Ça s’est passé un 4 juillet, mort de Marie Curie

Marie Curie dans son laboratoire de la rue Cuvier © Henri Manuel - Musée Curie

L'Ephéméride

by La Rédaction on 4 juillet 2019

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Ça s’est passé un 4 juillet, mort de Marie Curie

Temps de lecture : 20 secondes

Le 4 juillet 1934, la scientifique franco-polonaise Marie Curie meurt à l’âge de 66 ans. Véritable pionnière dans son domaine, elle est la première femme à avoir reçu un prix Nobel. Son exposition à la radioactivité provoquera de nombreux problèmes de santé. Atteinte d’une leucémie radio-induite, elle décèdera d’une anémie aplasique…

Photo : Visuel issu de l’exposition « Marie Curie, une femme au Panthéon » présentée en 2018 au Panthéon.

A LIRE
Marie Curie. La savante aux deux Prix Nobel et le roman de sa vie au Panthéon
Portrait de Femmes : Marie Curie, Pionnière femme de science

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

jeu10sep(sep 10)12 h 00 minsam31oct(oct 31)19 h 00 minThe SomnambulistRalph GibsonGalerie Thierry Bigaignon, 9 rue Charlot 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour marquer le cinquantième anniversaire de la première des trois séries emblématiques qui ont fait la renommée mondiale de Ralph Gibson dès le début des années 1970, la Galerie Thierry Bigaignon expose l’intégralité des images de la série The Somnambulist, et propose un face-à-face inédit en dévoilant également les toutes dernières réalisations du maître américain.

THE SOMNAMBULIST : LA GENÈSE D’UNE SÉRIE MYTHIQUE

Publiée en 1970 comme la première de trois séries, qui, complétée des volumes Déjà-Vu (1973) et Days at Sea (1974) sera ultérieurement connue sous le nom de The Trilogy (La Trilogie), l’édition de The Somnambulist constitue l’une des formes les plus accomplies du livre d’artiste à une époque où ce support est encore loin de devenir un fait culturel, où la conception du livre photographique est encore largement marquée par le photo-journalisme. Pour mener à bien son projet et face aux refus des maisons d’édition traditionnelles, Ralph Gibson n’a d’autre choix que de s’improviser éditeur, et crée les éditions Lustrum Press.
Influencé par le cinéma de la Nouvelle Vague française (Jean-Luc Godard ou Alain Resnais) et le Nouveau Roman (Michel Butor ou Alain Robbe-Grillet), il propose une mise en page radicalement nouvelle, et illustre la recherche d’un langage photographique autonome et novateur, se passant de texte.
Ralph Gibson construit alors un ensemble cohérent à partir d’images qui toutes possèdent leur propre autonomie visuelle et crée un nouveau type d’ouvrage conçu comme une oeuvre d’art à part entière. Succès mondial.

LA NAISSANCE D’UNE SIGNATURE UNIQUE

Cinquante ans après leur parution, les images de The Somnambulist gardent en elles le souvenir d’un voyage mêlant rêve et réalité. À travers elles, nous explorons un territoire mental de l’entre-deux, où contrastes formels et métaphores visuelles soulignent l’intérêt que Ralph Gibson a toujours manifesté pour des images à caractère surréaliste.
Portes, fenêtres, pare-brise et autres miroirs s’ouvrent sur un monde subtil et parfois ambigu. Des cadrages serrés, des lignes pures, des compositions aux contrastes marqués qui présentent tour à tour des détails architecturaux ou les fragments d’un corps. De somptueux contrastes noir et blanc, un dialogue mêlé d’audace et d’élégance que l’artiste expose au grand jour dès 1970 et qui deviendront rapidement sa signature visuelle.

UN FACE-À-FACE INÉDIT ENTRE DEUX ÉPOQUES !

