Type d'événement: Photographie

Dans la perspective luxembourgeoise, le Nord – à moins qu’il ne commence déjà à l’intérieur de ses propres frontières – n’est qu’à trois heures de route de la maison.

« Zeeland », la Zélande, est une destination populaire pour les touristes en général. Diverses nationalités se rencontrent au bord de la mer du Nord. Ce littoral conserve encore de fortes traces, dites naturelles, au milieu d’un paysage culturel, dans le sens que le terrain a été sculpté par deux intervenants, la nature et l’homme.

C’est un paysage à multiples facettes : rude, brut, fin, vide et apparemment infini. Cette région décrite visuellement par Jeroen Hofman représente un pont entre le passé et le présent. Son histoire se reflète dans les vagues qui se brisent sur le sable de ses plages étendues. Ces bandes de terres plates qui s’ouvrent sur l’horizon font partie du décor et posent le cadre caractéristique à la lumière du nord. Une lumière incomparable qui avait déjà parfaitement été transmise par les peintres néerlandais du 17e siècle. Le paysage actuel est marqué par les solutions ingénieuses d’hommes contemporains créatifs et motivés qui défient les saisons et les marées afin de réclamer au sol une compensation pour ce que la mer s’est toujours approprié et continue d’exiger, lentement, effectivement.

La confrontation de ces forces opposées ne nuit guère à l’harmonie optique du panorama. À ciel ouvert, toutes les tensions et les divergences semblent s’estomper dans le spectacle coloré des nuages gris et bleus. Mais pas le souvenir, qui survit et impressionne rétrospectivement, combiné à un gout légèrement salé, provenant du vent du NORD.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

Relecture/correction: A. Tumiotto

Exposition présentée à Arcades II, montée de l’église

État des Lieux, états d’un lieu; Clervaux © Christian Aschman

Avec l’apparition de la photographie, c’est l’accès au portrait qui se démocratise ; le portrait peint étant alors réservé à une caste aristocratique ou à une élite bourgeoise.
Après les daguerréotypes, le succès et l’attrait pour le portrait photographique se confirment avec l’invention de Disdéri, « les portraits cartes », qui rencontre rapidement un vif succès. Outre sa rapidité et son prix, le grand avantage est de rendre possible la reproduction et le tirage en de nombreux exemplaires.
À ses débuts, la photographie est avant tout une prouesse scientifique, un dispositif mécanique apparemment neutre, au plus près du réel. Dès les premières décennies de son histoire, la photographie explore déjà pour ainsi dire la totalité des sous-genres du portrait que nous pratiquons encore actuellement : des portraits officiels, le nu, les portraits de célébrités, le portrait familial – notamment le portrait de mariage et les portraits d’enfants -, l’autoportrait, le portrait de groupe, le portrait historisant, le portrait fictif, …
Pourtant, dès son invention, elle est au service de la mise en scène, de l’artifice et l’illusion. Selon Nadar, un « bon » portrait doit être plus fidèle à la perception humaine qu’à la physique: « La photographie est à la portée du premier des imbéciles, elle s’apprend en une heure. Ce qui ne s’apprend pas, c’est le sentiment de la lumière et encore moins l’intelligence morale de votre sujet, et la ressemblance intime humaine. »
D’autres photographes suivent cette lignée en s’éloignant de la mise en scène : fond neutre ; restriction du cadrage au visage ; préférence des tenues du quotidien ou du nu afin d’en livrer son intériorité ; suppression de toute interaction avec les modèles en les photographiant à la dérobée.
Puis au contraire, les photographes ont joué de cette impossibilité avec des mises en scène réfléchies et travaillées, leur autoportrait, comme de véritables plasticiens où l’appareil photographique remplace le pinceau.
Aujourd’hui plus de trois milliards d’images sont partagées chaque jour sur les réseaux sociaux, des images prises en rafales et sans attention. Notre quotidien se veut aujourd’hui sans secrets et sans mystère, nous sommes prêts à tout exposer, et surtout notre propre personne. En 1859, Baudelaire s’est insurgé contre la photographie : « Cette société immonde qui se rua, comme un seul Narcisse, pour contempler sa triviale image sur le métal. » Et si, aujourd’hui, Narcisse avait un Smartphone ? Que penserait-il de l’autoportrait de notre époque ?

Cette exposition rend hommage à Christian Courrèges

Les samedis de novembre et décembre, un artiste photographe pourra vous photographier seule(e), en famille ou entre amis.

Interruption de fin d’année : fermeture à partir du 19 décembre 2020 ; réouverture samedi 9 janvier 2021

Photo : © Gideon Lewis © Richard Avedon

Le Svalbard est un archipel de l’Arctique. Son territoire est rattaché à la Norvège, mais, étant déclaré zone démilitarisée, il occupe un statut neutre.

Dans la langue norvégienne, le nom « Svalbard » désigne un « littoral frais », une description qu’on peut prendre à la lettre, car la température moyenne est de -6° C.

Toutes les histoires n’ont pas leur origine dans les milles racines de l’orient. Certaines viennent des régions du nord, et leur intensité et degré de suspens peuvent rivaliser avec les célèbres contes orientaux.

L’archipel nordique a le potentiel de toutes les narrations fantastiques ; son sol est peuplé d’une diversité des espèces étonnante. Ses paysages sont riches en surface et sous terre. C’est un fait dont il convient de relativiser le côté positif, car il est souvent associé à la notion d’intérêts spécifiques et partiels, voire à la rentabilité définie selon un point de vue humain, respectivement à la perspective économique.

L’histoire ne fait que commencer. L’on se rappelle les expéditions polaires du début du siècle dernier impliquant des légendes comme Amundsen.
Ny-Ålesund, une agglomération dense de Svalbard, a fait sa renommée dans l’industrie minière.

Aujourd’hui, le Svalbard est un terrain d’action pour une dizaine de nations différentes se profilant dans la recherche scientifique. La motivation et les buts partent dans toutes les directions, la zone est caractérisée par les oppositions et les contrastes. Entre réserve naturelle à accès réduit et zone de lancement de ballon-sonde scientifiques, cet archipel est fortement lié à notre époque et soumis au rythme du présent.

En attendant le prochain chapitre de cette histoire inachevée.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

Relecture/correction: A. Tumiotto

Exposition présentée à Echappée Belle, place du marché

Arctic Zero © Paolo Verzone / Agence VU’

Pour honorer la mémoire de Richard Martin, photographe emblématique de L’Équipe décédé le 7 juillet 2020, L’Équipe créé un concours international qui récompensera chaque année les meilleures photos d’action de sport. La première édition de ce prix se tiendra en 2021.

L’Équipe tient ainsi à saluer le talent et l’obsession du détail de Richard, qui a offert parmi les plus belles photographies du journal et du magazine. La Coupe du Monde de football en 2018, les Jeux Olympiques plusieurs fois et tout le travail effectué sur ses disciplines de prédilection, la natation, le tennis et le patinage artistique.

REGLEMENT DU CONCOURS PHOTOS 2020/2021
PRIX L’EQUIPE / RICHARD MARTIN

ARTICLE 1 : L’ORGANISATEUR

La société L’EQUIPE, située 40-42 quai du Point du jour 92250 Boulogne Billancourt (ci-après l’« Organisateur »), organise du 1er février 2021 au 30 septembre 2021, le grand prix international de la photographie de sport intitulé « Prix L’EQUIPE / Richard Martin » (ci-après le « Concours »), dont la remise des Prix se déroulera au mois de novembre 2021.

ARTICLE 2 : MODALITES D’INSCRIPTION

Le Concours est gratuit, l’inscription s’effectuera sur la plateforme de l’Organisateur accessible à l’adresse suivante : https://blog.lequipe.fr/prix/
Les participants pourront s’inscrire jusqu’au 30 septembre 2021, 23h59 (heure de Paris, France), date à laquelle les inscriptions seront closes.
La carte de presse ou un justificatif d’appartenance à un organisme de presse ou à une agence de presse sera exigé lors de l’inscription au Concours.

ARTICLE 3 : CONDITIONS DE PARTICIPATION

Le Concours est ouvert aux photographes professionnels du monde entier.
Une seule participation par personne est acceptée, étant entendu que chaque participant pourra présenter jusqu’à 3 (trois) photographies dans un seul et même envoi.

Les photographies devront représenter une action de sport réalisée lors d’une compétition officielle et devront avoir été prises entre le 1er octobre 2020 et le 30 septembre 2021.

Critères techniques :
– Les photographies devront être au format .jpeg avec profil couleur RVB.
– La taille du fichier de chaque image ne devra pas dépasser les 5 MB.
– Les dimensions du fichier devront être d’un maximum de 1920 pixels en largeur pour le côté le plus long (qu’il soit vertical ou horizontal) pour une résolution de 300 dpi.

Autres critères :
Les photographies devront comporter :
– La date et le lieu de la prise de vue.
– Une légende.
– Le nom et le prénom de l’auteur.
– Le numéro de la carte de presse ou le nom de l’organisme de presse qu’il représente.

Manipulation digitale des images :
Il est possible de recourir à la manipulation digitale (luminosité, contraste, balance de couleur) pour optimiser l’image ainsi qu’au recadrage et à l’effacement des pétouilles. Mais il est interdit d’ajouter ou d’enlever un élément important de la composition qui serait susceptible de dénaturer la photographie. Le jury aura la faculté de refuser toute image qui, selon son appréciation, a été trop retouchée par rapport à l’image originale.
Il sera demandé aux « finalistes » d’envoyer les fichiers RAW ou les originaux pour la validation finale.

Le participant enverra sa ou ses photographie(s) à l’adresse mail suivante : prixrichardmartin2021@lequipe.fr.

ARTICLE 4 : COMPOSITION DU JURY

1er Jury
Ce jury est composé de 5 (cinq) membres dont les compétences sont compatibles pour participer à une sélection de photos.
Ce jury va évaluer toutes les photos inscrites et procéder à la pré-sélection de 100 (cent) photographies ci-après les « Photographies Sélectionnées ».

Grand Jury
Les 9 (neuf) membres de ce jury sont représentatifs des filières de la photographie, de la presse et de la culture :
– Le Président : Monsieur Franck Seguin (2 voix),
– Le Coordinateur général : Monsieur François Gille (1 voix),
– Un représentant de la rédaction (1 voix),
– Un représentant du monde sportif (1 voix),
– Un représentant du monde de la culture et un représentant des médias (tv/presse régionale ou nationale/presse photo) (2 voix),
– Un abonné de L’Equipe (1 voix)
– Deux représentants partenaires (Canon/radio France) (2 voix).
Ce jury va évaluer les Photographies Sélectionnées et procèdera à une première sélection de 20 (vingt) photographies, ci-après les « Photographies Nominées », et à une seconde sélection pour sélectionner la photographie gagnante.

Les photographies seront évaluées sur leur valeur technique, artistique et journalistique par le jury.

La décision du jury du Concours est définitive.

L’Organisateur se chargera de renommer les photographies sous une forme anonyme (chiffres) avant leur évaluation par le jury.

ARTICLE 5 : LE PRIX

Le lauréat du Concours recevra le trophée « Prix Richard Martin » ainsi que du matériel photo de la marque Canon d’une valeur de 5000€ (Cinq mille euros).
Le photographe lauréat peut renoncer au prix sans pouvoir exiger aucune autre forme d’indemnisation. Dans ce cas, le prix sera réaffecté selon le classement établi par le Jury.

Le résultat du Concours sera rendu public la première semaine de novembre 2021. Le résultat sera publié sur le site web de l’organisateur du Concours ainsi que sur ses réseaux sociaux.
Les 20 (vingt) finalistes seront informés par le Grand Jury par mail, afin qu’ils renvoient les Photographies Nominées en Haute définition.

La Cérémonie de remise du prix est prévue entre le 15 et 30 novembre 2021, au siège de la société L’EQUIPE. Le prix devra être retiré par le lauréat à ce moment-là, ou par une autre personne qu’il aura déléguée par écrit.

ARTICLE 6 : DROIT D’AUTEUR

Chaque auteur est responsable du contenu des photographies.

Les participants au Concours doivent être dépositaires des droits liés à l’image et avoir l’autorisation des personnes identifiables sur la photo.

Chaque participant déclare et garantit l’Equipe être l’auteur de la photographie soumise. Il reconnaît également avoir obtenu préalablement les autorisations nécessaires à sa diffusion.

Les photographies Nominées en ce compris la photographie gagnante, seront mises à la disposition des organes de presse avec leur copyright.

ARTICLE 7 : EXPLOITATION DES PHOTOGRAPHIES

Par son inscription au Concours, le participant cède à l’Organisateur pendant 2 (deux) ans à compter du 1er novembre 2021 ses droits d’exploitations sur les Photographies Nominées pour les finalités promotionnelles liées au Concours.

Ladite cession comprend :
– le droit de reproduction : le droit de reproduire, sans limitation de nombre, les photographies par tout procédé technique et sur tout support connu ou à venir, dont les supports presse et internet et, notamment : par impression, par production de supports graphiques, magnétiques, vidéographiques, numériques, ou électroniques, media en ligne et hors ligne, pour tous types de publication tels que, non limitativement : les journaux, livres, magazines, catalogues, mailings, éditions et créations de produits dérivés;

– Le droit de représentation : le droit de représenter, de rendre accessible, d’exposer, de diffuser ou de communiquer directement ou indirectement au public les photographies en tout lieu public et/ou privé, par tous modes et procédés connus ou à venir, gratuits ou payants, ainsi que de traduire les légendes le cas échéant.

A titre d’illustration, la photographie gagnante fera l’objet d’une double page dans l’Equipe Magazine, Les Photographies Nominées seront exposées lors de la cérémonie de la remise des prix, feront l’objet d’une exposition dans la cantine d’entreprise de l’Organisateur, ainsi qu’une diffusion sur le site internet de l’Organisateur.

Il est précisé que les Photographies Nominées et la photographie gagnante resteront visibles à titre d’archives sur les supports digitaux de l’Equipe pendant 5 (cinq) ans à compter du 1er Novembre 2021.

ARTICLE 8 : RESPONSABILITÉS

L’Organisateur ne pourra être tenu responsable de tout problème lié au déroulement du Concours qu’il s’agisse d’une erreur humaine, informatique ou de quelque autre nature.

En cas de force majeure, l’Organisateur se réserve le droit de modifier le présent règlement, de reporter ou d’annuler le Concours. Sa responsabilité ne saurait être engagée du fait de ces modifications.

ARTICLE 9 : OBLIGATIONS

La participation au Concours implique l’acceptation du présent règlement par les participants.
Son non-respect entraînera l’annulation de la candidature.
Toute contestation relative à l’interprétation et à l’application du présent règlement sera étudiée par l’Organisateur, dans l’esprit qui a prévalu à la conception du Concours.

ARTICLE 10 – TRAITEMENT DES DONNÉES PERSONNELLES

• FINALITÉS ET MODALITÉS DU TRAITEMENT DES DONNÉES A CARACTÈRE PERSONNEL
Les données à caractère personnel (ci-après « les Données ») que vous nous fournissez en participant au Concours feront l’objet d’un traitement pour la finalité suivante : participer au Concours.

• DONNÉES PERSONNELLES COLLECTÉES
Les Données qui seront collectées sont les suivantes :
– Le nom et le prénom des photographes ayant soumis leur photographie au Jury,
– L’adresse mail du photographe qui sera visible lors de l’envoi des photographies,

• CONSÉQUENCES DE LA NON-FOURNITURE DES DONNÉES
La non-fourniture des Données marquées comme obligatoire vous empêchera de participer au Concours.

• DESTINATAIRES DES DONNÉES
Les Données peuvent être traitées par l’Organisateur et les sociétés appartenant au Groupe Amaury.

