LUX, pour un secteur plus responsable. Rencontre avec Sylvie Hugues et Marion Hislen

Photo : © Karla Vinter-Koch

Le festival PhotoSaintGermain revient pour sa 14e édition et propose de célébrer la photographie autour d’un parcours d’expositions libres d’accès dans une sélection d’institutions, de lieux atypiques, d’écoles, de galeries et de librairies de la rive gauche.

Présentant une programmation riche et contemporaine, PhotoSaintGermain pense et produit plusieurs expositions originales et projets inédits – en complément des expositions initiées par les galeries du quartier.

Une belle occasion de découvrir de nouveaux talents et de redécouvrir des grands noms en faisant vivre la photo autrement !

Découvrez la programmation > http://www.photosaintgermain.com/editions/2025/parcours

Photo : © Julie BALAGUÉ, Fragments, série Anatomie de l’Invisible, 2024 / courtesy de l’artiste

Depuis 2020, le festival Photo Days fédère chaque année en novembre musées, institutions culturelles, galeries, fondations, foires et festivals pour faire découvrir aux amateurs et aux curieux toute l’étendue de la production photographique mondiale.

Mais la principale ambition de Photo Days est de faire découvrir des lieux d’exception à travers des travaux inédits réalisés sur mesure par des artistes peu ou méconnus, comme de renommée internationale. Depuis 2020, 30 expositions ont ainsi été réalisées dans des lieux atypiques.

À travers ces commandes aux artistes, Photo Days soutient la création contemporaine avec conviction. En 2024, Photo Days a publié, grâce au soutien de la Fondation Antoine de Galbert, un catalogue rétrospectif des cinq années de commande pour le festival. Alkis Boutlis, Bernard Plossu, The Crown Letter, Daniel Blaufuks, Jane & Louise Wilson, Noémie Goudal, Anaïs Tondeur, Valérie Belin, Nancy Wilson-Pajic, Yann Toma, Gregor Hildebrandt, Flore, Mohamed Bourouissa, Radenko Milak, Georges Rousse, Jean-Michel Fauquet, Pieter Hugo, Véronique Ellena, Sophie Hatier, Elger Esser, Costanza Gastaldi, Olivia Bee, Rinko Kawauchi, Juliette Agnel, Carline Bourdelas, Fatoumata Diabaté, Letizia Le Fur, Ariane Michel : toutes et tous ont réalisé des travaux spécifiques dans le cadre de Photo Days. À noter : la programmation s’avère, de manière naturelle et sans porte-étendard, à 75% féminine sur cinq ans. Autre caractéristique : Photo Days défend la scène française, sans exclusive pour autant puisque tous les ans des artistes internationaux sont invités.

Dans le cadre de sa mission, l’association Photo Days a développé les secteurs de la formation et de l’éducation, avec des lectures de portfolios gratuites pour les photographes et l’organisation de workshops. Le festival organise sur réservation des rencontres avec les artistes et des visites guidées gratuites pour tous. Ces visites commentées permettent au public non avisé de se familiariser avec le médium photographique. La vidéo est aussi largement représentée, avec en points d’orgue la remise aux diplômés du Fresnoy du prix StudioCollector de Jean-Conrad et Isabelle Lemaître.

Enfin, Photo Days porte une attention toute particulière aux questions relatives à l’environnement, en privilégiant les circuits courts pour la production des œuvres afin de minimiser la consommation d’énergie liée aux transports, en pérennisant les œuvres, les tirages produits pour les expositions ne sont pas détruits et peuvent être recyclés, comme l’installation monumentale de Noémie Goudal à la Gare de l’Est (en 2021) transformée en tote-bags, ou encore les tirages sur soie de Rinko Kawauchi convertis en foulards.

Pour sa 6e édition, à côté des lieux désormais classiques du festival, Sorbonne Artgallery et la Rotonde Balzac de la Fondation des Artistes, Photo Days investit de nouveaux lieux emblématiques : le cinéma Le Louxor, le Studio Harcourt, la Chapelle Saint-Louis de la Pitié-Salpêtrière, et L’École des Arts Joailliers.

