Photo Portfolio

Photo Spirite : Quand la photographie révèle les fantômes

La Rédaction31 octobre 2017

Temps de lecture estimé : < 1min

Le spiritisme est apparu à la fin des années 1840 aux Etats-Unis, deux sœurs croient alors communiquer avec les morts. La photographie naît officiellement à cette période, il faudra donc assez peu de temps pour que les deux se rejoignent… On assiste alors à la naissance de la Photographie Spirite…

Dans un premier temps, et dans un but purement mercantile, quelques photographes se spécialisent dans le domaine. Ainsi apparaissent les premiers fantômes sur la surface argentique. Le courant de la Photo Spirite se renforce en Europe avec les millions de morts de la première guerre mondiale… Ce mouvement devient alors un vrai courant artistique expérimental…

Parmi les maîtres de la photographie spirite on compte Édouard Buguet en France ou William H. Mumler aux Etats-Unis. L’écrivain français mais aussi photographe Honoré de Balzac attribuera pendant longtemps des pouvoirs extraordinaires au daguerréotype.
A l’occasion de notre édition spéciale, nous partageons avec vous quelques clichés. La galerie Lumière des Roses a trouvé quelques spécimens dans sa collection de photographes anonymes.

En savoir plus sur la photo spirite :
https://photospirite.wordpress.com
https://www.photo-arago.fr/C.aspx?VP3=CMS3&VF=GPP_15_VForm&Alb=2C6NU0A3K5R_P
https://www.mep-fr.org/event/le-troisieme-oeil/

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

En voir plus dans Photo

Actu Art Contemporain

La Saison Africa2020 est maintenue !

News

Jeu de Paume : Nouveaux cycles de cours en ligne

L'Interview

Interview exclusif avec le photographe Gregory Crewdson

News

Pascal Amoyel, Lauréat de la Bourse 50cc Air de Normandie

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven06nov(nov 6)14 h 30 minmer23déc(déc 23)19 h 00 minUn Retour aux sourcesJan SaudekGalerie David Guiraud, 5, rue du Perche 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La galerie David Guiraud est heureuse de présenter une exposition de photographies de Jan SAUDEK, célèbre artiste tchèque né en 1935. Les 37 tirages originaux sélectionnés, dont la plupart sont des tirages d’époque, ont été réalisés dans les années 1970 et 1980, les plus créatives du Praguois.

C’est la seconde fois que la galerie a la chance d’organiser une exposition d’œuvres de Saudek issues d’une importante collection privée française. Les couleurs singulières des photographies sont dues à des encres apposées à la main par l’artiste, rendant unique chacun des tirages. Ces colorations peintes accentuent la spécificité picturale d’épreuves savamment élaborées.

La richesse de cette collection permet de proposer un ensemble emblématique des obsessions de l’artiste. On y trouve des prises de vue réalisées dans sa cave puis dans son atelier-studio, de femmes de tous âges, souvent plantureuses, érotiquement complices ; des scènes narratives constituées de plusieurs images, parfois réunies sur un même tirage ; d’étonnantes cartes à jouer façonnées avec un ou deux modèles ; ainsi que des évocations du temps qui passe permises par la continuité des relations entre Saudek et quelques-uns de ses modèles pendant dix ou vingt ans.

Assurément, le huis clos du « pornocrate » marginal étroitement surveillé a exacerbé sa vocation. Fort de ses convictions, il n’a eu de cesse de rendre expressives ses inspirations les plus intimes.

Entré en photographie à la suite de sa découverte de The Family of Man (1955) d’Edward Steichen, Saudek s’est inscrit dans les cercles développés par Alfons Mucha, Lewis Carroll, Hans Bellmer, Duane Michals, Robert Mapplethorpe…

Les photographies du feu vivant qu’est Saudek célèbrent la vie, la liberté, les élans sexuels, les émotions sensuelles et les liens familiaux, sans ignorer les malveillances et les violences que les êtres s’infligent délibérément.

La femme est le centre de gravité de l’univers de l’alchimiste qui lui ôte ses vêtements pour mieux la mettre en grâce. Le corps le passionne. Il est la vérité première de tout être. C’est en lui que s’opère le foisonnement des sens. C’est lui qui résiste le plus délibérément aux idéologies. Pourtant, comme Saudek le sait, personne ne peut échapper à la loi suprême de la finitude : le vieillissement, la mort. Tout corps témoigne de la nature humaine.

