Name: Cartes et territoires
Start: 2019-2-12T11-11-00-00
End: 2019-6-2T21-21-00-00
Location: Jeu de Paume

Provence-Alpes-Côte d’Azur

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jeu21fev(fev 21)10 h 00 minven29mar(mar 29)18 h 00 minAutres Paysages Altri PaisaghjiAltri PaisaghjiMuseu di Bastia, Palais des Gouverneurs Place du Donjon - Citadelle 20410 BASTIAType d'événement:Exposition,Photographie

mer30jan(jan 30)12 h 00 minmer13mar(mar 13)19 h 00 minThe Voracious PhotobooksGALERIE &CO119, 119 rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Il s’agit rarement juste de nourriture dans la photographie culinaire »
– Susan Bright, Feast for the Eyes – The Story of Food in Photography

Peut-être est-ce parce que la nourriture est un sujet qui unit, qui réunit, peut-être est-ce parce que l’acte de manger en est un nécessaire à la vie, l’Homme a de tous temps cherché à représenter son alimentation. Des scènes de chasses pariétales aux mises en scène hautement distinguées et compliquées des livres culinaires des grands chefs
contemporains, la nourriture a empli l’Histoire de l’Art.
Dès 1827, Nicéphore Niépce, pionnier de la photographie, utilise la Camera Obscura pour photographier une table sur laquelle sont disposés un bol, des couverts, un verre, une carafe et une miche de pain. Il signe alors non seulement les débuts de la photographie, mais également les balbutiements de la photographie culinaire.

Pendant longtemps, le contenu de nos assiettes est photographié de la même manière, reprenant les codes de la peinture classique et de la nature morte, ou composé en vue de dessus sur une table de dîner traditionnelle, de manière à offrir le point de vue du « mangeur ». Puis, dès le milieu des années 1940, correspondant à la fin de la guerre et à une envie de la part des populations de mettre derrière elles l’austérité et les restrictions de ces cinq années de privations, des magazines tels que Vogue font évoluer la pratique de la photographie culinaire. La food devient un sujet de mode. On pense notamment aux images d’Irving Penn qui, mettant en scène avec le même glamour célébrités et camemberts, se fait un des précurseurs du food styling. De plus en plus, l’objectif se rapproche de son sujet, s’essaye aux close-ups. C’est la starification des ingrédients. L’importance est mise sur le produit, sur les textures. On parle bientôt de pornfood. Ce terme, contraction des mots « food » (nourriture) et « pornographie » illustre bien ce sentiment de plaisir « interdit ». Dans les deux cas, on parle bien du fait d’éveiller le désir par le biais du visuel.

La cuisine est cependant un besoin vital jouissif bien plus socialement partageable que le sexe, et, en 2010, quand Instagram est lancé, ce qui ressemblerait à une biographie alimentaire visuelle et quotidienne de notre alimentation se démocratise encore un peu plus. La pratique devient socialement acceptable et acceptée.

Il est ici important de souligner que cette tendance dépasse largement l’univers des grands chefs et part avant tout d’une initiative d’internautes amateurs et internationaux (touristes, blogueurs, femmes et hommes au foyer, étudiants…) sur les réseaux sociaux.

Et si le digital ne permet pas, pour le moment en tout cas, de partager les odeurs et le goût, il s’agit pour la food photographie de déclencher des synesthésies en reliant les images aux souvenirs.

Mettre en scène ce que l’on mange, c’est aussi montrer notre vie, se raconter, et raconter un style de vie.

« Dis-moi ce que tu manges, je te dirai qui tu es », disait Brillat-Savarin dans Physiologie du goût, son ouvrage publié en 1825.

Le visuel permet de ne plus cantonner le partage au petit nombre de convives à un instant t. En postant des images de nos assiettes, on passe d’une expérience censée s’inscrire dans l’éphémère et dans l’intime à une expérience éternelle, pérenne et publique. L’image culinaire semble être devenue un nouveau type d’espéranto, un langage universel, visuel et compris de tous.

The first taste is always with the eyes (« On goûte toujours d’abord avec les yeux »). Ainsi sont rapportés les mots de Marcus Gavius Apicius, figure de la haute société romaine reconnu pour son raffinement gastronomique.

Ceci, tout le monde semble l’avoir compris et au xxie siècle, tout se doit d’être « instagrammable », les plats comme les lieux. Le régal des pupilles en passerait presque avant celui des papilles.

Ces changements d’attentes du consommateur ne sont pas sans modifier également la profession de chef cuisinier.

Ainsi son statut est-il passé en quelques années de celui d’artisan à celui d’artiste – position renforcée par les nombreuses émissions culinaires à la photographie léchée (on pense entre autres à Chef ’s Table sur Netflix).

Sortant de derrière leurs fourneaux, ces chefs sont propulsés au rang de stars, sur le devant de la scène.

