Agenda

Picto Foundation est heureux de lancer la 22ème édition du Prix Picto de la Mode.
Distinction de référence pour les talents émergents dans le domaine de la mode, le Prix Picto de la Mode a le plaisir d’accueillir la photographe Bettina Rheims comme présidente du jury de cette édition.

Cette année le Prix Picto de la Mode inaugure le Prix Filippo Roversi. Conçu avec la complicité du photographe Paolo Roversi, le Prix Filippo Roversi récompensera l’art et le plaisir du savoir-faire autour de la photographie de mode. La dotation permet au lauréat de recevoir un tirage de collection et un workshop avec Paolo Roversi.

La cérémonie de remise des Prix aura lieu au Palais Galliera, musée de la mode de la ville de Paris, tout juste ré-ouvert après une année d’importants travaux de transformation.

– Avoir moins de 35 ans, tous pays.
– Proposer obligatoirement 2 séries de 8 à 10 images maximum par série.
– Envoyer le dossier de candidature complet à prixpictodelamode@picto.fr comprenant :
– le formulaire de candidature à télécharger ici.
– L’envoi des photos par Wetransfer ou lien de téléchargement en basse définition (1,5 Mo – 300 DPI max.) et en Haute Définition (20 Mo – 300 DPI min.) en format jpg.
Nommer ses images de la manière suivante :
NOM DU CANDIDAT_NOM DE LA SERIE_N° DE LA PHOTO_BD et NOM DU CANDIDAT_NOM DE LA SERIE_N° DE LA PHOTO_HD
– une biographie/parcours du photographe (15 lignes maximum) en version PDF.
– Un texte de présentation des deux séries.

DOTATIONS

PREMIER PRIX : PRIX PICTO DE LA MODE
– Un appareil photo Leica Q2 d’une valeur de 4990 €
– Une exposition d’une valeur de 2000 € de fabrication
– Une campagne d’affichage JCDecaux à Paris
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.
DEUXIÈME PRIX : PRIX FILIPPO ROVERSI
– Un workshop d’une journée avec Paolo Roversi
– Un tirage signé de Paolo Roversi
– 1000 € d’aide à la réalisation.
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.
TROISIEME PRIX : PRIX DE L’ÉMERGENCE
– 1500 € d’aide à la réalisation.
– L’entrée dans les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris

Envoi des dossiers par mail à prixpictodelamode@picto.fr avant la date limite fixée au 6 septembre 2020.
TOUT DOSSIER INCOMPLET ET NE RESPECTANT PAS LES CONDITIONS NE SERA PAS ÉTUDIÉ

29 MARS 2020.
Fin de l’appel à candidatures.

6 AVRIL 2020.
Annonce des finalistes sur nos sites et réseaux sociaux.

29 AVRIL 2020.
Délibération du jury et soirée de remise des prix au Palais Galliera.

Photo : © Rosanna Lefeuvre, lauréate du Prix 2019

Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

À l’origine d’un style unique qu’il décrit lui-même comme «ballenesque », Roger Ballen est l’un des photographes les plus importants de sa génération.

Après avoir acquis une reconnaissance internationale en collaborant notamment avec le groupe Die Antwoord, il utilise depuis peu dessins, peinture, collages et différentes techniques sculpturales pour créer des installations élaborées, inventant une nouvelle esthétique hybride encore fermement enracinée dans l’art photographique.

Pour la première fois en France, La Halle Saint Pierre propose avec l’exposition Le Monde selon Roger Ballen une véritable rétrospective de cet artiste hors-normes, avec également des installations inédites produites in situ.

Né en 1962 à Xiangyang dans la province du Hubei.

Bien qu’arrivé récemment dans le monde de la photographie contemporaine, Wu Guoyong s’adonne à cette pratique depuis 1984. Dans un premier temps, cet ingénieur de formation s’empare de la caméra dans le but de documenter les chantiers auxquels il est associé.
Mais il faut attendre la retraite pour qu’il se décide à faire de la photographie son activité principale. Conseillé par son ami photographe Li Zhengde, il envisage désormais sa pratique comme un dépassement du document, une recherche de l’esthétique du mal.
La série « No place to place », débute en Janvier 2018. Avec l’aide d’amis contactés sur le réseau Wechat, il repère 45 cimetières de vélos et n’en retient qu’une vingtaine.
Mettant à profit ses connaissances techniques, il conçoit ses propres drones au service de son propos et qui font l’originalité d’une série vue plus de 300 millions de fois par les utilisateurs du réseau social, Sohu Portal Network of China.

Et vous trouverez ci-dessous une présentation de l’exposition :

La Chine est saisie d’une crise d’asthme. La pollution n’obscurcit pas seulement ses villes et son ciel, c’est tout le futur du pays qui s’assombrit. Un brouillard grisâtre et toxique de particules fines, le smog, recouvre les grandes villes. Ce pays, qui a oublié même le souvenir du ciel bleu, dans les rues encombrées de ses cités monstrueuses, où usines et voitures contaminent l’atmosphère, voit la mort lente s’insinuer dans les corps, dans le paysage, dans l’économie. L’espérance de vie diminue et on estime à un million de décès par an les conséquences d’une qualité de l’air dégradée.

Premier pollueur de la planète, premier émetteur de gaz à effet de serre, la Chine a décidé de limiter les effets de la pollution. Le pays redouble d’effort pour stopper la dégradation de l’environnement, conséquence de décennies de croissance. Les résultats sont réels et contradictoires. Entre 2013 et 2017, le taux de particules fines a baissé de 32 % mais une nouvelle pollution, la concentration d’ozone, s’avère particulièrement menaçante.
Face à ce problème de santé publique, les autorités ont depuis 2013 mis en place un plan d’action afin de réduire de 30 % les émissions des industries hautement polluantes.

Dans le domaine des transports, les grandes métropoles soutenues par le pouvoir central ont fait appel à des sociétés de partage de cycles pour limiter les émissions de CO2. En moins de deux ans plus de 70 sociétés spécialisées dans la mise à disposition de ce moyen de transport sont apparues. Ces compagnies ont investi plus de 10 milliards de dollars et ont installé 27 millions de vélos dans la majeure partie des grandes cités chinoises, chaque société se différenciant par une couleur de cycle différente. La première expérience de vélos partagés eut lieu à l’université de Pékin, en Mai 2015. Dès lors, il n’est pas une ville qui ne se soit saisie de cette opportunité. Mais à l’engouement réel des débuts fait place désormais une situation inattendue : les cimetières de deux-roues. Dans les faubourgs des métropoles ont surgi et se sont multipliées des lieux nouveaux, inconnus de l’histoire industrielle, des casses à vélos ! Des accumulations à l’échelle du pays où l’on voit se succéder à perte de vue des carcasses qui s’empilent, se chevauchant dans un alignement et un ordonnancement mortel. Des millions de ces vélos sont ainsi mis au rebut. Ce n’est pas seulement à la disparition d’objets à laquelle nous assistons, c’est à la fin d’une illusion régénératrice.

Paradoxe que ces images de la catastrophe, réalisées par Wu Goyong, entre mars et décembre 2018, dans une vingtaine de villes de Chine. Pour celui qui, à l’aide d’un drone, survole la ruine moderne, la photographie magnifie l’échec, quand l’erreur fait l’horreur. Images inversées du monde réel, les photographies agencées selon une symétrie parfaite sont empreintes d’une beauté profonde. Simulacre impressionniste grotesque, la lumière varie sur les « champs » de vélos. Ces accidents « heureux » façonnent des paysages colorés et chatoyants. Vision délicieuse du mélange des complémentaires et des contrastes.
Ce que le ciel ne donne plus, la véritable couleur de l’atmosphère, Wu Goyong l’a surprise dans les rebuts de notre monde « moderne ».

François Cheval, Juillet 2019

Les espions infiltrent la Cité des Sciences

« Cet automne, la fiction prend vie à la Cité des sciences et de l’industrie. Fermez les yeux et imaginez-vous, soudain, plongé au cœur du monde du renseignement contemporain. Dans la peau d’un officier traitant, vous allez être chargé d’une mission qui vous plongera dans une histoire d’espionnage inédite. Tout commence avec ce qui ressemble à un essai nucléaire de faible intensité à l’étranger. La suite est à vivre à la Cité des sciences et de l’industrie, dans une exposition originale. Pour la première fois, les services nationaux de renseignement, dont la discrétion est une seconde nature, ont accepté de prêter leur concours à une présentation de cette envergure ; grâce à eux, le parcours de visite est au plus près de la réalité que vivent celles et ceux qui exercent les métiers du renseignement d’aujourd’hui. » Bruno Maquart, président d’Universcience.

« Série réaliste, synthèse entre la fiction et la réalité, Le Bureau des Légendes est la fenêtre privilégiée sur les services de renseignements pour le grand public. Ce partenariat avec la Cité des sciences et de l’industrie pour imaginer un projet novateur et ludique est, pour les équipes de la série, un défi exaltant qui prolonge l’univers riche et complexe créé par Éric Rochant. » Alex Berger, producteur exécutif du Bureau des Légendes.

Cette nouvelle exposition temporaire offre une intrigue unique imaginée à partir d’une documentation passionnée et attentive sur l’espionnage qui en dévoile l’envers du décor. Civils ou militaires, tous travaillent pour l’un des six sigles (DGSE, DRSD, DRM, DGSI, DNRED et Tracfin) désignant les services du premier cercle du renseignement français qui ont pour mission principale d’éclairer les autorités, d’anticiper et de parer les menaces qui pèsent sur la sécurité nationale. Pas à pas, tel un agent secret, le visiteur recueille des informations en utilisant les différentes méthodes et outils des services de renseignement. Une expérience inédite faisant dialoguer réalité et fiction, co-produite par Universcience et TOE -The Oligarchs Edition

A la fin du 18è siècle, la prison devient le lieu d’application de peines jusqu’alors le plus souvent dévolues au bourreau. La détention apparaît plus humaine que l’exécution capitale ou les châtiments corporels fréquemment appliqués. Alliant isolement, contrainte des corps et soumission des esprits, la prison a alors pour mission de punir et d’exclure pour protéger la société. L’exposition s’attache à expliciter le paradoxe soulevé dès le siècle suivant : comment exclure tout en préparant le retour à la liberté ?

Une coproduction du musée des Confluences, du musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge de Genève et du Deutsche Hygiene Museum de Dresde

Après une introduction qui traite de la naissance de l’institution pénitentiaire en Europe, le visiteur découvre les règles régissant l’univers carcéral, les rapports de force qu’elles engendrent et leurs transgressions. Puis viennent les moyens déployés par les détenus pour survivre à l’enfermement par l’activité, la création, les liens avec l’extérieur. Des trafics aux mutineries, de l’évasion au suicide, les différentes expressions de la révolte en prison sont mises en lumière. Si l’enfermement est aujourd’hui une peine communément admise par l’opinion publique, ses alternatives visant à la réinsertion dans la société interrogent et ouvrent le débat.
Par les regards croisés des détenus, du personnel pénitentiaire et d’experts de la prison, l’exposition rassemble de nombreux témoignages. Sont également présentés des objets du quotidien, photographies et oeuvres d’art réalisés notamment par des détenus.
Dans sa version française, l’exposition au musée des Confluences ajoute à son parcours une forme théâtrale inédite, conçue par le Théâtre Nouvel Génération de Lyon (TNG). Par l’illusion de petits théâtres optiques, le visiteur vivra en 3 actes une expérience de détention où les frontières entre l’intérieur et l’extérieur deviennent floues.
Eclairages historique, philosophique, anthropologique, sociologique et artistique livrent une réalité complexe qui bouscule les stéréotypes et interroge le paradoxe de la prison : maintenir l’individu à l’écart de la société tout en le préparant à sa réinsertion.

Prix international décerné à une femme photographe, le Prix Virginia est remis tous les deux ans depuis 2012 à une photographe professionnelle, de toute nationalité, sans limite d’âge pour un travail photographique, hors commande presse et publicitaire, inédit en France.
Face à la crise sanitaire globale due au Covid19, le Prix Virginia décale la date de clôture des candidatures de deux mois.
La nouvelle date de rendu des dossiers est désormais fixée au 9 juillet 2020.

Le prix VIRGINIA
Le Prix Virginia est organisé par l’Association Sylvia S. Il récompense l’oeuvre d’une femme photographe.

Il est décerné conformément au règlement suivant :

Le Prix Virginia, remis tous les deux ans, s’adresse à toute femme photographe professionnelle, de toute nationalité, vivante, sans limite d’âge. Ne sont pas concernées les photographies pour la presse et de commande publicitaire. Les photos soumises au Prix Virginia ne devront pas avoir fait l’objet d’une exposition en France. Toutefois l’artiste peut avoir déjà exposé d’autres travaux en France. Les demandes d’aide à la production de projets, de reportages ou d’expositions ne peuvent pas être examinées. L’inscription au Prix Virginia est gratuite.

Le Jury est composé de huit membres qui délibèrent et désignent la lauréate. Il est constitué de personnalités du monde artistique et est renouvelé tous les deux ans, à l’exception de la Présidente
Le Jury recevra les candidatures libres ainsi que celles envoyées par l’intermédiaire d’experts internationaux (rédacteurs photos, agents de photographes, critiques, galeristes, etc…). Les délibérations du Jury sont secrètes; elles ne font pas l’objet d’une communication officielle. La Présidente du Jury du Prix Virginia organise et conduit les débats, elle dispose d’une voix prépondérante. Le Jury est souverain pour trancher les cas non prévus au présent règlement et dans le cas où aucun dossier ne lui paraîtrait correspondre aux critères exigés, il se réserve le droit de ne pas attribuer le Prix.
Le jury désignera une lauréate ainsi qu’une sélection de 10 photographes qui seront mises en avant à travers une newsletter, sur le site du prix, et sur les réseaux sociaux.

À l’exception de la lauréate, il est possible qu’une même candidate se présente plusieurs fois au Prix Virginia.