• CONSERVATION DES DONNÉES
Les Données traitées seront conservées pendant toute la durée du Concours.

• RESPONSABLE DU TRAITEMENT ET DÉLÉGUÉ A LA PROTECTION DES DONNÉES
Le Responsable du Traitement est l’Organisateur.

Conformément aux articles 15 à 21 du RGPD et à la loi « Informatique et libertés » du 6 janvier 1978, modifiée par la Loi n°2018-493 du 20 juin 2018, le participant peut exercer les droits suivants :

a. droit d’accès qui signifie le droit d’obtenir de l’Organisateur la confirmation que vos Données sont ou ne sont pas traitées et, lorsqu’elles le sont, l’accès auxdites Données ;
b. droit de rectification et droit à l’effacement qui signifient le droit d’obtenir la rectification de Données inexactes et/ou incomplètes, ainsi que l’effacement de Données ;
c. droit à la limitation du traitement qui signifie le droit de demander la suspension du traitement ;
d. droit à la portabilité des données qui signifie le droit d’obtenir des Données dans un format structuré, couramment utilisé et lisible, ainsi que le droit de transférer des Données à d’autres responsables de traitement sur votre demande écrite uniquement ;
e. droit d’opposition qui signifie le droit de s’opposer au traitement des Données lorsque la demande est légitime, y compris lorsque les Données sont traitées pour le marketing ou le profilage ;
f. droit d’introduire une réclamation auprès d’une autorité de contrôle en cas de traitement illégal des Données.

Pour en savoir plus sur notre traitement des Données, consultez notre charte des données personnelles accessible via l’adresse suivante : https://www.lequipe.fr/Page/Politique-de-confidentialite/1183897.

Ces droits peuvent être exercés en écrivant à DPO Groupe Amaury – 40-42 Quai du Point du Jour – 92100 Boulogne-Billancourt ou à l’adresse e-mail suivante dpo@amaury.com.

ARTICLE 12 – LITIGES

Le présent règlement est soumis à la loi française. Pour être prises en compte, les éventuelles contestations relatives au concours doivent être formulées par courriel à prixrichardmartin2021@lequipe.fr et au plus tard quatre-vingt-dix (90) jours après la date limite de participation au Concours tel qu’indiqué au présent règlement.

En cas de désaccord persistant sur l’application ou l’interprétation du présent règlement, et à défaut d’accord amiable, tout litige sera soumis au tribunal ayant droit, auquel compétence exclusive est attribuée.

  Le Bois du Cazier, Marcinelle. 

Sur le site du Bois du Cazier à Marcinelle, se tient l’exposition enFER. présentant le travail du photographe Jo Struyven. Les portraits de la sidérurgie wallonne consistent en la découverte de panoramas architecturés, à la fois de sites industriels et de quartiers d’habitations construits pour loger la main-d’oeuvre, mais aussi de paysages urbains plus larges. 

Les portraits industriels ont été réalisés de face, de manière presque mécanique, sans perspective. Tout « élément parasite » qui pourrait distraire l’oeil et brouiller l’image a été supprimé. Ce qui reste, est un plan architectural à l’effet esthétisant. Par cet artifice de mise en valeur, l’artiste veut rendre hommage à l’essence même de ces sites et delà in fine provoquer la discussion sur la préservation de l’un des derniers hauts fourneaux wallons, le HF4 à Marcinelle. 

Pour capturer de son objectif les quartiers populaires et les paysages urbains, Jo Struyven a pris de la hauteur et grimpé sur presque tous les terrils ceinturant Charleroi et Liège. Ici aussi, tout le superflu a été supprimé. L’image finale reflète ainsi la réalité brute et pure des quartiers ouvriers typiques du sillon industriel wallon. 

Jo Struyven a travaillé sur ce projet pendant six ans. Entre-temps, certains sites ont disparu. Instantanés d’une époque, les photographies sont devenues des témoins silencieux et autant de documents à la valeur historique ajoutée. 

                                                            L’industrie 

enFER. veut illustrer le gigantisme de cette industrie qui employait encore jusqu’à 130 000 personnes en 1960. À l’origine de vagues d’immigration successives de la Flandre vers la Wallonie, la dernière datant de 1955, la sidérurgie est peut-être même le dernier secteur industriel que l’on peut qualifier de «belge». Sidmar, implanté depuis 1962 près de Gand, n’est autre qu’une émanation de Cockerill à Liège et de La Providence à Charleroi.

enFER. enregistre l’impact de cette industrie sur le paysage et la banlieue des grandes villes que sont Charleroi et Liège dont les horizons continuent à évoluer de manière curieuse : d’une part, par leur destruction comme à Seraing et, d’autre part, par la reconquête de la nature elle-même, avec des terrils «verts» qui évoquent un véritable paysage de collines verdoyantes. 

enFER. souligne également l’intense imbrication de la fonction de travail et de vie. Une réalité sans concession, en contraste et opposition directe avec l’évolution urbanistique actuelle vers des zones à faibles émissions de CO. 

Acteur incontournable de l’exposition, en dialogue constant avec le contenu des photographies, l’ancienne salle des machines du charbonnage du Bois du Cazier vous entraîne dans une immersion vous faisant vivre de l’intérieur un pan entier du patrimoine culturel et historique de notre pays. 

Du 2 octobre au 6 décembre 2020, enFER., l’exposition photo de Jo Struyven, un must à découvrir… 

                                                             Marcinelle 

ENFER. Un jeu de mots entre «enfer» et «fer ». Un raccourci incontournable des industries minière et sidérurgique qui donnèrent naissance au pays noir. enFER. avec le feu des hauts fourneaux, des aciéries… et cette tragédie de Marcinelle où, le 8 août 1956 dans un incendie au Bois du Cazier, 262 mineurs de 12 nationalités différentes perdirent la vie. Ce fut la plus grande catastrophe minière de l’histoire de Belgique. Le charbonnage a fermé en 1967. 

Aujourd’hui, le site est un lieu de mémoire proposant bien plus que l’évocation de l’industrie minière, grâce aux visites des musées de l’Industrie et du Verre. Depuis 2012, le Bois du Cazier, site minier majeur de Wallonie, est inscrit sur la liste du Patrimoine mondial et, depuis 2018, labellisé « Patrimoine Européen ». Enfin, le site est entouré de terrils facilement accessibles au grand public. 

                                                            Jo Struyven 

Jo Struyven (°1961) est un photographe autodidacte qui travaille et vit à Bruxelles. Son oeuvre comprend de grandes photos panoramiques de paysages principalement côtiers : les côtes belge et britannique, la côte normande et les plages du débarquement, Lampedusa, Venise… Avec enFER. il étend son domaine d’activité aux sites industriels. 

Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon réunit au Musée Jean Couty (Lyon), du 16 octobre 2020 au 11 avril 2021, quelque 90 photographies de Robert Doisneau (1912-1994) que viennent compléter 17 œuvres de Jean Couty (1907-1991). Cette exposition conçue par Clotilde Scordia, commissaire de l’exposition, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau s’articule autour de deux thématiques : portraits et ateliers d’artistes, d’une part, et vues de Lyon, d’autre part.

Inédite, l’exposition Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon, présente plusieurs séries de tirages originaux de l’illustre photographe français, connu dans le monde entier pour ses portraits et scènes de genre si justes et sensibles. Le Musée Jean Couty accueille plus de quatre-vingt-dix clichés, dont une vingtaine jamais montrée au public. Charles et Myriam Couty, directeurs du musée, ont fait réaliser, par ailleurs, une trentaine de tirages, notamment des photos de Lyon prises pendant les années Vogue. Artiste viscéralement humaniste, Robert Doisneau livre un univers singulier qui se donne au regard de tous par sa poésie et, encore aujourd’hui, par son actualité.

Un tel ensemble n’a jamais été présenté. L’équipe du musée a souhaité ajouter une dizaine de photos de portraits d’artistes à l’exposition : certaines photographies avaient déjà été tirées pour des expositions précédentes mais ont été très rarement présentées. Parmi celles-ci figurent les portraits de Braque, Foujita, Léger et son chien, Fautrier. D’autres n’ont cependant jamais été exposées : les portraits de Wolinski, David Hockney, Duchamp / Villon, et Sempé, et Picasso palmé. En outre, 6 tirages en couleurs – Poliakoff, Savignac, Vasarely, Braque dans son atelier, Picasso à Mougins, Nikki de Saint Phalle – seront dévoilés pour la première fois au public. Les vues de Lyon, quant à elles, n’avaient pour la plupart jamais été tirées et présentées.

Photo : Robert Doisneau. Tinguely -portrait de l’artiste, Paris 1959 © Atelier Robert Doisneau

La République russe de Sakha, ou Yakoutie, située dans le nord-est de la Sibérie, est le théâtre d’une histoire qui n’a rien à envier à la plume d’un Jules Verne.

Le pergélisol fond en raison du réchauffement climatique. Ce qui peut causer de nouveaux problèmes géologiques et climatiques est comme une fenêtre ouverte sur le passé pour tout historien et pour tout biologiste. Le sol libère ce qu’il recouvre depuis 4 000 ans : des restes de mammouth laineux.

La population de la région des îles de Nouvelle-Sibérie s’est tournée vers une source de revenus inhabituelle : Les gens sont appelés chasseurs de mammouths. Tout comme les chercheurs d’or en Amérique du Nord au 19e siècle, les chasseurs sont mis à rude épreuve lors de leurs fouilles. Isolés sur les îles pendant plusieurs mois, ils sont exposés à des conditions extrêmes.

La ruée vers les défenses des mammouths est particulièrement répandue en Chine. Le matériel y est travaillé avec art pour atteindre des prix exorbitants sur le marché.

Evgenia Arbugaeva a accompagné des chasseurs de mammouths. Ils parcourent la toundra glacée de Sibérie jusqu’à 18 heures par jour. Se saisir d’une défense peut prendre jusqu’à 24 heures d’excavations sans interruption. Les photographies montrent des scènes à caractère surréaliste. Une certaine intensité dramatique se crée lorsque le passé et le présent se croisent. Mais la matière dont sont faits les rêves jette une ombre au tableau. Le tribut payé à la chasse est lourd. La chasse sépare des pères de leurs familles, laisse des cicatrices physiques et pousse les personnes impliquées à leurs limites psychiques. Les traces de l’histoire sont rentables en tant que matériel dans de nouvelles monnaies. Ainsi, elles assurent des existences et apportent des réponses à des questions scientifiques. L’ivoire fossile gagne une nouvelle splendeur grâce à l’artisanat. Mais la résurrection de cet ancêtre laineux ne pourra malheureusement pas apaiser la convoitise pour les défenses de ses congénères vivants.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

Traduction française: A. Tumiotto

Exposition présentée dans les Jardins du Bra’Haus II, montée du château

Mammoth Hunters © Evgenia Arbugaeva

2017, un vent de liberté souffle sur la photographie française. Las du carcan des commandes, avides de retrouver l’idée d’indépendance autour de laquelle le collectif s’est agrégé, les affranchis de Tendance Floue décident de prendre la route. Sans parcours préétabli, avec nulle autre contrainte que de transmettre chaque jour ses impressions par l’image et les mots, les photographes parcourent la France et se passent le relais sur 4 000 km.

L’exposition rendra compte de cette généreuse et fantasque marche de 32 photographes, aventure collective par essence pleine d’imprévus et de surprises. Une grande fresque photographique revisitera les productions de chaque auteur au fil du relais. Un regard libre sur le territoire français et une exploration d’autant de territoires intimes.

Avec : Bertrand Meunier, Grégoire Eloy, Gilles Coulon, Meyer, Antoine Bruy, Pascal Aimar, Alain Willaume, Patrick, Tourneboeuf, Mat Jacob, Kourtney Roy, Pascal Dolémieux, Michel Bousquet, Julien Magre, Stéphane Lavoué, Léa Habourdin, Fred Stucin, Marine Lanier, Clémentine Schneidermann, Mouna Saboni, Guillaume Chauvin, Yann Merlin, Gabrielle Duplantier, Olivier Culmann, Bertrand Desprez, Julien Mignot, Thierry Ardouin, Yohanne Lamoulère, Marion Poussier, Denis Bourges, Flore-Aël Surun, Laure Flammarion et Nour Sabagh.

Photo : © Grégoire Eloy

L’exposition consacrée au photographe Marc Riboud (1923-2016) marque l’entrée de l’intégralité de son oeuvre dans les collections nationales, conformément à son souhait.
Figure éminente de la photographie, Marc Riboud a marqué la seconde moitié du 20e siècle par son regard profondément personnel sur le monde. Photographe plus que reporter, il laisse derrière lui plus de 50 000 photographies (négatifs, diapositives et épreuves sur papier) où l’Asie domine. Qui d’entre nous ne s’identifie pas à telle ou telle image qu’il a toujours connue, et n’a le sentiment ainsi de feuilleter avec l’album du monde celui de sa famille ?
De l’immédiat après-guerre à la Chine atemporelle des monts Huang Shan, c’est à un parcours de plus de cinquante ans sur tous les continents, avec une place privilégiée pour l’Asie, qu’invite cette exposition rétrospective sur l’oeuvre de Marc Riboud.

Marc Riboud réalise ses premiers reportages à l’étranger sur les recommandations de Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, fondateurs de l’agence Magnum qu’il a rejointe en 1953 et dont il démissionnera en 1979 en conservant des liens amicaux.

Il fait d’abord ses armes dans la France et l’Angleterre de l’après-guerre et crée d’emblée des images qui habitent notre imaginaire collectif dont le fameux Peintre de la tour Eiffel, des images iconiques de Paris ou encore l’un des derniers portraits de Sir Winston Churchill. Puis c’est un périple en Europe orientale. Après la Yougoslavie, géopolitique d’un autre siècle, et les milieux ouvriers de l’Angleterre (1953-1954), son premier voyage vers l’Orient islamique commence en 1955 par la Turquie avant de partir pour l’Asie en voiture. Au terme d’un voyage de trois ans qui le porte jusqu’au Japon, la grande révélation de sa vie de photographe sera la Chine, alors presque fermée. Il y effectuera tout au long de sa vie de nombreux voyages. De ses longs séjours en Asie du Sud-Est, en Chine, au Japon, en Afghanistan, en Inde, au Népal, il rapporte des images essentielles, saisissant un continent en pleine mutation, à travers des images empruntes d’une rigoureuse géométrie et d’une profonde sensibilité. Loin de tout sensationnalisme son regard accueille l’humain, dans son universalité comme dans le tourbillon des grands bouleversements qui ont ponctué l’histoire de la seconde moitié du 20e siècle.

Grande rétrospective embrassant tout l’oeuvre du photographe disparu en 2016, l’exposition met en évidence le parcours d’une vie, depuis ses premières photographies prises à Lyon – la ville de son enfance – et dans la France de l’après-guerre, jusqu’aux ultimes photographies faites en Chine, notamment dans les montagnes du Huang Shan. La photographe Sarah Moon l’y accompagne et porte un regard tout différent ; il offre avec celui de Marc Riboud un frappant contre-point.

Sans rien négliger de l’art de la composition, il forge une oeuvre où s’exprime une sensibilité profonde à l’être humain, dans sa solitude comme dans ses aventures collectives. Il saisit tout au long de son parcours, de puissantes images de foules. Puis vient le reste du monde : l’Alaska, le Maghreb et l’Afrique – aux temps des indépendances –, Cuba, les États-Unis. C’est à Washington en 1967 qu’il photographie la Jeune fille à la fleur, devenue une image manifeste contre la guerre du Vietnam qui fit le tour du monde.

