Hommage

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven26jui(jui 26)10 h 00 minmer30sep(sep 30)19 h 00 minYakushima Photography Festival, la collectionExposition CollectiveGalerie MONSTRE, 13, rue tour de Fabre 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Group show d’une sélection des participants au projet YPF
Commissariat Antonin Borgeaud

Les réseaux
À l’époque de Facebook et d’Instagram, où le réseau est devenu plus une démonstration qu’un partage, où l’efficacité technique du numérique a contribué à l’isoliment et à la mutation du travail de photographe, il m’était nécessaire de retrouver la joie de l’échange, de la complicité et le danger de la confrontation.
La proposition de YPF est de mettre en relation des photographes et professionnels de l’image pour tendre à nouveau les fils de la collaboration, de la réflection commune. Oublier la commande, se frotter à d’autres cultures, d’autres subjectivités, parfois ne pas parler la même langue sauf celle de l’image ou presque.
Yakushima Photography Festival offre à ses acteurs des conditions de résidence pour produire des images, des reportages.
Tester, se tromper, explorer, réfléchir, retrouver l’essence de la créativité, puis cultiver son intuition en partenariat avec les photographes locaux.
Développer la «rencontre », comme Arles & ses Rencontres qui illustre si bien cette idée depuis un demi siècle maintenant.
Partager les connaissances, explorer ce que nous offre les nouvelles techniques en s’appuyant sur les bases et les traditions qui ont construit la Photographie contemporaine.
Enfin YPF donne à voir et diffuse, telle une galerie itinérante les travaux des photographes invités, proposant aux collectionneurs et autres amateurs de photographie des travaux souvent exclusifs, dans une édition spéciale limitée.
YPF créé des projets réjouissants, entretient les perspectives et tente de participer ainsi au réenchantement.
Je like!
Antonin Borgeaud – Fondateur de YPF

Dates

Juin 26 (Vendredi) 10 h 00 min - Septembre 30 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie MONSTRE

13, rue tour de Fabre 13200 Arles

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sam05sep(sep 5)14 h 00 minsam19déc(déc 19)18 h 00 minPhotographe de l'industrie coréenneChoonman JoCité Radieuse Le Corbusier - Briey, 1, Av. Dr Pierre Giry, 54150 Briey-en-ForêtType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les photographies grand format (165cmx110cm) de Choonman JO se concentrent sur les scènes des industries lourdes coréennes. Né en 1956, il a commencé à travailler comme soudeur chez Hyundai Heavy Industry en 1974 où il continue de capturer cet univers sous forme photographique.

Il vit à Ulsan, ville du sud de la Corée, l’une des plus grandes villes industrielles du monde, où cohabitent toutes sortes d’industries lourdes allant de la construction navale à la chimie. Il en fait son terrain de jeu privilégié pour son travail photographique. Chaque jour, il s’aventure dans cette gigantesque ville pour y capturer la « beauté » selon ses propres termes tel un « paysage ».

Formé à la photographie très tard dans sa carrière, il a développé son propre regard de façon autodidacte, Choonman Jo est le seul photographe ‘industriel’ en Corée.

Aucun autre photographe n’a témoigné de cette réalité sous cette forme : « une sorte de déclaration d’amour pour les scènes industrielles ». Une esthétique nourrie par son expérience d’ouvrier/technicien sur divers sites industriels.

Son travail photographique couvre tous les domaines de l’industrie lourde en Corée, capturant tous les détails de celle-ci que même les ingénieurs qui y travaillent ont tendance à manquer ou ignorer. Choonman Jo ajoute une dimension iconique à cette industrie coréenne.Sous son regard, L’industrie lourde coréenne, facteur économique principal de son succès dans le processus de modernisation se transforme en un objet culturel.

Choonman Jo révèle cette beauté de l’industrie lourde à la limite d’un « Obscène », « au delà de la scène ». L’industrie lourde n’est pas seulement une question d’acier et de béton, mais celle d’une réelle culture de l’ingénierie.

