rédaction (1 voix),
– Un représentant du monde sportif (1 voix),
– Un représentant du monde de la culture et un représentant des médias (tv/presse régionale ou nationale/presse photo) (2 voix),
– Un abonné de L’Equipe (1 voix)
– Deux représentants partenaires (Canon/radio France) (2 voix).
Ce jury va évaluer les Photographies Sélectionnées et procèdera à une première sélection de 20 (vingt) photographies, ci-après les « Photographies Nominées », et à une seconde sélection pour sélectionner la photographie gagnante.

Les photographies seront évaluées sur leur valeur technique, artistique et journalistique par le jury.

La décision du jury du Concours est définitive.

L’Organisateur se chargera de renommer les photographies sous une forme anonyme (chiffres) avant leur évaluation par le jury.

ARTICLE 5 : LE PRIX

Le lauréat du Concours recevra le trophée « Prix Richard Martin » ainsi que du matériel photo de la marque Canon d’une valeur de 5000€ (Cinq mille euros).
Le photographe lauréat peut renoncer au prix sans pouvoir exiger aucune autre forme d’indemnisation. Dans ce cas, le prix sera réaffecté selon le classement établi par le Jury.

Le résultat du Concours sera rendu public la première semaine de novembre 2021. Le résultat sera publié sur le site web de l’organisateur du Concours ainsi que sur ses réseaux sociaux.
Les 20 (vingt) finalistes seront informés par le Grand Jury par mail, afin qu’ils renvoient les Photographies Nominées en Haute définition.

La Cérémonie de remise du prix est prévue entre le 15 et 30 novembre 2021, au siège de la société L’EQUIPE. Le prix devra être retiré par le lauréat à ce moment-là, ou par une autre personne qu’il aura déléguée par écrit.

ARTICLE 6 : DROIT D’AUTEUR

Chaque auteur est responsable du contenu des photographies.

Les participants au Concours doivent être dépositaires des droits liés à l’image et avoir l’autorisation des personnes identifiables sur la photo.

Chaque participant déclare et garantit l’Equipe être l’auteur de la photographie soumise. Il reconnaît également avoir obtenu préalablement les autorisations nécessaires à sa diffusion.

Les photographies Nominées en ce compris la photographie gagnante, seront mises à la disposition des organes de presse avec leur copyright.

ARTICLE 7 : EXPLOITATION DES PHOTOGRAPHIES

Par son inscription au Concours, le participant cède à l’Organisateur pendant 2 (deux) ans à compter du 1er novembre 2021 ses droits d’exploitations sur les Photographies Nominées pour les finalités promotionnelles liées au Concours.

Ladite cession comprend :
– le droit de reproduction : le droit de reproduire, sans limitation de nombre, les photographies par tout procédé technique et sur tout support connu ou à venir, dont les supports presse et internet et, notamment : par impression, par production de supports graphiques, magnétiques, vidéographiques, numériques, ou électroniques, media en ligne et hors ligne, pour tous types de publication tels que, non limitativement : les journaux, livres, magazines, catalogues, mailings, éditions et créations de produits dérivés;

– Le droit de représentation : le droit de représenter, de rendre accessible, d’exposer, de diffuser ou de communiquer directement ou indirectement au public les photographies en tout lieu public et/ou privé, par tous modes et procédés connus ou à venir, gratuits ou payants, ainsi que de traduire les légendes le cas échéant.

A titre d’illustration, la photographie gagnante fera l’objet d’une double page dans l’Equipe Magazine, Les Photographies Nominées seront exposées lors de la cérémonie de la remise des prix, feront l’objet d’une exposition dans la cantine d’entreprise de l’Organisateur, ainsi qu’une diffusion sur le site internet de l’Organisateur.

Il est précisé que les Photographies Nominées et la photographie gagnante resteront visibles à titre d’archives sur les supports digitaux de l’Equipe pendant 5 (cinq) ans à compter du 1er Novembre 2021.

ARTICLE 8 : RESPONSABILITÉS

L’Organisateur ne pourra être tenu responsable de tout problème lié au déroulement du Concours qu’il s’agisse d’une erreur humaine, informatique ou de quelque autre nature.

En cas de force majeure, l’Organisateur se réserve le droit de modifier le présent règlement, de reporter ou d’annuler le Concours. Sa responsabilité ne saurait être engagée du fait de ces modifications.

ARTICLE 9 : OBLIGATIONS

La participation au Concours implique l’acceptation du présent règlement par les participants.
Son non-respect entraînera l’annulation de la candidature.
Toute contestation relative à l’interprétation et à l’application du présent règlement sera étudiée par l’Organisateur, dans l’esprit qui a prévalu à la conception du Concours.

ARTICLE 10 – TRAITEMENT DES DONNÉES PERSONNELLES

• FINALITÉS ET MODALITÉS DU TRAITEMENT DES DONNÉES A CARACTÈRE PERSONNEL
Les données à caractère personnel (ci-après « les Données ») que vous nous fournissez en participant au Concours feront l’objet d’un traitement pour la finalité suivante : participer au Concours.

• DONNÉES PERSONNELLES COLLECTÉES
Les Données qui seront collectées sont les suivantes :
– Le nom et le prénom des photographes ayant soumis leur photographie au Jury,
– L’adresse mail du photographe qui sera visible lors de l’envoi des photographies,

• CONSÉQUENCES DE LA NON-FOURNITURE DES DONNÉES
La non-fourniture des Données marquées comme obligatoire vous empêchera de participer au Concours.

• DESTINATAIRES DES DONNÉES
Les Données peuvent être traitées par l’Organisateur et les sociétés appartenant au Groupe Amaury.

• CONSERVATION DES DONNÉES
Les Données traitées seront conservées pendant toute la durée du Concours.

• RESPONSABLE DU TRAITEMENT ET DÉLÉGUÉ A LA PROTECTION DES DONNÉES
Le Responsable du Traitement est l’Organisateur.

Conformément aux articles 15 à 21 du RGPD et à la loi « Informatique et libertés » du 6 janvier 1978, modifiée par la Loi n°2018-493 du 20 juin 2018, le participant peut exercer les droits suivants :

a. droit d’accès qui signifie le droit d’obtenir de l’Organisateur la confirmation que vos Données sont ou ne sont pas traitées et, lorsqu’elles le sont, l’accès auxdites Données ;
b. droit de rectification et droit à l’effacement qui signifient le droit d’obtenir la rectification de Données inexactes et/ou incomplètes, ainsi que l’effacement de Données ;
c. droit à la limitation du traitement qui signifie le droit de demander la suspension du traitement ;
d. droit à la portabilité des données qui signifie le droit d’obtenir des Données dans un format structuré, couramment utilisé et lisible, ainsi que le droit de transférer des Données à d’autres responsables de traitement sur votre demande écrite uniquement ;
e. droit d’opposition qui signifie le droit de s’opposer au traitement des Données lorsque la demande est légitime, y compris lorsque les Données sont traitées pour le marketing ou le profilage ;
f. droit d’introduire une réclamation auprès d’une autorité de contrôle en cas de traitement illégal des Données.

Pour en savoir plus sur notre traitement des Données, consultez notre charte des données personnelles accessible via l’adresse suivante : https://www.lequipe.fr/Page/Politique-de-confidentialite/1183897.

Ces droits peuvent être exercés en écrivant à DPO Groupe Amaury – 40-42 Quai du Point du Jour – 92100 Boulogne-Billancourt ou à l’adresse e-mail suivante dpo@amaury.com.

ARTICLE 12 – LITIGES

Le présent règlement est soumis à la loi française. Pour être prises en compte, les éventuelles contestations relatives au concours doivent être formulées par courriel à prixrichardmartin2021@lequipe.fr et au plus tard quatre-vingt-dix (90) jours après la date limite de participation au Concours tel qu’indiqué au présent règlement.

En cas de désaccord persistant sur l’application ou l’interprétation du présent règlement, et à défaut d’accord amiable, tout litige sera soumis au tribunal ayant droit, auquel compétence exclusive est attribuée.

Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon réunit au Musée Jean Couty (Lyon), du 16 octobre 2020 au 11 avril 2021, quelque 90 photographies de Robert Doisneau (1912-1994) que viennent compléter 17 œuvres de Jean Couty (1907-1991). Cette exposition conçue par Clotilde Scordia, commissaire de l’exposition, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau s’articule autour de deux thématiques : portraits et ateliers d’artistes, d’une part, et vues de Lyon, d’autre part.

Inédite, l’exposition Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon, présente plusieurs séries de tirages originaux de l’illustre photographe français, connu dans le monde entier pour ses portraits et scènes de genre si justes et sensibles. Le Musée Jean Couty accueille plus de quatre-vingt-dix clichés, dont une vingtaine jamais montrée au public. Charles et Myriam Couty, directeurs du musée, ont fait réaliser, par ailleurs, une trentaine de tirages, notamment des photos de Lyon prises pendant les années Vogue. Artiste viscéralement humaniste, Robert Doisneau livre un univers singulier qui se donne au regard de tous par sa poésie et, encore aujourd’hui, par son actualité.

Un tel ensemble n’a jamais été présenté. L’équipe du musée a souhaité ajouter une dizaine de photos de portraits d’artistes à l’exposition : certaines photographies avaient déjà été tirées pour des expositions précédentes mais ont été très rarement présentées. Parmi celles-ci figurent les portraits de Braque, Foujita, Léger et son chien, Fautrier. D’autres n’ont cependant jamais été exposées : les portraits de Wolinski, David Hockney, Duchamp / Villon, et Sempé, et Picasso palmé. En outre, 6 tirages en couleurs – Poliakoff, Savignac, Vasarely, Braque dans son atelier, Picasso à Mougins, Nikki de Saint Phalle – seront dévoilés pour la première fois au public. Les vues de Lyon, quant à elles, n’avaient pour la plupart jamais été tirées et présentées.

Photo : Robert Doisneau. Tinguely -portrait de l’artiste, Paris 1959 © Atelier Robert Doisneau

La République russe de Sakha, ou Yakoutie, située dans le nord-est de la Sibérie, est le théâtre d’une histoire qui n’a rien à envier à la plume d’un Jules Verne.

Le pergélisol fond en raison du réchauffement climatique. Ce qui peut causer de nouveaux problèmes géologiques et climatiques est comme une fenêtre ouverte sur le passé pour tout historien et pour tout biologiste. Le sol libère ce qu’il recouvre depuis 4 000 ans : des restes de mammouth laineux.

La population de la région des îles de Nouvelle-Sibérie s’est tournée vers une source de revenus inhabituelle : Les gens sont appelés chasseurs de mammouths. Tout comme les chercheurs d’or en Amérique du Nord au 19e siècle, les chasseurs sont mis à rude épreuve lors de leurs fouilles. Isolés sur les îles pendant plusieurs mois, ils sont exposés à des conditions extrêmes.

La ruée vers les défenses des mammouths est particulièrement répandue en Chine. Le matériel y est travaillé avec art pour atteindre des prix exorbitants sur le marché.

Evgenia Arbugaeva a accompagné des chasseurs de mammouths. Ils parcourent la toundra glacée de Sibérie jusqu’à 18 heures par jour. Se saisir d’une défense peut prendre jusqu’à 24 heures d’excavations sans interruption. Les photographies montrent des scènes à caractère surréaliste. Une certaine intensité dramatique se crée lorsque le passé et le présent se croisent. Mais la matière dont sont faits les rêves jette une ombre au tableau. Le tribut payé à la chasse est lourd. La chasse sépare des pères de leurs familles, laisse des cicatrices physiques et pousse les personnes impliquées à leurs limites psychiques. Les traces de l’histoire sont rentables en tant que matériel dans de nouvelles monnaies. Ainsi, elles assurent des existences et apportent des réponses à des questions scientifiques. L’ivoire fossile gagne une nouvelle splendeur grâce à l’artisanat. Mais la résurrection de cet ancêtre laineux ne pourra malheureusement pas apaiser la convoitise pour les défenses de ses congénères vivants.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

Traduction française: A. Tumiotto

Exposition présentée dans les Jardins du Bra’Haus II, montée du château

Mammoth Hunters © Evgenia Arbugaeva

Roue libre
un mouvement
de l’intérieur à l’extérieur,
d’une intériorité à une autre

Une troupe de rêveurs éveillés émerge des jardins, fontaines, prairies et forêts de Trévarez. Nymphe  alanguie, faune victorieux, samouraï désarticulé, dompteur de chevaux de bois… captifs le temps d’un cliché, ils livrent par bribe les secrets de leurs domaines intérieurs.

Sur l’invitation de l’équipe d’animateurs du foyer d’accueil spécialisé Ker Arthur de Châteauneuf-du-Faou, la comédienne Séverine Valomet et son complice le photographe Éric Legret, ont imaginé un dispositif mêlant images et mots. L’idée est de mettre en scène rêves et intériorités, avec les résidents présentant un traumatisme crânien, une lésion ou paralysie cérébrale.

Bien que contraint à l’immobilité ou à la lenteur, leur esprit roule à grande vitesse, foisonne de pensées et déborde d’imagination. Séverine Valomet a attrapé au vol les mots criés ou dits dans un souffle pour en faire des fantaisies poétiques, décalées, surréalistes.

Le projet artistique « Roue Libre » est né en 2019, suite à l’organisation d’une saison artistique organisée par la Quincaille (compagnie de théâtre et zone de ressources artistiques) dans le centre Ker Arthur. Autour de cette programmation de spectacles une envie forte de créer « quelque chose » ensemble et d’aller vers l’extérieur a émergé.

Le Domaine de Trévarez, associé au projet, présente à proximité de la chapelle les clichés réalisés en septembre 2020 dans le parc. Cette exposition fait écho à une autre série de photographies disséminées dans les rues de Châteauneuf-du-Faou et sur les cimaises de l’antenne de la Bibliothèque du Finistère à Plonévez-du-Faou (à partir de l’été 2021).

En partenariat avec le Centre Ker Arthur, la commune de Châteauneuf-du-Faou et l’antenne de la Bibliothèque départementale de Plonévez-du-Faou.
Ce projet est soutenu par la DRAC Bretagne, l’ARS de Bretagne dans le cadre du dispositif
« Culture-santé », et le Conseil départemental du Finistère dans la cadre du dispositif « Culture solidaire ».

“Roue libre” est une étape d’Une Traversée photographique en Bretagne qui regroupe une quinzaine d’initiatives autour de la photographie en 2021.
⟩ traverseephotobretagne.fr  ⟩ ⟩ 

Le photographe finlandais Santeri Tuori porte son regard sur les paysages de l’île de Kökar, qui fait partie de l’archipel d’Åland.
Son oeuvre est connue en raison de l’intérêt porté aux propriétés de la nature et à ses changements.

Sa série d’images « Forest » est basée sur des années d’observation de motifs et d’endroits identiques (série en cours, depuis 2006) et sur la représentation répétée de ceux-ci. La surimpression et la superposition de négatifs individuels donnent naissance à de nouvelles images. Elles illustrent les métamorphoses naturelles et rendent le changement tangible. Les branches des arbres qui s’entremêlent, les sens dessus dessous des rameaux, les lignes qui se ramifient et le mélange confus de courbes et de méandres sont accentués par un jeu d’ombres et de lumières. Cet enchevêtrement pictural ressemble à un maillage organique de voies nerveuses, un réseau de fines artères et de veines qui vibrent. Ces images sont vivantes. Leur caractère pictural dépasse les qualités visuelles de la photographie. Le pouvoir du « moment décisif » est annulé. Le moment n’est qu’une partie d’un tout, en somme, une nouvelle oeuvre d’art complète d’une profondeur inhabituelle est créée.