La dernière partie de l’exposition est consacrée à l’Asie : les tourments de l’histoire devaient y être documentés. Que ce soit au Vietnam, au Bangladesh ou encore au Cambodge, Marc Riboud s’en charge avec dignité, produisant des images contenues, bouleversantes et universelles. La Chine enfin, se raconte en noir et blanc mais aussi en couleurs. Marc Riboud y retourne régulièrement pour y chercher les témoignages des évolutions et des paradoxes d’un régime politique qui fait entrer sa société dans de profondes mutations. Dans la région de l’Anhui, il capte l’essence impalpable de la beauté des rochers en pain de sucre chargés d’écharpes de brouillard, de nuages et de pins élancés. En s’approchant ainsi de la sensibilité d’un lettré, il livre une moderne interprétation de la peinture au lavis d’encre sur papier.

Photo : La jeune fille à la fleur Manifestation contre la guerre au Vietnam Washington, États-Unis, 21 octobre 1967 © Marc Riboud / Fonds Marc Riboud au MNAAG

La Galerie Karsten Greve est heureuse d’annoncer sa nouvelle exposition dédiée à la photographe allemande Ilse Bing. Photographs 1928 – 1935 met en lumière une importante sélection de photographies réalisées à Francfort et Paris entre 1928 et 1935, qui illustrent les recherches avant-gardistes menées par celle que l’on surnomme « la Reine du Leica ».
Autodidacte, Ilse Bing ne se limite pas à un genre en particulier et fait preuve d’une grande liberté dans le choix de ses sujets, s’intéressant aussi bien au portrait, qu’à la mode, la danse ou la nature morte. Elle trouve également beaucoup de motifs d’inspiration dans la ville, que ce soit dans l’architecture, dans les scènes de la vie quotidienne jusque dans ses détails que l’on jugerait insignifiant (Dead Leaf and Tramway Ticket On Sidewalk, Frankfurt, 1929). Ses clichés marqués par des plans rapprochés, des perspectives et des cadrages audacieux ainsi que l’attention portée aux détails de la vie urbaine sont très représentatifs du style de la Nouvelle Vision. Ce courant moderniste qui émerge en photographie dans les années vingt est porté par Berenice Abbott, André Kertész, Eli Lotar, Sasha Stone et Florence Henri, figure emblématique de cette modernité dont la leçon de géométrie résonne parfaitement chez Ilse Bing. Cependant, cette dernière innove dans la délicatesse et la poésie qu’elle insuffle à ses oeuvres grâce à des jeux de contraste et de lumière et à la spontanéité de ses prises de vue.
Cette spontanéité est rendue possible grâce à sa maitrise du Leica, qu’elle commence à utiliser en 1929. Dans une époque où les formats 9 x 16 cm dominent la production photographique, Ilse Bing est l’une des premières à l’utiliser et presque la seule à ne travailler exclusivement qu’avec cet appareil qui dispose d’une caméra 35mm. Très simple et très pratique d’utilisation car petit et léger, le Leica emploi un nouveau mode de cadrage qui implique une connexion directe entre la vision du photographe et son sujet. Avec cet appareil, la photographie devient naturellement une extension du regard. Cette spontanéité lui permet de devenir l’outil privilégie du photojournalisme et de la presse illustrée moderne.
Après avoir fait ses premières armes en Allemagne, Ilse Bing quitte Francfort en 1930 pour Paris où se trouve dorénavant le coeur de la photographie d’avant-garde. Elle y passera les dix années les plus fructueuses de sa carrière.
Si le Leica était privilégié par les photojournalistes en Allemagne comme outil idéal du reportage, il est redéfini à Paris comme un instrument poétique. Il devient en effet l’appareil parfait pour capturer ce que Cartier Bresson appelle « les moments décisifs ». A Paris, Ilse Bing forge son style qui réconcilie poésie et réalisme, enchantement du rêve et netteté de la modernité. Elle cherche des contrastes et des juxtapositions originales qui transforment la réalité banale de la vie quotidienne en une idée nouvelle. Sa préoccupation pour la géométrie est toujours omniprésente et se mélange avec le rendu du temps et du mouvement que sa maitrise du Leica lui permet de retranscrire à la perfection et qui s’illustre notamment dans sa représentation de la danse. Dans sa première représentation de danseuses de cancan, Ilse Bing transcende l’aspect anecdotique du sujet pour en faire une pure représentation du mouvement : c’est une vraie rupture stylistique. Son oeuvre sera sélectionnée par la Galerie de la Pléiade pour faire partie de son exposition annuelle de photographie. Elle sera remarquée par le critique Emmanuel Sougez qui pointe le dynamisme de ses danseurs et la publiera dès lors à chaque occasion dans la revue L’Illustration et Arts et Métiers Graphiques.
Avec Gerard Willem van Loon, le fils de son mécène, elle perfectionne sa représentation du mouvement. Dans Willem Gerard Van Loon, 1932 elle capture sa figure aérienne qui se découpe dans le ciel, dans un bond qui semble figé dans le temps et suspendu dans les airs. Son talent attire l’attention de George Balanchine qui lui demande de photographier la répétition générale de son ballet Errante, joué pour la première fois en juin 1933. Dans cette série, les photographies de Bing convoquent à la fois la qualité expressive des lumières avec l’évanescence de la beauté de la chorégraphie. C’est est un tour de force de délicatesse et de vivacité dans sa volonté de documenter la performance d’un ballet comme un tout continu et sans lumière additionnelle.
Cette maitrise de la lumière et de l’éclairage est un autre élément clé du style d’Ilse Bing qui donne à ses photographies leur aura poétique. Elles semblent comme sorties d’un rêve même lorsqu’elles représentent l’environnement le plus ordinaire.
Un de ses exemples le plus iconique est le Salut de Schiaparelli, 1934, publicité réalisée pour un parfum du soir de la couturière Elsa Schiaparelli. Dans ce cliché, un modèle endormi sur un lit de lys baigne dans la lueur argentée du clair de lune. Ilse Bing montre ici toute sa maitrise des jeux d’ombres et de l’éclairage dans des contrastes saisissants. La connexion est évidente entre le goût de la photographe pour la beauté fantastique et l’enchantement des créations surréalistes de Schiaparelli.
Ilse Bing joue sur les jeux de contraste, de lumière et trouve dans la photographie de nuit le moyen d’exprimer sa vision onirique de la réalité. Grande expérimentatrice, elle va challenger cette représentation grâce à la technique de la solarisation qu’elle expérimente pour la première fois en 1934. Découverte au 19ème siècle et réinventée par Man Ray, cette technique appréciée des Surréalistes permet d’inverser partiellement les valeurs positives et négatives dans l’épreuve finale. Dans ce type de cliché, les objets semblent briller d’une aura super-naturelle et la frontière entre le rêve et la réalité se dissout.
Place de la Concorde, 1934 est surement une des expressions les plus radicales de ce monde imaginaire créé par Ilse Bing. Prise en contre-jour, la fontaine devient ici une figure obscure auréolée par une eau qui se transforme en rideau de lumière.

Née à Francfort, Allemagne, le 23 mars 1899, dans une famille bourgeoise juive, Ilse Bing est une photographe de l’avant-garde autant qu’une pionnière du photojournalisme. Elle reçoit une éducation solide et étudie les mathématiques et les sciences avant de se tourner vers l’histoire de l’art. Passionnée de photographie et véritable autodidacte, elle réalise ses premiers clichés dès l’âge de 14 ans et développe son talent pour les besoins d’illustration de sa thèse. En 1929, elle quitte définitivement l’université pour faire de sa passion un métier et choisit son instrument de prédilection : le Leica qui ne la quittera plus pour les 20 ans à venir. Elle fait ses armes dans le photojournalisme et travaille pour des magazines illustrés allemands puis français, tels que le American Harper’s Bazaar, Paris Vogue ou le Monde illustré. Entre 1930 et 1940, elle vit à Paris et est alors internationalement reconnue comme l’une des principales représentantes de la photographie moderne française. Elle expose régulièrement à la galerie La Pléiade aux côtés de Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Florence Henri, André Kertész, Germaine Krull et Man Ray. En 1931, elle fait la rencontre de Hendrik Willem van Loon, qui sera décisive pour sa carrière. Véritable mécène, il fait connaitre son oeuvre aux Etats-Unis ; en 1932, Ilse Bing est exposée à la Julien Levy Gallery de New York, qui fera don par la suite de ses photos les plus emblématiques à L’art Institute de Chicago. La même année, elle tient sa première exposition personnelle à la Galerie Trittler à Francfort. Elle participe en 1936 à la première exposition de photographie moderne au Louvre et l’année suivante, ses oeuvres sont montrées dans le cadre de la rétrospective majeure Photography 1839 – 1937 organisée au Museum of Modern Art à New York. Son statut de femme juive la force à trouver refuge aux Etats-Unis au début de la guerre en 1940,. Elle y restera jusqu’à sa mort en 1998. À la fin des années 50, Bing abandonne la photographie pour entreprendre des recherches poétiques et plastiques. Son oeuvre photographique est redécouverte en 1976 grâce à l’exposition des acquisitions récentes du MoMa de New York. Ses oeuvres feront par la suite l’objet de nombreuses expositions et figurent dans les collections des plus grands musées, dont le Met et le MoMa à New York, le San Francisco Museum of Fine Art, l’Art Institute de Chicago, ou encore le Victoria and Albert Museum à Londres.

Picto Foundation est heureux d’annoncer le lancement de la 23ème édition du Prix Picto de la Photographie de Mode.

Distinction de référence pour les talents émergents dans le domaine de la mode, le Prix Picto de la Photographie de Mode a le plaisir de lancer son nouvel appel à candidatures, après une année 2020 riche en nouveautés. En plus de l’exposition produite par PICTO, de la campagne d’affichage offerte par JCDecaux, le Lauréat du Prix Picto de la Photographie de Mode recevra un appareil photo Leica.

De même, la dotation 19M de la Photographie des Métiers d’art désignera un lauréat qui bénéficiera d’une commande photographique d’une valeur de 5 000 € réalisée pour le compte d’une des 12 maisons rassemblées au sein du 19M, Métiers d’Art de Chanel.

Paolo Roversi remettra la dotation Filippo Roversi qui mettra en lumière l’originalité d’un savoir-faire technique mis en avant par un photographe.

Enfin, partenaire du Prix Picto de la Photographie de Mode depuis 2017, le Palais Galliera permet aux photographes primés d’entrer dans une collection publique reconnue.

Avec le soutien de ses partenaires, le Prix Picto de la Photographie de Mode entend renforcer sa volonté de faire découvrir et progresser de nouveaux talents.

PREMIER PRIX :
GRAND PRIX PICTO DE LA PHOTOGRAPHIE DE MODE
– Un appareil photo Leica Q2 d’une valeur de 4 990 €.
– La fabrication d’une exposition pour une valeur de 2 000 €.
– Une campagne d’affichage JCDecaux à Paris.
– La possibilité d’intégrer les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.

DEUXIÈME PRIX :
DOTATION 19M DE LA PHOTOGRAPHIE DES MÉTIERS D’ART
– Une commande photographique d’une valeur de 5 000 € réalisée pour le
compte d’une des 12 maisons rassemblées au sein du 19M.
– La mise à disposition d’un studio pour une journée de prises de vues par
Studio Daguerre
– La possibilité d’intégrer les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.

TROISIEME PRIX :
DOTATION FILIPPO ROVERSI
– Un workshop d’une journée avec Paolo Roversi.
– Un tirage signé de Paolo Roversi.
– 1 000 € d’aide à la réalisation auprès des services PICTO.
– La possibilité d’intégrer les collections publiques du Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.

Appel à candidatures jusqu’au 10 Septembre 2021 :

> Télécharger le formulaire de candidature 2021 (Français)
> Et le règlement 2021

> Download registration form 2021 (English)
> Download regulations 2021

Photo : Flamin Asia n°4 © Chiron Duong. 1er Prix PICTO de la Photographie de Mode 2021

Les Douches la Galerie a le plaisir de présenter L’éloge de la main, une exposition collective à la croisée des mouvements qui interroge le motif de la main dans la pratique photographique. Présentant le travail de 27 artistes, elle rassemble une cinquantaine de tirages de 1925 à 2018.
Exercice de style redouté dans la peinture et le dessin, la main devient, dès les premières heures de la photographie, un motif technique et symbolique récurrent. Parce que la prise de vue le permet, la main est représentée fragmentée, isolée du reste du corps et apparait dès lors comme un sujet à part entière.
Membre personnifié par excellence, la main signe et appose son empreinte digitale. Seule, elle forme le portrait de son propriétaire par métonymie. Jean Cocteau, lui-même fasciné par les mains au point de leur donner la parole dans son film Le sang d’un poète (1930), est ainsi représenté par Berenice Abbott sous la forme de ses deux mains harmonieusement posées sur un chapeau. Dans le portrait du pianiste Arthur Rubinstein réalisé par Ernst Haas, la main figure également la profession et le talent du sujet, dont on cherche à reconnaître les marques de la virtuosité. Accompagnée de son double sculpté, cette main emblématique souligne sa force créative.
Souvent présentées dans des natures mortes et associées à des objets industriels, les mains expriment aussi une subjectivité artistique alliée ou opposée à une production mécanique. Ainsi, les mains de Jean-Philippe Charbonnier sont fusionnées à la machine à écrire dont elles deviennent des rouages, tandis que celles de Denise Bellon, minuscules et intriquées, sèment le trouble par leur artificialité.
À l’opposé du spectre, la main dématérialisée et fantomatique est un motif de prédilection de la photographie expérimentale. Coupées de la réalité, translucides, les mains d’André Steiner, Roger Catherineau, Maurice Tabard et plus récemment Thierry Balanger présentent un sujet familier dans sa version inconnue et quasi fantasmagorique. Dans le Poisson soluble (1934), André Breton racontait déjà : « Je pris cette main dans la mienne ; l’élevant à mes lèvres, je m’aperçus qu’elle était transparente et qu’au travers on voyait le grand jardin où s’en vont vivre les créatures divines les plus éprouvées.1 »
Dans la photographie surréaliste, la main coupée est le symbole d’une psyché libérée, déstabilisant tout sens logique. Le premier Manifeste du surréalisme affirme d’ailleurs qu’il « gantera votre main, y ensevelissant l’Μ profond par quoi commence le mot Mémoire2 ». Attribut surréaliste et sujet poétique, le gant occulte en même temps qu’il habille. Chez Germaine Krull et Jean Moral, il est à la fois corps et objet.
Suspendue dans son mouvement, la main est également le motif par excellence du médium de l’instantané. Ainsi, Tom Arndt saisit la fougue du geste politique, et Arlene Gottfried le langage silencieux de la tendresse et de l’amour. John Baldessari isole puis réunit des gestes contradictoires, tandis qu’Hervé Guibert capture la simplicité d’un geste intime et quotidien.
C’est enfin la dualité de la main qui en fait un sujet photographique par excellence. Le portrait d’une main la dédouble, et prolonge l’effet miroir déjà produit par la paire qui se répond. Pierre Boucher recrée cette dualité par un jeu de reflets, et André Steiner entretient une ambiguïté de lecture par l’écho et les jeux d’échelle. Enfin, les portraits frontaux de Bruce Wrighton sont savamment composés autour d’une fausse symétrie dont le point d’équilibre serait la jonction des mains.
Fragment autonome dans l’expérimentation ou détail essentiel d’un instant saisi, la main est présentée dans cette exposition comme un objet photographique qui interroge les spécificités techniques du médium et sillonne son histoire.

Berenice Abbott, Tom Arndt, Thierry Balanger, John Baldessari, Denise Bellon, Pierre Boucher, Sébastien Camboulive, Roger Catherineau, Jean-Philippe Charbonnier, Louis Faurer, Arlene Gottfried, Hervé Guibert, Ernst Haas, Sid Kaplan, François Kollar, Germaine Krull, Jacques-Henri Lartigue, Ray K. Metzker, Jean Moral, Albert Rudomine, Roger Schall, André Steiner, Maurice Tabard, Val Telberg, Raoul Ubac, Sabine Weiss & Bruce Wrighton.