Dotations
– 10 000 € par l’Association Sylvia S pour la lauréate.
– Carte blanche pour la publication d’un Portrait de Ville aux éditions Be-Pôles à la lauréate ou l’une des 10 sélectionnées
– Publication d’un livret des photographies de la lauréate et des 10 premières sélectionnées aux Éditions Filigranes
– Remise du Prix Virginia à la fondation Cartier, Paris, en novembre 2020, en présence de la lauréate, du Jury, et de la presse.
Tout matériel informatif et promotionnel, lors de ces expositions et publications, devra mentionner : « © Prix Virginia 2020 »

http://www.prixvirginia.com/

Photo : Three Boys, 2016 – You an Orchestra You a Bomb © Cig Harvey

Studio Harcourt présente l’exposition In/Out, et met sous les projecteurs une soixantaine de photographies singulières entre studio, lieux insolites et collaborations inattendues.
Depuis 85 ans la séance photo est rythmée par le même rituel : Silence sur le plateau, et c’est la voix du photographe qui entre en scène pour guider son modèle. Le portrait signé « Harcourt Paris » est intimement lié au studio, univers calfeutré où la lumière est l’apanage du photographe.
Qu’en est-il du savoir-faire unique de Studio Harcourt au-delà des portes du 6 rue de Lota ?
Même si la photographie en lumière continue se pratique principalement en studio, elle n’empêche pas d’en sortir.
Dès 1930 Studio Harcourt se rend dans les théâtres et salles de spectacles afin de photographier les artistes sur scène, expérience renouvelée en 2018 au Théâtre des Champs Élysées.
Hors les murs la photographie trouve un autre moyen de s’exprimer sans rien enlever à sa technique héritée du cinéma noir et blanc. Si en studio il est souvent impossible de dater ni même d’identifier la fonction du modèle, l’isolation du sujet de son contexte ne s’applique pas à l’intégralité des portraits Studio Harcourt.
Au-delà des salles de spectacle la photographie se réinvente au travers d’autres formes artistiques comme le (P)Harcourt artistique proposé en 2018 dans le cadre de l’été du Canal. Un dialogue entre les arts où le caractère éphémère d’oeuvres street-art rencontre l’éternité du portrait photographique.
L’exposition s’organise autour de trois thématiques : Au théâtre, Studio Harcourt In Situ et Studio Harcourt un art de rue ? In/Out propose au visiteur de découvrir une autre facette du savoir-faire Studio Harcourt. A travers des icônes populaires comme Johnny Halliday, Raphaël Varane et des personnages atypiques comme le couple Guerlain, le duo Die Antwoord, Studio Harcourt s’affirme encore et toujours comme précuseur et acteur d’une photographie en mouvement.

Photo : César sculpteur, 2005 © Studio Harcourt Paris | César par Joachim Romain, (P)Harcourt artistique du Canal de l’Ourcq, 2018 ©Studio Harcourt Paris

Marine Lanier développe une pratique photographique qui s’enracine dans la fable documentaire, déployant un univers visuel poétique qui mêle récits intimes
et mythologies collectives. Son exposition L’île fauve présente deux séries récentes, amples et qui se font écho : Le Soleil des loups (2018) et Le Capitaine de vaisseau (2014 – en cours).

Tout le monde sait que le bateau fuit
Tout le monde sait que le capitaine a menti
Everybody knows, Leonard Cohen

La maison éclate de lumière au milieu de la végétation. Elle est l’île fauve, le rocher vers lequel nous accostons tous les soirs. Le serpent est la frontière entre le monde des habitants, celui des villageois, des errants, des étrangers. Je garde de ce passé un mélange de géographie, de terres inexplorées, de franges noires et vertes, de navires qui accostent la nuit. Les tapisseries de l’étage sont gorgées d’eau. Mes yeux s’affolent au milieu du grand feuillage. Je ne trouve pas de sens à ce dessin. Je suis à l’intérieur d’un labyrinthe fait de branches, de lianes, de tunnels qui s’enfoncent dans la jungle. De grandes fresques habitent les murs — des photographies de bateau, de tempête, de naufrage, d’archipel, de palmiers. Des plantes que je n’ai jamais vues, vertes, jaunes, bleues s’entremêlent. Des bêtes se battent à l’intérieur de mon corps. J’entends les récits du Capitaine. J’ai le souvenir de soleils qui ne veulent pas s’éteindre — de l’océan. Quelque chose n’en finit pas de répéter le mouvement de l’onde.
L’île fauve se déplace sur un fleuve du sud, j’y retourne souvent, je revois en rêve les méandres du Mississipi — il y a l’ancienne pépinière où travaille mon père, sous les bâches, des plantes rouges, oranges, brulées, ramenées de l’ancienne Indochine, eldorado de mon enfance, traversé de faste et de déclin, de cercles et de chutes.
L’île fauve est habitée par deux frères. Ils vivent au-dessus du volcan. Ils descendent dans le feu. Ce sont les gardiens du sanctuaire. Ils se baignent dans les cavités. Ils consument leur regard aux météores. Ils escaladent le relief inversé. Ils dorment dans l’herbe des cratères. Ils s’abritent dans les grottes. La rivière est cachée sous les arbres. Ils grandissent sur le plateau de l’éclipse. Ils pêchent. Ils chassent. Ils creusent les chemins. Ils construisent des cabanes. Ils vivent au creux des observatoires. Ils capturent les salamandres. Le territoire leur appartient.
La lande est habitée par leur clan. Ils disparaissent dans les fougères, se cachent sous la lune – inventent des totems, recouvrent leur visage de suie – s’affrontent en duel. Les faux jumeaux meurent dans le soleil. Ils restent prisonniers au milieu des clairières. Ils accomplissent les rituels. Je connais leur royaume.
À la fonte des glaces, je déterre les racines sur l’île fauve. Je monte dans le canoë jaune. Je pagaie autour de la maison. Je m’étourdis dans le long serpent noir. Je longe les murs qui se fissurent. Je passe mes doigts dans les lézardes pour écarter les murs, découvrir d’autres pièces secrètes, d’autres escaliers qui descendent vers des plages noires recouvertes de pierres phosphorescentes qui mènent à la rivière. Je pagaie des heures, le dos droit, je vis parmi ces indiens d’Amérique qui connaissent par coeur les méandres, le réseau hydraulique tatoué sur leur dos — regardent les cartes comme des vaisseaux sanguins. Je vais jusqu’au rocher blanc, le plus haut point de la rivière. Je regarde l’ange noir plonger dans la nuit. Il connaît les algues qui se cachent sous la surface de l’eau. La lumière jaune des canoës apparait. Leur mouvement crée un sillage bleu dans l’eau noire. Une ombre un peu plus claire, moins dense que la nuit — long secret dans lequel je descends. Les lianes me frôlent. La nuit enveloppe mes mains — elle noue mes poignets au siens.
Marine Lanier

Née à Valence en 1981, Marine Lanier vit et travaille entre Crest et Lyon.
Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles en 2007, elle est représentée par la Galerie Jörg Brockmann à Genève. Elle expose
son travail en France et à l’étranger.
En 2019, elle est finaliste du « Prix de l’eau » de la Fondation François Schneidder (Watwiller). Elle est par ailleurs lauréate du Prix Unveil’d 2017 (Londres),
du Prix Fotofilmic 2016 (Vancouver), du Prix Arca Swiss 2007 (Genève) et du Prix Photographie Maison Blanche#3 dans le cadre de Marseille-Provence 2013.
Elle est sélectionnée pour les prix La Nuit de l’instant (Marseille), Les Boutographies (Montpellier), Descubrimientos, PHoto España (Madrid), Voies off (Arles), Encontros da imagem (Braga), First Book Award / Mack (Londres).
Elle a entre autres exposé à La Biennale de la Photographie de Mulhouse, au Chengdu Blueroof Art Museum (Chine), à la Samsøn Gallery (Boston), chez Théophile Paper’s (Bruxelles), la Galerie Mad, la galerie La Traverse, au Frac PACA (Marseille), à Itinéraires des photographes voyageurs (Bordeaux), au CAC Château des Adhémar (Montélimar), à la galerie Michèle Chomette (Paris), à l’Artothèque de Grenoble, durant le festival PhotoIreland (Dublin) et Jeune Création à la galerie Thaddaeus Ropac, à la Progress gallery (Paris), DNJ Gallery (Los Angeles, USA), Monash Gallery (Melbourne, Australie), Burrard Arts Foundation (Vancouver, Canada), Lux Scène Nationale (Valence), lors des 22ème Rencontres Photographiques en Pays de Lorient et à la galerie Jörg Brockmann (Genève).
En 2017, elle participe au projet AZIMUT du collectif Tendance floue, centré autour de la marche à travers le territoire français, prochainement édité aux éditions Textuel et qui sera présenté au Musée Nièpce de Châlons sur Saône et aux Photomnales de Beauvais.
Lauréate de la commande Flux, une société en mouvement, elle exposera également sa série Les Contrebandiers aux Photaumnales de Beauvais en septembre 2020 et intègre la collection du Centre national des arts plastiques (CNAP).
Sa dernière série, Le Soleil des loups, est exposée au Prix Voies Off (Arles), à l’Espace d’Art plastique de Vénissieux dans le cadre de Lyon Septembre de la photographie, à la foire d’Unseen (Amsterdam), à la Aff Gallery (Berlin), au 104 à Paris durant le Festival Circulations, à l’Hôtel Fontfreyde de Clermont-Ferrand, au Château d’Esquelbec à Lille, à la galerie Jörg Brockmann (Genève), durant le festival L’observatoire du grand est (Nancy).
Une monographie, Nos feux nous appartiennent, accompagnée par un texte de l’écrivain Emmanuelle Pagano, est publiée chez Poursuite (Arles-Paris) et éditions JB (Genève). Le Soleil des loups sera prochainement édité aux éditions Poursuite.

Autour de la thématique de l’arbre, deux surfaces parallèles se répondent.
Gilbert Bellan, artiste encouragé au siècle dernier par Clemenceau – il est de pire soutien – est exposé en très grands formats. Des dessins au fusain et pastel de chênes puissants et si français s’affichent et tiennent le mur.
S’y oppose une anthologie de l’arbre dans la photographie contemporaine qui couvre l’intégralité de la surface à la manière d’un cabinet de curiosité. La multiplicité des points de vue exposés renforce paradoxalement la solitude et l’unicité de chaque tirage.
La tentation anthropomorphe du dessin s’oppose au fait brut de la photographie. Arbre miroir de l’homme ou image du monde, tous les regards portés par les auteurs de cette exposition attestent de la façon singulière qu’a chacun d’eux à arpenter la terre.
Thomas Doubliez

Gilbert Bellan est tour à tour le peintre du traité de Versailles, des ruines de la Grande Guerre, de la Victoire (1918) ou de la Libération (1944). Il est un admirateur inconditionnel de Georges Clemenceau. De Paris aux côtes de Vendée, il accompagne le Tigre tout au long des dernières années d’une retraite heureuse. De sa maison sur la dune, Clemenceau lui commande un « chêne vert titanesque » auquel il s’identifie. L’Ancêtre c’est lui.
Extrait du livre Gilbert Bellan – le peintre de Clemenceau, éditions du CVRH, 2019.

Avec les œuvres de :
Rémy Artiges
Shiraz Bazin
Jean-Christophe Béchet
Denis Brihat
Henry Bellan
Gregor Beltzig
Édouard Boubat
Richard Caillot
Jérôme Combe
Vincenzo Cottinelli
Damien Daufresne
Patrick Deby
Bernard Descamps
Jean-Michel Fauquet
Dorian François
Philippe Grunchec
Arja Hyytiäinen
Nicolai Howalt
Claude Iverné
Bogdan Konopka
Ingar Krauss
Olivier Marchesi
Veronica Mecchia
Sarah Moon
Marc Riboud
Pentti Sammallahti
Sylvie Valem
Vanessa Winship
Masao Yamamoto

Né en 1933 et décédé en 2014 à Zurich (Suisse), René Burri a été, tout le long de sa vie, aux avant-postes de l’histoire mondiale. Rejoignant Magnum Photos en 1955, il en est devenu membre en 1959. Au fil de presque soixante ans de carrière, il a parcouru l’Europe, le Moyen-Orient, l’Amérique du Nord, Centrale et du Sud, le Japon, la Chine, et a rendu compte avec lucidité et acuité de la plupart des événements marquants de la seconde moitié du XXe siècle. De nombreuses personnalités sont également passées devant son objectif : Picasso, Giacometti, Klein, Tinguely, Le Corbusier, Niemeyer, Barragan… Il a réalisé, en 1963, son célèbre portrait du « Che au cigare » qui le fera connaître auprès de tous les publics.

Sous le commissariat de Marc Donnadieu et Mélanie Bétrisey, le Musée de l’Elysée propose, de janvier à mai 2020, une nouvelle rétrospective sur l’ensemble de son œuvre intitulée « René Burri, l’explosion du regard ». Les liens entre le photographe et le musée sont solides et ancrés dans l’histoire de l’institution. En 1985, à l’ouverture du Musée de l’Elysée en tant que « musée pour la photographie », René Burri est présent par amitié pour Charles-Henri Favrod. Deux ans plus tard, son projet sur la conquête spatiale aux États-Unis, intitulé « Les Ruines du futur » y est présenté. En 2004, le Musée co-organise l’exposition « René Burri – Rétrospective 1950-2000 ». En 2013 enfin, René Burri, soucieux de préserver ses archives, décide de créer une Fondation à son nom et choisit le Musée de l’Elysée pour l’abriter.

Résultat d’un travail assidu de recherches et d’études mené depuis 2013 par les équipes du Musée de l’Elysée sur l’ensemble du fonds René Burri, dans les archives familiales ou les archives de Magnum Photos à Paris et à New York, cette nouvelle exposition a comme ambition de porter un regard nouveau sur l’ensemble des multiples activités créatrices de René Burri au fil du temps. Elle révèle ainsi la part la plus intime et secrète de l’un des plus grands photoreporters de notre temps à travers des documents pour la plupart inédits : planches contact, tirages d’études, films, maquettes de livres, projets d’exposition, carnets, collages, aquarelles, dessins…

A partir d’une longue « Ligne de vie » chronologique qui parcourt les neuf salles des deux niveaux d’exposition du Musée de l’Elysée, ce projet développe douze « Focus » qui, à tour de rôle, mettent en lumière un élément déterminant du processus créatif de René Burri au sens le plus large du terme : Cinéma ; Structures ; Moi et les autres ; Che ; China ; Télévision ; Magnum ; Book ; One World ; Couleur ; Collages ; Dessins. René Burri s’y révèle moderne et inventif, engagé et facétieux, curieux et généreux, rassembleur et passeur, rebelle et poète, passionné et passionnant, et particulièrement explosif !
Commissaires
Marc Donnadieu, conservateur en chef, et Mélanie Bétrisey, responsable du Fonds René Burri, conservatrice assistante, département des collection, Musée de l’Elysée, assistés de Jessica Mondego.

