Agenda

Jusqu’au 16 septembre 2018, le musée du château des ducs de Wurtemberg de Montbéliard propose une importante exposition photographique témoignant des bouleversements esthétiques survenus en France entre 1925 et 1935. Dix années suspendues, magiques et bouleversantes, révélées dans leur fragilité tout autant que dans leur inventivité. Sur 500 m², l’exposition présente, à travers plus de 150 tirages originaux et une centaine de revues d’époque issus de prêts exceptionnels des Collections Roger-Viollet et de celles du musée Nicéphore Niépce, la richesse des illustrations et des évolutions visuelles que la presse et les photographes ont composé pour créer l’image d’une époque marquante.

Antoine Depardon à côté de son poêle dans le Rhône. Louis Brès sortant deux de ses bêtes en Lozère.
Paul Argaud dans sa cuisine en Haute-Loire…
Dans le sillage des grands photographes américains de la vie rurale, Raymond Depardon donne à voir la France paysanne, dans sa vérité crue, simple, directe. Avec le plus grand respect, sans tricherie : le recours à la chambre photographique l’en préserve. Mais dans une démarche très personnelle, tel un jeu de déconstruction. Par son art du cadrage, le photographe « met le pays ‘au carreau’, le taille et le détaille, le reconstruit à sa guise en une vaste
série de concordances et d’échos », analyse Bruno Racine, président de la Bibliothèque nationale de France, dans sa préface de « La France de Raymond Depardon » (Seuil, 2010). En fil rouge, une histoire commune de la ruralité française que soulignent des écrits signés du photographe, loin des situations personnelles de chacun des agriculteurs rencontrés.
Au Château Palmer, cette géographie unique s’affiche au fil de 38 photographies datant de 1960 à 2007 et de 4 textes. Autant de jeux d’écriture qui attestent de l’attachement profond de Raymond Depardon à « La Terre des Paysans ».

L’exposition est visible uniquement sur rendez-vous !

Beatrix von Conta / Éditions Loco, William Klein / Éditions Textuel, Géraldine Lay / Éditions Actes Sud, Philippe Pétremant / Le Réverbère & cie éditions, Denis Roche / Éditions Delpire 

Le livre reste pour la plupart des photographes l’outil privilégié pour donner sens à leur propos, développer et imprimer leur style, inscrire dans le temps leurs images. Honneur aux éditeurs ! est une exposition construite avec les livres des photographes de la galerie sortis cette année et met en avant l’importance du livre dans la diffusion d’une œuvre. 

VERNISSAGE 
Samedi 8 septembre de 15h à 20h

Ouverture exceptionnelle

Dimanche 16 septembre de 15h à 19h

Dans le cadre des Journées européennes du patrimoine (JEP)

Exposition présentée du samedi 8 septembre au 29 décembre 2018

L’exposition Vertiges présentée à la rentrée prochaine à Labanque — centre de production et de diffusion en arts visuels de Béthune déployé dans le site réhabilité de l’ancienne Banque de France — est le troisième temps de La Traversée des inquiétudes, trilogie imaginée par Léa Bismuth, librement adaptée de la pensée de Georges Bataille. Cette exposition est conçue comme une expérience unique et s’inscrit comme les deux précédentes, Dépenses et Intériorités, dans une volonté d’expérimenter les conditions d’une exposition collective réunissant des productions
inédites. Vertiges clôturera ce cycle, avec notamment neuf artistes sollicités sur le même principe de production hors norme, témoignage d’une recherche curatoriale fondée sur un principe d’écriture confrontant l’art contemporain à une pensée fondatrice du XXe siècle.
Après l’énergie diffusée dans ses excès pour Dépenses, et un voyage nocturne au bout des possibles dans Intériorités, voici venu le temps d’une quête de l’abstraction sensorielle et d’une ouverture extatique. Ainsi, Vertiges, déployée dans les 1500 m2 des quatre niveaux de Labanque, fait la promesse d’une promenade étrange et déroutante. Le vertige n’est-il pas avant tout une sensation physique, un trouble, une perte d’équilibre ? C’est aussi un état mental d’épreuve d’un impossible poétique que l’on aimerait pouvoir décrire, mais qui se laisse difficilement saisir. Désirant cet extrême inatteignable, l’exposition souhaite mettre en scène « une chute dans le vide du ciel », un élan, celui d’une existence sans borne.
Le visiteur sera invité à traverser d’abord l’espace de l’inconnu qu’il expérimentera par ses propres mouvements dans une installation immersive. Cela le mènera dans une déambulation entre chance, jeu et risque, dans un Luna Park désaffecté ou une géographie mondialisée. Il rencontrera aussi le vide, le danger, tout autant promis à l’ivresse qu’à l’abandon, au sommeil qu’à la floraison débordante. Son périple se terminera au sommet, dans ce que Bataille a appelé « Le Bleu du Ciel », par-delà les nuages, espace où les corps s’exercent à l’infini, touchant du doigt une absence mystique.
L’exposition finale du cycle La Traversée des inquiétudes a en effet volontairement souhaité s’ouvrir sur un dépassement et une exaltation du corps épuisé ou enthousiaste, soumis aux lois de la gravité, en lévitation, ou s’échappant de son enveloppe.

Productions inédites des artistes : Antoine d’Agata, Juliette Agnel, Charbel-joseph H. Boutros, Claire Chesnier,
Romina De Novellis, Marie-Luce Nadal, Mel O’Callaghan, Bruno Perramant, Sabrina Vitali
Avec aussi : Rebecca Digne, Daniel Pommereulle, Georges Tony Stoll

Comme souvent à la Galerie, une exposition est l’aboutissement d’une rencontre, et parfois d’un soupçon de chance… Celle-ci ne manque pas à la règle.
J’ai découvert le travail de Stephanie Pfriender Stylander par le biais de sa sublime série avec Kate Moss, l’an passé à Paris Photo, un portrait de Kate était accroché parmi d’autres visuels de différents photographes sur le stand d’un confrère… J’ai d’abord été vexée de ne pas connaître cette image, puis intriguée de découvrir ce travail.
Quelques temps plus tard, j’exposais à l’AIPAD à NY, et sur ma liste de « devoirs » figurait en première ligne de trouver la trace de cette artiste. Le hasard a voulu qu’elle passe à ce salon. Nous avons bavar- dé quelques temps, en toute innocence, après quoi elle me dit son nom et je pus lui montrer en riant qu’elle figurait en haut de ma liste…
C’est ainsi que nous avons commencé à travailler ensemble et décidé de faire cette exposition, au moment de la sortie de son superbe livre « The Untamed Eye » (MW Editions), une monographie de son travail entre 1990 et 2006, en pleine fashion-week parisienne !
Sans doute comme moi il y a presque un an, le public aura le plaisir de découvrir cette fameuse série avec Kate Moss datant de 1992, lorsque La Brindille débarquait en Amérique et illuminait New York ; ses portraits de stars, ses séries de mode, à l’ambiance si particulière, presque cinématographique, dont la texture n’est pas sans rappeler les meilleurs photographes portraitistes.
Julia Gragnon

Dans la continuité de leur partenariat de plus de dix ans, le Jeu de Paume et la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques (FNAGP) présentent, du 13 septembre au 25 novembre 2018 à la Maison Nationale des Artistes (MNA) à Nogent-sur-Marne, une exposition de Laure Albin Guillot, figure majeure de la photographie française des années 1920-1940. L’exposition réunit une quarantaine de reproductions issues des Collections Roger-Viollet, sous le commissariat de Delphine Desveaux, directrice des Collections Roger-Viollet à la Bibliothèque historique de la Ville de Paris.

Cette exposition a été coproduite par le Jeu de Paume et la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques et organisée avec le soutien de la Ville de Paris.

Dave Heath (1931- 2016) occupe une place singulière dans l’histoire de la photographie américaine. Influencé par Eugene W. Smith et par les maîtres de l’école de Chicago dont Aaron Siskind et Harry Callahan, il ne peut être pourtant considéré ni comme un photographe documentaire ni comme un photographe expérimental. Sa photographie est avant tout une manière d’attester de sa présence au monde en reconnaissant en l’autre un alter ego absorbé dans ses tourments intérieurs. Il sera l’un des premiers, dès les années 1950, à exprimer aussi radicalement le sentiment d’aliénation et d’isolement inhérent aux temps modernes. Son ouvrage, A Dialogue With Solitude, publié en 1965, comptera parmi les livres les plus marquants de cette décennie.

Les œuvres de Dave Heath sont présentées en dialogue avec trois chefs-d’œuvre du cinéma indépendant américain de cette période, entre « cinéma direct » et pratiques alternatives : trois variations sur le thème de la solitude.
Salesman, Albert et David Maysles et Charlotte Mitchell Zwerin, 1968
Portrait of Jason, Shirley Clarke, 1966
The Savage Eye, Ben Maddow, Sidney Meyers et Joseph Strick, 1960

En avril 2018 était inauguré le festival Lumières Nordiques, un projet d’exploration de la photographie nordique à travers une présentation, dans cinq lieux en Normandie, d’œuvres de différents artistes venant du Danemark, de Finlande, de Norvège, de Suède et d’Islande.

Dans le cadre de ce parcours photographique, le musée des Beaux-Arts de Rouen présente, du 14 septembre 2018 au 6 janvier 2019, le travail d’Annica Karlsson Rixon, photographe originaire de Suède.