Photo : Berenice Abbott
Hands of Jean Cocteau, 1927
Contact gélatino-argentique postérieur
Tampon de l’artiste «Abbott, Maine» au verso
Dimensions du tirage : 20,3 x 25,5 cm
© Berenice Abbott /Courtesy Les Douches la Galerie, Paris

La photographie de paysage parcourt l’histoire du médium depuis sa création avec des approches très différentes selon les époques.
La carte postale, bien sûr, y tient une place importante mais d’autres styles ou fonctions construisent l’imaginaire de ce genre, comme l’appropriation du territoire chez les américains ou les témoignages sociaux de la FSA, les relevés topophotographiques de terrain de montagne, la photographie de voyage, les New Topographics et plus généralement la photographie documentaire. En France, dès le début des années 80, la mission de la Datar avait posé la question de la représentation du territoire.
Aujourd’hui les artistes contemporains se sont appropriés ces différentes approches pour mieux s’en libérer.
L’exposition Paysage( ?) présente 7 photographes aux propositions distinctes : de ses marches dans l’Himalaya, Eric Bourret donne à voir des ciels au plus prêt du cosmos ; Alfons Alt nous présente un Marseille emprunt de pictorialisme ; Nicola Noemi-Coppola scanne directement de la terre venue de lieux chargés d’histoire ; Jean François Maccario, tel un Muybridge, séquence le paysage déroulant devant sa moto ; dans Nevermind, André Mérian ajuste le visible au sensible avec une extrême finesse ; avec ses gommes bichromatées reprises à la pierre noire, Roxane Daumas provoque l’ambiguïté entre le réel et son interprétation ; la série Nuit blanche d’Olivier Monge piège la lumière de la nuit pour révéler des activités humaines invisibles à l’oeil nu.
Dans leurs recherches, ces artistes ne montrent pas des paysages : ils les questionnent.

Avec les photographies et dessins de :
Eric Bourret
Olivier Monge
Roxane Daumas
André Mérian
Jean-François Maccario
Nicola Noemi Coppola
Alfons Alt

Photo : © Olivier Monge

Indochine, mousson, moiteur, beauté du Mékong et dangers de la nuit… les récits des grands-parents de l’artiste photographe FLORE, ayant vécu à la même époque et sur les mêmes lieux que Marguerite Duras, ont baigné son enfance d’insondables mystères qui nourrissent aujourd’hui un imaginaire commun entre elle et l’écrivaine. Après Lointains souvenirs, sa première série autour de l’adolescence de Marguerite Duras, FLORE continue à « inventer photographiquement » une Indochine mythifiée. Elle propose ici un voyage dans le temps et agrandit le monde d’espaces insoupçonnés, en saisissant quelque chose qui n’a pas nécessairement existé mais dont on accepte le postulat, cette vie qui aurait été vécue il y a presque 100 ans et que Marguerite Duras raconte dans ses livres.
Cette exposition sera constituée d’une soixantaine de tirages argentiques réalisés par l’artiste en chambre noire, teintés au thé et cirés, dont des héliogravures, ainsi que des pièces uniques sur feuille d’or.

FLORE est une artiste photographe franco-espagnole née en 1963. Ses séries au long cours souvent réalisées lors de voyages ont été acquises ou présentées par des institutions prestigieuses comme le Musée du Petit Palais, le MMP+ de Marrakech, le Mémorial de Rivesaltes, la BnF, ainsi qu’à l’occasion de foires internationales comme Paris Photo, Photo London, Fotofever, Marrakech Art Fair, Daegu Art Fair ou la Snif Art Fair de Osaka. Par des procédés techniques sophistiqués, FLORE façonne tout autant qu’elle restitue le monde déployé sous ses yeux pour en extraire des images qui se confrontent au mystère du temps qui passe, à notre condition de mortels, à la fragilité des souvenirs et à la capacité de la photographie de créer de la vérité plus vraie qu’une réalité.
FLORE est représentée par la Galerie Clémentine de la Féronnière/Paris, la Galerie 127/Marrakech, la Blanca Berlin Galeria/Madrid, la Galerie Wada-Garou/Tokyo et M.K.W Art Gallery/New-York.

LandRush –Ventures into global agriculture est une exploration artistique de l’impact social et environnemental de l’agriculture à travers le monde.

L’agriculture accélère le dérèglement climatique, l’extinction, l’érosion et la raréfaction des ressources en eau. Elle monopolise environ 40% des terres émergées et plus de 70% de l’eau douce de la planète, asséchant les lits des rivières et tarissant les nappes phréatiques. En raison de la surexploitation des sols et de l’intensification rapide du réchauffement climatique, la désertification est une des plus lourdes menaces pesant sur la vie sur terre. Tous les jours, à chaque minute, l’avancée du désert détruit 23 hectares de terres arables, tandis que la dégradation des sols réduit de 23% la productivité de l’ensemble de la surface terrestre mondiale.

La population mondiale devrait frôler les dix milliards d’habitants d’ici 2048. L’évolution des régimes alimentaires, plus riches en viande et en poisson, se traduira par une demande accrue en nourriture avec le risque d’une dégradation encore plus rapide des sols par épuisement, alors qu’au même moment les récoltes seront de plus en plus mauvaises en raison du dérèglement climatique. Les fertilisants déversés par les activités agricoles industrielles détraquent les écosystèmes des cours d’eau et des zones côtières, tandis que la déforestation et la transformation des prairies en terres cultivables causent l’érosion des sols et l’appauvrissement de la biodiversité. La nature décline globalement à un rythme sans précédent dans l’histoire de l’humanité ; l’agriculture et les changements dans l’utilisation des sols en sont les principaux responsables et contribuent par ailleurs à l’émission d’un quart environ des gaz à effet de serre qui aggravent le dérèglement climatique.

Plus que toute autre, l’agriculture est l’activité par laquelle l’espèce humaine transforme la planète, pourtant la plupart des gens ne mesurent pas à quel point nos systèmes alimentaires sont fragiles en réalité.

Frauke Huber et Uwe H. Martin documentent les conséquences sociales et environnementales de l’agriculture mondiale depuis 2007. En adoptant une démarche de journalisme lent, ils nouent d’étroites relations sur place avec des agriculteurs, des éleveurs, des pêcheurs et interviewent des responsables politiques, des activistes et des scientifiques. Leurs projets se développent de manière organique, chapitre par chapitre, suivant un cycle constant de recherche, production et présentation. Cette approche ouverte permet à leur travail de faire surface au sein de contextes toujours nouveaux, en jetant progressivement des ponts entre publications dans des revues, films documentaires, Web-documentaires linéaires et applications interactives jusqu’aux mises en espace dans des institutions culturelles.

Pour la première fois, cette exposition rassemble en un lieu les trois chapitres de l’enquête de Huber et Martin:

WHITE GOLD (2007 – 2012) examine les effets sociaux et écologiques de la production mondiale de coton. Le coton entre dans la fabrication de nos vêtements, des billets de banques, des aliments pour animaux, du dentifrice et des pellicules cinématographiques. Le commerce du coton a toujours été des plus inéquitables et sa réputation de produit naturel n’est rien de plus qu’une illusion. Le coton détruit des régions entières par ses besoins excessifs en eau, emploie plus de pesticides que d’autres cultures et dégrade les écosystèmes. De plus, le coton stimule l’industrialisation mondiale de l’agriculture.

LANDRUSH (2011 – en cours) analyse l’impact des investissements agricoles à grande échelle sur les économies rurales et les droits fonciers, l’essor des carburants renouvelables, la réaffectation des terres et l’avenir de l’agriculture à travers le monde, tout en documentant l’accaparement néo-colonial des terres en Éthiopie, les méga compagnies industrielles au Brésil, les fermes familiales florissantes grâce à la production d’éthanol dans l’Iowa, et l’agriculture biologique ainsi que les politiques d’aménagement du territoire en Allemagne orientale – parmi bien d’autres phénomènes.

DRY WEST (2014 – en cours) documente la société hydroélectrique et les paysages façonnés par l’homme de l’ouest américain, où les rivières coulent dans des berges en béton, à travers les montagnes et le désert, tout en rapportant de l’argent. Ce système, qui a fait fleurir le désert et grandir des villes, est de plus en plus déséquilibré. La région réclame plus d’eau que ne peut en fournir la nature. Plus de 80% de l’eau est engloutie par un système agricole qui a métamorphosé la moisson en opération minière ; au lieu du cuivre, de l’or ou du pétrole, il extrait de l’eau fortement subventionnée.

Les installations multimédias emmènent le spectateur en voyage à travers les paysages et les réalités de l’agriculture moderne. Elles présentent des histoires intimes de divers acteurs du secteur et fournissent un aperçu d’idées scientifiques, politiques, juridiques et philosophiques complexes. Ces vignettes narratives amènent les spectateurs à considérer plusieurs positions à la fois et à poser des questions plutôt que de leur présenter une histoire finie.

Frauke Huber et Uwe H. Martin sont des narrateurs visuels indépendants, des journalistes et éducateurs. Leur travail documentaire qui associe la photographie, le film, le texte et le son, est axé sur les grands enjeux environnementaux de l’Anthropocène.

Tous les deux sont membres du collectif “Bombay Flying Club” et ont fait partie du projet collaboratif d’art et de recherche “World of Matter”, cofondé par Uwe en 2010.

Frauke a étudié l’économie et est diplômée en photographie. Uwe a étudié la photographie documentaire ainsi que le journalisme et enseigne dans des universités à travers le monde. Par ailleurs, Uwe est cofondateur de la coopérative “RiffReporter”, un croisement entre une plateforme d’édition collaborative et un incubateur d’entreprises pour le journalisme entrepreneurial indépendant.

Frauke et Uwe encadrent de jeunes narrateurs visuels et sont souvent invités en tant que conférenciers et experts sur des sujets tels que la narration trans-média, le slow-journalisme, les récits fragmentés, la politique de l’eau et l’agriculture. Au fil des ans, leur travail s’est vue couronné par de nombreuses distinctions et récompenses, notamment le German Reporter Award, le Greenpeace Award, le Development Media Award et le German Short Film Award.

Leur nouvelle initiative «Earth Vision Lab» rassemble diverses équipes d’experts recherchant des solutions aux questions de la relation entre eau, agriculture, énergie, alimentation, climat, et environnement.

Le photographe finlandais Santeri Tuori porte son regard sur les paysages de l’île de Kökar, qui fait partie de l’archipel d’Åland.
Son oeuvre est connue en raison de l’intérêt porté aux propriétés de la nature et à ses changements.

Sa série d’images « Forest » est basée sur des années d’observation de motifs et d’endroits identiques (série en cours, depuis 2006) et sur la représentation répétée de ceux-ci. La surimpression et la superposition de négatifs individuels donnent naissance à de nouvelles images. Elles illustrent les métamorphoses naturelles et rendent le changement tangible. Les branches des arbres qui s’entremêlent, les sens dessus dessous des rameaux, les lignes qui se ramifient et le mélange confus de courbes et de méandres sont accentués par un jeu d’ombres et de lumières. Cet enchevêtrement pictural ressemble à un maillage organique de voies nerveuses, un réseau de fines artères et de veines qui vibrent. Ces images sont vivantes. Leur caractère pictural dépasse les qualités visuelles de la photographie. Le pouvoir du « moment décisif » est annulé. Le moment n’est qu’une partie d’un tout, en somme, une nouvelle oeuvre d’art complète d’une profondeur inhabituelle est créée.

L’effort pour définir la création artistique comme un processus et pour mettre consciemment en avant le facteur temps se reflète également dans son travail « Sky ». Si l’on considère le ciel comme une surface de projection pour une variété infinie de formations nuageuses, leurs mouvements et leurs changements ne peuvent s’expliquer que par le phénomène du temps.
Les photographies de Santeri Tuori font l’effet d’images d’un monde parallèle, d’un univers soumis à la loi du temps mais qui se meut et qui existe en dehors des paradigmes humains. « Sky » est une révélation pour les sens laissant beaucoup d’espace à l’imagination, et en même temps c’est une oeuvre photographique avec des caractéristiques philosophiques.

Text: A. Meyer / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée au Schlassgaart, château de Clervaux

Sky © Santeri Tuori

« On pouvait arriver promptement à la Huchette, y rester une heure et être rentré dans Yonville, que tout le monde serait encore endormi. Cette idée la fit haleter de convoitise, et elle se trouva bientôt au milieu de la prairie, où elle marchait à pas rapides, sans regarder derrière elle. »
Gustave Flaubert, Madame Bovary

Eric Bénard propose une interprétation photographique de la relation entre son oeuvre et ses lieux d’inspiration. Le parcours de l’exposition présentera des photographies grand format qui seront exposées sur les murs extérieurs des communs du Château de Martainville. Une seconde section de l’exposition, plus intimiste et présentant des photographies de « fragments », sera présentée au3è me étage du musée avec des formats plus petits. Des panneaux d’exposition accompagneront les photographies afin de présenter le photographe et son projet artistique.

Propos du photographe Eric Bénard :
De son repère du Croisset sur les bords de la Seine, Gustave Flaubert a écrit pendant cinq ans l’une de ses oeuvres les plus puissantes, Madame Bovary. Publiée en 1856, cette étude de « moeurs de province » (sous-titre du roman), a révolutionné la littérature par ses audaces. L’histoire d’Emma, héroïne tragique moderne, s’inscrit dans un bourg normand « à huit lieues de Rouen ». Le décor occupe une place primordiale dans Madame Bovary, il est omniprésent et indissociable du personnage. Les descriptions de paysages, d’objets, d’intérieurs et d’évènements de la vie locale reflètent les états d’âme d’Emma, ses passions et ses illusions, ses rêveries et ses craintes, ses désirs et son ennui.
Emma cherche à échapper à son quotidien ennuyeux et étouffant, à la fois concrètement et par l’imagination. Elle s’évade de chez elle en empruntant les chemins qui la mènent vers ses deux amants successifs, elle s’invente une nouvelle vie par des rêves nourris de littérature romantique.
Son insatisfaction ne lui laisse que peu de répit, elle est sans cesse en mouvement.
C’est cette tension psychologique permanente d’Emma que j’ai souhaité suggérer en filigrane dans mes photographies, par l’alternance de paysages et de fragments. D’un côté, des vues amples captées en Normandie au rythme des saisons, des atmosphères évoquant les sensations de liberté et d’évasion. Et en contrepoint, des vues de proximité, plus serrées, verticales, d’objets, de gestes traduisant la contrainte, l’enfermement.
Quant aux chemins, j’ai choisi de leur accorder une place particulière. Pour Emma, ils représentent le trait d’union entre son univers réel et celui fantasmé, la promesse de plaisirs cachés mais aussi la tristesse de désillusions. Empruntés dans des tenues peu adaptées à la marche et dans des conditions parfois difficiles, ils sont parfois semés d’embûches. Ces chemins la mettent en contact avec une nature à la fois belle et rugueuse.

Enfin, en adoptant une palette de couleurs légèrement désaturées et granuleuses, j’ai voulu distiller un charme suranné, une certaine mélancolie, une suspension du temps. Quelques images en noir et blanc pourront s’intercaler afin d’apporter une certaine âpreté. Cet ensemble photographique sera ponctué de citations de Madame Bovary et d’extraits de la correspondance de Flaubert.