L’image serait-elle alors devenue plus importante que le goût ?

S’il est une certitude, c’est que le visuel change nos moeurs et nos habitudes.

Ces dernières années, les consommateurs demandent de plus en plus d’authenticité et de transparence (#slowlife, #nofilter).

C’est dans ce contexte de prises de consciences écologiques et éthiques que certaines publications, ayant bien compris la suprématie du visuel, allient réflexion alimentaire et tentatives de réponses à des problématiques écologiques et de croissance démographique par des solutions créatives mêlant design et science.

Face à ces revues, les livres photographiques semblent s’inscrire d’avantage dans le champs de la représentation du réel. Explorant plus en profondeur les sujets abordés, ils permettent d’affiner les traits de nos portraits gastronomiques, qui sont tout autant psychologiques que sociologiques. Ils se font les miroirs du rapport de chaque époque à ses nourritures.

Nous avons réuni ici une vingtaine d’ouvrages photographiques explorant sous divers angles (l’art, le social, la production, etc.) l’apport de la photographie à notre réflexion sur l’alimentation. Cette sélection est complétée par la présentation de revues explorant différentes problématiques et défis sociétaux à travers l’alimentation.

En espérant que l’exposition sera à votre goût !

Dates

Janvier 30 (Mercredi) 12 h 00 min - Mars 13 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

GALERIE &CO119

119 rue Vieille du Temple, 75003 Paris

GALERIE &CO119119 rue Vieille du Temple, 75003 ParisOuvert du mercredi au samedi 12h - 19h

Calendrier GoogleCal

mar04déc(déc 4)13 h 00 min2019dim28avr(avr 28)18 h 00 minLa troisième édition du Prix Swiss Life à 4 mainsMusée de la musique | Philharmonie de Paris, 221 Avenue Jean Jaurès, 75019 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Digital After Love. Que restera-t-il de nos amours ?
par Ruppert Pupkin, compositrice-interprète et Oan Kim, photographe, lauréats de la troisième édition du Prix Swiss Life à 4 mains

Cette édition exceptionnelle du Prix Swiss Life à 4 mains a récompensé le photographe Oan Kim et la compositrice-interprète Ruppert Pupkin. Ils présenteront Digital After Love.
Que restera-t-il de nos amours ? leur création photo-musique à l’hiver 2018 au Musée de la musique-Philarmonie de Paris, dans le cadre de l’exposition Doisneau et la musique du 4 décembre 2018 au 28 avril 2019, et dans un livre disque édité chez Actes Sud.
Ruppert Pupkin et Oan Kim étaient respectivement marrainés par Clémentine Deroudille et Laetitia Guillemin.
Une bourse de 15 000 euros a été attribuée à chacun des lauréats du Prix. Le duo d’artistes a imaginé en sons et en images le récit d’un amour révolu (passé) retrouvé dans les vestiges numériques d’un vieux smartphone.
De la découverte d’un smartphone endommagé, les deux artistes tentent d’ordonner, comme un puzzle, les pièces d’une histoire d’amour contemporaine : d’un côté une femme, que l’on découvre en images et en sons, de l’autre un partenaire invisible, qui la photographie inlassablement. De leurs sms, e-mails et messages vocaux morcelés, pixélisés, rendus partiellement illisibles par l’altération des données, transparaît une histoire d’amour marquée par l’errance, entre réalité et fiction.
Un kaléidoscope musical et photographique reconstitué à partir de ruines numériques, d’où surgit le fantôme d’une obsession amoureuse à travers notre monde urbain d’aujourd’hui.
Exposition du Prix au Musée de la musique-Philarmonie de Paris L’oeuvre photo – musique des lauréats, Digital After Love. Que restera-t-il de nos amours ?, sera exposée dans le cadre de l’exposition Doisneau et la musique, organisée par le musée de la Musique – Philharmonie de Paris du 4 décembre 2018 au 28 avril 2019. Le commissariat de l’exposition est assuré par Clémentine Deroudille, petite fille du célèbre photographe.

Voir l’exposition Doisneau et la Musique
https://www.9lives-magazine.com/events/doisneau-et-la-musique/

Dates

Décembre 4 (Mardi) 13 h 00 min - Avril 28 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la musique | Philharmonie de Paris

221 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris

Musée de la musique | Philharmonie de Paris221 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris

Calendrier GoogleCal

mar12fev(fev 12)11 h 00 mindim02jui(jui 2)21 h 00 minCartes et territoiresLuigi GhirriJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette première rétrospective des photographies de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale est centrée sur les années 1970. Elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleur sans équivalent dans l’Europe de l’époque.

