Tag: Photographie marocaine

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Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minL’instant qui fuitYves AuquierLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition L’instant qui fuit retrace le parcours d’Yves Auquier. Photographe de l’intime, il s’intéresse au vivant, au temps qui passe, au familier et à l’instant fugitif, résumant lui-même sa transversalité par la notion de « réalisme intimiste ». Il travaille tout au long de sa carrière en noir et blanc et de façon sérielle, classant minutieusement ses négatifs dans des classeurs thématiques et compilant à partir de ceux-ci de nouveaux recueils. Il publie principalement ses séries sous forme de portfolios qu’il tire lui-même en argentique.
Dans Pays Noir, son premier livre, publié en 1970, Auquier dresse le portrait du pays de Charleroi. Il y voit grandeur et beauté quand d’autres, y compris les habitants du « Pays Noir », y voient noirceur et ruine. Il désire transmettre sa vision, partager par l’image, et y parvient grâce à la subtile simplicité et sensibilité de son geste.

La série les mineurs, publiée sous forme de recueil en 1975, met l’Homme au centre des photographies. La solitude, la camaraderie, la mine, l’obscurité et l’âpreté du labeur sont autant de sujets présents dans ces photographies. Yves Auquier capte des images spontanées, d’autres plus posées. Quelques années plus tard, en 1984, Yves Auquier part à la rencontre des Siciliens installés en Belgique. Dans sa série intitulée Sicilicum, il prend le temps de découvrir les habitudes de cette population immigrée.
Dans son portfolio Bruxelles, publié vers 1970, Auquier nous immerge dans un univers urbain : la saturation des lumières sur les routes, la vitesse, la foule, le mouvement omniprésent. Les images se succèdent et invitent à voyager à travers la ville assis sur le siège avant d’une voiture perdue dans le trafic ou accroché à la barre verticale d’un tram.
Son recueil de trente photographies en noir et blanc, la vie de famille, publié en 1970, s’intéresse à la cellule familiale. Les instants de vie s’écoulent sous l’objectif du photographe qui prend comme modèle sa propre famille. Les temps morts, ces interstices de vie quotidienne, ont la part belle dans la série. Siestes, repos méditatifs, lectures, jeux d’enfants, sont autant d’instants volés à l’appétit du temps. Le sujet des nageurs s’esquisse dans les films de la vie de famille. Photographiquement parlant, il utilise des cadrages rapprochés de ses sujets, ne laissant voir que les corps et l’eau, sans tenir compte du décor extérieur. L’élément liquide devient un sujet à part entière des photographies et envahit le champ de l’image : les ondulations de l’eau et les reflets modulent l’arrière-plan.
Après s’être attaché au genre humain, Yves Auquier s’intéresse au monde du vivant dans son ensemble, les plantes et les animaux devenant ses modèles. Comme dans le reste de sa production, l’atmosphère a une place maitresse dans ses photographies.
Avec cette modestie qui le caractérise, Yves Auquier évoque son travail en ces termes : « J’ai simplement fait des choses que j’aimais faire » et c’est bien dans la simplicité que son oeuvre déploie toute sa justesse.

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

Calendrier GoogleCal

ven02oct(oct 2)14 h 00 mindim29nov(nov 29)18 h 00 minMemory LaneGuillaume ZuiliCommanderie Saint-Jean, 24 rue Widmer 91100 Corbeil-EssonnesType d'événement:Exposition,Photographie

sam03oct(oct 3)10 h 00 min2021dim31jan(jan 31)19 h 00 minTracehumance | Cheminement photographiqueJacques PuginMusée gruérien de Bulle, Rue de la Condémine 25 1630 Bulle, SuisseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 3 octobre 2020 au 31 janvier 2021, le Musée gruérien vous invite à découvrir la première rétrospective de Jacques Pugin. Un parcours thématique en cinq chapitres retrace les différentes phases d’une oeuvre qui couvre plus de quarante ans de création plastique.

