Name: Prix Levallois 2019
Start: 2019-10-4T09-09-00-00
End: 2019-11-23T19-19-00-00
Location: Galerie de L’Escale

Festival

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ven04oct(oct 4)9 h 00 minsam23nov(nov 23)19 h 00 minPrix Levallois 2019Galerie de L’Escale, 25 rue de la Gare 92300 Levallois Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival,Prix

Détail de l'événement

L’exposition présentée à la Galerie l’Escale de Levallois du 4 octobre au 23 novembre 2019 présente le travail des trois photographes primés : Sara Imloul (France), Prix Levallois, Karina Bikbulatova (Russie) Mention Spéciale et Zishaan A Latif (Inde), Prix du Public.

« Souvent la photographie reste liée à sa capacité de figer le temps dans un instant qui serait un présent sublimé. Les trois lauréats du Prix Levallois 2019 Sara Imloul, Karina Bikbulatova, Zishaan A. Latif ne sont pas dans cette recherche du présent, ils cherchent les remous du temps en cristallisant la mémoire du passé et les rêves du futur. Leur point de rencontre est leur onirisme, ce lieu anonyme où l’on devient maître de ses rêves jusqu’à les mettre en images.

Sara Imloul — avec Passages, (2015-2018, série primée), Das Schloss (2014), Le Cirque Noir (2008-2011), et Négatifs (2012) — parcourt les obscurités d’une mélancolie inscrite dans les objets et les lieux. Ce n’est pas un simple recensement, c’est l’obstinée recherche de l’écho de ses bruissements intérieurs, de sa part d’ombre qui jamais n’en produira. Cette archéologie n’est pas qu’intime, elle met en résonance les formes plastiques des avant-gardes modernes avec une technique des prémices de l’invention de la photographie, le calotype. Pour Sara Imloul la photographie n’est pas un acte : c’est une superposition de temps, celui de l’écriture et du dessin dans ses carnets, de la recherche des objets, des modèles, de la mise en scène, de la prise de vue, des retouches sur le négatif papier, le tout pour trouver sa propre durée. Chaque photographie est un reliquaire, un autel de son culte animiste, elle jalonne son parcours intérieur de cadres sombres, où la magie opère. Ce sont de petits phares pour ne pas disparaître au monde.

Karina Bikbulatova, elle aussi, a choisi le noir et blanc pour plonger au cœur d’un secret familial digne d’une légende. Elle traite d’un fait de famille tellement improbable que la fiction est immédiatement de plain-pied. Deux sœurs qui ne savent pas leur lien passent, tous les ans, leurs vacances ensemble, et du fait du hasard de leur famille d’adoption, appartiennent à des milieux aux antipodes. Nous sommes projetés dans un scénario de cinéma : Karina Bikbulatova nous installe dans l’ambiance et l’esthétique de la Nouvelle Vague. L’Avventura de Michelangelo Antonioni, avec son temps distendu et la présence obsédante de ces visages et d’un paysage sans cesse en perspective, fait pour nous toile référentielle à la série de Karina. Ses personnages sont des incarnations, elle les met en place dans l’espace : ce n’est pas une mise en scène mais bien une mise en place, elles ne jouent rien, elles sont. Leur intériorité nous met au seuil de l’absence, nous ne participons pas, nous sommes spectateurs d’une histoire à dormir debout. Surtout ne pas fermer les yeux au risque de tout perdre, le combat du noir et du blanc est la métaphore de la disparition.

Zishaan A. Latif se sert de la couleur et de ses camaïeux pour évoquer la dissolution et l’impitoyable disparition sous les eaux de certains territoires de l’Inde. Il n’a pas opté pour un méticuleux recensement des érosions dues au changement climatique, il traite de son inquiétude par métaphore. Il nous inonde et nous noie dans ses images comme inexorablement on tombe dans nos rêves de chute. La carte, le paysage, les humains sont des signes de l’asphyxie du monde ; ce n’est pas un rêve mais le cauchemar qu’il annonce. Sous une apparente beauté plastique, une rumeur sourde et angoissée s’installe, les regards et les postures deviennent des interrogations qui, par un effet miroir, nous renvoient au rôle de ceux qui regardent les photographies.

