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Carte blanche à Sylvie Grumbach : Samuel Bollendorff

Pour sa troisième carte blanche notre invitée de la semaine, la fondatrice de…

jeu16jan(jan 16)11 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minGaudìEikoh HosoeGalerie Baudoin Lebon, 8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

«Pour moi la photographie peut être à la fois un enregistrement et un ‘miroir’ ou une ‘ fenêtre’ de l’expression de soi. L’appareil photo est en général supposé ne pouvoir décrire ce qui est invisible à l’œil et pourtant, le photographe qui le manie bien arrive à représenter ce qui reste caché dans sa mémoire.» Eikoh Hosoe

Grand nom de la photographie japonaise, Eikoh Hosoe à 83 ans, a su conserver intactes sa prolificité et son influence. Il débuta sa carrière en tant que photographe indépendant dès 1954 à sa sortie du Tokyo College of Photography. Il a été depuis, récompensé de la médaille spéciale lors du 150ème anniversaire de la Royal Photographic Society, il est également honoré au Japon du titre Personal of Cultural Merit, distinction attribuée aux influents de la culture japonaise.
Par un langage photographique dont le style novateur le place parmi l’avant-garde créatrice nippone, Eikoh Hosoe impose son empreinte grâce à une esthétique quasi baroque où le grain de l’image, les mises en scène et les contrastes originaux apparaissent réactionnaires face à une société japonaise autoritaire au sortir de la guerre.

De 1957 à 61, il forme avec les photographes Shomei Tomatsu, Ikko Narahara, Kikuji Kawada, Akira Sato et Akira Tanno, le collectif VIVO qui crée le mouvement «Ecole de l’image» dont l’ascendant marquera le style photographique japonais des années 60 et 70.
Inspiré par ses contemporains (Bill Brandt, Ansel Adams, Edward Winston), Hosoe traque le Beau. Cette quête perpétuelle s’accomplit dans la perception visuelle des nus, des scènes théâtrales qu’il élabore. Le corps devient une idée fixe pour lui, notion impensable dans une culture où le nu n’existe pas.
Cette exploration que Hosoe mène par la vision esthétique et contrastée des corps nous renvoie à une réflexion sur l’identité et le moi profond.
Hosoe développe un sens unique situé aux croisements de plusieurs formes d’art, combinant la photo avec le théâtre, la danse, le cinéma et l’art traditionnel japonais. A la fin des années 50, il commence à atteindre une certaine notoriété, grâce à sa série Man & Woman.
En s’entourant d’artistes influents il aborde les différentes formes d’art. Ainsi pour son ouvrage Kamaitachi il travaille avec Tatsumi Hijikata, danseur du théâtre butô et le construit comme un spectacle, pour l’album Barakei-Killed by Roses il collabore avec l’écrivain Yukio Mishima.
Grâce à la volonté d’un éditeur barcelonais de publier une version espagnole du livre Ba Ra Kei-Ordeal by Roses, le premier contact d’ Eikoh Hosoe avec les oeuvres de Gaudì se réalise.
Mais ce n’est que 13 ans plus tard, en 1977 qu’il commence à photographier le Parc Güell et La Familia Sagrada. Cependant, il ne saisit pas à ce moment l’esprit ni l’idéologie du créateur dans ces architectures, ni en 1978 lors de son 3ème shooting, c’est sans doute pour cela que son travail se poursuit jusqu’en 1984.
Hosoe n’a jamais photographié d’architecture au Japon. Il préfère les humains comme modèles mais chez Gaudì, les architectures ressemblent pour lui à des corps au fort potentiel sexuel. Les photographies d’architecture de Gaudì à Barcelone dont Hosoe ressent l’esprit zen, que l’on retrouve dans son ouvrage The Cosmos of Gaudì et présentées pour la première fois en France avec baudoin lebon, ne s’éloignent pas de cette recherche car le parti pris de ses perspectives orientées et engagées s’apparentent aux courbures d’un corps humain dont la profondeur en clair-obscur rappelle un spectacle de sons et lumière.