Créée spécialement pour le musée, l’exposition Mobilité Mémorable est inspirée de l’un des chefs-d’œuvre de ses collections, Les Énervés de Jumièges d’Évariste-Vital Luminais (1880), qui représente deux jeunes princes dérivant sur la Seine sur une embarcation de fortune. En l’interprétant au filtre des évènements actuels, l’artiste y a vu une évocation des réfugiés qui tentent d’entrer en Europe sur des embarcations surchargées, dans l’espoir d’une vie meilleure. Ce tableau a donc constitué le point de départ d’une enquête sur des sites marqués par les migrations le long de la côte normande et jusqu’à Dunkerque. À travers une cinquantaine de clichés, l’artiste explore la manière dont ces passages successifs – des Vikings aux réfugiés à Calais – ont marqué le paysage.

Commissaire de l’exposition : Gabriel Bauret

Depuis le début du 20e siècle, la surveillance et l’espionnage vont de pair avec l’accélération des innovations technologiques. À l’heure d’une prise de conscience massive des enjeux qui en découlent, le Centre Culturel Irlandais expose dix-sept artistes qui se sont emparés à différentes époques de ce sujet et de ses mécanismes visibles et invisibles : les photographes Karl Burke, Willie Doherty, Roseanne Lynch et Donovan Wylie, les peintres Colin Martin et Ian Wieczorek, le sculpteur Lorcan McGeough, les vidéastes Declan Clarke et Allan Hughes, et les artistes multimédia Alan Butler, Caroline Campbell, Teresa Dillon, Benjamin Gaulon, John Gerrard, Irina Gheorghe et Jim Ricks.

Roseanne Lynch, Untitled Cloud 1, 2016 © Roseanne Lynch

Toute jeune maison d’éditions, « Le couloir de Camille éditions » propose Le prix de photographie « Le couloir de Camille ».
Le couloir de Camille éditions est né de la volonté de proposer une alternative à l’édition classique et propose de petits ouvrages en microéditions, petits formats, petites quantités, imprimés en numérique, accompagnés de tirages de tête.

Le prix photographie « Le couloir de Camille » récompensera un-e photographe qui n’a encore jamais eu de publication. Un jury, constitué de cinq personnalités exerçant dans le milieu photographique, attribuera le prix à un travail constitué d’un ensemble de photographies cohérent qui peut faire sens dans un ouvrage.
Le couloir de Camille éditions offrira au lauréat ou à la lauréate cent exemplaires de l’édition d’un ouvrage (de 32 pages) accompagnée de 25 tirages de tête. Les tirages au-delà des cent exemplaires remis au lauréat ou à la lauréate, feront l’objet d’un contrat d’édition.
La promotion de l’ouvrage et du travail primé seront présentés dans la mesure du possible dans un espace photographique à la période de la sortie de l’ouvrage.

Pour participer : https://lecouloirdecamille.com/wp-content/uploads/2018/09/Prix-Photographie-couloir_Camille-ok.pdf

Le jury sera constitué de
Véronique Masini – iconographe à « Air France Magazine » édité par Gallimard.
Myriam Ruisseau – photographe et iconographe, rédactrice photo au sein du magazine GEO.
Fred Boucher – codirecteur de diaphane, pôle photographique en Picardie.
Jacques Sierpinski – photographe et directeur du festival ManifestO.
Michel Paradinas – photographe et éditeur Le couloir de Camille éditions.

Rondeau met en oeuvre une conception du portrait proche de celle de Manet et de Cézanne. Les visages de Manet et de Cézanne ne sont pas les masques explicites d’un sentiment ou d’un état social. Ils suscitent des suggestions nombreuses, contradictoires et changeantes comme chaque individu. 

Philippe Dagen, Écrivain, historien et critique d’art au Monde 

« J’aime le cérémonial du portrait : sonner chez la personne à photographier, entrer, avoir quelques paroles aimables, et en même temps, appréhender l’intérieur, les lumières, deviner des habitudes, se sentir gêné d’être soudain dans le salon ou dans la chambre de quelqu’un que l’on connaissait par les textes ou par une oeuvre, s’excuser d’être indiscret… Et j’en aime la solennité, le moment où l’on engage un rapport de force, ou l’on fait en sorte qu’“il” ou “elle” s’abandonne, où l’on pénètre l’intimité d’un visage, d’une silhouette, d’une épaule, ou l’on est un court instant très proche de quelqu’un qu’on ne reverra peut-être plus.

Constituer ainsi une collection de silhouettes, de lumières, de regards. Se faire un monde de portraits, une chronique de la vie peuplée de rencontres, avec le souhait que dans chaque portrait, le spectateur puisse y rencontrer à la fois l’histoire et la fiction. »

Gérard Rondeau

Gérard Rondeau choisit le temps de pose qui métamorphose l’espace en champ de forces. Les oiseaux en vol devant la cathédrale de Reims nous font assister à l’épiphanie d’un espace de tension qu’on lit dans les traces vectorielles du vol. La question qu’il soulève est celle du temps. On ne saisira que mieux sa véritable originalité en percevant sur ses photos la trace de la quatrième dimension. C’est le seul photographe chez lequel la tension de l’espace se manifeste au point que se crée un champ qui métamorphose l’étendue en espace et dont le questionnement sur le milieu se substitue à celui de l’oiseau dans lequel il évolue.

Henri Gaudin,

Architecte

« Une photo, c’est un choix. Ce choix ne se fait pas après collecte, il existe sur l’instant. C’est ce moment précieux où vous avez le sentiment que la scène que vous avez devant les yeux vous appartient. Que chaque chose est à sa place, que les valeurs de gris, de noir, s’équilibrent, que les lignes rencontrent cet arrière-plan que vous attendiez, et que vous êtes le seul à vous approprier cet instant qui disparaîtra dans la seconde suivante. »

Gérard Rondeau

« L’engagement permet de converser avec l’histoire. Être photographe, c’est la possibilité de revisiter les champs de bataille, de jeter des ponts entre l’histoire et les hommes. Mes séjours à Sarajevo m’envoyèrent vers des batailles lointaines (essayer de comprendre le geste désespéré des infirmières depuis les falaises d’Okinawa ou rechercher la tombe d’un grand correspondant de guerre tombé à Lejima) mais ils me ramenèrent aussi vers le Chemin des Dames. Un engagement en forme de doute, d’interrogation qui mêle les traces de la guerre, la maison vide d’un romancier disparu (Yves Gibeau), et la quête de ce même écrivain sur la littérature et la tragédie de 14.

Je ne crois pas que mes photographies témoignent en général de la violence qu’exerce la guerre sur des terres. Qu’elles la suggèrent, certainement.»

Gérard Rondeau

FIDAL Photo lance la nouvelle édition du prix Youth.
Jeunes photographes, vous pouvez dès à présent participer au concours et envoyer vos projets jusqu’au 3 décembre 2018 !

Ce prix est ouvert à tous les champs de la photographie (reportage, mode, portrait, nature morte, sport, nature, art, etc.). La troisième édition a récompensé Manon Lanjouère pour sa série Demande à la Poussière.

Quoi de plus difficile pour un jeune photographe que d’obtenir sa première reconnaissance publique ?

Afin de favoriser l’émergence des jeunes talents, nous lançons un prix dédié aux photographes qui n’ont encore jamais fait l’objet d’une exposition monographique dans un musée agréé par l’État ou un festival majeur. International, ce prix est ouvert à tous les champs de la photographie (reportage, mode, portrait, nature morte, sport, nature, art, etc.) Le prix a lieu une fois par an et récompensera le lauréat d’une bourse de 5000 euros afin de réaliser le projet de son choix à définir avec le jury du prix : livre, exposition, site Internet, happening, etc.

Les plus grandes célébrités ont séjourné au Crillon, hôtel légendaire de la place de la Concorde à Paris qui a réouvert en juillet 2017 après un « ravalement de beauté ».
Avec la complicité du musée Grévin, Polka Galerie et Emanuele Scorcelletti ont imaginé, pour fêter les noces de coton de la réouverture de l’hôtel prestigieux, des rencontres loufoques entre d’anciens pensionnaires. Du général de Gaulle à Louis de Funès, d’Édith Piaf à Madonna, découvrez d’étonnantes histoires qui aurait pu avoir lieu dans les couloirs du cinq-étoiles. Paraît-il que l’interprète de « La Vie en rose » aimait pousser la chansonnette dans l’ancien bistrot de l’hôtel, qui se trouvait au sous-sol. Il est aujourd’hui au rez-de-chaussée mais l’âme des lieux est toujours là, face à la Place de la Concorde. Quelques mètres plus haut, située au sixième étage, la suite Bernstein, avec sa terrasse privée, offre une vue imprenable sur le Grand Palais et la Tour Eiffel. Elle a été nommée ainsi en hommage au compositeur de la bande originale du film « West Side Story », cette année, dans ces images, c’est Jimi Hendrix qui y a joué un morceau… Ils sont nombreux : Henri Salvador, Ernest Hemingway, Charles Aznavour, a avoir été des habitués des lieux.
Grâce au Musée Grévin, qui, pour la première fois de son existence, a autorisé la sortie officielle de 17 personnages de cire, la série a pu exister. Chacune des poupées a eu son heure de gloire dans les lieux mythiques de l’hôtel parisien. Mick Jagger a chanté sur le bar Les Ambassadeurs, les trois reines Laetitia Casta, Carole Bouquet et Arielle Dombasle ont pu prendre la pose sur la terrasse du salon Marie Antoinette… Plus d’une semaine de shooting, sans compter les repérages, a été nécessaire pour réaliser cette incroyable série de photos, entre humour, glamour et amour, venez découvrir les 9 images de la commande insensée à partir du 18 septembre.