Eric Bénard est à la fois photographe et rédacteur en associant texte et image. Cette vision sociologique le pousse à réaliser plusieurs reportages sur le portrait avec Les gens de l’eau (2013) et Les gens du lin (2016), le geste et le paysage. Il porte un intérêt au lien entre l’homme et son environnement et son empreinte sur le paysage mais aussi à la littérature avec deux expositions consacrées à Palerme et Maupassant et à Marguerite Duras (Des journées entières en Indochine, 2014) où il propose une interprétation personnelle de la relation entre son oeuvre et les lieux de son enfance, et de la genèse de son oeuvre littéraire : l’Indochine.

Commissariat d’exposition : Caroline Louet et Eric Bénard

À partir du 2 avril et jusqu’au 13 juin 2021, La Galerie Rouge présente le travail de deux femmes artistes, engagées et poétesses : Maya Mercer et Emmanuelle Bousquet.
Dans l’exposition Le feu intérieur, traduction d’un titre d’une photographie de Maya Mercer qui fait référence à l’oeuvre littéraire de Carlos Castaneda The fire from within, les oeuvres présentées nous racontent ce que ces deux artistes ont su créer pendant l’année 2020, par le feu intérieur de la création.

Exposition dans la Petite Nef de la galerie Le corps à l’oeuvre dans le message artistique.
Emmanuelle Bousquet est une artiste photographe et vidéaste, qui utilise son corps pour parler du féminin depuis le début de sa carrière.
À travers un univers de féérie noire, et suivant son parcours personnel, l’artiste travaille sur les différentes périodes de vie de la femme : l’enfance, l’adolescence, les transformations du corps, le lien à la soeur, la géméllité, la maternité, la vie, la mort.
Elle s’intéresse aussi au regard posé sur la femme : la jeune fille à qui l’on a volé l’innocence, l’adolescente qui subit les traumatismes psychiques, tels que l’anorexie ou la dépression, la femme qui voit son corps changer, entre métamorphose et statuaire.

Les titres de ses séries depuis quinze ans, nous permettent de retrancer un parcours tortueux et pourtant poétique Troubles, Illusion, Murmures, où elle nous fait partager son désordre intérieur à travers son image, floutée, en mouvement, aspirée par un fantôme ou celles d’adolescentes spectrales, plongées dans une atmosphère à mi-chemin entre le conte de fée et le cimetière. Ses séries Statues, Stigmates, In foetu, racontent la femme adulte, qui transcende ses douleurs dans l’art.
En 2020, l’artiste s’est mise à coudre sur ses tirages, et à explorer un sujet qui semble lié à la mode, Haute Couture, et à ses origines familiales, puisqu’elle descend d’une lignée de couturiers. Elle nous dévoile en réalité derrière ce titre, des images de corps cousus à la main, à la fois enfermés, seuls, menottés, et déifiés, où la silhouette de la femme en souffrance se transforme pour devenir une figure mythologique.

En 2018, le travail d’Emmanuelle Bousquet a été présenté à La Galerie Rouge (ex Galerie Agathe Gaillard) dans une exposition monographique intitulée Ombres et lumières. En 2020, elle expose à la Maison des Consuls, à Eygalières et à la Galerie Daltra sa série Stigmates. Son travail fait parti de la collection de la Maison Rouge et a été exposé à la Fondation Yvon Lambert.

Derrière le titre Haute Couture, Emmanuelle Bousquet nous dévoile des corps cousus à la main, à la fois enfermés, seuls, menottés, masqués, et déifiés, où la silhouette de la femme en souffrance se transforme pour devenir une figure mythologique.

À partir du 2 avril et jusqu’au 13 juin 2021, La Galerie Rouge présente le travail de deux femmes artistes, engagées et poétesses : Maya Mercer et Emmanuelle Bousquet.
Dans l’exposition Le feu intérieur, traduction d’un titre d’une photographie de Maya Mercer qui fait référence à l’oeuvre littéraire de Carlos Castaneda The fire from within, les oeuvres présentées nous racontent ce que ces deux artistes ont su créer pendant l’année 2020, par le feu intérieur de la création.

Maya Mercer est une photographe et vidéaste franco-américaine. Fille du dramaturge britannique radical David Mercer elle a grandi entre Paris, Los Angeles et Londres. Artiste autodidacte, elle a toujours vécu dans un monde narratif, expérimentant « la vie comme un théâtre ».
Maya Mercer, qui se qualifie d’artiste régionaliste “photocinéaste”, vit et travaille aujourd’hui dans le nord de la Californie où elle photographie des adolescents dans des histoires visuelles inspirées par les conditions sociales du far west rural américan. Son travail a été présenté dans des galeries, musées et foires d’art en Amérique du nord et en Europe.
“Maya Mercer est devenue une fille adoptive du Far West. Les Etats-Unis ont une emprise sur toute la conscience de Maya Mercer, qui vit à l’intérieur de cet état vaste et varié qu’est la Californie, un pays dans un pays, un Premier monde dans un Premier monde. Mais c’est aussi un tiers monde dans un tiers monde.
Et pourtant, comme le révèle la photographie de Maya Mercer, ces jeunes femmes sont ambitieuses, fougueuses et redoutables, des soeurs de coeur même lorsqu’elles ne sont pas au coeur de l’action. Leur ennui ne dissipe jamais leur vision, mais ne la laiss e pas non plus émerger. Maya Mercer a dû rêver pour elle, mais elle ne leur a pas imposé ce rêve, elle l’a plutôt fait naître en elles.
C’est un rêve aux accents hollywoodien, mais non un rêve hollywoodien : le décor est grossier, l’arc narratif se brise à de nombreux endroits, la fin n’est pas heureuse.

Ses sujets sont jeunes, beaux, tragiques et espiègles, et étrangement hors du temps alors qu’ils reflètent angoisses contemporaines et souvenirs historiques.

Il est empreint de scepticisme, mais il laisse aux filles leur innocence persistante, ce qui le rend presque exempt de cynisme. Un pied dans la fantaisie, un pied dans la réalité – et constamment incertain de ce qui est quoi – The Westend Girls arpente le paysage de promesses non tenues qu’est l’Amérique d’aujourd’hui. Ses sujets sont jeunes, beaux, tragiques et espiègles, et étrangement hors du temps alors qu’ils reflètent angoisses contemporaines et souvenirs historiques. Tandis que son art fait écho aux précurseurs du décadentisme au XIXème siècle, il regarde aussi vers l’avant en direction d’un nouvel âge périlleux de la sensualité, de la confusion et de la dystopie galopante.
A cet égard, Maya Mercer est moins une hédoniste qu’une oracle, moins Salomé que Cassandre. Son travail n’est pas indulgent, c’est un avertissement.”
Peter Frank

Le travail de Maya Mercer a donné lieu, en novembre 2019 à une performance et à une exposition au Silencio en partenariat avec Paris Photo, présentées par la commissaire Coralie Gauthier, et soutenue par La Galerie Rouge.
En 2020, la série The Westend Girls a été présentée à La Galerie Rouge dans une exposition collective intitulée Féminin aux côtés de Martine Barrat et de Fiona Mackay, puis à la Galerie Baudoin Lebon, en novembre 2020.
En avril 2021, l’exposition Le feu intérieur à La Galerie Rouge, puise dans ses quinze années de travail, et expose des images en résonance avec le message que l’artiste souhaite évoquer en 2021. Elle nous parle à travers ses mises en scène photographiques et dans son univers cinématographique, d’une culture mise à mal, d’une pauvreté grandissante, des désordres psychiques d’une génération Z oubliée et des violences faites aux femmes.

Un paysage, presque entièrement blanc, doux comme de la ouate. Des nuages, si épais et si lourds qu’aucun rayon de soleil ne les traverse. Une bande de neige. L’horizon s’estompe, il disparaît.

Où sommes-nous ?
Cela fait un peu penser au phénomène météorologique et non anodin du « blanc dehors ». En cas de sol enneigé et de forte couverture nuageuse, dans les régions montagneuses par exemple, peut apparaître une luminosité forte et diffuse, uniformément claire, et il nous est impossible de discerner des repères que sont les lignes du paysage, les ombres ou l’horizon.

Pourtant, nous disposons d’un point de repère, même s’il peut passer inaperçu au premier abord : Au centre de l’image – le point crucial de l’ensemble de la série de Donovan Wylie – l’œil perçoit une fine ligne dans un paysage autrement fait de nuages et de neige d’un blanc éclatant, presque monochrome. Il s’agit du « Lab1 » ou de Cap Kakiviak, une base militaire canadienne et américaine destinée à surveiller l’espace aérien et le trafic maritime à Terre-Neuve, au nord-est du Canada.

Les progrès technologiques et le développement de bombardiers et de missiles à longue portée ayant rendu les frontières arctiques du Canada vulnérables aux attaques après la Seconde Guerre mondiale, le Canada et les États-Unis se sont vus obligés de construire un réseau de stations radar le long des frontières nord du pays dans les années 1950. Ces systèmes ont finalement été améliorés dans les années 1990, pour devenir le « Système d’alerte du Nord », jouant un rôle de plus en plus actif au fil des ans.

Le voyage que Donovan Wylie entreprend en hélicoptère suit un plan élaboré. Le poste de surveillance sans personnel, construit aux frontières de la civilisation sur une chaîne de montagnes, et dont le rôle est de détecter des menaces invisibles, est visé lentement et stratégiquement contourné. Alors que la tour radar est toujours dans le point de mire et au centre de l’image, le paysage environnant change constamment ; les nuages se déchirent et révèlent des rochers, de la glace et des fjords glaciaires. Le calme apparent au milieu de ce paysage blanc est cependant trompeur – l’œil vigilant de la station militaire est dirigé vers nous et enregistre le moindre de nos mouvements.

Au cas où, toujours prêt.

Texte: B. Praun / Clervaux – cité de l’image
Traduction: A. Tumiotto

Exposition présentée dans le jardin de Lélise, montée de l’église

North Warning System © Donovan Wylie

D’une petite favela au coeur de Sao Paulo jusqu’au fin fond de l’Amazonie, un voyage photographique entre documentaire et poésie qui questionne la situation actuelle du Brésil.
Une exposition à découvrir à la Galerie du théâtre et au Musée Museum départemental à Gap.

« Installé au Brésil pendant plus de dix ans, Ludovic Carème a pris à rebours le trajet de ceux qu’il a photographiés. Il a commencé à dresser le portrait de la petite favela d’Agua Branca à Sao Paulo, pour finir son périple en Amazonie, là d’où sont partis ceux qui rêvaient de trouver le bonheur dans la mégapole. Puis, il est allé régulièrement à Agua Branca dans ces baraques en planches, construites au-dessus des égouts, il a photographié, de près, en noir et blanc vibrant ceux qui acceptaient sa présence et lui faisaient don de leur visage. C’est là aussi qu’il a photographié, en pied, les travailleurs.
En 2012 il a cadré les grands immeubles du centre mis en jachère par des promoteurs spéculateurs, ruines modernes et dérisoires, révoltantes, dans une ville où des milliers de sans-abris rendent encore plus intolérables ces habitations vides transformées en œuvres d’art urbain par d’audacieux « Pixadores ». En abandonnant la ville pour le plus profond de l’Amazonie, en poursuivant son travail de portraitiste et en le complétant de vues, souvent sensuelles de la forêt, mais aussi de constats nets de sa déforestation, il poursuit le développement sensible d’une photographie documentaire aux solides bases classiques.
Des portraits dignes et un peu tristes, une forêt luxuriante, en butte aux agressions de l’homme, des maisons détruites, le double mouvement qui mène les pauvres vers les villes et leur interdit les centres, tout est là, avec retenue, avec une forme de poésie aussi. »
Christian Caujolle

Art Trope Gallery est ravie de vous inviter à découvrir le travail photographique de Bruno Palisson sur sa série « Le Geste du Saunier » avec 12 œuvres exposées en grand format en plein cœur de la ville de Noirmoutier-en-l’Île.

C’est au travers de sa série photographique que l’artiste a souhaité mettre en lumière et rendre hommage au métier de saunier dans son exploitation située dans les marais salants de l’île de Noirmoutier.

De par sa prise de vues mais également son travail de composition, les photographies de Bruno Palisson réussissent à sublimer le talent d’un tel métier et la gestuelle pratiquée comme une véritable cérémonie.

Au travers d’un filtre noir et blanc qui souligne le temps, l’effort mais aussi l’historicité de la discipline dont son apparition date du VIIème siècle, Bruno Palisson surprend par ses jeux géométriques mais également par la vie qu’il met dans ces espaces épurés. L’artiste photographe surligne son savoir-faire et nous propose dans cette série des œuvres au format carré où il va constamment chercher une diagonale qui dirige le regard.

On retrouve notamment la singularité de Bruno Palisson dans sa capacité à capturer le mouvement lent de ce métier nécessitant une dextérité parfaite pour la récolte. Ce métier ancestral illustre la patience et cette connexion de l’Homme avec la Terre, comme une réflexion de soi. Ainsi, dans cette escapade au sein des moments de vie du saunier, il est question d’un hommage photographique puissant dont le sujet n’avait encore jamais été revisité par un artiste contemporain.

Dans le cadre du projet collectif “Archipel” organisé en collaboration avec les Centres d’Art de Dudelange

« L’Œil et la Glace » poursuit une recherche sur les lieux-archives de la guerre froide que Marie Sommer a amorcée en 2018 à la Stasi à Berlin. L’installation explore cette fois les vestiges de la DEW Line (Distant Early Warning Line), un système de défense mis en place dans le nord du Canada pour détecter toute éventuelle invasion de l’Amérique du Nord par les Soviétiques. Cette ligne de radar et de communication à longue portée trace une frontière magnétique sur l’ensemble du territoire arctique d’ouest en est. Sur les nombreuses stations construites entre 1954 et 1956, la très grande majorité a été abandonnée, mais sans avoir été démantelée. Dégradés par les effets du temps, ces lieux constituent en soi une archive, dont l’historicité est circonscrite à l’intérieur d’un conflit qui s’est joué à l’abri des regards. Par son titre, l’installation fait référence à deux enjeux géopolitiques déterminants de la guerre froide : la détection à distance (l’œil) et la conquête du Nord (la glace).

Présenté sur deux écrans, le film a été tourné aux environs de Tuktoyaktuk à quelques centaines de kilomètres de la station du nom de code BAR-3, située à une latitude de 69° 26′ 35″ nord et une longitude de 132° 59′ 55″ ouest. Ne pouvant accéder au site en raison d’une fonte prématurée de la glace, Marie Sommer dirige sa caméra vers cette nature en transition et capte les effets de ce changement climatique sur l’environnement. Tournée en 16mm, le film n’est ni documentaire ni narratif. Il est au contraire abstrait et affiche sa propre matérialité analogique : le montage des courtes séquences alterne entre des paysages et des prises de vue rapprochées, qui donnent à voir la texture singulière de la glace, et laisse apparaître des entrées de lumière, qui altèrent la pellicule. Le film semble ainsi sur le point de se désagréger de lui-même.

Cette dématérialisation accentue la fonte de la glace et fait écho à la dégradation des sites militaires que montrent les photographies tirées de fonds d’archives canadiens et états-uniens. La juxtaposition de ces images met en contraste deux temps du conflit : les lieux au moment de leur mise en opération, où se révèle la froideur de leur technologie, et les lieux désaffectés, où les vestiges divulguent la nature particulièrement précaire de leurs architectures. Conçues dans l’urgence de la menace et dans des conditions extrêmes, les stations radars de la Dew Line étaient vouées à l’obsolescence dès leur origine en raison de l’évolution extrêmement rapide des technologies de surveillance durant cette période critique de la guerre froide.