L’effort pour définir la création artistique comme un processus et pour mettre consciemment en avant le facteur temps se reflète également dans son travail « Sky ». Si l’on considère le ciel comme une surface de projection pour une variété infinie de formations nuageuses, leurs mouvements et leurs changements ne peuvent s’expliquer que par le phénomène du temps.
Les photographies de Santeri Tuori font l’effet d’images d’un monde parallèle, d’un univers soumis à la loi du temps mais qui se meut et qui existe en dehors des paradigmes humains. « Sky » est une révélation pour les sens laissant beaucoup d’espace à l’imagination, et en même temps c’est une oeuvre photographique avec des caractéristiques philosophiques.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée au Schlassgaart, château de Clervaux

Sky © Santeri Tuori

« On pouvait arriver promptement à la Huchette, y rester une heure et être rentré dans Yonville, que tout le monde serait encore endormi. Cette idée la fit haleter de convoitise, et elle se trouva bientôt au milieu de la prairie, où elle marchait à pas rapides, sans regarder derrière elle. »
Gustave Flaubert, Madame Bovary

Eric Bénard propose une interprétation photographique de la relation entre son oeuvre et ses lieux d’inspiration. Le parcours de l’exposition présentera des photographies grand format qui seront exposées sur les murs extérieurs des communs du Château de Martainville. Une seconde section de l’exposition, plus intimiste et présentant des photographies de « fragments », sera présentée au3è me étage du musée avec des formats plus petits. Des panneaux d’exposition accompagneront les photographies afin de présenter le photographe et son projet artistique.

Propos du photographe Eric Bénard :
De son repère du Croisset sur les bords de la Seine, Gustave Flaubert a écrit pendant cinq ans l’une de ses oeuvres les plus puissantes, Madame Bovary. Publiée en 1856, cette étude de « moeurs de province » (sous-titre du roman), a révolutionné la littérature par ses audaces. L’histoire d’Emma, héroïne tragique moderne, s’inscrit dans un bourg normand « à huit lieues de Rouen ». Le décor occupe une place primordiale dans Madame Bovary, il est omniprésent et indissociable du personnage. Les descriptions de paysages, d’objets, d’intérieurs et d’évènements de la vie locale reflètent les états d’âme d’Emma, ses passions et ses illusions, ses rêveries et ses craintes, ses désirs et son ennui.
Emma cherche à échapper à son quotidien ennuyeux et étouffant, à la fois concrètement et par l’imagination. Elle s’évade de chez elle en empruntant les chemins qui la mènent vers ses deux amants successifs, elle s’invente une nouvelle vie par des rêves nourris de littérature romantique.
Son insatisfaction ne lui laisse que peu de répit, elle est sans cesse en mouvement.
C’est cette tension psychologique permanente d’Emma que j’ai souhaité suggérer en filigrane dans mes photographies, par l’alternance de paysages et de fragments. D’un côté, des vues amples captées en Normandie au rythme des saisons, des atmosphères évoquant les sensations de liberté et d’évasion. Et en contrepoint, des vues de proximité, plus serrées, verticales, d’objets, de gestes traduisant la contrainte, l’enfermement.
Quant aux chemins, j’ai choisi de leur accorder une place particulière. Pour Emma, ils représentent le trait d’union entre son univers réel et celui fantasmé, la promesse de plaisirs cachés mais aussi la tristesse de désillusions. Empruntés dans des tenues peu adaptées à la marche et dans des conditions parfois difficiles, ils sont parfois semés d’embûches. Ces chemins la mettent en contact avec une nature à la fois belle et rugueuse.

Enfin, en adoptant une palette de couleurs légèrement désaturées et granuleuses, j’ai voulu distiller un charme suranné, une certaine mélancolie, une suspension du temps. Quelques images en noir et blanc pourront s’intercaler afin d’apporter une certaine âpreté. Cet ensemble photographique sera ponctué de citations de Madame Bovary et d’extraits de la correspondance de Flaubert.

Eric Bénard est à la fois photographe et rédacteur en associant texte et image. Cette vision sociologique le pousse à réaliser plusieurs reportages sur le portrait avec Les gens de l’eau (2013) et Les gens du lin (2016), le geste et le paysage. Il porte un intérêt au lien entre l’homme et son environnement et son empreinte sur le paysage mais aussi à la littérature avec deux expositions consacrées à Palerme et Maupassant et à Marguerite Duras (Des journées entières en Indochine, 2014) où il propose une interprétation personnelle de la relation entre son oeuvre et les lieux de son enfance, et de la genèse de son oeuvre littéraire : l’Indochine.

Commissariat d’exposition : Caroline Louet et Eric Bénard

Jardins de l’Abbaye de Daoulas l Du 1^er avril 2021 au 5 décembre 2021
Dans les jardins de l’Abbaye, le photographe Babak Kazemi revisite la légende, tragique et romantique, d’un triangle amoureux :  La fuite de Shirin & Farhad. Farhad, tailleur de pierre, et le roi Khosrow sont tous deux amoureux de la belle Shirin. Le roi, pour évincer Farhad, lui assigne une tâche insurmontable, celle d’ouvrir un chemin à travers une montagne. Farhad s’y attelle avec courage, montrant ainsi la force de son amour pour Shirin. Avec La fuite de Shirin & Farhad, Babak Kazemi offre une écriture moderne de l’un des plus grands textes classiques de la culture persane, « Shirin et Farhad » du poète Nezami Ganjavi (1175). Revisiter cette histoire d’amour par la photographie est un moyen détourné pour l’artiste d’évoquer les luttes actuelles de ceux qui doivent s’exiler pour retrouver l’amour et la liberté.

 ALICE AU PAYS D’IRAN
LES CAPTIFS 
 UN RAPPORT POUR D’ARCY
LE TEMPS DU PASSÉ CONTINUE  
4 SÉRIES DE PHOTOGRAPHIES DE BABAK KAZEMI
Ville de Daoulas l À partir du 1^er avril au 5 décembre 2021
Dans la commune, quatre autres séries de Babak Kazemi, Alice au pays d’Iran, Un rapport pour d’Arcy, Les Captifs et Le temps du passé continue donnent à comprendre, avec sensibilité et poésie, les espoirs d’un jeune photographe pour un monde en paix.

Babak Kazemi est né à Ahvaz en Iran en 1983. Il vit et travaille à Téhéran. Son œuvre, présente dans les collections de différents musées à Téhéran, est marquée par la guerre entre l’Iran et l’Irak et l’impact de la production de pétrole dans sa région natale. Il est représenté par la galerie Silk Road à Téhéran.

Les Balades photographiques de Daoulas sont une étape d’Une Traversée photographique en Bretagne qui regroupe une quinzaine d’initiatives autour de la photographie en 2021.
 ⟩ traverseephotobretagne.fr  ⟩ ⟩

Parcours photographique dans les jardins de l’abbaye et la ville de Daoulas

Un paysage, presque entièrement blanc, doux comme de la ouate. Des nuages, si épais et si lourds qu’aucun rayon de soleil ne les traverse. Une bande de neige. L’horizon s’estompe, il disparaît.

Où sommes-nous ?
Cela fait un peu penser au phénomène météorologique et non anodin du « blanc dehors ». En cas de sol enneigé et de forte couverture nuageuse, dans les régions montagneuses par exemple, peut apparaître une luminosité forte et diffuse, uniformément claire, et il nous est impossible de discerner des repères que sont les lignes du paysage, les ombres ou l’horizon.

Pourtant, nous disposons d’un point de repère, même s’il peut passer inaperçu au premier abord : Au centre de l’image – le point crucial de l’ensemble de la série de Donovan Wylie – l’œil perçoit une fine ligne dans un paysage autrement fait de nuages et de neige d’un blanc éclatant, presque monochrome. Il s’agit du « Lab1 » ou de Cap Kakiviak, une base militaire canadienne et américaine destinée à surveiller l’espace aérien et le trafic maritime à Terre-Neuve, au nord-est du Canada.

Les progrès technologiques et le développement de bombardiers et de missiles à longue portée ayant rendu les frontières arctiques du Canada vulnérables aux attaques après la Seconde Guerre mondiale, le Canada et les États-Unis se sont vus obligés de construire un réseau de stations radar le long des frontières nord du pays dans les années 1950. Ces systèmes ont finalement été améliorés dans les années 1990, pour devenir le « Système d’alerte du Nord », jouant un rôle de plus en plus actif au fil des ans.

Le voyage que Donovan Wylie entreprend en hélicoptère suit un plan élaboré. Le poste de surveillance sans personnel, construit aux frontières de la civilisation sur une chaîne de montagnes, et dont le rôle est de détecter des menaces invisibles, est visé lentement et stratégiquement contourné. Alors que la tour radar est toujours dans le point de mire et au centre de l’image, le paysage environnant change constamment ; les nuages se déchirent et révèlent des rochers, de la glace et des fjords glaciaires. Le calme apparent au milieu de ce paysage blanc est cependant trompeur – l’œil vigilant de la station militaire est dirigé vers nous et enregistre le moindre de nos mouvements.

Au cas où, toujours prêt.

Texte: B. Praun / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée dans le jardin de Lélise, montée de l’église

North Warning System © Donovan Wylie

« Enjeu de mémoire, le destin des “triangles roses” a longtemps été invisibilisé. Cette exposition entend rendre compte, grâce à de nombreux documents originaux, du sort des homosexuels et des lesbiennes sous le régime nazi, entre stigmatisation, persécution et lutte pour la reconnaissance. »
Florence TAMAGNE, commissaire scientifique de l’exposition
Maîtresse de conférences en histoire contemporaine à l’Université de Lille
Spécialiste de l’histoire de l’homosexualité

En 2021, pour la première fois en France, un musée d’histoire retrace de manière chronologique et thématique l’histoire de la persécution des homosexuels et lesbiennes sous le Troisième Reich en s’appuyant sur une riche sélection de documents pour la plupart jamais présentés en France.

Longtemps tabou, le destin des « triangles roses », s’il est, depuis une trentaine d’années, l’objet de recherches historiques de premier plan, reste encore méconnu du grand public. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, rares furent les hommes et femmes homosexuels à témoigner du sort qui fut le leur sous le régime nazi. En Allemagne, ils se virent nier le statut de victimes, du fait notamment du paragraphe 175 du Code pénal allemand, criminalisant les relations sexuelles entre hommes, qui resta en vigueur après 1945.

Ce n’est qu’à la faveur du mouvement de libération gay et lesbien des années 1970 que le sujet commença à être débattu, soulevant de nombreuses questions, constituant autant d’enjeux mémoriels : quelle fut la nature des persécutions ? Combien de personnes furent touchées ? Tous les homosexuels furent-ils visés ? Quel fut le sort des lesbiennes ? Quels furent les territoires concernés par la répression, notamment en France ? Comment honorer le souvenir des victimes ?

S’appuyant sur une variété de documents, la plupart jamais présentés en France, cette exposition se propose de répondre à ces multiples interrogations en replaçant la persécution des femmes et des hommes homosexuels sous le régime nazi dans un cadre géographique large – même si l’Allemagne et la France seront privilégiées – et dans le temps long.

Photo : Photographies anthropométriques de John Walter, déporté homosexuel, camp d’Auschwitz. Pologne, 08/1941 © Mémorial de la Shoah/Coll. Musée d’Auschwitz

D’une petite favela au coeur de Sao Paulo jusqu’au fin fond de l’Amazonie, un voyage photographique entre documentaire et poésie qui questionne la situation actuelle du Brésil.
Une exposition à découvrir à la Galerie du théâtre et au Musée Museum départemental à Gap.

« Installé au Brésil pendant plus de dix ans, Ludovic Carème a pris à rebours le trajet de ceux qu’il a photographiés. Il a commencé à dresser le portrait de la petite favela d’Agua Branca à Sao Paulo, pour finir son périple en Amazonie, là d’où sont partis ceux qui rêvaient de trouver le bonheur dans la mégapole. Puis, il est allé régulièrement à Agua Branca dans ces baraques en planches, construites au-dessus des égouts, il a photographié, de près, en noir et blanc vibrant ceux qui acceptaient sa présence et lui faisaient don de leur visage. C’est là aussi qu’il a photographié, en pied, les travailleurs.
En 2012 il a cadré les grands immeubles du centre mis en jachère par des promoteurs spéculateurs, ruines modernes et dérisoires, révoltantes, dans une ville où des milliers de sans-abris rendent encore plus intolérables ces habitations vides transformées en œuvres d’art urbain par d’audacieux « Pixadores ». En abandonnant la ville pour le plus profond de l’Amazonie, en poursuivant son travail de portraitiste et en le complétant de vues, souvent sensuelles de la forêt, mais aussi de constats nets de sa déforestation, il poursuit le développement sensible d’une photographie documentaire aux solides bases classiques.
Des portraits dignes et un peu tristes, une forêt luxuriante, en butte aux agressions de l’homme, des maisons détruites, le double mouvement qui mène les pauvres vers les villes et leur interdit les centres, tout est là, avec retenue, avec une forme de poésie aussi. »
Christian Caujolle

Art Trope Gallery est ravie de vous inviter à découvrir le travail photographique de Bruno Palisson sur sa série « Le Geste du Saunier » avec 12 œuvres exposées en grand format en plein cœur de la ville de Noirmoutier-en-l’Île.

C’est au travers de sa série photographique que l’artiste a souhaité mettre en lumière et rendre hommage au métier de saunier dans son exploitation située dans les marais salants de l’île de Noirmoutier.

De par sa prise de vues mais également son travail de composition, les photographies de Bruno Palisson réussissent à sublimer le talent d’un tel métier et la gestuelle pratiquée comme une véritable cérémonie.

Au travers d’un filtre noir et blanc qui souligne le temps, l’effort mais aussi l’historicité de la discipline dont son apparition date du VIIème siècle, Bruno Palisson surprend par ses jeux géométriques mais également par la vie qu’il met dans ces espaces épurés. L’artiste photographe surligne son savoir-faire et nous propose dans cette série des œuvres au format carré où il va constamment chercher une diagonale qui dirige le regard.

On retrouve notamment la singularité de Bruno Palisson dans sa capacité à capturer le mouvement lent de ce métier nécessitant une dextérité parfaite pour la récolte. Ce métier ancestral illustre la patience et cette connexion de l’Homme avec la Terre, comme une réflexion de soi. Ainsi, dans cette escapade au sein des moments de vie du saunier, il est question d’un hommage photographique puissant dont le sujet n’avait encore jamais été revisité par un artiste contemporain.

Enfin seules présente une sélection de plus de deux cents images de la collection Archive of Modern Conflict. Fondée en 1992 à Londres, cette organisation se décrit comme étant « dépositaire des histoires oubliées et cachées dans l’archive photographique ». Initialement portée sur l’histoire des conflits, elle s’apparente aujourd’hui davantage à un laboratoire qu’à une archive traditionnelle, couvrant une multitude de sujets. Avec plus de huit millions d’images, elle compte parmi les collections photographiques les plus importantes du monde et est régulièrement présentée au sein d’expositions et de publications.

À travers un ensemble de photographies provenant de tous les continents et couvrant une large période, du milieu du XIXe siècle jusqu’aux années 1970, Enfin seules pose un regard inédit sur le monde végétal dans toute sa diversité. Les photographies présentées, qui reflètent l’éclectisme de la collection, dressent le portrait d’un monde où toute vie animale aurait disparu de la Terre.

Enfin seules est conçue comme un environnement immersif qui converge vers un espace central, assimilable à une « caverne ». Des images florales, des champignons, des troncs d’arbres, des fougères, des stalagmites ou des aurores boréales investissent l’ensemble des murs de la galerie. Ces panoramas de plantes, de roches et de lumières servent de toile de fond à une sélection de photographies historiques et récentes, aux techniques et procédés divers. Au sein de l’exposition, des images d’artistes et de photographes de renom, de personnalités issues de différents champs disciplinaires, tels que la botanique, l’astronomie, les mathématiques ou la science, figurent ainsi aux côtés de celles d’amateurs enthousiastes ou d’anonymes.

Archive of Modern Conflict a présenté des expositions à PHotoESPAÑA, Madrid (2018), aux Rencontres d’Arles (2017, 2018), Tate Modern (2014), Hayward Gallery, Londres (2013), The Museum of Contemporary Art Toronto (2013) et Paris Photo (2012). En tant qu’éditeur, AMC Books a publié plus de soixante-dix livres à ce jour et fait paraître la revue AMC2 régulièrement.