Les trois lauréats 2019 cherchent un autre de la réalité dans leur approche esthétique, mais pour autant ils sont confrontés au besoin de comprendre. L’onirisme est pour eux un choix qui ouvre la voie à la fiction pour mieux saisir leur réel. »
Catherine Dérioz et Jacques Damez – Galerie Le Réverbère

Dates

Octobre 4 (Vendredi) 9 h 00 min - Novembre 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie de L’Escale

25 rue de la Gare 92300 Levallois

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Galerie de L’Escale25 rue de la Gare 92300 LevalloisOuverture de 9 h à 19 h du lundi au samedi

Calendrier GoogleCal

dim06oct(oct 6)14 h 00 min2020dim26jan(jan 26)18 h 00 minSammy BalojiLe Point du Jour, centre d’art/éditeur, 107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’essence du travail artistique de Sammy Baloji réside dans l’exploration du patrimoine culturel, architectural et industriel du Congo. L’artiste exhume le passé colonial de son pays natal, ancré dans l’inconscient collectif et le paysage. Il explore l’architecture et le corps humain à la fois comme lieux de mémoire et marqués d’une histoire sociale et politique. Il questionne la construction de celle-ci via la manipulation d’archives du musée royal de l’Afrique centrale à Tervuren, du musée des Confluences à Lyon, ou encore celles du Smithsonian Museum à Washington. En associant à sa pratique artistique un travail de recherche, Sammy Baloji pose un regard à la fois lucide et incisif sur un récit colonial souvent biaisé. De cette façon, sa démarche croise et confronte le passé et le présent de son pays d’origine.
L’exposition présentera une sélection de ses travaux récents et en particulier une pièce produite suite à une résidence à Lisbonne en compagnie de l’anthropologue Philip de Boeck. Comme souvent dans le travail de Baloji, cette oeuvre prend pour origine, des documents d’époque : là une lettre du roi Afonso 1er datant du XVIe siècle, adressé au roi du Portugal, témoignage de l’emprise coloniale européenne sur le Congo et de l’évangélisation qui s’en suivit. Ce manuscrit reproduit dans l’exposition sera mis en regard d’objets tels que des ivoires sculptés modélisés qui rappelleront le poids et l’emprise des nations européennes sur les richesses de ce pays : domination d’hier avant la création du Congo belge et celle d’aujourd’hui par les pays asiatiques,
notamment la Chine.
–
Sammy Baloji est né en 1978 en République Démocratique du Congo. Après des études en sciences sociales à l’université de Lubumbashi, il commence à pratiquer la photographie. En 2005, il intègre l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Aujourd’hui, son travail se déploie à travers des installations constituées de vidéos, documents d’archives, sculptures et photographies. En 2010, sa première exposition personnelle, « The Beautiful Time », est présentée au Museum for African Art de New York, puis au Smithsonian Museum de Washington. Ses oeuvres ont été exposées dans des manifestations internationales d’art contemporain telles que la 56e biennale de Venise, la biennale de Lyon en 2015 et la documenta 14 à Athènes et Kassel en 2017. Tout récemment, le Palais de Tokyo a présenté l’installation Hunting & Collecting au sein de l’exposition collective « Dioramas ».

Dates

Octobre 6 (Dimanche) 14 h 00 min - Janvier 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur

107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-Cotentin

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinOuvert du mercredi au vendredi, de 14h à 18h Samedi et dimanche, de 14h à 19h - Entrée libre