Depuis ses débuts, dans les années 1970, Jacques Pugin pratique une photographie véritablement expérimentale, en utilisant tous les outils à sa disposition (light painting, photographie numérique, webcams, drones). Ses recherches plastiques se mêlent à une réflexion sur le temps, l’espace et la relation complexe que l’homme entretient avec la nature. Ses travaux les plus connus sont Les cavaliers du diable – une intervention sur des images satellitaires de la guerre civile du Darfour et Sacred Sites – des images de sites culturels et naturels réalisées sur les cinq continents. Une photographie de la série Glaciers a fait le tour du monde. Elle représente le glacier du Rhône protégé par des bâches.

Acquisition

Comme son auteur, la dernière série de Jacques Pugin est née dans la région bulloise. “Désalpe 2.0” fait défiler des troupeaux dans un paysage numérique tiré de Google Earth. Ce travail soulève des questions similaires à celles qui mobilisent le Musée gruérien. La place actuelle de l’agriculture, la permanence des traditions sont des sujets qui nous poussent à penser la ruralité face au monde de demain. C’est pourquoi la Société des Amis du Musée gruérien a réalisé cette importante acquisition. Quinze tirages de grand format et un ensemble de vidéos collectant la parole d’agriculteurs viennent enrichir les collections du musée ainsi que nos réflexions.

L’exposition

L’exposition a pour ambition de dégager les lignes de forces et le caractère innovant de l’œuvre de Jacques Pugin. Elle comprend des images en grand format, des séquences en plus petit format et des installations vidéo. L’accrochage ne se contente pas de présenter des séries sur un mode chronologique; il met en évidence les œuvres phares, les documente et les relie aux autres travaux du photographe. Il s’agit aussi d’assumer un point de vue contemporain, de mettre en lumière les images et les réflexions que Jacques Pugin peut transmettre aux visiteurs de 2020.

Pour cette réalisation le Musée gruérien collabore avec la galerie de photographie contemporaine Esther Woerdehoff (Paris) et la commissaire d’exposition Audrey Hoareau (Chalon-sur-Saône). Christophe Dutoit, journaliste et photographe (Bulle), réalise des entretiens vidéo avec Jacques Pugin.

L’auteur

Jacques Pugin est né en 1954 à Riaz (Fribourg, Suisse). Il vit et travaille à Paris depuis 2013. Sa renommée est internationale et son oeuvre fait partie de grandes collections publiques, notamment la collection du Centre George Pompidou à Paris, le Musée Nicéphore Niepce à Chalon-sur-Saône, le Musée d’art et d’histoire de Fribourg, la Collection de la Banque du Gothard et le Musée de l’Elysée à Lausanne. Il est également représenté dans de grandes collections privées. Il a reçu trois années consécutives la Bourse fédérale des beaux-arts (Swiss Art Award).

Dates

Octobre 3 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Musée gruérien de Bulle

Rue de la Condémine 25 1630 Bulle, Suisse

Musée gruérien de BulleRue de la Condémine 25 1630 Bulle, SuisseOuvert du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h00. Le samedi de 10h à 17h et le dimanche de 13h30 à 17h

Calendrier GoogleCal

jeu26nov(nov 26)11 h 00 min2021sam16jan(jan 16)19 h 00 minEvanescenceJean-Michel LenoirGalerie HEGOA, 16, rue de Beaune 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Silhouette de poirier dans la neige - France.