La Corée est connue pour la construction automobile, Daewoo, Hyundai, la construction navale et celle des téléphones portables et des écrans plats Samsung. Avec les photographies de Choonman Jo, aussi « brillantes » que ces produits industriels, la Corée s’est dotée d’une culture industrielle.

Young June Lee – critique photographique

Dates

Septembre 5 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 19 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Cité Radieuse Le Corbusier - Briey

1, Av. Dr Pierre Giry, 54150 Briey-en-Forêt

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mar01sep11 h 00 minven02oct(oct 2)18 h 00 min18th near Castro StreetHal FischerFuriosa, MonacoType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Inédite, et présentée dans le cadre de Manifesta 13 – Les Parallèles du Sud, la série 18th near Castro St. x 24 marque également la première présentation en France de l’œuvre d’Hal Fischer depuis Photography in California, 1945-1980, au Centre Pompidou en 1984.

Hal Fischer s’installe à San Francisco en 1975 – The City by the Bay est alors de plus en plus reconnue comme capitale emblématique de la culture gay (le terme LGBT n’existe pas encore). L’histoire militante de la ville est antérieure aux émeutes de Stonewall et à la création du mouvement moderne des droits des homosexuels. Figure emblématique de la photographie conceptuelle de la côte ouest américaine, Hal Fischer publie lors de la seconde moitié des années 1970 de nombreuses critiques dans Artweek, Artforum et Afterimage constituant un témoignage influent de l’esprit émancipateur et de l’effervescence intellectuelle de la scène californienne. Influencé par l’approche critique de Lew Thomas (chef de file du mouvement informel Photography and Language) et Donna-Lee Phillips, il poursuit l’investigation d’un nouveau langage basé sur l’équivalence du texte et de l’image en s’inspirant des principes du structuralisme énoncés par Claude Lévi-Strauss. Il sera également influencé par Against Interpretation de Susan Sontag (1966), The Structure of Art de Jack Burnham (1971), For a New Novel: Essays on Fiction (1965) d’Alain Robbe-Grillet ainsi que par la French Theory introduite aux États-Unis dans les années 1970. (1) Sur une période de trois ans, l’artiste initie un ensemble d’œuvres conciliant approche conceptuelle de l’image et du texte, et exploration personnelle de la vie urbaine à San Francisco.

En 1977, il présente lors de sa première exposition personnelle vingt-quatre photographies qui seront publiées par NFS Press (fondé par Lew Thomas et Donna-Lee Phillips) sous forme d’un livre d’artiste intitulé Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men. Largement diffusé dans la communauté gay et le milieu de l’art, la série proposant un lexique d’attraction inspiré des expériences personnelles de l’artiste dans les quartiers de Castro et de Haight-Ashbury sera rapidement reconnue comme l’une des premières œuvres conceptuelles associant structuralisme et photographie. (2) De ce fait, Hal Fischer procède à la déconstruction de la photographie comme système de représentation appliqué aux stéréotypes d’identification, de visibilisation et/ou d’invisibilisation d’une communauté. Parmi les plus commentées, la série comprenant la sous-série Fétiches inventoriant certaines pratiques gay BDSM, Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men, précède les premières réflexions de l’anthropologue américaine Gayle Rubin sur l’ethnogenèse de la sous-culture cuir à San Francisco et constitue à ce titre une contribution moins académique au domaine de recherche des Gay Studies. (3)

