Agenda

L’exposition Vertiges présentée à la rentrée prochaine à Labanque — centre de production et de diffusion en arts visuels de Béthune déployé dans le site réhabilité de l’ancienne Banque de France — est le troisième temps de La Traversée des inquiétudes, trilogie imaginée par Léa Bismuth, librement adaptée de la pensée de Georges Bataille. Cette exposition est conçue comme une expérience unique et s’inscrit comme les deux précédentes, Dépenses et Intériorités, dans une volonté d’expérimenter les conditions d’une exposition collective réunissant des productions
inédites. Vertiges clôturera ce cycle, avec notamment neuf artistes sollicités sur le même principe de production hors norme, témoignage d’une recherche curatoriale fondée sur un principe d’écriture confrontant l’art contemporain à une pensée fondatrice du XXe siècle.
Après l’énergie diffusée dans ses excès pour Dépenses, et un voyage nocturne au bout des possibles dans Intériorités, voici venu le temps d’une quête de l’abstraction sensorielle et d’une ouverture extatique. Ainsi, Vertiges, déployée dans les 1500 m2 des quatre niveaux de Labanque, fait la promesse d’une promenade étrange et déroutante. Le vertige n’est-il pas avant tout une sensation physique, un trouble, une perte d’équilibre ? C’est aussi un état mental d’épreuve d’un impossible poétique que l’on aimerait pouvoir décrire, mais qui se laisse difficilement saisir. Désirant cet extrême inatteignable, l’exposition souhaite mettre en scène « une chute dans le vide du ciel », un élan, celui d’une existence sans borne.
Le visiteur sera invité à traverser d’abord l’espace de l’inconnu qu’il expérimentera par ses propres mouvements dans une installation immersive. Cela le mènera dans une déambulation entre chance, jeu et risque, dans un Luna Park désaffecté ou une géographie mondialisée. Il rencontrera aussi le vide, le danger, tout autant promis à l’ivresse qu’à l’abandon, au sommeil qu’à la floraison débordante. Son périple se terminera au sommet, dans ce que Bataille a appelé « Le Bleu du Ciel », par-delà les nuages, espace où les corps s’exercent à l’infini, touchant du doigt une absence mystique.
L’exposition finale du cycle La Traversée des inquiétudes a en effet volontairement souhaité s’ouvrir sur un dépassement et une exaltation du corps épuisé ou enthousiaste, soumis aux lois de la gravité, en lévitation, ou s’échappant de son enveloppe.

Productions inédites des artistes : Antoine d’Agata, Juliette Agnel, Charbel-joseph H. Boutros, Claire Chesnier,
Romina De Novellis, Marie-Luce Nadal, Mel O’Callaghan, Bruno Perramant, Sabrina Vitali
Avec aussi : Rebecca Digne, Daniel Pommereulle, Georges Tony Stoll

Romuald Ducros a choisi de pointer son objectif sur les marchés rémois pendant une année. Au fil des saisons, le photographe a réalisé 216 portraits d’anonymes avec un aliment tiré de leur cabas, fraichement glané sur les étalages. L’expérience photographique participative s’est déplacée sur différents marchés en centre-ville et dans les quartiers. Ces portraits sont exposés, à Reims, autour des avant-gardistes halles du Boulingrin à partir du 28 septembre et jusqu’en mars 2019. 

Si le coeur du projet baptisé Duo des Halles se concentre sur les halles du Boulingrin, le studio mobile de Romuald Ducros a également sillonné le marché Jean-Jaurès, le marché de la place Luton, et ceux des quartiers Saint-Anne et Wilson. Résultat : 216 visages cosmopolites, singuliers, solennels parfois, immortalisés dans un style rappelant les portraits de la Renaissance.

Le marché, lieu de rencontre authentique 

A l’origine de ce projet original, soutenu par la ville de Reims, Romuald Ducros est un photographe multicarte. Avec Duo des halles, il cultive le goût de la sobriété en proposant des portraits où les habitants adoptent tous la même pose, qu’ils soient jeunes, vieux, carnivores, végétariens ou épicuriens. En plus de l’exposition, qui débute le 28 septembre, ce travail donnera lieu à l’édition d’un ouvrage d’art.

Pour le photographe, le marché représente un lieu de partage où les liens sociaux sont forts :

« L’objectif de cette expérience est de retrouver le plaisir simple dans notre rapport à la vie, un instant de vérité, d’authenticité porté par les valeurs de la terre, sa variété, sa beauté, sa générosité. » 

La magie des halles et ses chefs étoilés 

Le singulier marché couvert du Boulingrin est une prouesse de l’ingénieur Eugène Freyssinet datant de 1929. Ces halles, construites entièrement en béton armé, offrent un écrin Art-déco unique à quatre marchés hebdomadaires. Elles témoignent du foisonnement architectural qui a marqué la ville de Reims après-guerre. Reconstruction oblige !

Aujourd’hui, les halles du Boulingrin constituent le navire amiral de la gastronomie rémoise. Sous ce dôme emblématique, les grands chefs étoilés proposent des démonstrations culinaires : Jacky Louaze pour le Foch vendredi 14 septembre et Philippe Mille pour les Crayères vendredi 5 octobre.

Rénovées et inaugurées en septembre 2012, les halles représentent également un lieu de rendez-vous culturels avec ses marchés aux livres et d’artisanat d’art et des expositions ponctuellement proposées en mezzanine.

Irving Penn (1917–2009), known for his iconic fashion, portrait and still life images that appeared in Vogue magazine, ranks as one of the foremost photographers of the 20th century. “Irving Penn: Beyond Beauty,” organized by the Smithsonian American Art Museum and curated by Merry Foresta, the museum’s first Curator of Photography, is the first retrospective of Penn’s work in nearly 20 years. The exhibition features work from all stages of Penn’s career—street scenes from the late 1930s, photographs of the American South from the early 1940s, celebrity portraits, fashion photographs, still lifes and more private studio images. Penn’s pictures reveal a modernist instinct for stark simplicity whether he was photographing celebrities, fashion models, still lifes or people in remote places of the world.

(Photo : Irving Penn, Ball Dress by Olivier Theyskens for Nina Ricci, New York, 2007, Smithsonian American Art Museum, Gift of The Irving Penn Foundation. Copyright © Condé Nast)

Le parcours artistique de David Perlov (1930-2003), figure centrale du cinéma israélien du dernier quart du XXe siècle, excède sa seule activité de cinéaste. Son œuvre s’est nourri d’une pratique du dessin et de la photographie, qui l’a accompagné tout au long de sa vie.

Né en 1930 à Rio de Janeiro, David Perlov passe ses premières années à Belo Horizonte, avant de s’installer à São Paulo. Sa rencontre avec le peintre, sculpteur et graveur Lasar Segall (1891-1957), voisin de son grand-père, l’ouvre à un univers inconnu, et c’est en artiste qu’il arrive à Paris en 1952, afin d’étudier la peinture à l’école des Beaux-Arts. Il y réside jusqu’en 1958, date à laquelle il rejoint sa femme Mira au kibboutz Bror Hayil au sud d’Israël. Pionnier du cinéma documentaire israélien, prix Israël 1999, Perlov enseigne à l’université de Tel-Aviv de 1973 à sa mort en 2003.
Les années parisiennes marquent un tournant tant Perlov est touché par l’effervescence du monde du cinéma. Sa fréquentation des ciné-clubs, la rencontre avec Alain Resnais et Chris Marker, auquel il achète sa première caméra, le conduisent à se saisir des médiums photographique et cinématographique. Il rencontre Henri Langlois, le directeur de la Cinémathèque française, qui l’engage pour monter un documentaire de Joris Ivens consacré à Marc Chagall, qui restera inachevé. Il réalise son premier film, Tante Chinoise et les autres, à partir des dessins d’enfants de Marguerite Bonnevay. Ces expériences structurent son approche artistique, une tension entre l’intime et l’universel que l’on voit plus tard appliquée dans son Journal, une œuvre fleuve constituée de six épisodes d’une heure chacun, débutée en 1973, chronique intime, familiale et politique poursuivie durant une décennie.
La fantaisie déployée dans ses propres dessins met en lumière d’autres aspects du travail de Perlov, où l’artiste laisse libre cours à ses rêves et ses sentiments, croisant parfois dans une même œuvre des temporalités distinctes. Rarement exposées, ces œuvres permettent de poser un regard renouvelé sur son travail documentaire, déjouant sa linéarité pour souligner l’affleurement des souvenirs et du passé dans l’appréhension du présent. Les dessins et photographies que Perlov réalise constituent ainsi des prises de notes, lui permettant de trouver le ton juste pour se raconter. L’exposition présente ce dialogue entre dessins, films et photographies.
Sauf mention contraire, les œuvres exposées sont conservées par la famille de David Perlov.

Commissariat
Commissaire : Fanny Schulmann
Conseillère scientifique : Galia Bar Or
Régie des œuvres : Pascal Concordia, Scénographie et régie des espaces : Victor Torossi, avec Olivier Bejannin, Arnaud Lamiral et Georgetta Mocanu
Encadrement : Arnaud Lamiral
Installation audiovisuelle : Guy Garcia Ingénierie, installation : Atelier des 3 coups
Éclairage : Claudio Varone
Conception graphique : DocLevin
Signalétique : Duograph
Remerciements
Mira, Yaël et Noémie Perlov, Nathalie Jungerman, Pascale Samuel, Hila Peleg, Camille Filaferro, Philippe-Alain Michaud, Ariel Schweitzer, Isabelle Regelsperger, Michael Gordon Studio, Pip Chodorov, la Cinémathèque française, le Centre Pompidou, les éditions Re :Voir, les éditions La Table Ronde.

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XXe siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957.
La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites, inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.

L’exposition présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger. Les deux artistes partagent une même fascination pour les profondes mutations de la ville, un intérêt commun pour le monde du travail, l’esthétique industrielle ou l’architecture moderne, notamment celle de Le Corbusier. Mais, tandis que Fernand Léger exprime, après la Seconde Guerre mondiale, sa foi dans le progrès, la modernité et la reconstruction, Stéphane Couturier documente, à partir des années 1990, la disparition progressive de la société industrielle et la transformation de l’espace urbain qui en découle, dans les métropoles mondiales (Paris, Berlin, Séoul, Brasilia, Salvador da Bahia, Alger).
Dans sa série inédite, conçue en écho à l’œuvre de Léger, Stéphane Couturier utilise la superposition de plusieurs photographies numériques, technique initiée en 2004 dans ses premières séries intitulées « Melting Point ». L’artiste fait naître une réalité hybride, à partir de la fusion de deux ou trois images. Cette synthèse entre deux réalités produit une multitude de détails, où l’œil du spectateur se perd et provoque une impression de mouvement et de dissolution du sujet, au sein d’une composition monumentale.
Aujourd’hui, l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, jouant des potentialités infinies de l’outil numérique, allie une approche documentaire à un traitement complexe de la composition. A la manière d’un tableau cubiste, elle puise dans le réel, le fragmente et, grâce au rythme et aux contrastes entre lignes, formes et plans colorés, le dépasse pour en offrir une nouvelle perception.
Stéphane Couturier interroge ainsi la nature prétendument objective du médium photographique : la
prise de vue devient un matériau. De ce matériau naît une machine à construire une combinatoire des
formes qui réactualise en permanence le réel enregistré.