René Burri, Xerox, Los Angeles, États-Unis, 1971 © René Burri/Magnum Photos. Fondation René Burri courtesy Musée de l’Elysée, Lausanne

La Galerie Agathe Gaillard présente la seconde partie de l’exposition « Féminin » avec 3 Femmes photographes : Martine Barrat, Maya Mercer et Fiona Mackay.

L’Open Call InCadaqués 2020 est un concours organisé dans le cadre du Festival de photographie InCadaqués, qui se déroulera du 24 septembre au 4 octobre 2020 à Cadaqués en Espagne.

Le concours est ouvert du 15 janvier au 30 juin 2020.
L’annonce des lauréats aura lieu le 31 juillet 2020 par email.

15 projets seront sélectionnés par le Jury composé de professionnels du monde de la photographie.

* 1er Prix : exposition d’une série de 10 à 15 photos durant le Festival InCadaqués.
Les tirages, le logement durant le week-end d’ouverture du 24 au 27 septembre, ainsi que le transport depuis l’Europe est pris en charge par le Festival. Un pass VIP est offert.

* 14 finalistes : exposition d’une sélection de 3 images de chacun finalistes sera exposée durant le festival. Un pass VIP leur est offert.

Les tirages de l’exposition seront réalisés par le laboratoire Granon Digital, partenaire du Festival. L’espace d’exposition durant le Festival sera aussi dédié à la présentation des portfolios des photographes sélectionnées s’ils le souhaitent.

* Prix Coucours Instagram : en attendant la sélection finale des gagnants du concours par le Jury, une présélection des photographies « coup de cœur » seront publiées dans sur notre Instagram et réseaux sociaux du festival. Les 2 images ayant reçu le plus grand nombre de « like » seront publiée dans le catalogue InCadaqués 2020 en Risographie.

Lien vers site pour inscription :
http://www.incadaques.com/open-call-2020-fr

Lien vers site du Festival :
http://www.incadaques.com

Photo : © Céline Croze / Prix InCadaquès 2019

Willy Ronis, André Kertész, Robert Capa, Bruno Réquillart, Marcel Bovis, René Jacques, Fred Stein : autant d’artistes talentueux et internationalement reconnus qui, grâce à des partenariats prestigieux, ont pu être mis en lumière et présentés au public depuis 2009, d’abord au coeur du musée archéologique Eburomagus puis au sein de l’espace arts et cultures : les Essar[t]s !

Et 10 ans plus tard, la ville de Bram continue de tisser un lien intime avec les grands maîtres de la photographie “noir et blanc” en mettant en avant – du 01 février au 03 mai 2020, aux Essarts, espace arts et cultures – l’un des photographes français les plus célèbres du XXe siècle, dont les images sont entrées dans l’imaginaire collectif : Robert Doisneau.

L’appareil photo en bandoulière, ce témoin du quotidien à l’œil malicieux et à l’esprit poétique était toujours aux aguets de la surprise et de l’imprévu et savait saisir à la perfection la part d’ombre et de lumière dans chaque instant.

Surtout connu pour ses clichés d’un Paris pittoresque, saisissant l’image agréable et l’anecdote inattendue, comme le célèbre “Baiser de l’Hôtel de Ville”, Robert Doisneau a aussi consacré une grande partie de son œuvre à la condition sociale, au monde ouvrier et à la culture populaire.

Un milieu qu’il connaît bien pour avoir été photographe industriel aux usines Renault de Billancourt, de 1934 à 1939, avant d’être licencié pour retards abusifs. Plus tard, Doisneau fut plusieurs fois introduit secrètement par les militants syndicaux dans les usines et dans les mines pour photographier le quotidien des ouvriers puis fit la part belle au monde agricole qu’il eut l’occasion d’arpenter pendant les années 50 et 60.

Loin de l’image parfois réductrice d’un Doisneau qualifié de “chantre des faubourgs, du milieu mondain et du Paris de carte postale”, cette exposition inédite réunissant plus de 100 tirages révèle donc – à travers une sélection de clichés populaires et d’images moins célèbres mais tout aussi saisissantes – toute la complexité de son art et présente le jeu subtil, mêlant artifice et saisie sur le vif, d’un artiste iconique, dont le regard empathique réinventa le monde.

« Comme tous les familiers de la rue, Doisneau a su fixer cette gravité rayonnante qui isole un être humain de la foule, ces moments de grâce qui rassemblent des passants dans “l’illusion d’un instant” comme dans une géométrie de rêve ». Jean-François Chevrier

L’exposition est ouverte au public du 01 février et 03 mai 2020.

Du mercredi au dimanche, de 14h à 18h
Aux Essarts, espace arts et cultures de Bram
Parc des Essars, Avenue Georges Clémenceau, 11150 Bram
Tel : 0468244066 | E-mail : culture@villedebram.Fr
Entrée gratuite pour les bramais | 4€ pour les extérieurs

Intelligence Humaine, Artificielle, Transhumanisme, Robotique ; face à ces nouvelles technologies annoncées et fantasmées ; quels virages vont prendre nos sociétés ? Serons-nous capables de faire la distinction entre les humains, les humains augmentés et les robots ?
Dans cette série, Nicolas Bigot « se projette dans l’intimité d’une vie quotidienne ancrée dans un monde où la frontière entre l’humain et la machine est floue ».

L’exposition Mondo DERNIER CRI envahit les plateaux du MIAM (Musée International des Arts Modestes) du 8 février au 20 septembre 2020 avec une rétrospective sur 26 ans d’édition du Dernier Cri (plus de 400 livres, 200 estampes en sérigraphies, 5 films d’animations…), le tout augmenté d’un panorama subjectif sur certains acteurs internationaux (ateliers, artistes) croisés par Le Dernier Cri durant toute son aventure éditoriale et sérigraphique .

La technique de la sérigraphie, plat principal de l’exposition, permet la reproduction d’images via la superposition successive de couches de couleurs sur une feuille à l’aide d’écrans de soie et de films exposés à la lumière. Elle laisse libre court à des œuvres à la fois spontanées et sérielles, conservant une qualité artisanale avec une force primordiale donnée au travail de la couleur.

En sollicitant des artistes de tous les pays, l’exposition défend la propagation d’ouvrages artisanaux à contenu graphique : l’image y a une place prépondérante, réalisée de a à z, de manière souvent collégiale. D’autre part, ces « undergraphistes » sont généralement en marge du marché de l’art et de la grande distribution éditoriale.

A travers ces procédés de reproduction les personnalités se rencontrent par le biais de festivals et autres lieux d’échange.

Commissaire : Pakito Bolino – Co-créateur de l’association Le Dernier Cri.

Le Dernier Cri
Basé depuis 1995 à la Friche de la Belle de Mai, Le Dernier Cri est un collectif d’auteurs né du mouvement « undergraphique » (édition graphique alternative autoproduite/ mouvement international).

Le Dernier Cri s’attache depuis 25 ans à promouvoir les travaux d’auteurs évoluant à la fois en marge de l’industrie du livre, de l’art contemporain, et à la frontière de l’art brut et de l’art singulier. Tout en étant solidement ancré dans ce qui constitue sa singularité éditoriale (édition d’art artisanale, réalisée en sérigraphie, expertise dans la gestion expérimentale de la couleur), le catalogue du Dernier Cri s’ouvre à des modes narratifs toujours renouvelés et novateurs.

Ce mélange des styles fait du Dernier Cri le véritable laboratoire d’une édition inventive, toujours grinçante et singulière, en prise avec les préoccupations sociétales (hybridation des cultures internationales, mutation de la culture de masse, omniprésence des images).

Heures d’ouvertures
– du 1er octobre au 31 mars : du mardi au dimanche de 09h30 à 12h00 et de 14h00 à 18h00.
– du 1er avril au 30 septembre : tous les jours de 09h30 à 19h00
Visites guidées du lundi au vendredi à 14h30 et 16h
Fermetures annuelles : 1er mai, 1er novembre, 25 décembre et 1er janvier

Tarifs
– Adultes : 5,60 euros
– Groupes de plus de 10 personnes : 3, 60 euros
– Etudiants, 10-18 ans : 2,60 euros

Gratuit pour les moins de 10 ans, demandeurs d’emploi, groupes scolaires sétois, et le premier dimanche du mois

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

L’art et l’économie entretiennent, depuis la plus haute Antiquité, des relations complexes et décisives. Mais l’enjeu auquel nous sommes confrontés depuis plus d’un siècle est bien plus vaste que celui du seul marché de l’art : il y va, ni plus ni moins, de la marchandisation du visible en général.

Les photographies, dessins, peintures, vidéos, films, œuvres numériques et installations multimédia choisies pour cette exposition explorent les matières premières qui composent les images, les immenses stocks ou banques dans lesquels elles s’accumulent, le travail humain (ou non humain) qui participe à leur création ainsi que la fluctuation de leurs valeurs au cours de leur circulation globalisée.
L’exposition propose des points de vue critiques et des perspectives inattendues sur la fabrique de ce grand marché des images qui structure notre regard.

Nous habitons un monde de plus en plus saturé d’images. Leur nombre connaît une croissance tellement exponentielle — sur les réseaux sociaux, les écrans en tout genre — que l’espace dans lequel nous vivons déborde littéralement d’images, comme s’il n’était plus possible de les contenir, comme s’il n’y avait plus d’interstices entre elles. On s’approcherait ainsi de la limite que Walter Benjamin, en 1929 déjà, décrivait comme « un espace chargé à cent pour cent d’images ».

Face à un tel trop-plein, face à une telle surproduction d’images, se pose plus que jamais la question de leur stockage, de leur gestion, de leur circulation et de leur transport (fût-il électronique), de leur poids, de la fluidité ou de la viscosité de leurs échanges, de leurs valeurs fluctuantes — bref, la question de leur économie. Dans l’ouvrage qui a servi de point de départ au projet de cette exposition (Le Supermarché du visible, paru aux Éditions de Minuit en 2017), Peter Szendy propose de donner à la dimension économique de la vie des images le nom d’iconomie.

Les œuvres et les artistes choisis pour accompagner le visiteur dans son parcours posent un regard incisif et vigilant sur ces enjeux. D’une part, elles réfléchissent les bouleversements qui affectent aujourd’hui l’économie en général, qu’il s’agisse de stocks aux dimensions inouïes, de matières premières raréfiées, du travail et de ses mutations vers des formes immatérielles ou encore de la valeur et de ses nouvelles expressions, notamment sous forme de cryptomonnaies. Mais aussi, d’autre part, elles interrogent chaque fois le devenir des images et des visibilités à l’ère de leur iconomie globalisée.

Dans le supermarché qui s’expose ici, en somme, les images de l’économie parlent chaque fois de l’économie de l’image. Et vice-versa, comme si elles formaient un recto-verso.

Commissaire général : Peter Szendy
Commissaires associés : Emmanuel Alloa et Marta Ponsa

Exposition produite par le Jeu de Paume, Paris

La photographie argentique fait preuve de résilience. De plus en plus de photographes s’y intéressent à nouveau ou la découvrent. Jean-Claude Péclet la pratique depuis toujours. Le journaliste vaudois, ex-rédacteur en chef de l’Hebdo, lauréat d’un prix Jean Dumur en 2007, se consacre désormais pleinement à sa passion. Avec un vénérable Rolleiflex de 1938 chargé de pellicules noir et blanc, il prend le portrait de jeunes gens animés de passions et du sens du collectif. Des jeunesses paysannes, des activistes du climat, des sportifs urbains ou olympiques, des mordus de jeux vidéo. Cette génération Z est souvent interloquée par l’appareil du baby boomer, un étrange boîtier qui se tient sur le ventre, tête baissée vers la visée. La quarantaine de portraits de l’exposition est complétée par une histoire du Rolleiflex, dont la société-mère – Rollei – a été fondée il y a un siècle en Allemagne.

Le musée de la Vie romantique présente une sélection inattendue de 40 œuvres de trente artistes contemporains autour de la représentation du cœur comme expression du sentiment amoureux, en écho à l’une des thématiques phares du romantisme.
Cette exposition souhaite ouvrir la programmation du musée au-delà du XIXe siècle en explorant les prolongements du romantisme dans l’art contemporain, en résonance avec ses collections. À la manière des écrivains et peintres romantiques qui inscrivaient les passions au cœur de leur création, l’exposition invite à une découverte esthétique du cœur et de sa représentation.
Le cœur en tant qu’organe, motif et symbole est présenté ici à travers différentes techniques : peinture, dessin, sculpture, céramique, néon et photographie. Certains artistes évoquent leurs sentiments et leurs tourments intérieurs en harmonie avec le romantisme du XIXe siècle. D’autres reprennent le motif en tant que forme esthétique et invitent à des pensées humanistes en ouvrant des horizons de sensibilité vers le rêve, l’idéal et le sublime. Outre les gures emblématiques de Niki de Saint Phalle,
Jim Dine, Annette Messager, Sophie Calle, Pierre et Gilles, Jean-Michel Othoniel et Françoise Pétrovitch, le visiteur pourra découvrir dans cette présentation une vingtaine d’autres artistes.
Le parcours se décline en sept sections autour d’un récit sur l’amour et se poursuit dans l’ensemble du musée et du jardin, invitant le visiteur à revoir de façon sensible et poétique les collections permanentes. Le principe de la déambulation permet de faire ressentir au public les multiples nuances du sentiment amoureux en évoquant les grands thèmes de la séduction, du coup de foudre, de la déclaration d’amour, de l’érotisme, de la rupture, du deuil et de l’amour éternel. Des miniatures, dessins et objets précieux, aux côtés de formats plus spectaculaires, mêlant une approche naturaliste à une vision idéaliste, illustrent ce motif populaire, son sens symbolique et ses appropriations esthétiques dans l’art d’aujourd’hui.
Cette exposition ouvrira pour la Saint-Valentin, lors d’une journée exceptionnelle gratuite destinée à tous les amoureux de l’art, de la musique et de la poésie. Une riche programmation culturelle, des animations et des dispositifs de médiation comme un photomaton, un parcours de visite pour les enfants, un mur à messages d’amour, une carte du cœur ainsi que des visites guidées et des ateliers, feront battre le cœur du public au musée de la Vie romantique.