La Galerie photographique du Carré Amelot La Rochelle expose une sélection des autoportraits photographiques Dramagraphies de Michel Lagarde, du 18 septembre au 8 décembre 2018.
Michel Lagarde invente des images épiques dans lesquelles il se met en scène avec humour et distance dans un décor savamment imaginé et minutieusement réalisé. Son travail emprunte au cinéma, avec Méliès en prédilection, au théâtre, à la peinture et notamment les peintres flamands, au polar des années 50, aux gravures du XIXe siècle ou encore à la bande dessinée.

Les Dramagraphies sont construites comme des autofictions poétiques et drôles qui catapultent le spectateur dans une quatrième dimension, un univers en noir et blanc burlesque et déjanté où tous les personnages sont Michel Largarde lui-même : escamoteur de Jérôme Bosch, Monsieur Hulot, envahisseurs ou chasseur aux papillons…
Né le 6 avril 1954 à Cadouin en Dordogne, Michel Lagarde conçoit des scénographies et des décors pour le théâtre, l’opéra, le cinéma, l’événementiel et les défilés de mode avant de se lancer dans la photographie en 2003 avec Dramagraphies Autoportraits photographiques.
L’exposition se tient dans le cadre du nouveau rendez-vous Focus sur la photo du 3 au 6 octobre au Carré Amelot avec les visites commentées, une rencontre-diaporama autour de Dramagraphies avec Michel Lagarde ; la performance Ornemental du photographe plasticien cubain Adonis Flores samedi 6 octobre à 16 heures suivie à 17 heures d’une rencontre-conférence avec Patrick Le Bescont, fondateur des éditions Filigranes spécialisées dans les livres photographiques depuis 1988.

Pour fêter ses 50 ans, Royal Canin rend hommage à la relation entre hommes et chiens, héros de tous les jours, avec Compagnons, deux expositions de photographies de l’artiste néerlandaise Charlotte Dumas, passionnée depuis toujours par les rapports entre l’homme et l’animal.

FLAIR Galerie présente, du 19 septembre au 24 novembre 2018, une sélection de ses photographies réalisées entre 2009 et 2011, ainsi que celles extraites d’un travail de commande pour Royal Canin datant de cette année. Ces dernières sont exposées parallèlement sur les grilles du Jardin d’Été, boulevard des Lices, du 19 septembre au 3 octobre 2018. Le visiteur pourra y découvrir des portraits de chiens et de chats, compagnons du quotidien au service de l’humain.

À cette occasion, un livre est publié aux éditions Glénat.

Photo : © Charlotte Dumas / Courtesy andriesse eyck galerie, Amsterdam

Le frac île-de-france présente au Plateau la première exposition en France d’Elad Lassry. Né à Tel Aviv en 1977, Elad Lassry vit et travaille à Los Angeles. Mêlant photographie, film et sculpture, son travail interroge la relation entre objet et représentation.
Depuis 2007, l’artiste élabore une banque d’images qu’il désigne communément comme « unités ». Les premières unités d’Elad Lassry se présentaient comme des « sculptures qui se trouvaient être des images » et qui accordaient autant d’importance au statut « objet » de l’image qu’à l’image elle-même.
Évoquant des figures clés de l’histoire de l’art et multipliant les sujets, ces unités prenaient la forme d’objetsimages hermétiques à la fois familiers et étrangement contemporains, en même temps « irritants et séduisants».

Au Plateau, Elad Lassry présente une nouvelle série de photographies et de sculptures. L’artiste semble remettre en cause les codes iconographiques établis pour aller vers un espace modulable où chaque photographie rappelle invariablement une autre image, rejouant à l’infini la fonction et le sens des objets. Mettant en scène des thèmes aussi divers qu’une séance de photos de mode, un magasin de vente en gros de poissons et coraux pour aquariums ou une expérience de photographie moderniste en chambre noire, les photographies d’Elad Lassry sont réalisées au moyen d’une technologie quasi obsolète (format 8’’ x 10’’). L’artiste met en parallèle le phénomène contemporain de dématérialisation de l’image, générateur d’angoisse, où l’image est dépouillée de ses qualités physiques et devient omniprésente sous forme de données, et la technologie analogique pour amener le spectateur à se poser la question : Que voyons-nous ? Et comment le voyons-nous ?

in camera présente en partenariat avec Howard Greenberg Gallery un ensemble de photographies de Yumiko et Kenro Izu.

En une quinzaine de tirages au platine-palladium, Yumiko et Kenro Izu, tous deux nés à Osaka (Japon), traduisent l’impermanence du monde en un face-à-face troublant de fleurs, de nus, de fruits et de nid d’oiseaux.

Même s’ils vivent ensemble à Rhinebeck, au Nord de l’État de New York, Yumiko et Kenro Izu ont en tête leur pays natal, le Japon. Cette mémoire est à l’oeuvre dans leurs travaux, d’une précision exigeante, comme s’ils voulaient partager utilement les ultimes secrets d’un monde dont ils connaissent l’impermanence. D’où leur attachement à ces natures mortes auxquelles ils redonnent vie par la photographie, fleurs, fruits, nid d’oiseaux et crânes d’animaux observés de près, presque au microscope.

C’était d’ailleurs l’un des rêves de Kenro Izu (né en 1949 à Osaka), être médecin, et l’on se souvient de sa sollicitude, y compris pour les pierres millénaires, lors de son exposition à la galerie, en 2012, avec sa série Sacred Places.
Aujourd’hui, toujours soucieux de « trouver la beauté dans chaque moment, chaque étape de la vie », il expose ses fleurs, arums, tournesols ou tulipes, quelques fruits cézanniens, ou des nus très sages. Pas de place pour le hasard ou l’improvisation, la composition est très ordonnée. Tout correspond à son désir, exactement. Il a une telle autorité sur son sujet que rien ne peut bouger sans son consentement, même la poire a l’air de lui obéir au doigt et à l’oeil. Et ne parlons pas des fleurs ou des nus qui paraissent s’étirer ou se blottir sur commande, comme subjuguées par la voix du photographe. On sent qu’il les rassure, on entend même leur respiration, et le souffle du vent. Il y a une sensation de ravissement, littéralement, comme s’il avait voulu traverser le temps, tout oublier, ne plus revenir. Et puis le revoici, tout à coup sûr de lui, et recueilli, comme libéré du passé.

