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Né un 16 mars : Bernardo Bertolucci

Le réalisateur et scénariste italien Bernardo Bertolucci fête aujourd’hui ses 77 ans. Il y…

Type d'événement

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Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven02oct(oct 2)9 h 00 minven20nov(nov 20)19 h 00 minLa sélection de la RédactionPrix Levallois 2020Galerie de L’Escale, 25 rue de la Gare 92300 Levallois Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition présentée à la Galerie l’Escale de Levallois du 2 octobre au 22 novembre 2020 présente le travail des trois photographes primés : Lionel Jusseret (France), Prix Levallois, Stanislava Novgorodtseva (Russie) Mention Spéciale et Işik Kaya (Turquie), Prix du Public.

Lionel Jusseret, Prix Levallois 2020
Lionel Jusseret photographie pendant près de huit ans des enfants atteints de formes graves d’autisme dans le cadre d’une association proposant une approche différente. Afin de ne pas les réduire à leurs troubles psychiques, il les photographie loin des murs des institutions. La série Kinderszenen est un voyage onirique, tantôt naïf, tantôt angoissant, souvent mystérieux, qui vous laisse découvrir seul à seul l’énigme de ces « gamins-là».
Le conte et le mystère contre l’enfermement et l’oubli.

Stanislava Novgorodtseva, Mention Spéciale 2020
Enfant, la Crimée m’a toujours paru être un lieu sacré et apolitique. C’était une île avec une mythologie particulière et des traces d’anciennes civilisations. C’est sur cette île que j’ai vu la mer pour la première fois. La péninsule de Crimée a forgé sa propre identité marquée par le brassage des populations.
En 1783, ce lieu constitué de différentes cultures et religions est devenu partie intégrante de l’Empire russe et connu de tous comme résidence du tsar. Après la création de l’URSS, la Crimée n’est plus un lieu de villégiature pour l’élite, mais une station balnéaire populaire. Après la chute de l’Union soviétique, cette péninsule est rattachée à l’Ukraine, puis en mars 2014 elle devient sujet de la Fédération de Russie. Depuis ces six dernières années, la Crimée est le centre de conflits politiques. Les sanctions et restrictions individuelles infligées à ses habitants ont accru le sentiment d’isolement. L’univers de mon enfance et la mythologie locale s’entremêlent aujourd’hui avec la réalité politique.

Işik Kaya, Prix du Public 2020
La première transformation d’une antenne-relais en un sapin factice a été réalisée en 1992 par Larson Camouflage : une entreprise qui travaillait pour Disney. Disney, et le terme “Disneyfication” qui représente une certaine tradition en sociologie, sont utilisés pour décrire la transformation de l’environnement en un grand spectacle pour le client. Jean Baudrillard a écrit dans son essai Simulation : « Disneyland est présenté comme étant imaginaire, pour nous faire croire que le reste est réel, alors qu’en fait tout Los Angeles et l’Amérique qui l’entoure ne sont plus réels mais de l’ordre de l’hyperréel et de la simulation ». L’observation de Baudrillard au sujet de la Californie nous oriente dans la direction de cette transformation et de ses effets sur notre perception. Les images de la série Second Nature nous montrent des antennes-relais déguisées en arbres pour se fondre dans les paysages de la Californie du Sud. Ces artefacts de l’ère numérique peuvent être décrits comme étant une «préférence de la société pour une harmonie “inauthentique“ plutôt qu’une réalité “déplaisante”» (Amy Clarke).