La parution de The Somnambulist marque un tournant dans l’histoire de la photographie, et les images qui composent la série semblent sans âge, hors du temps. Ralph Gibson n’a pour autant jamais cessé de se réinventer, gardant fraîcheur et curiosité, s’emparant des évolutions technologiques. Au début des années 2000, tout en conservant une signature si singulière, Ralph Gibson s’empare du numérique pour repenser une fois de plus sa photographie, la photographie.
Quoi de mieux alors qu’un face-à-face inédit entre deux époques ! « Pour cet anniversaire nous avons non seulement souhaité montrer l’intégralité de la série, c’est-à-dire les 48 tirages argentiques noir et blanc au format du livre original, tout en confrontant ses photographies iconiques à la production récente de l’artiste, des tirages numériques couleur grand format », nous confie Thierry Bigaignon. Et d’ajouter : « Cette confrontation entre images historiques et oeuvres inédites montrent à quel point Ralph Gibson a toujours été et est toujours à l’avant-garde ! ».
Les photographies argentiques font l’objet pour l’occasion d’une édition spéciale anniversaire, tirées à 3 exemplaires et au format 20×25 cm pour respecter le format original du livre. Pour chaque image, deux exemplaires sont disponibles à l’unité. Un coffret collector, « The Somnambulist 1970-2020 », regroupe quant à lui le troisième exemplaire des 48 images de la série, un livre vintage signé par l’artiste (première édition de 1970), ainsi qu’une édition anniversaire de ce même livre.

UNE ÉDITION ANNIVERSAIRE DU LIVRE « THE SOMNAMBULIST »

Une édition spéciale 50ème anniversaire du livre The Somnambulist, publiée par the(M) éditions, complètera le dispositif de cette exposition événement. Ce livre anniversaire, signé et édité à 50 exemplaires seulement, est proposé avec une couverture unique pour chaque exemplaire.
Lancement et signature le soir du vernissage, jeudi 26 mars 2020 à la Galerie Thierry Bigaignon.

Dates

Septembre 10 (Jeudi) 12 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thierry Bigaignon

9 rue Charlot 75003 Paris

Galerie Thierry Bigaignon9 rue Charlot 75003 ParisLa Galerie Thierry Bigaignon est exclusivement dédiée à la photographie. La galerie met l’accent sur une programmation internationale et entend défendre une certaine vision de la photographie : une photographie classico-contemporaine, une photographie éclectique et exigeante. Ouvert du mardi au samedi de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

jeu24sep0 h 00 minjeu24déc0 h 00 minSelfies Ego / EgauxCommissariat d'Olivier Culmann assisté de Jeanne ViguiéVilla Pérochon, 64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition est née avec la volonté d’interroger cette pratique populaire et contemporaine pour un large public, afin de permettre, entre autres, aux parents de comprendre les usages qu’en font leurs enfants, et leurs enjeux, tout en y apportant un regard neuf et critique. Finalement cette pratique questionne l’identité, la représentation de chacun, l’individu et le groupe, mais aussi la perception du groupe des images diffusées par un individu.

Cette exposition a été créée il y a un an à l’occasion du festival Portrait(s) à Vichy. À Niort, ce sera sa deuxième présentation. Olivier Culmann, membre de Tendance Floue, que nous avons accueillis lors des Rencontres de la jeune photographie internationale en 2016 avec notamment la série The Others, en est le commissaire assisté de Jeanne de Viguié.
Il interroge cette pratique populaire qui a envahi les réseaux sociaux. Avec l’humour et l’intelligence qui le caractérise, il nous livre le résultat de cette enquête par une réflexion approfondie sur cette révolution photographique et sociale, au travers d’une exposition foisonnante.

La photographie a connu ces dernières années une véritable révolution. Alors que depuis sa création, l’appareil photographique était dirigé – comme notre œil – de soi vers les autres, sa direction s’est brusquement inversée.
Je m’interroge depuis longtemps sur les raisons qui ont poussé à ce retournement vers nous-mêmes.
Comme beaucoup, je n’y ai d’abord vu que l’expression d’une époque individualiste et par conséquence d’un comportement purement égocentrique.
La série Seoulfie, que j’ai réalisée en Corée en Sud en 2014, est née de cette interrogation et proposait une « visite » de Séoul à travers ce mode opératoire de l’égoportrait.
Pourquoi, à un moment donné, avons-nous ressenti le besoin de cette inversion ?
Le mot selfie a été utilisé pour la première fois en 2002 par un étudiant australien ayant pris une photo de sa lèvre tuméfiée à la suite d’une soirée trop arrosée, afin de la transmettre à des médecins pour obtenir un diagnostic. Les jalons étaient ainsi posés. Car, bien que le mot ne soit entré dans le dictionnaire qu’une dizaine d’années plus tard, cette anecdote fondatrice rejoint la définition même du selfie : il est un autoportrait réalisé pour être envoyé à un (ou plusieurs) tiers.