COMMISSARIAT
Gaëlle Rio, directrice, musée de la Vie romantique
Maribel Nadal Jové, curatrice invitée

ARTISTES PRÉSENTÉS
Martine Aballéa, Pilar Albarracín, John M. Armleder, Gilles Barbier, Ronda Bautista, Sophie Calle, Hsia-Fei Chang, Delphine Coindet, Jim Dine, Jacques Halbert, Oda Jaune, Ouka Leele, Philippe Mayaux, Annette Messager, Marc Molk, Mrzyk & Moriceau, Claude Nori, Vincent Olinet, Jorge Orta, Jean-Michel Othoniel, Javier Perez, Françoise Pétrovitch, Pierre et Gilles, Sarah Pucci, Agatha Ruiz de la Prada, Niki de Saint Phalle, Ida Tursic et Wilfried Mille, Luise Unger, Winshluss.

photo : Pierre et Gilles, 40 ans – Autoportrait, 2016. Photographie imprimée par jet d’encre sur toile et peinte, 123,5 x 102 cm. Pièce unique.

Les vitrines de la rue de la République s’ouvrent à la photographie !

Dans la lignée de l’installation « l’Art en passant » (réalisé par le musée Regard de Provence) « la Photographie en passant » propose de tisser des liens entre le grand public et la photographie contemporaine pratiquée à Marseille et dans le département des Bouches-du-Rhône.
5 artistes contemporains, qui inventent des univers particuliers vont transcender le rapport au quotidien et ainsi que la perception de l’espace urbain.
Il s’agit aussi de valoriser et présenter des actions faites pour les jeunes publics que ce soit à Marseille ou au sein de la métropole. Ces actions s’inscrivent dans une logique de partage, d’éducation aux images, et de valorisation des actions menées à travers tout le département.
Chaque artiste présente une série spécifique de son travail qui s’inscrira parfaitement dans le contexte particulier des vitrines de la rue de la République. Ainsi Olivier Rebufa pourra reconstituer son univers de prise de vue en studio, Hélène David nous faire appréhender son rapport au vivant, David Giancatarina présenter sa recherche sur la fixité et le mouvement dans ses natures mortes, Aurore Valade inscrire ses variations poétiques – et politiques- sur le vent et enfin Amaral et Barthes revisiter l’histoire de l’art de manière iconoclaste.

Avec : Amaral et Barthes / Hélène David / David Giancatarina / Olivier Rebufa / Aurore Valade

A voir du mois de février au mois de juin 2020 à l’angle de la rue de la république et de la rue de la Joliette, à deux pas du Centre Photographique !
Réalisé grâce au soutien du département des Bouches-du-Rhône

Photo : L’Envol en chantier, 2014. Aurore Valade

Le contexte
S’inspirant d’une série de photographies réalisée par Corinne Mercadier en 2019 dans une réserve de la commanderie Sainte-Luce et puisant son inspiration dans l’esthétique et l’esprit des cabinets de « curiosités », le nouvel accrochage des collections du musée Réattu érige la figure de Pandore en allégorie d’une mission fondamentale pour une institution labellisée « Musées de France » : le récolement.

Peu connu du grand public, le récolement est pourtant un exercice passionnant, qui consiste à vérifier la présence et l’appartenance légale de tout objet constituant une collection muséale. S’il est l’occasion de s’immerger en profondeur dans le corps des collections, il ouvre aussi, souvent, sur un abîme vertigineux d’inconnu et de recherche. Lorsqu’un fonds atteint, comme celui du Réattu, plusieurs milliers d’objets, le conservateur ne sait en effet pas toujours ce qui l’attend lorsqu’il pousse la porte d’une réserve, qu’il rouvre un grenier, une boîte ou une armoire ancienne mise de côté depuis des années… Et il ne sait pas toujours vers quelles histoires les objets vont le mener.

Parfois, ce sont les artistes invités par le musée qui ont joué les éclaireurs. Explorant les lieux les plus improbables, ils ont incité les conservateurs à s’interroger et à se renseigner sur des patrimoines moins connus ou d’un intérêt a priori secondaire pour la recherche. Ils ont aussi fixé sur pellicule des objets aujourd’hui disparus, doublant l’intérêt artistique de leurs œuvres d’une valeur mémorielle inestimable.

L’exposition
Cette exposition nous invite donc à suivre Pandore – dont la curiosité proverbiale, souvent prise en mal, est ici réhabilitée –, à ouvrir des chapitres peu connus de l’histoire d’Arles et du musée et a découvrir sous un nouveau jour des collections que l’on pensait connaître.

La présentation décline différents univers : « le cabinet de Pandore » évoque les réserves du musée, le mystère que recèlent certains objets ; « le cabinet des moulages » rappelle le temps des écoles de dessin d’Arles, dont la première fut créée par Jacques Réattu ; « le grand cabinet » et le « cabinet minéralogique » exposent, entre naturalia et artificialia, les vestiges du muséum d’histoire naturelle et de l’ancien hôpital d’Arles ; « le cabinet des archives » révèle les trésors de la bibliothèque du musée ; « le cabinet graphique » et « la chambre photographique » révèlent des pépites méconnues de ces riches collections ; enfin « le trésor », dans la chapelle Saint-Jean, évoque le passé des églises et chapelles arlésiennes.

Ces objets insolites – animaux naturalisés, moulages de plâtre anciens, objets liturgiques etc. – dont le musée s’est retrouvé dépositaire au cours de son histoire, sont mis en regard d’œuvres contemporaines issues des collections ou empruntées pour l’occasion, qui invitent toutes à s’interroger sur le devenir de ces précieux patrimoines.

Les artistes exposés:
Les artistes exposés: Mark Alsterlind / Dieter Appelt / Patrick Bailly-Maître-Grand / Guillaume Barrême de Châteaufort / Charles Antoine Baron / Antonio Beato / Roger Bezombes / Werner Bischof / Pierre Buraglio / François Burgun / Pol Bury / Francisco Cano y Guerra / Armand-Charles Caraffe / Lucien Clergue / Jean Cocteau / Jean-Antoine Constantin / Meiffren Conte / Richard Cosway / Antoine Coypel / Claude Mathieu Delagardette / Bernard Descamps / Guillaume-Marius Dieudonné / Robert Doisneau / Albrecht Dürer / Véronique Ellena / Joseph Felon / Claude-André Férigoule / Charles Fréger / Daniel & Geo Fuchs / Matthieu Gafsou / Marc Garanger / Brigitte Garcia / Paul Gauguin / Patricia de Gorostarzu / François-Marius Granet / François de Hérain / Suzanne Hetzel / Katerina Jebb / Mimmo Jodice / Simon Julien / François Kollar / Bogdan Konopka / Christian Lacroix / Alfred Latour / Claude Mellan / Marino Marini / Corinne Mercadier / Tomas Monserrat / Pierre Parrocel / Pablo Picasso / Jean Baptiste Marie Pierre / Bernard Plossu / Mario Prassinos / Antoine Raspal / Jacques Réattu / René-Jacques / René Richard-Gall / Dominique Roman / Henri-Émilien Rousseau / Xavier Sigalon / John Stewart / Yves Trémorin / Jerry Uelsmann / André Villers / Vincent Voillat / Ossip Zadkine / Ton Zwerver

Commissariat:
Andy Neyrotti.
Responsable du pôle étude, conservation et diffusion des collections du musée Réattu.

Photo : Corinne Mercadier, Pandora, série de vive mémoire 2019 © Courtesy Galerie les Filles du Calvaire / Fondation des Treilles

Studio du portraitiste néerlandais Koos Breukel, Amsterdam. À l’intérieur, un mur sur lequel se pressent les uns contre les autres sans hiérarchie de taille ni de support, sans chronologie, une petite foule de tirages. Le regard s’y promène, passe d’une photographie en pied et en couleur du couple royal à un nu allongé de femme en noir et blanc, remonte vers un buste du photographe Robert Frank, et puis là, dans le coin, retrouve un visage déjà croisé plusieurs fois sur ce mur, à divers endroits et âges, son fils peut-être.

Les visages connus saisissent, les inconnus tout autant. Nu ou vêtu, l’individu est photographié dans son « simple appareil », dans le studio, sans accessoire, sur un fond monochrome empruntant parfois à la palette de la tradition classique, plus ponctuellement dans un extérieur, où rien n’aura été arrangé pour la flatterie. Les êtres tels qu’ils apparaissent, leur mystère sur le visage, face au photographe.

L’exposition Fils dévoile un opus mené au long cours par Koos Breukel (1962) et consacré à Casper, son fils, de sa naissance en 2000 à ses dix-huit ans. Mêlant différents registres de photographies, de l’instantané qui rappelle l’album de famille au portrait posé, de la planche contact au tirage monumental, l’exposition montre autant le cheminement d’un photographe que celui d’un père, observant par l’image l’altérité irréductible qui se joue devant lui. Avec Fils, l’homme continue de scruter avec acuité et sans complaisance ce qui l’occupe depuis qu’il est photographe : les cycles de la vie et son corollaire, le passage du temps.

L’exposition a été permise grâce au studio Koos Breukel, au musée de la photographie Huis Marseille, Amsterdam et au soutien du Fonds Mondriaan.

Photo : © Koos Breukel, Casper, Amsterdam, 2015.

Dimensions of Reality: Female Minimal rassemble quatorze femmes artistes pionnières d’Europe et d’Amérique qui ont chacune contribué de manière singulière et intransigeante, à élargir la portée de l’esthétique minimale au-delà du strict champ de l’art minimal. À travers une vaste sélection de sculptures, d’installations, de peintures et d’œuvres sur papier datant des années 1920 au début des années 1980, cette exposition explore de nouvelles perspectives et généalogies dans l’histoire de l’abstraction géométrique, soulignant les relations complexes et souvent subtiles à l’oeuvre entre formalisme et politiques identitaires.

Les artistes exposées ont joué un rôle primordial au sein de groupes ayant défini l’esprit de leur temps tels que le groupe des artistes concrets zurichois, Abstraction-Création à Paris et Los Diez Pintores Concretos à Cuba, et ont cofondé certaines des plateformes artistiques les plus expérimentales de leur temps, comme la galerie A.I.R à New York et la Biennale des Formes Spatiales en Pologne. Toutefois, leur rôle crucial a souvent été négligé et leur contribution à l’histoire de l’art n’a été reconnu que récemment.

« Photographier la nuit implique l’usage de la pause longue, et l’une des particularités de la pause longue c’est d’ajouter du temps à la mesure de la lumière. » Marie Bovo

C’est bien souvent à la tombée du jour que Marie Bovo est tentée de retenir le temps. Non seulement à cause de la pause très longue que la technique photographique choisie lui impose – grand format, argentique, lumière naturelle – mais aussi pour voir lentement se dérouler ce passage des heures en des espaces intermédiaires dépeuplés mais habités. L’exposition Nocturnes à la Fondation HCB présente une sélection inédite d’images prises par Marie Bovo entre chien et loup, à Marseille et en Afrique.

Cette approche du temps, illustrée aussi bien par la photographie que par le film, est fondée sur l’observation tranquille et concernée, la politesse du regard, l’appropriation d’un dedans imaginaire par le dehors. Marie Bovo passe ainsi avec bonheur de la photographie à l’image en mouvement et ses images, présentées systématiquement en série pour insister sur le passage du temps, se situent à la limite du cinéma. La qualité visuelle et la plastique très contrôlée de ses œuvres ne laissent pas soupçonner de prime abord l’esprit quasi humaniste qui les sous-tend.

La frontière de l’intime sans invasion, les habitants, la nuit, sont choses communes chez Marie Bovo qui entend par là résister à l’agression de l’objectif chasseur et se couler en rythme dans le flux de la vie, en toute discrétion.

L’exposition à la Fondation HCB présente 35 tirages de grand format de 5 séries différentes ainsi que 2 films.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique
L’exposition est réalisée en collaboration avec la galerie kamel mennour et accompagnée de la publication d’un ouvrage.

Biographie
Née en 1967 à Alicante en Espagne, Marie Bovo vit et travaille à Marseille. Elle est représentée par la galerie kamel mennour à Paris. Marie Bovo fut nominée aux Infinity Awards par l’International Center of Photography à New York en 2016.

Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles en France, notamment aux Rencontres d’Arles, à la galerie kamel mennour à Paris, à la Maison Européenne de la Photographie, au FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur à Marseille et à la Fondation Fernet-Branca à Saint-Louis. Des expositions lui ont également été consacrées à l’étranger – à l’OSL Contemporary Gallery en Norvège, au California Museum of Photography et au Moscow Museum of Modern Art. Ces expositions ont donné lieu à plusieurs ouvrages.

Ses œuvres ont également été présentées lors d’expositions collectives, notamment à la Biennale de Venise en 2011, la Busan Biennale en Corée du Sud en 2012, la Biennale d’Art Contemporain de Thessalonique en 2013 et la Triennale de Milan en 2014. Récemment, elle a participé la 29ème édition du Roesler Hotel à Sao Paulo en 2019.

Photo : Alger 22h05, le 9 novembre 2013 © Marie Bovo, Courtesy the artist and kamel mennour, Paris/London

« Le portrait, c’est toujours une nouvelle rencontre. Avant la prise de vue, j’ai le trac, puis peu à peu les langues se délient. Ce que je cherche à capter c’est la lumière dans l’œil, les gestes, un moment d’écoute ou de concentration – lorsque précisément le modèle ne parle pas. » Martine Franck

La Fondation HCB consacre une exposition aux portraits de Martine Franck (1938-2012) dans la galerie dédiée à ses Collections.

Pour celle qui croyait par-dessus tout à la bienveillance, le portrait se caractérise surtout par un regard direct, l’empathie pour la personne ainsi qu’une admiration sincère. Rien n’est plus étranger à Martine Franck que l’artifice de la pose. Son « regard amical », ainsi qualifié par Robert Doisneau, a su se poser sans détours sur nombre de ses semblables.

Photographe engagée, elle souhaite voir la réalité en face, celle de l’âge, celle des exclus, celle des artistes, et mettre en lumière un moment d’échange subtil : les portraits de Martine Franck lui ressemblent. Ces quelques « face à face » s’inscrivent sobrement dans le temps et distillent la plastique discrète d’un regard attentif et pénétrant.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique

Biographie
Martine Franck naît en 1938 à Anvers. Elle découvre la photographie en 1963, au cours d’un voyage en Orient avec Ariane Mnouchkine. Elle épouse Henri Cartier-Bresson en 1970 et intègre la même année l’agence Vu. Elle co-fonde l’agence Viva en 1972 puis intègre Magnum Photos huit ans plus tard. En 2003, elle créé la Fondation HCB avec son mari et leur fille Mélanie. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective présentée du 6 novembre 2018 au 10 février 2019 à la Fondation HCB, coproduite avec le Musée de l’Élysée à Lausanne et présentée au FotoMuseum à Anvers du 30 octobre 2020 au 7 mars 2021.