Cette exposition, proposée à l’occasion des vingt ans du mahJ, est la première présentée en France sur Sigmund Freud (1856-1939). Par un ensemble de 200 pièces – peintures, dessins, gravures, ouvrages, objets et dispositifs scientifiques –, dont des œuvres majeures de Gustave Courbet (L’Origine du monde), Oskar Kokoschka, Mark Rothko ou Egon Schiele, elle jette un regard nouveau sur le cheminement intellectuel et scientifique de l’inventeur de la psychanalyse.

En France, l’enseignement de Freud est d’abord diffusé par les cercles littéraires, surréalistes en particulier, dans le sillage du symbolisme de la fin du XIXe siècle. Or cette réduction à la littérature ignore la rationalité dont se réclame la doctrine freudienne. Le parcours de l’exposition insiste donc sur les années viennoises puis parisiennes de Freud, héritier de Darwin, qui débute sa carrière en tant que neurologue, et dont l’intérêt pour la biologie ne va cesser de croître – Une leçon clinique à la Salpétrière d’André Brouillet (1857-1914) et le baquet à magnétiser de Franz Anton Mesmer (1734-1815), présents dans l’exposition, sont prêtés tous deux pour la première fois. Ses premières recherches s’enracinent dans la tentative de tracer des schémas et des esquisses souvent semblables à ceux que les neurosciences s’efforcent alors de dessiner pour expliquer la croissance et le développement des neurones et le fonctionnement du cerveau.
L’exposition fait redécouvrir l’invention de la psychanalyse. Si cette démarche est née de l’observation éminemment visuelle des symptômes, photographiés, dessinés, mis en scène autour de Jean-Martin Charcot (1825-1893) à la Salpêtrière, elle trouve sa spécificité et son efficacité à refuser l’image. Elle s’épanouit dans la seule écoute, dans les associations de mots, en l’absence de toute représentation visuelle.
Le lisible contre le visible, le mot contre l’image : Freud se pose ici en héritier de Moïse, grand briseur d’images. La spiritualité juive, à défaut d’une foi et d’une pratique, irrigue ses travaux, de L’interprétation des rêves – ouvrage dont l’herméneutique talmudique n’est pas absente –, jusqu’à l’essai final, Moïse et le monothéisme. Si Freud lui-même, né dans une famille juive originaire de Galicie gagnée par les idées de la Haskalah (les Lumières juives), affirme son athéisme et tient sa production scientifique à l’écart de son ascendance juive, tout comme du milieu viennois où il a vécu, c’est d’abord pour faire de la psychanalyse une science universelle, détachée de tout particularisme religieux ou culturel. Mais la démarche psychanalytique n’est pas étrangère à la tradition interprétative propre au judaïsme.
L’exposition bénéficie de prêts exceptionnels du musée Freud de Londres, du musée d’Orsay et du musée national d’Art moderne, ainsi que de grands musées autrichiens et allemands (Leopold Museum, Österreichische Galerie Belvedere, Vienne ; Museum der Bildenden Künste, Leipzig…).
Elle est accompagnée d’un riche programme (rencontres, table rondes, conférences, projection, activités pour le jeune public…).

Son catalogue est publié avec les éditions Gallimard.
Commissariat de l’exposition
Commissariat : Jean Clair, Académie française
Conseil scientifique : Laura Bossi, Laboratoire Sphère – Université Paris Diderot et Philippe Comar, ENSBA
Coordination : Virginie Michel, assistée de Camille Filaferro, mahJ

Max Halberstadt
Portrait de Sigmund Freud, 12 février 1932
© Londres, Freud Museum

La Villa du Parc ouvre une saison consacrée au regard des artistes sur l’impact des technologies numériques dans la société. Depuis le début des années 2000, l’évolution rapide des outils et des plateformes a profondément bouleversé la société dans ses habitudes et ses comportements les plus quotidiens. A l’euphorie des premiers temps (accès, décloisonnement, gratuité, partage) s’est substituée une suspicion grandissante (surveillance, dissimulation, manipulation, malveillance), faisant du web un espace incontournable et contrasté, ayant envahi nos vies subrepticement et propice à toutes les projections.

Pour ouvrir la saison, l’invitation faite à Emilie Brout & Maxime Marion, dont la Villa du Parc a présenté à plusieurs reprises des œuvres dans des projets collectifs – Terrible Two (2013), Les Incessants (2015) – croise plusieurs des lignes de la programmation de ces dernières années : la collaboration artistique, les nouveaux usages des images, ou encore la dimension fictionnelle du document. Suite à la parution des Artistes iconographes est née l’envie d’actualiser un questionnement ouvert sur le numérique par l’invitation à un duo né dans les années 80, très « millenials » dans son intérêt pour les nouvelles technologies, et dont l’œuvre se constitue par l’appropriation et le détournement des images avec ou contre les outils de production et de diffusion.

Inscrivant leur travail dans le va-et-vient entre le on-line et le off-line, Emilie Brout & Maxime Marion ont mis au cœur de leur exposition pour la Villa du Parc la mise en scène de leur intimité personnelle et professionnelle, et rassemblent pour cette première présentation monographique dans une institution française une dizaine de pièces essentiellement vidéos et en ligne dans un parcours inspiré par l’ambiance domestique du centre d’art contemporain.

C’est avec un refrain soul très eighties du duo Womack & Womack, qu’Emilie Brout & Maxime Marion, couple d’artistes à la maison comme à l’atelier, ont choisi d’intituler leur exposition à la Villa du Parc. « Tu ne devrais avoir d’yeux que pour moi », pensent ainsi tout bas les amoureux, et clament derrière leur écran les innombrables internautes en quête de « likes » anonymes ; à titre indicatif, le hashtag #followme est référencé 437 millions de fois sur Instagram. S’énonce ici l’obsession contemporaine de capter l’attention, qui s’affiche aujourd’hui sur les réseaux sociaux par le partage public de selfies et d’images qui mettent en scène la vie privée. La course à la popularité numérique engendre quelques pépites et beaucoup de stéréotypes, avec la publication d’images amateurs par centaines de milliers qui se mêlent indistinctement aux images publicitaires qui les imitent ou les modèlent, dans une stratégie commerciale virtuelle parfaitement huilée.
C’est cette imagerie du cliché devenant viral qu’Emilie Brout & Maxime Marion s’approprient dans leurs films et installations, en utilisant les outils du web et en poussant à l’extrême les pratiques et usages amateurs.
Dans le registre de l’appropriation en ligne, ils présentent leur nouveau film, « B0mb », dans lequel les vers du célèbre poème de Gregory Corso -auteur américain de la Beat Generation – ont été traduits par les artistes en requêtes pour moteur de recherche d’images sur internet. A chaque visionnage le film affiche les images retournées les mieux référencées, s’enchaînant dans un ciné-poème hypnotique et en constante évolution. Ce poème d’amour à la bombe atomique, convoquant l’univers et les références les plus diverses, favorise l’hétérogénéité des images représentative de la culture web dont le flux (flow) est porté par la voix du poète retravaillée dans une bande-son magnétique. La pièce fait écho dans la Villa à un immense brasier numérique de films de feux de cheminée d’ambiance.
En contrepoint de cette apocalypse très éditée dans le puits sans fonds de la circulation des données, qui les affilie à la grande famille post-internet des « prosumers » (producteur & consommateur), Emilie Brout & Maxime Marion inversent la situation dans une série d’œuvres où ils s’invitent dans les images des autres. Ainsi dans « Ghosts of your souvenirs », série photographique explorant le photobombing (l’art de s’incruster dans les photos des autres) ils prennent la pose dans des lieux touristiques et traquent ensuite leur discrète présence d’arrière-plan dans les images diffusées sur les réseaux sociaux. S’appuyant sur les récentes technologies à usage professionnel ou récréatif comme la réalité virtuelle, ils cultivent dans le film « dp » une dimension DIY et burlesque, évoquant les expérimentations du début du cinéma. Photographies de vacances, ballade dans leur quartier, vernissage à la galerie, et même sextape, c’est ainsi toute la tradition iconographique en ligne du quotidien et de la vie de famille dont ils constituent une mémoire.
Ils travaillent d’ailleurs à un projet de film dont ils dévoilent la bande-annonce en avant-première à la Villa du Parc. « A Truly Shared Love » est un film d’amour dont ils sont les acteurs principaux, et qui est constitué d’un montage de séquences proposées séparément à la vente sur la plateforme d’images Shutterstock, qui alimente illustrateurs, iconographes et publicitaires en images libre de droits. Formaté, scripté et filmé pour répondre aux nombreuses limitations de contenu de la plateforme, le film donne à voir leur quotidien au filtre d’une inquiétante étrangeté, dans un équilibre recherché entre authenticité et mise à distance, espace privé et diffusion de masse sur internet.
Ainsi s’écrit au fil des œuvres une ode au numérique en demi-teinte, fascinante et angoissante, dans laquelle les échanges entre réel et virtuel sont incessants, et où tout le talent des artistes consiste à nous proposer une vision aussi sincère que factice de leur intimité.

Garance Chabert, curatrice de l’exposition

L’exposition réunira sous le titre « Still » deux séries réalisées par la photographe danoise : Guldnakke (2012-2013) et Interior (2008-2012). Un tableau du peintre Vilhelm Hammershøi, provenant des collections du musée d’Orsay, et dont l’oeuvre a inspiré la photographe, sera mis en regard des photographies.

Trine Søndergaard est née en 1972 au Danemark. Elle vit et travaille à Copenhague. Sa démarche artistique repose sur la précision et la sensibilité qu’elle exprime à l’aide du médium photographique, tout en explorant les limites de celui-ci. De ses images se dégage une impression de tranquillité et ses sujets ne sont pas sans susciter d’émotion chez leur spectateur. Trine Søndergaard a reçu le prix Albert Renger-Patzsch ainsi que de nombreuses bourses, en particulier de la Danish Arts Foundation qui lui a permis de mener un important travail pendant trois ans. Ses photographies ont fait l’objet d’expositions dans de nombreux pays et figurent dans les collections de grandes institutions telles que le Musée des Beaux-Arts de Houston aux États-Unis, le MUSAC en Espagne, le Musée d’Art de Göteborg en Suède et la Maison Européenne de la Photographie en France. Elle a publié plusieurs livres édités par Steidl, Hatje Cantz, Hassla Books et FabrikBooks. Elle a également exposé et publié des ouvrages en collaboration avec l’artiste danois Nicolai Howalt. Trine Søndergaard est représentée par la galerie Martin Asbæk à Copenhague et la galerie Bruce Silverstein à New York.