Dates

Janvier 16 (Jeudi) 11 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Baudoin Lebon

8, rue Charles-François Dupuis 75003 Paris

Galerie Baudoin Lebon8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisDu mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous

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jeu16jan(jan 16)13 h 00 mindim22mar(mar 22)18 h 00 minVoyez comme on danseArsenal de Metz, 3, avenue Ney 57000 MetzType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ephémère, la danse est par nature un art difficile à représenter. Si l’histoire de la danse nous a laissé de nombreuses traces visuelles, la frustration, souvent, l’emporte. Rendre compte de la chorégraphie, des gestes, de l’effort, des odeurs, du souffle, de la fragilité… Beaucoup d’artistes s’y sont essayés par la peinture et le dessin, la sculpture ou le cinéma. Mais comment saisir l’insaisissable ?

La photographie a été conçue pour enregistrer le réel et quel plus beau défi que tenter de capter l’éphémère ? Dès l’invention du médium, les photographes s’y essaient. Les premiers procédés peinent à rendre compte du dynamisme des spectacles de danse – le dessin reste le plus efficace. Mais à mesure que les techniques se perfectionnent, les photographes vont s’employer à accompagner les évolutions de la danse.
Ethnographique, documentaire, intime, « de plateau », expérimentale, plastique, l’approche des photographes est protéiforme. Avec la photographie, notre rapport au spectacle vivant se modifie profondément.

À partir des collections photographiques du musée Nicéphore Niépce, l’exposition
« Voyez comme on danse » présente une histoire – non exhaustive – de la danse par la photographie au cours du XXe siècle : des ateliers japonais produisant des clichés aquarellés sur papier albuminé aux commandes de Match et Harper’s Bazaar auprès du reporter Jean Moral, de Comoedia Illustrée au systématisme des reportages d’Arax, des expérimentations d’André Steiner aux jeux graphiques de Peter Knapp.

Sylvain Besson – Commissaire d’exposition

Dates

Janvier 16 (Jeudi) 13 h 00 min - Mars 22 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Arsenal de Metz

3, avenue Ney 57000 Metz

Arsenal de Metz3, avenue Ney 57000 MetzLa Galerie d'Exposition est ouverte du mardi au samedi, de 13h à 18h et le dimanche de 14h à 18h. Fermeture lundi et jours fériés.

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sam18jan(jan 18)15 h 00 minsam21mar(mar 21)18 h 30 minL'Île fauveMarine LanierGalerie l'Imagerie, 19, rue Jean Savidan 22300 LannionType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Marine Lanier développe une pratique photographique qui s’enracine dans la fable documentaire, déployant un univers visuel poétique qui mêle récits intimes
et mythologies collectives. Son exposition L’île fauve présente deux séries récentes, amples et qui se font écho : Le Soleil des loups (2018) et Le Capitaine de vaisseau (2014 – en cours).

Tout le monde sait que le bateau fuit
Tout le monde sait que le capitaine a menti
Everybody knows, Leonard Cohen