Dans les premières minutes du film de René Vautier Déjà le sang de mai ensemençait novembre (1982), la caméra se déplace à l’intérieur d’une vue d’un monument d’Alger de l’époque coloniale – vue provenant sans doute d’un livre d’histoire comme l’indique la pliure visible à l’écran, avant que des images en mouvement de l’époque du tournage viennent soudain la remplacer, montrant un tout autre visage de la ville. Un tel montage, confrontant deux époques pour un même lieu, constitue une première clé permettant de comprendre comment ce film, dont des extraits sélectionnés par Katia Kameli sont présentés au CRP/, a accompagné l’artiste dans l’élaboration de son exposition. Sensible à la trajectoire singulière de Vautier, Katia Kameli partage avec le cinéaste français – le premier, paradoxalement, à produire des représentations de l’indépendance de l’Algérie – ce geste qui consiste à construire une histoire à la fois à travers les images « confisquées par le colonisateur », et les oeuvres des artistes algériens.
Ainsi de ce monument dans le centre d’Alger, réalisé par l’artiste M’Hamed Issiakhem en 1978, justement filmé par Vautier : bloc de béton imposant sur lequel sont sculptées deux mains qui se libèrent de leur chaîne, il manifeste la souveraineté du peuple algérien depuis l’indépendance. Pour Katia Kameli, il est aussi une image dont il importe de saisir toute l’épaisseur historique ; car sous l’édifice, se trouve enfoui le Grand Pavois du sculpteur Paul Landowski, qu’il réalise en 1928 en hommage aux morts de la première guerre mondiale, dans le contexte colonial. Issiakhem ne voulant pas détruire l’oeuvre de Landowski malgré l’injonction qui lui est faite, il la soustrait à la vue, laissant là, en sursis, tout un pan de l’histoire algérienne d’avant 1962.
Et c’est précisément à cette histoire en attente de mémoire que Katia Kameli consacre une part de son travail, histoire qu’elle donne à voir en faisant resurgir des images et des mots prélevés avec soin parmi différents fonds d’archives, qui lui permettent de mettre au jour ce qui reste dans l’ombre de la bannière algérienne née avec l’indépendance.
Pour autant, il ne s’agit pas simplement de retrouver les représentations d’un passé occulté ou tenu à distance. Une fois cette enquête effectuée, ce à quoi s’emploie Katia Kameli relève davantage du tissage complexe des images entre elles, dans lequel les contradictions et les enchevêtrements historiques trouvent une forme explicite. Les ensembles inédits présentés au CRP/, jouant sur la juxtaposition et le recouvrement partiel de documents – des clichés orientalistes aux anciennes cartes postales jusqu’aux photographies politiques – permettent ainsi de percevoir visuellement, dans e plan du collage, la stratification de l’histoire, et en particulier de celle toujours privée de reconnaissance.
Le geste est significatif : il ne correspond pas exactement au montage de la planche d’images traditionnelle, qui suit un agencement orthogonal à l’intérieur d’un cadre donné, mais il laisse plutôt advenir un ensemble dynamique, apparemment désorganisé, faisant circuler le regard comme lorsque l’on fouille dans une masse de documents épars.
C’est d’ailleurs en menant ses recherches préparatoires que l’artiste a trouvé le titre de cette série, à l’intérieur d’un Petit manuel d’agriculture expliquant aux enfants d’Algérie comment devenir de « bons fellahs » aux service et profit de la France colonialiste. La phrase en question – Soyez les bienvenus – est une formule de politesse bien connue des algériens, qui rappelle a contrario, et non sans ironie, comment les conquérants français se déchaînèrent avec une violence inouïe sur une population civile démunie lors des évènements dramatiques de 1830.
Tel qu’il est envisagé ici, l’agencement des images appelle donc à une relecture des discours officiels, suivant des points de vue qui ouvrent à l’élaboration nécessaire d’une contre-histoire. À cet égard, l’un des aspects marquants du travail de Katia Kameli réside dans la manière dont elle met en perspective cette matière visuelle en mal d’interprétation : non pas seulement à travers son propre regard, mais en convoquant celui de différentes figures savamment choisies, dont elle construit à son tour les représentations.
Ces regards, ce sont d’abord ceux des Algérois eux-mêmes, qui, portés par un désir d’images, viennent chercher auprès du kiosque tenu par Farouk Azzoug et son fils près de la Grande poste à Alger, les représentations d’une mémoire collective meurtrie et passée sous silence. Ainsi l’artiste filme-telle dans le premier chapitre du Roman Algérien cette fascinante collection de reproductions, et les passants observant, touchant aussi, et parfois achetant les cartes et photographies de l’histoire coloniale et postcoloniale du pays. Les commentaires de chacun viennent alors éclairer les images, de même que lorsque Marie-José Mondzain, dans Le Roman Algérien, chapitre 2, observe et analyse dans une salle de cinéma vide le premier volet du film, ou encore interprète devant l’écran d’une tablette les paroles implacables de l’écrivaine féministe Wassyla Tamzali, ou celles tout aussi éloquentes de la militante Louisette Ighilahriz à propos du drapeau algérien.
Ces différentes mises en abîmes, ces perceptions directes et indirectes des images et des faits, et ces constellations de voix et de personnes – en particulier de ces femmes algériennes qui trouvent là une place décisive, permettent ainsi d’exhumer l’histoire depuis le temps présent. En cela, l’artiste se tient tout près de ce que René Vautier, d’une autre façon, a su mettre en oeuvre dans ses films : une entrée incisive dans les archives par le travail du cadrage et du montage, qui ramène la période coloniale dans la contemporanéité de sa perception. Pour Katia Kameli, il s’agit de rendre à l’entendement les angles morts de l’histoire de l’Algérie, par la fabrique même des images. En cela, l’exposition au CRP/ constitue un pas de plus dans le projet global de l’artiste franco-algérienne, une forme de continuation de ce qu’elle a initié avec Le Roman Algérien en 2016.
Dans l’une des nouvelles pièces produites pour l’exposition, la photographie du Grand Pavois en sommeil sous l’oeuvre d’Issiakhem réapparaît à travers l’emploi d’un dépliant confectionné par l’artiste, inspiré d’une vieille carte postale invitant à soulever la bosse d’un dromadaire pour voir « les scènes et types de l’Afrique du Nord » à travers un dispositif reconduisant tous les archétypes orientalistes. Un tel montage permet à Katia Kameli de montrer simultanément les deux monuments, d’ouvrir l’un pour montrer l’autre, tout en exposant une autre forme de l’imagerie colonialiste et de ses produits dérivés pseudo-exotiques. D’une autre façon encore, lorsque l’artiste dispose ses cartes postales sur la reproduction de manuel scolaires d’histoire algériens qui fonctionnent comme fond symbolique, elle procède par additions, recouvrements et combinaisons successives, afin que les enjeux liés à la fois au politique, au territoire et au patrimoine, ou encore au pouvoir exercé sur ou par les femmes, se manifestent dans toute leur âpre intrication. À l’instar de l’étoile et du croissant dont on comprend à la fin du Roman Algérien, chapitre 2 que ce qui importe est surtout de parvenir à les coudre ensemble, comme l’ont fait en leur temps les militantes sur le tissu du drapeau de l’indépendance, c’est à la ré-articulation et à la réhabilitation des fragments d’une histoire dont l’Algérie s’est vue dépossédée, que contribuent activement les images de Katia Kameli.

Nathalie Delbard

Au contact même de l’enceinte, sur tout son pourtour, il s’était développé, et fixé à peu près, un grouillement singulier. Une membrane de population, tout juste épaisse d’un demi-kilomètre, mais étirée sur trente-six ; une sorte de ville annulaire collée à l’autre et vivant de ses résidus. La zone militaire, qui interdisait les maisons, tolérait les masures et les baraques. Un peuple d’irréguliers, de nomades, de déchus, ou d’immigrants en attente, en avait profité pour s’établir là, cramponné à la glaise, fangeux, clandestin, encore à demi flottant, mais qui enfonçait peu à peu dans le sol des habitudes, des traditions, des droits. Toute une nouvelle nation bohémienne, molle en apparence comme de la glu sur la carapace du rempart, mais tenace en réalité comme une maladie, et qui, lorsque le rempart aurait craqué, résisterait encore.
Jules Romains, Les hommes de bonne volonté (1932-1946)

150 photographies originales d’époque, rares, entre 1910-1960 retracent l’histoire de ce vaste bidonville autour de Paris.

A ses débuts, la photographie fut célébrée comme le moyen « le plus précis et le plus rapide de reproduire la réalité ». C’est ainsi et soutenue par la presse qui utilisa son « réalisme » pour la transformer en moyen d’attester de la véracité des faits et des situations, qu’elle devint un outil de manipulation de nos crédulités et participa tout autant à l’information qu’à la propagande, à l’élaboration des souvenirs qu’à la simple contemplation esthétique. Les photographes, qui laissèrent dire et faire, n’en pensaient pas moins et savaient que les images qu’ils délivraient dépendaient avant tout de leur volonté, de leur point de vue, de leur subjectivité. Après plus d’un siècle d’arrogante domination dans le champ visuel, cette technologie inventée en même temps que se développaient les réseaux ferrés a été battue en brèche par une nouvelle possibilité de figurer le monde, moins onéreuse, plus souple et, surtout, accessible à tous. Parce que le numérique s’est développé en même temps que la téléphonie mobile, les outils de production d’images se sont multipliés de façon exponentielle, entraînant, jusqu’au vertige, la création d’un flux ininterrompu, sans cesse enrichi de nouveaux éléments visuels, tellement volumineux qu’il nous est devenu impossible de le lire.
C’est dans ce contexte de mutation fondamentale des conditions de la représentation du monde qu’il faut approcher la pratique – et les choix – de Céline Anaya Gautier. Format carré, cadrages nets, attention rigoureuse à la lumière qui modèle les situations sans aucun effet, choix précis de la distance, elle pratique la photographie avec un classicisme de bon aloi et avec une indéniable élégance. Elle a opté pour la traditionnelle technologie argentique non par nostalgie mais par une volonté de s’inscrire dans une tradition qui exige que l’on réfléchisse sérieusement à chacune des images que l’on enregistre, à l’angle que l’on adopte et au sens qu’il produit, aux différentes possibilités qui s’offrent dès lors que l’on ne multiplie pas les prises en cascade, façon de convoquer le seul hasard qui permettrait que l’on trouve son bonheur dans le nombre.
Le choix de la couleur situe l’ensemble dans une lignée documentaire tout à fait contemporaine et le choix de la palette, subtile et clairement posée, évite toute stridence qui nous détournerait du propos et de ce qu’il est convenu de nommer « le sujet ».
Céline Anaya Gautier sait parfaitement que la photographie ne prouve ni ne démontre rien, qu’elle n’est en rien « objective » et elle l’utilise, au mieux, pour ce qu’elle est capable d’apporter. En l’occurrence, pour explorer un univers croisé tout à fait par hasard et qui a intrigué la curieuse qu’elle est. La photographie est ici considérée comme un outil pour tenter de comprendre les ressorts de la pratique de la chasse à courre – de plus en plus décriée – et interroger les ressorts de la pratique collective d’un rituel collectif fondé sur une singulière relation à la nature et à la mort. La photographe, parce qu’elle ne cherche pas à prendre position mais à éclairer, pour elle tout d’abord, ce monde de chasseurs qui semblent sortis des tréfonds de l’histoire, ne construit pas des images symboliques, qui célèbreraient ou vilipenderaient, mais s’en tient à deux modalités du mode documentaire. D’une part la chronique, au plus près du déroulement des faits, clairement balisés, avec leurs étapes, leurs obligations, dans des images saisies au vol qui s’organisent en courts récits chronologiques et qui, accompagnées de textes, ont une fonction informative. D’autre part une série de portraits posés, dans des lumières toujours très soignées, des portraits habiles qui montrent des chasseurs en tenue saisis dans leur univers de travail habituel. Le décalage entre les deux, que la photographe n’accentue ni ne caricature jamais, permet de percevoir – contrairement aux idées reçues – la grande diversité de condition sociale et d’univers de ces hommes et femmes que réunit une passion pour une modalité singulière de la chasse. De la cohabitation de ces deux approches photographiques, toujours documentaires mais déclinées sous des formes différentes, naît une proposition d’utilisation de la photographie aujourd’hui qui lui évite, comme trop souvent dans des ouvrages consacrés à un thème, de se retrouver en simple situation d’illustration. Parce qu’elle obéit rigoureusement à des dispositifs de prise de vue qui lui assignent une fonction dans l’élaboration d’un point de vue, la pratique de la photographie menée ici par Céline Anaya Gautier s’éloigne à la fois de toute nostalgie et des agitations ludiques de l’imagerie numérique, et s’offre calmement comme guide vers une meilleure connaissance de la chasse à courre.
Loin de toute démonstration, cet ensemble remarquablement complet du point de vue de l’exploration d’un univers sert également à proposer une fonction, aujourd’hui, à la photographie. En cela, Céline Anaya Gautier retrouve une des grandes forces – et une vraie tradition – de l’image argentique : sa capacité à formuler des questions pertinentes sur le réel en utilisant les contradictions inhérentes au fait qu’elle le représente sans être capable d’en dire une quelconque vérité.