Cygnes chanteurs - Iles Lofoten - Norvège

Détail de l'événement

L’origine de sa passion pour la photographie, Jean-Michel Lenoir la puise dans le lien qui l’unit à la nature, dans ce qu’elle a de plus beau et de plus sauvage. Commençant par photographier la faune et les grands espaces, il a progressivement développé sa manière de percevoir et de ressentir les choses.
Le temps passé dans la nature peut s’apparenter à une quête d’ambiances fortes où la lumière et la recherche du beau sont des repères, ses marqueurs esthétiques. Cette intention photogra-phique se nourrit de son attirance pour les grands espaces asso-ciée à la recherche des lumières d’exception.
Une voie qui alimente son instinct de liberté.
Jean-Michel Lenoir rêve d’images simples, celles qui vont à l’essence du sujet en ne mettant en scène que peu d’éléments.
Suggestion et minimalisme, sont les leviers de son intention photographique, il ne cherche pas à montrer un sujet par ce qu’il est, mais par ce qu’il exprime. C’est sa manière de raconter des his-toires, d’exprimer sa sensibilité, à l’image de cette dernière série « Evanescence ».
Alliant sa passion pour l’image et les paysages sauvages, il conçoit et accompagne des voyages pho-tographiques pour l’agence Photographes du Monde. Du nord de l’Europe jusqu’en Amérique du sud, son univers photographique le mène dans des territoires sauvages d’où il tire sa principale source d’inspiration.
Ses images ont été récompensées par de prestigieux concours comme le BBC Wildlife photographer of the year, GDT European wildlife photogrpaher of the year et Asferico. Elles sont diffusées pour les collectionneurs en éditions numérotées ainsi qu’en agence auprès de Naturagency pour les images d’illustration. Jean-Michel Lenoir est ambassadeur FUJI depuis 2017.
« Je suis heureuse d’accueillir les images de Jean-Michel Lenoir, poétiques et veloutées, qui s’inscri-vent avec délicatesse dans la ligne de la galerie HEGOA.
Aux côtés de photographes comme Vincent Munier ou Michael Kenna avec qui il partage l’amour de la nature et les beautés de l’hiver, il explore d’une manière simple et épurée ce monde féérique.
Sous son regard attentif et sensible, de petits détails émouvants prennent une place majestueuse dans les espaces embrumés de lumières blanches et bleutées. Il nous fait rêver»
Nathalie Atlan Landaburu

« Évanescence » est une recherche personnelle sur les ambiances minimalistes et les paysages épurés, photographiés ici et là depuis le pas de ma porte jusqu’aux contrées du nord de l’Europe.
Neige, glace et brume forment l’âme de ce travail purement photographique, le fil conducteur de ce qui nourrit mon regard photographique depuis plusieurs années. Cette série d’images est le prolongement de mon précédent travail, « Les âmes sylvestres », qui restitue une vision graphique et esthétique de la nature. Une manière pour mon regard d’aller à l’essentiel en ne retenant que les quelques éléments qui esquissent plus qu’ils ne décrivent le sujet.
C’est une forme d’expression contemplative, le fruit d’une intention photographique qui favorise la sug-gestion. Le développement de ma vision créative plus qu’une approche plus figurative.
« Laisser parler ses émotions pour entrevoir les choses par ce qu’elles expriment plutôt que par ce qu’elles sont ».
L’évanescence se dit de ce qui disparait progressivement. Une symbolique très présente dès que l’on observe les phénomènes naturels comme une averse de neige qui estompe les lignes des arbres, une brume qui se lève sur un étang, l’écume d’une vague qui déferle sur un rocher, l’eau qui court sous la glace d’une rivière, ou encore un animal dont les contours s’estompent pour se fondre dans le blanc …
Le blanc, cette non couleur qui sublime la richesse des nuances et révèle la douceur des contrastes est le liant des ambiances feutrées que j’affectionne. Dans cet univers monochrome, entre rêve et réalité, je con-temple, observe et recherche le moment ou la magie opère, transformant l’image en esquisse.
Ces moments me portent vers une vision très onirique de la nature, qui me forcent à dépasser la réalité et restituer des images différentes, faisant émerger l’émotion et la poésie pour laisser le mystère opérer.
Des images inspirées, graphiques et minimalistes. Une bulle poétique ; comme un témoignage des beautés sauvages que nous offre la nature dans ce qu’elle a de plus fragile et de plus éphémère.
Jean-Michel Lenoir

Mardi au samedi 11h-13h / 14h-19h

Dates

Novembre 26 (Jeudi) 11 h 00 min - Janvier 16 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie HEGOA

16, rue de Beaune 75007 Paris

Galerie HEGOA16, rue de Beaune 75007 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 13h et de 14h à 19h

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sam10oct(oct 10)0 h 00 min2021dim03jan(jan 3)0 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 0 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

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