Name: The Sheen, the Shine
Start: 2019-1-18T14-14-00-00
End: 2019-3-2T18-18-30-00
Location: Galerie Xippas Genève

Prix

#Commandes #Prix

Ambroise Tezenas & Frederic Delangle sont les premiers lauréats du Ooshot Award

Le Ooshot Award, qui récompense la photographie de commande, a été lancé cette…

#Espace #Femmes Photographes #Identité #Maghreb #Prix

Camille Szklorz, lauréate du Prix Mentor 2018

La soirée de Remise du Prix Mentor 2018 s’est déroulée à la SCAM…

#Prix #Residence #Sciences #Toulouse

Lauréats de la Résidence 1+2 « Photographie & Sciences » pour l’année 2019

Les noms des trois photographes lauréats viennent d’être annoncés pour la participation…

#Leica #Photographie Documentaire #photojournalisme #Prix

Stéphane Lavoué, À Terre

Stéphane Lavoué est un photographe français, il vient tout juste d’être finaliste…

#Photographie Documentaire #photojournalisme #Prix #Racisme

The Past is Never Dead de Mark Peterson
Série primée à la Bourse W. Eugene Smith 2018

Cette semaine, nous vous présentons la série photographique de Mark Peterson récemment…

#Académie #Femmes Photographes #Indochine #Marguerite Duras #Prix

FLORE remporte la 12ème édition du Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière

Ils étaient 4 finalistes en lice pour devenir le lauréat de cette…

#Afrique du Nord #Mécénat #Prix #Recherche

Pierre Guivaudon, lauréat de la Bourse de recherche Louis Roederer 2018

La Bourse de recherche Louis Roederer pour la photographie a été attribuée à Pierre…

#Guerre #Irlande du Nord #Leica #photojournalisme #Prix

Stephen Dock, Architecture of Violence
L’Irlande du Nord sous tension

Stephen Dock est un photojournaliste français, il vient d’être nominé au Prix…

#édition #Prix

Les éditions Textuel récompensées au Prix Nadar pour « The Train »

L’édition 2018 du Prix Nadar Gens d’Images a été remis hier soir…

#Académie #Exposition #Femmes Photographes #Île-de-France #Paris #Prix #Sibérie

Claudine Doury, lauréate 2017 du Prix Marc Ladreit de Lacharrière, exposée à l’Académie des beaux-arts

En 2017, Claudine Doury remporte le Prix de Photographie Prix Marc Ladreit de…

jeu01nov0 h 00 min2019jeu31jan(jan 31)23 h 59 minALL ABOUT PHOTO AWARDS 2019 - The Mind's Eye Organisateur: All About Photo Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

La quatrième édition du concours All About Photo Awards invite les photographes du monde entier à livrer leurs émotions visuelles.

Prix:
Grand prix: $5,000
2eme prix: $2,000
3eme prix: $1,500
4eme prix: $1,000
5eme prix: $500

Tous les gagnants auront leur travail publié dans les magazines Dodho, Be-Art Magazine et All About Photo. Leur travail sera également projeté sur des écrans via la technologie Daylighted dans une exposition itinérante aux Etats Unis. Les 40 photographes sélectionnés auront également leur image gagnante publiée dans le magazine AAP Magazine, dans le numéro Special « All About Photo Awards 2019 »

Certains participants ayant été remarqués par les membres du jury auront également leur travail exposé en ligne sur le site All About Photo et figureront dans les expositions digitales de Daylighted.

Vous pouvez télecharger le Press Release (en anglais ): HERE

MEMBRES DU JURY |

John Rankin: Photographer, Publisher and Film Director.
Elisabeth Avedon: Photography book and exhibition designer, independent curator and writer.
Henry Horenstein: Photographer, Professor of photography at RISD.
Laura Geiser: Senior Photo Editor, Buzz Feed News.
Alex Cammarano: Founder and CEO of Daylighted.
Anna Van Lenten: Founder & director at LightField, curator at Half King Photo Series.
Tariq Zaidi: Photographer, Winner All About Photo Awards 2018.
Ann Jastrab: Editor-in-Chief, All About Photo, Curator, Writer & Educator.
Maxim Panés: Founder & Director Dodho Magazine.
Sandrine Hermand-Grisel: Photographer, Founder & Editor All About Photo.