Romuald Ducros a choisi de pointer son objectif sur les marchés rémois pendant une année. Au fil des saisons, le photographe a réalisé 216 portraits d’anonymes avec un aliment tiré de leur cabas, fraichement glané sur les étalages. L’expérience photographique participative s’est déplacée sur différents marchés en centre-ville et dans les quartiers. Ces portraits sont exposés, à Reims, autour des avant-gardistes halles du Boulingrin à partir du 28 septembre et jusqu’en mars 2019. 

Si le coeur du projet baptisé Duo des Halles se concentre sur les halles du Boulingrin, le studio mobile de Romuald Ducros a également sillonné le marché Jean-Jaurès, le marché de la place Luton, et ceux des quartiers Saint-Anne et Wilson. Résultat : 216 visages cosmopolites, singuliers, solennels parfois, immortalisés dans un style rappelant les portraits de la Renaissance.

Le marché, lieu de rencontre authentique 

A l’origine de ce projet original, soutenu par la ville de Reims, Romuald Ducros est un photographe multicarte. Avec Duo des halles, il cultive le goût de la sobriété en proposant des portraits où les habitants adoptent tous la même pose, qu’ils soient jeunes, vieux, carnivores, végétariens ou épicuriens. En plus de l’exposition, qui débute le 28 septembre, ce travail donnera lieu à l’édition d’un ouvrage d’art.

Pour le photographe, le marché représente un lieu de partage où les liens sociaux sont forts :

« L’objectif de cette expérience est de retrouver le plaisir simple dans notre rapport à la vie, un instant de vérité, d’authenticité porté par les valeurs de la terre, sa variété, sa beauté, sa générosité. » 

La magie des halles et ses chefs étoilés 

Le singulier marché couvert du Boulingrin est une prouesse de l’ingénieur Eugène Freyssinet datant de 1929. Ces halles, construites entièrement en béton armé, offrent un écrin Art-déco unique à quatre marchés hebdomadaires. Elles témoignent du foisonnement architectural qui a marqué la ville de Reims après-guerre. Reconstruction oblige !

Aujourd’hui, les halles du Boulingrin constituent le navire amiral de la gastronomie rémoise. Sous ce dôme emblématique, les grands chefs étoilés proposent des démonstrations culinaires : Jacky Louaze pour le Foch vendredi 14 septembre et Philippe Mille pour les Crayères vendredi 5 octobre.

Rénovées et inaugurées en septembre 2012, les halles représentent également un lieu de rendez-vous culturels avec ses marchés aux livres et d’artisanat d’art et des expositions ponctuellement proposées en mezzanine.

L’exposition Topo-Graphie au Musée de la photographie de Mougins propose l’entrelacement de deux visions et pratiques artistiques : celle de Favret-Manez, duo d’artistes qui développent une œuvre photographique commune et poursuivent une réflexion sur le paysage habité, son histoire et ses usages, et Jean-Philippe Roubaud qui, depuis 2015, a refondé son œuvre sur la pratique du dessin.

L’exposition s’articule autour de leur série commune, « Côte d’usure », ensemble de dyptiques verticaux composés chacun d’un tirage photographique noir et blanc et d’un dessin à la poudre de graphite. La même image nous apparaît sous deux formes, soumise à des variations de cadrage et à des process qui en accuse l’écart. Si la photographie de Favret-Manez s’attache à déceler dans l’observation du paysage les indices des rapports conflictuels que les hommes entretiennent avec leur territoire, le dessin de Jean-Philippe Roubaud va chercher dans la photographie elle-même les signes de sa propre disparition.

En regard de « Côte d’usure », dont deux pièces ont été récemment acquises par le Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur, chacun des artistes présente une autre série en relation avec la question du paysage. En ce qui concerne Favret-Manez, il s’agit d’un accrochage du projet topographique « Europe le plan B » qui combine tirages et édition d’artistes. Concernant Jean-Philippe Roubaud, il s’agit d’un accrochage de la série « souvenir de Tarkovsky » traitant par un dessin hyper-réaliste des polaroïds pris par Andrei Tarkovsky lors de son exil en Italie.

Le Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur s’associe à cette initiative du Musée de la photographie André Villers, d’inviter trois artistes entrés cette année dans la collection du Frac.

www.fracpaca.org

Irving Penn (1917–2009), known for his iconic fashion, portrait and still life images that appeared in Vogue magazine, ranks as one of the foremost photographers of the 20th century. “Irving Penn: Beyond Beauty,” organized by the Smithsonian American Art Museum and curated by Merry Foresta, the museum’s first Curator of Photography, is the first retrospective of Penn’s work in nearly 20 years. The exhibition features work from all stages of Penn’s career—street scenes from the late 1930s, photographs of the American South from the early 1940s, celebrity portraits, fashion photographs, still lifes and more private studio images. Penn’s pictures reveal a modernist instinct for stark simplicity whether he was photographing celebrities, fashion models, still lifes or people in remote places of the world.

(Photo : Irving Penn, Ball Dress by Olivier Theyskens for Nina Ricci, New York, 2007, Smithsonian American Art Museum, Gift of The Irving Penn Foundation. Copyright © Condé Nast)

Du 29 septembre 2018 au 6 janvier 2019, la maison Folie Moulins présente une exposition inédite : Power to the people – The Black Panthers. Photographies de Stephen Shames.
Une immersion au coeur du mouvement des Black Panthers.
Activiste plutôt que militant, le photographe Stephen Shames a fait du combat des Black Panthers sa première bataille à la fin des années 1960. Durant sept ans, il sera le compagnon de route de ce grand mouvement d’émancipation du peuple noir américain.
Prises depuis l’intérieur, ses images dressent le portrait d’une organisation révolutionnaire ouverte et fraternelle, travaillant sans relâche pour inventer des nouvelles formes de contrepouvoir. Avec sobriété, mais non sans un certain lyrisme, elles revendiquent la beauté et la dignité du peuple noir, et son droit à l’autodétermination et à l’autodéfense.
L’exposition réunit une soixantaine de ses photographies, dont 30 tirages inédits, augmentée d’une section sur les magazines édités par les Black Panthers. Conférences, rencontres, ateliers et projections viendront la ponctuer, pour nous plonger au coeur de ce mouvement militant fondateur.
Commissariat : The Red Eye / François Cheval, Audrey Hoareau

LA SOIRÉE DE PROJECTION 

La Maison de l’Image Documentaire a pour volonté, depuis sa création en 2011, de fédérer les énergies autour de la photographie documentaire en région Occitanie.

Afin de favoriser la création, la diffusion de la photographie et surtout de faire émerger de nouveaux talents, la Maison de l’Image Documentaire organise une soirée de projection Jeune photographie – Occitanie. Pour cette quatrième édition, nous demandons aux jeunes photographes qui vivent et ou travaillent dans la région de nous proposer un sujet documentaire libre. Une dizaine de dossiers sera retenu pour constituer le programme de cette soirée. Avec cet appel à candidature, nous continuons notre état des lieux de la jeune photographie en région et souhaitons devenir une structure de référence pour ces jeunes artistes.

SÉLECTION & JURY 

Les projets seront appréciés au regard de leur qualité et de leur pertinence artistique et documentaire, et seront jugés par le comité directeur de la Maison de l’Image Documentaire. Une dizaine de dossiers sera retenu pour la projection.

LA MAISON DE L’IMAGE DOCUMENTAIRE 

La Maison de l’Image Documentaire est portée par l’association CéTàVOIR, créée à Sète en novembre 2003 par des professionnels de l’image et de la culture, et organisatrice du rendez-vous de la photographie documentaire ImageSingulières.

Elle a ouvert ses portes en octobre 2011.

Cet espace unique en Occitanie, mis à disposition par la Ville de Sète, est un lieu de rencontre, d’échange, d’information, de réflexion, de ressource, de pratique, de création et de diffusion, autour de la photographie de style documentaire. Cette photographie qui interroge le monde et qui, sans renier la forme, se préoccupe davantage du fond.

Dossier de candidature en ligne sur http://www.la-mid.fr

Ce quinzième accrochage présente la suite de sept tirages argentiques réalisés par l’auteur et un choix de tirages originaux de Man Ray.

Le parcours artistique de David Perlov (1930-2003), figure centrale du cinéma israélien du dernier quart du XXe siècle, excède sa seule activité de cinéaste. Son œuvre s’est nourri d’une pratique du dessin et de la photographie, qui l’a accompagné tout au long de sa vie.

