Name: NATURE DIVINITY
Start: 2019-6-19T00-00-00-00
End: 2019-9-22T00-00-00-00
Location: Abbaye de Valmagne

octobre 2016

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mer19jui(jui 19)0 h 00 mindim22sep(sep 22)0 h 00 minNATURE DIVINITYFrancis GrosjeanAbbaye de Valmagne, 34560 VilleveyracType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’Abbaye de VALMAGNE accueille NATURE DIVINITY de Francis GROSJEAN. Suite au succès de cette exposition au Temple d’ARLES en juillet 2018, l’abbaye cistercienne offre un nouvel écrin à ces photographies de la Nature présentées en très grand format ( 2,5m x 4m)
En quête d’étranges créatures sculptées par les éléments que son oeil d’enfant révélait dans un rêve éveillé, FRANCIS GROSJEAN écrit avec NATURE DIVINITY un langage pictural inédit et universel. Tel un archéologue, le photographe extrait la richesse d’un monde naturel et éphémère pour créer un bestiaire magique et des portraits de divinités aux résonances bouddhiques, inuit ou africaines. Vues aériennes ou macrophotographies fractales…de l’infiniment petit à l’immensément grand, Francis Grosjean nous offre un canevas d’images honorant les 5 éléments de la cosmogonie chinoise du Yin et du Yang : la terre, l’eau, le feu, le bois et le métal.

FRANCIS GROSJEAN, ingénieur de formation est un artiste protéiforme, à la fois cinéaste et photographe. Influencé par le sacré, son travail est né de l’observation du réel mais sa pratique donne à ses oeuvres une dimension mystique. Au sein même de la matière, il trouve une signification nouvelle qui dépasse le sujet photographié, proposant au spectateur une dimension esthétique sans référence à l’échelle du décor capturé.
Ses portraits de la nature s’apparentent à des paréidolies – ce phénomène qui permet aux humains de distinguer un visage familier dans un nuage, un paysage ou une matière. Son approche cartésienne structure une démarche artistique qui propose une vision onirique du monde à travers ces personnages. Son savoir-faire de cadreur, de coloriste, mais aussi de metteur en scène donne à voir une oeuvre foisonnante et originale.

A l’entrée de l’abbatiale, un bestiaire humanoïde symbolise les 5 éléments et entraîne le spectateur vers les ogives du choeur où l’attendent des moines étranges, élevés dans ces matières que la nature a sculpté devant l’objectif de l’auteur : visages saisissants, apaisés ou torturés, anges ou démons. Ils renvoient à l’histoire contrastée de cette abbaye cistercienne qui fut un lieu de recueillement mais aussi de grande violence dans une région marquée par l’hérésie cathare.

La sacristie abrite des formes de glace ou de métal évoquant des objets de culte. Les circonvolutions anthropomorphes de l’eau et de la terre sont à l’honneur dans la salle capitulaire. Dans le parloir, des arbres se font visages sibyllins, oeil d’éléphant, monstres des océans. En déambulant dans le cloître, le visiteur découvre des créatures de feu et de métal entremêlés dans une profusion de couleurs contrastant avec la sérénité des lieux.

La dimension visuelle des oeuvres de Francis GROSJEAN s’inscrit dans la prise de conscience vitale des sociétés occidentales de la nécessité de mieux reconnecter l’homme à la nature. L’époque où l’homme jouissait de ses bienfaits sans limites, exploitant à son profit et sans vision durable les richesses de la Nature est en passe de se terminer à l’aune de la nécessité de repenser nos modes de vie. Une approche rationaliste ou militante ne suffit pas. La dimension émotionnelle est indispensable au succès d’une si grande entreprise. Quel meilleur chemin pour nous donner envie d’y parvenir que celui de nous inviter à l’observation et à l’imagination, à retisser un lien sacré avec notre planète par la beauté, celle d’une nature retrouvée, comme le fait Francis GROSJEAN.