Galerie Miranda est heureuse d’annoncer son exposition du printemps, des oeuvres expérimentales et uniques de Chloe Sells (née en 1976, Etas Unis), produites au lacs de sel de Makgadikgadi dans le désert du Kalahari au Botswana, où réside l’artiste.

En langue Tswana ‘Makgadikgadi’ veut dire ‘The Place of the Dry, Dry’ (‘le lieu du sec, sec’) ; l’artiste a passé des mois à parcourir les plaines arides, photographiant à la chambre le jeu de lumière projeté sur l’immense tableau du paysage.

Chloe Sells photographie avec un appareil Contax 645 et un Linhof 4×5. Elle développe elle-même ses pellicules, en chambre noire, à la main. Chacune de ses œuvres est un tirage chromogénique unique auquel elle a rajouté, en chambre noire, des couches abstraites de couleur, de lumière, de textures et de motifs. Parfois elle dessine sur ses tirages, à l’encre, à la peinture ou au feutre.

La plupart des oeuvres exposées sont au grand format d’environs 93×113 cm, également présentée seront deux superbes oeuvres au très grand format, ‘The Form’ et ‘The Nare’, produites selon le meme processus expérimental et ensuite découpées et montées en collages sculpturaux.

« Roulant vers la chaleur blanche et brulante du désert, je guettais des palmiers solitaires qui longent les rives des fleuves infidèles qui marquent le début des Makgadikgadi Salt Pans. M’engageant un sentier bien battu qui mène vers une grande savane, j’ai ensuite suivi deux lignes à peine visibles qui traçaient une route à travers les herbes épineuses, jusqu’à ce que, soudain, une rive se présente devant mes yeux. Le reflet du soleil couchant rendait l’eau opalescente et des milliers d’oiseaux remplissaient le ciel, leur chant porté à mes oreilles par la brise.

Les Makgadikgadi Salt Pans se trouvent dans le Désert du Kalahari au Botswana. Vus de l’espace, ils ressemblent à des grosses tâches blanches sur la surface de la Terre, on dirait des tâches de naissance. La première fois j’y suis venue pour voir les flamands roses, mais j’y suis retournée pour autre chose. Debout au bord de l’eau, je me suis demandée si je pouvais photographier cette beauté, tout simplement. Le critique d’art Dave Hickey écrit que « l’utilité légitime de la beauté se trouve dans sa capacité à nous réunir, en tant qu’êtres physiques et vivants, dans une relation éthique avec d’autres êtres humains dans le monde physique. »

Remplis d’eau, les Makgadikgadi Salt Pans ressemblent à un océan, mais il suffit de quelques jours seulement pour que l’eau s’évapore laissant une terre craquelée comme la peau d’un éléphant. Où que l’on regarde, la vue est identique ; on est désorienté. Pas loin il y a des lions du Kalahari, à moins qu’ils ne soient tout près, cachés, dorés dans les herbes dorées.

À chaque visite aux Makgadikgadi Salt Pans, une vista panoramique et kaléidoscopique s’offre à moi, vista que j’ai interprétée pendant des jours de prises de vues photographiques et, ensuite, des mois passés en chambre noire. Photographier un même lieu de manière répété m’a permis de méditer sur les questions de l’infini, en moi et à l’extérieur.

Dans l’obscurité de la chambre noire, le silence est palpable et, en manipulant les règles de la chimie photographique, image et imagination se confondent. Le processus de tirage est à la fois réfléchi et spontané; malgré un espace réduit, le travail est physique. La répétition permet un mouvement d’aller-retour entre temps et mémoire ; la couleur exprime l’émotion. Les textures surimposées retracent les contours géographiques ; les bords irréguliers des tirages, coupés dans l’obscurité à partir de rouleaux de papier de 50m de long, rappelle que notre vision du monde n’est pas rectangulaire, symétrique. À certaines images j’apporte une couche supplémentaire d’expression en encre, peinture et feutre. Chaque image est un jeu entre ce qui est fixe et ce qui est en mouvement; chaque œuvre est unique. »

Le livre d’artiste SWAMP (ed. Gost Books, 2016) réunit l’ensemble de ce travail.

À partir du 4 mars 2020, la Maison Européenne de la Photographie propose de découvrir le travail d’Erwin Wurm, artiste de renommée internationale, sous un nouvel angle, dans le cadre de la première rétrospective consacrée à son travail photographique. L’artiste autrichien est célèbre pour son œuvre complexe et conceptuelle, mêlant sculpture, performances, vidéo, dessin et photographie, à travers laquelle il interroge avec humour et cynisme notre relation au corps, en associant espièglerie, burlesque et sens de l’absurde. Réunissant quelque 200 tirages réalisés depuis les années 1990 sur les deux principaux étages de la MEP, cette exposition exhaustive – la première du genre organisée à Paris depuis de nombreuses années – présentera planches contacts originales et tirages provenant des archives personnelles de l’artiste, qui n’ont encore jamais présentés au public. Cette exposition sera l’occasion de montrer le rôle unique joué par ce médium dans son œuvre : bien plus qu’un moyen d’immortaliser ses performances, Wurm considère la photographie comme une forme d’expression “sculpturale” à part entière. Associant œuvres problématisées et images plus philosophiques, l’exposition explorera le processus artistique par lequel il réalisa des œuvres majeures telles que ses « dust sculptures », créées à l’aube des années 1990, pour lesquelles l’artiste place un objet sur une surface, le saupoudre de poussière puis retire l’objet afin de montrer l’emprunte résiduelle, ou encore « Fabio Gets Dressed » (1992), inspiré par sa conviction que le corps humain, avec sa capacité à remplir un pull, à occuper l’espace, à prendre ou perdre du poids, est une sculpture à part entière. Seront également exposés « Instructions for Idleness » (2001), « How to Be Politically Incorrect » (2002-2003), « Thinking About Philosophy » (2004), « Nudelskulpturen » (2016) ainsi que des Polaroid récents grand format. En plus de ses photos, vidéos et meubles, l’exposition proposera également ses célèbres « One-Minute Sculptures » à travers des œuvres interactives invitant les visiteurs à devenir des sculptures vivantes en suivant les instructions de l’artiste.

« Une photographie, c’est comme un mille-feuille qu’on ne pourrait jamais que regarder de dessus. […] J’aime jouer avec ce paradoxe de la surface photographique : paraître à la fois plane et profonde. »
Vincent Ballard

Vincent Ballard parle volontiers de photographie en termes de gestes. Sa pratique de la sculpture lors de ses études aux Beaux-Arts n’est sans doute pas étrangère à sa manière singulière d’aborder le médium. Pour lui, tous les gestes nécessaires à l’apparition d’une image sont porteurs de sens et construisent un espace de pensée ; dès lors, son travail va consister à inventer des modes d’action pour rendre visibles ces gestes qui disparaissent habituellement dans la planéité du tirage. S’il privilégie la photographie argentique, ce n’est donc pas par nostalgie mais pour les nombreuses possibilités de manipulation qu’offre ce matériau, l’artiste pouvant intervenir physiquement à toutes les étapes de la formation de l’image, rendant chaque épreuve unique. Il en résulte des photographies réalisées pour la plupart sans appareil photo dont le sujet façonné par la nature photographique même des objets que nous regardons.

Avec la série Théâtres, dont le titre fait écho aux Teatrini de Lucio Fontana, Vincent Ballard déploie ses dernières recherches autour du photogramme. Dans le sillage des artistes minimalistes américains, il a recours à des formes géométriques simples et des couleurs primaires, mais c’est dans un mouvement très contemporain qu’il sort la photographie de son cadre pour la confronter à l’espace tridimensionnel. Concrètement, ce travail est réalisé sur un papier argentique couleur, à l’aide de morceaux de Plexiglas colorés, d’abord utilisés comme masques sous l’agrandisseur, puis associés au tirage pour former une oeuvre en volume. Ce dispositif crée un effet subtil de profondeur qui retient l’oeil et le piège, le jeu des couleurs inversées finissant de le désorienter.
S’ensuit un trouble qui nous fait presque douter : s’agit-il bien de photographie ? C’est dans ce vacillement de nos perceptions que résident la force et le charme des oeuvres de Vincent Ballard ; en déjouant nos habitudes visuelles, elles créent un espace intermédiaire entre réalité photographique et réalité intérieure qui ouvre les portes de l’imaginaire.

Né en 1990, Vincent Ballard vit et travaille à Paris. Il sort diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2014 et crée le collectif YOURS avec 6 autres artistes.
En 2016, il expose son travail lors de la Nuit des musées au sein du Musée de la Chasse et de la Nature puis à la Fondation Hippocrène. L’année suivante, il présente sa première exposition personnelle à la galerie Premier Regard. En 2018, il participe à l’exposition Adieu, commissaire ! à Dreux sur l’invitation d’Éric Poitevin, puis au Parcours Saint-Germain et prépare sa deuxième exposition personnelle à l’espace 19 Côté Cour. En 2019, il débute une collaboration avec la galerie Lumière des roses qui le présente au salon Paris Photo.

De ses origines Corses, Marc Pollini a gardé une forme de simplicité dans son écriture photographique. A sa manière, tantôt très directe, tantôt par des découpages coloristes et contrastés, il montre le monde tel qu’il le voit. La thématique du vide, celle du calme et de l’absence de traces humaines y sont souvent explorées. Et pourtant il revient sans cesse dans ses photos une présence humaine, ses conditions, ses affres, tel au fil d’un voyage, d’une balade, d’une errance comme pour nous raconter une histoire. Le subjectif, le hors champs est ce qu’il privilégie dans la photo.

« J’ai voulu au travers de cette série photo sur l’Islande, mettre en avant certaines particularités de cette île. Une île où la rudesse de sa nature et son immensité prennent le dessus sur l’homme. Une forme d’enfermement s’exerce sur celui-ci et étant moi même insulaire je connais cette sensation paradoxale de nature souvent synonyme de liberté et de notion d’enfermement. C’est ce paradoxe que j’ai voulu mettre en avant dans ce travail qui a duré plus d’un an pour lequel je me suis rendu plusieurs fois en Islande en des lieux et des saisons différentes. Bien que le cadre de cette série semble clairement défini, je l’ai conçue comme à mon habitude dans la photo telle une balade ou plutôt une errance sans jamais savoir précisément ce que je cherche, dans l’attente, dans la contemplation de cette nature ou à l’affût que quelque chose se passe, comme cette rencontre avec ce vieil homme handicapé, ou cet homme tatoué qui accepte de poser pour moi dans un lieu improbable après m’avoir indiqué mon chemin à l’extrémité nord de l’île. Le choix du noir et blanc c’est imposé à moi, comme une évidence. »

Visuel : Série Norour Snua © Marc Pollini

« La relation millénaire de l’Homme à la nature ressemble à celle d’un parent à son enfant : inévitable, turbulente, éperdue. Elle ne peut souffrir ni raccourci ni discours facile, ni bourreau ni victime. Ecrire son nom dans la chair vulnérable du végétal : détruire pour exister, geste humain, dérisoire et nécessaire. De nos vies rapides et anonymes laisser une trace. A-t-on si peur d’être oublié ? D’où vient ce cri ardent ?La nature qui ne craint ni l’oubli ni le nom nous tend sa chair pour papier, s’offre impassible au pillage.Puissions-nous apprendre de sa clémence. »

Marie Marlard

« Il y a chez Sylvie Teissier une singularité du coup d’œil. Un reflet transforme la banale vitrine en tableau surréaliste. Une coulure grisâtre transfigure le gisant du cimetière et parle du temps qui passe. Un entrelac de perles dans l’ombre d’un caveau murmure la splendeur d’autrefois. Et ici, les entailles débusquées en bordure des chemins accusent l’innocente cruauté des cupidons du dimanche, entailles tatouées dans la fibre végétale mise à nue, griffonnant les pleins et les déliés d’un archaïque babil amoureux. Car pour la photographe, les épines ne font pas plus obstacle à l’incise qu’à la prise…de vue ! »

Paul Laurent

Toutes ces photos ont été prises dans le périmètre limité de la colline du Château, à Nice.

Merci aux agaves et aux figuiers de barbarie.