Les dispositifs de radar s’imposent majestueusement dans plusieurs photographies, mais leur monumentalité a quelque chose de fantomatique, comme si le futur qu’ils préfiguraient s’était figé dans le passé. Dans cette atmosphère rétrofuturiste, que la comparaison des photographies laisse apparaître, on décèle encore l’idée du progrès malgré la désuétude qui y règne. Ces lieux-archives attesteraient ainsi d’une nouvelle temporalité que la guerre froide introduit et que « L’Œil et la Glace » interroge : un temps anté-numérique, où se joue la transition entre une technologie de surveillance analogique, qui requiert la présence humaine, et une technologie numérique entièrement informatisée et opérationnelle à distance. Montrer la désuétude de ces architectures de la guerre froide, comme le fait « L’Œil et la Glace », ne vise pas à parler de la fin d’un conflit, mais à montrer l’obsolescence programmée dont ils sont les témoins matériels.  

– Marie Fraser

Visites guidées: 

Organisation de visites sur demande en luxembourgeois, français, allemand et anglais, 60€ 

Pour la réservation, veuillez nous contacter par mail à l’adresse: visites@cna.etat.lu

Biographie

Marie Sommer est plasticienne, photographe et vidéaste. Ses travaux portent sur le lien entre les lieux et l’archive. Formée à l’école des arts décoratifs, et à l’école de photographie d’Arles, elle a publié Teufelsberg en 2010 (Filigranes /LE BAL), Surfaces en 2015 (BilbaoArte) et Une île en 2020 (Filigranes) avec l’auteur JeanYves Jouannais. Elle a été pensionnaire de la Casa Velázquez à Madrid, résidente au Centre Photographique d’Ile de France et à la Cité internationale des Arts. Son travail a été accueilli dans différentes institutions parmi lesquelles : Les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, le Centre Culturel de Rentilly, Deichtorhallen Hambourg, la Fondation Gulbenkian à Paris, et le Kyoto Art Center. Elle est actuellement artistechercheuse au sein de Figura, Centre de recherche sur le texte et l’imaginaire de l’Université du Québec à Montréal, en partenariat avec le Fresnoy Studio National des Arts contemporains. 

Qu’est-ce qui nous meut ?
Quel rêve, quelle folie nous pousse à bord d’engins improbables de l’autre côté de la montagne, de l’autre côté de la mer, nous fait tourner le regard vers les étoiles ?
Dés/espoir de meilleurs lendemains, soif de conquête ou curiosité scientifique, les forces qui guident les utopies humaines sont innombrables.
L’histoire de la représentation photographique des confins est intrinsèquement liée à l’idée d’horizon et à la limite du regard, à la quête des origines, aux projections vers l’inconnu.
Dès son apparition, la photographie va accompagner l’exploration du territoire, et va aider à sa cartographie, à sa circonscription, nourrissant utopies et migrations humaines, façonnant l’idée de l’ailleurs et de l’altérité.
Objets de récit indiciels, les images provoquent des représentations imaginaires, des projections fantasmées, participant à la construction des mythes fondateurs de nos sociétés contemporaines.
Dans des entreprises aussi hasardeuses que fragiles, sur des embarcations lancées à l’incertitude, l’explorateur va ainsi contribuer à la fabrique de réalités alternatives, sortes de paradis perdus jamais advenus. Outil d’idéologies et vecteur de pensée dominante, le photographique remplace et transforme alors le monde par la production globalisée d’une sorte de « fiction réelle ».
Les représentations du monde en sont les témoins, révélatrices d’histoires de conquêtes, d’asservissements, de dominations, d’appropriations et de mutation des territoires et des êtres.
Aujourd’hui cependant, dans un contexte globalisé, le monde apparaît comme rétréci. Plus de continents inconnus, plus de territoires inconquis. l’homme semble avoir plié le temps et l’espace à sa mesure. Cartographié, scanné, numérisé, le monde nous donne la sensation d’une fin.
L’image numérique démultiplie ce message par sa capacité nouvelle à étendre les points de vue et les connaissances, et à influencer les systèmes de représentation et d’information. Le flux des images guide nos imaginaires.
Conjuguée au futur, cette capacité à embrasser le monde en un instant semble pourtant dérisoire. Les projections sur l’à venir convoquent dystopies et collapsologie1. L’Anthropocène cède le pas au Thanatocène2.
L’image participe à la construction et à la multiplication de ces nouveaux imaginaires des possibles. Par le biais des projections, des croyances et des fantasmes sur l’avenir, de nouveaux récits s’écrivent autour de ces devenirs probables.
Un déplacement s’opère.
Emeline Dufrennoy,
Commissaire invitée du Mérignac Photo 2021

1 – La collapsologie est un courant de pensée, apparu il y a moins de 10 ans, qui envisage les risques d’un effondrement de la civilisation dû à l’altération de son environnement par l’homme.
2 – L’Anthropocène serait la période durant laquelle l’influence de l’être humain sur l’ensemble du vivant a atteint un tel niveau qu’elle est devenue une « force géologique » majeure.
Prolongeant cette idée, le Thanatocène désignerait une ère de destruction et d’écocides, avec la guerre comme origine.

4 lieux
20 artistes internationaux

• Vieille Eglise
Rue de la Vieille Église – 33700 Mérignac
Du mardi au dimanche : 14h – 19h (sauf jours fériés)
—
Juliette Agnel (FR),
Vincent Chevillon (FR),
Sandrine Elberg (FR),
Thierry Fournier (FR),
Rubén Martín de Lucas (ES),
Aurélien Mauplot (FR),
Mohau Modisakeng (ZA),
Jennifer Niederhauser-Schlup (CH),
Guido van der Werve (NL)

Médiathèque Michel Sainte-Marie
19, place Charles-de-Gaulle – 33700 Mérignac
Les mardi, jeudi et vendredi : 13 – 19h | Le mercredi : 10h – 19h | Le samedi : 10h – 17h
—
Lionel Bayol-Themines (FR),
Persijn Broersen & Margit Lukács (NL),
Vincent Chevillon (FR),
Maryse Goudreau (CA),
Léa Habourdin (FR),
Nelly Monnier & Eric Tabuchi (FR).

Résidence des Fauvettes
Bât 2, 23 bis avenue du docteur Fernand Grosse – 33700 Mérignac
Du mardi au dimanche : 14h – 19h (sauf jours fériés)
—
Grégory Chatonsky (FR/CA)

Parc du Vivier
60, avenue du Maréchal-de-Lattre-de-Tassigny – 33700 Mérignac
Du 30 avril au 31 mai : 8h – 19h30
Du 1er juin au 31 août : 8h – 21h
Grégory Chatonsky (FR/CA),
Michel Le Belhomme (FR),
Meryl McMaster (CA),
Gidéon Mendel (ZA)

Photo : © Meryl Mc Master. On the Edge of This Immensity, 2019, Digital / Courtesy of the artist and Stephen Bulger Gallery and Pierre-François Ouellette art contemporain

Enfin seules présente une sélection de plus de deux cents images de la collection Archive of Modern Conflict. Fondée en 1992 à Londres, cette organisation se décrit comme étant « dépositaire des histoires oubliées et cachées dans l’archive photographique ». Initialement portée sur l’histoire des conflits, elle s’apparente aujourd’hui davantage à un laboratoire qu’à une archive traditionnelle, couvrant une multitude de sujets. Avec plus de huit millions d’images, elle compte parmi les collections photographiques les plus importantes du monde et est régulièrement présentée au sein d’expositions et de publications.

À travers un ensemble de photographies provenant de tous les continents et couvrant une large période, du milieu du XIXe siècle jusqu’aux années 1970, Enfin seules pose un regard inédit sur le monde végétal dans toute sa diversité. Les photographies présentées, qui reflètent l’éclectisme de la collection, dressent le portrait d’un monde où toute vie animale aurait disparu de la Terre.

Enfin seules est conçue comme un environnement immersif qui converge vers un espace central, assimilable à une « caverne ». Des images florales, des champignons, des troncs d’arbres, des fougères, des stalagmites ou des aurores boréales investissent l’ensemble des murs de la galerie. Ces panoramas de plantes, de roches et de lumières servent de toile de fond à une sélection de photographies historiques et récentes, aux techniques et procédés divers. Au sein de l’exposition, des images d’artistes et de photographes de renom, de personnalités issues de différents champs disciplinaires, tels que la botanique, l’astronomie, les mathématiques ou la science, figurent ainsi aux côtés de celles d’amateurs enthousiastes ou d’anonymes.

Archive of Modern Conflict a présenté des expositions à PHotoESPAÑA, Madrid (2018), aux Rencontres d’Arles (2017, 2018), Tate Modern (2014), Hayward Gallery, Londres (2013), The Museum of Contemporary Art Toronto (2013) et Paris Photo (2012). En tant qu’éditeur, AMC Books a publié plus de soixante-dix livres à ce jour et fait paraître la revue AMC2 régulièrement.

Le Mois européen de la photographie (EMOP) est un réseau de festivals consacrés à la photographie qui se déroule tous les deux ans à Berlin, Lisbonne, Luxembourg, Paris et Vienne. Cette collaboration vise à renforcer la scène photographique internationale en favorisant les partenariats, les échanges et le soutien aux jeunes artistes. Le Mois européen de la photographie au Luxembourg est organisé par Café-Crème asbl.

Avec des photographies de (sélection) :
Anna Atkins (1799, Tonbridge – 1871, Halstead), Paul Marcellin Berthier (1822, Paris – 1912, Paris), Brassaï (1899, Brașov – 1984, Beaulieu-sur-Mer), Adolphe Braun (1812, Besançon – 1877, Dornach), Fred Payne Clatworthy (1875, Dayton – 1953, Estes Park), Thomas Joshua Cooper (1946, San Francisco), William Craven (1809, Londres – 1866, Scarborough), Maxim Petrovich Dmitriev (1858, Povalichino – 1948, Nijny Novgorod), Henry John Elwes (1846, Cheltenham – 1922, Cheltenham), Dmitri Ermakov (1846, Tiflis – 1916, Tiflis), Amelia Elizabeth Gimingham (1833, Londres – 1918, Axbridge), Fay Godwin (1931, Berlin – 2005, Hastings), Dr. Conrad Theodore Green (1863, Kirkburton – 1940, Birkenhead), Petr Helbich (1929, Prague), John Karl Hillers (1843, Hanovre – 1925, Washington D.C.), Frederick Hollyer (1838, Londres – 1933, Blewbury), Bertha Jaques (1863, Covington – 1941, Chicago), Edward Dukinfield Jones (1848, Derby – 1938, Los Angeles), August Kotzsch (1836, Dresde – 1910, Dresde), Axel Lindahl (1841, Mariestad – 1906, Södertälje), Lee Miller (1907, Poughkeepsie – 1977, Chiddingly), Paul-Émile Miot (1827, Trinité – 1900, Paris), Charles Nègre (1820, Grasse – 1880, Grasse), Ferdinand Quénisset (1872, Paris – 1951, Juvisy-sur-Orge), Willy Ronis (1910, Paris – 2009, Paris), Jaroslav Rössler (1902, Smilov – 1990, Prague), José María Sert (1874, Barcelone – 1945, Barcelone), Carlo Baldassare Simelli (1811, Stroncone – décédé après 1877), Fredrick Carl Størmer (1874, Skien – 1957, Oslo), Josef Sudek (1896, Kolín – 1976, Prague), Graham Sutherland (1903, Londres – 1980, Londres), Eugen Wiškovský (1888, Dvůr Králové nad Labem – 1964, Prague)et Shikanosuke Yagaki (1897, Kyoto – 1966).

Des premières icônes d’Europe et du Moyen-Orient aux œuvres modernes et contemporaines, les icônes ont inspiré de nombreux croyants et artistes, à travers les âges. L’exposition dévoile comment les dimensions spirituelles ont été intégrées dans les œuvres d’art depuis l’Antiquité.

La tradition attribue les premières icônes à Saint-Luc qui, après la Pentecôte, aurait peint trois représentations de la Vierge Marie. Des premières icônes d’Europe et du Moyen-Orient aux œuvres modernes et contemporaines, ces représentations imagées du divin ont inspiré de nombreux croyants et artistes. L’exposition Icons, curatée par Henri Loyrette, ancien Directeur du Musée d’Orsay et Président-Directeur du Musée du Louvre, dévoile comment les dimensions spirituelles ont été intégrées dans les œuvres d’art depuis l’Antiquité à nos jours.

L’exposition présente une sélection d’icônes anciennes en provenance d’Europe et de Russie – représentant tour à tour le Christ, la Mère de Dieu, ou des Saints individuels – dont la simplicité frappante les distingue en tant qu’objets de vénération intemporels.

Un second ensemble d’œuvres d’artistes du XIXe et XXe siècle, tels Charles Filiger ou encore Lucien Levy-Dhurmer, explore la composition frontale et sans profondeur des icônes. L’exposition aborde également l’utilisation que font les artistes contemporains du langage iconographique, à l’instar de Yan Pei-Ming et Wim Delvoye.

Artistes
Michael Craig-Martin, Wim Delvoye, Mounir Fatmi, Jean Fautrier, Charles Filiger, Ellen Gallagher, Douglas Gordon, Duane Hanson, Titus Kaphar, Octave Landuyt, Bertrand Lavier, Lucien Levy-Dhurmer, MARWAN, Claude Mellan, Annette Messager, Yan Pei-Ming, Pierre et Gilles, Arnulf Rainer, Georges Rouault, Fabrice Samyn, Sarkis, Henry Van de Velde, Andy Warhol, Gustave van de Woestyne

Commissaire Henri Loyrette

Photo : Pierre et Gilles, La Madone au cœur blessé – Lio (détail), 1991 – Pinault Collection

Depuis 100 ans, les photographes ont parcouru la région du Valais dans les Alpes suisses, de la Plaine du Rhône aux sommets les plus hauts. Ils ont été les témoins des joies et des peines des habitants de ces vallées. Les images et les reportages de cette exposition collective montrent les changements économiques, sociaux, technologiques et climatiques pendant un siècle.

Cette exposition permet aussi de  découvrir  l’évolution du travail des médias par des documents d’archives, de journaux, de radio et de télévision.

Le MBAL a invité l’artiste d’origine russe Anastasia Samoylova à créer une installation inédite pour la façade du musée. Sa pièce murale convoque le Grand Canyon sur fond de changement climatique. Depuis plusieurs années, l’artiste, qui vit aujourd’hui aux Etats-Unis, créée des installations monumentalesparallèlement à sa pratique de photographe documentaire. Grand Canyons, réalisée en 2021, s’inscrit dans la série Landscape Sublime commencée en 2013. L’artiste y explore la manière dont les images issues des réseaux sociaux répondent aux motifs picturaux populaires et illustrent une certaine idée de la nature et de l’environnement. Pour réaliser ses collages, Samoylova collecte sur Internet des images libres de droits, puis les re-photographie sous forme de tableaux cubistes. Capturées par des photographes amateurs, la plupart d’entre elles sont souvent majestueuses : les couleurs saturées et les compositions correspondent aux conventions attendues de l’imagerie touristique de type calendrier. L’artiste télécharge ses images en utilisant des mots-clés qui deviennent ensuite les titres de ses œuvres. Dans son studio, elle imprime, puis découpe, plie, et assemble les vues trouvées. Se laissant porter par l’improvisation pour construire ses compositions de façon tridimensionnelle, Samoylova s’inspire du travail de l’avant-garde russe, en particulier celui de l’artiste constructiviste Liubov Popova. Sa relation aux images populaires est influencée par le Pop Art de Robert Rauschenberg et par le postmodernisme.