Photo : Portrait of 2 Men Kissing, 1986 Tirage argentique d’époque Signé, titré, daté et annoté « Oct. 1986 Printed by me » sous l’image 18 x 24 cm

Dates

Novembre 6 (Vendredi) 14 h 30 min - Décembre 23 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie David Guiraud

5, rue du Perche 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

sam10oct(oct 10)11 h 00 min2021dim21mar(mar 21)19 h 00 minDistance ArdenteExposition CollectiveMrac - Musée Régional d'Art Contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée, 146 Avenue de la Plage, 34410 SérignanType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition collective conçue pour la Saison Africa2020

Artistes : Mariam Abouzid Souali, Mustapha Akrim, Zainab Andalibe, Mohamed Arejdal, Hicham Ayouch, Hassan Bourkia, Diadji Diop, Simohammed Fettaka, Moataz Nasr, Khalil Nemmaoui, Fatiha Zemmouri
Curator : Hicham Daoudi

Dans le cadre de la Saison Africa2020, le curator marocain Hicham Daoudi, invité par le Musée régional d’art contemporain (Mrac) à Sérignan propose l’exposition « Distance Ardente » à partir du 10 octobre 2020.

À l’heure où des idéologies fabriquent encore de la peur, du doute et de la méfiance, l’exposition « Distance Ardente » est centrée sur la question du dialogue des mémoires, des identités et des cultures. L’exposition tente de présenter les défis qu’il reste à surmonter pour construire une relation forte et débarrassée des stigmates du passé entre les états africains et la France.
Le titre appelle d’une certaine façon « à mesurer la distance » qui sépare la France et les populations du continent africain.
Dans la littérature et la poésie francophones, le terme «ardent» renvoie au brasier amoureux, celui qui consume les amants tandis que dans d’autres expressions populaires il témoigne de l’impatience, et parfois même de la violence qui régit certaines situations. À travers trois grandes étapes « Corps invisibles », « Routes, Exils, et Imaginaires » et « Attraction et Déchirement », l’exposition réunit des oeuvres produites spécifiquement pour l’exposition.
Dans ce contexte, l’exposition « Distance Ardente » est une invitation à tous les publics et une célébration de ce qui nous enrichit : la mixité.

Photo : Khalil Nemmaoui, Sans titre, 2018. Épreuve d’artiste Tirage UV sur plexiglas, contrecollé sur dibond 180 x 240 cm Courtesy de l’artiste et du Comptoir des Mines Galerie

Dates

Octobre 10 (Samedi) 11 h 00 min - Mars 21 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Mrac - Musée Régional d'Art Contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée

146 Avenue de la Plage, 34410 Sérignan

Calendrier GoogleCal

ven16oct(oct 16)14 h 30 minsam12déc(déc 12)19 h 00 minAmanhã Hã De Ser Outro DiaRodrigo BragaLe salon H, 6/8 rue de Savoie, 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette première exposition de Rodrigo Braga au Salon H s’inscrit dans la continuation du processus créatif « point zéro » initié par l’artiste en 2018 à la Galerie Anita Schwartz à Rio de Janeiro. Ainsi le glissement sémantique de « os olhos cheios de terra » (« les yeux plein de terre ») titre de cette exposition, à «o vo que vê» (« l’oeuf qui voit ») pointe l’évolution des réflexions de l’artiste en ces temps de régressions, violences et incertitudes qui secouent le Brésil et le monde, le contraignant à une forme d’exil.

Au sentiment d’effondrement, et de perte, face au collapse généralisé, politique, écologique, humain, a fait place l’espoir fragile d’un renouveau possible, à travers cet « oeuf pierre omniscient » que Rodrigo Braga nous invite à saisir, et qui sert de fil conducteur à cette nouvelle exposition.

Car c’est à la question centrale du la lutte entre l’espèce humaine et son environnement naturel, que se confronte Braga depuis son entrée remarquée sur la scène artistique brésilienne.
Qu’est ce qui nous distingue en tant qu’être biologique ? Quelles relations entretenons-nous avec le monde animal, végétal, minéral ? Jusqu’où nos pulsions prédatrices peuvent-elles nous conduire ?

Autant de questions qui ont gagné en acuité au cours de la dernière décennie du fait de la multiplication des désordres engendrés par l’activité humaine, et le passage à cette nouvelle ère que certains scientifiques ont appelé ‘Anthropocène’, mettant au défi nos capacités d’anticipation, de contrôle et de résilience face aux écosystèmes existants.
Très marqué par la génération d’artistes brésilien signataires du Manifeste néo-concret, comme Lygia Clarck et ses « sensorial objects », ou Hélio Oiticica et ses expériences autour du corps, Braga s’inscrit dans le désir de porter une approche de l’art plus organique, émotionnelle et inclusive.

