Name: Comme un Désir d'éternité
Start: 2018-12-1T10-10-30-00
End: 2019-1-19T19-19-00-00
Location: Galerie Christophe Gaillard

édition

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sam01déc10 h 30 min2019sam19jan(jan 19)19 h 00 minComme un Désir d'éternitéUngleeGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À l’heure où le monde de l’art ne parle plus d’exposition mais de « show » il m’a semblé normal de construire mon exposition comme un show. Un show n’est pas seulement une suite de chansons accompagnées par un simple piano, mais un spectacle dont le dispositif sophistiqué est destiné à provoquer étonnement et émotion chez le spectateur.

Ici, les chansons sont remplacées par des photographies. La galerie devient la salle de spectacle et les murs l’espace scénique.

Loin d’être la réalité un show valorise l’artifice au profit de l’émotion. « Comme un désir d’éternité, le show » agira de même sur le visiteur.

L’exposition présentera Oh oui ! une vidéo et une série de photographies intitulée Comme un désir d’éternité qui prend sa source dans deux oeuvres de jeunesse : un autoportrait réalisé en 1976, dans lequel je reprenais les codes esthétiques de l’avant-garde théâtrale des années 70 qui utilisait le maquillage sans retenue ; et mon film Forget Me Not réalisé en 1979. Cependant l’élément initiateur de ce projet est un portrait de moi réalisé en 1997 par l’artiste Pascal Le Coq sur lequel, par la magie de la retouche numérique, on me voit avec une perruque.

Comme un désir d’éternité est imprégné de l’image des stars hollywoodiennes de la grande époque du cinéma américain au crépuscule de leur vie. Quand, en 1950, Gloria Swanson tourne Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard) de Billy Wilder, elle n’était plus apparue sur les écrans depuis 1934 ; quand, en 1970, Mae West tourne dans Myra Breckinridge de Michael Same, cela faisait vingt-sept ans qu’elle avait quitté les studios de cinéma. Il faudra attendre huit ans pour la revoir dans son dernier opus, Sextette de Ken Hugues (1978) dans lequel, à 85 ans, elle épouse Timothy Dalton, le futur James Bond, de 53 ans son cadet. Quand, en 1978, Marlène Dietrich fait sa dernière apparition au cinéma dans Just a Gigolo (Schöner Gigolo, armer Gigolo) de David Hemmings, elle a 77 ans et vit depuis quatre ans recluse dans son appartement du numéro 12 de l’avenue Montaigne à Paris.

Ce qui me touche dans l’interprétation de ces comédiennes c’est qu’au moment où elles ont interprété ces rôles elles savaient que, pour elles, les jeux étaient faits. Pourtant elle voulaient faire durer encore un peu l’illusion que rien n’avait changé. Mon intérêt pour les personnages de dramaturges américains tels que Tennessee Williams, William Inge ou Edward Albee et la technique de l’Actors Studio m’ont aidé à incarner mes différents personnages.

J’avais conçu mon film Forget Me Not comme un film publicitaire sur moi. Malgré l’inquiétude du titre je le considère aujourd’hui comme un flm heureux parce qu’il est lié à ma jeunesse. Il y a moins de bonheur dans Comme un désir d’éternité qui laisse apparaître la sidération provoquée par la prise de conscience que le temps a passé et que jamais plus rien ne sera comme avant.

Lorsque les prises de vues ont été terminées je me suis souvenu d’un photomaton que j’avais fait alors que j’étais à peine teenager. Au moment de choisir la pose j’avais imité celle des vedettes féminines de cinéma qui, déjà, me fascinaient. Comme on met un point sur un « i » ou une dernière touche à la création d’un parfum, j’ai décidé d’inclure dans « Comme un désir d’éternité, le show », un agrandissement de ce photomaton involontairement inaugural.

Ce travail n’aurait pas été possible sans la précieuse complicité d’Agnès Tassel, cheffe maquilleuse pour le cinéma. Les prises de vues ont été réalisées au flash avec une pellicule Fuji. Les photographies n’ont fait l’objet d’aucune retouche. Elles ont été tirées sur du papier Cibachrome de chez Ilford.

La jeunesse du danseur de Oh oui ! accentuera le drame représenté sur les photographies. L’émotion provoquée par cette vidéo est le résultat de la combinaison de plusieurs éléments dont la voix de la femme qui, hors champ, regarde le danseur et exprime tout haut ce qu’elle pense tout bas.