Découvrez la programmation
> https://photodays.paris/

Photo : SANDRA MATAMOROS
CORPS CÉLESTES
Inox miroir, impression en sublimation UV, 2024 – 2025

Lors d’un mois d’expositions et d’événements situés dans l’Est et le centre de Paris, la Biennale de l’Image Tangible présente une sélection d’oeuvres qui tendent à s’émanciper d’un usage classique du médium photographique.
Que ce soit à la recherche de nouveaux supports, de techniques hybrides ou d’un nouveau rapport à la réalité, cet événement tend à démontrer que la photographie ne cesse jamais d’inventer. En cela, la Biennale de l’Image Tangible accompagne l’émergence de nouveaux langages et de nouvelles pratiques liés à la photographie : une photographie qui bouscule les hypothèses du réel, une photographie qui change de nature, de forme et de postulat, et qui participe ainsi à un élargissement du champ de sa discipline.
La quatrième édition de la Biennale de l’Image Tangible se déroulera en novembre, autour d’une exposition centrale à l’Espace Niemeyer et plusieurs expositions dans Paris. Ainsi que d’un prix Instagram et un projet dans l’espace public.
L’équipe de la Biennale de l’Image Tangible

Les événements – BIT20 • Paris

La quatrième édition de la Biennale de l’Image Tangible se déroulera en novembre, mois de référence à Paris. Deux pôles géographiques ont été retenus, Paris Centre et l’Est Parisien.
Sa programmation s’articule autour d’une exposition centrale et de cinq expositions réunissant les artistes lauréats de l’appel à projet, sélectionnés par un jury de professionnels du monde de l’art, de l’image et de la photographie, et d’artistes invités. Les événements se dérouleront du 1 au 30 novembre 2025.

Avec la participation de : Pooya Abbasian / Matthieu Boucherit / Leyla Cardenas / Popel Coumou / Màté Dobokay / Sandrine Elberg / Gabriele Engelhardt / Frédéric Froument / Olivier Gain / Mihai Grecu / Céline Guillerm / Julie Hrncirova / Morvarid K / Laurent Lafolie / Thomas Leon / Sandra Matamoros / Ivan Murit / Tami Notsani / Alice Pallot / Ming Pang / Richard Pak / Johan Parent / Florence Pinson Ynden / Marine Pistien / Flore Prebay / Kia Sciarrone / Marleen Sleeuwitz / Clara de Tezanos / Dora Tishmann / Sarkis Torossian et Elise Morin / Géraldine Wilcke / Esmee Van Zeeventer / Maxim Zmeyev / Anouk Kruithof / EncorStudio.

Leurs oeuvres seront présentées dans les lieux et galeries suivants : Espace Niemeyer, Plateforme, Galerie Fisheye, Julio Artist Run Space, 100 ECS, Atelier Néerlandais.

– Une soirée concerts multimédias le 6 novembre à l’Espace Niemeyer avec Hugo Arcier, Annabelle Playe, Marc Siffert / inLAND, et Antoine Schmitt et Franck Vigroux / Vidéopolis.
– Deux parcours week-end proposant une balade artistique dans les quartiers du grand Est parisien et du Centre. Durant deux week-ends, les artistes, galeristes, commissaires et organisateurs de l’événement vous accueillent dans 6 expositions pour échanger autour des œuvres présentées.
– Un prix Atelier Martel, en partenariat avec la Biennale, Atelier Martel délivre un prix à deux degrés : une exposition personnelle de trois mois dans ses locaux, et l’association du ou de la lauréat·e à l’équipe de maîtrise d’œuvre dans le cadre de la construction d’un bâtiment. Selon les opportunités, il ou elle pourra disposer d’un lieu de résidence dans un bâtiment à la charge d’Atelier Martel qui en assure la maîtrise d’œuvre des travaux.
– Des lectures de portfolios en collaboration avec le réseau LUX.

Pour une image tangible

La photographie d’aujourd’hui semble s’être libérée de son attachement initial à la représentation de la réalité. Dès lors que le pixel s’est substitué au grain d’argent, le médium a changé de nature à l’aune d’une révolution industrielle que personne, pas même Kodak, n’avait vu venir. Avec elle sont nées de nouvelles pratiques et de de nouveaux acteurs. Ouvrant de nouvelles voies plus évidentes à mettre en oeuvre, les artistes plasticiens se sont engouffrés dans la brèche. Investissant aussi bien les mondes numériques que les procédés anciens, beaucoup en sont venus à abandonner la planéité initiale du tirage pour s’exprimer dans de nouvelles dimensions. Par exemple produire des images en volume, des images dont on peut faire le tour, des images que l’on peut toucher, ainsi pouvons-nous parler d’image tangible et par extension ranger dans cette nouvelle famille tout ce qui s’écarte d’un usage classique du médium. Nous assistons en conséquence à une hybridation de la photographie avec d’autres disciplines, ce qui témoigne d’une évolution majeure à même de renouveler le genre.