Calendrier GoogleCal

ven25oct(oct 25)12 h 00 minsam28déc(déc 28)19 h 00 minCinquante ans d’autoportraitsArno Rafael MinkkinenGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Arno Rafael Minkkinen a construit depuis 1969 une oeuvre autour de sa propre image. Ces cinquante années d’autoportraits constituent dans l’histoire de la photographie un ensemble unique, l’un des plus importants du genre par son originalité et sa continuité.
Minkkinen réalise ses étonnantes images sans trucage et sans assistance : appareil photo sur pied, il définit un cadre dans le paysage et imagine la pose qu’il y prendra. C’est ensuite, dans les secondes égrenées par le retardateur, qu’il va se mettre en place devant l’objecitf et attendre le déclenchement.
Chaque photographie est un défi, une performance physique autant qu’artistique.
Si la nature est le principal terrain de jeu de Minkkinen, le paysage urbain lui a également inspiré de nombreuses images. De plus rares photographies sont réalisées en intérieur. Une seconde personne est parfois conviée à prendre place dans le cadre et Minkkinen se fait alors intercesseur quasi invisible, esprit plutôt que corps, présent par une main, un geste.
Mikkinen est né en Finlande où il a passé sa petite enfance. Sans aucun doute marquée par cette culture imprégnée d’animisme, son oeuvre paraît habitée par les esprits de la nature et la nécessité de leur rendre hommage. Dans l’une de ses premières photographies, restée célèbre, son propre corps semble un dieu échoué sur une plage, bouche ouverte comme un tunnel prêt à avaler le monde.
Un dialogue teinté de spiritualité se noue entre le paysage et le corps. Minkkinen met en scène cette communion au travers de situations improbables, poétiques, parfois spectaculaires : jeux entre le proche et le lointain, mimétisme, imbrication des formes de son corps et de la nature.

S’il est impossible de rendre compte de la totalité de ces cinquantes années en une trentaine d’images, notre exposition propose un parcours entre photographies iconiques et images récentes : Minkkinen, après un demi siècle de photographie, reste un esprit curieux et fécond qui ne se lasse pas de nous surprendre.

Arno Rafael Minkkinen voit le jour en 1945 à Helsinki (Finlande).
Lorsqu’il a six ans, ses parents émigrent aux États-Unis où il réside toujours.
En 1963, il entre à l’université Wagner (Staten Island, New York) pour étudier la philosophie et la religion. Il redécouvre la Finlande en 1967 lorsqu’il a 22 ans. En 1969, il se marie avec Sandra Jean Hughes of Dumont. Ils auront un fils, Daniel, en 1979.
En 1970, il entre comme rédacteur dans une agence de publicité new yorkaise. Son intérêt croissant pour la photographie le pousse à postuler pour entrer à la Rhode Island School of Design. Sa candidature est rejetée une première fois et il s’inscrit à un stage que Diane Arbus doit donner durant l’été 1971. La célèbre photographie du jeune garçon à la grenade de Central Park l’a fasciné (il a cru y voir son propre portrait). Mais Arbus se suicide en juillet 1971, peu de jours avant la date prévue pour ce stage.
En 1972, il étudie à la New School for Social Research avant d’entrer finalement à la fameuse Rhode Island School of Design où ses maîtres seront Harry Callahan et Aaron Siskind.
En 1975, première expérience d’enseignant au Lahti Institute of Gesign (Finlande). Lui et sa femme résident un temps à Helsinki.
Il entre au Massachussets Institute of Technology comme assistant professeur en 1977.
Première monographie.
Dans les années suivantes, il enseigne aux USA et en Finlande. Il commence une collaboration avec plusieurs galeries, son travail est montré aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles (1983) et, sous la direction de François Hébel, une grande rétrospective lui est consacrée en 2016.
Minkkinen photographie, enseigne, écrit sur la photographie. Il a été également commissaire de plusieurs expositions.
En 2019 paraît MINKKINEN, monographie retraçant cinquante années d’autoportraits.

Dates

Octobre 25 (Vendredi) 12 h 00 min - Décembre 28 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

Calendrier GoogleCal

jeu24oct(oct 24)13 h 00 mindim08déc(déc 8)19 h 00 minObjectif AlternatifJeanluc BuroGalerie Hors-Champs, 20 rue des Gravilliers 75003 Paris

Détail de l'événement

Première exposition monographique à travers l’objectif de Jeanluc Buro, une sélection de photographies prises dans les années 80, axée sur les lieux devenus mythiques de la vie nocturne Parisienne, les mouvements de la scène alternative française et internationale et ses artistes emblématiques. Cette présentation dévoile une quasi-totalité de visuels inédits surgis de négatifs restés jusqu’alors inexploités.