Ainsi, la fonction principale du selfie est-elle de l’ordre du moyen de communication (ce qui peut même aller jusqu’à débarrasser le selfie de la nécessité de pérennité propre à la photographie : un selfie peut éventuellement disparaître après réception, comme dans l’application Snapchat par exemple). Il fut une époque où l’on s’envoyait des lettres, puis une autre où l’on se passait des appels téléphoniques, puis des messages textes et aujourd’hui l’on s’envoie des photos de soi-même pour rendre compte d’une situation : « Regarde, je suis à la plage, je suis heureux et je te le dis. »

En cela, le selfie, contrairement à la majorité des types photographiques, n’a nul besoin d’être esthétique pour exister. Au contraire, il sera plus accessible et invitera davantage à une réponse s’il reste visuellement « modeste ». Beaucoup le mépriseront ainsi pour sa « pauvreté » esthétique et n’auront de cesse que de le réduire à son caractère égocentrique. On est en droit de ne pas l’apprécier, mais on ne peut nier qu’il prolonge l’histoire et l’évolution d’une photographie rendue petit à petit accessible au plus grand nombre.

Je ne serais pas surpris que dans un avenir plus ou moins lointain, le selfie – comme bon nombre d’autres types photographiques « non professionnels » – nous offre davantage d’informations sur notre époque, nos sociétés et nos façons de vivre que les productions qui se veulent documentaires ou journalistiques.
Pour aller plus loin, j’oserais l’hypothèse que l’intérêt de la photographie réside souvent, non pas dans ce qu’elle montre, mais dans ce que sa forme et l’utilisation que nous en faisons racontent de nous-mêmes.

Olivier Culmann

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min

Lieu

Villa Pérochon

64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9

Villa Pérochon64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Du mardi au samedi de 13h30 à18h30. Fermée les jours fériés. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

ven04sep(sep 4)11 h 00 minsam07nov(nov 7)20 h 00 minIt’s Alive!Estelle HananiaLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre de la programmation du Studio, consacré aux artistes émergents, la MEP présente It’s Alive!, une exposition de la photographe française Estelle Hanania, consacrée au travail de la metteuse en scène et chorégraphe Gisèle Vienne, notamment autour des marionnettes et de la ventriloquie.

Estelle Hanania s’est déjà intéressée au folklore, se focalisant sur les pratiques liées aux rites, costumes et masques vernaculaires, qu’elle utilise pour aborder la problématique plus large des mécanismes qui forgent l’identité. À travers sa pratique, elle s’intéresse à ce qui rend le corps humain unique, aux nombreuses transformations qu’il peut subir, par le costume ou le déguisement notamment. Ses séries de photographies sont le fruit de projets et de recherches menés sur de longues périodes, au cours desquelles se noue une relation étroite avec les gens ou les communautés qu’elle immortalise. Son goût pour les traditions ancestrales et les pratiques culturelles l’ont conduite en Indonésie, au Japon et dans les régions montagneuses d’Europe. Son approche artistique n’est en revanche ni documentaire ni anthropologique : elle ne cherche pas à prouver ni à illustrer une théorie. Ses sujets, au contraire, restent nimbés de mystère.

Le point de départ de cette exposition, It’s Alive! est le dernier livre éponyme d’Estelle Hanania, publié par Shelter Press, qui revient sur les dix années de collaboration entre la photographe et l’artiste et metteuse en scène Gisèle Vienne.

À partir des spectacles chorégraphiés par Gisèle Vienne, qui a souvent recours aux marionnettes ou à la ventriloquie, Estelle Hanania a créé des séries qui sont à mi-chemin entre réalité et fiction, entre le perceptible et l’invisible. Ses photos, loin d’un compte-rendu documentaire, mettent en lumière ce qui est moins tangible pour le spectateur. Ce ne sont pas de simples photos prises au cours des spectacles ou des répétitions : l’artiste ne fournit au spectateur aucune information claire et lisible. Prenant ses distances avec les représentations traditionnelles du théâtre, elle s’intéresse aux détails qui interviennent loin du plateau, hors cadre. Ici, ce sont les fragments, les indices qui permettent au spectateur de reconstituer une histoire. La figure humaine occupe une place essentielle dans le travail d’Estelle Hanania comme dans celui de Gisèle Vienne, elles jouent toutes deux sur la confusion entre animé et inanimé afin de laisser planer une forme d’incertitude dans l’esprit du spectateur.

ESTELLE HANANIA
Estelle Hanania, (née en 1980, vit et travaille à Paris) est diplômée des Beaux-Arts de Paris et lauréate du prix de photographie du Festival de Hyères.