ACCEPTANCE | AWARDS

Up to 50 images. Photographs will be judged individually and not as a unified group of photos.

1er prix:
US$5,000 cash
Titre: All About Photo Photographer of the Year
Interview exclusive et portfolio publié sur All About Photo
Interview exclusive dans Be-Art Magazine
Interview exclusive et portfolio publié sur Dodho.com
10 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019 »

2eme prix:
US$2,000 cash
Portfolio publié sur All About Photo
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019 »

3eme prix:
US$1,500 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

4eme prix:
US$1,000 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

5eme prix:
US$500 cash
Image gagnante publiée sur Dodho.com avec biographie
5 photos seront projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis
Travail exposé dans la Gallerie des gagnants sur le site All About Photo
Image gagnante publiée dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

Places 6 à 36:
Photographies sélectionnées projetées lors d’une exposition itinérante sur les écrans Daylighted en 2019 aux Etats Unis.
Image publiée dans un article sur Dohdo.com et dans le magazine papier AAP Magazine Edition Speciale « All About Photo Awards 2019

Certains participants ayant été remarqués par les membres du jury auront également leur travail exposé en ligne sur le site www.all-about-photo.com et projetés lors de l’exposition itinerante aux Etats Unis.

ENTRY FEE | $30.00

$30 (US Dollars) for the 3 first images. $5 (US Dollars) for each additional image. Payment is accepted by Credit / Debit Card through our secure online submission site or via PayPal.

USE RIGHTS

Artist retains all copyrights to their own images. The artist’s name and photo title will be included wherever the photographs are displayed.

Dates

Novembre 1 (Jeudi) 0 h 00 min - Janvier 31 (Jeudi) 23 h 59 min

Organisateur

All About Photocontact@all-about-photo.com

Calendrier GoogleCal

ven18jan(jan 18)14 h 00 minsam02mar(mar 2)18 h 30 minThe Sheen, the ShineMatthew PorterGalerie Xippas Genève, Rue des sablons 6, 1205 GenèveType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Xippas est heureuse de présenter pour la première fois en Suisse, une exposition du photographe new-yorkais Matthew Porter. Empreint d’une esthétique avant-gardiste, Matthew Porter expérimente le medium photographique entre anciennes et nouvelles technologies, afin d’explorer les possibilités infinies de manipulation et de construction de l’image.
Matthew Porter fait partie de ces artistes contemporains qui ont décidé de repousser à leurs limites les définitions et catégorisations de l’Art traditionnel. En utilisant principalement la photographie argentique à l’ère du numérique, il affirme une certaine logique dans sa démarche artistique, lui conférant un regard des plus singuliers. C’est en s’affranchissant du leitmotiv traditionnel de suspension du temps de la photographie qu’il décide de construire ses images. Il ne cherche pas à saisir l’instant, mais au contraire, à révéler l’aboutissement d’un long processus de création et de révélation. Il explore alors les techniques et les possibilités qu’offre la photographie afin de la manipuler toujours un peu plus.

L’utilisation de la photographie argentique est ainsi indispensable à son processus de création. Dans les images de Matthew Porter, le film de la pellicule est le support même de la construction de l’image, comme une toile le serait pour un peintre.
Sa matière fait d’elle un objet physique, palpable, supposant des expérimentations infinies. Le support de la pellicule, puis le support du tirage photographique permettent manipulations, montages, découpages, expositions multiples, superpositions, constructions. De la pellicule au tirage, la photographie est un espace de possibles qui mérite d’être exploré tant par le regard que par la main de l’artiste. Car la main de Matthew Porter investit littéralement l’image. Ces gestes, puisqu’ils engagent la main, le corps, sont des actions purement artistiques venant accorder à la photographie une dimension tout à fait nouvelle.
L’espace pictural n’est alors plus une, mais plusieurs histoires agencées, modifiées, ajoutées. Une démarche permettant à cette photographie d’adopter un nouveau langage visuel où différentes narrations, souvenirs, mémoires et réalités se retrouvent au sein d’un seul et même cadre.