À travers 18th near Castro St. x 24 (1978), l’artiste poursuit son analyse de l’image avec l’introduction d’une nouvelle méthode d’enregistrement. Considérée comme une œuvre performative (a durational performance piece), la série se compose de vingt-quatre images d’un arrêt de bus situé à l’intersection de la 18th Street et de Castro Street prises toutes les heures sur une période de vingt-quatre heures à partir d’un point de vue fixe. Par la même, Hal Fischer subvertit l’illusion de l’objectivité photographique en associant les images à un texte objectif, théorique, autobiographique dont la dimension performative est celle d’un jeune homme aux revendications troublées par un rituel de séduction souligné par sa dépendance à l‘appareil photographique comme objet médiateur. Initiée sous forme d’installation murale en plusieurs parties, la série est publiée en tant que livre d’artiste par NFS Press en 1979, et sera ensuite présentée à l’occasion de Photographs and Words au San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco en 1981 (aux côtés de Lutz Bacher, Peter D’Agostino, Lew Thomas et Donna-Lee Phillips) pour finalement être rééditée comme un ensemble de vingt-quatre tirages en 2019. (4) Donnant son titre à cette exposition organisée dans le cadre de Manifesta 13, la série inédite en France marque également la première présentation de l’œuvre d’Hal Fischer depuis Photography in California, 1945-1980, organisée au Centre Pompidou en 1984.

Hal Fischer (né en 1950, Kansas City) vit et travaille à San Francisco depuis 1975. Il débute sa carrière comme artiste et devient rapidement critique d’art. Il est membre fondateur de San Francisco Camerawork – l’un des plus anciens artist-run-spaces dédiés à la photographie aux États-Unis. Ses œuvres font partie de prestigieuses collections : Museum of Modern Art – New York, San Francisco Museum of Modern Art – San Francisco, Fotomuseum Winterthur – Winterthur, Los Angeles County Museum of Art – Los Angeles et J. Paul Getty Museum – Los Angeles. Parmi ses expositions récentes, notons : Hal Fischer, Gay Semiotics and other major works (Gallery of Modern Art, Glasgow), Thought Pieces: 1970s Photographs by Lew Thomas, Donna-Lee Phillips and Hal Fischer (San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco) et Masculinities: Liberation Through Photography (Barbican Center, London, et Martin-Gropius-Bau, Berlin).

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1- Hal Fischer en conversation avec Glyn Davis, organisé dans le cadre de l’exposition Hal Fischer Gay Semiotics and other work, GoMA, Gallery of Modern Art, November 2019 – Mai 2020.

2- Texte introductif à la série Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men (1977) publié sur le site personnel de l’artiste.

3- Gayle Rubin est universitaire activiste fondatrice de Samois : la première organisation BDSM lesbienne de San Francisco. Elle mène des recherches sur la culture cuir depuis la fin des années 1970 procédant à l’examen d’une pratique non pas du point de vue d’une entité clinique ou d’une catégorie de psychologie individuelle mais plutôt comme une communauté sociale avec une histoire, un territoire, une structure institutionnelle et des modes de communication. Dans un entretien avec Judith Butler, elle fait mention de ces recherches ayant largement contribuée à son installation à San Francisco en 1978. Sexual Traffic, Entretien entre Gayle Rubin et Judith Butler, Differences: A Journal of Feminist Cultural Studies, 1994.

4- Photographs and Words, 24 Juillet – 30 Août 1981, co-curaté par Lew Thomas et Van Deren Coke, San Francisco Museum of Art, San Francisco, Archives San Francisco Museum of Art, San Francisco, USA.

☛

https://f-u-r-i-o-s-a.com/

Dates

Septembre 1 (Mardi) 11 h 00 min - Octobre 2 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Furiosa

Monaco

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mer23sep(sep 23)11 h 00 min2021dim03jan(jan 3)20 h 00 minCindy ShermanFondation Louis Vuitton, 8 Avenue du Mahatma Gandhi, 75116 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Fondation présente la première exposition de Cindy Sherman en France depuis 14 ans.

Dans une scénographie conçue en étroite collaboration avec l’artiste américaine, cette présentation embrasse l’ensemble de sa carrière, tout en mettant l’accent sur ses travaux réalisés depuis le début des années 2010 jusqu’à un ensemble d’œuvres très récentes et inédites.

Cette rétrospective (1975-2020), rassemble 170 oeuvres, soit plus de 300 images articulées par séries parmi lesquelles, Untitled film stills, Rear Screen Projections, Fashion, History Portraits, Disasters, Headshots, Clowns, Society Portraits, Murals, Flappers et une nouvelle série présentant des figures masculines et des couples.