Le Mois européen de la photographie (EMOP) est un réseau de festivals consacrés à la photographie qui se déroule tous les deux ans à Berlin, Lisbonne, Luxembourg, Paris et Vienne. Cette collaboration vise à renforcer la scène photographique internationale en favorisant les partenariats, les échanges et le soutien aux jeunes artistes. Le Mois européen de la photographie au Luxembourg est organisé par Café-Crème asbl.

Avec des photographies de (sélection) :
Anna Atkins (1799, Tonbridge – 1871, Halstead), Paul Marcellin Berthier (1822, Paris – 1912, Paris), Brassaï (1899, Brașov – 1984, Beaulieu-sur-Mer), Adolphe Braun (1812, Besançon – 1877, Dornach), Fred Payne Clatworthy (1875, Dayton – 1953, Estes Park), Thomas Joshua Cooper (1946, San Francisco), William Craven (1809, Londres – 1866, Scarborough), Maxim Petrovich Dmitriev (1858, Povalichino – 1948, Nijny Novgorod), Henry John Elwes (1846, Cheltenham – 1922, Cheltenham), Dmitri Ermakov (1846, Tiflis – 1916, Tiflis), Amelia Elizabeth Gimingham (1833, Londres – 1918, Axbridge), Fay Godwin (1931, Berlin – 2005, Hastings), Dr. Conrad Theodore Green (1863, Kirkburton – 1940, Birkenhead), Petr Helbich (1929, Prague), John Karl Hillers (1843, Hanovre – 1925, Washington D.C.), Frederick Hollyer (1838, Londres – 1933, Blewbury), Bertha Jaques (1863, Covington – 1941, Chicago), Edward Dukinfield Jones (1848, Derby – 1938, Los Angeles), August Kotzsch (1836, Dresde – 1910, Dresde), Axel Lindahl (1841, Mariestad – 1906, Södertälje), Lee Miller (1907, Poughkeepsie – 1977, Chiddingly), Paul-Émile Miot (1827, Trinité – 1900, Paris), Charles Nègre (1820, Grasse – 1880, Grasse), Ferdinand Quénisset (1872, Paris – 1951, Juvisy-sur-Orge), Willy Ronis (1910, Paris – 2009, Paris), Jaroslav Rössler (1902, Smilov – 1990, Prague), José María Sert (1874, Barcelone – 1945, Barcelone), Carlo Baldassare Simelli (1811, Stroncone – décédé après 1877), Fredrick Carl Størmer (1874, Skien – 1957, Oslo), Josef Sudek (1896, Kolín – 1976, Prague), Graham Sutherland (1903, Londres – 1980, Londres), Eugen Wiškovský (1888, Dvůr Králové nad Labem – 1964, Prague)et Shikanosuke Yagaki (1897, Kyoto – 1966).

Des premières icônes d’Europe et du Moyen-Orient aux œuvres modernes et contemporaines, les icônes ont inspiré de nombreux croyants et artistes, à travers les âges. L’exposition dévoile comment les dimensions spirituelles ont été intégrées dans les œuvres d’art depuis l’Antiquité.

La tradition attribue les premières icônes à Saint-Luc qui, après la Pentecôte, aurait peint trois représentations de la Vierge Marie. Des premières icônes d’Europe et du Moyen-Orient aux œuvres modernes et contemporaines, ces représentations imagées du divin ont inspiré de nombreux croyants et artistes. L’exposition Icons, curatée par Henri Loyrette, ancien Directeur du Musée d’Orsay et Président-Directeur du Musée du Louvre, dévoile comment les dimensions spirituelles ont été intégrées dans les œuvres d’art depuis l’Antiquité à nos jours.

L’exposition présente une sélection d’icônes anciennes en provenance d’Europe et de Russie – représentant tour à tour le Christ, la Mère de Dieu, ou des Saints individuels – dont la simplicité frappante les distingue en tant qu’objets de vénération intemporels.

Un second ensemble d’œuvres d’artistes du XIXe et XXe siècle, tels Charles Filiger ou encore Lucien Levy-Dhurmer, explore la composition frontale et sans profondeur des icônes. L’exposition aborde également l’utilisation que font les artistes contemporains du langage iconographique, à l’instar de Yan Pei-Ming et Wim Delvoye.

Artistes
Michael Craig-Martin, Wim Delvoye, Mounir Fatmi, Jean Fautrier, Charles Filiger, Ellen Gallagher, Douglas Gordon, Duane Hanson, Titus Kaphar, Octave Landuyt, Bertrand Lavier, Lucien Levy-Dhurmer, MARWAN, Claude Mellan, Annette Messager, Yan Pei-Ming, Pierre et Gilles, Arnulf Rainer, Georges Rouault, Fabrice Samyn, Sarkis, Henry Van de Velde, Andy Warhol, Gustave van de Woestyne

Commissaire Henri Loyrette

Photo : Pierre et Gilles, La Madone au cœur blessé – Lio (détail), 1991 – Pinault Collection

Depuis 100 ans, les photographes ont parcouru la région du Valais dans les Alpes suisses, de la Plaine du Rhône aux sommets les plus hauts. Ils ont été les témoins des joies et des peines des habitants de ces vallées. Les images et les reportages de cette exposition collective montrent les changements économiques, sociaux, technologiques et climatiques pendant un siècle.

Cette exposition permet aussi de  découvrir  l’évolution du travail des médias par des documents d’archives, de journaux, de radio et de télévision.

Le MBAL a invité l’artiste d’origine russe Anastasia Samoylova à créer une installation inédite pour la façade du musée. Sa pièce murale convoque le Grand Canyon sur fond de changement climatique. Depuis plusieurs années, l’artiste, qui vit aujourd’hui aux Etats-Unis, créée des installations monumentalesparallèlement à sa pratique de photographe documentaire. Grand Canyons, réalisée en 2021, s’inscrit dans la série Landscape Sublime commencée en 2013. L’artiste y explore la manière dont les images issues des réseaux sociaux répondent aux motifs picturaux populaires et illustrent une certaine idée de la nature et de l’environnement. Pour réaliser ses collages, Samoylova collecte sur Internet des images libres de droits, puis les re-photographie sous forme de tableaux cubistes. Capturées par des photographes amateurs, la plupart d’entre elles sont souvent majestueuses : les couleurs saturées et les compositions correspondent aux conventions attendues de l’imagerie touristique de type calendrier. L’artiste télécharge ses images en utilisant des mots-clés qui deviennent ensuite les titres de ses œuvres. Dans son studio, elle imprime, puis découpe, plie, et assemble les vues trouvées. Se laissant porter par l’improvisation pour construire ses compositions de façon tridimensionnelle, Samoylova s’inspire du travail de l’avant-garde russe, en particulier celui de l’artiste constructiviste Liubov Popova. Sa relation aux images populaires est influencée par le Pop Art de Robert Rauschenberg et par le postmodernisme.

Grand Canyons se compose de vues typiques des célèbres paysages de l’ouest américain, ainsi que de photographies historiques provenant de la bibliothèque en ligne du parc national du Grand Canyon, des images de sentiers de randonnée, de points de vue sur les hauteurs, en passant par celles de groupes de touristes et d’animaux indigènes. Tant les archives officielles du parc que les images partagées sur les réseaux sociaux contiennent des photographies de feux de forêt survenus ces dernières années. La durée de la saison des feux augmentant chaque année en raison du changement climatique, le nombre croissant d’images de feux téléchargées sur Internet est un rappel silencieux de ce qui pourrait être perdu si l’exploitation des terres se poursuit au même rythme. Le travail de Samoylova explore ainsi les notions d’environnementalisme, de consumérisme et de pittoresque. Avec la série Landscape Sublime, elle pose son regard sur l’une des questions les plus urgentes de ce siècle : le changement climatique. Sa composition d’images capture l’état d’une nature qui sombre vers la catastrophe et révèle le rôle que joue la photographie dans la création de souvenirs collectifs et de géographies imaginaires.

Biographie
Anastasia Samoylova (Russie/USA, 1984) vit et travaille entre Miami et New York. Elle a obtenu un Master en beaux-arts de l’université Bradley et un Master en design environnemental de l’université d’État russe pour les sciences humaines. Son dernier projet, FloodZone (2020), est paru aux éditions Steidl et a été exposé à Tampa, aux Etats-Unis. Le travail de Samoylova a été remarqué par la presse internationale, notamment Artforum, The New Yorker, The Washington Post, El Pais, Die Presse-Schaufenster et Frankfurter Allgemeine. Elle a reçu un certain nombre de bourses. Ses œuvres font partie des collections du Perez Art Museum à Miami, du Museum of Contemporary Photography à Chicago et du Wilhelm-Hack Museum en Allemagne.

« Anima » est un terme latin signifiant l’âme et le souffle. Il évoque à la fois le dialogue intérieur et l’imagination. En faisant flotter ses oeuvres dans l’espace, Mauren Brodbeck nous plonge au coeur d’une nature passée à travers son filtre – celui de sa palette de couleurs, d’images modifiées, et d’un environnement sonore insolite. C’est en créant un espace visuel et sonore aussi singulier que l’artiste invite le public à pénétrer au coeur d’un jardin qui évoque davantage un paysage rêvé qu’une documentation réaliste de la nature. Avec Anima (2021), Brodbeck explore les matières, les couleurs, les textures, les bruits, tant dans l’image que dans le son. Le monde végétal est mis dans un état vibratoire, car il doit s’adresser à nos sens et à nos émotions. Chez l’artiste, les variations visuelles et sonores
peuvent être développées à l’infini. En s’éloignant d’une représentation traditionnelle de la nature, elle nous invite à entrer en relation avec un environnement végétal d’un autre type : par cet espace immersif, l’artiste incite chacun·e à se
laisser porter par son intuition. Si Brodbeck perturbe ce que nous connaissons de la nature, c’est parce qu’elle cherche à créer une connexion avec l’invisible, ou mieux l’intangible. Anima nous emmène au-delà de la surface du monde végétal – une surface littéralement transformée. La captation de sons durant le processus de création est primordiale pour Mauren Brodbeck : le grattage des photographies ou le contact physique avec les plantes participent à l’exploration de la matière. L’espace d’exposition constitue alors un environnement où le paysage sonore fait
écho au paysage visuel, et vice versa. C’est en cheminant dans cet espace que chacun·e est invité·e à écouter son propre ressenti.

Pensé comme un jardin suspendu dans le temps et dans l’espace, le travail de Brodbeck renvoie à la symbolique traditionnelle du jardin : entre contemplation et plaisir, il est aussi un espace sacré et une possibilité de renouer avec un monde intime. Ainsi, l’artiste réinterprète une expérience commune : la promenade dans la nature. Son jardin scintille pour mieux s’adresser à nos émotions et à notre sensibilité. Enfin, Anima est aussi une exploration de « l’Anima Mundi » : décrite par les philosophes comme l’âme du monde, elle consiste à voir la nature comme un être vivant, ou mieux, une essence divine qui englobe et dynamise toute vie dans l’univers.

Biographie
Mauren Brodbeck (Suisse, 1974) vit et travaille à Genève. Se décrivant comme une artiste « multisensorielle », elle réunit dans son travail des éléments visuels et auditifs pour créer des réinterprétations d’expériences du quotidien. Avec ses oeuvres multidimensionnelles, elle souhaite inviter le public à reconsidérer ses relations avec l’environnement qui l’entoure. Sa formation a débuté à la Vancouver Film School au Canada. Elle a ensuite obtenu un Bachelor en photographie à l’Art Center College of Design à Pasadena, en Californie et a enfin poursuivi une formation postgrade à la Haute école d’art et de design (HEAD) à Genève, pour y étudier les arts interactifs et les nouveaux médias. Depuis 2005, son travail est exposé en Suisse et à l’étranger, notamment en Allemagne, en France et aux Etats-Unis, et a été présenté dans différentes foires, telles que Paris Photo et la Berliner Liste. Brodbeck a également fondé Raw and Radical, un projet visant à connecter et soutenir les femmes artistes notamment par une série de podcasts.

Trésors des collections suisses de photographie

À son invention au 19e siècle, la photographie est une technique qui demande des compétences non seulement chimiques et physiques, mais également artistiques. En 1840, l’année qui suit l’avènement de la photographie, les premiers photographes posent leur chambre noire au milieu du paysage alpin. Alors que cette technique ne reproduit pas les couleurs du monde, le noir et blanc devient néanmoins une tonalité que les photographes se plaisent à explorer, puis au tournant du 20e siècle ce travail autour de l’ombre et de la lumière devient une esthétique revendiquée en tant que telle.
Des centaines de milliers de photographies ont été réalisées sur les hauts sommets au cours du premier siècle de la photographie (1840-1940). D’Auguste-Rosalie Bisson à Albert Steiner en passant par les images récemment découvertes de Rudolf Elber, Montagne Magique Mystique témoigne de l’engouement des photographes pour la montagne. Ceux-ci se rendent dans les Alpes, mais également dans d’autres contrées, comme Vittorio Sella qui a parcouru l’Alaska, Ansel Adams la Californie, Knud Knudsen la Norvège ou Samuel Bourne l’Inde. Si beaucoup de photographies ont sans aucun doute disparu avec le temps, des milliers de tirages ont survécu, souvent grâce au travail assidu des clubs alpins, des musées, des bibliothèques et des collectionneurs, eux-mêmes passionnés de montagne. Quant aux alpinistes, ils n’ont pas seulement photographié à profusion, ils ont aussi collecté les images d’autres photographes de montagne, rapportant des images d’autres sommets.

Se concentrant sur les 100 premières années de l’histoire de la photographie, la recherche menée par le MBAL réunit plus de 200 tirages dont la plupart n’ont jamais été montrés au public. Pour réaliser cette exposition inédite, le musée a collaboré avec 18 collections suisses publiques et privées.

De plus, cette programmation annonce la 6e édition du festival de photographie contemporaine Alt. +1000 qui aura lieu dans la vallée de la Brévine en septembre 2021. Pour compléter cette exposition consacrée au paysage, le MBAL publie un texte inédit du philosophe Emanuele Coccia, auteur des essais remarquables « La vie des plantes » et « Métamorphoses ».

L’exposition est réalisée grâce aux prêts généreux de nombreuses collections publiques et privées de Suisse. Le commissariat est assuré par William A. Ewing, en collaboration avec Nathalie Herschdorfer, directrice du MBAL.

Bibliothèque de la Ville de la Chaux-de-Fonds · Bibliothèque nationale, Berne · Collection Daniel Schwartz · Collection Doy Young et Gaudenz F. Domenig · Collection Nicolas Crispini · Collection Richard de Tscharner · Collection Thomas Walther · Fondation Auer Ory, Hermance · Fotostiftung Schweiz, Winterthur · Médiathèque du Valais, Martigny · Musée Alpin Suisse, Berne · Musée d’art et d’histoire Neuchâtel · Musée gruérien, Bulle · Musée national suisse, Zurich · Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey · Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano · Zentralbibliothek, Soleure

L’exposition a reçu le soutien de la Fondation Le Cèdre, de la Fondation Philanthropique Famille Sandoz et du Contrôle des Métaux Précieux.

Tous les chemins mènent au Lion est le projet photographique développé par Thierry GIRARD à la demande de la Ville de Belfort. L’artiste propose de mettre en oeuvre six cheminements à travers Belfort et ses environs immédiats en tenant compte de la singularité et de l’histoire de certains lieux, ainsi que de la diversité des espaces et des architectures urbaines. Une même importance est accordée au patrimonial et au vernaculaire, en s’inspirant des grandes et des petites histoires. La restitution du travail présentera donc une suite de parcours urbains ponctués de haltes liées à ces divers événements.

Né en 1951 à Nantes, Thierry Girard se lance très vite dans la photographie avec des premiers travaux à Londres et dans le Nord de la France (1976 -1981). Passionné de voyages et d’itinérance, il se rend en Europe, en Asie et en Amérique pour se documenter, présenter ses travaux ou organiser des ateliers pédagogiques.
Il expose depuis les années 1980 et ses recherches les plus récentes portent sur le Japon dévasté par le tsunami (Après le fracas et le silence, 2011-2012), sur les restes de la guerre de 1870-1871 dans le paysage de l’est de la France (Salle des fêtes, 2014-2015), sur une ligne de train japonaise dans le Kyushu au sud du Japon (The Tenjin Omuta Line, 2015), sur le bassin industriel des Hauts-de-France (Le monde d’après, 2017-2018).
Son travail continu, depuis 1997, dans le Parc Naturel Régional des Vosges du Nord, illustre remarquablement sa démarche, entre randonnées photographiques et projection sur le temps long.