En cela la photographie perdure à être le reflet d’une époque. La nôtre est hybride dans bien des domaines. Dans l’art, la science, l’industrie et même la politique, les temps sont ouverts à bien des expérimentations favorisées en elles-mêmes par un environnement global et mondialisé. Partout sur la planète se met en oeuvre un décloisonnement des disciplines, un mix technologique dans lequel chacun puise et combine ses ressources. La photographie n’y échappe pas et expérimente avec une infinité de moyens disponibles. C’est ainsi que se mêlent photo, 3D, vidéo, internet, art numérique et même performances aboutissant à de multiples formes jusqu’à l’installation. Que reste-t-il de la technique ou de l’intention photographique initiale ? Toujours un regard sur le monde mais un regard augmenté et beaucoup plus complexe à déchiffrer. La somme des techniques mises en oeuvre favorise une démarche conceptuelle et c’est là tout l’apport des plasticiens qui ont investi en masse la discipline. Celle-ci s’éloigne irrémédiablement d’une pratique pure et classique à l’heure où paradoxalement chacun peut se proclamer photographe par le simple usage de son smartphone. La seule issue pour la photographie dite créative consiste donc à accepter un peu d’impureté, cette dernière enrichit considérablement le champ de recherche et ouvre de nouveaux horizons tant sur la forme que sur le fond. A mesure que l’époque avance, d’autres technologies viennent encore enrichir le médium. Aujourd’hui l’intelligence artificielle commence à se faire une place et pose bien des questions en remettant en cause le rôle et la place de l’artiste. Celui-ci n’a d’ailleurs pas attendu pour s’en emparer sous la forme d’un jeu ou parfois d’un combat symbolique entre l’homme et la machine. Sans préjuger de son issue, reste à espérer qu’à trop remettre en cause le rôle du créateur, les nouvelles technologies n’enfantent pas un retour néoconservateur vers des pratiques plus classiques. Le risque est faible.

Il y a donc urgence à explorer, présenter et défendre la production expérimentale actuelle qui peine encore à trouver sa place. Une production qui néanmoins s’amplifie et envahit progressivement de nouveaux espaces de diffusion. Fort de l’arrivée de nouvelles technologies, le photographe pur et dur tend à disparaitre à mesure que d’autres artistes ont appris à investir le médium pour l’intégrer à leur création. Pas étonnant donc que les oeuvres de cette nouvelle génération soient aussi multiformes, porteuses de démarches et d’esthétiques nouvelles. L’image tangible déroute parfois un public traditionnel mais lui permet aussi de remettre en cause ses propres certitudes et d’accéder à des mondes artistiques insoupçonnés.

Dominique Clerc

Photo : © Frédérique Barraja

Photoclimat invite, à l’occasion de sa biennale 2025, 4 photographes des Mesnographies à exposer à la Maison des Arts et de la culture de Créteil.
Les artistes sélectionnés explorent les thématiques :
– de la sororité,
– de la lutte contre le cancer,
– de l’identité à travers la mémoire,
– du handicap.

Hoda Afshar

À l’intersection de l’image conceptuelle, de la mise en scène et du documentaire, la pratique artistique de Hoda Afshar explore la représentation du genre, de la marginalité et du déplacement. Attirée initialement par le potentiel de l’image documentaire pour mettre au jour des réalités cachées, elle s’engage également à critiquer la complicité entre le médium photographique et les enjeux de pouvoir. De par sa propre expérience de la migration et du déplacement culturel, le travail d’Hoda prend l’intrusivité de la caméra comme point de départ pour déconstruire la relation entre la vérité, le pouvoir et l’image, tout en perturbant les conventions traditionnelles de la création d’images.

In Turn

Cette série de photographies a été réalisée en réponse au soulèvement féministe qui a débuté en Iran en septembre 2022, après la mort de Jina Amini, une jeune femme de 22 ans arrêtée par la police des moeurs iranienne pour ne pas avoir porté correctement le hijab. Les photographies d’Hoda Afshar constituent ici un hommage, mais aussi un témoignage de l’action collective et du deuil collectif. Les femmes présentent sur les photographies sont, comme Hoda Afshar, des iraniennes-australiennes qui ont observé les manifestations se dérouler de loin. Vêtues de noir, elles se regroupent et tressent les cheveux des unes des autres. Cela fait directement allusion aux images diffusées sur les réseaux sociaux de femmes en Iran qui, de manière défiante, se débarrassent du voile, ainsi qu’à une pratique courante parmi les combattantes kurdes qui tressent les cheveux des unes des autres avant d’aller au combat contre l’État islamique. Avec leurs visages principalement cachés et leurs dos tournés, les sujets d’Hoda Afshar sont les substituts de leurs courageuses soeurs iraniennes. Les colombes ancrent cette analogie : lorsque des manifestants sont tués en Iran, la famille et les amis relâchent des oiseaux dans le ciel. Les brins d’une tresse sont appelés pchesh-e-moo, ce qui signifie le tournant ou le pli des cheveux. Une révolution est un tournant, mais elle est toujours marquée par la perte.