Parallèlement à cette rétrospective, la Fondation propose une nouvelle présentation de La Collection, Crossing Views, une sélection d’œuvres de la Collection de la Fondation choisies en dialogue avec Cindy Sherman elle-même. En écho à son œuvre, le parcours est centré sur le thème du portrait et ses interprétations à travers différentes approches et médiums : peinture, photographie, sculpture, vidéo, installation. L’exposition réunit quelque vingt artistes français et internationaux, de générations et d’horizons différents, autour d’une soixantaine d’œuvres, dont nombreuses n’ont encore jamais été montrées à la Fondation.

Dates

Septembre 23 (Mercredi) 11 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

Fondation Louis Vuitton

8 Avenue du Mahatma Gandhi, 75116 Paris

Fondation Louis Vuitton8 Avenue du Mahatma Gandhi, 75116 ParisOuvert tous les jours de 11h à 20h sauf le mardi

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sam05sep(sep 5)12 h 00 minsam24oct(oct 24)18 h 00 minBorderlinePaul D’Haesehangar photo art center gallery, 18, Place du Châtelain 1050 BrusselsType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Hangar présente le dernier travail de l’artiste belge Paul D’Haese, Borderline. Cette nouvelle série photographique a été réalisée lors de randonnées le long de la côte du nord de la France. Paul D’Haese s’est concentré sur la frontière entre le pays bâti et le large.
La côte du nord de la France est marquée par l’histoire : le mur de l’Atlantique, la libération, les camps de réfugiés. Dans cet esprit et de manière non documentaire, l’artiste a étudié toutes sortes d’interactions : celle entre la terre et la mer, le solide et le trouble, l’intérieur et l’extérieur, l’enfermé et le délivré. Paul D’Haese a lié ces thèmes à la recherche d’identité, avec comme extrême, le trouble de la personnalité “borderline”.
Paul D’Haese a eu l’idée d’explorer cette frontière pour la première fois il y a trois ans.
Depuis, il a suivi un itinéraire d’environ 350 km à vol d’oiseau de Bray-Dunes au Havre.
Il a traversé, avec son appareil photo, une cinquantaine de villages et villes, d’abord en voiture, puis à vélo, et enfin à pied.
Borderline suit Winks of Tangency, projet pour lequel il n’avait “touché” que la surface, l’écran, le mur, la bordure. Cette fois, il a perforé la frontière en la photographiant.
Comme pour son projet précédent, l’exposition fait l’objet d’une publication : « Borderline ». Co-édité par Hangar et Stockmans Art Books.

Biographie/ Né en 1958 à Ninove, Belgique. Vit et travaille à Ternat (Belgique). Paul D’Haese a travaillé en tant qu’architecte d’intérieur puis s’est formé à la Photography Academy de Sint Niklaas et à Anderlecht. Il a suivi une masterclass avec le photographe britannique John Davies. Il participer à diverses expositions en Belgique : M. Musée (Louvain), Musée de la photographie (Charleroi), Fusée de la Motographie (Bruxelles), Land van Waaslaan (Gand) ou encore au Hangar durant PhotoBrussels Festival 03, en 2018.
En 2016, il est lauréat du Magnum Photography Award avec Belgopolis puis avec Building an imaginary city en 2017. En 2018, sa série Stuffy Shell est sélectionnée pour les Sony World Photography Awards.
Ses photos sont rassemblées dans les publications suivantes : Dagblind (2010) et Winks of Tangency (2018). En 2020, il publie son troisième livre Borderline qui coïncide avec son exposition éponyme au Hangar.

Dates

Septembre 5 (Samedi) 12 h 00 min - Octobre 24 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

hangar photo art center gallery

18, Place du Châtelain 1050 Brussels

hangar photo art center gallery18, Place du Châtelain 1050 BrusselsOuvert du mardi au samedi de 12:00 à 18:00

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