Dates

Octobre 2 (Vendredi) 9 h 00 min - Novembre 20 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie de L’Escale

25 rue de la Gare 92300 Levallois

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Galerie de L’Escale25 rue de la Gare 92300 LevalloisOuverture de 9 h à 19 h du lundi au samedi

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jeu17sep(sep 17)10 h 00 minven27nov(nov 27)18 h 00 minRencontres Photographiques de ViaSilva #3Galerie Net Plus, 60A rue de la Rigourdière 35510 Cesson-SévignéType d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

La 3e édition des Rencontres Photographiques de ViaSilva présente le travail de Mouna Saboni, photographe franco-marocaine et du mexicain Jeremias Escudero. En 2019, ils ont arpenté le territoire de ViaSilva (Rennes et Cesson-Sévigné -35)* munis de leurs appareils photo. Ils sont allés à la rencontre de ceux et celles qui y habitent depuis toujours et de ceux et celles qui le bâtissent aujourd’hui.
Ils livrent dans cette exposition le résultat de leur résidence artistique : deux oeuvres qui allient rêverie et écologie, deux nouveaux regards sur ce paysage en mutation.

Lauréats d’un appel à projet portant sur le thème « Durable, la ville en harmonie avec la vie, vivre sans hypothéquer le futur » Mouna Saboni et Jeremias Escudero ont livré deux oeuvres singulières, imprégnées de références culturelles et esthétiques lointaines.

Des photographies intimes et oniriques avec Mouna Saboni
Durant sa résidence, Mouna Saboni a pris le parti de la contemplation, de ce qui est promis à n’être plus.
La transformation du paysage et de l’environnement mène l’artiste à poser un regard à la fois fragile et onirique.

Au-delà d’une approche documentaire, elle se tourne vers la poésie et dévoile un travail sur la disparition.
Dans ses images, elle crée un espace imaginaire, avec des photographies couleurs, puis noir et blanc, très peu contrastées, aux échelles parfois trompeuses et instables. Des photographies silencieuses, où le temps semble être suspendu et les tas de terre déplacés par les engins se transforment en mont Atlas. La lumière prend une grande place et les couleurs pâles créent un ensemble doux, presque hésitant, pour donner corps à un projet en construction, mais encore invisible.

Le photographe Jeremias Escudero se met en scène dans ses images Mêlant photographie et pratiques performatives, Jeremias Escudero fait télescoper sa culture mexicaine avec le chantier colossal de ViaSilva. Depuis 2013, il réalise une série d’autoportraits appelée Le Cerf Bleu en référence à la cosmogonie Huichol. Durant sa résidence, Le Cerf Bleu a fait son irruption à ViaSilva.
Les pieds nus (et pas que !), le corps recouvert de peinture, feuillages et objets de récupération, ce personnage est mis en scène comme un esprit qui observe la métamorphose de son monde. Il en résulte un travail à la fois drôle et troublant, au croisement des traditions animistes, ancestrales et des comptes antiques des forêts bretonnes. Un travail subtil, qui met à l’honneur la nature et les ouvriers, les éléments naturels et la trame verte et bleue de ViaSilva.

L’implantation de l’exposition revue et les dates décalées

Initialement prévue fin mai et en plein air, l’exposition a subi les conséquences du confinement, elle est ainsi proposée aujourd’hui sous une nouvelle forme.
Environ 80 photographies sont réunies dans l’espace de la galerie Net Plus à Cesson-Sévigné, elles créent des dialogues et des correspondances formelles entre les oeuvres des deux artistes.

Deux livres monographiques, Ce que pensent les lierres de Mouna Saboni et De Agua de Jeremias Escudero accompagnent l’exposition. Ils sont publiés aux Éditions de Juillet et sont le 4e et 5e opus de la collection des Rencontres Photographiques de ViaSilva.

Depuis 2017, les résidences photographiques se succèdent à ViaSilva.
Leur objectif : garder un témoignage de l’évolution du paysage et révéler le territoire par un regard artistique qui s’alimente des récits et des rencontres humaines. Événement culturel rare, il inscrit l’art et la photographie au coeur même du projet de développement urbain et donne la possibilité à des artistes de développer un projet inédit sur des temporalités longues (entre 3 et 9 mois sur site).

