Name: Memoriam
Start: 2019-9-13T11-11-00-00
End: 2019-10-26T19-19-00-00
Location: Galerie Polka

champagne

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ven13sep(sep 13)11 h 00 minsam26oct(oct 26)19 h 00 minMemoriamÉdouard ÉliasGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam14sep(sep 14)14 h 00 min2020dim26jan(jan 26)18 h 00 minMythologies des dieux et des hommesJoel-Peter WitkinLa Chapelle Art Contemporain, Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion des 80 ans du photographe Joel-Peter Witkin, La Chapelle est heureuse de présenter l’exposition « Mythologies des dieux et des hommes » qui réunira près de 100 photographies et dessins de l’artiste sur ce thème central dans son travail.
Il y a chez Joel-Peter Witkin une persistance du mythe, celui que l’on rêve, celui que l’on craint, celui que l’on respecte, le mythe religieux, le mythe des grecs et des romains, le mythe que l’on fabrique.
En regardant les thèmes de notre société moderne à travers les références à la mythologie, Witkin lui permet d’accéder à la frontière du sacré.
A travers ce prisme, ses obsessions comme la ritualisation, la sexualité, la souffrance, la passion, la mort revêtent alors une dimension quasi irréelle.
Joel-Peter Witkin s’intéresse aux oubliés, aux âmes abimées, aux corps démembrés et déformés, puis il les met en scène de manière sublimée, au-delà de ce que l’on voit.
En revisitant les thèmes et les grand maîtres de l’histoire de l’art, en utilisant son histoire, les mythes et la religion, il crée un univers bien à lui, fruit d’une réflexion nourrie par ses propres croyances, sa vie, sa culture.
Sa mise en scène réfléchie est travaillée en amont de la photographie par de multiples étapes de dessins et de collages puis au moment du tirage qu’il réalise lui-même avec la même minutie et exigence du détail.
Il nous révèle ainsi une image bouleversante, dérangeante parfois, déclenchant une interrogation sur ce que nous percevons et que notre inconscient nous dicte. Joel-Peter Witkin pousse notre esprit à sortir du simple regard et à voir au-delà de ce que nous connaissons.
Tour à tour provocateur, dénonciateur, poète, témoin, mais toujours créateur, Witkin nous offre une oeuvre qui nous pousse vers un inconnu où il n’y a plus de frontière entre le réel et l’irréel.
Notre oeil est renversé, nos références bousculées, la beauté se dévoile derrière une apparente cruauté, la vie se mélange à l’au-delà. Il n’y a plus de vérité confortable mais un monde empreint d’une poésie singulière, qui dérange nos croyances et bouleverse notre coeur et notre âme.
Cette exposition permettra de mieux comprendre le processus créatif de l’artiste à travers les dessins préparatoires à la photographie et des documents vidéos, mais aussi à travers cette confrontation du profane et du sacré, du mythe et du vécu, d’un artiste qui ne peut laisser quiconque sans réaction.

Dates

Septembre 14 (Samedi) 14 h 00 min - Janvier 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

La Chapelle Art Contemporain

Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-Yvelines

La Chapelle Art ContemporainImpasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesExposition ouverte les samedi, dimanche et jours fériés de 14h à 18h

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jeu19sep(sep 19)10 h 00 minsam02nov(nov 2)19 h 00 minLa Marée de la MémoireMarzio Emilio VillaEspace Photographique du Leica Store, 105 - 109 rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