« Pour photographier les gens, il faut les aimer »
Antanas Sutkus

On a tous besoin d’amour.
Aujourd’hui, plus que jamais, l’image photographique est cet outil dont on s’arme en quête d’amour. On clique, on like, on partage, on utilise ce mot ‘aimer’, en le distribuant, en le fractionnant sans compter. Avec un seul but : être aimé en retour.
On se veut maître de la situation, mais on se piège dans l’absurdité de cette course folle de consommation rapide. Frustrés, vidés, perdus, on a besoin d’une source vraie, pure, désintéressée.
Antanas Sutkus (né en 1939) captait l’’amour à la fois en tant qu’homme, humaniste, photographe, patriote. Son pays natal, sa Lituanie et son peuple fier et résistant à l’invasion soviétique, lui ont inspiré tant d’amour, que chaque image le respire, l’irradie…En donne.
A cette époque où toutes les images produites sur le territoire d’URSS étaient celles de la propagande, directe ou indirecte, où les photographes s’autocensuraient, toute parole visuelle honnête était un exploit, un acte courageux.
Et plus l’image était photographiquement et humainement vraie et juste, libre de toute contrainte politique, d’arrière pensée, de soumission à la pression du pouvoir… Plus le message d’amour était fort.
Les photos d’Antanas Sutkus, non posées, non mises en scène, sont des portraits de gens concrets, de connaissances de l’artiste ou d’inconnus, rencontrés dans la rue, mais elles sont aussi avant tout des symboles intemporels. Et souvent, dans les pays différents, les gens se reconnaissent en petits enfants sur les images (comme sur la fameuse « La main de la mère » de 1964), tant Sutkus a su saisir les sentiments les plus beaux, les plus simples et les plus profonds.
Né et élevé à la campagne, Antanas Sutkus photographie les villages et leurs habitants avec une telle tendresse, justesse et poésie, que ses personnages nous semblent familiers, comme cette tante Agata qui fonce sur l’objectif, ou ce garçon insouciant sur une barre, par ailleurs première photographie du jeune Sutkus.
La vie en ville, où Sutkus a déménagé pour ses études universitaires en 1959, est plus fugace, tendue, dense, rapide. La ville se laisse photographiée différemment. L’artiste y trouve son propre rythme géométrique des paysages vus du ciel, ou des gens pressés, soucieux, concentrés. Sutkus sait révéler leur moi caché, fondamental. Photographiés de face, de dos, en ombre sous la pluie – les personnages de Sutkus ne peuvent pas se cacher de son oeil intuitif, de son regard qui saisit l’essentiel chez l’être humain.
Antanas Sutkus disposait de 2 outils dans son art : un appareil photo et un coeur dont les battements se mêlent aux nôtres, déclenchant une réaction en chaîne : celle de l’amour désintéressé qu’on cherche tant …

Dès le 7 mars 2020, le MAC VAL entame sa nouvelle saison artistique avec la première exposition monographique muséale en France de deux jeunes artistes engagés, David Brognon et Stéphanie Rollin. Ce duo, actif depuis 2006 et déjà intégré dans la collection du MAC VAL, plonge avec autant de ferveur dans la théorie de l’art que dans l’adhésion au monde des humains. Au travers de leurs multiples projets révélant une distance poétique, les deux artistes condensent, dans une esthétique qui s’inscrit dans l’histoire de l’art minimal (entre autres), des narrations enchevêtrées. Sous l’intitulé « L’avant-dernière version de la réalité» (emprunté à Borgès), cette monographie réunit de nouvelles productions et des œuvres existantes autour d’une réflexion sur le temps, sa perception, sa relativité, son déroulement, ses liens à l’espace…. L’enfermement (les addictions, les prisons, les îles, les territoires occupés, etc.) constitue également l’un des fils rouges de l’exposition, portée par un questionnement aussi simple que vertigineux : « Le réel est-il soluble dans sa représentation ? »

Les deux artistes, qui se plaisent au décloisonnement des idées comme des moyens, adaptent le medium en fonction des projets ; ceux-ci évoluant au fur et à mesure des rencontres, des contraintes, du temps, des événements politiques. Leur travail est polymorphe – installations, sculptures, vidéos, séries photographiques – et les œuvres présentées dans l’exposition« L’avant­ dernière version de la réalité » au MAC VAL proposent une plongée dans leur univers singulier à l’esthétique minimale qui cristallise avec justesse et distance leur perception du temps et de l’espace.

« Ego sum », je suis..
Depuis l’antiquité , l’artiste réalise le portrait de son contemporain.
Il capte une apparence, une attitude, un caractère, mais aussi son époque.
Comment rendre compte de l’essence même de l’être qui comme un miroir nous renvoie notre reflet, nous questionne sur notre époque ?
Denis Felix,dans sa série « Intus memori » deroule un fil d’Ariane, de ses négatifs découpés, reconstruits émane une tendresse pour l’être… nous invitant à l’introspection.
Olivier Diaz de Zarate peint. Ses oeuvres nous transportent dans un temps ancien, ou le modele posait de longues heures, raidi sur sa chaise..
Ses peintures sont terriblement modernes,d’une délicatesse incroyable.
Nous basculons de l’autre coté d’un miroir devant ses portraits… Qui sommes nous Narcisse ou Alice ?

Artistes : Leyla Cardenas, Karine Hoffman, Katia Kameri, Vincent Lemaire, Anila Rubiku, Paula de Solminihac, Yang Yi

Vaste sujet physique et métaphysique, la définition du temps, son origine et sa nature et de là, les multiples approches pour l’appréhender, n’ont cessé de nourrir les préoccupations humaines depuis des millénaires: qu’il s’agisse de fabriquer un temps objectif nécessaire à l’organisation sociale (pour établir calendrier, datations, horaires), mais aussi de mesurer un temps subjectif, dimension intérieure de notre conscience.
L’écoulement du temps le plus répandu dans les sociétés monothéistes procède d’une lecture horizontale, en datant les évènements historiques avant et après une année zéro qui serait la naissance de Jésus Christ. Les archéologues quant à eux raisonnent par stratification, adoptant une lecture verticale proche notamment de la conception chinoise.

C’est en se référant à cette approche, étudiée lors d’une résidence avec des archéologues à l’Académie Jan van Eyck à Maastricht, que Leyla
Cardenas a créé « Interpretation of Deep Time », une installation centrée sur une vidéo filmée dans les alentours de Bogota. La caméra progresse verticalement le long d’un mur de pierre en ruine, enseveli dans la montagne érodée. Cette lecture verticale des strates horizontales vers le haut et vers le bas se traduit dans un continuum d’un présent absolu, sans début ni fin. Les images deviennent objet de méditations complexes sur le temps et les cycles de transformation/destruction. Elles se fondent dans le sol de l’espace de projection mais s’écrasent soudainement dans une nappe réflexive fixée sur ce sol, subvertissant ainsi le récit même.

Parallèllement à cette recherche, l’artiste développe ses investigations sur le textile, résultat d’un tissage entre des fils de chaine (vertical) et des fils de trame(horizontal). Dans un même souci de matérialiser le temps, Leyla Cardenas fait imprimer sur textile ses photographies de ruines urbaines. Détissant le tissu en enlevant les fils de trame (espace), elle souligne la disparition progressive de la ruine tout en laissant apparaitre le temps.

S’inspirant du rayonnement fossile, nom donné à la plus ancienne image obtenue de l’univers, Vincent Lemaire réalise des photogrammes de tubes fluorescents brisés. Partant de portraits d’ancêtres familiaux sur négatif, il réalise des tirages sur papier argentique en y superposant ces photogrammes. Dans l’installation «Rayonnement familial» qui en résulte, le motif rectiligne et aléatoire superposé à ces portraits confronte le temps humain à celui de l’univers. La dualité entre la verticalité des portraits et l’horizontalité du motif réoriente le regard à chaque instant et nous rappelle la relativité du temps à l’échelle de l’univers.

Initié lors d’une résidence au Hammer Museum de Los Angeles, le projet «Effacing memory» d’Anila Rubiku revient sur la mémoire toujours présente, de dictateurs aujourd’hui disparus: Hitler, Staline, Mao…Une mémoire difficile à effacer, comme le traduit l’artiste albanaise dans ces portraits gravés sur papier dont elle tente patiemment, des jours durant, d’effacer les traits à la gomme. L’art peut-il servir à son tour à détruire l’image de dictateurs qui ont utilisé l’art pour asseoir leur pouvoir et leur gloire. L’art peut il gommer le temps?

Dans sa série sur la région des Trois Gorges, inondée par un gigantesque barrage,Yang Yi traduit trois temps dans la même image. Ses photographies prises au moyen format nous montrent un village fantomatique submergé par l’eau. Les habitants, équipés de masques et de tubas, posent pour la postérité, rejouant leur vie de tous les jours. Grâce à la retouche numérique, l’artiste chinois crée un monde irréel et drôle à la fois, en même temps qu’il « date » ses images en leur donnant les tons sépia des vieilles cartes postale: témoignage d’un temps subjectif aujourd’hui disparu.

L’oeuvre de Karine Hoffman est un archipel regroupant des îles autonomes caractérisées par un travail sur l’intrication de strates temporelles. Ses images s’inscrivent dans des espaces temps intermédiaires incertains. L’atmosphère crépusculaire et le chaos formel de ses peintures produit un sentiment de temps suspendu, de moment primordial où les strates de souvenirs peuvent venir se déposer. Des détails peuvent laisser entendre que le lieu a été occupé, qu’une histoire s’y est déroulée, mais aucun indice n’est suffisamment précis pour se raccrocher à un véritable fil narratif.

Dans une démarche relevant de l’archéologie contemporaine, Paula de Solmnihac imbrique temps présent et temps passé. Avec pour principal objet la terre, l’artiste chilienne expérimente diverses techniques et observe les cycles de production et la
métamorphose des éléments. Ses livres en terre cuite sont une re-présentation d’un objet du passé symbole de culture, toujours présent comme tel dans les sociétés actuelles, un objet qui aurait traversé le temps.

C’est aussi au livre que s’intéresse Katia Kameli, plus précisément aux sources multiples et croisées qui ont pu nourrir les Fables de La Fontaine. Au cours du temps, chaque déplacement et traduction de
manuscrits anciens a enrichi les histoires que traduit l’artiste par des collages. Ce faisant, elle combine les iconographies issues de différentes versions, nées à différentes époques, dont elle souligne l’intertextualité par des interventions de dorure à la feuille.
A quel temps avons-nous là affaire?

Du 8 avril au 27 juin 2020, la Galerie des Affaires étrangères accueille l’exposition « Jenny de Vasson : une photographe à Versailles en 1900 », qui invite à la découverte de l’œuvre méconnue d’une femme pionnière de la photographie. Née en 1872 dans une famille de notables berrichons, à une époque où la pratique de la photographie amateur se développe dans les couches aisées de la population, Jenny de Vasson réalise des centaines de clichés de ses proches et de paysages familiers ou lointains, traversés au cours de ses voyages en France, Belgique, Espagne, Grèce, Italie ou Suisse. Proche d’artistes comme Fernand Maillaud et Bernard Naudin et d’écrivains tels que Jean-Richard Bloch, André Maurois et Roger Martin du Gard, elle partage sa vie entre le Berry et Versailles où elle habite avec ses parents de 1902 à son décès, survenu en 1920. Dans leur hôtel particulier situé impasse du Débarcadère, actuel passage Pilâtre de Rozier, se trouvaient deux petits tableaux de Claude Monet présents dans cette exposition, de même qu’une partie des lettres signées Jean Jaurès, Charles de Montalembert ou encore George Sand données à la bibliothèque municipale par son père, Paulin de Vasson. L’accrochage montrera surtout ses clichés où défilent les paysages, les rues et toute une société rurale ou citadine du tournant du siècle, et qui laissent aussi une part au jeu, à la mise en scène et au déguisement dans une série de portraits et d’autoportraits.

À partir d’avril 2020, la ville de Versailles met la photographie à l’honneur, avec plusieurs événements tels qu’une exposition sur la photographie narrative à la bibliothèque de l’Heure joyeuse, ou encore la présentation des œuvres de Jenny de Vasson dont nous commémorons le centenaire de la mort à la bibliothèque Centrale.
Versaillaise d’adoption, Jenny de Vasson s’installe en 1902 avec ses parents dans un hôtel particulier de l’impasse du Débarcadère, actuel passage Pilâtre de Rozier, où elle demeurera toute sa vie. Le don fait à la bibliothèque municipale par son père Paulin de Vasson d’une centaine de lettres signées George Sand, Jean Jaurès ou encore Charles de Montalembert témoigne de l’implication de la famille dans la vie culturelle versaillaise.
Le pillage de leur maison versaillaise à l’été 1942 a entraîné la perte d’une grande partie de l’œuvre de Jenny de Vasson, et notamment de nombreux clichés de Versailles. Ceux qui subsistent, dévoilant un Versailles intime et familier, terrain de jeux et de visites, ont été peu montrés. C’est donc tout naturellement et avec un grand enthousiasme que la Ville a accepté la proposition de Gilles Wolkowitsch, commissaire de l’exposition, de contribuer à leur redécouverte.

Commissaire d’exposition //
Gilles Wolkowitsch

Du mardi au vendredi, de 13h à 18h
Le samedi, de 10h à 18h
Fermé le dimanche et le lundi
Entrée libre

Art Explora et l’Académie des beaux-arts lancent un Prix européen pour favoriser le partage des arts et de la culture avec chacun.

De nombreuses initiatives existent pour favoriser la diffusion des arts et de la culture auprès de tous les publics. Ce sont à ces pratiques innovantes qu’Art Explora souhaite donner un véritable coup d’accélérateur.

Dotée de 150 000 €, cette première édition 2020 du Prix européen Art Explora – Académie des beaux-arts récompensera 3 lauréats :

• Catégorie Or : 80 000 €
• Catégorie Argent : 50 000 €
• Catégorie Bronze : 20 000 €

Afin de donner de la visibilité à tous et de favoriser l’échange autour de bonnes pratiques, Art Explora proposera par ailleurs à tous les candidats de faire apparaître leur projet sur son site internet à l’issue des résultats.

#PrixArtExplora

Pour qui ?
Le Prix s’adresse à toutes les institutions culturelles européennes, publiques ou privées, quelle que soit leur taille.

Pour quoi ?
Le Prix européen Art Explora – Académie des beaux-arts viendra distinguer et amplifier des actions volontaristes, innovantes et particulièrement remarquables menées par des institutions en direction des publics. Toutes les actions spécifiques ou les démarches globales seront les bienvenues : innovations numériques, actions hors les murs, inclusion des personnes en situation de handicap, lutte contre l’exclusion culturelle, nouvelles médiations, éveil culturel pour les plus jeunes, programmes pour des publics exclus ou empêchés…

Sont éligibles les initiatives existantes appelées à être renouvelées ou amplifiées, mais aussi les nouveaux projets qu’un financement permettrait de lancer.

Une attention particulière sera portée aux projets faisant appel au numérique et maîtrisant leur impact environnemental.

Le calendrier
Ouverture des candidatures : 9 mars 2020
Date de clôture des candidatures : 25 septembre 2020 à minuit
Remise des Prix à l’Institut de France : automne 2020

Le jury
L’ensemble des dossiers sera examiné par un comité de pré-sélection, qui soumettra les dossiers retenus au jury du Prix.
Le jury du Prix sera composé de 12 personnalités, pour moitié désignées par Art Explora, pour moitié membres de l’Académie des beaux-arts.
Il désignera les 3 lauréats après étude des dossiers et attribuera également un prix spécial du Jury, ainsi qu’une médaille de la Fondation, à une personnalité s’étant particulièrement illustrée pour son engagement en faveur de la découverte des arts et de la culture par le plus grand nombre.

> CANDIDAT

Nous sommes heureux de vous annoncer l’ouverture des candidatures du Prix de Photo Camera Clara.
Créé sous l’égide de la Fondation Grésigny, le prix Caméra Clara a pour objectif de promouvoir une écriture singulière favorisée par l’utilisation de la chambre, véritable éloge de la composition et du temps.

Le jury du Prix de la Photo Camera Clara est constitué de personnalités du monde de l’art. Il se réunira courant septembre 2020.