ViaSilva est un projet de développement urbain, situé essentiellement sur la commune de Cesson-Sévigné, au coeur de la métropole rennaise et en partie sur les communes de Rennes et Thorigné-Fouillard. Il s’inscrit dans la continuité des quartiers d’habitat existants et de la Technopole Atalante Beaulieu, site stratégique de développement économique et d’enseignement supérieur.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva sont portées par l’association Les ailes de Caïus, en partenariat avec la SPLA ViaSilva et les Editions de Juillet. Elles sont entièrement financées par le Cercle des mécènes de l’association qui regroupe des acteurs économiques actifs sur le territoire.
Active à Rennes depuis 2009, l’association Les ailes de Caïus a pour objet le soutien et la promotion de la création artistique actuelle. L’association marque sa spécificité en favorisant la diffusion de l’art contemporain hors des circuits habituels, notamment au sein des entreprises mécène, de l’espace urbain et de l’édition.

La galerie d’art Net Plus
C’est le fruit d’une collaboration qui, depuis 10 ans, lie l’entreprise Net Plus et l’association Les ailes de Caïus. Ces années de collaboration ont permis d’aboutir en 2017 à un lieu de 340 m2 dédié à la création contemporaine. Installé au rez-de-chaussée du siège de l’entreprise, ouvert au public, il accueille 4 expositions par an. La programmation artistique et l’accueil des publics sont gérés par l’association. Ouverte à toutes et à tous, la galerie est située à Cesson-Sévigné, à proximité de Rennes. Espace inattendu au sein de l’entreprise, la galerie est un lieu de rencontre où se croisent visiteurs, collaborateurs, clients et partenaires.

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 10 h 00 min - Novembre 27 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Net Plus

60A rue de la Rigourdière 35510 Cesson-Sévigné

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dim27sep(sep 27)14 h 00 mindim13déc(déc 13)18 h 30 minLa Photographie à l'épreuve de l'abstractionExposition CollectiveCPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France, 107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Centre photographique d’Île-de-France (CPIF) associé au Fonds régional d’art contemporain (Frac) Normandie Rouen et à Micro Onde – Centre d’art de l’Onde, réalise un programme exceptionnel présenté simultanément dans les trois lieux : une exposition commune dédiée à la problématique de l’abstraction dans le champ de la photographie contemporaine.

La Photographie à l’épreuve de l’abstraction se propose d’explorer la force du lien renouvelé entre photographie et abstraction. Liée à l’évolution du statut de l’image comme à l’essor des nouvelles technologies depuis les années 80, une véritable tendance à l’abstraction parcourt aujourd’hui une pluralité de démarches évoquées en quatre volets complémentaires.

C’est une approche formaliste qui est proposée au CPIF et fait entrer le spectateur dans l’exposition par la couleur. Ainsi, l’accrochage prend notamment comme matrice la décomposition chromatique du spectre lumineux, qui aura animé les chantres de l’Abstraction picturale au début du XXe siècle, pour aborder les stratégies formelles des artistes qui, fascinés par la lumière, renouvellent leur rapport au visible. Les artistes mobilisent tout autant les techniques issues de l’ère numérique que les manipulations argentiques plus anciennes et rivalisent d’inventivité protocolaire pour développer un nouveau vocabulaire. Surfaces, volumes, espaces et couleurs captés deviennent les objets, souvent ambigus, de compositions aux rendus abstraits. D’autres œuvres restituent le seul jeu de la lumière, de la chimie et du support, et prennent des formes sculpturales ou installatives opérant un déplacement de la notion et du statut de l’image.

À Micro Onde, c’est l’approche résolument expérimentale et matériologique de la photographie qui est développée. L’exposition prend pour ancrage l’activité photographique du célèbre dramaturge suédois August Strindberg – dont l’étude de cristaux et de ciels nocturnes a donné lieu à ses célèbres Cristallographies et Celestographies ou photogrammes – pour sonder des pratiques artistiques contemporaines qui explorent la matérialité de l’image, l’imagerie scientifique tout autant qu’un autre rapport au paysage. Plus les artistes investiguent le monde physique, plus la représentation s’efface et cède la place à l’abstraction.

