Name: Monumental
Start: 2020-3-14T10-10-30-00
End: 2020-6-13T19-19-00-00
Location: Galerie Christophe Gaillard

Géorgie

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sam14mar(mar 14)10 h 30 minsam13jui(jui 13)19 h 00 minMonumentalStéphane CouturierGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter la première exposition personnelle de Stéphane Couturier dans ses murs, « Monumental », occasion de faire découvrir au public plusieurs photographies inédites de séries connues dans le monde entier.

Arpenteur des villes depuis les années 1990, Stéphane Couturier (né en 1957) a fait de l’architecture urbaine et de ses mutations contemporaines le sujet principal de ses photographies. Il a révélé dans ses premières œuvres les transformations d’urbanismes anonymes (Archéologies urbaines, 1995-1998 ; Monuments, 1999-2002) avant de s’intéresser à l’architecture de villes construites ex nihilo par les architectes du XXème siècle (Chandigarh conçue par Le Corbusier, Brasilia par Lucio Costa et Oscar Niemeyer ou encore la cité Climat de France à Alger par Fernand Pouillon). Depuis 2004 le photographe a pris le tournant de la révolution du numérique. Il crée des « images numériques mouvantes »[i] pour faire voir – révéler – le tissu urbain et penser les espaces que nous habitons. De la série Melting point (à partir de 2004) à celle des Nouveaux constructeurs (depuis 2018), les strates du réel se superposent et s’hybrident dans des compositions qui ouvrent un nouvel espace-temps.

Stéphane Couturier multiplie les points de vue, joue de l’enchevêtrement de détails, de l’accumulation de plans et des variations de textures au sein d’une même image pour, dit-il, « s’approcher au plus près des sensations pures que l’on perçoit lors des déambulations ». Cette approche de la photographie, qui associe un traitement proche du all-over pictural à une frontalité monumentale de l’image, est moins austère, moins systématique qu’il n’y paraît. Au contraire, elle suscite un mouvement, une fluidité qui permet à l’œil de se perdre et d’errer, dans un va-et-vient parfois à la limite de la dissolution : elle place le spectateur face à ce qui lui résiste, comme face à un fragment d’épaisseur du réel.

Les photographies de Stéphane Couturier, écrit Quentin Bajac, « ont en commun une même abolition des repères perspectifs — la grille comme absence de hiérarchie et de centre — et, la plupart du temps (…), une interaction de temporalités. Car la grille de Couturier, (…) n’est que superficiellement affaire d’espace. Elle est bien davantage, de même que toute la photographie de Couturier, affaire de temps, d’entrelacs de temporalités et d’histoires, de mémoires collectives et individuelles ». 1

Dans ses images récentes de la série des Nouveaux constructeurs, Stéphane Couturier combine des vues de la ville et du port de Sète en des compositions géométriques colorées, écho direct des toiles cubistes de Fernand Léger. Il use des outils de montage et des technologies numériques mais choisit pour le tirage de ses photographies le procédé du cibachrome (technique de l’argentique utilisée dans les années 1960, appréciée pour la qualité exceptionnelle du rendu de la couleur et de la lumière). Entre réalité et fiction, photographie documentaire et recherche plasticienne, Stéphane Couturier noue un dialogue avec la peinture qui engage une réflexion sur les potentialités de la photographie et la redéfinit, selon lui, comme « un jeu de construction et de déconstruction du réel ».

Un jeu qu’Ingrid Luquet-Gad a remarquablement étudié : « Refusant tout déterminisme du médium, mêlant procédés argentiques et numériques, la photographie est conçue comme la captation d’un possible. L’enregistrement minutieux que permet le médium est détourné de sa fonction de preuve : la photographie n’atteste plus, elle invente. Elle reconfigure, à même le réel, sans cesser de le répertorier, d’autres mondes possibles (…). Pluralisant les perspectives, la photographie se fait le vecteur d’un pouvoir exploratoire de la fiction, nous décrivant un réel qui s’invente à mesure. » [ii]

Stéphane Couturier (né en 1957) vit et travaille à Paris. Il commence sa carrière de photographe dans les années 90 et réalise de nombreuses séries remarquées, il obtient le Prix Niepce en 2003. Son travail a fait l’objet de plusieurs monographies, notamment aux Editions Xavier Barral, 2016 et est actuellement présenté à l’Artothèque d’Angers en solo show.