ven13sep(sep 13)14 h 00 minsam02nov(nov 2)19 h 00 minPaysage Autour de Laurenz BergesGalerie Sophie Scheidecker, 14 Bis rue des Minimes 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 13 septembre au 2 novembre 2019, la galerie Sophie Scheidecker présente une nouvelle exposition articulée autour de la thématique du paysage, présentant une sélection d’oeuvres photographiques de l’artiste allemand Laurenz Berges. Issu de l’école de Düsseldorf, il a su s’imposer sur la scène contemporaine allemande par un style et une iconographie qui lui sont propres, jouant notamment sur une composition rigoureuse et des couleurs atténuées qui font aujourd’hui sa renommée. Deux séries de l’artiste seront exposées à cette occasion: La première, « Cloppenburg » réalisée en 1989/1990 porte le nom éponyme du village natal de Laurenz Berges. Photographié après un séjour aux Etats-Unis, l’artiste consacre toute une série à ce village retrouvé après la chute du mur de Berlin. Si les sujets photographiés peuvent paraître banals, il s’en dégage néanmoins une esthétique pénétrante témoignant d’une grande force visuelle. Sans pathos et de manière objective, rappelant le style documentaire photographique inspiré par Walker Evans, l’artiste capture des paysages souvenirs de son passé. Les rues, les bords de route, les chemins sont le reflet de 1′ atmosphère dure et froide de 1′ époque. L’artiste nous fait découvrir un village du nord de 1′ Allemagne, dans lequel il saisit parfaitement à travers le vide omniprésent calme et silence. Les maisons, les routes, les trottoirs, sont les seuls traces d’une présence humaine.
En parallèle sera également exposée, pour la première fois, une nouvelle production de Laurenz Berges « Landschaft ». Des tirages, imprimés en 2019, qui marquent un tournant dans le travail de l’artiste. La nature en est le sujet principal et la présence humaine est finalement totalement évincée. Les habitations, les infrastructures et le mobilier urbain ont disparu laissant place aux paysages naturels, avec les arbres, la terre, les champs et les feuilles qui les composent. Ses paysages, imprimés dans des formats plus grands, s’imposent à nous et nous aspirent. Mais si la nature conserve le silence connu aux photographies de 1′ artiste, celles-ci sont chargées de ses émotions. Dans une approche plus personnelle, l’artiste pose un regard sensible révélant des paysages d’une beauté sans artifice.
La notion de paysage a une dimension esthétique forte et c’est une source d’inspiration immense pour les artistes. Le regard personnel que chacun pose dessus le transforme, le révèle et le redéfinit sans cesse. C’est pourquoi nous vous proposons également de venir admirer une sélection de paysages d’artistes tels que : Mario Giacomelli, Guiseppe Goffis, Nan Goldin, John Pepper et Janek Zamoyski, et d’observer la multiplicité des images qui peuvent être créées autour de ce même sujet à travers l’oeil de ces différents photographes.

Dates

Septembre 13 (Vendredi) 14 h 00 min - Novembre 2 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Sophie Scheidecker

14 Bis rue des Minimes 75003 Paris

Galerie Sophie Scheidecker14 Bis rue des Minimes 75003 ParisOuvert du mardi au vendredi de 14h à 19h

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ven06sep(sep 6)14 h 00 minsam09nov(nov 9)19 h 00 minLa couleur visionnaireErnst HaasLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les Douches la Galerie a le plaisir de présenter sa deuxième exposition dédiée à l’œuvre singulière d’Ernst Haas. La couleur visionnaire rassemble près de quarante tirages, pour la plupart inédits, témoignant de l’intemporalité de son œuvre. Prises entre 1952 et 1981, les photographies présentées cultivent une ambiguïté proche de l’abstraction et sont traversées de reflets, de superpositions, de cadrages décentrés et d’effets de flou.

Si l’on en croit la plupart des histoires de la photographie, l’année 1976 marque l’entrée de la photographie couleur au musée. Pourtant, déjà au Museum of Modern Art de New York, 14 ans avant William Eggleston et Stephen Shore, Ernst Haas présentait une exposition explicitement sous-titrée Color Photography. Réunissant environ quatre-vingt images, elle était la première exposition monographique en couleur organisée par l’institution et une nouvelle consécration pour un photographe qui, né à Vienne en 1921, entré chez Magnum en 1949 et installé à New York en 1951, avait publié, en 1953, les premiers portfolios intégralement en couleur du magazine Life et participé à plusieurs expositions collectives du MoMA, dont The Family of Man (1955) et The Sense of Abstraction (1960). Pourtant, comment expliquer qu’Ernst Haas, Color Photography n’ait injustement pas fait date et que le photographe ait cédé la place, dans les livres d’histoire, à la génération suivante des William Eggleston, Stephen Shore et autre Joel Meyerowitz ?