Au Frac Normandie Rouen, trois aspects sont développés. Un premier temps s’intéresse à un abord quasi archéologique de la photographie, de ses composantes scientifiques jusqu’à l’apparition d’une iconographie propre à la photographie argentique. Un deuxième axe rassemble, par contraste, des artistes dont la quête d’abstraction passe avant tout par des approches faisant appel à des procédés technologiques parfois complexes. Les techniques liées aux modes d’impression divers comme la création de programmes informatiques performants permettent alors de développer un nouveau langage, sans plus aucun référent apparent au monde matériel. Un troisième temps enfin, aussi présent au CPIF, met en valeur des stratégies ouvertement formelles, jouant autant sur le prisme, la sculpture que l’architecture, et ménage des jeux sur la surface et l’espace.

À travers tout un vocabulaire de formes les artistes développent une réflexion autant sur la notion de réel que sur les mécanismes de production d’image, sur son éventuelle redéfinition, voire sur sa potentielle « sortie ».

L’exposition rassemble le travail d’artistes de la jeune génération tel•le•s
Anne-Camille Allueva, Pauline Beaudemont, Matan Mittwoch, Constance Nouvel, Aurélie Pétrel, Sarah Ritter ou Laure Tiberghien ainsi que celui d’artistes majeurs et incontournables dans le champ de la photographie contemporaine tel•le•s Liz Deschenes, Stan Douglas, Paul Graham, Barbara Kasten, Zoe Leonard, Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans et James Welling. Ce répertoire riche invite à questionner les potentielles filiations artistiques mais aussi à mettre en avant la singularité des pratiques de la jeune génération aux protocoles de plus en plus complexes.

Un ouvrage bilingue français/anglais aux éditions Hatje Cantz prolongera cette exposition et réunira des réflexions, des textes fondateurs et des essais originaux de spécialistes.

Avec les œuvres de Anne-Camille Allueva, Driss Aroussi, Mustapha Azeroual, Eric Baudart, Camille Benarab-Lopez, Jesús Alberto Benítez, Walead Beshty, Juliana Borinski, Broomberg & Chanarin, Michel Campeau, David Coste, Philippe Durand, Nicolas Floc’h, Marina Gadonneix, Jean-Louis Garnell, Isabelle Giovacchini, Lukas Hoffmann, Karim Kal, Anouk Kruithof, Isabelle Le Minh, Chris McCaw, Constance Nouvel, Aurélie Pétrel, Diogo Pimentão, Sébastien Reuzé, Evariste Richer, Meghann Riepenhoff, Alison Rossiter, Doriane Souilhol, Hiroshi Sugimoto, Thu-Van Tran, Laure Tiberghien et James Welling.

Aussi :

La Photographie à l’épreuve de l’abstraction

Dates

Septembre 27 (Dimanche) 14 h 00 min - Décembre 13 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France

107 Avenue de la République, 77340 Pontault-Combault

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultDu mercredi au vendredi de 13h à 18h. Les samedis et dimanches de 14h à 18h. Autres créneaux horaires sur rendez-vous. Entrée libre

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ven09octdim01novVannes Photo Festival 2020 Organisateur: Vannes Photo Festival Type d'événement:Exposition,Festival

Détail de l'événement

L’an 2000 a 20 ans… Au-delà du cap, c’est tout un concept empreint d’un imaginaire fort qu’il véhiculait. Il était attendu riche en découvertes, en évolutions technologiques, et en incontestables progrès humains. 20 ans après, bien que les nouvelles technologies se soient répandues dans nos quotidiens, les voitures volantes n’ont pas envahi nos rues. La révolution n’aura pas été celle imaginée et c’est l’urgence climatique qui fait la une des journaux. Faut-il être pessimiste pour autant ?
Au terme de ce vingtième anniversaire, ne sent-on pas poindre de nombreuses prises de conscience tant écologiques que sociétales ? A travers cette sélection, le Festival entend dresser un état des lieux du monde, non exhaustif et totalement subjectif. Il se veut à la fois réaliste, mais aussi incisif, et parfois inattendu.
Les photographes interpellent le lien à un territoire, à une communauté, le souci écologique, ou encore la place des nouvelles technologies et des avancées scientifiques dans nos quotidiens.
L’indicible côtoie l’espoir, l’obscurité rencontre la poésie et la nature reprend ses droits…