Première exposition personnelle en France de l’artiste allemand Thorsten Brinkmann (1971), Farce Satrape fait place à quelques unes des figures illustres de chevaliers, padre, donna et autres créatures hybrides imaginées par l’artiste. Dans cette galerie de « portraits d’un serialsammler » (collectionneur en série) réalisés entre les murs de son studio, l’artiste met en scène et incarne des personnages fictifs aux allures de hauts et fiers dignitaires. Le recours à une palette juxtaposant ocre, vert émeraude, vermillon et lapis lazuli, l’usage d’étoffes et le port altier du sujet rappellent à notre imaginaire les portraits renaissants de rois, reines et princesses. On aurait presque la sensation d’être toisé, s’il n’y avait pas, en guise de visage, ce seul abat-jour frangé.

L’œuvre de Thorsten Brinkmann procède en premier lieu d’une collecte assidue d’objets esseulés, usés, dysfonctionnels, mis à la marge par notre société de consommation. S’ensuit un travail d’assemblage, où laissant les objets et leurs histoires venir à lui, il sculpte son personnage, jusqu’au moment où, tout ayant pris place, il appuie sur le déclencheur à distance. Esquissant un pas de côté, Thorsten Brinkmann interprète avec humour la relation de l’homme moderne à l’objet et à sa consommation et rejoue encore et encore devant le miroir de l’appareil les actes d’un théâtre de l’absurde qui sied bien à notre époque.

Empruntons à notre tour pour citer à son endroit la devise d’un éminent membre du Collège de ‘Pataphysique promu au rang de Satrape, Boris Vian, « je m’applique volontiers à penser aux choses auxquelles je pense que les autres ne penseront pas ».

La Fondation Cartier pour l’art contemporain célèbre, avec l’exposition Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu, la richesse et la variété des motifs, couleurs et figures dans l’art latino-américain. De l’art populaire à l’art abstrait, de la céramique à la peinture corporelle en passant par la sculpture, l’architecture ou la vannerie, cette exposition rassemble près de 250 oeuvres de plus de 70 artistes, de la période précolombienne jusqu’aux productions les plus contemporaines. Elle explore les formes multiples de l’abstraction géométrique en Amérique latine, qu’elles trouvent leurs sources dans l’art précolombien, les avant-gardes européennes ou les cultures autochtones encore vivantes aujourd’hui. Créant des dialogues inattendus, Géométries Sud tisse des liens visuels entre les époques, les territoires et les cultures, et invite à une rêverie au coeur de ces univers.

La Bibliothèque nationale de France propose la première grande exposition consacrée aux trois Nadar. Félix Nadar (1820-1910), son frère Adrien Tournachon (1825-1903) et son fils Paul Nadar (1856-1939) furent tout à la fois photographes, peintres, dessinateurs et inventeurs… Quelque 300 pièces témoignent des spécificités de chacun des trois photographes, de leurs collaborations comme de leurs rivalités, dans un parcours qui embrasse l’histoire de l’atelier des Nadar pendant près d’un siècle. À travers des épreuves photographiques originales, des dessins, des estampes, des peintures et des objets, l’exposition invite à découvrir l’héritage de l’un des ateliers les plus importants et les plus durables des débuts de la photographie. L’exposition, organisée de manière thématique, se décline en trois parties représentatives des caractéristiques de l’entreprise des Nadar : « Les Nadar par les Nadar », « Art et industrie du portrait » et « Art et science ». Cette dernière partie de l’exposition établit les liens des Nadar avec l’actualité de leur temps et la manière dont leur œuvre photographique s’est très souvent associée à des découvertes scientifiques et techniques.

Première exposition muséale de grande envergure consacrée à l’œuvre filmique d’Ana Mendieta (La Havane, 1948-New York, 1985), artiste cubano-américaine reconnue internationalement,  Ana Mendieta. Le temps et l’histoire me recouvrent » rassemble vingt films et près d’une trentaine de photographies associées.

Ana Mendieta est considérée comme l’une des artistes les plus prolifiques et novatrices de la période de l’après-guerre. Les expositions qui lui ont été récemment consacrées en Europe (Berlin, Londres, Prague, Salzbourg, Turin et Umeå) ont mis en lumière la puissance de sa vision artistique tout autant que l’influence qu’elle a exercée sur les générations d’artistes lui ayant succédé, une œuvre dont le retentissement sur le public de tous âges et de toutes origines ne se dément pas.

Au cours de sa brève carrière, de 1971 à 1985, Ana Mendieta produit un ensemble remarquable d’œuvres : dessins, installations, performances, photographies et sculptures, mais aussi films. Son travail filmique, moins connu, n’en constitue pas moins un corpus d’œuvres particulièrement impressionnant et prolifique : les 104 films qu’elle a réalisés de 1971 à 1981 lui ont conféré le statut de figure incontournable dans le domaine des arts visuels pluridisciplinaires qui a émergé au cours des années 1970 et 1980.

S’appuyant sur des travaux de recherche inédits, l’exposition du Jeu de Paume replace les films de l’artiste de la périphérie au centre de son travail. Elle s’articule autour des thèmes récurrents qu’ils explorent – la mémoire, l’histoire, la culture, le rituel et le passage du temps –, souvent évoqués au travers de la relation du corps et de la terre. Majoritairement tournés dans un environnement naturel, ils font la part belle à son intérêt pour les quatre éléments, la terre, l’eau, l’air et le feu.

Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n’ont jamais été exposées en France, l’exposition « Dorothea Lange. Politiques du visible » est articulée en cinq ensembles distincts. Ceux-ci mettent l’accent sur la force émotionnelle qui émane de ces photographies ainsi que sur le contexte de la pratique documentaire de la photographe. Plus d’une centaine de tirages vintage, réalisés de 1933 à 1957, sont mis en valeur par des documents et des projections qui élargissent la portée d’une œuvre déjà souvent familière au public grâce à des images emblématiques de l’histoire de la photographie comme White Angel Breadline (1933) et Migrant Mother (1936). Les tirages exposés appartiennent pour l’essentiel à l’Oakland Museum of California, où sont conservées les archives considérables de Lange, léguées par son mari Paul Schuster Taylor et sa famille.

À l’instar du célèbre roman de John Steinbeck paru en 1939, Les Raisins de la colère, l’œuvre de Dorothea Lange a contribué à façonner notre vision de l’entre-deux guerres aux États-Unis et à affiner notre connaissance de cette période. Mais d’autres aspects de sa pratique, qu’elle considérait comme archivistique, sont également mis en avant dans l’exposition. Resituant les photographies de Lange dans le contexte de son approche anthropologique, l’exposition offre au public la possibilité de comprendre que la force de ces images s’enracine également dans les interactions de la photographe avec son sujet, ce qui se manifeste à l’évidence dans les légendes qu’elle rédige pour accompagner ses photographies. Lange a ainsi considérablement enrichi la qualité informative de ses archives visuelles, produisant une forme d’histoire orale destinée aux générations futures.

En 1932, pendant la Grande Dépression débutée en 1929, Lange, observant dans les rues de San Francisco les chômeurs sans-abris, abandonne son activité de portraitiste de studio, la jugeant désormais inappropriée. Au cours de deux années qui marquent un tournant dans sa vie, elle photographie des situations qui décrivent l’impact social de la récession en milieu urbain. Ce travail novateur suscite l’intérêt des cercles artistiques et attire l’attention de Paul Schuster Taylor, professeur d’économie à l’université de Californie à Berkeley. Spécialiste des conflits agricoles des années 1930, et plus particulièrement des travailleurs migrants mexicains, Taylor utilise les photographies de Lange pour illustrer ses articles, avant que les deux ne travaillent ensemble à partir de 1935 au profit des agences fédérales instituées dans le cadre du New Deal. Leur collaboration durera plus de trente ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lange pratique sans discontinuer la photographie, documentant les problèmes majeurs de l’époque, notamment l’internement des familles nippo-américaines, les évolutions économiques et sociales imputables aux industries engagées dans l’effort de guerre, la justice pénale vue par le truchement du travail d’un avocat commis d’office.

Si les images emblématiques prises par Dorothea Lange durant la Grande Dépression sont bien connues, ses photographies des Américains d’origine japonaise internés durant la Seconde Guerre mondiale n’ont pas été publiées avant 2006. Présentées ici pour la première fois en France, elles illustrent parfaitement comment Dorothea Lange a créé tout au long de sa carrière des images aussi intimes qu’émouvantes visant à dénoncer les injustices et infléchir l’opinion publique.

Parallèlement aux tirages exposés, différents objets ayant appartenu à la photographe, notamment des planches-contacts, des carnets de notes prises sur le terrain et diverses publications, replacent son travail dans le contexte de cette période troublée. L’exposition du Jeu de Paume ouvre une nouvelle perspective sur l’œuvre de cette artiste américaine de renom, dont l’héritage demeure vivant aujourd’hui encore. Tout en soulignant les qualités artistiques et la force des convictions politiques de la photographe, elle invite le public à redécouvrir l’œuvre de Dorothea Lange et son importance capitale dans l’histoire de la photographie documentaire.

Né à Montevideo (Uruguay), Alejandro Cesarco vit et travaille à New York. Son travail se déploie sous la forme d’une série de prélèvements qui indiquent souvent un ailleurs et un hors-champ, rendant compte de l’expérience d’un réel dans sa discontinuité.

Un autre trait caractéristique de sa démarche réside en un appel récurrent d’autres artistes ou penseurs en particulier issus de la littérature. Ainsi de James Joyce à Roland Barthes, en passant par Maurice Blanchot, Italo Calvino, Marguerite Duras ou Jean-Luc Godard, nombreux sont ceux qui apparaissent dans le travail d’Alejandro Cesarco. Ces intrusions participent du sens de l’œuvre en l’intégrant de manière syntaxique. Alejandro Cesarco nous livre la matière de récits évocateurs, teintés de mélancolie.
Parmi ses dernières expositions monographiques, « Alejandro Cesarco – Secondary Revision (Elaboration secondaire) », Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris (2013-2014), « A Portrait, a Story, and an Ending », Kunsthalle Zurich (2013), « Alejandro Cesarco », MuMOK, Vienne (2012), « Words Applied to Wounds », Murray Guy, New York (2012), « A Common Ground », Pavillon Uruguayen, 54^eBiennale de Venise.

Commissaire : Agnès Violeau

Daido Moriyama (né au Japon en 1938) est une figure majeure de la photographie contemporaine. Ses clichés contrastés à l’extrême, granuleux,
recadrés, flous, ont donné naissance à une nouvelle pratique de la photographie et inspiré une génération d’artistes.