Sait-elle que cet homme jeune qui danse devant ses yeux, elle ne pourra jamais « l’avoir » pour au moins deux raisons : d’abord parce qu’il est sur une scène de théâtre et ensuite à cause de leur différence d’âge. Se rend-elle compte de cela ? Peut-être en prendra-t-elle conscience lorsque le rideau de scène se sera refermé sur lui pour toujours. Alors les jeux seront faits, comme ils le sont pour les personnages représentés dans la grande salle de la galerie où l’accrochage mettra en majesté le portrait le plus bouleversant et désespéré de l’exposition, je veux dire la photographie au chapeau de paille qui est un gouffre de sidération, sidération sublimée par la musique originale de Fabrice Ravel-Chapuis composée spécialement pour le show.

Unglee, le 25 octobre 2018.

Dates

Décembre 1 (Samedi) 10 h 30 min - Janvier 19 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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sam15déc(déc 15)10 h 00 min2019sam09fev(fev 9)19 h 00 minFumer Dans Le VentPascal PinaudGalerie Catherine Issert, 2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour Pascal Pinaud, « Fumer dans le vent » évoque autant l’image fictionnelle d’une fumée de cigarette s’échappant des lèvres d’un héros solitaire que la propagation d’une peinture diffusée au pistolet dans une cabine de carrosserie. Cet aller-retour entre stéréotype et concrétude, image populaire et principe de réalité, illustre exactement l’articulation de l’oeuvre de cet artiste qui réinvente encore et toujours la peinture, sa pratique et ses limites.

Cette exposition reprend en creux la précédente monographie que la galerie Catherine Issert lui avait consacré en 2012 sous le titre « Nul motif apparent » : pour « Fumer dans le vent » Pascal Pinaud repeint les murs de la galerie pour ne laisser en blanc que les emplacements des oeuvres précédemment accrochées. Puis, au mépris total de cet exercice et sans tenir compte de son propre geste, l’artiste procède à l’accrochage de ses nouvelles oeuvres.

Ce jeu entre positif et négatif, entre couleur et réserves plus ou moins dévoilées, crée un lien visuel et mnémonique entre oeuvres anciennes et récentes, rappelant ainsi qu’un artiste ne peut construire une exposition qu’à partir de ses expériences passées. Par la réminiscence des Patères, des Néons Bleus ou bien encore de Suite Berlinoise, l’artiste s’auto-cite et s’auto-contraint.

Sur ces murs peints dans une teinte dorée, Pascal Pinaud présente des pièces récentes et pour certaines inédites, dont la diversité des processus et des matériaux répond aux grandes problématiques qui traversent son oeuvre.

Nouvelle série, Couchers de soleil s’inspire de visuels que l’artiste trouve sur l’application Instagram. Chacune de ces peintures sur tôle a pour titre le lieu où la photographie amateure a été réalisée. Cliché populaire s’il en est – car il est aisé d’en réaliser une image séduisante sans compétence particulière – le coucher de soleil évoque ici autant Les Croûtes — grossiers et criards pastiches de chromophotographies — de Gasiorowski que la planéité photogénique et graphique des oeuvres d’Ed Ruscha. Entre peinture et média numérique, le cliché, sur lequel s’appuie ici la composition, est donc à entendre aux deux sens du mot : capture photographique, mais également représentation stéréotypée du monde.

Les oeuvres Beau Concept et Qatar Airways jouent également de cette limite entre peinture et photographie : elles copient des affiches publicitaires ayant été déchirées par le dispositif de roulement interne de leur habitacle. Comme souvent, Pascal Pinaud joue avec le principe de réalité ; en l’occurrence ici l’observation d’un système fonctionnel qui, par son dérèglement, provoque des compositions picturales involontaires.

Il reproduit le caisson publicitaire quasiment à l’identique — y apposant même la marque du fournisseur — sur lequel il contrecolle la photographie de la publicité abimée, poursuivant ainsi une double illusion : celle, réaliste, de la copie (l’image étant analogique et homothétique à l’original détérioré) et celle de la profondeur picturale (la présence du dispositif mécanique et lumineux habituellement caché étant ici révélée par l’image). Pascal Pinaud parle ici, par l’opération d’un glissement, de son rapport transhistorique à la peinture : Qatar Airways rappelle la peinture d’histoire et notamment Delacroix, Beau Concept cite quant à elle à la peinture conceptuelle ; toutes deux évoquent les affichistes.