Philippe SÉRÉNON, Commissaire de l’exposition

Dates

Juin 19 (Mercredi) 0 h 00 min - Septembre 22 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Abbaye de Valmagne

34560 Villeveyrac

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sam04mai(mai 4)14 h 30 mindim23jui(jui 23)18 h 30 minEntre-tempsDavid Falco & Lucie TaïebEsox Lucius - La Gare / le Quai (294M9), Rue de la Gare 71740 Saint-Maurice-lès-ChateauneufType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Falco est diplômé de l’École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier en 2001.
Il développe par la photographie et plus récemment par la vidéo, une réflexion à la démarche éclectique, documentaire, fictionnelle et onirique, sur notre relation au monde, l’appréhension de l’espace, de la nature et du paysage.
Suite à ses voyages en Laponie suédoise et norvégienne (2003-2004), puis sur le volcan Stromboli des îles Éoliennes (2005), il réalise deux expéditions, en 2005 et 2006, dans l’archipel norvégien du Svalbard situé dans l’Océan Glacial Arctique.
En 2008, il est lauréat du Prix Kodak de la critique Photographique avec la série » Spitzberg 78,15 ° N 16 ° E « .
En août 2009, en collaboration avec l’Université du Svalbard (UNIS), il participe à une expédition scientifique autour de l’archipel du Svalbard, et réalise un reportage photographique à propos du travail de recherche et de l’enseignement de la biologie marine arctique à bord d’un navire scientifique.
Depuis 2016, il est membre de l’Observatoire photographique des Pôles.
Ses photographies ont été exposées en France, en Angleterre et plus récemment au Canada.
En 2017, son travail est sélectionné pour la 5e édition « FOTOFILMIC17 », et fera l’objet d’une exposition collective itinérante internationale en 2018.

Lucie Taïeb est écrivain et traductrice. Elle a notamment publié Safe (Éditions de l’Ogre, 2016) et Peuplié (Éditions LansKine, 2019) et donne régulièrement des lectures de ses textes.
« D’un temps profond », a été écrit en 2018, en écho aux photographies de David Falco et à l’occasion de l’exposition « Zones Blanches – Récits d’exploration » du Musée et du Cyel Pôle Culture de La Roche-sur-Yon. Ce texte a été publié aux Éditions le Bec en l’air dans le volume collectif « Zones Blanches » coordonné par Hélène Gaudy.
La pièce sonore, enregistrement de ce texte lu par l’auteure, a été créée pour l’exposition « Entre temps ».

Dates

Mai 4 (Samedi) 14 h 30 min - Juin 23 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Esox Lucius - La Gare / le Quai (294M9)

Rue de la Gare 71740 Saint-Maurice-lès-Chateauneuf

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sam22jui(jui 22)11 h 00 mindim13oct(oct 13)17 h 00 minMontagnesMagnum PhotosMBAL - Musée des beaux-arts Le Locle, Marie-Anne-Calame 6 CH – 2400 Le LocleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La montagne est un sujet qui fascine les photographes partout dans le monde. Référence absolue du photojournalisme depuis sa création en 1947, l’agence Magnum réunit dans ses archives des images prises en haute altitude. Magnum Photos n’est pas célèbre pour ses paysages, mais la montagne est un fil conducteur qui permet de parcourir près de 80 ans d’histoire. On retient non seulement les noms de ses photographes – parmi les plus célèbres Werner Bischof, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Raymond Depardon, Elliott Erwitt, Martine Franck, Susan Meiselas, Martin Parr, Alec Soth – mais également l’agence en tant que collectif qui défend une photographie engagée. A travers cette collection de photographies, on découvre la fascination que l’humain a pour les hauts sommets et ce partout dans le monde. La montagne est un environnement à la fois vénéré et craint. Jusqu’au 20e siècle, elle semblait indestructible, aujourd’hui on découvre une montagne surexploitée et fragilisée. Une section de l’exposition est consacrée au Suisse Werner Bischof et réalisée avec la collaboration des Archives Werner Bischof à Zurich. Durant la Seconde Guerre mondiale, alors que le célèbre photographe ne pouvait quitter la Suisse, il faisait régulièrement de grandes excursions dans les Alpes, souvent en solitaire. La montagne ne le quittera jamais. Par la suite, Bischof a voyagé partout dans le monde. Il aimait l’altitude. En 1954, deux ans après s’être rendu dans l’Himalaya, il part dans les Andes où il perd la vie dans un accident de la route. Âgé de 38 ans, Bischof est le premier disparu des photographes de Magnum. La montagne, qui le fascinait tant, lui aura dit son dernier mot.