La résidence de Thierry Girard a commencé en 2018, s’est échelonnée tout au long de l’année 2019 pour s’achever avant l’été 2020. L’exposition est prévue lors du printemps 2021, au sein de la Tour 46 – salle des expositions temporaires.
Le choix d’un partenariat avec le photographe Thierry Girard a été motivé par son approche fine et attentive des territoires, à l’oeuvre dans le bassin minier du Nord Pas-de-Calais, au sein des paysages de l’est de la France, notamment pour la guerre de 1870 dans les Ardennes, ou encore dans son observatoire des Vosges du Nord.

Par suite, les premiers échanges se sont placés sous le patronage de l’écrivain Julien Gracq. Dans La forme d’une ville (1985), l’écrivain évoque Nantes d’une manière spontanée et libre qui exclut les monuments et autres marqueurs du Guide bleu, pour rendre à la ville sa densité propre et sa vie populaire hors des must architecturaux.
Le résultat de la résidence de Thierry Girard n’est donc pas une promenade culturelle mais une déambulation « à l’aventure, dans les rues d’une ville non triée, non étiquetée, pour se laisser imprégner indistinctement de ses masses de pierres inégales (…) sans le moindre souci d’en ranger les éléments par ordre d’excellence ».
Son mode opératoire : six cheminements depuis les collines qui entourent Belfort jusqu’au coeur de la ville et l’apparition d’un lion, en photographiant donc le patrimoine et le vernaculaire, la forêt, les bourgs et les faubourgs, les hommes et les femmes au bord du chemin.

Thierry Girard semble s’imposer une neutralité : sa photographie ne recherche pas le sensationnel et n’ambitionne pas de critique sociologique ; ce n’est pas non plus un expressionnisme qui rechercherait un propos personnel. La photographie de Thierry Girard reflète au contraire la notion de « territoire », à la rencontre entre l’histoire (les ruines militaires), la topographie (les forêts), l’économie (Alstom) ou la démographie (l’immigration). À maintes reprises, le photographe amène le visiteur à considérer l’architecture de la cité moderne de Belfort, ses espaces et ses personnes, et propose une intelligibilité touchante et humaniste qui rappelle les mots célèbres du philosophe Jean Bodin au XVIe siècle : « il n’est de richesse que d’hommes ».
Enfin, la démarche de Thierry Girard, si elle paraît très historienne, n’est pas dénuée de recherche esthétique : la beauté n’est pas loin dans les portraits des habitants et ouvriers d’Alstom ou dans les vues paysagères. L’artiste sollicite le regard mais aussi le corps et les sensations, c’est une photographie à échelle humaine au sens premier.

Un immense terrain vague sépare les deux lieux : « Tibby », ou Tipton, et son cul de sac de maisons résidentielles qui entoure une petite aire de jeu, des gamins obligés de tendre leurs bras jusqu’au-dessus de leurs têtes pour pousser un landau, ou d’autres qui déboulent à vélos. Par une allée étroite on arrive au terrain vague, une étendue d’herbe bordée de mûres et d’orties. Des motos, scooters et quads rugissent, tous les jours et à toute heure, dans un vacarme assourdissant. Les gamins font la course jusqu’à cramer leurs machines, perfectionnant l’art de rouler sur une seule roue. Habituellement les chevaux, qui sont tout aussi populaires, sont gardés à l’arrière des jardins, ou dans les écuries du coin. Les filles se blottissent autour de petits feux malgré le soleil brûlant de l’été.
Sur le terrain adjacent on arrive au « Lost City Estate ». La plupart des gars s’y retrouvent devant les grilles de Jack Barrett’s, une clôture métallique plantée à l’entrée du champ. Sur leurs perchoirs ils se racontent des histoires, cigarettes et joints allumés, se donnant mutuellement le surnom affectueux de « Mush ». Ce qui m’attire dans cet endroit c’est sa communauté insulaire. Tout le monde se connaît. Les habitants, se sentant oubliés, ont eux-mêmes choisi le nom « The Lost City ». Avec peu de divertissements ou d’inspiration, en l’absence de modèles à suivre, ces jeunes se sentent effectivement perdus. La police leur livre bataille. Mon but est d’explorer les amitiés, un parlé et une tradition unique, propre à cette région et à ses habitants.

EXPOSITION EXTÉRIEURE, Gare SNCF de SÈTE

Dans le cadre de sa mission d’encouragement et de soutien à la création et la diffusion de travaux d’auteurs dans le champ de l’image ainsi que dans une perspective de formation, le CNA a mis en place la Bourse CNA – Aide à la création et à la diffusion en photographie. La bourse s’adresse à des artistes, professionnels ou en formation, de nationalité luxembourgeoise, ou vivant au Luxembourg ayant une pratique en photographie.

Aucun sujet ou « genre » photographique ne sont imposés, le but étant de soutenir des créateurs talentueux, sans limite d’âge, leur permettant de réaliser un travail photographique personnel ou d’en soutenir la diffusion par la production d’une exposition ou d’une publication.

Le CNA accompagne l’artiste sélectionné pendant le développement de son projet.

La date limite de dépôt des dossiers est fixée au vendredi 24 septembre 2021.

Le formulaire de candidature et le règlement sont à compléter en ligne :

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSftc5M9NiKRLWxxx7TvqqDim8p_CA-JvhtnY8dBjprSnXvWHw/viewform

Photo : © Samuel Bollendorff, ÉLÉMENTS

Comment vit-on en tant que peintre, danseur, réalisateur ou poète en Papouasie Nouvelle Guinée, en Iran, en Mauritanie, à Madagascar ou au Brésil ?
Comment faire de l’art son métier quand il semble être la dernière priorité d’un gouvernement, que la religion fait loi, qu’aucune structure de diffusion n’existe ou qu’il est muselé par la censure ?
La série VoiE.X, réalisée entre 2016 et 2021, présente des portraits d’artistes qui posent l’acte de création comme un acte de résistance dans des contextes où vivre de l’art est une gageure. Leur travail dépasse alors le champ artistique pour devenir politique et social, interrogeant la liberté de création, d’expression, d’action, bref, la liberté tout court. Chaque parcours est singulier mais tous ont en commun de dépasser, voire de détourner les contraintes pour se réaliser.
Comme les détails se cachent autant dans les lignes de fuite que dans celles du visage, les portraits sont réalisés au grand angle. Une manière d’esquisser une géographie intime où le sujet et son environnement sont liés, de gré ou de force.
Avec les restrictions sanitaires que nous connaissons depuis 2020, Sandra Reinflet a décidé d’étendre ce travail à la France.
En cette période où la culture fut officiellement catégorisée « non-essentielle », la question de la place des artistes se pose plus que jamais. Et, comme une mise en abîme, l’exposition elle-même est, pour l’heure, inaccessible au public. Des visites virtuelles et des visites privées sont en cours, en attendant la réouverture des lieux de culture, mi-mai (on l’espère).

Série lauréate du Prix des membres Carré sur Seine 2020 et du Prix Roger Pic 2020 de la SCAM
Exposée en extérieur à Ecurey Pôle d’avenir (57) du 15 juillet au 30 septembre 2021 et au Musée de la résistance en Morvan (58) du 15 mai au 30 septembre 2021.

L’abbaye cistercienne de Silvacane accueille du 19 mai au 30 septembre 2021 CONTEMPLATION, une exposition photographique du célèbre moine bouddhiste Matthieu Ricard.

« La vie spirituelle de Matthieu et son appareil photo ne font qu’un, de là surgissent ces images fugitives et éternelles. » Henri Cartier-Bresson.
Considéré comme une des personnalités préférées des français, Matthieu Ricard est moine bouddhiste, scientifique, auteur de livres, traducteur mais aussi photographe. Depuis plus de 40 ans, il consacre sa vie à l’étude et la pratique du bouddhisme auprès des plus grands maîtres tibétains, au coeur d’un Himalaya qu’il photographie sans cesse. Ses ouvrages de photographie comme ceux qu’il consacre à la méditation et la recherche de la sagesse figurent parmi les plus grands succès littéraires.
Du Népal à l’Inde, de l’Argentine au Tibet, du Chili au Bhoutan, la lumière surgit de l’immensité des paysages et de leur plénitude, invitant ainsi le public au recueillement. L’exposition CONTEMPLATION se compose de quarante photographies en Noir et Blanc de Matthieu Ricard, imprimées sur un papier japonais Awagami véritable trésor culturel japonais, dont la technique de production a 1 400 ans, au format 2m * 1,5m. Chaque photographie est accompagnée d’une citation spirituelle choisie par Matthieu Ricard parmi une grande diversité d’auteurs et d’époques, et écrite à la main par l’artiste.
MATTHIEU RICARD – CONTEMPLATION a été présentée une première fois à Arles dans le cadre des Rencontres de la Photographie 2018, où elle a été plébiscitée par la critique et a été visitée par plus de quarante mille visiteurs en dix semaines.

Cette exposition est produite par CONTEMPLATION, LES EXPOSITIONS PHOTOGRAPHIQUES, jeune mouvement qui propose depuis 2018 des expositions des plus grands noms de la photographie dans une sélection de lieux emblématiques français. Parmi les projets récents on trouve Genesis, l’exposition événement du photographe franco-brésilien Sebastiao Salgado à Lyon / la Sucrière en 2020, ou encore Doisneau et la Mer, exposition au Musée Maritime de la Rochelle, de mai à octobre 2021.

Dans le cadre du Focus Femmes de la Saison Africa 2020 et du programme régional d’expositions Vivantes ! à l’initiative du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA

L’exposition Memoria : récits d’une autre Histoire c’est l’idée d’une mémoire collective composée d’une myriade de récits, d’histoires, de questionnements et d’expériences éparpillées dans nos mémoires individuelles, personnelles, intimes. Elle est ici révélée à travers les œuvres de quatorze artistes dont le travail renvoie à la (re)construction d’un tout commun, d’un tout universel, qui renouvelle notre regard sur la création contemporaine issue d’Afrique et de ses diasporas.

Les œuvres sélectionnées explorent la peinture, le textile, la sculpture, la vidéo ou encore la performance. Elles composent un parcours faisant écho d’une part à une lecture démystifiée de pans d’Histoire et de croyances communément divulgués au sujet du continent africain, et d’autre part à la manière dont les dispositifs d’histoires imaginaires sont encore à l’œuvre et notamment dans les domaines économiques et de redistribution des ressources.

Le fil conducteur de l’exposition est celui de la mémoire ; un fil qui se déroule tout au long des récits partagés, au travers de trois thématiques abordées : De l’intime à l’universel, Quand la mémoire fait œuvre politique, et enfin Fabulations, fictions et autres imaginaires.

Comment révéler l’Histoire pour construire le futur ?
Dans ce long processus de reconstruction, la place de la mémoire est primordiale : quelle(s) mémoire(s) pour quelle(s) Histoire(s) ?

Commissariat : Artness I Nadine Hounkpatin & Céline Seror
L’exposition sera accompagnée d’un catalogue. Parution aux éditions Acte Sud en février 2021
Artistes : Dalila Dalléas Bouzar, Ndidi Dike, Enam Gbewonyo, Bouchra Khalili, Gosette Lubondo, Georgina Maxim, Tuli Mekondjo, Myriam Mihindou, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Josèfa Ntjam, Selly Raby Kane, Na Chainkua Reindorf, Mary Sibande.

Photo : Gosette Lubondo, Imaginary Trip II, 2017.
© musée du Quai Branly – Jacques Chirac, Dist. RMN-Grand Palais / image musée du Quai Branly – Jacques Chirac

Le Château de Sully-sur-Loire accueille du 19 mai au 1er novembre 2021 l’exposition photographique ROBERT DOISNEAU – LA LOIRE.

Peintre de la vie intime et populaire de Paris, Robert Doisneau (1912-1994) a également parcouru la vallée de la Loire de novembre 1976 à août 1977, depuis sa source jusqu’à l’estuaire, ciselant ainsi un portrait du fleuve et de ceux qui l’animent à travers plus de 60 clichés. Cette collection est en réalité le fruit d’une collaboration entre Jean-Loup Sieff, directeur d’éditions, et le photographe, pour aboutir à un ouvrage : La Loire. Journal d’un voyage publié en 1978.
Photographies en couleur, ou noir et blanc, du mont Gerbier-de-Jonc à Saint-Nazaire en passant par les plus célèbres châteaux comme les villages les moins connus, Doisneau présente une Loire empreinte d’humanité et de rigueur. Les paysages, le climat apparaissent souvent rudes – brouillards, neiges, courants houleux -, mais les hommes y sont attachants.
L’exposition se compose de 65 tirages originaux pour la plupart en noir et blanc, et d’une vingtaine d’extraits tendres et amusants du journal tenu par Doisneau lors de son voyage. Quatre photographies iconiques de l’artiste et le film « Doisneau, le révolté du merveilleux », complètent l’exposition, qui est présentée dans la grande salle basse et dans la salle d’honneur du Château.
Sully-sur-Loire se veut être la première étape d’une « descente de Loire ». .L’exposition sera successivement présentée dans plusieurs lieux au long du fleuve

DOISNEAU – LA LOIRE est produite par CONTEMPLATION, LES EXPOSITIONS PHOTOGRAPHIQUES, jeune mouvement qui propose depuis 2018 des expositions des plus grands noms de la photographie dans une sélection de lieux emblématiques français. Parmi les projets récents on trouve l’installation d’un pavillon en bambou de 1000m2 accueillant une exposition du moine bouddhiste Matthieu Ricard lors des Rencontres d’Arles 2018, ou encore Genesis, l’exposition événement du photographe franco-brésilien Sebastiao Salgado à Lyon / la Sucrière en 2020.

Photo : Chat blanc et jeune fille brune pêchant dans les fossés du château de Sully-sur-Loire © Robert Doisneau

Le musée de l’Air et de l’Espace se renouvelle sans cesse pour proposer à ses visiteurs une programmation originale. Innovant, il s’impose comme un musée national de référence en s’ouvrant sur des collaborations artistiques multiples. Ainsi, une fois par an, il donne carte blanche à un artiste contemporain pour révéler au public les richesses et les secrets de ses collections en les abordant à chaque fois différemment. Après le street artist C215 en 2019, au printemps 2021, c’est le photographe Axel Ruhomaully qui s’installe au Bourget et nous invite à découvrir le musée de l’Air et de l’Espace sous un jour inédit. L’exposition photographique Bijoux de mécanique dévoilera dès le 6 avril des clichés uniques qui racontent la mémoire du patrimoine aéronautique et spatial conservé au musée.
Grand passionné d’aviation et d’espace, Axel Ruhomaully a accepté avec enthousiasme l’invitation du musée pour cette carte blanche.

Un photographe-explorateur
L’artiste-photographe Axel Ruhomaully, récemment nommé Ambassadeur de la marque Canson® Infinity, nous embarque dans des voyages qui nous rappellent les grands moments de l’Histoire grâce à des clichés uniques, réalisés dans des lieux d’exception à travers le monde. Cette année il a «installé» son studio au Bourget pour présenter aux amateurs comme aux initiés, à travers ses « pochoirs de lumière », les histoires qui se cachent derrière des pièces exceptionnelles : de l’avion de collection au mécanisme d’horlogerie, en passant par les bijoux et les avions-jouets… Une véritable envolée poétique à travers les collections permanentes du musée.

Une exposition photographique inédite sur le littoral français.