Son rendu du Noir et Blanc argentique s’inspire du cinéma et de la photographie humaniste. Jeanluc Buro suit les cours du soir de l’IDHEC (Institut Des Hautes Etudes Cinématographiques) dispensés par le célèbre chef opérateur Henri Alekan (de la Belle et la Bête de Cocteau aux Ailes du désir de Wim Wenders) qui l’initie à la science de la lumière. Jean Dieuzaide (membre fondateur des Rencontres de la Photographie d’Arles) lui enseigne l’art du tirage noir et blanc.
Après un temps d’assistanat studio, il consacre ses premières années de photographe à xer
la mémoire et le visage de la scène underground parisienne.

Son objectif nous entraîne dans la proximité des backstages, après le concert hystérique des Cramps à Bobino, celui de The Cure à L’Olympia ou nous fait partager des moments intimes avec Bauhaus ou Taxi Girl et d’autres «jeunes gens mödernes» au Rose Bonbon.

Cette inspiration pour la vie nocturne et les mouvements de la sous-culture s’accompagne aussi d’une curiosité spontanée qui le pousse à écumer les lieux novateurs ou d’assister aux évènements les plus surprenants. Durant cette période Jeanluc Buro collabore comme photographe-journaliste à la presse généraliste et musicale du moment : Best, Rock’n Folk, Libération, Actuel, Jardin des modes, et divers Fanzines etc…

Il réalisa aussi des pochettes de disques vinyles : Virgin Prunes (coffret Hérésie), Willy Loco Alexander and The Confessions pour la mythique maison de disque New Rose.

Cette exposition rend aussi hommage au duo Rita Mitsouko fondé en 1979 qui fêterait cette année ses 40 ans. Jeanluc Buro les rencontre à l’aube de leur carrière, il en résulte une importante série de portraits, en scène, en privé, entartés lors d’un concert à la Boule Noire à Pigalle ou prenant la pose pour un remake s’inspirant de Brassai et de Doisneau

Texte de Isa.C. Horiot

Dates

Octobre 24 (Jeudi) 13 h 00 min - Décembre 8 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Hors-Champs

20 rue des Gravilliers 75003 Paris

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mer25sep(sep 25)10 h 00 min2020lun30mar(mar 30)18 h 00 minPhotographier la "Petite Pologne"  1924-1939Kasimir Zgorecki Louvre Lens, 99 Rue Paul Bert, 62300 LensType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En septembre 1919, au lendemain de la signature d’une convention entre la France et la Pologne, de nombreux travailleurs polonais arrivent dans le Bassin minier du Nord de la France. Kasimir Zgorecki fait partie de cette diaspora polonaise.
En 1922, il quitte la Ruhr où son père travaille comme mineur de fond, et s’installe à Rouvroy dans le Pas-de-Calais. Chaudronnier de formation, il ne travaille que six mois dans les mines, avant de se tourner vers la photographie professionnelle.

En 1924, il reprend l’atelier-librairie de son beau-frère photographe, qui l’initie aux rudiments de la technique. Durant la période d’entre-deux-guerres, l’activité de Kasimir Zgorecki connait une ascension fulgurante et une période particulièrement intense.

Il se plait à portraiturer les émigrés polonais partis loin de leur pays, en gardant trace de leur histoire intime, en immortalisant leur réussite personnelle, en rendant palpable leur existence et en révélant leur quotidien à la fois sobre et touchant.
L’exposition présente une centaine de photographies en noir et blanc témoignant de la vie de cette communauté polonaise émigrée, soucieuse à la fois de montrer ses capacités d’intégration et de réussite, et de garder vivantes ses traditions.

En partenariat avec le CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France