En 2008 elle débute une collaboration avec la metteuse en scène, chorégraphe et artiste Gisèle Vienne dont est issu l’ouvrage It’s Alive! – À travers l’oeuvre de Gisèle Vienne, publié aux Éditions Shelter Press, qui présente un vaste ensemble de photographies réalisées sur une dizaine d’années.

Elle réalise avec l’artiste Christophe Brunnquell une collaboration photographique au long cours intitulée La Guerre du Feu qui donnera lieu à une publication en 2021 et à une série d’expositions. Le travail d’Estelle Hanania a bénéficié d’expositions à l’international et a été montré dans des revues comme M le magazine du Monde, Another magazine, T: The New York Times Style Magazine, Mémoire Universelle. Elle a publié plusieurs livres dont notamment Happy Purim et Glacial Jubilé (Éd. Shelter Press).

En parallèle à ses projets personnels Estelle Hanania collabore régulièrement avec des maisons de modes (Dior, Nina Ricci, Lemaire…).

Dates

Septembre 4 (Vendredi) 11 h 00 min - Novembre 7 (Samedi) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

Calendrier GoogleCal

jeu03sep(sep 3)14 h 00 mindim25oct(oct 25)19 h 00 minExposition anniversaire ! Galerie Charlot ParisGalerie Charlot, 47 rue Charlot, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Charlot, basée à Paris et Tel Aviv, célèbre son dixième anniversaire avec une exposition anniversaire à Paris, présentant le travail des artistes représentés, illustrant la diversité des approches aux médias sur plusieurs générations.
Parmi les artistes exposés figurent Anne-Sarah Le Meur, Antoine Schmitt, Dominique Pétrin, Eduardo Kac, Eric Vernhes, Flavien Théry, Laurent Mignonneau & Christa Sommerer, Manfred Mohr, Nicolas Sassoon, Nikolas Chasser Skilbeck, Quayola, Sabrina Ratté, Thomas Israel, Zaven Paré.
Depuis 2010, la Galerie Charlot développe son programme sur la relation entre l’art, la technologie et la science, en exposant des artistes établis, à mi-carrière et émergents, couvrant un éventail de médias allant du traditionnel à l’expérimental.
Ce 10e anniversaire intervient au moment où l’art médiatique fait l’objet d’une attention nouvelle, grâce à des expositions marquantes de ces dernières années, telles que «Electronic Superhighway (2016)» à la galerie Whitechapel, «Artists & Robots» au Grand Palais (2018), «Coder le monde» au Centre Pompidou (2018) ou «Programmed : Rules, Codes and Choreographies in Art» au Whitney Museum (2019)…
Si les premières oeuvres de l’exposition remontent au début des années 1970 (dessins algorithmiques de Manfred Mohr), des oeuvres d’artistes émergents – dont Quayola, Sabrina Ratté, Flavien Théry – témoignent de l’engagement d’une nouvelle génération d’artistes dans la technologie contemporaine. Dans leurs pratiques respectives, ces artistes utilisent des logiciels en 3D, des animations générées par ordinateur, des scanners laser 3D et les mécanismes de la perception.

Dates

Septembre 3 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 25 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Charlot

47 rue Charlot, 75003 Paris

Galerie Charlot47 rue Charlot, 75003 ParisOuvert tous les jours de 14h à 19h sauf le lundi et dimanche

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jeu17sep14 h 00 minsam17oct19 h 00 minJorge Amat en démineur des songesgalerie Raulin-Pompidou, 37 rue Chanzy 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Tout commence avec les rêves, instable soubassement des nuées du réel – à croire que l’image en procède. Les globes oculaires roulent dans l’orbe des mondes et s’emplissent « des ombres et des reflets qu’on voit dans les eaux » (Platon). Pour Jorge Amat, cinéaste libertaire engagé, maître du reportage rétrospectif et du film documentaire mêlant plans fixes et paroles vivantes, la pratique du montage est à ce point prioritaire que, s’arrêtant aujourd’hui au plan, à l’image, il va effectuer sur celle-ci une investigation verticale, en profondeur comme en surface, au moyen du collage interprétatif, d’un exercice de détournement narratif quasi allégorique, de dramatisation baroque d’une représentation conventionnelle (clichés de famille, photos anciennes) ou privilégiée (ruines, intérieurs délabrés, paysages photographiés pour leur instance évocatoire). L’image devient en soi invitation onirique, manière de séance filmique instantanée. Aussi, peu importe qu’elle soit prise sur le vif, en maraude dans les labyrinthes intriqués de la réalité et de la mémoire, ou pêchée à main nue dans quelque vieille boite à chaussures ou album séculaire au fond d’une brocante.
La magie de la photographie argentique, cette fixation de l’image par usage de procédés physico-chimiques, réside dans sa possibilité même : que le regard puisse s’objectiver “sans recours aux transmissions toutes conventionnelles d’un langage” (Paul Valéry), tient son prodige de la nature photonique de la lumière et des vertus afférentes des sels d’argent.