L’exposition se tient à l’automne 1962. John Szarkowski vient de prendre la direction du département de photographie du MoMA et met en œuvre les dernières expositions prévues par son prédécesseur Edward Steichen. En 1963, Five Unrelated Photographers, la première dont Szarkowski aura l’initiative, donnera le ton et affirmera que la volonté d’art de la photographie est alors inséparable du noir et blanc. Telle n’était apparemment pas la question pour Steichen qui, lorsqu’il consacrait des expositions collectives à la couleur (Color Photography, 1950) ou à l’abstraction (Abstraction in Photography, 1951), ne se situait pas sur le terrain de l’art et, en photographe ayant lui-même tout pratiqué, mêlait les usages, qu’ils soient documentaires, scientifiques, créatifs ou expérimentaux, voire commerciaux. Ainsi, tout en faisant entrer la photographie couleur au musée, Steichen pouvait avoir conforté les hiérarchies établies entre le noir et blanc, perçu comme un outil créatif d’interprétation, et la couleur, dont le prétendu réalisme la cantonnait à une fonction de reproduction.
Il faudra attendre les expositions d’Eggleston et Shore pour que cette hiérarchie vole en éclat alors que l’œuvre en couleur de Haas montre qu’elle était d’emblée infondée. Entré en photographie avec un reportage noir et blanc sur la Vienne d’après-guerre, Haas se tourne très tôt vers la couleur pour répondre à une demande croissante des magazines mais aussi pour développer une approche plus subjective qui entend bien plus troubler le réel que le dupliquer.

Avec les gros plans et les cadrages décentrés, les effets de clair-obscur et de flou, les jeux de reflets et de superpositions, la couleur contribue à altérer la perception. Haas ne l’utilise jamais pour sa valeur descriptive. Au contraire, on pourra peut-être y déceler quelque évocation de la peinture de son temps. Les aplats colorés, plus ou moins vaporeux, peuvent faire penser au color field. Ce serait ne pas rendre justice à la photographie couleur et à sa capacité de déréalisation qui, différente d’une abstraction coupant toute relation au réel, instaure cette ambiguïté souvent irrésoluble que recherche Ernst Haas. Ainsi, l’étonnement suscité par Western Skies Motel, Colorado, USA (1978) doit-il tout à la finesse de l’usage de la couleur.

On ne saurait pourtant réduire l’œuvre en couleur d’Ernst Haas à une unique intention. Le corpus aujourd’hui présenté aux Douches la Galerie ne comprend volontairement que peu d’images canoniques, publiées ou exposées du vivant du photographe. L’une d’elles, 3rd Avenue, Reflection, New York City, USA (1952), figurait à juste titre dans Life en 1953 et au MoMA dans l’exposition de 1962. Mais cette dernière insistait aussi sur des images riches de flous de bougés qui deviendront la marque d’Ernst Haas. La présente exposition fait l’impasse sur ce gimmick au profit d’inspirations plus variées et renouvelées.

La variété est surtout affaire de lieux. Ernst Haas voyagea beaucoup pour des commandes et des reportages et ses photographies soulignent que les rues de Paris appellent d’autres images, comme cette scène de marché de 1954, que les rues de New York qui, portées par une énergie unique, ont fait de cette ville la capitale de la street photography.

Le renouvellement est, quant à lui, affaire de sujet. Les dates des prises de vue indiquent que Haas accorda une place croissante, notamment à partir des années 1970, au motif de l’image dans l’image. Ce sont, visibles dans l’exposition, un portrait de Marilyn Monroe ou une affiche montrant un couple s’embrassant. Bien sûr, le photographe s’intéresse aux interactions de ces images avec leur environnement – le reflet de la ville qui brouille l’image de la star, le grillage qui met en cage l’étreinte. Mais sans doute prend-il aussi acte de la présence croissante de l’image dans la vie quotidienne et, particulièrement, de l’image télévisuelle, gagnée elle aussi par la couleur, dont la concurrence contribue, en 1972, à la fermeture de Life qui n’a pu laissé son collaborateur indifférent.

De fait, dans les années 1970, Haas photographie de nombreux écrans de télévisions couleur. Il semble vouloir recenser les signes de l’Amérique contemporaine et de ses mythologies politiques, diplomatiques, scientifiques, sportives et culturelles, mais également sa face noire, incarnée par la figure de Charles Manson. Il semble aussi vouloir capter les nouvelles images dans leur matérialité technique. En effet, cette fois, Haas ne cherche pas d’effets de collage ou de montage. L’image télévisuelle est livrée brute.
Rien n’interfère avec elle d’autre que sa définition et ses couleurs dont l’approximation et l’irréalisme ne pouvaient que retenir son attention.

Étienne Hatt
Critique d’art

Dates

Septembre 6 (Vendredi) 14 h 00 min - Novembre 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

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