Ses photographies sont présentes parmi les plus grandes collections institutionnelles telles que le Centre Georges Pompidou, Paris (FR) ; la Maison Européenne de la Photographie, Paris (FR) ; le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR) , le Los Angeles County Museum (US) ; le San Diego Museum of Photographic Arts (US), la Galerie Nationale des Etats Unis à Washington (US) ; l’Art Institute of Chicago (US) ; la Galerie nationale du Canada à Ottawa (CA) ; le Musée National d’Art Moderne du Grand-Duc Jean, Luxembourg (LU), l’Israël Museum, Jerusalem (IL) ; le Musée de l’Elysée, Lausanne (CH)…

[i] Quentin Bajac, Chandigarh Replay, Stéphane Couturier, Paris, Editions Ville Ouverte, 2007.

[ii] Stéphane Couturier, Ingrid Luquet-Gad, SC, Paris, Editions Loco, 2015.

Dates

Mars 14 (Samedi) 10 h 30 min - Juin 13 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

Calendrier GoogleCal

mer20mai(mai 20)14 h 00 minven31jul(jul 31)19 h 00 minAmourClaudine Douryin camera galerie, 21, rue Las Cases 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En une quinzaine de tirages, Claudine Doury retrace son odyssée sibérienne au long du fleuve Amour, entre 1991 et 2018, enregistrant le passage du temps comme une trace silencieuse. « Amour » est aussi un livre édité par Chose Commune.

Claudine Doury n’appartient pas à un courant documentaire, ce qui lui permet de s’inscrire dans la temporalité qu’elle a choisie, sans se soucier d’éventuels faux raccords avec l’histoire. Ou même la géographie. C’est ainsi que sa découverte du fleuve Amour, à l’été 1991, est pur hasard. Un nom délicieusement familier dont elle suit la ligne bleue sur un atlas, des plateaux de la Mongolie au détroit de Tatarie, sans se douter le moins du monde qu’elle va progressivement succomber à ses charmes. Le grand Amour, donc. Ou trente années d’aventures humaines autour du plus long fleuve sibérien, pas loin de 4400 km.
« Sombre et un peu démesuré ». Telle fut pourtant sa première impression face à l’Amour, lors de ce premier voyage au « bout du monde », dans cet Extrême-Orient russe traversé par le Transsibérien et les souvenirs fiévreux de Blaise Cendrars. Que cherche Claudine Doury, native des bords de Loire, « au milieu de l’infini » ? Tout.
Ce sera son premier « vrai » travail personnel, nourri à la fois d’un désir d’émancipation visuelle et d’une curiosité intense, il y a alors peu d’images sur le grand Nord et les peuples de Sibérie, cousins des Amérindiens. Atout : elle parle russe, et trouve « la Russie romanesque. C’est une autre planète, mais qui m’est familière, j’en connais les codes. Je m’y sens bien, comme à la maison ». D’où son regard dénué d’exotisme car il ne s’agit pas d’extraire du sensationnel, mais, au contraire, de montrer comment « ceux qui vivent là lui sont proches, la Russie n’est pas qu’un théâtre ». Elle raconte, toujours enthousiaste, ses rencontres avec Margarita à Nergen, Kostia et Danii à Ous-Gour, un homme jouant de l’accordéon, le quotidien des récoltes et la taïga, le passage du bac à Khabarovsk et l’été à Boulava, quand les jeunes se réchauffent le cœur autour d’un feu de bois. Il y a aussi quelques portraits posés, comme Amelia et Kostia, et leur beauté, à peine éclose, n’est qu’un murmure.
Jamais de flash, mais la lumière naturelle, rehaussée de couleurs « monochromes, c’est-à-dire sourdes, douces, je n’aime pas l’herbe trop verte ». Elle voudrait que le passage du temps s’enregistre naturellement dans chaque photographie, comme une trace silencieuse, non comme un cri. Elle sait que parfois le temps se télescope, ou avec l’actualité, ou avec les méandres de la conquête de l’Est, c’est pourquoi elle ne cesse de revenir sur ce territoire où elle se sent « entre réalité et imaginaire ».
Pour preuve, l’image au miroir, hommage à Andreï Tarkovski, qui paraît être tantôt un bouclier, tantôt l’entrée d’un passage secret, menant peut-être à l’enfance, ou à cette mémoire affective qui lie désormais Claudine Doury à la Russie.