Dominique Leroux
Directeur artistique du Festival

Dates

Octobre 9 (Vendredi) 10 h 00 min - Novembre 1 (Dimanche) 19 h 00 min

Organisateur

Vannes Photo Festivalcontact.evenementiel@mairie-vannes.fr Place Maurice Marchais - BP 509 56019 Vannes Cedex

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ven02oct(oct 2)13 h 30 min2021dim10jan(jan 10)18 h 30 minParis années 50Frank Horvat Maison de la Photographie Robert Doisneau, 1, rue de la Division Général Leclerc 94250 GentillyType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Au début des années 1950, Frank Horvat est alors un jeune photographe qui navigue dans les différentes sphères du métier. Tour à tour reporter, illustrateur et bientôt photographe de mode reconnu, il refuse dès cette époque de choisir, de se limiter à une spécialité ou de s’enfermer dans un genre. C’est donc avec un certain goût pour l’expérience et une curiosité aiguisée qu’il déambule dans Paris, la ville où il a choisi de s’installer. Cette exposition présente ainsi deux séries réalisées durant la même décennie avec la capitale pour toile de fond ou pour sujet et qui révèle la large palette expressive maîtrisée par le photographe dès ses débuts.

Le premier ensemble d’images, qui pourrait s’apparenter à une forme documentaire, montre un Paris de nuit, fait de night-clubs et de cabarets fréquentés par les touristes étrangers en quête de strip-tease à la française. En réalisant ses premières prises de vues, Frank Horvat ne souhaite pas en faire le thème d’un travail au long cours mais répond simplement à la commande d’un magazine américain. S’il photographie le spectacle et le public du Sphinx à Pigalle, son culot l’introduit rapidement derrière le rideau où il rejoint les danseuses dans leurs loges. Ces instantanés, pourtant réalisés dans une certaine hâte, nous plongent dans une promiscuité intime où les corps dénudés se laissent approcher pour un instant de pose et où les regards complices croisent volontiers ceux du jeune photographe. Quelques années plus tard, cette série ainsi que d’autres clichés (pris au Crazy Horse notamment) font l’objet d’une publication intitulée J’aime le Strip-Tease.

La seconde série d’images exposée ici montre davantage un Paris au grand jour où s’affichent la physionomie, le dessin et même le « graphisme » de la ville ainsi que les mouvements qui l’animent. Frank Horvat utilise un téléobjectif pour réaliser certains de ses clichés qui, à l’époque, ne font pas non plus l’objet d’un thème spécifique.

De ce travail résulte des séquences étonnantes, riches de surprises formelles voire abstraites, où les plans impitoyablement martelés en aplats affirment les lignes, les contours et les matières des lieux ou des visages. À ravers cet ensemble, cette recherche esthétique libre, Frank Horvat dévoile sa vision de Paris faite à la fois d’individus, anonymes ou célèbres, de foules, de points de vue et d’ambiances insolites mais aussi de pauses et d’accélérations, de silences et d’effervescences.
Michaël Houlette

Dates

Octobre 2 (Vendredi) 13 h 30 min - Janvier 10 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Maison de la Photographie Robert Doisneau

1, rue de la Division Général Leclerc 94250 Gentilly

Maison de la Photographie Robert Doisneau1, rue de la Division Général Leclerc 94250 GentillyEntrée Libre. Ouvert du mercredi au vendredi : 13h30 - 18h30 et le samedi et dimanche : 13h30 - 19h Dermée les jours fériés

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