Rencontres d’Arles 2022 : Arts vivants et Performance

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Christoph Wiesner retrouve une programmation quasi normale et se place sous le signe de la révélation autour notamment d’un certain nombre de figures féminines. Un total de 40 expositions et 165 artistes rayonnent sur le territoire élargi du Grand Sud. Des verbes d’action pour annoncer les différentes directions choisies avec un focus sur l’histoire de la performance et les arts vivants : PERFORMER- EXPERIMENTER- EMERGER- EXPLORER & TEMOIGNER- REVISITER. L’affiche cette année revient à Mitch Epstein exposé à l’abbaye de Montmajour.
Feuille de route et quelques incontournables :

UNE AVANT-GARDE FÉMINISTE PHOTOGRAPHIES ET PERFORMANCES DES ANNÉES 1970 DE LA COLLECTION VERBUND, VIENNE
(Mécanique Générale)

Les Rencontres d’Arles présentent pour la première fois en France l’exposition Une Avant-garde féministe des années 1970, qui réunit plus de deux cents œuvres de soixante-et-onze femmes artistes de la COLLECTION VERBUND à Vienne, constituée pendant dix-huit ans sur les années 1970, d’un point de vue européen. À travers cinq thématiques, l’exposition présente les travaux des premières artistes qui proposèrent une nouvelle « image de la femme », dénonçant le sexisme, les inégalités sociales et les structures du pouvoir patriarcal. S’il est ici question d’«une » avant-garde, c’est pour faire référence à la diversité des mouvements féministes, pensés selon une approche intersectionnelle, tenant compte des différents types de discriminations dont de nombreuses artistes ont été et sont encore la cible, en raison de leur race, de leur classe ou de leur genre.

BABETTE MANGOLTE, CAPTER LE MOUVEMENT DANS L’ESPACE
(Eglise Sainte Anne)

Installée à New York dans les années 1970, la cinéaste et photographe expérimentale Babette Mangolte a documenté la scène chorégraphique et performative de la ville. Dès cette période, elle a développé un langage photographique et cinématographique fondé sur la subjectivité de la caméra, le rôle central du spectateur dans le dispositif, et la relation du corps humain à l’espace. Dans les années 1980, elle poursuit cette recherche de manière active et rigoureuse, et participe activement à la définition et à la construction d’une archive de la performance, afin de l’inscrire dans un temps et un contexte précis. Son travail nous permet de parcourir plus de cinquante ans de création, marqués notamment par Yvonne Rainer, Trisha Brown, Richard Foreman, Lucinda Childs, Simone Forti, Robert Morris, Joan Jonas, Robert Whitman. À travers une sélection d’images et de films, l’exposition veut rendre hommage à l’une des figures majeures de notre temps.

SUSAN MEISELAS & MARTA GENTILUCCI, CARTOGRAPHIES DU CORPS
(Eglise Sainte Blaise)

Cartographies du corps trace une carte de la peau et des gestes de femmes âgées, qui évoquent des vies engagées, encore pleines d’énergie et de beauté – une beauté qui provient de la superposition de leurs expériences. Susan Meiselas et Marta Gentilucci se sont associées pour capturer en images et en sons la force vitale qui habite ces corps, l’intensité de leurs vies passées, et l’espoir tenace de la vie restant à vivre, à l’encontre d’une représentation de la vieillesse comme l’absence d’opportunité, voire comme la maladie, la solitude et les privations. Dans l’église Saint-Blaise, l’installation crée un sentiment de proximité et d’intimité, et présente une image chorale qui s’inspire de leur collaboration avec chaque femme. Il s’agit d’un paysage immersif, qui façonne les relations spatiales dans le temps, transformant une approche in situ en une expérience collective

BETTINA GROSSMAN
BETTINA. POÈME DU RENOUVELLEMENT PERMANENT
(Salle Henri-Comte)

Les Rencontres d’Arles présentent la première exposition monographique de l’artiste américaine Bettina Grossman, plus connue sous le nom de Bettina. Bettina passe les premières années de sa carrière en Europe avant de rentrer aux États-Unis dans les années 1960. Peu de temps après, un incendie traumatisant détruit une grande partie de son œuvre. En 1970, elle s’installe au légendaire Chelsea Hotel et, pour se remettre de cette perte, travaille beaucoup. Après des années à produire dans l’isolement, l’artiste est présentée dans deux films documentaires, ce qui la conduit à rencontrer Yto Barrada. Dans la tradition des artistes qui soutiennent le travail d’autres artistes – et s’en nourrissent –, une relation forte s’ensuit, qui aboutit à plusieurs projets. L’exposition à la salle Henri-Comte offre un aperçu unique de la vie de Bettina à New York. Qu’il s’agisse de photographie, de vidéo, de peinture, de sculpture ou de design textile, ses œuvres sont sérielles, modulaires et rigoureuses – chacune ayant une fonction dans un système plus vaste et autoréférentiel, où l’on retrouve des formes géométriques répétitives à la dimension transcendantale et presque chamanique.