La maison éclate de lumière au milieu de la végétation. Elle est l’île fauve, le rocher vers lequel nous accostons tous les soirs. Le serpent est la frontière entre le monde des habitants, celui des villageois, des errants, des étrangers. Je garde de ce passé un mélange de géographie, de terres inexplorées, de franges noires et vertes, de navires qui accostent la nuit. Les tapisseries de l’étage sont gorgées d’eau. Mes yeux s’affolent au milieu du grand feuillage. Je ne trouve pas de sens à ce dessin. Je suis à l’intérieur d’un labyrinthe fait de branches, de lianes, de tunnels qui s’enfoncent dans la jungle. De grandes fresques habitent les murs — des photographies de bateau, de tempête, de naufrage, d’archipel, de palmiers. Des plantes que je n’ai jamais vues, vertes, jaunes, bleues s’entremêlent. Des bêtes se battent à l’intérieur de mon corps. J’entends les récits du Capitaine. J’ai le souvenir de soleils qui ne veulent pas s’éteindre — de l’océan. Quelque chose n’en finit pas de répéter le mouvement de l’onde.
L’île fauve se déplace sur un fleuve du sud, j’y retourne souvent, je revois en rêve les méandres du Mississipi — il y a l’ancienne pépinière où travaille mon père, sous les bâches, des plantes rouges, oranges, brulées, ramenées de l’ancienne Indochine, eldorado de mon enfance, traversé de faste et de déclin, de cercles et de chutes.
L’île fauve est habitée par deux frères. Ils vivent au-dessus du volcan. Ils descendent dans le feu. Ce sont les gardiens du sanctuaire. Ils se baignent dans les cavités. Ils consument leur regard aux météores. Ils escaladent le relief inversé. Ils dorment dans l’herbe des cratères. Ils s’abritent dans les grottes. La rivière est cachée sous les arbres. Ils grandissent sur le plateau de l’éclipse. Ils pêchent. Ils chassent. Ils creusent les chemins. Ils construisent des cabanes. Ils vivent au creux des observatoires. Ils capturent les salamandres. Le territoire leur appartient.
La lande est habitée par leur clan. Ils disparaissent dans les fougères, se cachent sous la lune – inventent des totems, recouvrent leur visage de suie – s’affrontent en duel. Les faux jumeaux meurent dans le soleil. Ils restent prisonniers au milieu des clairières. Ils accomplissent les rituels. Je connais leur royaume.
À la fonte des glaces, je déterre les racines sur l’île fauve. Je monte dans le canoë jaune. Je pagaie autour de la maison. Je m’étourdis dans le long serpent noir. Je longe les murs qui se fissurent. Je passe mes doigts dans les lézardes pour écarter les murs, découvrir d’autres pièces secrètes, d’autres escaliers qui descendent vers des plages noires recouvertes de pierres phosphorescentes qui mènent à la rivière. Je pagaie des heures, le dos droit, je vis parmi ces indiens d’Amérique qui connaissent par coeur les méandres, le réseau hydraulique tatoué sur leur dos — regardent les cartes comme des vaisseaux sanguins. Je vais jusqu’au rocher blanc, le plus haut point de la rivière. Je regarde l’ange noir plonger dans la nuit. Il connaît les algues qui se cachent sous la surface de l’eau. La lumière jaune des canoës apparait. Leur mouvement crée un sillage bleu dans l’eau noire. Une ombre un peu plus claire, moins dense que la nuit — long secret dans lequel je descends. Les lianes me frôlent. La nuit enveloppe mes mains — elle noue mes poignets au siens.
Marine Lanier