La Rochelle est heureuse d’être la 1ère ville du littoral à accueillir l’exposition photographique ALLONS VOIR LA MER AVEC DOISNEAU, au Musée Maritime, du 19 mai au 1er novembre 2021.
L’oeuvre de Robert Doisneau (1912-1994) s’étend largement au-delà de Paris et sa banlieue. À la faveur de reportages de presse, de commandes publicitaires ou plus simplement de vacances en famille, il a promené son regard curieux, effronté et bienveillant tout au long du littoral français.
L’exploration par ses deux filles, Annette et Francine, de soixante ans de photographie à travers ce thème de la mer a permis de mettre en lumière des clichés souvent inédits de celui qui se qualifiait lui-même de « pêcheur d’images ».
100 Photographies et 35 ans d’histoires : un patrimoine tendre et nostalgique de la France des bords de mer. De Boulogne à Menton, en passant par La Turballe, Le Havre, Deauville, Le Guilvinec, La Baule, l’Île de Ré, La Rochelle, Royan, Les Sables-d’Olonne, Saint-Jean-de-Luz, Marseille, Toulon ou Saint-Tropez : ALLONS VOIR LA MER AVEC DOISNEAU est une magnifique promenade en bord de mer, de plages en ports et jusque sous l’eau, en compagnie de marins pêcheurs, de baigneurs, de plongeurs et de moussaillons d’un jour.
L’exposition se compose de 85 tirages originaux en noir et blanc au format 30×40 et d’une sélection d’oeuvres plus spécifiquement liées à la Rochelle et à son environnement proche.
La Rochelle se veut être la première étape d’un grand voyage tout au long du littoral français.
ALLONS VOIR LA MER AVEC DOISNEAU sera successivement présentée dans plusieurs grandes villes de bord de mer.

ALLONS VOIR LA MER AVEC DOISNEAU est produite par CONTEMPLATION, LES EXPOSITIONS PHOTOGRAPHIQUES, jeune mouvement qui propose depuis 2018 des expositions des plus grands noms de la photographie dans une sélection de lieux emblématiques français. Parmi les projets récents on trouve l’installation d’un pavillon en bambou de 1000m2 accueillant une exposition du moine bouddhiste Matthieu Ricard lors des Rencontres d’Arles 2018, ou encore Genesis, l’exposition événement du photographe franco-brésilien Sebastiao Salgado à Lyon / la Sucrière en 2020.

Photo : Le ponton, baie de Toulon, 1949 © Robert Doisneau

La Grande Guerre marque un tournant majeur dans l’usage de la photographie. En moins de quatre ans, elle s’impose comme un outil d’information de masse : des dizaines de milliers de photographies, prises par des photographes officiels ou amateurs, reflètent la mobilisation d’un pays. Toute l’année, le Mémorial 14-18 présente des centaines de photographies dans son Centre d’Histoire. Mais connaissez-vous les histoires qui se cachent derrière ces images ?

L’exposition Derrière les images. Photographier la guerre révèle le parcours d’une image pendant la Grande Guerre, depuis sa production jusqu’à sa diffusion, et son héritage dans la photographie contemporaine, à travers une sélection de photographies issues des fonds de l’ECPAD. Complémentaires au parcours du Mémorial, ces images montrent sous un nouvel angle les territoires du Nord et du Pas-de-Calais dans la tourmente du conflit mondial. À cette occasion, le Mémorial 14-18 vous présente également le travail du photoreporter Édouard Élias, dont les photographies prises en Ukraine pendant la guerre du Donbass en 2018 résonnent de manière troublante avec les images de la Première Guerre mondiale.

Le Mémorial 14-18 Notre-Dame-de-Lorette présente des centaines de photographies dans son Centre d’Histoire, provenant de fonds d’archives internationaux et de fonds privés. Mais connaissez-vous les histoires qui se cachent derrière ces images ?
La Grande Guerre marque un tournant majeur dans l’usage de la photographie. En moins de quatre années, la photographie s’impose comme un outil d’information de masse : c’est la première fois qu’autant d’images sont produites sur une période si courte. Des centaines de milliers de photographies sont prises, par des photographes officiels ou amateurs, qui reflètent la mobilisation de toute une société. Confrontés à une guerre inédite, les Français ressentent le besoin d’immortaliser ce conflit et d’en suivre l’évolution. Les progrès techniques d’avant-guerre permettent pour la première fois aux soldats de documenter visuellement leur expérience et de la partager. La photographie devient dès la Grande Guerre un outil puissant de témoignage qui a contribué à forger nos représentations du conflit jusqu’à aujourd’hui.
Pour comprendre cette « fabrique des images » durant la Première Guerre mondiale, le Mémorial 14-18 et l’Établissement de Communication et de Production Audiovisuelle de la Défense (ECPAD), ont souhaité s’associer. Héritier direct de la Section Photographique de l’Armée (SPA) créée en 1915, l’ECPAD conserve, enrichit et renseigne un fonds de 118 142 photographies et 2 067 films sur la Grande Guerre.
Imaginée par les deux institutions, l’exposition Derrière les images. Photographier la guerre révèle le parcours d’une photographie pendant la Première Guerre mondiale, depuis sa production jusqu’à sa diffusion et son héritage contemporain, à travers une sélection de clichés issus des fonds de l’ECPAD.
Conçue en complément du parcours permanent du Mémorial, certains sujets n’apparaissent pas dans l’exposition, comme l’utilisation tactique de la photographie par les vues aériennes ou les relevés topographiques, bien que les opérateurs de la SPCA y aient été associés. De même, l’aspect cinématographique du travail de la SPCA est seulement visible dans les collections permanentes, bien qu’il accompagne de façon organique le développement de la photographie officielle.
À travers les images sélectionnées, l’exposition montre sous un angle renouvelé les territoires du Nord et du Pas-de-Calais dans la tourmente du conflit et témoigne à quel point ce front, souvent méconnu, concentre toutes les caractéristiques de la Grande Guerre et de son caractère industriel, mondial et total.
À cette occasion, le Mémorial 14-18 vous présente également 3 oeuvres issues du travail du photoreporter Édouard Elias, dont les photographies prises en Ukraine pendant la guerre du Donbass en 2018 résonnent de manière troublante avec les images de la Première Guerre mondiale.

Le 11 mars 2001, les Talibans qui avaient pris le pouvoir en Afghanistan, organisaient la destruction de deux bouddhas monumentaux de 38 et 55 m de haut, sculptés dans les roches des hautes falaises de Bamiyan. Des oeuvres d’une valeur universelle, témoins de l’extraordinaire vitalité de l’art boudhique de cette vallée, située sur la route de la soie et ouverte à toutes les influences, indienne, grecque, romaine… Diffusées par les Talibans, les images de la destruction firent le tour du monde, six mois avant celles des tours jumelles du World Trade Center à New York.
Ces deux événements ont marqué notre entrée dans le 21ème siècle.
L’atteinte à la mémoire des hommes, à leur patrimoine et la mémoire où ils s’enracinent, est reconnue depuis comme un crime contre l’humanité.
20 ans plus tard, le Musée national des arts asiatiques – Guimet a choisi de commémorer la destruction du site de Bamiyan à travers une exposition présentant des oeuvres archéologiques majeures retrouvées sur cette falaise afghane. Des photographies du plasticien Pascal Convert éclairent la richesse de ce patrimoine de façon contemporaine.
L’exposition rend hommage à Joseph et Ria Hackin, archéologues de Bamiyan et conservateurs du musée, disparus il y a 80 ans.
Des oeuvres archéologiques exceptionnelles, en miroir de photographies contemporaines.
Le MNAGG présentera une série d’oeuvres archéologiques uniques retrouvées dans cette falaise afghane, du Gandhara à la période islamique.
On y découvrira notamment deux mains de bouddhas monumentaux ayant conservé des restes de feuilles d’or.
Accompagnant ces oeuvres, les photographies de Pascal Convert, dont le Panoramique de la falaise de Bâmiyan et la Grotte sanctuaire de Bâmiyan détruite par les Talibans, offriront un regard plus contemporain. À travers les vestiges archéologiques, les relevés de peintures et vestiges de peintures originales, les créations contemporaines de Pascal Convert, les films et les documents d’archives (documents de fouilles, lettre de ralliement des Hackin au Général de Gaulle) présentés, l’exposition raconte l’histoire du site de Bamiyan et sa vitalité culturelle du VIème au XIIIème siècle, la base doctrinale qui a conduit à la destruction du site en 2001 mais aussi la terrible actualité des faits avec les destructions d’autres sites inscrits au patrimoine de l’humanité.
L’ensemble des oeuvres sera installée au premier étage du musée, dans la salle sino-tibétaine aménagée pour l’occasion.

Le rôle majeur de l’école archéologique française.
La France est particulièrement liée à la préservation de l’archéologie et de la mémoire de l’Afghanistan, pays où elle a créé en 1922 la délégation archéologique – devenue Direction Archéologique de l’Afghanistan, et aujourd’hui encore seul institut archéologique étranger implanté de façon permanente en Afghanistan.
Dominant la vallée, les falaises de Bamiyan sont situées sur l’une des plus importantes routes de commerce reliant l’Asie centrale au sous-continent indien. Comme celles de Dunhuang en Chine, elles sont constituées de loess, matériau qui se prête à la sculpture – ou plus exactement au modelage sur une armature – d’effigies monumentales dont la surface était, à l’origine, dorée.
Dans ce lieu d’art et de culture exceptionnel, les premières fouilles ont été françaises. Alfred Foucher, historien de l’art et spécialiste du monde bouddhiste, étudia le site dès 1922. André Godard, architecte, archéologue et historien de l’art français, et son épouse Edda s’attèlent ensuite aux premiers relevés des peintures au cours de l’hiver 1923, en dépit du froid atroce qui sévissait dans la vallée. L’exposition déploie un certain nombre de leurs relevés.

Conservés au MNAAG et jamais montrés, ils révèlent la vivacité de couleurs et l’accomplissement esthétique de la peinture bouddhique à Bamiyan. Les Godard poursuivront leurs travaux en 1924 avec Joseph Hackin* alors conservateur au musée Guimet et publieront la première étude sur l’art bouddhique de Bamiyan, éditée en 1928.
De nouvelles fouilles auront lieu en 1930 sous la conduite de Joseph Hackin, désormais directeur du musée Guimet, et accompagné de son inséparable ami l’architecte Jean Carl. De retour à Paris, Hackin travaillera à une nouvelle publication sur Bamiyan en 1933. Revenu en Afghanistan en 1934, il s’établit à Kaboul avec son épouse Ria, également archéologue, et rédige alors le premier guide de visite du site, désormais consacré comme un des hauts lieux de l’art bouddhique. Joseph et Ria Hackin**, unis à la ville et dans le travail, se rallient dès la première heure au général de Gaulle depuis l’Afghanistan. A Londres, Joseph et Ria sont investis d’importantes responsabilités. C’est lors d’une mission confiée par le Général que les Hackin trouvent une fin tragique dans le torpillage de leur bateau, le 24 février 1941.

*Joseph Hackin (né en 1886 et mort le 24 février 1941, en mer lors du torpillage de son bateau près des îles Féroé) est un archéologue français d’origine luxembourgeoise, résistant, compagnon de la Libération. En 1907, il est secrétaire de l’industriel Émile Guimet. Il apprend le sanscrit et tibétain à l’École Pratique des Hautes Études dont il est diplômé. En 1912, il est nommé conservateur adjoint au Musée Guimet et en 1923, après avoir poursuivi ses travaux de recherche il en deviendra conservateur.
**Ria Hackin (née en 1941 sous le nom de Marie Parmentier, morte le 24 février 1941) est une archéologue et résistante française de la Seconde Guerre mondiale. Officier des Forces Françaises libres, elle participe à l’organisation du Corps des Volontaires françaises au sein de la France libre.
Disparue en mer avec son mari, à la suite d’un torpillage elle est faite compagnon de la Libération à titre posthume et reçoit la croix de guerre 1939-1945 avec palme.

Personne n’éclaire la nuit / Stéphanie Nelson
La mémoire en miroir / Ina Thiam

En fin d’année 2019, le Département de l’Isère décide, dans le cadre de sa politique de coopération culturelle avec le Sénégal, d’un appel à créations auquel sont associés le Département de Kédougou et la Maison de l’Image, à Grenoble. Stéphanie Nelson, photographe grenobloise et Ina Thiam, photographe dakaroise, proposent chacune un projet révélateur de leurs sensibilités aux aspirations et aux engagements des Kédovines et des Kédovins. Lauréates des résidences, elles partent à leur rencontre en 2020 et 2021.

À partir de cette expérience, Stéphanie Nelson questionne notre faculté et notre volonté à « voir » le monde. Personne n’éclaire la nuit traduit l’ambiguïté ressentie par la photographe. Ina Thiam affirme, par sa création La mémoire en miroir, la nécessité de se souvenir des aînées qui ont lutté pour les droits des femmes.

L’exposition présentée au Musée dauphinois du 19 mai au 4 octobre 2021, puis à Kédougou en 2022, ainsi que la publication, invitent à découvrir les regards complémentaires de ces deux artistes qui interrogent la société de Kédougou, et plus largement le monde contemporain.

Un événement organisé dans le cadre de Sénégal 20-21

En quittant Grenoble pour Kédougou, Stéphanie Nelson définit les orientations artistiques de son projet en souhaitant éviter les images attendues. Sa rencontre avec la jeunesse Kédovine est animée par de vives discussions et témoignages entre rêves et désillusions. Au cours de l’année qui suit son séjour à Kédougou, Stéphanie Nelson abandonne ses premières intentions artistiques. Les paysages perdent leurs teintes d’ocre rouge et projettent des couleurs irréelles et sourdes. Personne n’éclaire la nuit traduit l’ambiguïté ressentie par la photographe. Par sa création, Stéphanie Nelson, questionne notre faculté et notre volonté à « voir » le monde.

Ina Thiam accomplit sa résidence en février 2021 et affirme par sa création la nécessité de se souvenir des aînées qui ont lutté pour les droits des femmes. Lors de son séjour à Kédougou, elle rencontre onze femmes âgées de 18 à 25 ans. Elle les invite à se remémorer une de leurs aînées au parcours remarquable. Un miroir visuel se construit devant l’objectif de la photographe : le premier portrait, incarné par la jeune femme, évoque son modèle de femme influente. Le second portrait montre cette même jeune femme dans sa contemporanéité, inspirée par l’activisme de celle qui l’a précédée. Mémoire en miroir révèle le caractère universel de la nécessité de se souvenir des femmes activistes. Car, au-delà de l’hommage qui leur est rendu, elles sont un modèle pour tous.

Découvrez le destin des soldats de la guerre de 1870-1871, des camps d’entraînement jusqu’aux champs de bataille, dans les salles consacrées au Second Empire.

150 ans après. Des batailles de la Marne au soulèvement de la Commune (30 novembre 1870-18 mars 1871)

Photographies, estampes et dessins inédits issus des réserves du Musée, vous feront revivre le destin hors du commun des soldats de cette guerre oubliée, pourtant essentielle à la compréhension de l’histoire de l’Europe.

Au cœur des salles consacrées au Second Empire, venez découvrir leur histoire – des camps d’entraînement jusqu’aux champs de bataille – et leurs souvenirs qui livrent un témoignage sans concessions sur la réalité d’un quotidien marqué par la souffrance, les combats ou la captivité.

A découvrir au Département de Louis XIV à Napoléon.

Consulter une sélection d’œuvres liées au à la guerre de 1870 sur la base de données des collections
L’armée impériale au camp de Châlons
L’armée française qui combat lors des premiers mois de la guerre de 1870 s’entraîne habituellement au camp de Châlons. Les vastes dimensions du camp en font un lieu propice à l’organisation de grandes manœuvres militaires qui ont lieu en moyenne trois fois par semaine. C’est là que la majeure partie des fantassins, cavaliers et artilleurs composant l’armée impériale vit et s’entraîne.

Le photographe Gustave Le Gray
Formé à la peinture, Gustave Le Gray se révèle en tant que photographe et marque l’histoire du médium en inventant deux nouveaux procédés négatifs. La série de photographies qu’il réalise au camp de Châlons est réunie en albums destinés à être offerts à l’État-major impérial. Tel un peintre d’histoire, l’artiste compose des tableaux photographiques alternant épisodes pittoresques, cérémonies et scènes de manœuvres dans lesquels on sent poindre la légende napoléonienne.