C’est donc vers une pratique performative, que l’artiste s’est naturellement tourné. En s’engageant dans un corps à corps physique avec un environnement naturel (animal, végétal, et minéral), Braga donne à voir et ressentir l’expérience de cette tension, avec une intensité toute particulière.

Pour l’artiste le corps est gage d’authenticité, il ne triche pas, ne provoque pas, ne transgresse pas, mais cherche le point de tension le plus juste avec son environnement, se faisant le médium d’une expérience primordiale.

Car en aucun cas ses actions sont gratuites. Elles reposent clairement sur un savoir intuitif et archaïque, une connaissance profonde de l’ordre des espèces, et de la psyché humaine.
Tour à tour biologiste, naturaliste, géologue, archéologue, anthropologue, chaman, Braga sait puiser dans ses origines, son histoire personnelle, et l’inconscient collectif, les symboles et archétypes qui vont conférer à la documentation de ses actions un impact puissant.

Quand on se penche sur le parcours rétrospectif de l’artiste on est frappé par la richesse de sa production, le nombre d’expositions et de prix dont il a fait l’objet, et la cohérence d’un parcours sans concession.
Ainsi dès 2004 Braga explore physiquement la frontière entre l’animal et l’humain à travers des expériences radicales d’hybridations : qu’il se couse la tête d’un chien sur le visage, se laisse pousser une langue de boeuf, se transforme en homme poisson, ou livre un combat à mort avec un crabe géant.

À partir de 2009 il intervient plus directement sur l’espace naturel qui l’entoure : il creuse, extrait, déplace, poussant ses limites physique et mentales jusqu’ à l’effondrement.
Il procède ensuite, à un inventaire des mimétismes entre monde végétal et animal, et esquisse les images inquiétantes du traité de botanique de notre futur déréglé.
Puis il se lance dans une série d’installations de grande envergure. Il fait chavirer l’ordre immuable des colonnes néoclassiques de la Casa França de Rio en les confrontant aux troncs morts de palmiers impériaux, et lauréat du SAM Art Projects en 2016, il remplit le bassin de l’esplanade du Palais de Tokyo d’immense bloc de pierre calcaire incrustées de fossiles marins, rappelant l’origine préhistorique et animale de notre environnement urbain.

L’exposition présentée au Salon H reprend en partie la structure formelle de la dernière exposition de l’artiste au Brésil. Conçue comme une installation incluant, photographies, dessins, vidéos, objets, elle invite à célébrer un rituel de renaissance païen.
Toute présence animale a disparu. La terre et les arbres calcinés devenus cendre, charbon, chaux, ont recouverts le corps de l’artiste. Les oppositions sont devenues binaires : noir/ blanc, pierre/vivant. Seule la présence de pierres blanches à la forme régulière ovoïdes, vient apporter une promesse de renaissance.

Saisies au creux de la main, et observées sous tous les angles, ces pierres révèlent ‘ à qui sait voir’ la présence d’un oeil, et deviennent talisman.
À travers la superposition de symboles universels : la pierre, l’oeuf, l’oeil, Braga touche intuitivement aux mystères de la création, et parvient à nous faire entrevoir la possibilité d’un passage du Chaos à un ordre nouveau, avec une très grande économie de moyen.

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 14 h 30 min - Décembre 12 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le salon H

6/8 rue de Savoie, 75006 Paris

Le salon H6/8 rue de Savoie, 75006 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h30 à 19h et tous les jours sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

ven20nov(nov 20)14 h 00 min2021mer10fev(fev 10)18 h 00 minGilles Caron, un monde imparfaitLe Cellier, 4bis Rue de Mars, 51100 ReimsType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la continuité du film documentaire de Mariana Otero « Histoire d’un regard », sorti en salle en janvier 2020, consacré à la vie de Gilles Caron, l’exposition « Gilles Caron, un monde imparfait » sera présentée au Cellier, à Reims, à partir du 21 novembre 2020. Elle dévoilera les multi-facettes de l’œuvre du photographe. À côté de ses clichés les plus célèbres, les visiteurs pourront découvrir une constellation d’images et de documents leur permettant de mieux comprendre le métier de photojournaliste tel que Gilles Caron l’a incarné. La Fondation Gilles Caron, la Ville de Reims et l’association La Salle d’attente, à l’initiative de cette exposition, ont fait appel à trois jeunes commissaires : Isabella Seniuta, Clara Bouveresse et Guillaume Blanc. Ce projet est également soutenu par Prisme, précieux carrefour des entreprises rémoises et de l’art contemporain, la Fondation Bru, partenaire et conseil de la Fondation Gilles Caron depuis plus de dix ans, la Région et la DRAC Grand Est. Avec cette exposition marquante, la Fondation Louis Roederer, évidemment appuyée sur sa maison mère, ancrée au cœur de la ville de Reims, est fière et émue de contribuer au rayonnement de l’art et de la culture en ces terres de belle histoire.