Née à Valence en 1981, Marine Lanier vit et travaille entre Crest et Lyon.
Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles en 2007, elle est représentée par la Galerie Jörg Brockmann à Genève. Elle expose
son travail en France et à l’étranger.
En 2019, elle est finaliste du « Prix de l’eau » de la Fondation François Schneidder (Watwiller). Elle est par ailleurs lauréate du Prix Unveil’d 2017 (Londres),
du Prix Fotofilmic 2016 (Vancouver), du Prix Arca Swiss 2007 (Genève) et du Prix Photographie Maison Blanche#3 dans le cadre de Marseille-Provence 2013.
Elle est sélectionnée pour les prix La Nuit de l’instant (Marseille), Les Boutographies (Montpellier), Descubrimientos, PHoto España (Madrid), Voies off (Arles), Encontros da imagem (Braga), First Book Award / Mack (Londres).
Elle a entre autres exposé à La Biennale de la Photographie de Mulhouse, au Chengdu Blueroof Art Museum (Chine), à la Samsøn Gallery (Boston), chez Théophile Paper’s (Bruxelles), la Galerie Mad, la galerie La Traverse, au Frac PACA (Marseille), à Itinéraires des photographes voyageurs (Bordeaux), au CAC Château des Adhémar (Montélimar), à la galerie Michèle Chomette (Paris), à l’Artothèque de Grenoble, durant le festival PhotoIreland (Dublin) et Jeune Création à la galerie Thaddaeus Ropac, à la Progress gallery (Paris), DNJ Gallery (Los Angeles, USA), Monash Gallery (Melbourne, Australie), Burrard Arts Foundation (Vancouver, Canada), Lux Scène Nationale (Valence), lors des 22ème Rencontres Photographiques en Pays de Lorient et à la galerie Jörg Brockmann (Genève).
En 2017, elle participe au projet AZIMUT du collectif Tendance floue, centré autour de la marche à travers le territoire français, prochainement édité aux éditions Textuel et qui sera présenté au Musée Nièpce de Châlons sur Saône et aux Photomnales de Beauvais.
Lauréate de la commande Flux, une société en mouvement, elle exposera également sa série Les Contrebandiers aux Photaumnales de Beauvais en septembre 2020 et intègre la collection du Centre national des arts plastiques (CNAP).
Sa dernière série, Le Soleil des loups, est exposée au Prix Voies Off (Arles), à l’Espace d’Art plastique de Vénissieux dans le cadre de Lyon Septembre de la photographie, à la foire d’Unseen (Amsterdam), à la Aff Gallery (Berlin), au 104 à Paris durant le Festival Circulations, à l’Hôtel Fontfreyde de Clermont-Ferrand, au Château d’Esquelbec à Lille, à la galerie Jörg Brockmann (Genève), durant le festival L’observatoire du grand est (Nancy).
Une monographie, Nos feux nous appartiennent, accompagnée par un texte de l’écrivain Emmanuelle Pagano, est publiée chez Poursuite (Arles-Paris) et éditions JB (Genève). Le Soleil des loups sera prochainement édité aux éditions Poursuite.

Dates

Janvier 18 (Samedi) 15 h 00 min - Mars 21 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie l'Imagerie

19, rue Jean Savidan 22300 Lannion

Galerie l'Imagerie19, rue Jean Savidan 22300 LannionD’octobre à juin : ouvert du mardi au samedi, de 15h à 18h30. Le jeudi : de 10h30 à 12h30 et de 15h à 18h30. En juillet, août et septembre : ouvert du mardi au samedi, de 10h30 à 12h30 et de 15h à 18h30. Sauf jours fériés. Entrée libre

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ven07fev(fev 7)9 h 30 minmer29avr(avr 29)18 h 00 minFluidités : L'humain qui vientExposition CollectiveFresnoy - Studio national, 22 Rue du Fresnoy, 59200 TourcoingType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition qui se tiendra au Fresnoy cet hiver a pour but de montrer les systèmes de représentation qui se réfèrent à l’état du monde ou préfigurent celui de demain ; ou la façon dont les artistes nous aident à comprendre les problèmes en jeu à l’heure où nous envisageons l’avenir de l’humanité. En dialogue avec l’exposition se tiendra le colloque L’humain qui vient, les 28 et 29 avril.

La spéculation sur l’avenir est toujours guidée par des perspectives à la fois utopiques et dystopiques. En observant la situation mondiale actuelle, on pourrait affirmer que nous avons besoin de paradigmes entièrement nouveaux pour envisager le futur de façon positive, tant il y a de crises importantes auxquelles l’humanité est confrontée.

Comprendre un monde au niveau global est un immense défi, alors que le flux d’informations et sa vitesse ne cessent d’augmenter. De plus, et peut être en raison de la fusion de références culturelles, la conscience humaine a également évolué. La notion d’autorité est devenue plus répandue, et chacun·e peut librement associer des références culturelles ou liées au genre pour façonner et refaçonner sa propre identité à l’envi. En outre, l’humanité est de plus en plus encline à explorer la communication entre les espèces, qui inclut toutes les formes de vie. La notion de vie telle que nous la comprenons jusqu’à présent est également remise en question, si l’on considère la très lente évolution d’organismes perçus comme inertes. Pourrait-on alors parler d’une résurgence de l’animisme en tant que concept – et non comme système de croyance, comme moyen d’appréhender l’univers ? Imaginer l’humain·e qui vient n’est pas envisageable uniquement à partir de spéculations purement scientifiques et factuelles : penser l’avenir dépend aussi des fantasmes et des rapports très ambivalents de l’humanité avec la technologie, sans oublier les effets des intérêts économiques ou politiques. Benjamin Weil