Frédérique Barraja

De la peinture à la photographie, du documentaire à la fiction, de l’écriture à l’image, c’est une carrière d’artiste que Frédérique Barraja mène depuis 25 ans. Elle débute sa carrière de photographe dans l’industrie du disque, puis dans la photographie documentaire en parcourant le monde, réalisant des images motivées par la défense des droits des femmes. En 2023, le festival VISA pour l’image sélectionne Frédérique pour sa série puissante sur l’inceste :  » L’inceste est un crime au même titre que les crimes de guerres ». Son engagement féministe ne date pas d’hier. En 2011, elle réalise un documentaire pour Canal plus :  » Les Branleuses! » sur la masturbation féminine. Son exposition éponyme est par la suite exposée à la galerie Slott, au Paris photo 2012 et dans des galeries de Los Angeles. Elle a également travaillé pendant 15 ans dans le monde du cinéma comme photographe de plateau. Cette période ponctuée d’une trentaine de films (de Walter Salles, Olivier Assayas, Cuaron, Hervé Mimran, Luc Besson, Olivier Baroux, Xavier Gens, etc) renforce sa passion du cinéma et de l’image. En 2020, elle réalise un court-métrage : « Comme une envie » (France 2), puis un deuxième, « Un homme qui m’aime », multi-primé, sur les violences faites aux femmes. Dans le même temps, elle réalise aussi quelques publicités, pour La Fondation L’Oréal, ou celle de Ruban Rose. Elle prépare son premier long métrage chez Polaris films.

Perspective

Le travail de Frédérique Barraja met en lumière des sujets qui lui tiennent à coeur. L’urgence de raconter l’histoire de Julie s’est imposée à elle car son parcours fait de solitude, de courage et de dignité, a forcé son respect. À 30 ans, cancer du sein droit triple négatif. Mutation génétique, ablation des ovaires. À 40 ans, cancer du sein gauche triple négatif, chimio, double mastectomie. Garder l’espoir, continuer de regarder devant. Prendre le temps de se ressourcer dans la Nature. Puiser dans les éléments l’énergie nécessaire pour se battre encore une fois. Dans ses images, Frédérique a voulu montrer ces éléments qui lui ont donné la force et l’ont sauvée : la mer, la montagne. Le souhait de la photographe était de mettre en image ses mots, mais aussi ses maux, son torse en carton, les épines qui la brûlent, tout son corps qui lui fait mal. L’eau de la Bretagne est froide, mais la Nature recharge son corps et son esprit. « L’océan me nettoie, les algues me coiffent, la montagne pousse mes limites ». Frédérique immortalise le corps de Julie qui change. Ses petits seins qui lui sont enlevés. La difficulté de montrer son corps mutilé. La terreur dans lesyeux du premier homme devant lequel elle ose se dénuder, et qui fuit, ne laissant que l’ombre de ses mains sur son passage.

Pierre & FLorent

Pierre Larose et Florent Darthout
Photographes plasticiens en duo depuis 2010, notre histoire prend forme autour d’une passion commune, celle de vivre et de faire vivre des expériences personnelles intenses, les documenter par l’image et les partager. Avec notre premier projet performance Heroes under the waves, exposé entre 2010 et 2013 par la galerie Pristine au Mexique, nous avons expérimenté la fiction et la performance autour de la perte de sens des nouvelles générations et l’avènement de nouveaux Hérauts. Dans un second projet d’autoportraits et de natures mortes intitulé Les idiots de l’image, nous nous jouons des clichés identitaires et de l’exotisme artificiel. De 2019 à 2024 nous développons le projet Mémoire Habillée. De Onomichi à la baie de Somme, en passant par Oradour-sur-Glane et ses descendants (avec la série Champ de foire), nous interrogeons la mémoire individuelle et collective au travers d’une collecte de témoignages et de portraits intimes en accumulation de vêtements, d’objets et de souvenirs. La série sera exposée à plusieurs reprises : aux Rencontres Photographiques du 10e à Paris, durant les Rencontres Photo d’Arles (off) mais aussi au Festival des Photaumnales à Beauvais.