Daido Moriyama ancre sa pratique artistique dans les travaux de Nicéphore Niépce et les racines de la photographie. Chez lui, au Japon, un agrandissement du Point de vue du Gras est accroché au dessus de son lit, afin de pouvoir l’observer chaque jour. Cette dévotion de l’artiste pour la première photographie au monde l’a conduit, au fil de sa carrière, à réaliser des travaux sur les traces de l’inventeur ; de Tokyo à Chalon-sur-Saône et Saint-Loup-de-Varennes, jusqu’à Austin au Texas.

Dans les années 1980, au Japon, au gré de son errance, Daido Moriyama saisit des instantanés. Le contexte n’est pour lui qu’un prétexte. Il enregistre dans l’espace public autour de chez lui, ce qu’il perçoit du présent et du réel, nourri de la mémoire de l’image originelle. « Ce tableau filtré par la lumière, ces arabesques de clair-obscur, ont pénétré jusqu’au plus profond de ma mémoire, comme si je les avais vus de mes propres yeux, un jour d’été.

Ce paysage exposé au soleil, qui a bien existé à cet endroit-là et à ce moment-là, ressuscite pourtant subitement, éveillant en moi de nombreux souvenirs à chaque fois que je pose mon doigt sur le déclencheur. »

Il publie en 1990 une sélection de ces photographies dans le livre « Lettre à St Loup », comme une lettre à travers le temps et l’espace à l’attention de Nicéphore Niépce. Pendant le travail éditorial, l’envie naît de se rendre sur les lieux de vie de l’inventeur ; pour « ressentir les lumières et les ombres et s’imprégner de l’énergie du berceau de la photographie ».

Daido Moriyama concrétise ce second travail bien plus tard, en 2008. Il explore les lieux fréquentés par Niépce dont l’endroit exact de la première prise de vue dans la série « View from the Laboratory ». Enfin, il profite d’un voyage aux États-Unis en 2015 pour voir de ses propres yeux et photographier Le Point de vue du Gras original conservé au Texas.

L’exposition « Daido Moriyama, Un jour d’été » est inédite. Elle présente ce corpus d’une centaine de photographies réunies pour la première fois.

Elle est exceptionnelle car elle rassemble ce travail au plus près des artefacts de Niépce, dans le musée qui porte son nom.

Cette première grande exposition monographique en France de l’artiste allemande Melanie Manchot porte un regard sur 20 ans de création, à travers une sélection d’œuvres réalisées de 1998 à 2018, et ouvre son champ grâce à de nouvelles productions.

Melanie Manchot place au cœur de sa pratique artistique les liens, relations et tensions entre l’individu et la communauté, en multipliant les expériences individuelles et collectives. Artiste allemande vivant à Londres, cette citoyenne européenne porte un regard ouvert, généreux et original sur le monde et sur le rapport de l’individu au groupe. Son œuvre est traversée par la relation qu’entretient le corps (social) à l’espace (public). Elle manie le portrait comme genre en développant une sensibilité particulière de la relation des figures à leur environnement. Dans un processus généralement performatif, elle met en scène des situations propices à la rencontre d’inconnus et de communautés habituellement séparés, dans des lieux qui agissent comme des révélateurs d’un contexte politique, social, spatial, institutionnel, pour mieux questionner leur rapport aux autres, au contexte et au monde. L’œuvre de Melanie Manchot rend visible l’idée d’une harmonie possible de différences et de diversités.

Lors de cette quatrième exposition personnelle que Camera Obscura consacre à Pentti Sammallahti, nous aurons le plaisir de montrer des oeuvres inédites, ainsi qu’un choix d’images d’oiseaux, thème largement présent dans son travail, et qui fait l’objet d’une monographie à paraître en octobre aux éditions Xavier Barral.
La Maison Robert Doisneau présente également une exposition rétrospective de Pentti Sammallahti du 19 octobre au 13 janvier.
Cet automne est donc riche en événements autour de l’oeuvre du photographe Finlandais, que l’on a toujours grand plaisir à voir et revoir.

Les photographies de Pentti Sammallahti sont de celles qui peuvent être universellement comprises, reçues et admirées. Elles ont l’évidence d’une oeuvre à la fois populaire et virtuose, pleine d’humanité et d’humour. Ses images étonnent par leur qualité plastique et parlent aussi bien au connaisseur qu’au profane.
Henri Cartier-Bresson, apercevant par hasard quelques tirages de Sammallahti lors de la préparation de Paris Photo 2001, étonné de voir un travail de cette qualité, totalement inconnu de lui, fit l’acquisition d’un tirage, avant de l’inclure dans son choix des cent photographies choisies pour inaugurer sa fondation.

A LIRE : 
Pentti Sammallahti, le photographe finlandais présenté à Gentilly et à Paris Rencontre avec le commissaire Michaël Houlette
Carte blanche à Olivier Bourgoin : La rencontre définitive avec la photographie, Pentti Sammallahti

Le site SOPHOT.com dédié à la photographie sociale et environnementale organisera une exposition avec les deux reportages lauréats :

Lieux d’exposition
Galerie FAIT & CAUSE
58 rue Quincampoix – 75004 Paris – France
du mardi 14 mai au samedi 13 juillet 2019

Conditions de participation

● Etre inscrit sur le site, avoir mis à jour sa Fiche personnelle et y avoir enregistré le reportage présenté. Inscription gratuite.

● Le travail soumis par le photographe devra :
– porter sur un problème social ou environnemental.
– avoir été achevé en 2017 ou 2018. Chaque photographe présentera un seul reportage.

● Dossier de candidature. Chaque dossier soumis à la sélection devra comporter :
– Une biographie sommaire du photographe.
– Un synopsis : intentions, sujet, problématique et partenaires éventuels… (1 page)
– 30 à 50 photographies au format papier A5 minimum, A4 ou plus.
(tirages de lecture, ou impressions laser de très bonne qualité.)
Chaque photographie devra être numérotée et légendée.
– Une clef ou un CD avec ces mêmes données. Textes et légendes (accompagnées des vignettes photos correspondantes) en format Word ; photos en format jpeg, 72dpi 1920 pixels sur le plus grand côté.
– Le photographe indiquera s’il est d’ores et déjà prévu que son reportage fasse l’objet d’une exposition ou d’une publication en 2019.

Les dossiers sont à déposer ou à envoyer à :
Association Pour Que l’Esprit Vive
SOPHOT.com, 69 boulevard de Magenta, 75010 Paris, France –
jusqu’au vendredi 1er février 2019 – Dernier délai –

L’annonce de la sélection aura lieu dans la 2ème semaine du mois de mars 2019.
À partir de cette date, les dossiers qui n’ont pas été sélectionnés pourront être récupérés en prenant rendez-vous par téléphone : 01 81 80 03 66 / 63.
(Si vous habitez en province, veuillez joindre une enveloppe timbrée pour le retour, svp).
La production et le montage de l’exposition seront assurés par le site SOPHOT.com Dès la fin de l’exposition, les tirages exposés seront restitués aux deux lauréats.

La quatrième édition du concours All About Photo Awards invite les photographes du monde entier à livrer leurs émotions visuelles.

Prix:
Grand prix: $5,000
2eme prix: $2,000
3eme  prix: $1,500
4eme prix: $1,000
5eme prix: $500

Tous les gagnants auront leur travail publié dans les magazines Dodho, Be-Art Magazine et All About Photo. Leur travail sera également projeté sur des écrans via la technologie Daylighted dans une exposition itinérante aux Etats Unis. Les 40 photographes sélectionnés auront également leur image gagnante publiée dans le magazine AAP Magazine, dans le numéro Special « All About Photo Awards 2019 »

Certains participants ayant été remarqués par les membres du jury auront également leur travail exposé en ligne sur le site All About Photo et figureront dans les expositions digitales de Daylighted.

Vous pouvez télecharger le Press Release (en anglais ): HERE

MEMBRES DU JURY | 

John Rankin: Photographer, Publisher and Film Director.
Elisabeth Avedon: Photography book and exhibition designer, independent curator and writer.
Henry Horenstein: Photographer, Professor of photography at RISD.
Laura Geiser: Senior Photo Editor, Buzz Feed News.
Alex Cammarano: Founder and CEO of Daylighted.
Anna Van Lenten: Founder & director at LightField, curator at Half King Photo Series.
Tariq Zaidi: Photographer, Winner All About Photo Awards 2018.
Ann Jastrab: Editor-in-Chief, All About Photo, Curator, Writer & Educator.
Maxim Panés: Founder & Director Dodho Magazine.
Sandrine Hermand-Grisel: Photographer, Founder & Editor All About Photo.

ACCEPTANCE | AWARDS

Up to 50 images. Photographs will be judged individually and not as a unified group of photos.

1er prix:
US$5,000 cash
Titre: All About Photo Photographer of the Year
Interview exclusive et portfolio publié sur All About Photo
Interview exclusive dans Be-Art Magazine
Interview exclusive et portfolio publié sur Dodho.com
10 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019 »

2eme prix:
US$2,000 cash
Portfolio publié sur All About Photo
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019 »

3eme prix: 
US$1,500 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

4eme prix:
US$1,000 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

5eme prix:
US$500 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

Places 6 à 36:
Photographies sélectionnées projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis.
Image publiée dans un article sur Dohdo.com et dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

Certains participants ayant été remarqués par les membres du jury auront également leur travail exposé en ligne sur le site www.all-about-photo.com et projetés lors de l’exposition itinerante aux Etats Unis.

ENTRY FEE | $30.00

$30 (US Dollars) for the 3 first images. $5 (US Dollars) for each additional image. Payment is accepted by Credit / Debit Card through our secure online submission site or via PayPal.

USE RIGHTS

Artist retains all copyrights to their own images. The artist’s name and photo title will be included wherever the photographs are displayed.

L’exposition L’AFRIQUE N’EST PAS UNE ÎLE propose une déambulation à travers des images, celles qu’Afrique in Visu présente depuis dix ans sur sa plateforme. Veillant à rendre compte des différents regards et pratiques sur, autour et depuis le continent africain, Afrique in Visu devient ainsi « un territoire visuel » outrepassant la question même des frontières.
L’exposition invite à arpenter une infime partie de ce territoire connecté, avec des focus de travaux photographiques publiés sur Afrique in Visu, en dialogue avec une sélection d’oeuvres issues de la collection Zinsou. Des wallpapers, all over recouvrant les murs de photographies, plongent le spectateur dans un flux, celui de la plateforme, celui de la pratique photographique actuelle en Afrique. Le visiteur déambule dans ce territoire visuel qui n’est ni figé, ni unique mais bien multiple.

Un territoire en kaléidoscope

L’Afrique n’est pas une île esquisse ainsi un territoire en kaléidoscope, aussi nommé « Alkebu-Lan, Katiopa, Farafina, Afuraka, TaMery, Kama… »1, comme l’énumère Léonora Miano2 dans son intervention « De quoi l’Afrique est-elle le nom ? » L’auteur invite à s’éloigner de ce nom de baptême pour davantage rendre compte de la multiplicité, reconsidérer la diversité d’une Afrique qui, à défaut d’être renommée, pense sa (re)construction.