La surface sensible de l‘émulsion du négatif photographique est ainsi le point de départ de toutes ces expérimentations. C’est dans sa matière que l’image se révèle, par une action indispensable à la naissance de toutes photographies, une unique inscription dans sa matière : celle de la lumière.

Le titre de l’exposition « The Sheen, The Shine », littéralement : « l’éclat, la brillance », révèle à lui seul l’importance de la lumière dans les photographies de Matthew Porter. L’éclat : ce qui se reflète, réagit, et la brillance : ce qui illumine, sont les deux actions lumineuses exprimées dans les deux séries présentées dans l’exposition. Si la lumière permet à toute image d’exister en premier lieu, ici, Matthew Porter pousse ce principe à son paroxysme en usant de la lumière pour montrer le monde autrement. Elle est l’élément composite de toutes ses images, c’est elle qui donne le ton et qui va venir guider toutes ses expérimentations. Chez lui, tel un sculpteur, la lumière creuse, s’enfonce, jaillit, fait apparaître un relief, définit des espaces, des pleins et des vides, des volumes.

La première salle de l’exposition présente une série de photographies où figurent des compositions de matériaux à même le sol. Ces photographies ont été réalisées dans le studio de son père, un sculpteur qui a été marqué par les influences modernistes. Ces images ont pour objet le débris de fabrications de ses oeuvres, des « restes » de matériaux inutilisés, qui reprennent vie derrière l’objectif. Ces constructions sont d’abord mises en scènes, puis composées par le medium photographique à l’aide d’expositions multiples. La lumière vient éblouir ces matériaux, son éclat réagissant différemment sur chaque matière : un miroir nous reflète un hors-champ quasi invisible, un métal blanchi nous éblouit, et ses ombres noires viennent créer des zones de vide absolu, une sorte de vertige dans l’image. L’action de la lumière qui se reflète à leur surface nous emmène dans une mutation des objets, vers un imaginaire nouveau, comme des villes utopiques ou des constructions du Bauhaus. Ces constructions picturales rappellent aussi l’esthétique cubiste de Braque ou de Picasso, venant en quelque sorte créer une boucle temporelle.
Matthew Porter met en lumière cette esthétique signant le début de la modernité en peinture, tout en le révélant avec le medium le plus moderne qui soit : la photographie. C’est ainsi qu’il confère un double hommage à l’histoire de l’art : celui de la sculpture, et celui de la peinture. C’est ce dialogue des techniques qui révèle une dialectique entre modernité et tradition, et qui délivre à tous les médiums artistiques un hommage esthétique évident.

La deuxième salle d’exposition présente une constellation d’une trentaine d’oeuvres de nature, de portraits ou de paysages.
Ces photographies composites englobent plusieurs temporalités, comme une véritable poésie du quotidien ouest-américain de Los-Angeles, une ode à un univers personnel de l’artiste. Ces images, réalisées à partir de manipulations photographiques et d’explorations stylisées de la lumière et de la couleur, nous emmènent vers un ailleurs. Ici, la lumière brille, illumine, parfois tellement que le sujet disparait dans une sorte d’abstraction lumineuse et colorée. Dans un sens, ces photographies libèrent le spectateur d’un regard contraint par l’histoire de l’art pour entrer dans une dimension plus nostalgique. Ces images, entre références historiques et sensibilité moderne, nous forcent à penser au résultat de l’image et ce qu’elle représente au sens figuratif, plutôt qu’à penser à la photographie en tant qu’oeuvre concrète. Seule une sorte de fil narratif tissé discrètement se fait ressentir. Matthew Porter cherche à nous raconter une histoire, ou mieux, souhaite que nous développions nous-mêmes, à partir de ses oeuvres, des histoires intimes faites de sensations et d’interprétations mêlées.
C’est ainsi que les images de Matthew Porter se contemplent plus qu’elles ne se regardent. Se ressentent plus qu’elles ne s’observent. Chacune des photographies raconte une histoire à sa manière que le spectateur est libre de s’inventer, guidé par une seule et même trame narrative : la lumière, sa brillance, son éclat.