Brigitte Ollier, février 2020

Photo : Sur le fleuve Amour près de Blagovechtchensk, Le fleuve Amour, 1991

Dates

Mai 20 (Mercredi) 14 h 00 min - Juillet 31 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

in camera galerie

21, rue Las Cases 75007 Paris

in camera galerie21, rue Las Cases 75007 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h

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ven26jui(jui 26)14 h 30 mindim06sep(sep 6)18 h 30 minAlegriaJacques LéonardGalerie Anne Clergue, 4 plan de la cour, 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Lectures de Portfolio

Détail de l'événement

Anne Clergue Galerie présente le travail inédit de Jacques Léonard (1909-1994) jusqu’au 6 Septembre 2020.
A travers l’exposition « Alegria », c’est la communauté gitane de Barcelone des années 50 que l’on découvre sous le regard amoureux et bienveillant d’un français adopté par les gitans puisqu’il épousera une des leurs, Rosario Amaya, dont il s’est épris. Surnommé le gadjo Chac, il reste le témoin privilégié d’une époque où rares sont ceux qui ont pu entrer dans ce monde à part.
Exposées pour la première fois en France, ces archives sont un témoignage précieux d’une époque où la joie, la spontanéité, la fraîcheur et la douceur de vivre ont marqués une époque devenue si nostalgique aujourd’hui. Les tirages sur papier baryté signés et numérotés ont été réalisés à partir des négatifs originaux déposés aux Archives Photographiques sous le contrôle de la Fundacion Photographic Social Vision qui gère l’Archivo Familia Jacques Léonard à Barcelone.
Jacques Léonard (1909-1994) a toujours été lié au monde de l’image. Il commence à travailler aux studios Gaumont à Paris et collabore avec Abel Gance dans J’accuse, Louise et Paradis perdu. Au cours d’un voyage en Espagne pour les repérages d’un tournage, il rencontre le chef du Service de Cinématographie du ministère de l’Intérieur dont il fut le protégé dans les années suivantes et qui lui proposa de travailler pour Ulargui Films où il réalisa le montage de certains films.
En 1952, il établit sa résidence à Barcelone quand il s’éprend de Rosario Amaya, une gitane des baraquements de Montjuïc. Il devient alors photographe amateur sur un territoire véritablement culturel, celui des gitans. Ces archives photographiques sont les plus importantes conservées sur les gitans et leur culture à Barcelone, allant de 1952 jusqu’au milieu des années 70.
Les portes de toutes les baraques étaient ouvertes au gadjo Chac, comme l’appelait sa grande famille gitane. Il documentait la culture et le peuple gitan d’un point de vue historique et contemporain en transmettant une image d’une dignité absolue, un véritable travail d’éthnologue.
À Barcelone, il collabora avec La Vanguardia, La Gaceta Ilustrada et reçut des commandes du Conseil Général de Barcelone, des Chemins de Fers catalans et de plusieurs professionnels barcelonais. Il illustra aussi des livres sur la Catalogne et les îles Baléares. Mais ce fut Albert Puig Palau, propriétaire de la maison d’édition Barna et éditeur de Revista, qui le présenta en société et l’introduisit dans le monde gitan catalan.
Le travail de Jacques Léonard s’intègre dans les paramètres de la photographie humaniste si en vogue au milieu du XXe siècle tout en représentant la valeur ajoutée de montrer une Barcelone que les auteurs reconnus ne saisirent pas.