FRIDA ORUPABO
À QUELLE VITESSE CHANTERONS-NOUS
(Mécanique Générale)

Dans ses collages, l’artiste norvégienne-nigériane Frida Orupabo démembre puis réassemble les corps, en particulier ceux de femmes noires, dénonçant la brutalité de leurs représentations picturales à travers l’histoire. Elle recueille la matière visuelle de son œuvre sur Internet, en puisant dans l’imagerie artistique, mais aussi populaire, scientifique, ethnographique ou médicale, à laquelle elle intègre des photographies issues de ses archives familiales, pour aborder notamment la violence coloniale, le racisme, l’identité et la sexualité. Au-delà de ses collages, où des déchirures aux allures de cicatrices apparaissent, elle déconstruit les stéréotypes ainsi que les processus d’objectivation, de fixation et d’altération dont la photographie s’est rendue complice. Frida Orupabo exprime une forme subtile de résistance, qui déjoue le regard dominant et incite sans cesse le ou la spectateur·rice à réfléchir à la position qu’il ou elle occupe.

LUKAS HOFFMANN
EVERGREEN
(Monoprix)

L’exposition de Lukas Hoffmann réunit deux ensembles d’images prises à la chambre photographique, selon deux approches bien distinctes. Dans plusieurs polyptiques de grand format, la division de chacun des motifs sur différentes surfaces résulte d’une pratique précise et calculée : bien que le référent demeure reconnaissable, la rigueur de la composition conduit le sujet à s’effacer derrière sa représentation. Dans une série d’images de gens dans la rue, la pratique du photographe prend une direction toute autre : il utilise ici encore la chambre, mais saisit son motif à main levée, de manière spontanée et très rapprochée, sans regarder dans un viseur. Il fige alors des postures fugaces et contrastées, dessine avec précision des textures de peaux, de chevelures et de vêtements. Les travaux de Hoffmann font ainsi état des représentations complexes de la temporalité, caractéristiques du médium photographique

CHANTS DU CIEL LA PHOTOGRAPHIE, LE NUAGE ET LE CLOUD
(Monoprix)

Penser la photographie de nos jours, c’est aussi prendre en compte les infrastructures qui forment et organisent les réseaux. Que les images soient générées par des caméras de surveillance ou des satellites, qu’il s’agisse de documents d’archives numérisés ou de photos de vacances personnelles sur nos smartphones et ordinateurs portables, presque toutes les photographies sont sauvegardées sous forme de données numériques dans le cloud («nuage»). Mais le cloud n’est pas un endroit romantique. C’est un réseau où sont constamment déplacées nos données. C’est une machine à travers laquelle les intelligences artificielles apprennent.

PRIX DÉCOUVERTE LOUIS ROEDERER 2022
(Eglise des Frères-Prêcheurs)
Photographier depuis le souffle avec :

Roy Debmalya Choudhuri (Inde); Rahim Fortune (États-Unis) ; Olga Grotova (Russie) ; Daniel Jack Lyons (États-Unis) ; Seif Kousmate (Maroc) ; Celeste Leeuwenburg (Argentine/France) ; Rodrigo Masina Pinheiro & Gal Marinelli Cipreste ; Akeem Smith (États-Unis/Jamaïque) ; Mika Sperling (Russie) ; et Maya Inès Touam (France/Algérie).

LAURÉAT DU SERENDIPITY ARLES GRANT 2020 SATHISH KUMAR
(Cloître Saint-Trophime)

LAURÉATS DU PROGRAMME BMW ART MAKERS 2022 ARASH HANAEI & MORAD MONTAZAMI
(Cloître Saint-Trophime)

SI UN ARBRE TOMBE DANS UNE FORÊT
(Croisière)

Si un arbre tombe dans une forêt rassemble des travaux d’artistes orientés vers l’observation des vides et des silences, en recourant à des détours critiques comme le questionnement de la démarche, la redéfinition des contours des sujets, ou la rupture de la sémantique même de la photographie. Du photo-journal de Mahmoud Khattab sur les coulisses d’une année de conscription à l’essai photographique de Jansen van Staden sur l’inaperçu d’une relation père-fils, en passant par l’enquête performative sur l’archive coloniale de Belinda Kazeem-Kamiński, l’exposition porte un regard investigatif sur la mémoire individuelle et collective. Elle traite entre autres du spectre du colonialisme et des traumatismes de l’altérité, et suggère de nouveaux espaces de représentation.

BRUNO SERRALONGUE
LES GARDIENS DE L’EAU
(Jardin d’été)

D’avril à novembre 2016, les Indiens Sioux de la réserve de Standing Rock, dans le Dakota du nord, aux États-Unis, rejoints par d’autres nations et militants, ont dressé un camp le long des berges du fleuve Missouri, au niveau du lac Oahe, pour s’opposer à l’enfouissement sous le fleuve du Dakota Access Pipeline. La population vivant dans la réserve, en aval du lac, craignait des fuites qui pollueraient l’eau du fleuve. Le camp, nommé Oceti Sakowin, a accueilli jusqu’à 10 000 personnes lors d’une épreuve de force contre l’armée et la police, fin novembre 2016, aboutissant à la suspension des travaux, décrétée par le président Obama. Puis, nouvellement élu, Trump a ordonné à l’armée de reprendre les travaux. En face, malgré le démantèlement du camp Oceti Sakowin, la détermination des s Indiens à s’opposer à la destruction de leur « terre sacrée » ne faiblit pas.