Matthew Porter est né en 1975 à State College en Pennsylvanie aux Etats-Unis. Diplômé du Bard-ICP en 2006, il a depuis participé à de nombreuses expositions institutionnelles : «After Photoshop» au Metropolitan Museum of Art (New York, 2012), «Perspectives 2010» au Centre international de la photographie (New York, 2010). Récemment, il a pris part à des expositions collectives au George Eastman Museum de Rochester (New York, 2016), au Fotografiemuseum (Amsterdam, 2014). En France, son travail a été montré dans l’exposition « Autophoto » à la Fondation Cartier (Paris, 2017). Sa première monographie « Archipelago » a été publiée par Mack Books en 2015. Son travail fait partie de la collection permanente du Metropolitan Museum of Modern Art, (New York). En 2016, Matthew Porter a été invité par la maison Christian Dior à concevoir le design pour une ligne de sacs et d’accessoires pour le projet Dior Lady Art. Matthew Porter est représenté par les galeries M+B à Los Angeles, Invisible Exports à New York et Xippas.

Dates

Janvier 18 (Vendredi) 14 h 00 min - Mars 2 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Xippas Genève

Rue des sablons 6, 1205 Genève

Galerie Xippas GenèveRue des sablons 6, 1205 GenèveOuvert du mardi au vendredi 14h – 18h30, le samedi 12h – 17h et sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

mer09jan(jan 9)13 h 00 minsam23mar(mar 23)19 h 00 minNarcisseÉlodie GuignardLe Carré Amelot, 10 bis rue Amelot 17000 La RochelleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le poète Paul Celan écrivait « Il est grand temps que la pierre s’habitue à fleurir ». Le travail d’Élodie Guignard pousse à l’évidence sur des références poétiques et picturales et s’attelle à renverser le monde et ses histoires, fussent-elles fabuleuses.

L’eau d’un fleuve glisse sur des pierres plates auxquelles une Narcisse en tunique blanche s’accroche pour ne pas sombrer. Mais le grain de l’eau est céleste ; en fait de noyade, ne s’agit-il pas d’une chute vertigineuse ?

Et cette autre Narcisse en robe tout aussi blanche, les mains enfoncées dans l’humus et les lèvres peintes, entre-t-elle ou sort-elle de l’eau ? Ses yeux retournés signifient-ils qu’elle s’en tire ou qu’elle s’enfonce ?

Derrière elle, un fond de branches et de nuages, jusqu’à ce que… renversement de perspective : l’œil comprend l’effet de bascule, le décor n’est que reflet dans le fleuve.

Élodie Guignard photographie magnifiquement le ras du sol, le ras du ciel, le ras de l’eau ; toutes les petites décompositions végétales, minérales ou aquatiques : les brins, les gouttes, les fragments, les taches, les plis, les touffes. Ce qu’on écrase avec les pieds, ce qu’on essuie d’un revers de main devient le théâtre magique, herbeux et humide, de ses reconstitutions.

Caroline Ibos

Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles avec les félicitations du jury, Élodie Guignard, photographe, vit et travaille entre Rennes et Paris. Elle développe une recherche photographique sur l’humain, le corps et le territoire. Aussi, que ce soit dans les séries bretonnes, où elle met en scène de jeunes gens dans la nature, dans les séries indiennes où elle fait poser les habitants d’un village, à la frontière du Bangladesh, où lorsqu’elle photographie des compagnons d’Emmaüs dans des costumes fantasques, il s’agit toujours de transfigurer le réel et nous plonger dans un temps arrêté, imaginaire et imaginé.

Pour la seconde année, et dans un souci d’accessibilité, le Carré Amelot ouvre ses portes au public Sourd en proposant des rencontres avec les artistes et des visites commentées, interprétées en LSF.