Articulée autour de trois volets, l’exposition ébauche une géographie à re-cartographier : des habitants, des histoires, des lieux, soulevant les questions relatives au rapport corps/temps/espace au cours de l’Histoire. Les statuettes humaines de Namsa Leuba mêlent autant fiction et réalité ; les compositions sculpturales de Lebohang Kanye installent l’artiste dans un carambolage passé/ présent ; le local et le mondial se rencontrent à travers les lieux en friche désertés des photographies de François-Xavier Gbré.

Les différentes séries photographiques présentées dans l’exposition L’AFRIQUE N’EST PAS UNE ÎLE incarnent les notions d’espace/temps, personnalisent une histoire, expérimentent une géographie pour penser en tant que sujet « Comment faire monde » ?

Jeanne Mercier, Baptiste de Ville d’Avray et Madeleine de Colnet.

Ishola Akpo, Héla Ammar, Sammy Baloji, Joan Bardeletti, Abdoulaye Barry, Carolle Benitah, Adrien Bitibaly, Nabil Boutros, Seydou Camara, Joana Choumali, Nestor Da, Cristina De Middel, Jean Depara, Fatoumata Diabaté, Omar Victor Diop, Fakhri El Ghezal, Ymane Fakhir, Samuel Fosso, François-Xavier Gbré, Yo-Yo Gonthier, Philippe Guionie, Wiame Haddad, Hélène Jayet, Mouna Karray, Seydou Keïta, Lebohang Kganye, David Lemor, Namsa Leuba, Nicola Lo Calzo, Edgar Marsy, Baudouin Mouanda, J.D. ‘Okhai Ojeikere, Nyaba Léon Ouedraogo, Fethi Sahraoui, Georges Senga, Malick Sidibé, Sanlé Sory

Le MBAL présente la première rétrospective de l’une des artistes les plus emblématiques de notre époque. Travaillant entre la photographie et le film, Alex Prager (États-Unis, 1979) développe depuis 10 ans une oeuvre qui se distingue par son style inimitable. Ses mises en scène, qu’elles soient photographiées ou filmées, frappent par le soin méticuleux avec lesquelles elles sont réalisées. Hollywood n’est jamais loin pour cette artiste de Los Angeles, inspirée par le cinéma et la culture populaire. L’exposition, qui réunit ses séries les plus importantes, dévoile un univers qui allie drame, émotion et humour. Los Angeles sert à la fois d’inspiration et de toile de fond à ses compositions. On y voit des personnages féminins dans des scènes étranges, à l’atmosphère aussi intrigante que séduisante. Autodidacte, Alex Prager élabore tous ses projets dans des décors complexes, faisant souvent appel à des centaines de figurants afin de créer un véritable tableau vivant où chaque personnage, comme perdu dans ses propres pensées, apparaît avec la même netteté. Conçus avec un grand souci du détail, ces décors recréent différents lieux publics où l’artifice de la mise en scène est immanquablement trahi par la présence d’une figure féminine solitaire, déambulant dans la foule et isolée par une angoisse qui n’appartient qu’à elle. Cinq films complètent l’exposition. L’artiste qualifie ses installations cinématographiques immersives de « versions sensorielles intégrales » de ses photographies. À la fois reflet d’une époque et intemporel, cet univers esthétique immédiatement reconnaissable oscille entre fantastique et hyperréalisme, un univers où la frontière entre réalité et fiction, superficialité et profondeur reste floue. L’exposition, produite par le MBAL, est organisée en collaboration avec la galerie Lehmann Maupin (New York/Hong Kong). Elle a été présentée à Londres puis circulera dans d’autres villes européennes après sa présentation en Suisse. SILVER LAKE DRIVE est également un livre – paru en anglais aux éditions Thames & Hudson et en français aux éditions Textuel – qui revient sur la trajectoire brillante de cette artiste exposée dans les plus grands musées du monde.

À travers la série Old Future, le photographe américain Erik Madigan Heck (1983) explore dans ses images les intersections entre la photographie et la peinture tout en brouillant les genres, navigant entre mode, paysage et portrait.
Parallèlement à des débuts fulgurants comme photographe de mode – il travaille notamment pour Harper’s Bazaar, Vanity Fair ou le New York Times Magazine – Madigan Heck développe dès ses débuts un langage photographique singulier qui le mène rapidement à la reconnaissance dans le monde de l’art.
Marqué par les peintres romantiques, impressionnistes et Nabis, l’artiste capture l’essence de la peinture à travers l’objectif de son appareil photographique et opte pour un traitement subtil des couleurs qu’il traite en aplat ou de manière « pointilliste », créant des images à la fois oniriques et intemporelles. Ses commandes pour le monde de la mode constituent un terrain de jeu qui lui permet d’explorer les multiples voies créatives de son médium, la photographie, tout en faisant un clin d’oeil aux peintres du 20e siècle qu’il admire.

L’exposition organisée par le MBAL, en collaboration avec la galerie Christophe Guye, à Zurich, est la première exposition muséale de Erik Madigan Heck. Un livre publié aux éditions Thames & Hudson accompagne l’exposition.

Martine Franck revendiquait l’émerveillement et la célébration de la vie, une joie profonde devant l’humanité tout en luttant contre l’exclusion avec toute l’empathie qu’elle savait déployer. Photographe engagée, Martine Franck devint militante pour nombre de ces causes qu’elle photographia activement.

Née à Anvers en 1938, Martine Franck grandit en Angleterre et aux États-Unis au sein d’une famille de collectionneurs. Polyglotte, étudiante en histoire des arts, férue de sculpture, c’est lors d’un long voyage en Orient en 1963 qu’elle découvre la photographie. De retour à Paris, elle devient photographe indépendante, après avoir été assistante de Gjon Mili et Eliot Elisofon, et collabore aux grand magazines américains, Life, Fortune, Sports Illustrated, le New-York Times et Vogue, avec des reportages et des portraits d’artistes. Elle participe à la création des agences Vu, puis Viva. Martine Franck vit également dès ses débuts l’aventure de la troupe du Théâtre du Soleil, avec son amie Arianne Mnouchkine qui avait partagé son voyage oriental. En 1970, elle épouse Henri Cartier-Bresson, artiste accompli, qui va l’encourager dans sa propre voie. Elle rejoindra plus tard, la coopérative Magnum, qui diffuse toujours son travail aujourd’hui.

Le travail sur l’exposition et l’ouvrage qui l’accompagne a été entrepris très en amont en 2011 avec Martine Franck. La photographe avait souhaité confier la direction de l’ouvrage et le commissariat de l’exposition à Agnès Sire avec qui elle dirigeait cette Fondation depuis longtemps. Le choix des photographies, du parcours plutôt chronologique et ponctué de textes, de l’entretien avec son amie, l’écrivaine Dominique Eddé étaient les principes acquis de ce vaste projet. On y retrouvera le fil de son engagement au travers des séries de portraits, de paysages presque abstraits, qui ne manqueront pas de surprendre, et d’une sorte de chronique à distance de la vie politique.

La veille du vernissage de PARIS PHOTO, nous présenterons avec fierté un ensemble important de tirages anciens de John Gossage et de Guido Guidi, continuité du dialogue vieux de 25 ans entre deux amis.

Comme le dit Guido, John Gossage et lui, sont frères, et puisqu’aucun d’eux ne parle la langue de l’autre, ils parlent «la langue photographie». Lorsque l’on regarde leurs œuvres on comprend immédiatement pourquoi.

Leurs œuvres soulignent toujours l’importance de ce qui semble banal, de ce qui est invisible jusqu’à ce qu’elles attirent votre attention sur cette invisibilité. Et tout cela à travers une pureté émotionnelle, esthétique et poétique rare.

Comme Guido Guidi le dit : «L’esprit réside dans la simplicité, pas dans la rhétorique.»

Organisée à partir des collections de photographies du Centre Pompidou, cette exposition propose un nouvel éclairage sur la photographie sociale et documentaire émergeant en France au début des années 1930. Le Front populaire et les icônes de la Guerre d’Espagne résument encore aujourd’hui largement l’idée d’engagement pendant l’entre-deux-guerres au détriment de cette période essentielle dont le répertoire iconographique constitue un véritable laboratoire du regard social et engagé.

à travers une sélection de près de 100 œuvres et une quarantaine de documents, l’exposition s’articule autour d’axes thématiques (l’antimilitarisme, la lutte contre les colonies) et de séries formelles, où se côtoient les plus grands noms de la photographie moderne (Willy Ronis, Eli Lotar, Nora Dumas, Henri Cartier-Bresson, Germaine Krull, Gisèle Freund, Lisette Model etc.).

« Photographie, arme de classe » interroge le passage d’une iconographie pittoresque de la pauvreté, incarnée par le Paris d’Eugène Atget (1857-1927) vers une prise de conscience sociale du tableau de misère qu’offre la capitale au début des années 1930. Les pratiques spécifiques, tel le photomontage, font l’objet d’une étude particulière avec l’architecte et militante Charlotte Perriand (1903-1999) qui a su saisir à l’époque le potentiel de « déflagration » du montage photographique. Enfin, les thématiques iconographiques récurrentes de l’image de l’ouvrier, à la représentation du collectif en lutte, sans oublier les stratégies de la presse illustrée de gauche (Regards, Vu) permettent de compléter une image encore lacunaire de la photographie documentaire et sociale de l’entre-deux-guerres grâce à des découvertes récentes.

« Photographie, arme de classe », c’est ainsi que le journaliste Henri Tracol (1909-1997) ouvre son texte manifeste destiné à fédérer la section photographique de l’association des écrivains et artistes révolutionnaires (A.E.A.R.) fondée en 1932 à Paris, dans un contexte de montées des crispations politiques, économiques et sociales. Cette association rassemble les photographes parmi les plus engagés de l’avant-garde parisienne : Jacques-André Boiffard, Henri Cartier-Bresson, Chim, André Kertész, Germaine Krull, Eli Lotar, Willy Ronis, René Zuber, et bien d’autres encore. Aux côtés d’amateurs ou d’ouvriers qu’ils accompagnent dans leur pratique de la photographie, ces derniers vont développer un langage à la croisée du discours critique, du geste militant et de l’esthétique du documentaire en s’appuyant sur les exemples soviétique et allemand tout en poursuivant une voie propre au contexte social et politique français.

Je ne suis pas mort. La famille va bien. est un projet qui mêle photographies, écriture et création sonore, réalisé dans le cadre d’une résidence en Nouvelle-Aquitaine. Il s’appuie sur la ligne de démarcation, imposée de juin 1940 à mars 1943 par les Allemands, et qui traversait la région depuis la Vienne jusqu’à la frontière espagnole dans les Pyrénées-Atlantiques.