Un petit tableau ovale, rappelant quant à lui les portraits bourgeois, est peint d’un gris indéfini. Cette oeuvre est une réponse aux Peintures recyclées de Nicolas Floc’h, qui demande à des amis artistes de lui confier des toiles qu’ils ne veulent pas montrer. Il en dissout les couches picturales jusqu’à obtenir une teinte uniforme, qu’il remet en tube et étiquette au nom de l’artiste. En retour, Pascal Pinaud utilise cette couleur pour réaliser son autoportrait sous la forme d’un monochrome, dont la brillance mime celle d’un miroir sans pourtant refléter de visage. Ce jeu de pingpong est un clin d’oeil à sa famille d’artistes : comme lui, Nicolas Floc’h s’intéresse aux limites entre art, métiers d’art, techniques artisanales et design industriel.

Enfin, un grand format rectangulaire, entre tableau et sculpture, est recouvert de 19000 fèves — restes de la collecte réalisée pour L’Arbre à fèves (monumental platane réunissant 20481 de ces figurines). Suivant le même principe, la surface et les bords de l’oeuvre sont saturés de ces objets « sucés par des milliers de gens », qui agglomérés, forment un paysage abstrait, rugueux et encyclopédique. Plus minimale que L’Arbre à fèves, elle est toutefois et au même titre emblématique de la « collectionnite » aigüe de l’artiste et de son intérêt pour les pratiques populaires.

D’autres oeuvres encore pourront venir couvrir les murs dorés et blancs de la galerie Catherine Issert, alimentant ce même fil rouge, qui entrecroise réflexions quotidiennes les plus triviales et préoccupations esthétiques les plus exigeantes. Ces hybridations donnent naissance à une oeuvre hétéroclite où le vulgaire dialogue avec le conceptuel, le populaire avec le précieux … pour mieux brouiller les préjugés critiques et à terme abolir la notion d’identité de l’oeuvre. Ainsi la peinture descend-elle de son piédestal : chaque geste répond simplement à sa propre cohérence et assume ses origines parfois « illégitimes », composant un corpus d’oeuvres qui ne refusent ni la contradiction ni la controverse, mais, a contrario, actualisent le débat pictural.

Pauline Thyss, novembre 2018

Dates

Décembre 15 (Samedi) 10 h 00 min - Février 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Catherine Issert

2 Route Des Serres 06570 Saint-Paul

Galerie Catherine Issert2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulOuvert du Mardi au Samedi de 10h à 13h et de 15h à 19h. Entrée libre

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mar16oct(oct 16)11 h 00 min2019dim27jan(jan 27)19 h 00 minLa sélection de la RédactionPolitiques du visibleDorothea LangeJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n’ont jamais été exposées en France, l’exposition « Dorothea Lange. Politiques du visible » est articulée en cinq ensembles distincts. Ceux-ci mettent l’accent sur la force émotionnelle qui émane de ces photographies ainsi que sur le contexte de la pratique documentaire de la photographe. Plus d’une centaine de tirages vintage, réalisés de 1933 à 1957, sont mis en valeur par des documents et des projections qui élargissent la portée d’une œuvre déjà souvent familière au public grâce à des images emblématiques de l’histoire de la photographie comme White Angel Breadline (1933) et Migrant Mother (1936). Les tirages exposés appartiennent pour l’essentiel à l’Oakland Museum of California, où sont conservées les archives considérables de Lange, léguées par son mari Paul Schuster Taylor et sa famille.

À l’instar du célèbre roman de John Steinbeck paru en 1939, Les Raisins de la colère, l’œuvre de Dorothea Lange a contribué à façonner notre vision de l’entre-deux guerres aux États-Unis et à affiner notre connaissance de cette période. Mais d’autres aspects de sa pratique, qu’elle considérait comme archivistique, sont également mis en avant dans l’exposition. Resituant les photographies de Lange dans le contexte de son approche anthropologique, l’exposition offre au public la possibilité de comprendre que la force de ces images s’enracine également dans les interactions de la photographe avec son sujet, ce qui se manifeste à l’évidence dans les légendes qu’elle rédige pour accompagner ses photographies. Lange a ainsi considérablement enrichi la qualité informative de ses archives visuelles, produisant une forme d’histoire orale destinée aux générations futures.