L’exposition est organisée par le MBAL en étroite collaboration avec Magnum Photos et a reçu la généreuse contribution de Zénith. Un livre aux éditions Prestel accompagne l’exposition.
Une version de l’exposition est à découvrir entre le 17 juillet 2019 et le 7 janvier 2020, au Forte di Bard, près d’Aoste.

Dates

Juin 22 (Samedi) 11 h 00 min - Octobre 13 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

MBAL - Musée des beaux-arts Le Locle

Marie-Anne-Calame 6 CH – 2400 Le Locle

MBAL - Musée des beaux-arts Le LocleMarie-Anne-Calame 6 CH – 2400 Le LocleOuvert tous les jours de 11h à 17h sauf le lundi et mardi

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sam01jui14 h 30 minsam22(jui 22)18 h 30 minThe June Group ShowStéphane Gautronneau, Nicolas Jardry, Antoine RozèsGalerie Anne Clergue, 4 plan de la cour, 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 1er au 22 Juin, Anne Clergue Galerie présente son June Group Show avec trois photographes qui invoquent la préservation de la planète. Stéphane Gautronneau explore la disparition des paysages, Nicolas Jardry nous plonge dans une nature fantasmagorique et Antoine Rozès nous emmène dans un voyage nocturne, au plus profond de la forêt.
Au cœur de la ville d’Arles, la galerie se renouvelle en doublant sa surface d’exposition ; elle passe du 12 au 4 Plan de la Cour, juste derrière la Mairie. La galerie s’inscrit dans la continuité en proposant un regard sur la photographie contemporaine, la peinture, gravure, sculpture, avec toujours le souhait de découvrir de jeunes talents.