Cette exposition est l’aboutissement d’une résidence d’un an co-portée par la DRAC Nouvelle-Aquitaine, la villa Pérochon à Niort et le centre d’art image/imatge à Orthez.

Le photographe Jean-Christophe Hanché explore la notion universelle de guerre, entre mémoire de la Première guerre mondiale et plongée photographique dans des zones de conflit plus actuelles. A l’origine de ce travail présenté au Cellier, à Reims, du 9 novembre 2018 au 24 février 2019, l’histoire familiale de l’artiste, puis sa découverte de conflits plus contemporains notamment en Afghanistan. Par-delà les époques et les continents, Jean-Christophe Hanché livre une réflexion intimiste sur la guerre, replaçant l’homme au centre du sujet.  

Dans une installation aux formes multiples, Jean-Christophe Hanché propose une immersion à travers les guerres qui ont émaillé, pendant 18 ans, sa vie de photographe : Libéria, Sierra-Leone, Somalie, Israël, Irak, Afghanistan. L’histoire personnelle de l’artiste se mêle à ses reportages, les sensations brutes succédant aux sentiments poétiques.

L’origine de ce travail associant photographies, images d’archive, vidéos, objets et collages, est fondée sur la mémoire familiale de l’artiste rémois et notamment un exemplaire d’une édition de l’Illustration datant de 1917 transmis par ses grands-parents. Jean-Christophe Hanché dévoile au Cellier une installation immersive, fruit du travail réalisé durant deux années de résidence à La Fileuse, friche artistique de la ville de Reims.

Seul(s) engage le visiteur dans une progression lente, propice à l’introspection… L’installation conjugue images fixes et en mouvement, écriture et son. Ces éléments entrent en résonance de façon suggestive. L’artiste propose un parcours contraint, investissant les quelques 600 m² de travées souterraines du Cellier, ancien cellier d’expédition de champagne dont la façade exceptionnelle est inscrite au titre des Monuments Historiques depuis 1997.

Based on a true story est un travail réalisé dans le cadre d’une résidence photographique. Presque sous contrainte, presque avec douleur : deux mois sur place, loin de tout et surtout des siens, dans une région isolée où le mythe fait loi, quasi inconnue, quasi hostile. Il fait de sa technique – le sténopé – et de sa recherche d’archives photographiques sur ce territoire un moyen d’apprivoiser chaque rencontre. Mais ce n’est qu’un support. Il prend les gens au piège, les fixant pour une nouvelle éternité, nous permettant de découvrir un monde sensible, étrange, mélancolique – nostalgique ? – qui nous rappelle les contes de notre enfance. Ici, les bois sont hantés… nous dit Arno Brignon dans le texte qui relate en temps réel un road trip immobile : les villageois dansent autour du feu, le chasseur n’est pas loin, l’ogre nous épie, la chèvre échappe au loup, le petit poucet tente de sortir de cette forêt, et son petit chaperon est bleu… Car c’est bien de l’enfance dont nous parle Arno Brignon, avec une tendresse infinie, car elles sont là, nos racines, il est là, notre territoire, dans cette enfance que nous ne pourrions voir sans lui. Peu importe d’où nous venons et peu importe où nous sommes…

Une fois passé les routes, une fois rencontré ces visages, dégagé les fougères denses, une fois avancé dans la nuit, traversé les collines, nagé dans l’eau fraîche des cascades cachées, une fois m’être perdu dans la forêt, une fois longé ses routes sinueuses et une fois trouvé la clairière… c’est moi que je retrouve… Cet enfant que je suis encore, qui craint que le loup ne le dévore, mais qui sait que les petits cailloux ont été semés…

Elisa Hebert

À la fin de cette année, La Cité Miroir accueillera l’exposition du 61e prix World Press Photo du 10 novembre 2018 au 31 janvier 2019. Le plus grand et le plus prestigieux concours annuel de Photojournalisme plongera le public au coeur d’une sélection des images de presse les plus marquantes de l’année 2017.

Le 12 avril prochain, à Amsterdam, les lauréats seront annoncés. Les photographies primées seront alors rassemblées dans une exposition qui se déplacera dans 45 pays à travers le monde. La Cité Miroir à Liège fera partie des lieux privilégiés pour découvrir cette prestigieuse sélection !
En 1955, un groupe de photographes néerlandais lance ce concours dans le but de montrer leur travail à un public international. Depuis lors, la World Press Photo Foundation, organisation indépendante à but non lucratif, soutient le développement du photojournalisme à travers l’organisation d’un grand nombre de manifestations qui lui sont dédiées. Le concours annuel World Press Photo, événement majeur pour la profession, a acquis quant à lui, une renommée mondiale et prestigieuse.

Les valeurs fondamentales défendues par la fondation sont la précision, la transparence et la diversité. Elle s’oppose à toutes formes de discriminations, que ce soit dans le choix des photographes ou des images. Le concours est organisé en plusieurs catégories. Il est ouvert à tous les professionnels, sans distinctions de genre, de nationalité, d’origine ethnique, de religion ou d’orientation sexuelle. Le jury du concours change chaque année. Il est composé de professionnels du photojournalisme, indépendants de la World Press Photo Foundation. Les images sont jugées en termes de perspicacité, de justesse et d’informations au sujet de notre monde. Ce qui compte c’est la qualité de l’image et l’histoire qu’elle raconte.

Rendez-vous à La Cité Miroir, à partir du 10 novembre pour découvrir cette exposition exceptionnelle, véritable regard sur l’humanité.

Un projecteur ! Le festival comme projecteur,
celui qui oriente le regard avec bienveillance,
celui qui révèle et met en lumière.

34 événements
19 lieux
60 photographes exposés

Du 11 octobre 2018 au 26 janvier 2019, plus d’une trentaine d’événements photo vous attendent, un véritable parcours dans la ville à la rencontre des photographes d’aujourd’hui, une programmation foisonnante construite avec nos partenaires.

Au programme : des expositions, des projections, des rencontres, des conférences…

Les temps forts de cette édition : le Prix Maison Blanche 2018, Monique Deregibus invitée d’honneur du festival avec 3 expositions qui convoquent avec légèreté et non sans esprit ludique quelques 25 ans de photographie, La France vue d’ici au Merlan, l’ouverture du Centre Photographique Marseille, la photographie Italienne à l’honneur et RUSH Photobook, premier salon dédié au livre photographique à Marseille !
Toutes les expositions sont en libre accès

Télécharger le programme

D’octobre 1940 à mai 1946, plus de 6 500 personnes, en majorité française dont un grand nombre d’enfants, ont été internées dans plus d’une trentaine de camps pour nomades situés sur l’ensemble du territoire métropolitain. En octobre 2016, le président François Hollande, dans un discours sur le site du camp de Montreuil-Bellay, admet la responsabilité de la République dans ces moments sombres de son histoire.

« On a souvent établi des parallèles entre la communauté juive et les communautés Sinti et Roma. Ne serait-ce que par le destin de stigmatisation, de mise au ban de la société, depuis des millénaires, jusqu’à l’idéologie nazie distinguant la race aryenne de toutes les autres races dites « inférieures » dont faisaient partie les Juifs et les Tsiganes. »
Simone Veil, discours prononcé à l’occasion de la remise du prix européen des droits civiques Sinti et Roma*, Berlin, Allemagne, 2010

Avec cette exposition-événement, le Mémorial de la Shoah propose pour la première fois un éclairage complet sur la politique menée par la France entre 1939 et 1946 envers ceux que la loi française désignait sous le terme de Nomades. Si elle fut différente de la politique allemande menée dans le reste de l’Europe envers les « Zigeuner » (Tsiganes), cette politique constitue un épisode parmi les plus dramatiques de la Seconde Guerre mondiale sur notre territoire, une page terrible dont la mémoire fut longtemps occultée.

Au-delà de l’Occupation et de la présence allemande, la persécution des nomades est une histoire française qui s’amorce au tournant du 20e siècle. Dès 1895, l’Etat opère un recensement général et un fichage de tous les « nomades, bohémiens et vagabonds ». À partir de 1912, les autorités françaises identifient les familles nomades et surveillent leurs déplacements avec la mise en place du carnet anthropométrique, du carnet collectif et du carnet forain.

Assignés à résidence, enfermés dans des camps, les nomades, hommes, femmes et enfants sont spoliés, internés dans des conditions indignes, empêchés de travailler librement, sous-alimentés et contraints aux travaux forcés. Nombre d’entre eux décèdent dans ces camps. A partir de 1943, certains internés sont déportés vers l’Allemagne dans le cadre du travail forcé. D’autres, libérés des camps français, sont raflés dans le nord de la France et déportés vers Auschwitz en 1944. L’internement des nomades se poursuit après la fin de la guerre et le dernier camp français ferme en mai 1946.

Cette histoire tragique est évoquée dans l’exposition par le biais de témoignages et photographies inédits, de documents d’archives personnels ou administratifs, qui attestent de la souffrance morale et du dénuement matériel des internés. Demandes de libération, pétitions collectives, tentatives d’évasions, actes de rébellion sont autant de manifestations de résistances et de solidarités déployées par les familles internées dans les camps.

Après les expositions Le premier génocide du XXe siècle – Herero et Nama dans le sud-ouest africain allemand (1904-1908), Le génocide des Arméniens de l’Empire ottoman : stigmatiser, détruire, exclure et Rwanda 1994 : le génocide des Tutsi, le Mémorial de la Shoah perpétue avec L’internement des nomades, une histoire française (1940-1946) sa mission primordiale pour l’étude et la mémoire de tous les génocides.

*Les Sinti désignent à l’heure actuelle les membres de la minorité vivant en Europe occidentale et centrale et les Roms ceux d’origine orientale et sud-européenne. Roma est utilisé comme un nom pour la minorité complète en dehors des régions germanophones.

La Galerie Patrick Gutknecht est particulièrement heureuse de présenter un ensemble de portraits jamais exposés de Jean-Michel Basquiat réalisé en 1983 à Tokyo par le photographe japonais Yutaka Sakano.

C’est deux ans après la reconnaissance américaine de son oeuvre, à l’occasion d’un voyage de Jean-Michel Basquiat à Tokyo, que Yutaka Sakano passe une journée en studio avec le jeune artiste pour une séance de mode commandée par un créateur japonais.

L’exposition Génération 40. Les jeunes et la guerre dresse le portrait d’une jeunesse multiple, transformée par l’expérience de la guerre et de l’Occupation. Des jeunes présentés à travers leurs choix et engagements, mais aussi des contraintes, des mots d’ordre et des sollicitations dont ils furent constamment l’objet.

Fruit d’un vaste travail de recherche et de collecte – comprenant témoignages directs mais aussi objets – l’exposition Génération 40. Les jeunes et la guerre vise à dresser le portrait d’une classe d’âge, les « J3 », qui vécurent leur adolescence ou l’entrée dans l’âge adulte au cours des quatre années de l’Occupation.