En 1932, pendant la Grande Dépression débutée en 1929, Lange, observant dans les rues de San Francisco les chômeurs sans-abris, abandonne son activité de portraitiste de studio, la jugeant désormais inappropriée. Au cours de deux années qui marquent un tournant dans sa vie, elle photographie des situations qui décrivent l’impact social de la récession en milieu urbain. Ce travail novateur suscite l’intérêt des cercles artistiques et attire l’attention de Paul Schuster Taylor, professeur d’économie à l’université de Californie à Berkeley. Spécialiste des conflits agricoles des années 1930, et plus particulièrement des travailleurs migrants mexicains, Taylor utilise les photographies de Lange pour illustrer ses articles, avant que les deux ne travaillent ensemble à partir de 1935 au profit des agences fédérales instituées dans le cadre du New Deal. Leur collaboration durera plus de trente ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lange pratique sans discontinuer la photographie, documentant les problèmes majeurs de l’époque, notamment l’internement des familles nippo-américaines, les évolutions économiques et sociales imputables aux industries engagées dans l’effort de guerre, la justice pénale vue par le truchement du travail d’un avocat commis d’office.

Si les images emblématiques prises par Dorothea Lange durant la Grande Dépression sont bien connues, ses photographies des Américains d’origine japonaise internés durant la Seconde Guerre mondiale n’ont pas été publiées avant 2006. Présentées ici pour la première fois en France, elles illustrent parfaitement comment Dorothea Lange a créé tout au long de sa carrière des images aussi intimes qu’émouvantes visant à dénoncer les injustices et infléchir l’opinion publique.

Parallèlement aux tirages exposés, différents objets ayant appartenu à la photographe, notamment des planches-contacts, des carnets de notes prises sur le terrain et diverses publications, replacent son travail dans le contexte de cette période troublée. L’exposition du Jeu de Paume ouvre une nouvelle perspective sur l’œuvre de cette artiste américaine de renom, dont l’héritage demeure vivant aujourd’hui encore. Tout en soulignant les qualités artistiques et la force des convictions politiques de la photographe, elle invite le public à redécouvrir l’œuvre de Dorothea Lange et son importance capitale dans l’histoire de la photographie documentaire.

Dates

Octobre 16 (Mardi) 11 h 00 min - Janvier 27 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

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mer16jan(jan 16)10 h 00 minlun29avr(avr 29)17 h 30 minMobile/ImmobileEt si demain on ralentissait ?Archives nationales Paris, 60, rue des Francs Bourgeois 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Depuis le début du XIXème siècle, l’essor de la vitesse puis la démocratisation de nos déplacements motorisés ont donné lieu à un véritable « tournant de la mobilité » : aujourd’hui, il est pratique courante de se déplacer et de voyager souvent, vite et loin.

L’exposition présentée aux Archives nationales par le Forum Vies Mobiles, think tank sur la mobilité du futur, propose d’explorer les manifestations de cette mobilité devenue centrale dans nos modes de vie et d’en interroger les futurs. Associant les regards d’artistes contemporains, de chercheurs en sciences sociales et le fonds des archives nationales, l’exposition Mobile/Immobile met en exergue l’ambivalence liée à nos déplacements, à la fois formidables sources de liberté (griserie de la vitesse, possibilité d’échapper à son milieu géographique ou de travailler en ville et de vivre à la campagne…) mais aussi d’aliénation (intensification du quotidien, injonction dans le monde professionnel…), de contrôles et d’interdictions (crise des migrants, accès au transports…) et de problèmes environnementaux (pollution, changement climatique…).

La mobilité des réfugiés par Ai Weiwei, le mystère de la fluidité des foules tokyoïtes par Sylvie Bonnot, le plan Voisin dessiné pour Paris par Le Corbusier revisité par Alain Bublex, l’éclatement de nos vies sociales par Laurent Proux, les paysages urbains pollués de Tim Franco, la vie des néonomades par Ferjeux Van der Stigghel, le temps ralenti par Marie Velardi… les visions singulières des artistes sur nos vies mobiles et sur des futurs utopiques ou dystopiques invitent à réfléchir à des modes de vie différents, des modèles alternatifs, et des possibles presque réels.