Autodidacte, Stéphane Gautronneau a été l’assistant de photographes de mode parmi les plus célèbres. Il se tourne très vite vers un travail personnel : sensibilisé par l’érosion de la planète, il ramène de ses nombreux voyages dans les coins les plus sauvages et reculés du monde, des ‘physical-scapes’. Ces paysages saisissent l’impermanence du temps qui transforme, efface, entraîne la disparition de notre terre. Il privilégie les très grands formats et travaille au 4X5 ; le temps est une composante importante de chaque prise de vue.
« Le désert de Namibie est le premier désert de notre planète.
J’y pose mon Linhof Tehnika au niveau du sol, comme si je découvrirais ce paysage après avoir passé la nuit sous la tente.
Depuis ce promontoire, la perspective s’ouvre sur trois plans qui convergent vers l’horizon. Le premier est rassurant et proche : il permet de saisir l’immensité de cette plaine que l’on voudrait traverser. Les couleurs naturelles définissent un spectre de chromies qui confondent le ciel, le soleil et la roche millénaire. Aucune retouche n’est apportée : la température et l’ambiance sont palpables. Les embruns de la côte sur l’horizon apportent une teinte à la lumière irradiante du soleil »
Nicolas Jardry, a exposé en 2016 à la galerie, passionnée par la nature qui nous entoure, immergé dans sa planète de verdure et de couleurs, il nous livre ses photographies doubles pliées comme un origami. Cette série Face à Face nous emmène dans le surnaturel, un univers fantasmagorique. Son invitation à la méditation va nous rapprocher de ce qui est primordial pour l’artiste, notamment la préservation de l’environnement et la compréhension de l’espace. Ce travail suscite des résonances insoupçonnables entre l’attention que nous allons donner à l’oeuvre mais aussi sur le regard que nous portons sur nous-même. Nicolas Jardry nous conforte dans cette direction en affirmant que le « face à face » avec la nature est le lien entre notre moi intérieur et notre moi extérieur.
“Il arrive souvent que nous passions à côté du spectacle simple de la nature, soit que nous soyons trop sensibles aux images à sensation, soit qu’au contraire nous préférions une image aseptisée et reconnue. Entre ces deux extrémités, il y a toutes les nuances de l’ombre … J’aime essayer de capturer ce monde poétique des esprits qui nous relie à la terre et aux étoiles”.
Antoine Rozès a exposé en 2016 à la galerie. Sa série l’Hors de moi en bois nous entraîne dans les mystères de la forêt, éclairée à la lampe torche, au coeur de la nuit. Chaque détail compte, un monde de fées, de druides où l’on aimerait se perdre.
« Les photographies de la série « L’Hors e Moi en Bois » sont réalisées à la prise de vue, en numérique. Il n’y a pas de recadrage, de sur-impression , ou d’effet Photoshop.
Elles ont lieu sur un morceau de chemin, d’environ 300 mètres en Dordogne. Mon procédé est centré sur un protocole, inspiré de la chronophotographie. J’utilise des outils que j’ai fabriqués et déposés. Cette façon de faire laisse une part importante à l’aléatoire et à l’effet de sérendipité. Deux approches ont défini la direction que j’ai prise. D’un côté une réflexion sur deux phrases de Jacques Lacan « Le réel c’est ce qui n’appartient ni au symbolique, ni à l’imaginaire » et « Le réel c’est quand on se cogne ».L’autre approche trouve ses sources dans le TAO et consiste à se positionner de l’autre côté du « Je sais ». Par l‘adoption de la posture du « WUWEI » ( non-agir), il s’agit de laisser les images venir à soi, au lieu de les chasser ou de les construire. L’engagement que je manifeste dans cette série consiste à montrer qu’il existe une approche du monde complètement à l’opposé du matérialisme et du religieux qui dit « Dieu a dit… », pour une vie ouverte à ce qui l’entoure.
De nos jours, où tout le monde sait tout, je trouve intéressant de regarder ce qu’il se passe lorsque que l’on dit : je ne sais pas. »

Dates

1 (Samedi) 14 h 30 min - 22 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Anne Clergue

4 plan de la cour, 13200 Arles

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jeu23mai(mai 23)10 h 00 minven12jul(jul 12)18 h 00 minBrazil - Land & SoulJoão FarkasGalerie de l’ambassade du Brésil, 350, Avenue Louise 1000 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Résultat de deux projets approfondis et inspirés, comme tout ceux qui portent la signature du photographe brésilien João Farkas, l’exposition « Brazil – Land & Soul Land » ouvrira à l’ambassade brésilienne de Bruxelles le 23 mai 2019.

Comme le dit le photographe « tre invité à exposer en dehors de mon pays est une occasion de montrer la photographie brésilienne, qui est l’une des plus fortes, des plus significatives et des plus créatives au monde ».

Le photographe montrera 40 images inédites de la série « Pantanal », toutes réalisées au cours des cinq dernières années dans le but de servir de message d’alerte sensible. « La beauté tonitruante de cette région brésilienne est perçue comme distante, intacte et indestructible. Ce qui n’est pas vrai. On ressent également les effets de l’anthropocène, l’action profonde de l’homme sur la planète. »

Il y aura également des photographies provenant de l’essai « Caretas de Maragojipe », réalisé sur base de l’inventaire des masques de carnaval de la ville de Maragojipe (BA) au cours de cinq carnavals. Cet essai a d’ailleurs servi de base visuelle à la conception du musée du carnaval, inauguré à Salvador l’année dernière, sous la direction et le commissariat de Gringo Cardia.