Au-delà des engagements de certains, les jeunes qui vivent les épreuves de l’Occupation et de la Collaboration composent un groupe hétérogène, dans lequel chacune et chacun ont conscience d’appartenir à une classe, un milieu social déterminé. Jeunesse populaire et jeunesse bourgeoise ne se côtoient guère, quand la séparation des sexes paraît aller de soi, idée entretenue par la Révolution nationale portée par le gouvernement de Vichy.

En dépit de ces distinctions, que viendront atténuer les circonstances, les jeunes ont en commun d’avoir été l’objet de multiples sollicitations et tentatives d’encadrement, au sein de leur famille, mais aussi par Vichy qui place en eux sa grande œuvre de régénération.

Les diverses organisations de jeunesse créées par le gouvernement de Vichy dans le cadre de sa campagne de Révolution Nationale, l’attention portée à l’enseignement, aux apprentissages, à la formation morale, sportive et professionnelle témoignent ainsi de son intérêt pour la « jeunesse ».

Encadrer et enrégimenter les jeunes constituaient la toile de fond de l’action politique du régime de Vichy, renforcée et soutenue par les exigences allemandes. À partir de 1942, les jeunes commencèrent à subir de lourdes contraintes. L’une d’elle concerna l’institution par la loi du 16 février 1943 du service du travail obligatoire (STO) pour les jeunes hommes âgés de 20 à 22 ans, événement qui devait signifier pour certains la fuite dans le maquis et l’entrée dans la Résistance.

Afin de retracer ces parcours, le CHRD a lancé en vue de l’exposition Génération 40, une vaste campagne de collecte. Ces témoignages directs, objets, photographies, archives, parfois des inédits, viendront enrichir les collections du musée par la suite.

Le CHRD est ainsi allé à la rencontre d’une vingtaine de témoins clefs, qui avaient entre 13 et 25 ans durant la période dont :

• Le futur ministre des Affaires Étrangères de François Mitterrand, Roland DUMAS (18 ans en 1940), y relate avec précision la manifestation du 19 mai 1942 contre le concert de l’Orchestre de la Philharmonie de Vienne, programmé le soir même salle Rameau par le régime de Vichy. Première manifestation contre Vichy en zone libre, la manifestation contre la Philharmonie associait étudiants résistants missionnés par le général de Gaulle depuis Londres – « empêcher par tous moyens la tenue du concert » – et des Lyonnais scandalisés par la provocation.
• Issue d’une famille d’origine juive convertie au protestantisme depuis trois générations, le traducteur et romancier Georges-Arthur GOLDSCHMIDT (12 ans en 1940) se souvient des raisons qui poussèrent ses parents à l’envoyer, lui et son frère, depuis Hambourg en Italie avant qu’ils ne trouvent, in extremis, un refuge temporaire dans un pensionnat savoyard de Megève. Quasi livrés à eux-mêmes, il raconte le sadisme de certains de ses camarades, la solidarité d’un village montagnard, la montée de la peur, l’embrigadement de la jeunesse allemande, y compris sur son frère aîné, et comment la langue nazie raidit alors les nuques et redresse les corps.
• Alors jeune fille de la bourgeoisie lyonnaise, Marie-Thérèse MORAT (14 ans en 1940) se souvient des expériences nouvelles – telles qu’aller faire du vélo du vélo dans les fermes, jouer dans les champs – que représenta cette période de pénurie et de bouleversement des usages habituels.
• La résistante, Jeannine PEYSSON (17 ans en 1940) raconte comment elle intégra le réseau Polytechnique. Recrutée par Mme Brunschwig, sa professeure de philosophie, à la suite d’une dissertation sur la notion de « liberté puis arrêtée en juillet 44 place Bellecour, elle sera brutalisée par Klaus Barbie puis emprisonnée au fort de Montluc, jusqu’à la libération de Lyon, le 24 août 1944.
• L’ancien joueur de football professionnel des « Verts », Émile ROBERT (18 ans en 1940), raconte comment il fut rattrapé par la réquisition du STO et envoyé en Autriche dans le massif du Dachstein construire des barrages à 2.000 m d’altitude.

L’évidence est aussi le signe d’un secret. L’hypothèse d’une présence invisible s’impose en regardant les murs qui composent le second opus de photographies d’Adrien Boyer. Mais, de façon singulière, c’est moins ce qui est derrière le mur que ce qu’il offre ouvertement à la vue qui constitue une énigme.

Dans un petit lexique illustré baptisé “Les mots et les images”*, Magritte dessinait un mur de briques pour clore la formule : “Un objet fait supposerqu’il y en a d’autres derrière”. La métaphore ne vaut pas que sur le plan physique, “derrière” signifie aussi qu’un autre sens est possible que celui que l’on accorde aux choses comme aux images. Avec Adrien Boyer, la réalité est un négatif qu’il faut inverser par l’opération photographique.

La révélation au sens chimique du terme transforme l’évidence négative – « ceci n’est pas » – en une image positive qui n’existait pas.

EXTRAIT DU TEXTE DE MICHEL POIVERT

Exposition collective autour du portrait féminin vu par des femmes photographes

Lorsque nous avons décidé de cette exposition collective, qui est aussi un regard rétrospectif sur l’activité et les choix artistiques de notre Galerie, nous nous sommes aperçus que nous avions, toutes ces dernières années, exposé beaucoup de femmes photographes. Nous avons réalisé simultanément qu’un grand nombre de ces femmes étaient d’abord des portraitistes et qu’elles s’étaient souvent attachées à photographier d’autres femmes. Et nous nous sommes enfin formulés la question suivante : que fait une femme lorsqu’elle photographie une autre femme ? Que se joue-t-il de particulier dans cette relation, qui eût différé si le photographe eût été un homme ?

Il n’est pas certain que la présente exposition réponde absolument à cette question. Pour autant, elle en pose les termes, à travers le regard très divers de huit femmes photographes de générations différentes, qui se sont emparées du portrait féminin, peut-être d’ailleurs faudrait-il dire : du féminin dans le portrait. Ji-Yeon Sung et Carla Van de Puttelaar se préoccupent d’inscrire leur travail photographique dans un champ de l’histoire de l’art qui inclut l’histoire du portrait depuis le XVIème siècle, avec une dimension hiératique et parfois mystérieuse. Jessica Todd Harper cherche à restituer l’immatérialité des liens familiaux, les fils invisibles qui relient à travers l’espace et le temps les femmes aux autres femmes, aux hommes, aux enfants. Gabrielle Duplantier et Arja Hyytiäinen travaillent en noir et blanc une matière existentielle et vibratoire de la présence féminine, à la fois sensuelle et tragique. Claudine Doury met en scène les rêves et les aspirations des jeunes femmes, tournées vers un hors-champ intérieur ou extérieur. Alice Godeau et Emilie Arfeuil, avec des moyens très différents, explorent la question du genre et d’une identité féminine toujours fuyante et complexe.

On se souvient trop peu que les femmes photographes ont été présentes dès les origines de la photographie, y compris sur le versant de son invention technique. Le premier livre illustré de photographies est dû à l’anglaise Anna Atkins. Dès le XIXème siècle, elles sont nombreuses à s’emparer de ce medium qui peut être pratiqué dans la sphère domestique à laquelle les femmes sont souvent assignées, avant qu’elles n’investissent ensuite, au fil de leur émancipation, tous les domaines de la pratique photographique (y compris le reportage de guerre, dès le conflit mondial de 1914-1918). Peut-être les femmes ont-elles d’ailleurs trouvé dans la photographie un miroir à leur propre condition : un art initialement jugé mineur au regard de la peinture, pratiqué par des artistes en minorité face à une culture essentiellement masculine. Et si elles ont pu très tôt y déployer leur talent, c’est sans doute que la sphère artistique de la photographie, moins institutionnalisée et codifiée socialement que celle de la peinture, leur en laissait davantage la liberté.
On observe que dans le travail fondateur des pionnières de la photographie du XIXème siècle, la question du corps et de l’altérité sont déjà centrales, explorées à travers mises en scènes, travestissements, autoportraits…, en une recherche qui annonce souvent des travaux beaucoup plus contemporains. Dans cette continuité, le champ artistique très large de la galerie de portraits que nous présentons permet en tout cas d’échapper aux figements de ce que la critique et cinéaste féministe britannique Laura Mulvey appela en 1975 1 le « male gaze », un regard sur les femmes intégralement déterminé par le désir masculin. Il est intéressant de constater qu’il n’y a sans doute rien ici qui puisse se réduire à un « female gaze ». Bien au contraire, la diversité de ces portraits impose une fluidité, une richesse de points de vue, une profondeur dans l’art de la représentation humaine qui laissent de côté tout stéréotype et nous ouvrent aux horizons multiples du féminin. L’« autre femme » 2, c’est d’abord la femme toujours autre dans le regard des femmes.

Bruno Nourry

Artistes invitées :  Emilie ARFEUIL | Claudine DOURY | Gabrielle DUPLANTIER |  Alice GODEAU | Jessica Todd HARPER |  Arja HYYTIAINEN | Ji-Yeon SUNG | Carla Van DE PUTTELAAR

Jellel Gasteli est né et vit actuellement en Tunisie, ses travaux photographiques ont été présentés dans de prestigieuses institutions à travers le monde, notamment à l’Institut du monde arabe à Paris ou encore au Smithsonian à Washington. Ils lui ont aussi valu de participer aux Rencontres de Bamako en 2007 ou à la Biennale de Dakar en 2016. Il est également l’auteur de plusieurs publications dont Il Fiore Sbocciato, éditions AF Bari (2001), Série Blanche, coédition éditions Eric Koehler, Alesco et Agnès. B (1997).

À l’origine de ces clichés, la découverte, en hiver 2015, de carnets manuscrits inédits du grand romancier, poète, essayiste tunisien Abdelwahab Meddeb. Dans ces carnets il consignait ses impressions de voyage. Ces derniers retiennent rapidement l’attention de son ami Jellel Gastelli, fasciné par la précision des descriptions ciselées en quelques phrases notées à la volée, sans ponctuation, portraits rapides, fulgurance des émotions, urgence de l’écriture sur le vif, précision du trait.

Pour le photographe, ces récits font échos à la matière et à la création plastique, lui évoquant les travaux d’artistes admirés, comme Rothko, Klee ou Basquiat, et intimement côtoyés comme Fouad Bellamine ou Amel Bennys.

ll concrétise ce passage d’un médium à l’autre à travers la réalisation de ses clichés Si Abdelwahab avait été présent, nous aurions pu trouver matière à dialoguer à partir de son point de vue d’esthète érudit. Le regard que la photographie permet de porter sur la perception du monde, favorisait entre nous cette forme de partage des émotions et nous liait.