Prix de la photo Camera Clara
Candidatures : jusqu’au 12 juillet 2020
Délibérations : septembre 2020
Dotation du prix : 6000 €

Créé en 2012, le prix photo Camera Clara est réservé aux artistes qui travaillent à la chambre photographique. Il récompense un travail d’auteur, inédit et présenté en série ou ensemble photographique afin qu’il puisse être jugé sur sa cohérence, tant sur la forme que sur son contenu.
A l’heure où un déferlement vertigineux d’images est offert à tous via Internet et représente une richesse indiscutable de communication et de partage , il est aussi incontestable – qu’à côté d’un échange démocratisé de contenus de valeurs – il s’est développé un « à tout va » photographique, très à la mode, qui a entraîné une confusion entre le medium, sa performance et sa qualification d’artistique. Pour la créatrice de ce prix, Joséphine de Bodinat Moreno et la directrice artistique Audrey Bazin, il est apparu essentiel de se positionner en « contrechamp » ou plutôt hors champ des tendances et de faire l’éloge d’une démarche réfléchie et d’une certaine lenteur. En effet par le maniement même de l’appareil, ses contraintes spécifiques, l’artiste choisit de prendre son temps pour collaborer avec la lumière. Ainsi revient-on à l’origine même de la photographie. Il ne faudrait pas pour autant voir dans l’utilisation de la chambre, une ode au passé ou un procédé à tonalité nostalgique, les dossiers reçus le prouvent chaque année, le travail à la chambre est bien une recherche d’écriture de la lumière aux multiples options. Au delà des qualités de temps de pose, de contrôle des perspectives ou de netteté, les artistes ont en commun cette relation exclusive avec cette pratique et inventent grâce à elle des expressions particulières.

Photo : © Delphine Balley / Lauréate Prix Camera Clara 2019

Créé en 2007 à l’initiative de Marc Ladreit de Lacharrière (membre de la section des membres libres de l’Académie) en partenariat avec l’Académie des beaux-arts, ce Prix récompense un/e photographe confirmé/e, français ou étranger travaillant en France, sans limite d’âge, auteur/e d’un projet photographique original.
Le travail primé est restitué sous la forme d’une exposition au Pavillon Comtesse de Caen de l’Académie des beaux-arts, au Palais de l’Institut de France.
Ce concours permet chaque année à un photographe de réaliser un projet d’envergure dans un esprit d’entière liberté quant aux thèmes ou à l’écriture photographique.
Ce Prix, biennal depuis 2018, est doté d’un montant de 30 000 euros.

Modalités et informations
Le règlement du Prix et le bulletin d’inscription sont consultables et téléchargeables sur le site de l’Académie des beaux-arts : http://www.academiedesbeauxarts.fr et sur le site de
Fimalac : http://www.fimalac.com.

Calendrier 2020 – 2022
11 mars 2020 Ouverture du concours
10 juin 2020 Date limite pour l’envoi des candidatures
Octobre 2020 Attribution du Prix
Novembre 2020 Remise du Prix le 25 novembre 2020 lors de la séance solennelle de l’Académie des beaux-arts Novembre 2022 Exposition du projet primé au Pavillon Comtesse de Caen

Le jury du prix
– Laurent Petitgirard, Secrétaire perpétuel de l’Académie des beaux-arts et Président du jury
– Yann Arthus-Bertrand, membre de la section de photographie de l’Académie
– Bruno Barbey, membre de la section de photographie de l’Académie
– Jean Gaumy, membre de la section de photographie de l’Académie
– Sebastião Salgado, membre de la section de photographie de l’Académie
– Jean Cardot, membre de la section de sculpture de l’Académie
– Patrick de Carolis, membre de la section des membres libres
– Erik Desmazières, membre de la section de gravure de l’Académie
– Gérard Garouste, membre de la section de peinture de l’Académie
– Régis Wargnier, membre de la section des créations artistiques dans le cinéma et l’audiovisuel de l’Académie
– Jean-François Bach, Secrétaire perpétuel honoraire de l’Académie des Sciences
– Agnès de Gouvion Saint-Cyr, correspondant de la section de photographie de l’Académie
– Jean-Luc Monterosso, correspondant de la section de photographie de l’Académie
– Bernard Perrine, correspondant de la section de photographie de l’Académie
– Pierre Hanotaux, chargé de mission auprès d du Président de Fimalac
Il est assisté d’un comité de rapporteurs issus du monde de la photographie.

Photo : © Flore, lauréate 2018

La série de Charles Xelot, Du gaz sous la toundra, récompensée en France comme à l’étranger, est pour la première fois, exposée dans son intégralité à Paris.
Ces photographies documentent la nouvelle limite franchie pour les besoins de consommation de la société occidentale. Nous sommes entrés dans l’anthropocène, une époque géologique où l’ensemble des phénomènes naturels est influencé par l’Homme. Celui-ci est devenu le serviteur dévot de la technique, pour laquelle il édifie temples et totems.

Du gaz sous la toundra (2016 – 2018)
Du gaz sous la toundra est un projet à long terme, à grande échelle. Au cours de trois hivers polaires, Charles Xelot a exploré l’industrie de la production de gaz dans la péninsule de Yamal, en Russie. Cette série photographique illustre l’appétit de l’humanité pour l’énergie et les réalités de sa production gargantuesque. La toundra nue, qui était autrefois traversée par des troupeaux de rennes et leurs éleveurs, les Nenets, est maintenant remplie de tuyaux et de torchères. Des pétroliers et des brise-glaces naviguent le long de la côte illuminant la nuit.
Nous voyons un monde bizarre de glace et de métal, un monde qui ressemble parfois à quelque chose d’étranger. La toundra sans fin agit comme une scène théâtrale, pour une pièce fantastique qui raconte la civilisation moderne. Les vues à l’intérieur d’énormes usines futuristes sont juxtaposées à des images de paysages polaires immaculés et à des portraits des éleveurs de rennes, connus sous le nom de Nenets. Dans cet environnement, même la lumière semble prendre une nouvelle qualité.
Dans la langue des Nenets, le mot Yamal est traduit par “la fin de la terre“. En effet, ce travail montre quelle peut être la dernière frontière à explorer, la dernière terre à exploiter.
À Yamal, tous les excès apparaissent plus clairement que partout ailleurs. Ici, côte à côte, toutes les frontières coexistent – entre l’espace et le temps, entre la terre et la glace, entre l’homme du Néolithique et celui d’aujourd’hui. Ces photos, au final, posent à chacun la question principale : où est la limite de la civilisation humaine?

Cássio Vasconcellos (1965-) est un photographe brésilien originaire de São Paulo. Il étudie la photographie à l’école Imagem-Ação de São Paulo avant d’entamer une carrière photojournaliste. En parallèle des reportages et des commandes publicitaires, il mène des travaux personnels. Saluées par ses pairs comme par la critique, ses photographies explorent les thématiques du voyage et du déplacement. Ainsi, ses séries de photographies nocturnes s’apparentent à d’intrigantes balades urbaines, rythmées par les éclairages aux multiples couleurs. Cássio Vasconcellos nous plonge également dans la végétation luxuriante de l’Amazonie dans sa série A picturesque voyage through Brazil. Le déplacement peut aussi s’illustrer au travers des modes de locomotion : routes, avions, voitures… que Vasconcellos photographie depuis le ciel. Leur répétition leur donne l’apparence de simples motifs, s’agençant dans une logique les dépassant.

Du 12 mars au 26 juillet 2020, l’Institut des Cultures d’Islam présente Croyances : faire et défaire l’invisible, exposition dont le commissariat est assuré par Jeanne Mercier, co-fondatrice de la plateforme Afrique in Visu.
Les oeuvres de seize artistes photographes et vidéastes interrogent la puissance évocatrice des religions, superstitions et mythes du continent africain, revendiqué comme lieu d’expérimentation, de glissements, de frictions et de négociations.
Loin du panorama et des récits stéréotypés, les artistes se saisissent ici de façon poétique, critique ou décalée de la question du « croire », de ses conventions, pratiques et représentations.
Leurs oeuvres dialoguent entre réel et fiction, esquissant des croyances en mouvement, anticipant leurs possibles évolutions.

Entrons dans la transe
L’exposition projette d’abord les visiteurs dans l’univers de la transe. Ses vibrations sont perceptibles dans les photographies de Bruno Hadjih sur la pratique du wird dans la mystique soufie en Algérie, tandis que la vidéo de Léonard Pongo revisite les cérémonies pratiquées par les églises évangéliques en République Démocratique du Congo.

Djinns, esprits et autres êtres intermédiaires
Les artistes invités proposent également une réflexion sur les superstitions. Btihal Remli et Mohammed Laouli s’intéressent à la pratique de la « sorcellerie » et des rituels au Maroc. Dans Land of Ibeji, Bénédicte Kurzen et Sanne de Wilde mettent en scène les croyances autour des jumeaux au Nigéria. Nicola Lo Calzo livre quant à lui un récit sur le vaudou pratiqué au Bénin et au Togo, notamment avec la figure de Tchamba, celui qui incarne l’esprit des esclaves.

Corps sacrés
L’exposition fait ensuite dialoguer les trois monothéismes en interrogeant la pratique du sacrifice dans la série de portraits Ovine Condition de Nabil Boutros. La représentation de l’autorité religieuse séculaire devient un acte de résistance aux schémas dominants avec la série Black Pope de Samuel Fosso ou encore une allégorie féminine dans le travail mené depuis plusieurs années par Maïmouna Guerresi.

Voyage initiatique
La question du pélerinage traverse également l’exposition. Elle y est abordée de façon imagée, comme étape nécessaire d’un processus de transformation de soi. Éric Guglielmi photographie les pèlerins se rendant chaque année à Touba au Sénégal. De son côté, Giya Makondo-Wills capte le rite initiatique du baptême en Afrique du Sud tandis que Rahima Gambo orchestre une fable contemporaine sur la résilience suite aux exactions du groupe terroriste Boko Haram dans un village du Nigéria.

Dieu ou le wifi ?
Nos croyances futures sont anticipées par les artistes qui mixent les pratiques traditionnelles avec le digital. Josèfa Ntjam, Tabita Rezaire ou Seumboy VRAINOM : € créent ainsi des nouveaux rituels hybrides à l’ère de « l’homo-numericus ».

Performances et métamorphoses
L’exposition s’active lors de performances et s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire mêlant arts de la scène, tables rondes et films. La transe saharienne et l’électro indus fusionnent, le cérémonial mouride se métamorphose en expérience multimédia immersive et la pleine lune est célébrée lors d’une soirée alternative, tandis que des conférences et projections abordent le rôle des femmes dans la transmission des croyances, la manière dont les artistes rendent visible l’invisible, ou encore l’avènement de nouveaux sacrés. Enfin, le jeune public bénéficie d’une offre dédiée proposant des contes musicaux, des ciné-goûters et la réalisation d’un livre de recettes magiques.

Photo : The Necessary Evil, 2011 © Léonard Pongo

Nous collaborons avec Foto Femme United (FFU) pour lancer leur tout premier concours photographique, et exposition sur le thème de la censure dans les médias. L’exposition pop-up aura lieu du 12 au 21 mars. Le concours était gratuit et ouvert aux personnes binaires, non-binaires, femmes cisgenres et transgenres.

SAISIR L’OCCASION D’EDUQUER

FFU affirme que la censure de l’art sur les réseaux sociaux est non seulement gênante : impitoyable tout en étant aléatoire, mais qu’elle cache une dimension plus profonde. April Wiser, fondatrice de la FFU, affirme que “des géants des réseaux sociaux comme Instagram et Facebook démontrent par exemple, à travers ces actes de censure, que la forme féminine ne peut et ne doit exister que dans un espace très restreint. Simplement parce qu’une femme est nue, cela signifie qu’elle doit être sexualisée. Ils vont même jusqu’à censurer l’activisme féministe et rendent difficile la diffusion d’une voix ou d’une plateforme. Cette exposition a été créée dans le but de fournir un espace aux photographes pour montrer leur art censuré ou interdit, ainsi que pour éduquer le public sur les injustices présentes sur les réseaux sociaux.”

CONTESTER LES STATISTIQUES

Les statistiques mondiales indiquent que les femmes représentent encore moins de la moitié des photographes exposés dans les grand musées, concours et foires photographiques tels que Paris Photo ou Les Rencontres d’Arles. “Nous n’avons pas à soumettre à l’industrie de la photographie. Nous pouvons démontrer que nous, les femmes photographes, sommes tout aussi qualifiées et méritons des opportunités d’exposition. Nous pouvons agir et créer nos propres concours et organiser nos propres expositions afin de nous donner mutuellement un espace visible,” déclare April Wiser, fondatrice de la FFU.

UN JURY D’HABILITATION

Le jury de l’exposition sera composé de Kinuko Esther Asano conservatrice et directrice artistique de la Galerie &CO119 , Lou Tsatsas, journaliste du Fisheye Magazine et April Wiser, fondatrice de Foto Femme United.

Déconfinement covid-19 : 💥 Venez avec vos masques et 3 visiteurs à la fois.
😷 Les nouveaux horaires: vendredi/samedi/dimanche 12h à 18h.⠀

La démarche artistique de Maia Flore s’inscrit dans une recherche de coïncidences entre le réel et son imagination. Son univers, créé de toutes pièces, se traduit par des images émouvantes et envoûtantes qui sont une invitation à partager un voyage en douce utopie.
De sa rencontre avec Saint-Malo lors de la résidence Territoire rêvé Bretagne, réalisée avec la poète Albane Gellé, Maia Flore a retenu l’impermanence des lieux. Qu’est-ce qui existe encore ? Qu’est ce qui subsiste au temps ?
Les lumières sans cesse changeantes, la mer et le mouvement des marées avec ses pleins d’eau et ses déserts de sable, les roches tantôt noires, tantôt scintillantes… forment une collection d’espaces vivants, insaisissables, à la cartographie chaque fois réinventée.
Dans l’image, la photographe imagine une chorégraphie où le corps se place plein cadre ou se perd dans l’immensité comme pour suspendre le temps et attraper pour nous un peu de cette magie évanescente d’un territoire qui n’est déjà plus le même. Dans sa restitution de Saint-Malo, Maia Flore ne reconstruit pas l’espace, elle l’habite avec une douce nostalgie et en retient ses paysages lunaires quasi surréels d’où se dégage un univers aussi intime qu’universel.
Membre de l’agence VU’, la photographe Maia Flore a reçu le Prix pour la photographie HSBC en 2015. Ses photographies et les poèmes d’Albane Gellé ont été réalisés à Saint-Malo dans le cadre de la résidence Territoire rêvé Bretagne, Photographie & Poésie, organisée par l’association l’art à l’ouest.