Grand Canyons se compose de vues typiques des célèbres paysages de l’ouest américain, ainsi que de photographies historiques provenant de la bibliothèque en ligne du parc national du Grand Canyon, des images de sentiers de randonnée, de points de vue sur les hauteurs, en passant par celles de groupes de touristes et d’animaux indigènes. Tant les archives officielles du parc que les images partagées sur les réseaux sociaux contiennent des photographies de feux de forêt survenus ces dernières années. La durée de la saison des feux augmentant chaque année en raison du changement climatique, le nombre croissant d’images de feux téléchargées sur Internet est un rappel silencieux de ce qui pourrait être perdu si l’exploitation des terres se poursuit au même rythme. Le travail de Samoylova explore ainsi les notions d’environnementalisme, de consumérisme et de pittoresque. Avec la série Landscape Sublime, elle pose son regard sur l’une des questions les plus urgentes de ce siècle : le changement climatique. Sa composition d’images capture l’état d’une nature qui sombre vers la catastrophe et révèle le rôle que joue la photographie dans la création de souvenirs collectifs et de géographies imaginaires.

Biographie
Anastasia Samoylova (Russie/USA, 1984) vit et travaille entre Miami et New York. Elle a obtenu un Master en beaux-arts de l’université Bradley et un Master en design environnemental de l’université d’État russe pour les sciences humaines. Son dernier projet, FloodZone (2020), est paru aux éditions Steidl et a été exposé à Tampa, aux Etats-Unis. Le travail de Samoylova a été remarqué par la presse internationale, notamment Artforum, The New Yorker, The Washington Post, El Pais, Die Presse-Schaufenster et Frankfurter Allgemeine. Elle a reçu un certain nombre de bourses. Ses œuvres font partie des collections du Perez Art Museum à Miami, du Museum of Contemporary Photography à Chicago et du Wilhelm-Hack Museum en Allemagne.

Trésors des collections suisses de photographie

À son invention au 19e siècle, la photographie est une technique qui demande des compétences non seulement chimiques et physiques, mais également artistiques. En 1840, l’année qui suit l’avènement de la photographie, les premiers photographes posent leur chambre noire au milieu du paysage alpin. Alors que cette technique ne reproduit pas les couleurs du monde, le noir et blanc devient néanmoins une tonalité que les photographes se plaisent à explorer, puis au tournant du 20e siècle ce travail autour de l’ombre et de la lumière devient une esthétique revendiquée en tant que telle.
Des centaines de milliers de photographies ont été réalisées sur les hauts sommets au cours du premier siècle de la photographie (1840-1940). D’Auguste-Rosalie Bisson à Albert Steiner en passant par les images récemment découvertes de Rudolf Elber, Montagne Magique Mystique témoigne de l’engouement des photographes pour la montagne. Ceux-ci se rendent dans les Alpes, mais également dans d’autres contrées, comme Vittorio Sella qui a parcouru l’Alaska, Ansel Adams la Californie, Knud Knudsen la Norvège ou Samuel Bourne l’Inde. Si beaucoup de photographies ont sans aucun doute disparu avec le temps, des milliers de tirages ont survécu, souvent grâce au travail assidu des clubs alpins, des musées, des bibliothèques et des collectionneurs, eux-mêmes passionnés de montagne. Quant aux alpinistes, ils n’ont pas seulement photographié à profusion, ils ont aussi collecté les images d’autres photographes de montagne, rapportant des images d’autres sommets.

Se concentrant sur les 100 premières années de l’histoire de la photographie, la recherche menée par le MBAL réunit plus de 200 tirages dont la plupart n’ont jamais été montrés au public. Pour réaliser cette exposition inédite, le musée a collaboré avec 18 collections suisses publiques et privées.

De plus, cette programmation annonce la 6e édition du festival de photographie contemporaine Alt. +1000 qui aura lieu dans la vallée de la Brévine en septembre 2021. Pour compléter cette exposition consacrée au paysage, le MBAL publie un texte inédit du philosophe Emanuele Coccia, auteur des essais remarquables « La vie des plantes » et « Métamorphoses ».

L’exposition est réalisée grâce aux prêts généreux de nombreuses collections publiques et privées de Suisse. Le commissariat est assuré par William A. Ewing, en collaboration avec Nathalie Herschdorfer, directrice du MBAL.

Bibliothèque de la Ville de la Chaux-de-Fonds · Bibliothèque nationale, Berne · Collection Daniel Schwartz · Collection Doy Young et Gaudenz F. Domenig · Collection Nicolas Crispini · Collection Richard de Tscharner · Collection Thomas Walther · Fondation Auer Ory, Hermance · Fotostiftung Schweiz, Winterthur · Médiathèque du Valais, Martigny · Musée Alpin Suisse, Berne · Musée d’art et d’histoire Neuchâtel · Musée gruérien, Bulle · Musée national suisse, Zurich · Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey · Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano · Zentralbibliothek, Soleure

L’exposition a reçu le soutien de la Fondation Le Cèdre, de la Fondation Philanthropique Famille Sandoz et du Contrôle des Métaux Précieux.

« Anima » est un terme latin signifiant l’âme et le souffle. Il évoque à la fois le dialogue intérieur et l’imagination. En faisant flotter ses oeuvres dans l’espace, Mauren Brodbeck nous plonge au coeur d’une nature passée à travers son filtre – celui de sa palette de couleurs, d’images modifiées, et d’un environnement sonore insolite. C’est en créant un espace visuel et sonore aussi singulier que l’artiste invite le public à pénétrer au coeur d’un jardin qui évoque davantage un paysage rêvé qu’une documentation réaliste de la nature. Avec Anima (2021), Brodbeck explore les matières, les couleurs, les textures, les bruits, tant dans l’image que dans le son. Le monde végétal est mis dans un état vibratoire, car il doit s’adresser à nos sens et à nos émotions. Chez l’artiste, les variations visuelles et sonores
peuvent être développées à l’infini. En s’éloignant d’une représentation traditionnelle de la nature, elle nous invite à entrer en relation avec un environnement végétal d’un autre type : par cet espace immersif, l’artiste incite chacun·e à se
laisser porter par son intuition. Si Brodbeck perturbe ce que nous connaissons de la nature, c’est parce qu’elle cherche à créer une connexion avec l’invisible, ou mieux l’intangible. Anima nous emmène au-delà de la surface du monde végétal – une surface littéralement transformée. La captation de sons durant le processus de création est primordiale pour Mauren Brodbeck : le grattage des photographies ou le contact physique avec les plantes participent à l’exploration de la matière. L’espace d’exposition constitue alors un environnement où le paysage sonore fait
écho au paysage visuel, et vice versa. C’est en cheminant dans cet espace que chacun·e est invité·e à écouter son propre ressenti.

Pensé comme un jardin suspendu dans le temps et dans l’espace, le travail de Brodbeck renvoie à la symbolique traditionnelle du jardin : entre contemplation et plaisir, il est aussi un espace sacré et une possibilité de renouer avec un monde intime. Ainsi, l’artiste réinterprète une expérience commune : la promenade dans la nature. Son jardin scintille pour mieux s’adresser à nos émotions et à notre sensibilité. Enfin, Anima est aussi une exploration de « l’Anima Mundi » : décrite par les philosophes comme l’âme du monde, elle consiste à voir la nature comme un être vivant, ou mieux, une essence divine qui englobe et dynamise toute vie dans l’univers.

Biographie
Mauren Brodbeck (Suisse, 1974) vit et travaille à Genève. Se décrivant comme une artiste « multisensorielle », elle réunit dans son travail des éléments visuels et auditifs pour créer des réinterprétations d’expériences du quotidien. Avec ses oeuvres multidimensionnelles, elle souhaite inviter le public à reconsidérer ses relations avec l’environnement qui l’entoure. Sa formation a débuté à la Vancouver Film School au Canada. Elle a ensuite obtenu un Bachelor en photographie à l’Art Center College of Design à Pasadena, en Californie et a enfin poursuivi une formation postgrade à la Haute école d’art et de design (HEAD) à Genève, pour y étudier les arts interactifs et les nouveaux médias. Depuis 2005, son travail est exposé en Suisse et à l’étranger, notamment en Allemagne, en France et aux Etats-Unis, et a été présenté dans différentes foires, telles que Paris Photo et la Berliner Liste. Brodbeck a également fondé Raw and Radical, un projet visant à connecter et soutenir les femmes artistes notamment par une série de podcasts.

Tous les chemins mènent au Lion est le projet photographique développé par Thierry GIRARD à la demande de la Ville de Belfort. L’artiste propose de mettre en oeuvre six cheminements à travers Belfort et ses environs immédiats en tenant compte de la singularité et de l’histoire de certains lieux, ainsi que de la diversité des espaces et des architectures urbaines. Une même importance est accordée au patrimonial et au vernaculaire, en s’inspirant des grandes et des petites histoires. La restitution du travail présentera donc une suite de parcours urbains ponctués de haltes liées à ces divers événements.

Né en 1951 à Nantes, Thierry Girard se lance très vite dans la photographie avec des premiers travaux à Londres et dans le Nord de la France (1976 -1981). Passionné de voyages et d’itinérance, il se rend en Europe, en Asie et en Amérique pour se documenter, présenter ses travaux ou organiser des ateliers pédagogiques.
Il expose depuis les années 1980 et ses recherches les plus récentes portent sur le Japon dévasté par le tsunami (Après le fracas et le silence, 2011-2012), sur les restes de la guerre de 1870-1871 dans le paysage de l’est de la France (Salle des fêtes, 2014-2015), sur une ligne de train japonaise dans le Kyushu au sud du Japon (The Tenjin Omuta Line, 2015), sur le bassin industriel des Hauts-de-France (Le monde d’après, 2017-2018).
Son travail continu, depuis 1997, dans le Parc Naturel Régional des Vosges du Nord, illustre remarquablement sa démarche, entre randonnées photographiques et projection sur le temps long.

La résidence de Thierry Girard a commencé en 2018, s’est échelonnée tout au long de l’année 2019 pour s’achever avant l’été 2020. L’exposition est prévue lors du printemps 2021, au sein de la Tour 46 – salle des expositions temporaires.
Le choix d’un partenariat avec le photographe Thierry Girard a été motivé par son approche fine et attentive des territoires, à l’oeuvre dans le bassin minier du Nord Pas-de-Calais, au sein des paysages de l’est de la France, notamment pour la guerre de 1870 dans les Ardennes, ou encore dans son observatoire des Vosges du Nord.

Par suite, les premiers échanges se sont placés sous le patronage de l’écrivain Julien Gracq. Dans La forme d’une ville (1985), l’écrivain évoque Nantes d’une manière spontanée et libre qui exclut les monuments et autres marqueurs du Guide bleu, pour rendre à la ville sa densité propre et sa vie populaire hors des must architecturaux.
Le résultat de la résidence de Thierry Girard n’est donc pas une promenade culturelle mais une déambulation « à l’aventure, dans les rues d’une ville non triée, non étiquetée, pour se laisser imprégner indistinctement de ses masses de pierres inégales (…) sans le moindre souci d’en ranger les éléments par ordre d’excellence ».
Son mode opératoire : six cheminements depuis les collines qui entourent Belfort jusqu’au coeur de la ville et l’apparition d’un lion, en photographiant donc le patrimoine et le vernaculaire, la forêt, les bourgs et les faubourgs, les hommes et les femmes au bord du chemin.

Thierry Girard semble s’imposer une neutralité : sa photographie ne recherche pas le sensationnel et n’ambitionne pas de critique sociologique ; ce n’est pas non plus un expressionnisme qui rechercherait un propos personnel. La photographie de Thierry Girard reflète au contraire la notion de « territoire », à la rencontre entre l’histoire (les ruines militaires), la topographie (les forêts), l’économie (Alstom) ou la démographie (l’immigration). À maintes reprises, le photographe amène le visiteur à considérer l’architecture de la cité moderne de Belfort, ses espaces et ses personnes, et propose une intelligibilité touchante et humaniste qui rappelle les mots célèbres du philosophe Jean Bodin au XVIe siècle : « il n’est de richesse que d’hommes ».
Enfin, la démarche de Thierry Girard, si elle paraît très historienne, n’est pas dénuée de recherche esthétique : la beauté n’est pas loin dans les portraits des habitants et ouvriers d’Alstom ou dans les vues paysagères. L’artiste sollicite le regard mais aussi le corps et les sensations, c’est une photographie à échelle humaine au sens premier.

Un immense terrain vague sépare les deux lieux : « Tibby », ou Tipton, et son cul de sac de maisons résidentielles qui entoure une petite aire de jeu, des gamins obligés de tendre leurs bras jusqu’au-dessus de leurs têtes pour pousser un landau, ou d’autres qui déboulent à vélos. Par une allée étroite on arrive au terrain vague, une étendue d’herbe bordée de mûres et d’orties. Des motos, scooters et quads rugissent, tous les jours et à toute heure, dans un vacarme assourdissant. Les gamins font la course jusqu’à cramer leurs machines, perfectionnant l’art de rouler sur une seule roue. Habituellement les chevaux, qui sont tout aussi populaires, sont gardés à l’arrière des jardins, ou dans les écuries du coin. Les filles se blottissent autour de petits feux malgré le soleil brûlant de l’été.
Sur le terrain adjacent on arrive au « Lost City Estate ». La plupart des gars s’y retrouvent devant les grilles de Jack Barrett’s, une clôture métallique plantée à l’entrée du champ. Sur leurs perchoirs ils se racontent des histoires, cigarettes et joints allumés, se donnant mutuellement le surnom affectueux de « Mush ». Ce qui m’attire dans cet endroit c’est sa communauté insulaire. Tout le monde se connaît. Les habitants, se sentant oubliés, ont eux-mêmes choisi le nom « The Lost City ». Avec peu de divertissements ou d’inspiration, en l’absence de modèles à suivre, ces jeunes se sentent effectivement perdus. La police leur livre bataille. Mon but est d’explorer les amitiés, un parlé et une tradition unique, propre à cette région et à ses habitants.

EXPOSITION EXTÉRIEURE, Gare SNCF de SÈTE

Dans le cadre de sa mission d’encouragement et de soutien à la création et la diffusion de travaux d’auteurs dans le champ de l’image ainsi que dans une perspective de formation, le CNA a mis en place la Bourse CNA – Aide à la création et à la diffusion en photographie. La bourse s’adresse à des artistes, professionnels ou en formation, de nationalité luxembourgeoise, ou vivant au Luxembourg ayant une pratique en photographie.

Aucun sujet ou « genre » photographique ne sont imposés, le but étant de soutenir des créateurs talentueux, sans limite d’âge, leur permettant de réaliser un travail photographique personnel ou d’en soutenir la diffusion par la production d’une exposition ou d’une publication.

Le CNA accompagne l’artiste sélectionné pendant le développement de son projet.

La date limite de dépôt des dossiers est fixée au vendredi 24 septembre 2021.

Le formulaire de candidature et le règlement sont à compléter en ligne :

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSftc5M9NiKRLWxxx7TvqqDim8p_CA-JvhtnY8dBjprSnXvWHw/viewform

Photo : © Samuel Bollendorff, ÉLÉMENTS

L’abbaye cistercienne de Silvacane accueille du 19 mai au 30 septembre 2021 CONTEMPLATION, une exposition photographique du célèbre moine bouddhiste Matthieu Ricard.

« La vie spirituelle de Matthieu et son appareil photo ne font qu’un, de là surgissent ces images fugitives et éternelles. » Henri Cartier-Bresson.
Considéré comme une des personnalités préférées des français, Matthieu Ricard est moine bouddhiste, scientifique, auteur de livres, traducteur mais aussi photographe. Depuis plus de 40 ans, il consacre sa vie à l’étude et la pratique du bouddhisme auprès des plus grands maîtres tibétains, au coeur d’un Himalaya qu’il photographie sans cesse. Ses ouvrages de photographie comme ceux qu’il consacre à la méditation et la recherche de la sagesse figurent parmi les plus grands succès littéraires.
Du Népal à l’Inde, de l’Argentine au Tibet, du Chili au Bhoutan, la lumière surgit de l’immensité des paysages et de leur plénitude, invitant ainsi le public au recueillement. L’exposition CONTEMPLATION se compose de quarante photographies en Noir et Blanc de Matthieu Ricard, imprimées sur un papier japonais Awagami véritable trésor culturel japonais, dont la technique de production a 1 400 ans, au format 2m * 1,5m. Chaque photographie est accompagnée d’une citation spirituelle choisie par Matthieu Ricard parmi une grande diversité d’auteurs et d’époques, et écrite à la main par l’artiste.
MATTHIEU RICARD – CONTEMPLATION a été présentée une première fois à Arles dans le cadre des Rencontres de la Photographie 2018, où elle a été plébiscitée par la critique et a été visitée par plus de quarante mille visiteurs en dix semaines.