« Cette exposition se distingue dans la carrière de la Fondation Louis Roederer car Gilles Caron est différent. Il court son adolescence sans manquer aucun des choix qui construisent une personnalité hors du commun, y compris la naissance de l’amour de sa vie et sa passion pour les chevaux. Et puis, la cadence prise, il continue de ne pas chômer en croisant le parachutisme, les premiers reportages de guerre, la mode, Gamma, le cinéma et pas des moindres, Resnais, Godard, Truffaut, les révolutions, 1968, le Printemps de Prague, le Tibesti et la fatale « route N°1 », et tous ces ricochets sur les aspérités du monde. Vouloir être partout à la fois sans faire de longues escales… Gilles Caron va toujours à l’essentiel en professionnel exemplaire. Si l’on prend son temps pour créer une œuvre, on rate ce que l’on sent, les déchirements entre l’horreur et la tendresse, le quotidien et les grandes causes. Chez Gilles Caron, l’art émerge sans qu’on le sollicite. » Michel Janneau, Secrétaire Général de la Fondation Louis Roederer

Dates

Novembre 20 (Vendredi) 14 h 00 min - Février 10 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

Le Cellier

4bis Rue de Mars, 51100 Reims

Le Cellier4bis Rue de Mars, 51100 ReimsOuvert de 14h à 18h du mercredi au dimanche

Calendrier GoogleCal

mer04nov(nov 4)12 h 00 minsam28(nov 28)19 h 00 minVedutaThomas JorionGalerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la suite de Vestiges d’empire, où il figeait les ruines de l’empire colonial français, le photographe Thomas Jorion propose avec Veduta une plongée dans une Italie d’un autre temps.
Palais, jardins, masserias, villégiatures estivales, le photographe a sillonné l’Italie du nord au sud pendant près de dix ans pour trouver ces écrins mystérieux et silencieux dont plus personne ne se soucie. La grandeur et le faste architectural de ces riches demeures du XVIIIème et XIXème siècles perdurent ainsi par le prisme du regard du photographe. Ces images, si méditatives, photographiées à la chambre, nous convient à un voyage italien, un grand tour aux allures solitaires.
Le temps est soudainement comme étiré, sans repères. On assiste à une distorsion du présent à travers ces lieux vides, arrêtés, hors de toute agitation. La nature reprend invariablement ses droits dans ces lieux intemporels habités par cette présence d’absence. La végétation pousse alors les pierres de ses racines, modèle un nouveau visage , souvent plus sauvage et énigmatique, mais tout aussi fascinant.
Les persiennes closes d’une salle de bal laissant danser la poussière dans les derniers rayons du soleil et sur les pampilles d’un vieux lustre ; une chambre aux fresques défraichies où les nymphes d’un aréopage antique nous toisent de leur superbe dans une odeur de fougères et de bois vieillissant… Tout concourt à un doux songe romanesque.
Dans nos sociétés sous pression, de rentabilité et d’optimisation de chaque instant, Thomas Jorion prend lui le temps et nous conte à travers ses clichés silencieux d’autres histoires. Il nous questionne de façon absolue sur notre rapport à la vie et au temps. Ces lieux désertés où l’homme était mais n’est plus, interrogent le spectateur comme une inéluctable mise en abîme, sommes-nous les auteurs, les acteurs de cet abandon ? Sommes-nous les témoins de notre
passé ou face à ce qu’il adviendra ?
Telle des vanités des temps modernes, des memento mori, les photographies de Thomas Jorion sous-tendent implacablement l’éphémère et la fragilité de l’existence humaine.

Dates

4 (Mercredi) 12 h 00 min - 28 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisOuvert du mercredi au samedi, de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

You may also like

En voir plus dans Photo

Ephéméride

Articles les plus lus

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Retrouvez une édition !

Suivez nous !

Facebook

Twitter

Youtube

Inscrivez vous !

Newsletter

Contact

Derniers articles