La déclaration de guerre
Le 19 juillet 1870, la France déclare la guerre à la Prusse, que vient soutenir l’ensemble des états allemands. Les soldats sont relativement confiants dans la force de l’armée française qui a déjà battu les Russes en Crimée (1853-1856) et les Autrichiens en Italie (1859). Les premiers jours de la guerre se déroulent dans un climat de relative insouciance, loin de l’ennemi.

Le peintre Alphonse de Neuville
De Neuville étudie la peinture dans l’atelier de François Édouard Picot et sera, au XIXe siècle, l’un des principaux peintres spécialisé dans la peinture à sujet militaire. Ses premières œuvres évoquent les guerres de Crimée et d’Italie, mais c’est la guerre de 1870, à laquelle il participe au sein de la garde nationale, qui lui apportera succès et renommée. Chroniqueur de la guerre, il livre une vision héroïque de la défaite, faite d’escarmouches et de combats à hauteur d’homme.

La guerre de 1870 aujourd’hui
Glorieux vaincus et héros anonymes de la guerre de 1870 peuplent les tableaux exposés sur les cimaises des Salons des artistes français d’après-guerre. Comme d’autres artistes, Alphonse de Neuville privilégie dans Les dernières cartouches, une scène de résistance héroïque à l’envahisseur. Le tableau, réalisé en 1873, remporta un grand succès et fut largement diffusé par la gravure jusqu’à la fin du XIXe siècle. L’imaginaire qu’il véhicule inspira Méliès et continue d’imprégner la culture visuelle d’artistes contemporains tels que Yan Morvan et Émeric Lhuisset.

La bataille
Les premiers combats d’août 1870 tournent rapidement à la défaite pour l’armée française. A Frœschwiller (6 août), Spicheren (6 août), Borny (14 août), Rezonville (16 août), Saint-Privat (18 août), les Français sont vaincus par un ennemi plus nombreux, mieux équipé et mieux commandé. La plupart des soldats découvrent le choc de la défaite et de l’invasion du territoire national.

La blessure et la mort
Au cours des batailles, les soldats français tentent de se protéger en se retranchant dans des villages ou des fermes. Souvent, ils édifient des défenses sommaires en creusant des tranchées ou en abattant quelques arbres. Ces défenses ne les protègent pas des ravages du feu ennemi et les pertes humaines sont conséquentes : on dénombre environ 139 000 morts et 143 000 blessés côté français, 65 000 morts et 89 000 blessés côté allemand pour toute la durée de la guerre. L’enfermement dans des places fortes (Metz, Sedan, Paris…) apparaît alors comme la moins mauvaise des solutions.

Le dessinateur et graveur Auguste Lançon
Auguste Lançon est spécialisé dans l’Art animalier et le militaria. En 1870, Lançon s’engage dans les Ambulances de la Presse comme brancardier. Très marqué par la brutalité des combats, il réalise plusieurs centaines de dessins qui sont publiés dans Illustration et le Monde illustré. Publié en 1876, cet ouvrage, qui connait un grand succès commercial, est un essai critique de la gestion du conflit par l’Armée française.

La débâcle
Les soldats français résistent vaillamment à l’avancée ennemie, mais ils sont souvent submergés par le nombre de leurs adversaires. Le 2 septembre 1870, l’armée française commandée par l’empereur Napoléon III capitule à Sedan. Le 28 octobre, l’armée encerclée dans Metz se rend également à l’ennemi. Au total, ce sont près de 400 000 soldats français qui sont fait prisonniers pendant la guerre. Les soldats qui ont échappé à la capture sont désorientés. Démoralisés, ils ne reçoivent plus d’ordres et errent sur les routes.

De nouveaux soldats
Le 4 septembre 1870, le régime impérial est renversé et remplacé par un gouvernement républicain de Défense nationale. Le nouveau régime décide la poursuite de la guerre et ordonne la levée de nouveaux soldats qu’il tente tant bien que mal d’équiper et de former. Pour la plupart, ces hommes sont jeunes et n’ont jamais connu l’armée. Ils y découvrent le rude métier de soldat par temps de guerre.

Le dessinateur Ernest Peulot
Jeune dessinateur habitant à Montfermeil, Ernest Peulot réalise de nombreux dessins entre juillet 1870 et septembre 1871. Dans un style naïf, ces croquis évoquent la vie quotidienne pendant l’occupation prussienne dans la banlieue de Paris.

Le dénuement
La mobilisation de nouvelles troupes par le gouvernement de la Défense nationale ne parvient pas à changer la situation : Paris reste assiégé. La France est progressivement envahie par l’armée prussienne et ses alliés. Le quotidien du soldat français se dégrade rapidement. L’approvisionnement ne suit plus et les cantinières n’ont plus de quoi fournir aux hommes des produits de première nécessité. Souffrant de la faim, du froid, des maladies et de l’épuisement, les hommes s’emparent, souvent par la force, de moyens de subsistance auprès de la population civile.

L’occupation
Une partie importante du territoire français est progressivement occupée par des centaines de milliers de soldats allemands qui vivent sur le pays. Bien que victorieux, ils doivent eux aussi se nourrir, se loger ou se vêtir. Localement, ils sont confrontés à l’action de francs-tireurs qui harcèlent leurs lignes de communication et attaquent les groupes isolés.

Les destructions
Le 10 mai 1871, le traité de Francfort met fin à la guerre. Victorieux, les soldats allemands quittent progressivement la France, à l’exception d’une partie de l’Alsace et de la Lorraine, qui intègre l’Empire allemand. De nombreuses régions, notamment dans l’Est, sont rudement touchées par les combats à l’origine de nombreuses destructions et certaines villes, comme Strasbourg, sont à reconstruire.

Photo : Le Gray Gustave (1820-1884). Paris, musée de l’Armée

Dans le cadre de la Saison Africa2020, le musée du quai Branly – Jacques Chirac invite l’artiste Kemi Bassene à réaliser une oeuvre à partir des archives photographiques et audiovisuelles qui y sont conservées.
Intitulée The African Shed Laboratory, l’installation de Kemi Bassene tente de démontrer que les archives muséales ne sont pas seulement un corpus de témoignages patrimoniaux mais les rouages possibles d’une dynamique de re-création artistique contemporaine.

La question de la transmission est au coeur du projet de Kemi Bassene : The African Shed Laboratory est constitué d’un ensemble de documents photographiques qui montrent l’histoire de l’apprentissage de la langue française, à diverses époques et dans diverses régions de l’Afrique, principalement, mais aussi de l’Asie.
Les photographies – tirages ou montages vidéo – dialoguent avec des éléments sonores documentaires ou musicaux issus du fonds du musée du quai Branly –
Jacques Chirac. Des pupitres d’écolier, dans le style Jean Prouvé (1936), élaborés par des étudiants maliens de l’architecte designer Cheikh Diallo à la demande de l’artiste, forment les supports de cette documentation photographique et permettent à l’artiste d’invoquer une esthétique particulière à son installation.
Les pupitres sont transformés et comportent chacun un écran LCD. Chaque support digital diffuse des montages des archives filmiques et photographiques du musée. Un néon rouge reprenant le titre de l’installation évoque à la fois, l’ambiance d’une chambre de développement photo et celle d’une salle de classe.

Comment créer des oeuvres durables qui soulignent la relation entre les collections muséales, les cultures d’origine et le public ? Au travers de cette installation, l’artiste saisit l’opportunité d’appliquer une vision artistique à des oeuvres déjà existantes pour les réinterpréter à travers de nouvelles productions plus contemporaines et les faire connaître à de nouveaux publics. Il crée dès lors une relation entre les pratiques artistiques et ethnographiques passées, conservées au musée, et un projet d’évolution artistique et muséographique avec un souci de transmission, de mémoire mais également d’éducation. Cette installation dépasse ainsi le questionnement d’un passé et tente d’empreindre le futur et d’ouvrir un dialogue créatif et éducatif.

Kemi Bassene a appris la photographie dès l’âge de 7 ans avec son grand-père Mama Casset, premier photographe à ouvrir un studio en Afrique-Occidentale française, en 1946. Artiste photographe et musicologue, il explore les cultures africaines, la façon dont elles sont perçues par le monde, et identifie leurs intersections avec les autres cultures.
Il travaille sur les sonorités déplacées de leurs lieux d’écho, les rapports entre pensée philosophique et musique. Il questionne ainsi l’harmonie et notamment la mélodie africaine dans les musiques noires, dont le rythme cadencé est une source inépuisable de renouvellement. Il inscrit la musique parmi les sciences sociales qui étudient le passé de l’humanité.
Il a également collaboré avec le metteur en scène/réalisateur Albert André Lheureux (Théâtre de l’Esprit frappeur, Bruxelles), autour de la musicologie et du cinéma expérimental.
Manifestation

Photo. Service d’information de Côte-d’Ivoire. Les futures élites.
Tirage sur papier baryté Agfa. 13 x 18 cm © musée du quai Branly – Jacques Chirac

À la fois plasticien, danseur et chorégraphe professionnel, Smaïl Kanouté présente Yasuke Kurosan, Le samouraï noir au Japon, sa nouvelle création inspirée de la vie de Yasuke Kurosan, esclave africain arrivé au pays du soleil levant à la fin du XVIe siècle qui s’est vu exceptionnellement accordé le statut de samouraï.

Pour sa première exposition de saison au sein du Studio – son espace dédié à la photographie émergente et aux arts numériques -, la MEP expose le nouveau projet chorégraphique de Smaïl Kanouté. Artiste aux formes d’expression multiples, Smaïl Kanouté renouvelle les codes visuels et esthétiques de la danse contemporaine, à travers la performance et calligraphie.

À la frontière entre fiction et documentaire, Smaïl Kanouté construit un récit initiatique sur les traces d’une légende retrouvé. L’écriture chorégraphique de Smaïl Kanouté raconte la métamorphose du corps courbé de l’esclave en un corps fier et droit du samouraï et crée ainsi la rencontre entre la danse africaine et l’Art du Bushido (code d’honneur des Samouraïs).
À travers des rites, des cérémonies dansées, des visites de lieux spirituels et symboliques, Smaïl Kanouté s’inspire de l’aïkido, du bushido, de la cérémonie du thé, ou encore du Butô (danse contemporaine japonaise) pour explorer à
la fois une danse, une énergie et un état d’esprit.
Cette vidéo, qui fait initialement partie d’un triptyque, traite plus largement de l’impact du colonialisme et de la persistance des rites ancestraux comme affirmation identitaire.

« Convoquant le mouvement de l’afro-futurisme, je recrée une danse hybride qui s’inspire d’un passé inconnu pour recréer un présent et un futur à la croisée de la culture africaine et nippone. Dans cette réécriture du présent,
mon corps va se confronter à la population japonaise, à ses codes, son architecture et sa nature ».

Yasuke Kurosan, Le samouraï noir au Japon, co-réalisé par Smaïl Kanouté et Abdou Diouri et filmé par Abdou Diouri.

Date de fin non communiquée.

La MEP est heureuse de présenter une exposition d’envergure réunissant deux grands maîtres de la photographie japonaise de l’après-guerre.

L’exposition Moriyama – Tomatsu : Tokyo a été conçue par les artistes Daido Moriyama et Shomei Tomatsu – avant le décès de ce dernier en 2012 – comme une manière de célébrer leur ville autour d’une première collaboration artistique.

Pensée conjointement par Simon Baker, Pascal Hoël et Frédérique Dolivet (pour la MEP), Daido Moriyama et Mme Yasuko Tomatsu, et avec la collaboration d’Akio Nagasawa, Moriyama – Tomatsu : Tokyo ne sera pas uniquement la concrétisation d’un projet historique n’ayant jamais vu le jour jusque-là, mais constituera la première grande exposition du travail de Shomei Tomatsu à Paris. Sur les deux étages principaux de la MEP – le 2e étage sera consacré à Tomatsu, le 3e à Moriyama – l’exposition présentera plus de 300 oeuvres dont la plupart pour la première fois à Paris.

Daido Moriyama. Untitled, de la série « Provoke », 1969

Date de fin non communiquée.

Au début des années 1950, Frank Horvat est alors un jeune photographe qui navigue dans les différentes sphères du métier. Tour à tour reporter, illustrateur et bientôt photographe de mode reconnu, il refuse dès cette époque de choisir, de se limiter à une spécialité ou de s’enfermer dans un genre. C’est donc avec un certain goût pour l’expérience et une curiosité aiguisée qu’il déambule dans Paris, la ville où il a choisi de s’installer. Cette exposition présente ainsi deux séries réalisées durant la même décennie avec la capitale pour toile de fond ou pour sujet et qui révèle la large palette expressive maîtrisée par le photographe dès ses débuts.

Le premier ensemble d’images, qui pourrait s’apparenter à une forme documentaire, montre un Paris de nuit, fait de night-clubs et de cabarets fréquentés par les touristes étrangers en quête de strip-tease à la française. En réalisant ses premières prises de vues, Frank Horvat ne souhaite pas en faire le thème d’un travail au long cours mais répond simplement à la commande d’un magazine américain. S’il photographie le spectacle et le public du Sphinx à Pigalle, son culot l’introduit rapidement derrière le rideau où il rejoint les danseuses dans leurs loges. Ces instantanés, pourtant réalisés dans une certaine hâte, nous plongent dans une promiscuité intime où les corps dénudés se laissent approcher pour un instant de pose et où les regards complices croisent volontiers ceux du jeune photographe. Quelques années plus tard, cette série ainsi que d’autres clichés (pris au Crazy Horse notamment) font l’objet d’une publication intitulée J’aime le Strip-Tease.

La seconde série d’images exposée ici montre davantage un Paris au grand jour où s’affichent la physionomie, le dessin et même le « graphisme » de la ville ainsi que les mouvements qui l’animent. Frank Horvat utilise un téléobjectif pour réaliser certains de ses clichés qui, à l’époque, ne font pas non plus l’objet d’un thème spécifique.

De ce travail résulte des séquences étonnantes, riches de surprises formelles voire abstraites, où les plans impitoyablement martelés en aplats affirment les lignes, les contours et les matières des lieux ou des visages. À ravers cet ensemble, cette recherche esthétique libre, Frank Horvat dévoile sa vision de Paris faite à la fois d’individus, anonymes ou célèbres, de foules, de points de vue et d’ambiances insolites mais aussi de pauses et d’accélérations, de silences et d’effervescences.
Michaël Houlette

Photo : © Frank Horvat
Toits, Paris, 1956
Téléobjectif

Chercheur attentif et soucieux, Vincent Chevillon suit les traces des animaux et consigne ses pensées dans des prises de vue tirées au cordeau.
Chaque détail révélé par l’image photographique pourrait lui apporter une réponse et permettre l’avancée d’une enquête infinie… Ses expositions sont autant de pistes explorées méticuleusement pendant des années : l’artiste organise chaque pièce de son œuvre comme une porte des enfers, un génial maelstrom de troncs, de pierres, d’os et de plumes, au creux duquel règne un équilibre flottant.

Qu’il voyage en catamaran ou dans les réserves des musées, Vincent Chevillon trace d’adroites lignes des vents entre les Canaries, la mer Baltique, le rocher du Diamant ou les réserves de chasse du Duc du Luxembourg. Il s’intéresse à tout, de la dentition des cachalots, qui n’ont qu’une vingtaine de dents sur la mâchoire inférieure et qui avalent tout rond les calmars, à l’arthrose des éléphants d’Asie, enfermés dans des cages

contraignant le développement de leur colonne vertébrale. Il lit Giono, Tournier, Goethe, Haraway, Ingold et Glissant.

Ah ! mémoire rocailleuse insurge-toi en taillis. / Chaque buisson de mémoire cache un tireur. / Sur nos têtes le battement du moulin / Dans nos nuits toussent les boucans / L’homme a beau faire le cri prend racines. *

Pour lui, « les mots qui sont dits ont une incidence sur le monde ». Dans l’espace, son œuvre se déploie ; les pièces monumentales, superbes réalisations d’un artiste-artisan, montées en polyptyques, débitées, scandent la pesanteur des mots. Et les oiseaux semblent tomber du ciel…

Céline Duval

* Édouard Glissant, « Le sang rivé », éditions Présence Africaine, 2012

“Il semblerait que notre monde ne puisse plus contenir nos rêves expansionnistes et progressistes. Des troubles inquiétants agitent notre biosphère et nous engagent à de nouvelles responsabilités citoyennes, nous incitent à repenser à une échelle plus vaste notre histoire anthropocentrée avec celle d’autres êtres.