LÉA HABOURDIN
IMAGES-FORÊTS : DES MONDES EN EXTENSION
(Croisière)

Le travail de Léa Habourdin part d’un constat simple relaté dans la presse : les forêts primaires n’existent plus en France métropolitaine. Les forêts qui survivent sont celles qui n’ont pas subi de trop forte influence de l’homme au cours des dernières décennies. Accompagnée de forestier·ère·s et de conservateur·rice·s, la photographe a passé deux ans à documenter ces lieux protégés. Elle a ensuite réalisé ses tirages en extrayant la chlorophylle photosensible de végétaux, et en utilisant des pigments de plantes fabriqués par un artisan. Ces tirages, des anthotypes, ont la particularité de ne pas résister à la lumière diurne

ESTEFANÍA PEÑAFIEL LOAIZA
CARMEN (RÉPÉTITIONS)
(ENSP)

S’inscrivant dans le cadre des 40 ans de l’ENSP, l’exposition est le fruit du programme de résidence pédagogique 2021/2022 mené par Estefanía Peñafiel Loaiza avec sept étudiant·e·s (Beatriz de Sousa Lima, Ludivine Fernandez, Juliette Frechuret, Loïsa Gatto, Basile Lorentz, Iris Millot, Christiane Rodriguez Esteve) et un enseignant, Nicolas Giraud, de l’ENSP. Elle regroupe une série d’éléments de différente nature pour retracer le voyage que l’artiste a effectué entre l’Équateur et l’Italie en suivant les pas du fantôme de Carmen, une femme disparue en Équateur au début des années 1980, alors qu’elle venait de rejoindre un mouvement révolutionnaire

LEE MILLER
(Espace Van Gogh)

LEE MILLER, PHOTOGRAPHE PROFESSIONNELLE (1932 — 1945)
L’exposition présente l’un des chapitres les plus intenses et les plus productifs du parcours professionnel de la photographe américaine Lee Miller (1907–1977). Entre 1932 et 1945, Miller est à la fois portraitiste, à la tête de son propre studio de prises de vue à New York (1932–1934), photographe de mode et de publicité pour des marques de parfums et de cosmétiques (1932–1945), et photoreporter de guerre, notamment reconnue pour ses images des camps de concentration allemands de Dachau et Buchenwald (1942–1945). Avec un parcours riche, fait d’allers-retours entre ces diverses pratiques, Miller évolue avec aisance d’un milieu à l’autre, et révèle la figure d’une photographe soucieuse de la valeur d’échange de sa production

UN MONDE À GUÉRIR 160 ANS DE PHOTOGRAPHIE À TRAVERS LES COLLECTIONS DE LA CROIX-ROUGE ET DU CROISSANT-ROUGE
(Palais de l’Archevêché)

L’exposition Un monde à guérir est le fruit de plus de deux ans de recherche au sein des collections du Mouvement international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. Révélant un patrimoine resté peu exploré, elle présente plus de six cents images datant de 1850 à nos jours, avant tout produites pour informer de l’urgence de l’action humanitaire, mais parfois aussi plus confidentielles. Réunissant de grands noms de la photographie, notamment de l’agence Magnum Photos, Un monde à guérir inclut aussi des clichés réalisés par les travailleurs humanitaires eux-mêmes, ainsi qu’une section consacrée au travail d’Alexis Cordesse, qui partage les photographies personnelles d’hommes et de femmes ayant fui la Syrie.

Parmi les événements associés, l’on retient :
– PREMIÈRE ÉDITION DU PERNOD RICARD ARTS MENTORSHIP SANDRA ROCHA et PERRINE GÉLIOT
– FISHEYE IMMERSIVE LE VOILE INTERPOSÉ
– KATRIEN DE BLAUWER (Méjan) : LES PHOTOS QU’ELLE NE MONTRE À PERSONNE
– JOAN FONTCUBERTA & PILAR ROSADO (Méjan) : DÉJÀ-VU
FONDATION MANUEL RIVERA-ORTIZ : DRESS CODE
– JACQUELINE SALMON : LE POINT AVEUGLE. PÉRIZONIUMS : ÉTUDE ET VARIATIONS (Réattu)

A compléter avec le Grand Arles Express dont Marseille avec le Frac et le Centre de la photographie, Nîmes le Carré d’art avec Julien Creuzet et Sam Contis…

Belles découvertes sur les routes du Sud !

INFORMATIONS PRATIQUES

Semaine d’ouverture du 4 au 10 juillet 2022
FORFAIT TOUTES EXPOSITIONS : Une entrée par lieu, valable du 4 juillet au 25 septembre Juillet/août: 37 € en ligne
FORFAIT JOURNÉE Une entrée par lieu, valable sur une journée Juillet/août: 29 € en ligne
https://www.rencontres-arles.com

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