Artistes : Hicham Berrada, Alfonso Borragan, Shu Lea Cheang, Cliff Evans, Joan Fontcuberta, Karlos Gil, Antony Gormley, Lynn Hershman Leeson, Ismaël Joffroy Chandoutis, Yosra Mojtahedi, Michael Najjar, Pedro Neves Marques, Philippe Rahm, SMITH x Diplomates, Daniel Steegmann Mangrané, Teresa Van Dongen

Commissaire : Benjamin Weil, avec Pascale Pronnier

Dates

Février 7 (Vendredi) 9 h 30 min - Avril 29 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

Fresnoy - Studio national

22 Rue du Fresnoy, 59200 Tourcoing

Fresnoy - Studio national22 Rue du Fresnoy, 59200 TourcoingOuvert du lundi au vendredi de 9h30 à 12h30 et de 14h à 18h. Le week-end de 14h à 19h

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ven14fev(fev 14)14 h 00 minsam04avr(avr 4)19 h 00 minYour top is my bottomSimon EnglishTranspalette - Centre d'Art Contemporain, 26 Route de la Chapelle, 18000 BourgesType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

Du 14 février au 4 avril 2020, Frank Lamy présente au Centre d’art contemporain Transpalette, à Bourges, l’œuvre intime de l’artiste britannique Simon English. L’exposition « Your Top Is My Bottom », fait état d’un paradoxe, d’un retournement, d’un renversement. Elle retourne l’usage habituel de l’espace du Transpalette. La visite sera descendante. Le visiteur suivra le lapin d’Alice au fond du terrier. Dans cette exploration des profondeurs de l’inconscient, dans cette descente aux Enfers, on croisera certainement Orphée et Eurydice, mais aussi Oui-Oui, un écureuil ou une souris… Seront réunies œuvres sur papier, toiles libres et assemblages réalisés spécifiquement pour cette exposition.

Essentiellement versatiles, les œuvres de Simon English sont mouvantes. Il s’y trouve quelque chose de la dynamique et de la logique du collage (jonctions-disjonctions), du cadavre exquis et des procédés d’écritures automatiques, quelque chose du travail de la condensation onirique, mais également des pratiques méditatives. Il y a du geste et de la Geste. Du fragment et de l’impermanence. Il dit « L’inconscient est ma matière » et cherche à se libérer de la narration consciente, a laisser émerger, apparaître. À faire confiance au flux.

Si cet œuvre est une exploration intime, il n’est pas clos pour autant et résonne des fracas du monde. L’extérieur s’y dépose par des paroles de chansons cheezy entendues à la radio, des notes griffonnées à la hâte, des numéros de téléphone, horaires de trains ou listes diverses. Des traces de vie, quoi. Le support est littéralement entrepris dans TOUS les sens au gré de la nécessité et des moyens économiques à disposition. Plus de haut ni de bas, d’envers ou d’endroit, de gauche ou de droite.

Dans l’atelier, coexistent différents pôles. L’atelier est un espace, en permanente redistribution. On y trouve des zones de travail (sur table ou au mur, parfois au sol), de tests, des zones de stockage, de séchage, des espaces de mise en attente, des bassins de décantation, de refroidissement, des surfaces…

La contrainte économique, au départ subie, devient chez Simon English, un moteur et une force de résistance. Faire avec la situation telle qu’elle est. À cet égard, il n’est certainement pas anodin que cet œuvre se développe en résistance dans l’épicentre du néolibéralisme galopant, opposant sa force d’inertie, son rythme, sa propre nécessité interne.

Dates

Février 14 (Vendredi) 14 h 00 min - Avril 4 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Transpalette - Centre d'Art Contemporain

26 Route de la Chapelle, 18000 Bourges

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