Dates

Janvier 9 (Mercredi) 13 h 00 min - Mars 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le Carré Amelot

10 bis rue Amelot 17000 La Rochelle

Le Carré Amelot10 bis rue Amelot 17000 La RochelleEntrée libre et gratuite mardi, jeudi et vendredi de 13h à 19h, mercredi de 10h à 19h et samedi de 14h à 18h.

Calendrier GoogleCal

mar16oct(oct 16)11 h 00 min2019dim27jan(jan 27)19 h 00 minLa sélection de la RédactionPolitiques du visibleDorothea LangeJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n’ont jamais été exposées en France, l’exposition « Dorothea Lange. Politiques du visible » est articulée en cinq ensembles distincts. Ceux-ci mettent l’accent sur la force émotionnelle qui émane de ces photographies ainsi que sur le contexte de la pratique documentaire de la photographe. Plus d’une centaine de tirages vintage, réalisés de 1933 à 1957, sont mis en valeur par des documents et des projections qui élargissent la portée d’une œuvre déjà souvent familière au public grâce à des images emblématiques de l’histoire de la photographie comme White Angel Breadline (1933) et Migrant Mother (1936). Les tirages exposés appartiennent pour l’essentiel à l’Oakland Museum of California, où sont conservées les archives considérables de Lange, léguées par son mari Paul Schuster Taylor et sa famille.

À l’instar du célèbre roman de John Steinbeck paru en 1939, Les Raisins de la colère, l’œuvre de Dorothea Lange a contribué à façonner notre vision de l’entre-deux guerres aux États-Unis et à affiner notre connaissance de cette période. Mais d’autres aspects de sa pratique, qu’elle considérait comme archivistique, sont également mis en avant dans l’exposition. Resituant les photographies de Lange dans le contexte de son approche anthropologique, l’exposition offre au public la possibilité de comprendre que la force de ces images s’enracine également dans les interactions de la photographe avec son sujet, ce qui se manifeste à l’évidence dans les légendes qu’elle rédige pour accompagner ses photographies. Lange a ainsi considérablement enrichi la qualité informative de ses archives visuelles, produisant une forme d’histoire orale destinée aux générations futures.

En 1932, pendant la Grande Dépression débutée en 1929, Lange, observant dans les rues de San Francisco les chômeurs sans-abris, abandonne son activité de portraitiste de studio, la jugeant désormais inappropriée. Au cours de deux années qui marquent un tournant dans sa vie, elle photographie des situations qui décrivent l’impact social de la récession en milieu urbain. Ce travail novateur suscite l’intérêt des cercles artistiques et attire l’attention de Paul Schuster Taylor, professeur d’économie à l’université de Californie à Berkeley. Spécialiste des conflits agricoles des années 1930, et plus particulièrement des travailleurs migrants mexicains, Taylor utilise les photographies de Lange pour illustrer ses articles, avant que les deux ne travaillent ensemble à partir de 1935 au profit des agences fédérales instituées dans le cadre du New Deal. Leur collaboration durera plus de trente ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lange pratique sans discontinuer la photographie, documentant les problèmes majeurs de l’époque, notamment l’internement des familles nippo-américaines, les évolutions économiques et sociales imputables aux industries engagées dans l’effort de guerre, la justice pénale vue par le truchement du travail d’un avocat commis d’office.

Si les images emblématiques prises par Dorothea Lange durant la Grande Dépression sont bien connues, ses photographies des Américains d’origine japonaise internés durant la Seconde Guerre mondiale n’ont pas été publiées avant 2006. Présentées ici pour la première fois en France, elles illustrent parfaitement comment Dorothea Lange a créé tout au long de sa carrière des images aussi intimes qu’émouvantes visant à dénoncer les injustices et infléchir l’opinion publique.

Parallèlement aux tirages exposés, différents objets ayant appartenu à la photographe, notamment des planches-contacts, des carnets de notes prises sur le terrain et diverses publications, replacent son travail dans le contexte de cette période troublée. L’exposition du Jeu de Paume ouvre une nouvelle perspective sur l’œuvre de cette artiste américaine de renom, dont l’héritage demeure vivant aujourd’hui encore. Tout en soulignant les qualités artistiques et la force des convictions politiques de la photographe, elle invite le public à redécouvrir l’œuvre de Dorothea Lange et son importance capitale dans l’histoire de la photographie documentaire.