Né en 1930 à Rio de Janeiro, David Perlov passe ses premières années à Belo Horizonte, avant de s’installer à São Paulo. Sa rencontre avec le peintre, sculpteur et graveur Lasar Segall (1891-1957), voisin de son grand-père, l’ouvre à un univers inconnu, et c’est en artiste qu’il arrive à Paris en 1952, afin d’étudier la peinture à l’école des Beaux-Arts. Il y réside jusqu’en 1958, date à laquelle il rejoint sa femme Mira au kibboutz Bror Hayil au sud d’Israël. Pionnier du cinéma documentaire israélien, prix Israël 1999, Perlov enseigne à l’université de Tel-Aviv de 1973 à sa mort en 2003.
Les années parisiennes marquent un tournant tant Perlov est touché par l’effervescence du monde du cinéma. Sa fréquentation des ciné-clubs, la rencontre avec Alain Resnais et Chris Marker, auquel il achète sa première caméra, le conduisent à se saisir des médiums photographique et cinématographique. Il rencontre Henri Langlois, le directeur de la Cinémathèque française, qui l’engage pour monter un documentaire de Joris Ivens consacré à Marc Chagall, qui restera inachevé. Il réalise son premier film, Tante Chinoise et les autres, à partir des dessins d’enfants de Marguerite Bonnevay. Ces expériences structurent son approche artistique, une tension entre l’intime et l’universel que l’on voit plus tard appliquée dans son Journal, une œuvre fleuve constituée de six épisodes d’une heure chacun, débutée en 1973, chronique intime, familiale et politique poursuivie durant une décennie.
La fantaisie déployée dans ses propres dessins met en lumière d’autres aspects du travail de Perlov, où l’artiste laisse libre cours à ses rêves et ses sentiments, croisant parfois dans une même œuvre des temporalités distinctes. Rarement exposées, ces œuvres permettent de poser un regard renouvelé sur son travail documentaire, déjouant sa linéarité pour souligner l’affleurement des souvenirs et du passé dans l’appréhension du présent. Les dessins et photographies que Perlov réalise constituent ainsi des prises de notes, lui permettant de trouver le ton juste pour se raconter. L’exposition présente ce dialogue entre dessins, films et photographies.
Sauf mention contraire, les œuvres exposées sont conservées par la famille de David Perlov.

Commissariat
Commissaire : Fanny Schulmann
Conseillère scientifique : Galia Bar Or
Régie des œuvres : Pascal Concordia, Scénographie et régie des espaces : Victor Torossi, avec Olivier Bejannin, Arnaud Lamiral et Georgetta Mocanu
Encadrement : Arnaud Lamiral
Installation audiovisuelle : Guy Garcia Ingénierie, installation : Atelier des 3 coups
Éclairage : Claudio Varone
Conception graphique : DocLevin
Signalétique : Duograph
Remerciements
Mira, Yaël et Noémie Perlov, Nathalie Jungerman, Pascale Samuel, Hila Peleg, Camille Filaferro, Philippe-Alain Michaud, Ariel Schweitzer, Isabelle Regelsperger, Michael Gordon Studio, Pip Chodorov, la Cinémathèque française, le Centre Pompidou, les éditions Re :Voir, les éditions La Table Ronde.

EXPOSITION VENTE À LA GALERIE DU HAMEAU
Un regard audacieux et sensible sur un lieu d’art insolite…

Lucie Desgigot, Margot Laurens et Adrien Pezennec, jeunes photographes-auteurs diplômés de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles, en résidence en 2017 au Hameau des Baux, exposent leurs œuvres du 3 octobre 2018 au 2 janvier 2019.

Les trois artistes se sont amusés à raconter des histoires visuelles, à créer des fictions les mettant en scène. A la fois photographes et modèles, ils invitent le spectateur à s’immerger dans l’univers que chacun a su créer avec le même décor.

Lucie Desgigot s’amuse à construire des mises en scène incongrues et parfois même ridicules, se surprenant elle-même en devenant le rôle principal de ces petites histoires sans conséquence.
Pour Margot Laurens, deux séries parcourent sa résidence comme deux films d’un même espace. Une en noir et blanc, sorte de contre-champ méditatif du décor de cinéma de sa seconde série aux accents
hitchcockiens.
Enfin, Adrien Pezennec endosse le rôle de photographe de plateau d’un film absurde qui n’existera jamais. Seul subsistent ces prises de vues dramatiques ou humoristiques comme indice d’un film imaginaire.

Cette exposition-vente s’accompagne d’une jolie édition, le carnet de Résidence n°3.

L’exposition présente le carnet de voyage d’une Yovo (blanche) au Bénin.

Résultat d’un itinéraire tracé au fil des rencontres, « Yovos » expose des images photographiées à travers le pays, du paysage urbain de Cotonou , à un village peul reculé au nord du pays, en passant par les Collines de Dassa et la côte Atlantique de Ouidah.

L’exposition sera l’occasion de soutenir l’Association Charles de Bellaigue qui oeuvre au Bénin dans le domaine de l’éducation.
La moitié des bénéfices seront reversés à l’association.

L’exposition “Guerre ici” est une alerte. Une projection dans l’espace. Les combats dans nos villes, dans nos rues, qui envahissent notre quotidien. Ce sont deux photos superposées qui font venir la guerre ici chez nous. Des créations qui permettent de ressentir un court instant ce que vivent les victimes de guerre. (…) Ces photomontages sont une guerre contre l’oubli. Pour ne plus entendre : “On ne savait pas !” L’artiste introduit la guerre en transposant ses photographies les plus frappantes devant les monuments emblématiques de nos villes, dans des lieux qui nous sont familiers. Annulant ainsi la distance, la réalité de la guerre interpelle, trouble. Un questionnement émerge : et si la guerre était sous nos fenêtres, dans nos propres villes ? Comment voyons-nous la violence ailleurs, alors que nous sommes en paix ? Et comment concevoir cette réalité, devenue si proche par les photomontages joignant le lointain à notre décor quotidien ? A travers ce questionnement, l’artiste dresse un contrat sans appel : notre réalité est toujours unanime lors des conflits et des famines(…)

Avec les photographies de Patrick Chauvel Et Doàn Cong Tinh, Chu Chi Thanh, Mai Nam, Hùa Kiêm, Minh Dao,Luong Nghia Dung, Ngoc Dàn, Vu Ba

Il y a 40 ans, la guerre du Vietnam se terminait. Ce fut l’un des conflits les plus médiatisés. Côté américain la presse avait une totale liberté, au point qu’elle a sans doute influencé en partie le désengagement de l’armée Américaine, ce qui a eu pour conséquence la débâcle de l’armée Sud-vietnamienne. On a beaucoup vu les images de grands photographes, ceux qui ont travaillé sous les tapis de bombes des B52, le long des pistes Ho Chi Minh. On ne connaît pas “Ceux du Nord”.

« Trois opérations : Voir, opération de l’oeil. Observer, opération de l’esprit. Contempler, opération de l’âme. Quiconque arrive à cette troisième opération entre dans le domaine de l’art. »
Emile Bernard.

« Contemplations » met en parallèle les regards de deux photographes: Pascal Bonneau et Anthony Morel.
Dans leurs series « Palladiotypes » et« Entre les mondes » chacun scrute des lieux et des sujets simples, auquel nous ne prêtons pas attention.
Mais leurs curiosités, leurs regards nous plongent dans un univers propice à la beauté, la réflexion,et nous invite à la contemplation au travers du médium photographique.
Par leur processus de captation, hors de l’industrie photographique actuelle, les photographes redeviennent des artisans de l’image.
Cette nouvelle exposition vous invite à un voyage photographique contemplatif.

Palladiotypes
Photographies de Pascal Bonneau

Ma démarche photographique est fondamentalement liée à la curiosité de voir, regarder, observer, percevoir, contempler, s’émouvoir… Ne dénonçant ni ne revendiquant rien, mes photographies sont présentées comme de simples propositions de bonheur. Ma seule ambition est de transmettre et de faire partager ce qu’il y a de plus éthéré et de plus intemporel dans ma vision. C’est sans apparat ni mise en scène sophistiquée mais sous la seule lumière frontale et linéaire du scanner que je fige ces choses si familières et quotidiennes qu’elles en paraissent banales ou désuètes. Feuilles, fleurs, légumes ou fruits : il s’agit d’en explorer les formes, les textures, les volumes, les contrastes et les densités. De ces petits riens, de ces peu de chose, de ces insignifiances de tous les jours, je m’applique à une observation méthodique. Car pour peu que l’on fasse l’effort de prêter attention, de consacrer quelques instants de notre temps si précieux à poser un regard attentif sur elles, ces banalités révèlent un monde poétique et onirique où se livre l’esthétique de l’architecture végétale ; un monde où le temps ne compte plus que par et pour les traces qu’il a laissées.

Entre les mondes
Photographies de Anthony Morel

Cela signifie, à la fois l’intérieur de la camera obscura, l’espace situé entre la réalité et sa représentation, l’étendue dans laquelle se forme l’image. C’est aussi, pour moi, une définition des territoires que j’aime travailler. Au delà des ponts qui enjambent la Durance et qui sont très présents dans mes images, ce sont tous ces espaces où l’homme abandonne l’évolution du paysage à la seule nature. Le plus souvent des “anti lieux”, des no man’s land du quotidien, des zones délaissées que l’on traverse, sur lesquels on ne s’arrête que rarement.
« La singularité de mes images reflète la singularité de mes appareils. C’est une façon pour moi d’exister dans mes photographies, d’en être un sujet oublié. Je creuse la réalité, une distance s’installe, l’espace est absorbé sur le plan. À l’issue du processus, l’image produite n’est plus que le reflet d’une apparence ; la réalité banale s’est transformée en fiction poétique. Au travers d’une expérience sensorielle et corporelle, je me laisse guider par la réalité de lieux propices à la solitude et à l’émergence de nouveaux paysages : des territoires dans lesquels s’immiscent le merveilleux. »

L’exposition à la Galerie l’Escale de Levallois du 5 octobre au 24 novembre 2018 présente le travail des trois photographes primés : Pierre-Elie de Pibrac (France), Prix Levallois 2018 pour sa série « Desmemoria, ou les oubliés du rêve révolutionnaire », Emmanuel Tussore (France) Mention Spéciale pour sa série « Home » et Camille Shabestari (France), Prix du Public pour sa série « Ainsi parlait Zarathoustra ».