Nos musées, nos espaces naturels reflètent aujourd’hui sinistrement les mots de Descartes, que l’homme se rende un jour « comme maître et possesseur de la nature ». Cet héritage colonial, tant vis à vis des territoires que de ce qui les composent (ou de ceux qui les composaient), nous oblige à reconsidérer notre usage du monde.”

Vincent Chevillon

Les muséums ressemblent à de curieuses arches renversées où reposent des restes naturalisés, parfois dernières présences matérielles d’espèces, d’environnements disparus. Par ailleurs, les espaces « naturels » qui abritaient ces êtres semblent aujourd’hui désormais désertés…

Un sentiment de vase communicant se dessine par ce curieux rapprochement. La conservation de ces collections et de ces espaces soulève de nombreuses problématiques – parfois embarrassantes, au premier comme au second degré – et crée des situations paradoxales mêlant vie et mort, conservation et extinction, emmêlant le rationnel à l’irrationnel, le civilisé au primitif, le moderne au prémoderne, le scientifique au romantique.

Initialement formé aux Sciences de la Terre, Vincent Chevillon a grandi en outremer (Martinique, île de la Réunion). Il complète sa formation par des études en Art, rejoint en 2010 le post-diplôme des Beaux-arts de Paris, puis le programme expérimental SPEAP (Art-Science et Société) de Bruno Latour à Science-Po Paris en 2017-2018. Depuis 2014, il enseigne l’Espace et le Volume à La Haute École des Arts du Rhin (HEAR) à Strasbourg.

Ses recherches convoquent différents champs d’études, navigant de l’anthropologie, la géophysique à l’iconologie. Il développe des dispositifs généralement évolutifs à partir d’éléments récoltés ou façonnés, des images, des récits qui se formalisent sous forme d’installations, d’éditions, d’œuvres numériques ou d’objets. Un premier ensemble de cette recherche (Spermwhaler’s dream) a été exposé en 2011 dans un module de la Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent au Palais de Tokyo. En 2013, il entreprend une étude de terrain à bord d’un voilier lors d’une itinérance de 7 mois en mer de part et d’autre de l’Océan Atlantique. Cette enquête, SEMES, a reçu le soutien du FNAGP et de la DRAC Grand Est et a été exposée au printemps 2016 à l’Espace Khiasma. Il développe depuis 2013 une plateforme encyclopédique participative intitulée archipels.org avec différentes structures (FNAGP, SCAM, Espace Khiasma, Dicream, SPEAP).

Photo : Lamassu, 2021 © Vincent Chevillon

Children Power au Château de Rentilly prend le parti de s’intéresser à la façon dont les artistes ont pu, par l’image photographique ou vidéographique, représenter l’enfance et l’adolescence, cette période essentielle de la vie où l’on découvre le monde et au cours de laquelle on se construit. Dans cette perspective, une recherche a été effectuée au sein de collections publiques (Frac, Cnap, etc.) avec, d’emblée, une règle bien précise : ne retenir que les pièces où la présence de l’enfant – ou de l’adolescent – est résolument centrale.
Au-delà de la traversée de la représentation de l’enfant proposée –de la fin du XIXe siècle à nos jours–, qui permet tant de revisiter quelques icônes du genre, que de redécouvrir certains artistes pas assez reconnus, en résulte un dispositif très particulier : en son sein, le visiteur a l’étrange impression de se sentir cerné, scruté par les regards d’enfants qui habitent Le Château comme autant de fantômes. Si, de fait, cette présence n’est qu’illusoire – le propre de l’image photographique ou animée – et que de surcroît ces enfants et autres adolescents ne sont plus, ils occupent néanmoins avec force les espaces investis pour exercer leur immense pouvoir d’attraction.

Diane Arbus, Roger Ballen, Daniel Baracco, Joël Bartoloméo, Philippe Bazin, Christian Boltanski, Melanie Bonajo, Carlos Bosch, Pierre Boulat, Carina Brandes, Jean-Paul Brohez, Henri Cartier-Bresson, Daniel Challe, Henri Coldebœuf, Elaine Constantine, Julien Crépieux, Gabriel Cualladó, Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Robert Doisneau, Véronique Ellena, Ruud van Empel, Jacques Faujour, Charles Fréger, Aurélien Froment, Michel François, Julia Fullerton-Batten, Daan van Golden, Ali Hanoon, Bertrand Hosti, Sarah Jones, Richard Kalvar, Mikhail Karikis, Christian Kempf, Wiliam Klein, Oleg Kulik, Suzanne Lafont, Inez van Lansweerde, Helen Levitt, Martine Locatelli, Ken Lum, Robert Mapplethorpe, Maria Marshall, Sabine Meier, Laurent Montaron, Chloe Piene, Barbara Probst, Laurence Reynaert, Marc Riboud, Jens Rötzch, Édith Roux, Anri Sala, Margaret Salmon, August Sander, Françoise Saur, Collier Schorr, Assaf Shoshan, Malick Sidibé, Virgilijus Šonta, Larry Sultan, Pekka Turunen, Shoji Ueda, Janina Wick, Piet Zwart.

Photo : Elaine Constantine © droits réservés / Cnap

Célèbre photographe humaniste français, Willy Ronis (1910-2009) a fondé sa renommée sur ses photos sensibles de Paris, ses illustrations des régions françaises, ses vues engagées du monde ouvrier et des mouvements sociaux. La Ville de Versailles lui rend hommage à l’Espace Richaud en exposant ses clichés pris en 1960 et 1967 dans l’ex-République démocratique allemande (RDA). Au travers de 130 tirages et de nombreuses archive, l’exposition “Willy Ronis – La vie avant tout” est la concrétisation d’un partenariat entre la ville de Versailles et la MAP.

LE CONTEXTE HISTORIQUE AU TRAVERS DE TIRAGES D’ÉPOQUE ET D’ARCHIVES
Dans la salle introductive sont abordées la commande passée à Ronis par l’association Échanges franco-allemands (EFA) en 1967 et l’exposition itinérante qui en résulta. Y sont présentés des tirages d’époque (vintages) et des archives issues de la donation remise par l’auteur à l’État français. Des objets multiples, à découvrir sous vitrines, illustrent le propos : lettres, publications de l’EFA, documents de travail et photos de la première exposition créée par Ronis lui-même à Montreuil, en 1968. La voix du photographe accompagne la présentation de son travail : il accorda en effet à Nathalie Neumann, commissaire de l’exposition, des entretiens audio restés inédits à ce jour.
Le contexte politique singulier de la RDA est abordé via un ensemble de tirages de travail d’époque. Parmi toute la production apparaissent des messages engagés sous-jacents, les réalités sociales du pays, le mur de Berlin, la police, le culte des dirigeants.

UN PARCOURS SPECTACULAIRE DANS UNE OEUVRE HUMANISTE
Par la scénographie conçue par Laurence Fontaine, l’exposition favorise un rapprochement et une connivence avec la RDA dans le sens du message voulu universel par Willy Ronis : l’homme est au centre de ses images et de la société. Au coeur de l’Espace Richaud, dans l’ancienne chapelle, sont déployés des duos d’images, rapprochements de clichés pris en RDA et en France. Ce prisme comparatif France-Allemagne constitue le fil rouge de l’exposition. Ronis parlait ainsi de ses images : « J’ai la mémoire de toutes mes photos, elles forment le tissu de ma vie et parfois, bien sûr, elles se font des signes par-delà les années. Elles se répondent, elles conversent, elles tissent des secrets. »

FOCUS SUR LA PHOTOGRAPHIE ET LA COULEUR
Impliqué dans l’enseignement et le journalisme, Willy Ronis profita de ses voyages pour visiter les industries et l’école supérieure de photographie est-allemandes. Ce sujet qui lui tenait à coeur est également abordé, dévoilant un pan peu connu de sa carrière. Autre découverte, ce reportage en noir et blanc fut complété d’une production en couleurs, certes en quantité moindre. Des tirages modernes de ses diapositives ponctuent le parcours. Le seul tirage en couleurs exposé en 1968 a été restauré spécifiquement pour la présente manifestation.

LES COMMISSAIRES DE L’EXPOSITION ET LE PARTENARIAT ENTRE VERSAILLES ET LA MÉDIATHÈQUE DE L’ARCHITECTURE ET DU PATRIMOINE (MAP)
Le commissariat de l’exposition est assuré conjointement par Nathalie Neumann et Ronan Guinée. Franco-allemande, Nathalie Neumann est historienne de l’art, chercheuse à l’université de Mayence et auteure d’expositions. Ronan Guinée est en charge du fonds Willy Ronis à la MAP, service du ministère de la Culture en charge des archives des Monuments historiques et du patrimoine photographique de l’État. L’exposition « Willy Ronis en RDA – La vie avant tout » est la concrétisation d’un partenariat entre la Ville de Versailles et la MAP. Elle s’accompagne de la publication d’un catalogue par les éditions Parenthèses.

Alain Sauvan arpente le territoire de l’étang de Berre depuis l’enfance. Dès les années 1970, il commence à photographier les rapports complexes que la population entretient avec l’industrie.

Aujourd’hui, après plus de quarante années d’observation, il nous invite à porter un regard sur un espace en pleine mutation où la beauté est partout présente. Si ces clichés sont des témoignages, ils soulèvent aussi de nombreuses interrogations.

Entre constat et recherche plastique, son travail apparaît avant tout comme un hommage à l’étang, à son histoire et à ses habitants.

Il y a 50 ans débarquait dans le sud de la France le plus grand groupe de rock du monde : les Rolling Stones. Suite à des déboires fiscaux en Angleterre, Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman et Mick Taylor avaient décidé de venir se réfugier en France.

Le jeune photographe Dominique Tarlé qui fréquentait le groupe depuis plusieurs années à Londres et en tournée, vint rejoindre ses musiciens préférés afin de les immortaliser dans ce nouvel environnement…

Il commença par la désormais célèbre Villa Nellcote louée par Keith Richards, sur la rade de Villefranche-sur-mer… venu passer la journée avec le guitariste et sa famille, il n’en repartira que six mois plus tard, invité par Keith à profiter de ce moment privilégié de leurs vies.

Comment refuser une telle proposition quand on est passionné de photographie et de rhythm and blues ? Dominique Tarlé devint ainsi le seul photographe ayant jamais vécu avec ce groupe mythique, à l’apogée de leur carrière, lors de la réalisation du non moins mythique album « Exile on Main St. » passant dans la même journée d’instants quotidiens les plus simples, à de purs moments de musique entre professionnels.

Cet été inoubliable marqua à jamais la vie du photographe, et l’histoire du rock n’roll ; la confiance accordée à Dominique Tarlé par le groupe demeure encore aujourd’hui, et témoigne de l’amitié sincère qui l’unit à ces artistes.

Quand le son devient l’image, et l’image devient le son
Une série de portraits sonores proposés par Ingrid Blanchard et Bernard Pesce

Qu’elle nous fascine, nous console, nous effraie ou nous apaise, nous entretenons tous un lien singulier à la mer. Présentée dans le cadre de l’exposition « La Mer imaginaire » à la Fondation Carmignac, l’installation EFFET- MER, mariage du son et de la photographie, interroge le rapport à la mer d’hommes et de femmes insulaires.
Ils ont choisi de vivre entourés par la mer. Ils la sillonnent, en explorent les profondeurs, la protègent, l’observent et s’en inspirent. A son contact, ils ont grandi, se sont façonnés, transformés. Cette cohabitation quotidienne avec l’univers marin renforce et nourrit le lien qui unit les insulaires à l’immensité d’eau qui les entoure et qu’ils sont nombreux à désigner comme leur « deuxième mère ».
Ingrid Blanchard, créatrice du podcast Fragîle Porquerolles a rencontré des insulaires et leur a demandé de raconter «leur Mer imaginaire». Des récits, des souvenirs, des sensations, des émotions ont émergé de ces rencontres.
Bernard Pesce, photographe, a réalisé leurs portraits, révélant les visages et les silhouettes grandeur nature, des voix qui interpellent le visiteur et raisonnent dans l’immensité de mer vibrante qui tapisse les parois du bassin.
De leur collaboration sont nés des portraits sonores : ils sont gardien de phare et apnéiste, navigatrice, doyen de l’île, descendant d’immigrés italiens arrivés à Porquerolles par la mer au 19ème siècle, l’une a découvert la mer pour la première fois à 15 ans, un autre cherche à en traduire la luminosité diffuse et pénétrante dans ses peintures. Ces portraits sonores sont l’expression d’un désir de mer, d’un rapport simple à la nature, une ode à sa contemplation. Ils font face, à l’immense toile d’Ed Rusha « Sea of desire », comme un contrepoint rappelant le bonheur créé par les joies simples face au désir de posséder insatiable qui anime nos sociétés contemporaines.
Les témoignages recueillis prennent la forme d’un conte, d’une évocation onirique, d’une expérience forte en lien avec la mer.
Un dispositif son et photo, un voyage dans « la Mer imaginaire » dans lequel portraits et voix se répondent
en laissant l’espace au spectateur pour y développer son propre imaginaire.

Accompagnée d’une création sonore, véritable symphonie-monde imaginée par Jean-Michel Jarre à partir des sons concrets de la forêt, l’exposition restitue aussi la voix et le témoignage des communautés amérindiennes photographiées.

Un voyage photographique

Dans la lignée du projet Genesis, photographiant les régions les plus reculées de la planète pour témoigner de leur majestueuse beauté, le photographe a entrepris une nouvelle série de voyages afin de saisir l’incroyable diversité naturelle de la forêt amazonienne brésilienne et les modes de vie des peuples. S’installant plusieurs semaines au sein de ces villages, il a ainsi photographié dix groupes ethniques. Dans de petites embarcations ou depuis les airs, Salgado réalise des images qui révèlent le labyrinthe complexe que forment les affluents sinueux qui alimentent le fleuve, les montagnes qui culminent parfois jusqu’à 3 000 mètres, les cieux gorgés d’eau qui créent de véritables rivières célestes.

Une symphonie-monde

Outre la fragilité de cet écosystème, l’exposition met en exergue la richesse de l’univers sonore amazonien en faisant dialoguer les impressionnants clichés de Salgado avec une création inédite de Jean-Michel Jarre conçue à partir de sons concrets de la forêt. Le bruissement des arbres, le cri des animaux, le chant des oiseaux ou encore le fracas des eaux qui se précipitent du haut des montagnes, collectés in situ, au cœur de la forêt amazonienne, composent un paysage sonore adapté au parcours de Salgado.

Un patrimoine inestimable

Présentant plus de 200 photographies, accompagnées d’immenses projections à la mesure de cette nature hors norme, l’exposition souligne la fragilité de cet écosystème. Elle s’attache à montrer que, dans les zones protégées où vivent les communautés indiennes, qui en sont les gardiens ancestraux, la forêt n’a subi presque aucun dommage. Des films documentaires permettront d’écouter la voix de ceux qui habitent la forêt et de saisir la richesse de leur culture. Par la force de ces images, Sebastião et Lélia Salgado espèrent stimuler une pensée et des actions en faveur de la préservation de cet inestimable patrimoine de l’humanité.