Dates

Juin 26 (Vendredi) 14 h 30 min - Septembre 6 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Anne Clergue

4 plan de la cour, 13200 Arles

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jeu26marmer01julPhilip-Lorca diCorciaDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner a le plaisir d’annoncer la prochaine exposition de photographies de Philip-Lorca diCorcia à Paris. L’exposition présente une sélection d’images tirées des séries réalisées par l’artiste pour W Magazine entre 1997 et 2008, et comprend notamment des images inédites.
Philip-Lorca diCorcia s’est imposé dans les années 1980 en tant que représentant d’une nouvelle génération de photographes qui cherchaient à explorer et à dépasser les limites du médium. Au cours des trois dernières décennies, il a été reconnu pour ses photographies méticuleusement scénographiées et réalisées, mettant en scène une variété d’individus parmi lesquels des amis, des membres de sa famille, des anonymes, des pole danseurs ou des racoleurs. Mettant en scène ses sujets dans des positions et des univers très construits bien qu’apparemment fortuits, diCorcia produit des images à l’opposé d’instantanés candides, explorant plutôt la tension entre pose et naturel, hasard et destinée. Tout à la fois documentaire et théâtral, son travail évolue dans les interstices entre fiction et réalité.
À partir de 1997, diCorcia entreprend des voyages à travers le monde en vue de produire des séries de photos pour W Magazine. Mettant en scène ses propres mannequins professionnels ou des personnes rencontrées sur les lieux par hasard, ces images tissent des récits chargés d’histoires. Elles semblent parfois éloignées des codes esthétiques de l’industrie de la mode qui mettent traditionnellement l’accent sur la beauté et sur l’harmonie. À la place, elles impliquent un équilibre délicat entre glamour et audace, rêverie et ironie. Photographiant à Bangkok, au Caire, à La Havane, à Los Angeles, à New York, à São Paulo et à Saint-Pétersbourg, diCorcia crée alors des séries très distinctes qui regorgent de significations ambiguës et de connotations fortes tandis que les personnages apparaissent et réapparaissent dans une myriade de décors.
Bien que ces images tirent leur substance de la vie quotidienne, il semble qu’il y ait en elles une dimension symbolique par laquelle elles transcendent leur présentation vive et frontale. Comme le note l’écrivaine Mary Gaitskill à propos de ces séries, « ces images sont très différentes dans leurs lieux et dans leur « histoire » la plus visible. Ce qu’elles partagent réside dans la profondeur de leur champ, le sentiment qu’il y a en elles une histoire bien plus grande et bien plus étrange que diCorcia nous permet d’appréhender, comme nous appréhendons brièvement, souvent sans même nous en rendre compte ou sans nous en soucier, la vie intérieure d’un inconnu ou le bourdonnement inhumain de la nature. Il paraît évident qu’il porte son attention sur le jeu des structures sociales, la fiévreuse individualité de la vie humaine – mais l’élémentaire, tel qu’il est exprimé physiquement, aperçu visuellement mais finalement indéfinissable, est, quant à lui,discrètement mais somptueusement présent dans son travail »*.
La sélection d’œuvres présentées dans l’exposition comprend l’une des images les plus emblématiques de la série, une photographie mettant en scène l’actrice Isabelle Huppert dont le visage se détache de la foule des passants d’une rue parisienne bondée et plongée dans l’obscurité. Une autre image caractéristique de la série a été prise à New York en 2000 et semble représenter une famille aisée déjeunant au sommet d’une des tours du World Trade Center, la seconde tour étant visible par les baies vitrées. Une autre image encore jamais exposée est une photographie de 1998 prise à Los Angeles dans l’intérieur obscur d’une cabine d’avion avec la présence d’une femme seule debout, un sentiment d’inquiétude sur le visage. Une image prise au Caire en 2008, également exposée pour la première fois, montre deux figures assises sur un bâtiment inachevé ou partiellement démoli avec les pyramides de Gizeh en arrière-plan.