Cette exposition est produite par CONTEMPLATION, LES EXPOSITIONS PHOTOGRAPHIQUES, jeune mouvement qui propose depuis 2018 des expositions des plus grands noms de la photographie dans une sélection de lieux emblématiques français. Parmi les projets récents on trouve Genesis, l’exposition événement du photographe franco-brésilien Sebastiao Salgado à Lyon / la Sucrière en 2020, ou encore Doisneau et la Mer, exposition au Musée Maritime de la Rochelle, de mai à octobre 2021.

Comment vit-on en tant que peintre, danseur, réalisateur ou poète en Papouasie Nouvelle Guinée, en Iran, en Mauritanie, à Madagascar ou au Brésil ?
Comment faire de l’art son métier quand il semble être la dernière priorité d’un gouvernement, que la religion fait loi, qu’aucune structure de diffusion n’existe ou qu’il est muselé par la censure ?
La série VoiE.X, réalisée entre 2016 et 2021, présente des portraits d’artistes qui posent l’acte de création comme un acte de résistance dans des contextes où vivre de l’art est une gageure. Leur travail dépasse alors le champ artistique pour devenir politique et social, interrogeant la liberté de création, d’expression, d’action, bref, la liberté tout court. Chaque parcours est singulier mais tous ont en commun de dépasser, voire de détourner les contraintes pour se réaliser.
Comme les détails se cachent autant dans les lignes de fuite que dans celles du visage, les portraits sont réalisés au grand angle. Une manière d’esquisser une géographie intime où le sujet et son environnement sont liés, de gré ou de force.
Avec les restrictions sanitaires que nous connaissons depuis 2020, Sandra Reinflet a décidé d’étendre ce travail à la France.
En cette période où la culture fut officiellement catégorisée « non-essentielle », la question de la place des artistes se pose plus que jamais. Et, comme une mise en abîme, l’exposition elle-même est, pour l’heure, inaccessible au public. Des visites virtuelles et des visites privées sont en cours, en attendant la réouverture des lieux de culture, mi-mai (on l’espère).

Série lauréate du Prix des membres Carré sur Seine 2020 et du Prix Roger Pic 2020 de la SCAM
Exposée en extérieur à Ecurey Pôle d’avenir (57) du 15 juillet au 30 septembre 2021 et au Musée de la résistance en Morvan (58) du 15 mai au 30 septembre 2021.

« Civilization – Quelle époque ! » est une exposition de photographie internationale, d’envergure monumentale, qui présente le travail de plus de 100 photographes d’Asie, d’Australie, d’Europe, d’Afrique et du continent américain. De jeunes talents côtoient des photographes renommés (notamment Massimo Vitali, Pieter Hugo, Lauren Greenfield, Wang Qingsong, Raphaël Dallaporta, Valérie Belin, Thomas Struth, Candida Höfer…). Près de 280 tirages originaux sont présentés, en tant qu’œuvres autonomes ou dans le cadre de séries.

Depuis « The Family of Man » d’Edward Steichen, il y a plus de 60 ans, aucune exposition n’a abordé l’activité humaine dans un sens aussi large : logement, travail, loisir, transport, communication, éducation, art, science et technologie.

Commissariat:
William A. Ewing, commissaire d’exposition indépendant et Holly Roussell, commissaire d’exposition indépendante

Photo : Olaf Otto Becker, Point 660, 2, 08/2008 67°09’04’’N, 50°01’58’’W, Altitude 360M, de la série “Above Zero”, 2008

Dans le cadre du Focus Femmes de la Saison Africa 2020 et du programme régional d’expositions Vivantes ! à l’initiative du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA

L’exposition Memoria : récits d’une autre Histoire c’est l’idée d’une mémoire collective composée d’une myriade de récits, d’histoires, de questionnements et d’expériences éparpillées dans nos mémoires individuelles, personnelles, intimes. Elle est ici révélée à travers les œuvres de quatorze artistes dont le travail renvoie à la (re)construction d’un tout commun, d’un tout universel, qui renouvelle notre regard sur la création contemporaine issue d’Afrique et de ses diasporas.

Les œuvres sélectionnées explorent la peinture, le textile, la sculpture, la vidéo ou encore la performance. Elles composent un parcours faisant écho d’une part à une lecture démystifiée de pans d’Histoire et de croyances communément divulgués au sujet du continent africain, et d’autre part à la manière dont les dispositifs d’histoires imaginaires sont encore à l’œuvre et notamment dans les domaines économiques et de redistribution des ressources.

Le fil conducteur de l’exposition est celui de la mémoire ; un fil qui se déroule tout au long des récits partagés, au travers de trois thématiques abordées : De l’intime à l’universel, Quand la mémoire fait œuvre politique, et enfin Fabulations, fictions et autres imaginaires.

Comment révéler l’Histoire pour construire le futur ?
Dans ce long processus de reconstruction, la place de la mémoire est primordiale : quelle(s) mémoire(s) pour quelle(s) Histoire(s) ?

Commissariat : Artness I Nadine Hounkpatin & Céline Seror
L’exposition sera accompagnée d’un catalogue. Parution aux éditions Acte Sud en février 2021
Artistes : Dalila Dalléas Bouzar, Ndidi Dike, Enam Gbewonyo, Bouchra Khalili, Gosette Lubondo, Georgina Maxim, Tuli Mekondjo, Myriam Mihindou, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Josèfa Ntjam, Selly Raby Kane, Na Chainkua Reindorf, Mary Sibande.

Photo : Gosette Lubondo, Imaginary Trip II, 2017.
© musée du Quai Branly – Jacques Chirac, Dist. RMN-Grand Palais / image musée du Quai Branly – Jacques Chirac

Cette exposition du RU-Repaire Urbain rend hommage au grand photographe franco-polonais Bogdan Konopka (1953-2019).

Elle pose un regard sur son œuvre, dont l’intention est de dresser un portrait photographique sous le prisme de la lumière. Cette lumière chère à Bogdan Konopka, dégagée de la profondeur de ses sujets et savamment maîtrisée par ses prises de vues, jaillit avec virtuosité des tirages photographiques réalisés sous l’angle de la chimie.
Ainsi les services Angers Patrimoines et l’Artothèque s’associent et proposent une exposition qui aborde différentes strates de son œuvre photographique.
Le rez-de-chaussée dévoile une sélection révélant le patrimoine, la peau des villes en mue permanente, l’architecture visible et invisible avec des photographies d’une poésie et d’une très grande subtilité.
L’Artothèque, pour sa part, pose son regard sur la partie plus expérimentale du travail. Celle où l’artiste exploite et pousse le médium photographique au-delà des limites habituelles ; et lui permet d’accéder à une liberté photographique avec des tirages d’une grande singularité.
Photographe majeur de son temps, Bogdan Konopka a réussi à dompter le médium photographique avec une exigence et une liberté hors-pair.

Représenté par la Galerie Françoise Paviot, Bogdan Konopka est exposé dans la sphère nationale et internationale. Son œuvre a intégré des collections prestigieuses telles que celles du Centre Georges Pompidou, du Musée National d’Art Moderne et du Fonds National d’Art Contemporain.

La Fondation Louis Roederer, qui célèbre ses 10 ans cette année, demeure un fidèle mécène de la BnF et soutient l’exposition Le Grand Jeu. Ce titre n’est pas sans rappeler le hasard cher aux surréalistes. Les 5 co-commissaires ont sélectionné individuellement une cinquantaine d’images de l’artiste. Aucun commissaire ne connaissait le choix des autres. La scénographie l’encadrement la couleur des cimaises tous ces éléments ont été laissés à la discrétion des commissaires.

Commissaire général : Mathieu Humery et commissaires invités : François Pinault Annie Leibovitz Javier Cercas Wim Wenders et Sylvie Aubenas.

Henri Cartier-Bresson, Simiane-la-Rotonde, France, 1969 © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Photographe d’origine tchécoslovaque, actif depuis 1964, Paul Ickovic s’inscrit dans la riche lignée de photographes de rue du XXe siècle. À l’occasion d’un don récent, la BnF consacre une première exposition française à cet artiste aussi sensible que cosmopolite.

L’exposition présente un choix représentatif de scènes de rue et portraits improvisés, pris par Paul Ickovic depuis les années 1960, avec près de quarante épreuves exécutées pour l’occasion par le tireur américain David Haas. Elle met également en lumière, au travers d’archives, le lien étroit que le photographe a tissé avec ses contemporains – Henri Cartier-Bresson, Bruce Davidson, Louis Faurer, Josef Koudelka… – ainsi que la place privilégiée tenue par le livre dans la formation du regard comme dans le parcours du photographe.

Admirateur de Brassaï et de Robert Frank, disciple de Louis Faurer, complice de Josef Koudelka, éditeur et passeur des œuvres de Walker Evans, Lotte Jacobi, Bruce Davidson et Henri Cartier-Bresson, Paul Ickovic s’est volontiers dissimulé dans l’ombre de ces praticiens qu’il admire, mettant en avant leurs talents et en page leurs images. Toutefois, son propre travail de photographe, débuté en 1964, gagne à être davantage connu et reconnu.

LA PRATIQUE DE L’INSTANTANÉ DE RUE
Inspiré dans son approche par ses mentors et par ses pairs, Paul Ickovic pratique l’instantané de rue un peu partout dans le monde depuis l’âge de vingt ans. Sa photographie présente d’évidents traits communs avec ces autres univers qu’il a contribué à faire connaître et dont il se réclame : la place dévolue aux lieux publics, théâtre privilégié de la comédie sociale ; l’attention au quotidien des gens ordinaires ; le pouvoir narratif et la force poétique de saynètes isolées ou agencées en livres ; l’arpentage des villes en quête d’images – de bonnes chaussures sont, selon lui, le meilleur équipement du street photographer ; la pratique du « tir photographique », la recherche de l’« instant décisif » théorisé par Cartier-Bresson et le sens de la composition immédiate qu’il suppose…
Teintés d’une ironie aigre-douce, les instantanés de Paul Ickovic captent sans jugement ni surplomb les incongruités et les travers humains, au détour d’un geste ou d’un regard oblique ; ils saisissent les micro-épisodes de la comédie humaine, ses jeux de séduction et de pouvoir, particulièrement entre hommes et femmes. Distinguant parmi la foule des figures isolées, pensives et comme abstraites de la course du monde, Ickovic les portraiture avec justesse et compassion. Amateur des films de Fellini, le photographe en tire un goût pour cette mélancolie clownesque qui sourd derrière les masques et les travestissements de ses modèles de carnaval.

UN PHOTOGRAPHE VOYAGEUR
Avec une série inaugurale réalisée dans les hôpitaux d’Inde et du Népal, la vision de Paul Ickovic est marquée par le voyage. Du fait d’une enfance passée entre Tchécoslovaquie, Colombie, Canada, États-Unis, et d’un premier métier de pilote d’avion, le voyage constitue sa manière d’être au monde : toujours « en transit » – pour citer le titre de l’un de ses premiers photo books, paru en 1977. Cependant, plutôt que ce qui différencie les humains d’un pays à l’autre, Ickovic recherche ce qui les lie entre eux et ce qui le lie à eux. En cela, il s’affirme comme appartenant à cette « grande famille de l’Homme » tant promue par la veine photographique humaniste dont il est l’un des représentants contemporains.

COMMISSARIAT
Dominique Versavel, département des Estampes et de la photographie, BnF

Photo : Boy and parm, Prague, Czechoslovakia © Paul Ickovic

La Grande Guerre marque un tournant majeur dans l’usage de la photographie. En moins de quatre ans, elle s’impose comme un outil d’information de masse : des dizaines de milliers de photographies, prises par des photographes officiels ou amateurs, reflètent la mobilisation d’un pays. Toute l’année, le Mémorial 14-18 présente des centaines de photographies dans son Centre d’Histoire. Mais connaissez-vous les histoires qui se cachent derrière ces images ?

L’exposition Derrière les images. Photographier la guerre révèle le parcours d’une image pendant la Grande Guerre, depuis sa production jusqu’à sa diffusion, et son héritage dans la photographie contemporaine, à travers une sélection de photographies issues des fonds de l’ECPAD. Complémentaires au parcours du Mémorial, ces images montrent sous un nouvel angle les territoires du Nord et du Pas-de-Calais dans la tourmente du conflit mondial. À cette occasion, le Mémorial 14-18 vous présente également le travail du photoreporter Édouard Élias, dont les photographies prises en Ukraine pendant la guerre du Donbass en 2018 résonnent de manière troublante avec les images de la Première Guerre mondiale.

Le Mémorial 14-18 Notre-Dame-de-Lorette présente des centaines de photographies dans son Centre d’Histoire, provenant de fonds d’archives internationaux et de fonds privés. Mais connaissez-vous les histoires qui se cachent derrière ces images ?
La Grande Guerre marque un tournant majeur dans l’usage de la photographie. En moins de quatre années, la photographie s’impose comme un outil d’information de masse : c’est la première fois qu’autant d’images sont produites sur une période si courte. Des centaines de milliers de photographies sont prises, par des photographes officiels ou amateurs, qui reflètent la mobilisation de toute une société. Confrontés à une guerre inédite, les Français ressentent le besoin d’immortaliser ce conflit et d’en suivre l’évolution. Les progrès techniques d’avant-guerre permettent pour la première fois aux soldats de documenter visuellement leur expérience et de la partager. La photographie devient dès la Grande Guerre un outil puissant de témoignage qui a contribué à forger nos représentations du conflit jusqu’à aujourd’hui.
Pour comprendre cette « fabrique des images » durant la Première Guerre mondiale, le Mémorial 14-18 et l’Établissement de Communication et de Production Audiovisuelle de la Défense (ECPAD), ont souhaité s’associer. Héritier direct de la Section Photographique de l’Armée (SPA) créée en 1915, l’ECPAD conserve, enrichit et renseigne un fonds de 118 142 photographies et 2 067 films sur la Grande Guerre.
Imaginée par les deux institutions, l’exposition Derrière les images. Photographier la guerre révèle le parcours d’une photographie pendant la Première Guerre mondiale, depuis sa production jusqu’à sa diffusion et son héritage contemporain, à travers une sélection de clichés issus des fonds de l’ECPAD.
Conçue en complément du parcours permanent du Mémorial, certains sujets n’apparaissent pas dans l’exposition, comme l’utilisation tactique de la photographie par les vues aériennes ou les relevés topographiques, bien que les opérateurs de la SPCA y aient été associés. De même, l’aspect cinématographique du travail de la SPCA est seulement visible dans les collections permanentes, bien qu’il accompagne de façon organique le développement de la photographie officielle.
À travers les images sélectionnées, l’exposition montre sous un angle renouvelé les territoires du Nord et du Pas-de-Calais dans la tourmente du conflit et témoigne à quel point ce front, souvent méconnu, concentre toutes les caractéristiques de la Grande Guerre et de son caractère industriel, mondial et total.
À cette occasion, le Mémorial 14-18 vous présente également 3 oeuvres issues du travail du photoreporter Édouard Elias, dont les photographies prises en Ukraine pendant la guerre du Donbass en 2018 résonnent de manière troublante avec les images de la Première Guerre mondiale.