VERNISSAGE ET REMISE DES PRIX Jeudi 4 octobre de 19h à 21h

Figure majeure de l’art de ces dernières décennies, Jeff Wall développe depuis la fin des années 1970 une œuvre qui a profondément modifié la manière dont nous envisageons le médium photographique. En l’inscrivant dans une tradition picturale élargie et en le pensant dans ses relations aux autres arts – la peinture en premier lieu, mais aussi le cinéma, la littérature et le théâtre –, il en a redéfini l’essence et ouvert le champ des possibles. Cette exposition d’envergure rassemble une trentaine d’oeuvres de l’artiste canadien, récentes et plus anciennes.

La Galerie Goutal consacre une exposition monographique aux photographes new-yorkais Formento & Formento du 6 octobre au 16 décembre 2018: DIVINES ICÔNES.
Il s’agit de la première exposition de ce duo d’artistes majeurs, dans une une galerie française.
Les oeuvres présentées sont issues des séries Circumstance Women, Japan Diaries, She is Cuba et Hysteria.

Connus pour leurs photographies aux accents glamours, BJ et Richeille Formento travaillent depuis 2006 autour de la figure de la femme dont ils captent la beauté en parcourant le monde.
A la frontière de la photographie de mode dont ils sont issus, ils se distinguent par la précision extrême de leurs images, le sens du détail, de la scénographie, révélant un univers riche en références picturales et cinématographiques.
Les images défilent et l’éblouissement d’un champ pictural réglé dans ses moindre éléments nous saisit.
Les femmes de Formento & Formento, sublimées par la lumière, semblent figées dans une éternelle beauté.

Mais au-delà de la plastique parfaite de ces visages, des poses lascives, on perçoit une gravité.
Fardées, si ce n’est fétichisées, les muses de Formento & Formento sont portées subtilement au rang d’allégories. Le décor, le choix des costumes impliquent le modèle dans l’histoire de son pays.
La célèbre série Circumstance Women a été réalisée lors de la crise américaine des subprimes de 2009.
Dans ces décors réels et désolés, les modèles sont des strip-teaseuses, starlettes, mannequins rencontrés au gré des petites annonces, qui malgré le chômage, gardaient l’espoir d’avoir accès à l’American Dream.

Avec She is Cuba, ils ont capté la beauté désinvolte des jeunes cubaines dans un pays où le temps s’est arrêté depuis 1962.
Dans Japan Diaries, le duo représente la complexité toute asiatique des japonaises, partagées entre traditions, soumission et rêves d’émancipation, comme ce portrait singulier d’une jeune japonaise au style hitchcockien croquant à belles dents les tentacules d’un poulpe.

Enfin, la série Hysteria, réalisée à Vancouver évoque avec humour la crise identitaire des jeunes dont les référents et les attributs symboliques semblent traverser les genres et les époques: Elvis Presley, les voitures de luxe, la drogue, l’ennui…
A l’instar d’Erwin Olaf et Gregory Crewdson, Formento & Formento sont de ces auteurs qui puisent leur inspiration dans le cinéma, la peinture, la littérature, les voyages. Ils donnent à voir des images d’une grandes beauté dont l’étrangeté nous permet de nous projeter et de rêver.

« J’attrape un mouvement et je le recompose. Je fais le vide autour de mon sujet jusqu’à imprimer ma vérité ». Hors de son contexte, l’image devient alors matière, polymorphe et polysémique. Les œuvres habitent les espaces des Salins, le hall, les escaliers, les couloirs, les recoins du théâtre. Elles interrogent les évidences, les rendent douteuses, invitent à embrasser l’ambiguïté. »
Agnès Mellon

Installation Photo & Vidéo

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XXe siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957.
La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites, inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.

L’exposition présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger. Les deux artistes partagent une même fascination pour les profondes mutations de la ville, un intérêt commun pour le monde du travail, l’esthétique industrielle ou l’architecture moderne, notamment celle de Le Corbusier. Mais, tandis que Fernand Léger exprime, après la Seconde Guerre mondiale, sa foi dans le progrès, la modernité et la reconstruction, Stéphane Couturier documente, à partir des années 1990, la disparition progressive de la société industrielle et la transformation de l’espace urbain qui en découle, dans les métropoles mondiales (Paris, Berlin, Séoul, Brasilia, Salvador da Bahia, Alger).
Dans sa série inédite, conçue en écho à l’œuvre de Léger, Stéphane Couturier utilise la superposition de plusieurs photographies numériques, technique initiée en 2004 dans ses premières séries intitulées « Melting Point ». L’artiste fait naître une réalité hybride, à partir de la fusion de deux ou trois images. Cette synthèse entre deux réalités produit une multitude de détails, où l’œil du spectateur se perd et provoque une impression de mouvement et de dissolution du sujet, au sein d’une composition monumentale.
Aujourd’hui, l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, jouant des potentialités infinies de l’outil numérique, allie une approche documentaire à un traitement complexe de la composition. A la manière d’un tableau cubiste, elle puise dans le réel, le fragmente et, grâce au rythme et aux contrastes entre lignes, formes et plans colorés, le dépasse pour en offrir une nouvelle perception.
Stéphane Couturier interroge ainsi la nature prétendument objective du médium photographique : la
prise de vue devient un matériau. De ce matériau naît une machine à construire une combinatoire des
formes qui réactualise en permanence le réel enregistré.

Le Centre d’Art Contemporain de la Matmut présente du 6 octobre 2018 au 6 janvier 2019 l’exposition Les fleurs, le chien et les pêcheurs de Florence Chevallier.

« Je cherche, je photographie, des paysages, des humains, des animaux, des architectures, pour mettre en lumière la force de ce qui se construit et se transmet dans la vie de chacun pour constituer un « être au monde » singulier et inaliénable. Tous les éléments de ce vocabulaire visuel que je décline d’années en années, du Nord au Sud (ombres et lumières, couleurs et picturalité, théâtralité et saisie du réel), procèdent de cette nécessité de relier l’histoire personnelle (avec ses manques, ses mythes, ses espérances, ses constantes transformations) et le monde extérieur, source inaltérable qui défie nos propres limites par le regard, les sensations, les formes visibles où surgit la figure de l’Autre. (…) C’est à partir du retour à Casablanca en 2000 que s’est constitué un noyau de création moins fictionnel, moins scénarisé et donc plus ouvert sur le présent. »
Florence Chevallier

Sanlé Sory dépasse le cadre formel des photos d’identité, notamment en réalisant ce que le photographe appelle des « photographies souvenirs ». Les cadrages y sont plus généreux et mettent en évidence les vêtements et les poses de ses clients ainsi que les accessoires que les modèles apportent ou empruntent au studio. A travers ses portraits, Sanlé Sory dévoile une certaine insouciance et l’énergie de la jeunesse voltaïque.
Au-delà du studio photo, il photographie également la vie quotidienne, la jeunesse et la brousse. Les « bals poussière » occupent une place importante dans les thématiques qu’il explore. Il organise ainsi ses propres soirées dansantes pour y faire des photographies. Il diffuse alors de la musique pour attirer les jeunes.
Sanlé Sory saisit sur le vif les jeunes de Bobo et leur appétit insatiable pour les rythmes afro-cubains, afrobeat, soul et rock. Il photographie toute la culture pop. Il suit des orchestres comme Volta Jazz, Dafra Star et Echo del Africa et illustre un grand nombre de pochettes de disques.
Mérignac a déjà accueilli les oeuvres de Sanlé Sory en 2015 lors de la première édition du Mérignac Photographic Festival. Au printemps 2018, l’Art Institute of Chicago organise une première rétrospective.

2018 marque le 160e anniversaire des relations diplomatiques entre le Japon et la France et le 150e anniversaire du début de l’ère Meiji qui favorisa les liens entre le Japon et l’Occident au XIXe siècle : l’enthousiasme et l’incidence de l’art japonais sur les artistes occidentaux, notamment par le biais d’expositions universelles, donna naissance au Japonisme.