Par sérendipité – un de ces heureux hasard transformés en expérience –, on aurait pu découvrir bien avant Niepce et Daguerre, au secret de quelque chambre noire circonstancielle, le principe de l’impression optique, grâce au bitume d’argent connu depuis l’Antiquité. À côté de la photographie numérique, l’effet miraculeux de véronique (ou d’image d’Edesse) des bons vieux calotypes demeure pour nous à peu près intact : l’instant qui passe, fixé dans son mouvement subtil et son détail, toute cette fugacité expressive que le peintre a longtemps induit sans vraiment la circonscrire, depuis les Bellini, Léonard ou Bruegel – et bien avant que ne tente de l’investir plus tard, au terme du décrochement figuratif, l’abstraction en ses diverses approches –, gardent leur mystère sous forme d’icônes labiles, empreintes des passions défuntes ou simples pelures du temps. C’est en 1800 que Wedgwood conçut ce qu’il nomme “le dessin photographique”; d’emblée, l’écriture de la lumière fut donc pensée comme une captation d’essence esthétique. Mais après Talbot et Nadar, l’impression objective de l’image vint concurrencer la peinture tout en libérant celle-ci d’un stade du miroir multiséculaire. Au-delà du pictorialisme, à mesure que les perfectionnements de la technique rapprochaient du simple regard les modalités d’investigation photographique, Man Ray, Raoul Ubac, Brassaï, Wols et quelques autres interrogèrent souvent en peintres ce mode d’effraction des apparences.

De tempérament baroque, avec des échappées de funambule ou d’homme-oiseau épris du vertige des perspectives, Jorge Amat poursuit son énigmatique exercice d’effeuillage intrapsychique. En cette partie très disserte de ses chroniques du regard, il collecte les supports avec une ivresse d’iconolâtre sacrilège. L’oxymore règne dans ces productions néo-picturales qui mettent en jeu les violentes dualités du sexe et de la mort, des traditions les plus consensuelles et de leur jubilatoire profanation, du sacré toujours agissant au revers de ses allègres violations. Le croisement (du vivant et de l’inerte), les fastes réversibles du vêtu et du dévêtu, de l’exhibé et du dissimulé, l’invocation théâtrale de la Mort, squelettes et sépulcres, sur fond de déliquescence archéologique ou paysagère, de menace de ruine et d’effacement : symbolisme et matiérisme partout s’opposent et s’étreignent. Tout est palimpseste dans l’œil du rêveur. Amat récupère et recycle en courtier d’un autre monde les accessoires oubliés, objets orphelins des rues, des décharges enchantées ou des arrière-boutiques.
Détournées avec une ferveur nécrophile, les photos de mariage, rurales, populaires ou façon Belle Époque, les intérieurs pourrissants avec ou sans personnages, toutes les épaves des vies closes exaltées dans leurs immersions chimériques, subissent pareillement le travail du rêve : altération, distorsion, hybridation. Amat nous instruit des lendemains de l’apocalypse, en héritier du surréalisme bunuélien comme de l’art espagnol des vanités.

Passer une nuit en prison, dit à peu près Werner Herzog, peut être une bonne chose si cela permet de réussir une photo. Dans cet esprit, l’intrépide Amat n’hésiterait pas à loger une nuit en enfer. Son théâtre baroque où défilent les cimetières et les palais, les souterrains pulvérulents et les cabinets d’illusions semble n’avoir pour principe et enjeu que les métamorphoses de l’apparence entre l’abîme des coulisses et les ténèbres de l’avant-scène. L’art est une machine infernale qu’il faut savoir manier en démineur.

Hubert Haddad

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 17 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

galerie Raulin-Pompidou

37 rue Chanzy 75011 Paris

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Ça s’est passé un 24 septembre : Décès de Jean-Claude Gautrand

Carte blanche à Béatrice Tupin : Lisa Roze et Jill Freedman

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