Dates

Octobre 16 (Mardi) 11 h 00 min - Janvier 27 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

Calendrier GoogleCal

mer16jan(jan 16)10 h 00 minlun29avr(avr 29)17 h 30 minMobile/ImmobileEt si demain on ralentissait ?Archives nationales Paris, 60, rue des Francs Bourgeois 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Depuis le début du XIXème siècle, l’essor de la vitesse puis la démocratisation de nos déplacements motorisés ont donné lieu à un véritable « tournant de la mobilité » : aujourd’hui, il est pratique courante de se déplacer et de voyager souvent, vite et loin.

L’exposition présentée aux Archives nationales par le Forum Vies Mobiles, think tank sur la mobilité du futur, propose d’explorer les manifestations de cette mobilité devenue centrale dans nos modes de vie et d’en interroger les futurs. Associant les regards d’artistes contemporains, de chercheurs en sciences sociales et le fonds des archives nationales, l’exposition Mobile/Immobile met en exergue l’ambivalence liée à nos déplacements, à la fois formidables sources de liberté (griserie de la vitesse, possibilité d’échapper à son milieu géographique ou de travailler en ville et de vivre à la campagne…) mais aussi d’aliénation (intensification du quotidien, injonction dans le monde professionnel…), de contrôles et d’interdictions (crise des migrants, accès au transports…) et de problèmes environnementaux (pollution, changement climatique…).

La mobilité des réfugiés par Ai Weiwei, le mystère de la fluidité des foules tokyoïtes par Sylvie Bonnot, le plan Voisin dessiné pour Paris par Le Corbusier revisité par Alain Bublex, l’éclatement de nos vies sociales par Laurent Proux, les paysages urbains pollués de Tim Franco, la vie des néonomades par Ferjeux Van der Stigghel, le temps ralenti par Marie Velardi… les visions singulières des artistes sur nos vies mobiles et sur des futurs utopiques ou dystopiques invitent à réfléchir à des modes de vie différents, des modèles alternatifs, et des possibles presque réels.

Le parcours imaginé avec Hélène Jagot (directrice du Musée de la Roche-sur-Yon) et François Michaud (conservateur au Musée d’art moderne de la Ville de Paris) rassemblent des propositions artistiques (photographies, objets, peintures, dessins, vidéos, installations, …) dont beaucoup sont issues des commandes lancées par le Forum Vies Mobiles, dialoguant avec les fonds des archives nationales portant sur la surveillance des mouvements humains et des publications scientifiques.

Issue de sept années de recherches art-sciences menées par le Forum Vies Mobiles, l’exposition Mobile/Immobile explore de façon historique, sensible et scientifique le présent, le passé et le futur de notre mobilité pour, in fine, ouvrir le débat et inviter le visiteur à imaginer des modes de vie plus désirés et plus durables.

LES ARTISTES :
Ai Weiwei
Alain Bublex
Caroline DelmotteCatherine Poncin
Claire Chevrier
Elinor Whidden
Ferjeux Van der Stigghel
Géraldine Lay
Gildas Etevenard
Groupe BP
Hans Haacke
Ishan Tankha
Jürgen Nefzger
Laura Henno
Laurent Proux
Marie Velardi
Marion Poussier
Olivier Culmann
Patrizia di Fiore
Sylvie Bonnot
Thomas Sauvin
Tim Franco
Wang Gongxin

Dates

Janvier 16 (Mercredi) 10 h 00 min - Avril 29 (Lundi) 17 h 30 min

Lieu

Archives nationales Paris

60, rue des Francs Bourgeois 75003 Paris

Archives nationales Paris60, rue des Francs Bourgeois 75003 ParisDu lundi au dimanche (fermé le mardi) En semaine: 10h00-17h30 / Samedi et dimanche : 14h00-17h30 Plein tarif : 8 €, tarif réduit : 5 € Métro : Ligne 1 et 11 Arrêt Hôtel de ville / Ligne 11 Arrêt Rambuteau

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