Le ton est donné : si l’exposition WADAKO, histoires de cerfs-volants japonais n’est pas associée à Japonismes 2018, projet institutionnel, elle s’inscrit parfaitement dans cet événement porté par la France et le Japon.
L’exposition est le résultat d’un projet intitulé Histoires de poulpes volants initié Cecile Laly, chercheure, docteure en Histoire de l’Art nippon, qui s’est associée à Mami Kiyoshi, artiste plasticienne et qui est soutenu par la Société Française pour l’Art et la Culture du Japon (SFACJ).
En japonais, il existe plusieurs mots pour faire référence aux cerfs-volants dont Wadako et Tako (qui signifie « poulpe »).
Alors qu’au début du siècle dernier il existait plusieurs centaines d’ateliers de cerfs-volants à travers tout le Japon, aujourd’hui il n’en reste qu’une quinzaine.
À la suite d’un long travail de terrain, il a été possible d’établir une liste des derniers fabricants de cerfsvolants
traditionnels : Mami Kiyoshi a réalisé leurs portraits dans leur atelier, Cecile Laly s’est attachée la rédaction de leur biographie.
Depuis 2003, Mami Kiyoshi réalise des portraits mis en scène où les univers domestiques deviennent fabuleux : une pincée d’objets agglutinés, une autre de détails éclatants. Nous en avions eu un avant-goût lors de sa dernière exposition New Reading Portraits à la galerie en 2014. Pour Wadako, histoires de cerfs-volants japonais, elle adopte le même système mais ici, il s’agit de portraits des derniers fabricants de cerfs-volants traditionnels du Japon et de collectionneurs.
Pour Mami, les objets fonctionnent comme des éléments signifiants de la personnalité et de l’identité de leurs possesseurs, ils ne sont pas seulement des accessoires ou des composantes d’un décor recréé.
Organisés de manière à structurer ou à ponctuer l’espace représenté, ils permettent aussi de l’envahir dans certaines photographies. Il en résulte alors le sentiment qu’ils font jeu égal avec leurs propriétaires.
L’art de Mami est de concevoir et de préparer avec soin une mise en scène en résonance avec le quotidien, la culture et les origines des portraiturés. La prolifération des objets qui constituent leurs univers est mise en relief par ses compositions.

Dans toute son œuvre, ORLAN a interrogé les représentations du corps et de la femme et ce, en investissant simultanément leurs réalités physiques, sensibles et virtuelles grâce aux techniques scientifiques, biologiques et informatiques les plus contemporaines.
Dans les trois vidéos d’ORLAN projetées au Liberté, Pétition contre la mort, No baby no et J’ai faim, j’ai soif et ça pourrait être pire, elle fait écho à travers trois performances filmées avec ORLAN ou son ORLANOÏDE au transhumanisme, au problème majeur de la démographie, à la surconsommation, facteur de surexploitation des ressources naturelles de notre planète. À travers sa propre mise en scène et celle de son ORLANOÏDE, elle met en perspective les phénomènes sociaux de notre époque qu’elle questionne et dérègle.
ORLAN propose également deux portraits de « self-hybridations » s’inspirant des masques de l’Opéra de Pékin. Un lieu dans lequel les artistes femmes n’étaient pas admises jusqu’en 1912, ce sont les hommes qui interprétaient leur rôle. Par l’intermédiaire de l’application « Augment », téléchargeable gratuitement, nous pouvons alors voir, sur nos smartphones et tablettes, l’avatar 3D d’ORLAN qui traverse le masque et réalise les acrobaties spectaculaires des comédiens de l’Opéra de Pékin, déréglant les codes de cette institution exclusivement masculine. Il est également possible de se photographier avec l’avatar d’ORLAN et de le partager instantanément sur les réseaux sociaux.

Cette exposition, proposée à l’occasion des vingt ans du mahJ, est la première présentée en France sur Sigmund Freud (1856-1939). Par un ensemble de 200 pièces – peintures, dessins, gravures, ouvrages, objets et dispositifs scientifiques –, dont des œuvres majeures de Gustave Courbet (L’Origine du monde), Oskar Kokoschka, Mark Rothko ou Egon Schiele, elle jette un regard nouveau sur le cheminement intellectuel et scientifique de l’inventeur de la psychanalyse.

En France, l’enseignement de Freud est d’abord diffusé par les cercles littéraires, surréalistes en particulier, dans le sillage du symbolisme de la fin du XIXe siècle. Or cette réduction à la littérature ignore la rationalité dont se réclame la doctrine freudienne. Le parcours de l’exposition insiste donc sur les années viennoises puis parisiennes de Freud, héritier de Darwin, qui débute sa carrière en tant que neurologue, et dont l’intérêt pour la biologie ne va cesser de croître – Une leçon clinique à la Salpétrière d’André Brouillet (1857-1914) et le baquet à magnétiser de Franz Anton Mesmer (1734-1815), présents dans l’exposition, sont prêtés tous deux pour la première fois. Ses premières recherches s’enracinent dans la tentative de tracer des schémas et des esquisses souvent semblables à ceux que les neurosciences s’efforcent alors de dessiner pour expliquer la croissance et le développement des neurones et le fonctionnement du cerveau.
L’exposition fait redécouvrir l’invention de la psychanalyse. Si cette démarche est née de l’observation éminemment visuelle des symptômes, photographiés, dessinés, mis en scène autour de Jean-Martin Charcot (1825-1893) à la Salpêtrière, elle trouve sa spécificité et son efficacité à refuser l’image. Elle s’épanouit dans la seule écoute, dans les associations de mots, en l’absence de toute représentation visuelle.
Le lisible contre le visible, le mot contre l’image : Freud se pose ici en héritier de Moïse, grand briseur d’images. La spiritualité juive, à défaut d’une foi et d’une pratique, irrigue ses travaux, de L’interprétation des rêves – ouvrage dont l’herméneutique talmudique n’est pas absente –, jusqu’à l’essai final, Moïse et le monothéisme. Si Freud lui-même, né dans une famille juive originaire de Galicie gagnée par les idées de la Haskalah (les Lumières juives), affirme son athéisme et tient sa production scientifique à l’écart de son ascendance juive, tout comme du milieu viennois où il a vécu, c’est d’abord pour faire de la psychanalyse une science universelle, détachée de tout particularisme religieux ou culturel. Mais la démarche psychanalytique n’est pas étrangère à la tradition interprétative propre au judaïsme.
L’exposition bénéficie de prêts exceptionnels du musée Freud de Londres, du musée d’Orsay et du musée national d’Art moderne, ainsi que de grands musées autrichiens et allemands (Leopold Museum, Österreichische Galerie Belvedere, Vienne ; Museum der Bildenden Künste, Leipzig…).
Elle est accompagnée d’un riche programme (rencontres, table rondes, conférences, projection, activités pour le jeune public…).

Son catalogue est publié avec les éditions Gallimard.
Commissariat de l’exposition
Commissariat : Jean Clair, Académie française
Conseil scientifique : Laura Bossi, Laboratoire Sphère – Université Paris Diderot et Philippe Comar, ENSBA
Coordination : Virginie Michel, assistée de Camille Filaferro, mahJ

Max Halberstadt
Portrait de Sigmund Freud, 12 février 1932
© Londres, Freud Museum

Depuis que les premières plantes ont été domestiquées voici quelque 11 000 ans, environ 40 % de la surface de la planète a été transformée en terres agricoles. Pour faire face à la croissance démographique (avec une population mondiale estimée à 10 milliards d’habitants en 2050) et à l’augmentation du niveau de vie dans les pays en développement rapide, la production alimentaire mondiale devra doubler. George Steinmetz nous montre les pratiques inquiétantes de l’agriculture intensive, de l’exploitation industrielle robotisée des animaux et la déshumanisation progressive de la chaîne alimentaire.

Photographe reporter américain, George Steinmetz parcourt la planète depuis trois décennies. Ses explorations lui ont valu de prestigieuses récompenses mondiales, dont deux prix World Press.

Biologiste de formation, Jochen Lempert (né en 1958) travaille durant les années 80 à l’université Friedrich-Wilhelms de Bonn tout en collaborant à la même période avec Jochen Müller et Jürgen Reble au sein du groupe schmelzdahin (dissous-toi), actif jusqu’en 1990, avec lesquels il produira un ensemble de films expérimentaux en super 8 basés sur les effets de décomposition bactériologique et les altérations chimiques des pellicules.

Jochen Lempert poursuit depuis ses recherches sur le vivant et la coexistence des formes de vies par la pratique photographique. Cette influence croisée, entre sciences et art, fait de lui une figure unique sur la scène artistique contemporaine. Découvert en France en 2009 au domaine des Kerguehennec, Jochen Lempert a bénéficié depuis ces dix dernières années de nombreuses expositions monographiques internationales, entre autre au Cincinatti Art Museum en 2015, au Sprengel Museum d’Hanovre en 2017 et récemment au CA2M à Madrid.

Ses tirages photographiques, invariablement en noir et blanc sur du papier baryté mat, recréent une classification du vivant entre rigueur scientifique et recherche du sublime. Jochen Lempert ne cherche pas l’extraordinaire. Il capte au contraire l’anodin, l’impermanent et une certaine poésie du quotidien.

Son regard nous dévoile tout aussi bien une ligne imaginaire dans un vol d’oiseaux, la volute de fumée d’une tasse de thé, un feuillage à la limite de l’abstraction, ou encore un grand pingouin (Alca impennis) disparu qu’il traque inlassablement depuis 1992 dans les réserves des musées d’histoire naturelle du monde entier.

Ses photographies, présentées non encadrées, sont réargentées à chaque exposition résistant à toute catégorisation. Jochen Lempert se plait ainsi à réinventer une nouvelle grammaire visuelle dans une chaine causale où chaque image dialogue, dans des analogies formelles et conceptuelles et des variations d’échelle, avec l’ensemble.

Au seuil de la photographie scientifique, Jochen Lempert livre une œuvre d’une grande pureté formelle témoignant de la fragilité de l’existence et de la relation intrinsèque de tous les éléments vivants.

Jochen Lempert est représenté par les galeries ProjecteSD (Barcelone), et BQ (Berlin).

Wind, 2016 . © Jochen Lempert/VG Bild-Kunst, Bonn 2018t
Courtesy BQ, Berlin and ProjecteSD , Barcelona