Une création, dont chaque étape semble, en effet, marquée par l’absence regrettée de l’auteur Nous dessinions l’idée d’un projet qu’Abdelwahab aurait apprécié faire avec moi, son ami photographe, comme nous avons déjà eu l’occasion de le faire de son vivant, explique Jellel Gasteli. Ne pouvant surmonter ce manque, Jellel Gasteli entame ce projet conduit par le souvenir de son compagnon Février 2016, je chemine dans les ruelles de la médina de Marrakech, comme si je marchais dans ses pas, dans une attitude de maître à disciple, lentement, au rythme de sa diction et du timbre de sa voix lorsqu’il lisait à voix haute.

Suite à l’exposition de l’Institut français de Tunis en juin 2017, une nouvelle sélection de tirages grand format, empruntée au corpus d’images de ce travail en cours de production entre Marrakech, Tanger, Tunis et Tel Aviv, est présentée au Salon H.

Anissa Mahdaoui

Pour la deuxième édition de Chaumont-Photo-sur-Loire, cinq photographes de renom ont été invités à présenter, du 17 novembre 2018 au 28 février 2019, leur travail dans les Galeries du Château et celles de la Ferme.

Artistes en résidence ou invités, les photographes de cette deuxième saison ont en commun, outre le rapport poétique qu’ils entretiennent avec la nature, de par les techniques qu’ils utilisent, une démarche expérimentale très exigeante.

Deux expositions résultent d’une résidence sur le site et d’un projet original, où les technologies d’aujourd’hui sont à l’origine d’images singulières portant sur les arbres, les paysages et les parcs du Domaine.

C’est ainsi que Davide Quayola, artiste italien résidant à Londres, a réalisé des captations et des tirages photographiques en très haute définition qui, comme une radiographie, révèlent la géométrie des arbres et la complexité de la nature, en quelque sorte, l’essence dont sont faites les choses.

L’Américain Robert Charles Mann a posé, pendant six mois, du solstice d’hiver au solstice d’été, en divers points du Domaine, ses “solargraphes” recueillant l’empreinte mouvante des courbes du soleil.

Quant au photographe finlandais Santeri Tuori, il utilise également pour ses “forêts” une technique particulière de surimpression, mêlant parfois la couleur et le noir et blanc, pour aboutir à des images irréelles d’une fascinante intemporalité.

La grande aventurière du regard qu’est Juliette Agnel dévoile, pour sa part, la profondeur et le sublime de paysages de l’extrême, aux confins de l’Arctique ou dans les ciels du Maroc, qui sont autant de reflets de sa riche intériorité.

Enfin, en avant-première des événements liés à la célébration du 500ème anniversaire de la Renaissance, une mission particulière a été confiée au grand photographe américain Alex MacLean, qui sait si bien capter l’essence des paysages : révéler, par des clichés aériens, la puissance et la grâce de l’intemporelle architecture des châteaux de la Renaissance en Val de Loire.

Juan Manuel Castro Prieto a construit au cours de ses quarante années de carrière une œuvre d’une infinie richesse. Par sa maîtrise du tirage et de la prise de vue, notamment à la chambre, jouant avec subtilité de la lumière et du flou comme du noir et blanc ou de la couleur, il met en œuvre sa virtuosité technique au service d’un univers plastique, sensible et introspectif.

Le photographe madrilène développe un remarquable travail dans des séries réalisées au long cours à travers le monde et se consacre également à une photographie personnelle et intimiste au cœur même sa terre natale. Cette exposition s’attache à mettre en évidence cet appétit de voyage et de terres nouvelles. Animé par un constant désir d’ailleurs, il part au Pérou (1990-2015) dans les années 1990 pour réaliser des tirages à partir des plaques originales du grand photographe péruvien Martin Chambi. Il n’a eu de cesse d’y retourner depuis, nouant un rapport fusionnel avec ce pays, ses paysages, ses habitants, ses rituels, qu’il a photographiés en couleur comme en noir et blanc durant ces nombreux séjours.
Ce besoin de renouveler l’expérience d’un territoire, il l’a vécu en d’autres lieux, plus particulièrement en Éthiopie (2001-2006). Sans jamais céder à la séduction première de l’exotisme, il y a retrouvé une mémoire ancestrale de l’humanitésaisie à travers ses portraits majestueux, empreints de spiritualité, des hommes et de leur terre.

Par son œuvre puissante et délicate, dans ses transfigurations du réel, Juan Manuel Castro Prieto pratique la photographie comme un voyant, elle est pour lui autant une façon de voir le monde que de regarder en lui-même.

​Caroline Bénichou

Koen Wessing a témoigné dans son travail de l’histoire de l’après-guerre : la décolonisation, la violence et la barbarie en Amérique latine, la désintégration du bloc soviétique, la guerre en Yougoslavie, l’apartheid en Afrique du Sud ou encore la résurgence de la Chine. Dans l’exposition « Koen Wessing. L’Image indélébile », le Jeu de Paume – Château de Tours présente un ensemble de 80 tirages, ainsi que des projections et un entretien filmé avec le cinéaste et directeur de la photographie néerlandais Kees Hin.

L’appel à candidatures pour une résidence au Japon à la Villa Kujoyama en 2020 est ouvert.
Construite en 1992 par l’architecte Kunio Kato sur la montagne d’Higashiyama à Kyoto, la Villa Kujoyama est un lieu d’échanges interdisciplinaires et a pour vocation de renforcer le dialogue interculturel entre la France et le Japon.
Les résidents sont appelés à nouer des relations de travail avec les milieux professionnels, universitaires, artistiques et culturels de Kyoto, de la région du Kansai et de l’ensemble de l’archipel. Pour ce faire, ils peuvent s’appuyer sur l’équipe de la Villa et sur le réseau culturel français au Japon constitué avec la Villa des 5 antennes de l’Institut français du Japon (Fukuoka, Kyoto, Osaka, Tokyo, Yokohama), des 4 Alliances françaises (Nagoya, Sapporo, Sendai, Tokushima), et d’un Institut de recherche (Tokyo).

Relevant de l’Institut français du Japon, la Villa Kujoyama est un établissement du réseau de coopération culturelle du Ministère de l’Europe et des Affaires étrangères qui bénéficie du soutien de l’Institut français et de la Fondation Bettencourt Schueller, mécène de la Villa depuis sa réouverture en 2014. La Fondation s’est engagée jusqu’en 2021 pour le financement des programmes de résidences et pour la seconde phase des travaux.

La Villa Kujoyama propose trois dispositifs distincts :
En Solo : un candidat français ou étranger résidant en France depuis au moins 5 ans présente un projet de recherche et de création.
En Binôme : deux candidats français ou étrangers résidant en France depuis au moins 5 ans présentent un projet commun.
En Duo : un candidat français ou étranger résidant en France depuis au moins 5 ans en collaboration avec un candidat japonais résidant au Japon présentent un projet commun.

ATTENTION :
1) Il n’est autorisé qu’un seul dépôt de projet par candidat.
2) Les dossiers incomplets ou restés à l’état de «brouillon» ne seront pas étudiés.
3) Les noms et prénoms doivent impérativement être inscrits dans le champs «artistes/intervenants» de l’onglet «Description».

Date de clôture des inscriptions : 7 février 2019
En savoir plus : http://ifprog.institutfrancais.com/fr/login

Comment ne pas reconnaitre Daniel Aron à travers sa série Voitures voilées ?

Caractéristique de son travail, ses photographies racontent la vie quotidienne à travers un regard personnel et un sens aigu du cadrage.

Daniel Aron a longtemps travaillé à composer des images mais c’est finalement la liberté et le hasard qu’il préfère. Il parcourt le monde et cherche à capturer la beauté ordinaire de ce dernier.

La série Voitures voilées est une suite de ses précédents travaux, questionnant aussi l’identité. Dans ses images, rien n’est anodin. Ni les bâches, ni le lieu : on y retrouve l’intime personnalité de chacun.

Nous avions exposé Daniel Aron en 2014 avec sa série Illusion, qui interroge le monde de l’artifice et du réel au cinéma à travers les décors, puis en 2017 dans le cadre de la Biennale de la Photographie du Monde Arabe Contemporain avec sa série Tanger, Intérieurs Simples, consacrée à la réappropriation de lieux d’habitations par les marocains et à la rencontre du photographe avec les habitants.

Daniel Aron vit et travaille à Tanger et à Paris. Longtemps, il façonnera l’image de la marque Hermès tout en récoltant de nombreux prix pour ses travaux publicitaires à Paris, New York, Hambourg et Milan.

Cette exposition explore l’impact culturel de la personnalité et de l’œuvre de Michael Jackson dans le champ de l’art contemporain des années 1980 à aujourd’hui.

Michael Jackson est l’une des personnalités culturelles les plus influentes du XXe siècle, et son héritage se poursuit au XXIe siècle. S’il a toujours été considéré comme une référence dans l’univers de la musique, des clips vidéo, de la danse et de la mode, son impact sur l’art contemporain n’a jamais été abordé et n’a jamais fait l’objet d’une exposition internationale comme celle-ci.
Son influence et sa célébrité ne faiblissent pas, et les questions qu’il a soulevées en tant que phénomène social, en particulier du point de vue de l’identité, de la question raciale et de la célébrité, sont toujours d’actualité.

Ses chansons, ses chorégraphies et ses clips vidéos témoignent du destin artistique hors du commun de Michael Jackson, source d’inspiration pour de nombreux artistes : Andy Warhol, Lorraine O’Grady, Isaac Julien… Découvrez l’oeuvre et la personnalité du « king of pop » à travers leurs oeuvres !

L’exposition s’intitule Mon ignorance chérie, pourquoi ?

Je suis né dans une petite ville, Carcassonne, que je rêvais de quitter tout au long de mon adolescence. 40 ans plus tard alors que j’étais au Caire pour y vivre le printemps arabe et la révolution égyptienne, ma mère est tombée malade. Raison pour laquelle je suis revenu habiter dans ma ville d’origine et demeurer auprès d’elle. Quelques années plus tard, elle chute, se fracture le crâne, et plonge dans le coma. Je sais sa mort prochaine. Je publie alors les derniers portraits que j’ai fait d’elle – notamment sur les réseaux sociaux – pour essayer de percer son mystère, de savoir qui elle est vraiment.
Elle mettra un mois à mourir et c’est dans cette période que je découvre sa vraie nature. Je viens de comprendre que toute ma famille est incestueuse.D’abord très en colère, je vais rapidement réaliser que cette question de l’inceste dépasse très largement le cadre de ma propre famille et que ce que je croyais être d’un caractère exceptionnel est en réalité un système. Protégé de l’inceste par Mom, j’avais quand même été sujet d’amnésie traumatique, non pas de ce que j’avais subi, mais de ce que j’avais vu et cela avait été suffisant pour alimenter mon travail de manière inconsciente depuis mes tout débuts. « C’est le malheur du temps que les fous guident les aveugles. » nous dit W. Shakespeare.

Voir le livret d’exposition

Exposition ouverte du mardi au vendredi de 11h à 19h et le samedi de 12h à 19h.