Le parcours imaginé avec Hélène Jagot (directrice du Musée de la Roche-sur-Yon) et François Michaud (conservateur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris) rassemblent des propositions artistiques (photographies, objets, peintures, dessins, vidéos, installations, …) dont beaucoup sont issues des commandes lancées par le Forum Vies Mobiles, dialoguant avec les fonds des archives nationales portant sur la surveillance des mouvements humains et des publications scientifiques.

Issue de sept années de recherches art-sciences menées par le Forum Vies Mobiles, l’exposition Mobile/Immobile explore de façon historique, sensible et scientifique le présent, le passé et le futur de notre mobilité pour, in fine, ouvrir le débat et inviter le visiteur à imaginer des modes de vie plus désirés et plus durables.

LES ARTISTES :
Ai Weiwei
Alain Bublex
Caroline DelmotteCatherine Poncin
Claire Chevrier
Elinor Whidden
Ferjeux Van der Stigghel
Géraldine Lay
Gildas Etevenard
Groupe BP
Hans Haacke
Ishan Tankha
Jürgen Nefzger
Laura Henno
Laurent Proux
Marie Velardi
Marion Poussier
Olivier Culmann
Patrizia di Fiore
Sylvie Bonnot
Thomas Sauvin
Tim Franco
Wang Gongxin

Dates

Janvier 16 (Mercredi) 10 h 00 min - Avril 29 (Lundi) 17 h 30 min

Lieu

Archives nationales Paris

60, rue des Francs Bourgeois 75003 Paris

Archives nationales Paris60, rue des Francs Bourgeois 75003 ParisDu lundi au dimanche (fermé le mardi) En semaine: 10h00-17h30 / Samedi et dimanche : 14h00-17h30 Plein tarif : 8 €, tarif réduit : 5 € Métro : Ligne 1 et 11 Arrêt Hôtel de ville / Ligne 11 Arrêt Rambuteau

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sam10nov(nov 10)10 h 00 min2019jeu31jan(jan 31)19 h 00 minWorld Press PhotoLa Cité Miroir, 22, place Xavier Neujean 4000 Liège

Détail de l'événement

À la fin de cette année, La Cité Miroir accueillera l’exposition du 61e prix World Press Photo du 10 novembre 2018 au 31 janvier 2019. Le plus grand et le plus prestigieux concours annuel de Photojournalisme plongera le public au coeur d’une sélection des images de presse les plus marquantes de l’année 2017.

Le 12 avril prochain, à Amsterdam, les lauréats seront annoncés. Les photographies primées seront alors rassemblées dans une exposition qui se déplacera dans 45 pays à travers le monde. La Cité Miroir à Liège fera partie des lieux privilégiés pour découvrir cette prestigieuse sélection !
En 1955, un groupe de photographes néerlandais lance ce concours dans le but de montrer leur travail à un public international. Depuis lors, la World Press Photo Foundation, organisation indépendante à but non lucratif, soutient le développement du photojournalisme à travers l’organisation d’un grand nombre de manifestations qui lui sont dédiées. Le concours annuel World Press Photo, événement majeur pour la profession, a acquis quant à lui, une renommée mondiale et prestigieuse.

Les valeurs fondamentales défendues par la fondation sont la précision, la transparence et la diversité. Elle s’oppose à toutes formes de discriminations, que ce soit dans le choix des photographes ou des images. Le concours est organisé en plusieurs catégories. Il est ouvert à tous les professionnels, sans distinctions de genre, de nationalité, d’origine ethnique, de religion ou d’orientation sexuelle. Le jury du concours change chaque année. Il est composé de professionnels du photojournalisme, indépendants de la World Press Photo Foundation. Les images sont jugées en termes de perspicacité, de justesse et d’informations au sujet de notre monde. Ce qui compte c’est la qualité de l’image et l’histoire qu’elle raconte.

Rendez-vous à La Cité Miroir, à partir du 10 novembre pour découvrir cette exposition exceptionnelle, véritable regard sur l’humanité.

Dates

Novembre 10 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 31 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

La Cité Miroir

22, place Xavier Neujean 4000 Liège

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