Mémoire habillée

Se vêtir, souvent, c’est choisir la manière de se présenter au monde. Métier, appartenance, déguisement, camouflage ou encore acte politique, le vêtement est omniprésent dans nos vies.
« Fenêtre » sur l’intime de ceux qui la peuplent, cette série de portraits est aux frontières de la performance, du documentaire et de l’auto-fiction. Le dispositif d’accumulation est identique pour tous. Le choix des vêtements et objets leur appartient, tout comme celui du lieu de la prise de vue. La composition de l’accumulation se fait à six mains. Chacun pose au sommet de son dôme, porté par sa mémoire, régnant sur ses souvenirs et leurs
vestiges. Les prises de vues sont contextuelles, souvent préparées de longue date, parfois improvisées. Les histoires se racontent dans les détails, les symboles et les anecdotes que le spectateur découvre par l’observation minutieuse de l’image. Dans les plis, les coutures et les drapés, l’imagination prend des chemins inattendus, cherchant au-delà des apparences.

Henrike Stahl

La marge, l’entre-deux, Henrike Stahl en fait un langage. Elle, l’Allemande qui a longtemps oscillé entre Paris et Berlin sans choisir de port d’attache. Elle aime porter un regard aussi cru que délicat sur les territoires et les identités en transition. Que ce soit à travers ses séries Mon Roi, Ma Reine, qui sublime les Dyonisiens sans trahir leur décor ou Macadam Cowboy, qui révise la notion de masculinité dans une société où le genre engendre des idées un peu trop normées. Chez Henrike Stahl, la photographie est une manière de dialoguer, de tisser des passerelles entre des mondes. Des mondes que les préjugés tendent à éloigner. Ce qu’exige son travail, c’est un sillon pour rapprocher les personnes, faire tomber les murs et défricher de nouveaux chemins de pensées. Henrike vise également à construire d’autres façons d’habiter la photographie : évincer les cadres, maximiser les formats, les déployer dans l’espace afin que l’on puisse se mouvoir au milieu des tirages. Importer la marge au centre des considérations n’est pas seulement une métaphore chez cette photographe, qui affirme toujours à travers son travail que la pluralité est gage de richesse.

Le Plongeon

Tu es devant, c’est le moment : sauter ou bien se retourner ? Le courage de dire oui comme celui de dire non. Ce moment, c’est ton choix, le courage d’être toi, celui qui te fait vivre, celui qui t’appartient, celui qui définit ta personne, celui à qui tu parles de toi à toi. Grand saut où petits pas d’oiseaux, il est déjà trop tard, tu es déjà dans l’air.
Cette installation, inédite et jamais montrée, ne pourrait pas exister sans ce lieu, ce lac, et n’aura probablement plus lieu ailleurs. Il y a cette femme enceinte : elle ne sait pas qui sera l’enfant qu’elle porte. Aucune femme ne sait qui sera l’enfant qu’elle porte. Être enceinte c’est comme sauter dans l’eau : on ne sait pas. Cette femme enceinte, c’est Henrike Stahl. Elle porte Rio. Sur la photo, elle ne sait pas encore le handicap que son enfant portera. Elle ne sait pas non plus la personne inventive et extraordinaire qu’elle sera. Rio est une enfant courageuse. Ces images, ce sont celles du courage. Le courage de Rio et de son amie Anna, mais aussi un peu de celui de Henrike. Cette installation immersive est donc un hommage au courage, une incitation à sauter dans l’inconnu, à plonger dans la vie comme dans l’eau. C’est aussi le courage des femmes, des mères, des artistes. Car toute création est un plongeon dans le vide.

Photo : © Lin Zhipeng, aka no.223

À partir du 18 octobre 2025, Planches Contact Festival revient à Deauville pour sa 16e édition et explore cette année le thème de l’intimité. Chaque automne, la ville se transforme en terrain d’expérimentation photographique, invitant artistes émergents et confirmés à poser un regard singulier sur la Normandie. Cette nouvelle édition interroge ce qui se joue derrière les apparences : les liens invisibles, les silences, les tensions et la mémoire, dans le paysage comme dans le corps, dans l’espace privé comme dans l’espace partagé.

Parmi les artistes invités, deux figures majeures de la scène internationale incarnent cette traversée de l’intime : Arno Rafael Minkkinen, maître du corps-paysage, livre une méditation visuelle où le corps nu se fond dans la nature, et Lin Zhipeng (No. 223), voix éclatante de la nouvelle photographie chinoise, capte une intimité joyeuse, érotique et colorée.