Name: Face à Face
Start: 2020-2-25T11-11-00-00
End: 2020-7-26T19-19-00-00
Location: Fondation Henri Cartier Bresson

Egalité

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mar25fev(fev 25)11 h 00 mindim26jul(jul 26)19 h 00 minFace à FaceMartine FranckFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Le portrait, c’est toujours une nouvelle rencontre. Avant la prise de vue, j’ai le trac, puis peu à peu les langues se délient. Ce que je cherche à capter c’est la lumière dans l’œil, les gestes, un moment d’écoute ou de concentration – lorsque précisément le modèle ne parle pas. » Martine Franck

La Fondation HCB consacre une exposition aux portraits de Martine Franck (1938-2012) dans la galerie dédiée à ses Collections.

Pour celle qui croyait par-dessus tout à la bienveillance, le portrait se caractérise surtout par un regard direct, l’empathie pour la personne ainsi qu’une admiration sincère. Rien n’est plus étranger à Martine Franck que l’artifice de la pose. Son « regard amical », ainsi qualifié par Robert Doisneau, a su se poser sans détours sur nombre de ses semblables.

Photographe engagée, elle souhaite voir la réalité en face, celle de l’âge, celle des exclus, celle des artistes, et mettre en lumière un moment d’échange subtil : les portraits de Martine Franck lui ressemblent. Ces quelques « face à face » s’inscrivent sobrement dans le temps et distillent la plastique discrète d’un regard attentif et pénétrant.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique

Biographie
Martine Franck naît en 1938 à Anvers. Elle découvre la photographie en 1963, au cours d’un voyage en Orient avec Ariane Mnouchkine. Elle épouse Henri Cartier-Bresson en 1970 et intègre la même année l’agence Vu. Elle co-fonde l’agence Viva en 1972 puis intègre Magnum Photos huit ans plus tard. En 2003, elle créé la Fondation HCB avec son mari et leur fille Mélanie. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective présentée du 6 novembre 2018 au 10 février 2019 à la Fondation HCB, coproduite avec le Musée de l’Élysée à Lausanne et présentée au FotoMuseum à Anvers du 30 octobre 2020 au 7 mars 2021.

Dates

Février 25 (Mardi) 11 h 00 min - Juillet 26 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

Calendrier GoogleCal

ven12jui(jui 12)14 h 00 mindim06sep(sep 6)19 h 00 minRuskaïaLuc Choquer & Sergey NeamoscouLa Galerie Rouge, 3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Espace principal, Luc Choquer et Sergey Neamoscou

L’exposition Ruskaïa, propose un dialogue entre le regard d’un photographe français sur la Russie des années 1980-90 et celui d’un artiste russe, né à Moscou à l’époque où Luc Choquer photographiait la Russie, sur la France d’aujourd’hui.
Ruskaïa, extrait de la série éponyme de Luc Choquer, qui a exploré la Russie entre 1988 et 1991 au moment de la Perestoïka, raconte un pays en mouvement en particulier à travers des femmes, emblèmes d’une jeunesse en renaissance. Pour ce travail constitué de tirages d’époque, Luc Choquer a reçu le prix de la Villa Médicis hors les murs, ainsi que le prix Niépce (1992). Cette série a également fait l’objet d’un ouvrage publié aux Éditions Marval sous le même titre et a donné lieu à des expositions en France, à Moscou et à San Francisco.
Sergey Neamoscou, né à Moscou en 1981, au moment où Luc Choquer s’est intéressé à son pays, est arrivé en France à 18 ans. Depuis ce jour, il parcourt les rues avec son appareil photographique pour y capturer des moments de grâce et de poésie.
Ses photographies de la France, réunies dans sa série Le temps suspendu, proposées ici en dialogue avec celles de Luc Choquer, sont empreintes d’un regard pictural, inspiré par la peinture et l’aquarelle. L’utilisation d’anciennes pellicules renforce ce rendu entre impressionnisme et réalisme où l’onirisme triomphe.

Photo : © Luc Choquer, Ruskaïa

Dates

Juin 12 (Vendredi) 14 h 00 min - Septembre 6 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

La Galerie Rouge

3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 Paris

La Galerie Rouge3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisOuvert du Jeudi au Dimanche de 14h à 19h. Matinées sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

sam08fev(fev 8)15 h 00 minsam11jul(jul 11)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles RoudièreGalerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Juillet 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

Calendrier GoogleCal

jeu25jui(jui 25)10 h 00 minsam05sep(sep 5)20 h 00 minLa VagueSarah WittPoltred, La Maison des Photographes, 54 Cours de la Liberté 69003 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Immergé dans l’eau, la perception du temps n’est plus la même. Les repères disparaissent, le temps s’étire à mesure que l’horizon s’étend et que l’on s’éloigne du monde des hommes.

Déconnectés des téléphones, des réseaux, du flux incessant des informations qui saturent nos esprits, la pensée peut enfin suspendre sa course folle et cesse de se dérober à nous pour se concentrer sur un point unique : la vague.

Symbole de l’instant présent, éphémère et infini à la fois, la vague se saisit. Le surf apparait alors comme une philosophie. Alliance du corps et de l’esprit pour ne pas se faire emporter mais porter, par la puissance des éléments.

Attendre la vague est un art de la patience. Apprendre le rythme des marées, apprivoiser le mouvement des rouleaux pour reconnaître la bonne vague. En scrutant l’horizon, on la voit prendre forme, s’avancer face à nous de manière hypnotique, nous rendant minuscule, goutte d’eau dans l’océan. Face à l’immensité, on apprend à se lancer avec courage au bon moment, ni trop tôt, ni trop tard, juste à temps. Chaque vague, comme chaque instant, est unique.

Le surf est cette rencontre éphémère de plusieurs paramètres tous liés les uns aux autres. Le lieu, le temps, l’action. Etre et agir au bon endroit, au bon moment. Faire corps avec l’environnement. Saisir l’opportunité d’exister. La joie est profonde, intense. Pour beaucoup, le surf est un remède, un refuge, un exutoire face aux agitations du monde.

La temporalité de la photographie argentique rejoint celle du surf. Là aussi, il faut savoir saisir l’instant plus que jamais, capturer le bon moment, LA vague… et puis se couper à nouveau du monde, et voir les vagues réapparaître peu à peu dans l’espace confiné de la chambre noir.

Par Florence Croizier

Dates

Juin 25 (Jeudi) 10 h 00 min - Septembre 5 (Samedi) 20 h 00 min

Lieu

Poltred, La Maison des Photographes

54 Cours de la Liberté 69003 Lyon

Calendrier GoogleCal

sam07mar(mar 7)10 h 30 minsam20jui(jui 20)19 h 00 minEgo sumDenis FelixGalerie PARALLAX - Créations photographiques, 3 rue des Epinaux 13100 Aix en ProvenceType d'événement:Exposition,Photographie

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