Géomètre de formation, Luigi Ghirri commence à photographier durant le week-end au début des années 1970, arpentant les rues, places et faubourgs de Modène, échafaudant des projets et des thématiques. Il pose sur les signes du monde extérieur un regard attentionné et affectueux en observant, sans les commenter ouvertement, les modifications apportées par l’homme au paysage et à l’habitat de sa province d’origine, l’Émilie-Romagne, baromètre d’un vernaculaire local exposé à l’avènement de nouvelles formes d’habitat, de loisirs et de publicité.

« Je m’intéresse à l’architecture éphémère, à l’univers de la province, aux objets considérés comme de mauvais goût, kitsch, mais qui, pour moi, ne l’ont jamais été, aux objets chargés de désirs, de rêves, de souvenirs collectifs […] fenêtres, miroirs, étoiles, palmiers, atlas, globes, livres, musées et êtres humains vus par l’image. »

À la fin de cette décennie, Luigi Ghirri a accumulé des milliers de vues et élaboré un style singulier et un cadre conceptuel complexe pour présenter son travail. Cette première décennie culmine avec deux temps forts : la publication, en 1978, de Kodachrome, un ouvrage photographique véritablement exceptionnel, et une exposition majeure, « Vera Fotografia », qui se tiendra en 1979 au centre d’exposition de l’Université de Parme, organisée par Arturo Carlo Quintavalle et Massimo Mussini, et qui, à travers quatorze projets et thèmes, retrace le mode de pensée et d’action propre à Luigi Ghirri.

« Cartes et territoires » reprend la cartographie poétique de l’exposition de 1979 où l’on trouvait à la fois des projets très cadrés comme Atlante (1973), constitué de photographies de pages d’atlas, et Colazione sull’erba (1972-1974), où l’artiste observe l’interface entre artifice et nature dans les petits jardins de Modène, et des groupes plus diversifiés comme Diaframma 11, 1/125, luce naturale (1970-1979), qui portent sur la façon dont les gens photographient et sont photographiés, ou le paysage des signes de l’Italie provinciale dans Italia ailati et Vedute (1970-1979).

Luigi Ghirri éprouve une fascination indéfectible pour les représentations du monde, pour les reproductions, images, affiches, maquettes et cartes et pour la façon dont ces représentations s’insèrent dans le monde, en tant que signes au sein de la ville ou du paysage.

La médiation de l’expérience par l’image dans une Italie partagée entre ancien et nouveau a constitué, pour Luigi Ghirri, une source inépuisable d’étude, «une grande aventure dans le monde de la pensée et du regard, un grand jouet magique qui réussit à faire coïncider miraculeusement notre connaissance adulte et le fabuleux monde de l’enfance, un voyage continu dans le grand et le petit, dans les variations à travers le règne des illusions et des apparences, des labyrinthes et des miroirs, de la multitude et de la simulation. »

Dates

Février 12 (Mardi) 11 h 00 min - Juin 2 (Dimanche) 21 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

Calendrier GoogleCal

mar15jan0 h 00 minlun15avr0 h 00 min1ère édition de la Bourse Laurent Troude de la nouvelle photographie de presse Organisateur: Bourse Laurent Troude Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

L’Association Laurent Troude et nos partenaires la Société des auteurs des arts visuels et de l’image fixe (SAIF), Libération , Divergence Images , ImageSingulières , annoncent le lancement de la première édition de la Bourse Laurent Troude de la nouvelle photographie de presse . L’appel à candidatures court du 15 janvier au 15 avril 2019.

Le 25 février 2018, à 50 ans, disparaissait le photojournaliste Laurent Troude. Laurent avait commencé à vingt ans à L’Humanité avec de la photographie sociale, avant de collaborer à L’Équipe , et à Libération en 1996 sa maison pendant plus de vingt ans. Il s’est forgé une écriture: sa photographie se remarque souvent au premier regard, vision décalée d’un événement, angles inédits, manière sans concessions et humaine de portraiturer le monde politique et ses acteurs.

Cette bourse est destinée à soutenir des photographes de moins de 30 ans qui, comme lui il y a trente ans, ont parfois du mal à exercer leur métier, à mettre en oeuvre leur talent faute de moyens. Elle s’adresse à des photographes qui s’intéressent à ce qui se passe sur le territoire français, quelle que soit la thématique, politique, sociale, sportive ou culturelle.

La Bourse Laurent Troude récompense un(e) photographe d’une dotation de la SAIF et de Libération d’un total de 8000 euros, d’un droit d’entrée et d’un an d’abonnement gratuit à Divergence Images, la plateforme collective qu’avait choisi Laurent. Le projet du lauréat sera exposé à l’édition 2020 d’ImageSingulières à Sète.
La remise de la Bourse aura lieu à Sète le 31 mai 2019 lors du festival ImageSingulières.

> Règlement
> Formulaire de candidature

Dates

Janvier 15 (Mardi) 0 h 00 min - Avril 15 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Bourse Laurent Troudebourselaurenttroude@gmail.com

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