> Déconfinement covid-19 : La galerie est ouverte du mercredi au samedi, sur rendez-vous exclusivement !

D’origine iranienne, Hamid Sardar est diplômé de l’Université de Harvard où il a obtenu un doctorat de sanskrit et d’ études tibétaines. Réalisateur engagé pour la préservation de cultures et d’habitats menacés de disparition, ses tra-vaux sur les peuples autochtones et notamment les nomades de Mongolie et du Tibet ont été plusieurs fois récompensés.

Récemment, le Festival International du Film d’Aventure de La Rochelle lui a décerné le premier prix pour son film « Le Cavalier mongol », diffusé sur ARTE en février 2020.

Il présente à la galerie HEGOA une sélection de photographies mythiques et inédites.

Avant tout réalisateur, Hamid Sardar a développé une esthétique du traitement de l’image et s’attache à magnifier les paysages des régions dans lesquelles il passe aujourd’hui la plupart de son temps comme la Mongolie, le Tibet ou la Birmanie. Ses recherches linguistiques et son engagement pour la préservation des cultures autochtones lui permettent de partager le quotidien des tribus nomades et de nous rapporter des images aussi justes qu’intimes. Chaque film ou photographie révèle le merveilleux des Paradis nomades comme il aime à les nommer. Son travail met en exergue la fragilité de la Taïga et des cultures mongoles et nous engage à les préserver.

Durant ses expéditions, au milieu des steppes parfois hostiles qu’il explore, il se trouve au plus proche des Hommes et des animaux qu’il met en scène avec respect et majesté. Parmi rennes, loups, ours et aigles, l’humain s’intègre avec noblesse. Une noblesse et une beauté sublimées par les images d’Hamid Sardar.

« J’ai voulu mettre en scène une épopée humaine afin de nous permettre de rêver, de nous identifier à ces bergers, chamans et chasseurs, et de nous donner envie de protéger cette culture et cette nature. » Hamid Sardar pour Arte

Hamid Sardar possède un fond photographique très important lié à la culture nomade menacée de boule-versements irréversibles et j’ai été touchée par son regard sur la beauté du monde. Il a accepté de faire une pause dans ses projets cinématographiques pour exposer à la galerie HEGOA une sélection de photo-graphies mythiques et inédites sur les « PARADIS NOMADES » des peuples autochtones . Je lui en suis très reconnaissante. Nathalie Atlan Landaburu

Hamid Sardar a été lauréat du Grand Prix Photo Planète Albert Kahn en juin 2019, organisé par Jean-François Fortchantre. L’association Planète Albert Kahn est partenaire de l’exposition.

Nous sommes heureux d’accueillir, pour sa deuxième exposition à la Galerie VU’, la photographe suédoise Monika Macdonald qui nous propose une série inédite, Hulls*.
En totale cohérence avec son précédent projet, In Absence, elle poursuit son expérimentation de l’acte photographique, à la manière d’une entomologiste. Cette fois, elle se consacre au masculin. Si, dans le traitement du nu, de la pose ou de la lumière, ses images font écho à une iconographie picturale classique, elle dresse des portraits bien éloignés des représentations traditionnelles de la virilité et de la beauté des hommes qu’elle observe.
Et ces hommes-là, sous le regard aussi scrutateur que bienveillant de Monika Macdonald, sont d’une confondante et dérangeante beauté.

À nouveau, Monika Macdonald fait éclater les normes. Il est question ici de chair, de trouble, de doutes, de la vulnérabilité tant du corps, de l’esprit que des sentiments.

Le livre éponyme, André Frère Éditions, accompagne l’exposition.

* Hull : en anglais, coque d’un bateau ou cosse d’un fruit, d’une graine.

Chaque année, le Carré d’Art met en oeuvre une résidence de photographe sur son territoire, qui s’achève lors d’une exposition des images réalisées.
En 2017-2018, la photographe Julie Hascoët a évoqué des thématiques qui lui tenaient à coeur : une recherche autour du territoire, de la cartographie et du nomadisme en tentant de trouver des correspondances visuelles entre la ville de Chartres de Bretagne et ses villes jumelées. Cette série, Géographies jumelles, a fait l’objet d’une exposition au Carré d’Art et d’un livre, Twins, publié chez Poursuite Editions.
En 2018-2019, c’est le duo de photographes nantais Jérôme Blin et Gaëtan Chevrier qui ont fait un portrait de la ville, par le prisme de l’histoire industrielle fortement liée à l’implantation de l’usine Citroën – PSA sur son territoire en 1960. La série La Janais a fait l’objet d’une exposition et d’un livre, publié aux Editions Sur la Crête.
En 2019-2020, le Carré d’Art a choisi le photographe Pierre Faure pour réaliser un travail de création.

La résidence
Pour Pierre Faure, être en résidence à Chartres de Bretagne, c’est se concentrer sur des lieux et des personnes rencontrées dans les limites de son territoire.
Ainsi, il photographie, sous la forme d’une errance, la ville, en s’attachant à des détails prélevés dans les paysages urbains, ces paysages dans lesquels les habitants peuvent reconnaitre -ou non- leur ville.
Dans le cadre de cette résidence, Pierre Faure a également très vite choisi de s’intéresser aux adolescents de Chartres de Bretagne, tournés vers un avenir qui se situe au-delà de la commune, insistant sur leur perception de leur territoire, intime et/ou collectif. Le plus souvent réalisés en extérieur, ces visages

Cette exposition collective, rassemble six photographes bretons travaillant sur la fabrication des images à travers plusieurs anciens procédés et montages photographiques (manuels et numériques). Ils nous invitent à découvrir une réappropriation de l’histoire de la photographie, avec les objets photographiques et expérimentations de : Avec Estelle Chaigne, Nicolas Hergoualc’h, Mael Le Golvan, Marie Rameau, Gauthier Sibillat, Carolina Valladares.

Une invention permet de réinventer le présent.
Elle n’existe qu’en s’appuyant sur ce qui demeure, sans pour autant le faire disparaître.
Dans certains cas, elle permet à ses antécédents de se réinventer.
La naissance de la photographie, loin de faire disparaître la peinture, lui a permis de se transcender.
Face à son réalisme, la peinture s’est extraite de ses ateliers et à vécu une évolution majeure : l’Impressionisme.
L’arrivée du cinéma, loin de faire disparaître la photographie, lui a apporté une de ses évolutions techniques déterminantes : la couleur.
Le support numérique, loin de faire disparaître les supports physiques, incite un retour vers les anciens procédés ce qui permet de les faire évoluer tout en conservant un grain si particulier, une intemporalité, une imprécision, une qualité et une authenticité que les retouches numériques ne peuvent atteindre.
Suite à ce constat et une profonde attirance pour l’Histoire de la Photographie, est née l’idée de rassembler des photographes contemporains utilisant des anciennes techniques photographiques afin de revisiter cette histoire de la photographie. territoire breton.
Ils créent, ils fabriquent matériellement et visuellement une image, par le procédé, la technique, par l’émotion puis l’intention.
Nous retrouverons plusieurs réappropriations d’anciens procédés et d’outils (appareils) photographiques comme le sténopé avec Carolina Valladares et Estelle Chaigne, la photogravure avec Nicolas Hergoualc’h, les plaques de verre avec Marie Rameau, les photogrammes avec Mael Le Golvan et pour terminer, les montages (manuels et numériques) avec Gauthier Sibillat. Certains expriment leurs émotions, leurs souvenirs à travers des pratiques anciennes pour matérialiser la fragilité de ces instants, d’autres expérimentent et élaborent des protocoles de fabrication d’images.
Contrairement à une des volontés premières de la photographie qui était de la rendre reproductible, nous sommes ici face à des objets photographiques uniques, bien que tous utilisent d’une manière ou d’une autre les outils technologiques d’aujourd’hui. Ce savant mariage entre l’ancien et le contemporain leur permettant de manipuler, numériser, scanner leurs négatifs ou le résultat final de leurs procédés, les images présentées ne se retrouveront jamais dupliquées avec la même facture.
Grâce aux connaissances techniques, technologiques et grâce à leurs univers singuliers, ces photographes nous offrent une vision et une réflexion sur les différentes pratiques photographiques et leurs évolutions.
Emilie Teulon, Février 2020

Entre 2016 et 2018, Maxence Rifflet a réalisé des photographies dans sept prisons françaises.
Évitant la fascination du fait divers et le pathos des anecdotes personnelles, il tente de mettre
à nu le mécanisme même de l’enfermement.
Lors d’ateliers, il partage avec des détenus cette expérimentation : photographier derrière ces lourdes portes, entre ces murs épais, sans pour autant réduire l’espace ou écraser davantage les perspectives, et sans que l’appareil photographique ne crée un registre supplémentaire de surveillance et de paranoïa. Ensemble, ils observent et documentent l’espace exigu qui leur est dévolu – cette privation d’espace −, devenant tantôt le théâtre d’une fable, tantôt celui d’une performance.
Et si l’œuvre de Maxence Rifflet nous renvoie à des questions de société essentielles,
elle déploie dans l’espace du Centre d’art GwinZegal, dans une ancienne prison, des formes singulières et expérimentales, entre photographies, installations, volumes…
L’artiste nous pousse à nous interroger sur l’histoire de ce lieu, sur la cohérence et l’acuité de sa réhabilitation patrimoniale, et sur notre impunité à y déambuler librement.

En partenariat avec le Centre photographique Rouen Normandie, Le Bleu du Ciel (Lyon) et Le Point du Jour (Cherbourg).

La Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter la première exposition personnelle de Stéphane Couturier dans ses murs, « Monumental », occasion de faire découvrir au public plusieurs photographies inédites de séries connues dans le monde entier.

Arpenteur des villes depuis les années 1990, Stéphane Couturier (né en 1957) a fait de l’architecture urbaine et de ses mutations contemporaines le sujet principal de ses photographies. Il a révélé dans ses premières œuvres les transformations d’urbanismes anonymes (Archéologies urbaines, 1995-1998 ; Monuments, 1999-2002) avant de s’intéresser à l’architecture de villes construites ex nihilo par les architectes du XXème siècle (Chandigarh conçue par Le Corbusier, Brasilia par Lucio Costa et Oscar Niemeyer ou encore la cité Climat de France à Alger par Fernand Pouillon). Depuis 2004 le photographe a pris le tournant de la révolution du numérique. Il crée des « images numériques mouvantes »[i] pour faire voir – révéler – le tissu urbain et penser les espaces que nous habitons. De la série Melting point (à partir de 2004) à celle des Nouveaux constructeurs (depuis 2018), les strates du réel se superposent et s’hybrident dans des compositions qui ouvrent un nouvel espace-temps.

Stéphane Couturier multiplie les points de vue, joue de l’enchevêtrement de détails, de l’accumulation de plans et des variations de textures au sein d’une même image pour, dit-il, « s’approcher au plus près des sensations pures que l’on perçoit lors des déambulations ». Cette approche de la photographie, qui associe un traitement proche du all-over pictural à une frontalité monumentale de l’image, est moins austère, moins systématique qu’il n’y paraît. Au contraire, elle suscite un mouvement, une fluidité qui permet à l’œil de se perdre et d’errer, dans un va-et-vient parfois à la limite de la dissolution : elle place le spectateur face à ce qui lui résiste, comme face à un fragment d’épaisseur du réel.

Les photographies de Stéphane Couturier, écrit Quentin Bajac, « ont en commun une même abolition des repères perspectifs — la grille comme absence de hiérarchie et de centre — et, la plupart du temps (…), une interaction de temporalités. Car la grille de Couturier, (…) n’est que superficiellement affaire d’espace. Elle est bien davantage, de même que toute la photographie de Couturier, affaire de temps, d’entrelacs de temporalités et d’histoires, de mémoires collectives et individuelles ». 1

Dans ses images récentes de la série des Nouveaux constructeurs, Stéphane Couturier combine des vues de la ville et du port de Sète en des compositions géométriques colorées, écho direct des toiles cubistes de Fernand Léger. Il use des outils de montage et des technologies numériques mais choisit pour le tirage de ses photographies le procédé du cibachrome (technique de l’argentique utilisée dans les années 1960, appréciée pour la qualité exceptionnelle du rendu de la couleur et de la lumière). Entre réalité et fiction, photographie documentaire et recherche plasticienne, Stéphane Couturier noue un dialogue avec la peinture qui engage une réflexion sur les potentialités de la photographie et la redéfinit, selon lui, comme « un jeu de construction et de déconstruction du réel ».

Un jeu qu’Ingrid Luquet-Gad a remarquablement étudié : « Refusant tout déterminisme du médium, mêlant procédés argentiques et numériques, la photographie est conçue comme la captation d’un possible. L’enregistrement minutieux que permet le médium est détourné de sa fonction de preuve : la photographie n’atteste plus, elle invente. Elle reconfigure, à même le réel, sans cesser de le répertorier, d’autres mondes possibles (…). Pluralisant les perspectives, la photographie se fait le vecteur d’un pouvoir exploratoire de la fiction, nous décrivant un réel qui s’invente à mesure. » [ii]

Stéphane Couturier (né en 1957) vit et travaille à Paris. Il commence sa carrière de photographe dans les années 90 et réalise de nombreuses séries remarquées, il obtient le Prix Niepce en 2003. Son travail a fait l’objet de plusieurs monographies, notamment aux Editions Xavier Barral, 2016 et est actuellement présenté à l’Artothèque d’Angers en solo show.

Ses photographies sont présentes parmi les plus grandes collections institutionnelles telles que le Centre Georges Pompidou, Paris (FR) ; la Maison Européenne de la Photographie, Paris (FR) ; le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR) , le Los Angeles County Museum (US) ; le San Diego Museum of Photographic Arts (US), la Galerie Nationale des Etats Unis à Washington (US) ; l’Art Institute of Chicago (US) ; la Galerie nationale du Canada à Ottawa (CA) ; le Musée National d’Art Moderne du Grand-Duc Jean, Luxembourg (LU), l’Israël Museum, Jerusalem (IL) ; le Musée de l’Elysée, Lausanne (CH)…

[i] Quentin Bajac, Chandigarh Replay, Stéphane Couturier, Paris, Editions Ville Ouverte, 2007.

[ii] Stéphane Couturier, Ingrid Luquet-Gad, SC, Paris, Editions Loco, 2015.