Commissaire de l’exposition et scénographe : Lélia Wanick Salgado
Création musicale de l’exposition : Jean-Michel Jarre
Exposition en collaboration avec le Musée d’Ethnographie de Genève

Photo : Archipel fluvial de Mariuá, Rio Negro, État d’Amazonas, Brésil, 2019 © Sebastiao Salgado

Comme des rencontres artistiques qui ont soudé Richard Avedon et Christian Dior ou encore Yves Saint Laurent et Helmut Newton, Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa ont trouvé un territoire commun où chacune de leur expression se veut le reflet de l’autre.
Sans mot dire, le photographe et le couturier se sont retrouvés dans l’affection pour le noir qu’ils cultivent de manière égale en tirages argentiques ou en aplats vestimentaires. Lindbergh ne cesse d’appeler le noir et le blanc pour signifier sa recherche d’authenticité des visages qu’il met en lumière. Alaïa puise dans le monochrome des vêtements intemporels, véritables sculptures pour le corps.
Chacun d’eux trouve alors cette impression de réalisme poétique qui magnifie les personnalités avant de satisfaire leur ambition créative.
Bien que de géographies opposées, Lindbergh et Alaïa ont cultivé des horizons proches.
Originaire de Duisbourg, une ville située en Allemagne qui regarde sans peine les Pays Bas, Peter Lindbergh a été formé à l’École d’Arts Appliqués de Krefeld. L’École d’Azzedine Alaïa est celle des Beaux-Arts au département des sculptures à Tunis où le couturier a grandi. Les façades blanchies à la chaux qui renvoient les ombres profondes de passants ont accompagné la Tunisie d’Alaïa. Les architectures que Duisbourg, ville industrielle et commerciale possède, servent de cadre au photographe autant que les plages néerlandaises qu’il fréquente. Tous deux partagent le goût pour les grands horizons qu’ils soient de Méditerranée ou du Nord, où parfois l’usage des noirs en aplats dialoguent en complicité.
Alors que Lindbergh se fait une réputation en Allemagne notamment grâce au magazine Stern, puis installe son studio à Paris en 1978, Alaïa est ce couturier pétri de discrétion dont les techniques sophistiquées s’échangent secrètement entre grandes clientes de haute couture. Bientôt ce garçon allemand épris de photographie noble et ce jeune homme d’origine tunisienne aux ciseaux éclairs écriront les plus beaux chapitres de la mode parisienne et française.
Avec presque simultanéité, Alaïa devient l’architecte des corps, les révèle et les découvre, Lindbergh les ennoblit en éclairant leur âme et leur personnalité. Pas à pas ils deviennent ces auteurs qui dominent leur discipline respective. Tous deux rejettent les artifices qui divertissent des vrais sujets et c’est sans effort qu’ils se retrouvent au gré de collaborations puissantes.
Comme il en est des plus grands qui feignent de ne pas s’obstiner, la simplicité est leur terrain de jeu.
Une plage au Touquet, les rues d’un vieux Paris indiquent des inspirations partagées pour le cinéma en noir et blanc et les panoramas étendus. Les sous pentes de métal d’une salle des machines, les bases de la tour Eiffel illustrent le souvenir d’un paysage industriel allemand chez l’un, renvoient au goût immodéré pour le design fonctionnel et l’architecture chez l’autre.
A travers les visages qu’ils participent à magnifier, ils réalisent leur grande oeuvre dans ce rapport étrange des disciplines qui tentent de se faire oublier pour mieux révéler l’autre.
Les vêtements d’Alaïa, selon les voeux du couturier lui-même doivent être les socles des sourires et des regards de celles, icônes et top-modèles qui les portent. Pour Lindbergh qui a construit sa notoriété sur l’image de ces grandes mannequins, seule l’authenticité d’un trait compte.
Tous deux auront été les grands artisans passionnés de leurs visages.
« Peu de mots suffisent pour qui sait comprendre » semble s’avouer le couturier et le photographe sur les images instantanées qui les réunissent. Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa y conversent avec le silence des clins d’oeil qui font des ententes amicales des oeuvres destinées.

Elle a allumé le vif du passé est une exposition monographique, dans le cadre du Focus Femmes de la Saison Africa2020, de l’artiste et réalisatrice franco-algérienne Katia Kameli. La pratique de Katia Kameli se fonde sur une démarche de recherche : le fait historique et culturel alimente les formes de son imaginaire plastique et poétique. Dans le cadre de cette Saison panafricaine dédiée à présenter le point de vue de la société civile africaine du continent et de sa diaspora, il semblait nécessaire, et plus encore à Marseille, de partager l’œuvre d’une artiste qui se consacre à l’écriture visuelle de l’histoire algérienne, en France et en Algérie, depuis déjà deux décennies.

Au plateau 1, Katia Kameli présente pour la première fois en France, sous la forme d’une installation inédite, une trilogie de films, Le Roman algérien, pensée comme une immersion dans l’histoire algérienne et dans la mémoire des hommes et des femmes au travers d’une collection d’images et de documents.
Le chapitre 1 se déroule rue Larbi Ben M’Hidi, à Alger, où Farouk Azzoug et son fils tiennent un kiosque nomade où sont vendues des images, sous forme notamment de cartes postales. Cette collection éclectique, apparemment classée aléatoirement, qui illustre des aspects de l’histoire pré-coloniale, coloniale et post-coloniale, autorise beaucoup d’associations.
Dans le deuxième chapitre, la philosophe des images Marie-José Mondzain nous offre une relecture du chapitre 1 du Roman algérien, puis observe et analyse une autre matière visuelle, celle des rushes collectés au cours du tournage du premier chapitre.
Née en Algérie, Mondzain s’intéresse à cette matière comme à ce qui est en attente de sens dans le débat de la communauté.
Dans le chapitre 3, elle pénètre l’image : fidèle à son approche critique, elle s’efforce de déceler le signifiant dans ses premières tentatives avortées d’accéder aux iconographies d’un roman national et familial. Les manifestations du Hirak apparaissent en contrepoint des investigations menées tout au long du film. Plusieurs figures se croisent : la photographe-reporter Louiza Ammi, la romancière et réalisatrice Assia Djebar. Ce sont des mots d’Assia Djebar qui donnent aussi leur titre à l’exposition.

L’exposition se poursuit au plateau 2 avec l’installation Stream of stories conçue spécifiquement pour l’espace du Frac. Stream of stories est une exploration des origines orientales des fables de Jean de La Fontaine, qui commence en Inde et se poursuit en Iran et au Maroc pour finir en France. Le dispositif comprend des vidéos, des fac-similés de manuscrits originaux qui représentent différents jalons historiques des fables, du Pañchatantra aux Fables de La Fontaine, ainsi que des sérigraphies et collages numériques. Les deux derniers chapitres vidéo de Stream of stories poursuivent les recherches engagées dans les volets précédents autour des origines et des évolutions du Kalîla wa Dimna, l’un des textes les plus connus de la littérature arabe médiévale et l’un des plus illustrés du monde islamique. Ils mettent en scène la comédienne Clara Chabalier qui incarne à la fois une conteuse et le médecin Borzouyeh, premier traducteur du sanskrit vers le pahlavi du Pañchatantra (un recueil de contes et de fables dont serait issu le Kalîla wa Dimna).
En réponse à l’invitation de la commissaire générale de la Saison, l’exposition propose un regard africain, et plus précisément nord-africain et algérien, sur la constitution de grands récits du continent et sur leur circulation internationale, mais aussi sur l’écriture de l’histoire algérienne. L’œuvre de Katia Kameli pose spécifiquement la question de la place des femmes au sein de ces histoires et de cette histoire, et se préoccupe de leur statut d’autrices, de créatrices, de témoins, ou de commentatrices. L’exposition espère aussi réagir aux cinq grands thèmes de la Saison — oralité augmentée, économie et fabulation, archivage d’histoires imaginaires, fictions et mouvements (non) autorisés et systèmes de désobéissance — en déployant ainsi à Marseille les films de Katia Kameli, traversés par l’ensemble de ces questions.
Eva Barois De Caevel, commissaire de l’exposition

Katia Kameli, image extraite de Le Roman Algérien – Chapitre 3, 2019, Vidéo HD, 45 min.
© Katia Kameli, ADAGP, Paris, 2020.

Pour montrer le rôle essentiel de la forêt amazonienne dans l’équilibre planétaire, Sebastião Salgado a survolé cet immense territoire, révélant entre ciel et terre un paysage peuplé de vie. Mais lors de ses nombreux voyages au-dessus de l’Amazonie, il a aussi été témoin des gigantesques feux provoqués par l’Homme, plaies béantes ouvertes dans la forêt, qui ne cessent de s’agrandir.

C’est cette « blessure ouverte » que Sebastião Salgado a choisi de montrer pour la première fois à l’Espace Frans Krajcberg, dans une exposition intimiste. Ces photos inédites sont là pour nous alerter et rappeler qu’une blessure sur laquelle on se penche peut guérir. L’immensité de l’Amazonie, sa force, sa vitalité, lui permettront de survivre si nous prenons conscience des dangers qui menacent cet étonnant écosystème, indispensable à notre équilibre.

Dans cette volonté de « dénoncer » pour nous forcer à agir, Sebastião Salgado rejoint Frans Krajcberg (1921-2017), qu’il a connu et avec qui il partage la même passion des arbres et de la forêt brésilienne. Son œuvre photographique et son engagement s’inscrivent dans la continuité du travail artistique et militant de Frans Krajcberg, dont les sculptures-totems, faites de bois brûlés ramassés sur les lieux de la déforestation, symbolisent selon Sebastião Salgado « la tourmente et la résurrection de la forêt morte ».

D’un côté un photographe, formant avec Lélia Wanick Salgado un couple lumineux, engagé pour la Vie et fermement tourné vers la cicatrisation et la reconstruction. De l’autre Frans Krajcberg, un artiste révolté, solitaire, tirant sa force de sa colère. Ils partagent la même blessure, la même préoccupation pour le sort de la forêt Amazonienne, « essentielle pour toute la planète ». Ils partagent aussi le même espoir, celui de la reconstruction, de la résilience, de la naissance d’un monde nouveau grâce à la reconnexion de l’Homme avec la Nature.

Ouvert du Mardi au Samedi, de 14h à 18h.

Photo : © Sebastião Salgado, État de Acre, Brésil, 2016.

La Fondation Thalie présente Invisible, Seascapes réunissant plusieurs séries photographiques de Nicolas Floc’h. Depuis une dizaine d’années, la production photographique de Nicolas Floc’h questionne une époque de transition où les flux, la disparition et la régénération tiennent une place essentielle et révèle l’impact des changements climatiques sur l’équilibre des écosystèmes. Précédemment exposés au Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur, les projets Initium Maris (2018-2021), Invisible (2018-2020) réalisés en Bretagne, en Méditerranée ainsi qu’au Japon, seront présentés aux côtés d’une installation de récif artificiel. L’exposition intégrera le parcours Art Brussels Week du 3 au 6 juin 2021.

Photo : Nicolas Floc’h, Paysages productifs, Initium Maris, Aber Wrac’h, 2019. © ADAGP, Paris, 2020.

Dans son nouvel espace culturel au Palais, Megève présente une exposition consacrée au photographe français Willy Ronis (1910-2009), co-produite par le Jeu de Paume et la Médiathèque de l’Architecture et du Patrimoine.

Cette exposition rétrospective revient sur le parcours de ce grand photographe, tour à tour reporter, photographe industriel ou illustrateur, qui marqua la photographie française du vingtième siècle. Elle met en exergue ses engagements politiques et ses évolutions stylistiques.
Pendant près de quatre-vingts ans – des années 1930 aux années 2000 – Willy Ronis a pointé son objectif sur les Français, arpentant avec un plaisir toujours renouvelé les rues de la capitale, les territoires industriels ou le sud de la France, mais aussi l’Italie, l’Angleterre, les États-Unis, ou photographiant, en pleine guerre froide, Moscou, Berlin et Prague.
A la fin de sa carrière, fidèle à ses engagements, il décide de faire don de son œuvre à l’État. Les tirages photographiques de cette exposition rétrospective sont un choix parmi les nombreuses archives de référence, dont celles de la bibliothèque du photographe conservés par la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP).
Une section entière de l’exposition sera consacrée aux Alpes et notamment à Megève où Willy Ronis aimait à venir skier et où il réalisa, dans les années 1930, deux campagnes photographiques, l’une pour l’école de ski d’André Ledoux, l’autre à la demande de la revue Air France.

Une enquête photographique dans le monde de Monsanto® “Monsanto® : une enquête photographique“ présentée aux Rencontres d’Arles en 2017, était indéniablement la proposition évènement de cette édition, même si elle semblait noyée dans la myriade d’expositions qui font la force et la faiblesse de cette foire d’images.
C’est le livre du même nom, publié conjointement aux Éditions Actes Sud, qui devait assurer la pérennité ultérieure de cette démarche éco-plastique qui après avoir été montrée dans de multiples centres européens le sera à Lyon à partir du 21 mai prochain.
Le travail du photographe franco-vénézuélien Mathieu Asselin illustre parfaitement le concept de « Nouveau documentaire » à l’oeuvre au Bleu du Ciel depuis vingt ans de diffusion, couplé à la notion sous-jacente de « lanceurs d’alerte d’art ».
Car c’est bien ce rôle qu’endosse et assume intégralement le photographe. Rôle sans cesse en évolution dans cette suite d’enquêtes sur Monsanto® étalées sur plusieurs années et ouvertes sur l’avenir, travail qui a bien peu d’accointances avec le style d’expositions/vedettariat en exclusivité du marché de la photographie contemporaine.
Dépassant le cadre du reportage traditionnel, cette oeuvre a donc fait l’objet d’un bel album, partie intégrante de l’exposition, à la présentation graphique rigoureuse, littéraire, esthétique et géo politique, accompagnée de nouvelles monstrations diverses sans cesse évolutives dans le suivi du parcours de Monsanto ®. Ce dernier ravive le slogan de Stéphane Hessel « Indignez-vous ! », pour lutter contre les malversations entre autres de multi nationales toutes puissantes et impunies. Ce sont bien d’elles dont a voulu témoigner l’artiste dans un constat artistique et sociologique courageux, et sans concessions à l’affût des irrégularités juridiques et humaines de la compagnie américano-allemande.
Il a successivement abordé les désastres consécutifs à l’emploi de ses produits agro-chimiques : glyphosate et autres agent orange au Vietnam, les scandales sanitaires et écocides engendrés par ces herbicides et les procès qu’ils ont intenté à tous ceux qui s’y opposaient…
Les dangers pour la santé que nous font courir les transformations transgéniques des OGM (Soja, Maïs, Coton et colza) avec la main mise sur les brevets de semence, exploitant les agriculteurs du monde entier, les travaux sur les hormones bovines de croissance, etc… Toutes ces découvertes qui, avec le temps, se sont révélées très néfastes pour l’environnement et les êtres vivants.
C’est cet enjeu éthique qui a dirigé l’esprit de l’enquête de Mathieu Asselin, avec pour finalité de faire prendre conscience des méfaits qu’engendrent et engendreront dans le futur la mise en place de ces protocoles scientifiques, qui prennent le risque de détruire la biodiversité de notre planète. Il a ainsi créé une oeuvre polymorphe incarnée dans une compréhension plastique, et réalisé à cet effet des photographies immédiatement parlantes, de cette réalité socio politique.
Cette approche dans la lignée du photo reportage dont elle emprunte le socle journalistique, porte l’art à sa dimension essentielle d’urgence actuelle dans l’action et la compréhension de l’état de nos sociétés néo libérales et démocratiques !
Ce constat est délivré sur les cimaises des espaces d’art au moyen d’images édifiantes, de témoignages humains, tous supports circonstanciés capables d’éveiller le visiteur sur le sens des activités du petit monde de Monsanto®.
Gilles Verneret

© Sauget, Illinois, 2012, Mathieu Asselin

En pleine période de confinement Joëlle Kem Lika a créé les “Feu solaire” pour célébrer le mouvement fort et puissant de la Terre : une reconquête de la pulsion de vie, un travail dans la Terre, comme la lave d’un volcan, ou un ciel rougeoyant, comme la beauté d’un coucher de soleil, montrant l’importance de cet appel de la Nature à l’Amour de notre planète.

Regards croisés entre peintures et photographies.

Joëlle Dollé et Philip Provily, photographes: l’une, observe la vie des fleurs avec toute la poésie qui la caractérise, tandis que l’autre, digne héritier des peintres flamands, pose son oeil délicat sur elles. Deux sensibilités aux couleurs vives et douces de la nature.

Joëlle Kem Lika / Joëlle Dollé / Philip Provily

Samedi et dimanche 15h / 19h
En semaine sur rendez-vous : Tel 03 86 75 39 01

Photo : © Philip Provily