Pantanal

Avant d’tre invité à commencer les premiers recueils de cette série, en 2014, João Farkas pensait que le seul attrait de cette région serait l’observation d’animaux comme les alligators, les jaguars et les tuiuiús. « Dès lors j’ai pensé que le Pantanal était déjà suffisamment photographié. Vous n’avez pas besoin d’un autre document. Mais ma surprise a été brutale et a abouti à un travail vaste et très différent de celui que j’avais réalisé jusqu’à présent », raconte-t-il 25 ans après la création de sa célèbre série » Amazônia Ocupada » (1984 à 1993), dont l’orientation fortement photojournaliste est l’une des caractéristiques, à la différence de « Pantanal ».

Dans l’exposition présentée à Bruxelles, Farkas cherche à attirer l’attention sur la beauté et la variété des paysages du Pantanal et, simultanément, sur les menaces silencieuses qui pèsent dessus. Elles sont le résultat du changement climatique et de la manière dont les rivières des hautes terres environnantes ont été traitées. « J’ai réalisé qu’il serait beaucoup plus efficace de travailler pour la conscientisation esthétique. Transmettre aux autres un peu de l’illumination que j’ai moi-mme expérimentée en connaissant mieux le Pantanal. »

Et quand Farkas dit « mieux connaître », les chiffres prouvent qu’il est allé très loin. Au cours de huit expéditions effectuées au cours des dernières années, il a parcouru cinq mille kilomètres en voiture, en bateau et dans un petit avion monomoteur, effectué près de 40 vols et réalisé environ 16 000 images.

Il est à noter que Farkas a évité le cliché. « Il fallait échapper aux images déjà vues du Pantanal. En regardant le paysage très attentivement, profondément et en harmonie avec lui, je me suis laissé enveloppé et imbibé de cette fluidité, de ces combinaisons de couleurs absolument incroyables, de transparences, de reflets et d’immensités horizontales, avec leurs transitions entre la terre sèche, humide ou immergée et les lagons et les lits de rivières. J’ai également beaucoup travaillé l’exposition à des lumières hautes ou très brillantes directement contre les reflets « , explique le photographe qui prépare un livre sur la série, avec la conception et la mise en page de Kiko Farkas, ainsi qu’un documentaire réalisé par Jorge Bodanzky.

Caretas de Maragojipe (Visages grimaçants du Maragojipe)

Véritable sacre de la culture populaire de Maragojipe (BA), dans « Caretas de Maragojipe », Farkas témoigne de la créativité et de la résistance culturelle qu’il a rencontrées lors de plusieurs visites de cette ville. « C’est un recueil pur et en mme temps très puissant », explique-t-il.

Au lieu de motifs de couleurs importés reproduisant des modèles chromatiques qui, à son avis, ne correspondent pas à l’histoire du peuple brésilien, Joao Farkas a préféré suivre la ligne d’une tradition liée à l’art que les rues du Brésil inventent et réinventent, une liberté séculaire avec des racines africaines que Pierre Verger et Marcel Gautherot représentèrent à travers de nombreuses nuances de gris. Sauf que Farkas a choisi le chemin des couleurs.

« Je crois qu’aucun peuple au monde ne possède l’intimité et la liberté chromatique du Brésilien. Je ne sais pas si cela vient de la lumière, des couleurs du ciel, des arbres, du fruit ou du mélange Peut-tre du fait que nous avons cette innocence culturelle, cette acceptation pour ce qui est simplement beau et qui nous entoure, et pour ce qui est autre, différent et provoque la réflexion. Je pense que personne n’est aussi intime et familier dans l’appropriation de l’infinie palette qui s’offre à nous. »

Cet essai a également donné lieu à un livre : « Caretas de Maragojipe » (Ed. Martins Fontes / 2018) comprend un texte du conservateur et critique d’art Agnaldo Faria sur la question de l’art et de la créativité en dehors des milieux « cultivés ». Le livre a été lancé à l’occasion de Paris Photo 2018.

Dates

Mai 23 (Jeudi) 10 h 00 min - Juillet 12 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie de l’ambassade du Brésil

350, Avenue Louise 1000 Bruxelles

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