L’ensemble des œuvres présentées illustrent l’engagement critique et le détachement de diCorcia vis-à-vis des attentes traditionnelles liées au genre photographique. Hautement stylisées et méticuleusement élaborées, elles sont tout à la fois de somptueuses représentations visuelles de la maîtrise technique de diCorcia et des réflexions évocatrices sur la classe, la société et le statut de l’image photographique dans la culture contemporaine.
Né en 1951 à Hartford dans le Connecticut, Philip-Lorca diCorcia a étudié à l’école du Musée des Beaux-Arts de Boston et fut diplômé en 1979 de l’Université de Yale, New Haven, Connecticut. Sa première exposition individuelle fut organisée au MoMA de New York en 1993. David Zwirner représente son travail depuis 2007 et il s’agit de la 7ème exposition personnelle présentée par la galerie. En 2011, ELEVEN, une édition complète reprenant l’intégralité des onze séries photographiques réalisées par diCorcia pour W Magazine fut publiée par Freedman Damiani. La publication de cet ouvrage coïncidait avec une exposition éponyme d’une sélection d’images tirées des séries à la galerie David Zwirner de New York.
D’importantes expositions personnelles de diCorcia ont été organisées par le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1997), par le Sprengel Museum de Hanovre (2000), par la Whitechapel Gallery de Londres (2003), par le Foam Fotografiemuseum d’Amsterdam (2006), par l’Institute of Contemporary Art de Boston (2007) et par le Los Angeles County Museum of Art (2008).
En 2013, la Schirn Kunsthalle de Francfort a organisé une importante rétrospective sur l’ensemble de la carrière de diCorcia qui a notamment rassemblé plus d’une centaine de photographies issues de six séries. L’exposition fut ensuite présentée la même année au musée De Pont de Tilburg aux Pays-Bas, puis au Hepworth Wakefield en Grande-Bretagne en 2014. Elle reste à ce jour la présentation la plus complète de son œuvre en Europe. En 2012, une sélection de tirages de diCorcia fut présentée dans le cadre de la grande rétrospective consacrée au peintre américain Edward Hopper au Grand Palais, à Paris.
Les œuvres de diCorcia sont conservées dans les plus grandes collections publiques internationales et notamment au Centre Georges Pompidou, Paris ; au De Pont Museum, Tilburg, Pays-Bas ; au Los Angeles County Museum of Art ; au Metropolitan Museum of Art, New York ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; au Museum of Modern Art, New York ; à la National Gallery of Art, Washington, DC ; au National Museum of Modern Art, Tokyo ; au San Francisco Museum of Modern Art ; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; à la Tate de Londres ; au Victoria and Albert Museum de Londres ; et au Whitney Museum of American Art de New York. Philip-Lorca diCorcia vit et travaille à New York. Il enseigne à l’université de Yale de New Haven, dans le Connecticut.
*Mary Gaitskill, “On Philip-Lorca diCorcia,” in Eleven: W Stories 1997–2008(Bologne, Italie: Freedman Damiani, 2011), n.p.

Dates

Mars 26 (Jeudi) 11 h 00 min - Juillet 1 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

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sam15fev(fev 15)14 h 00 minsam22aou(aou 22)19 h 00 minFilsKoos BreukelCentre photographique Rouen Normandie, 15, rue de la Chaîne 76000 RouenType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Studio du portraitiste néerlandais Koos Breukel, Amsterdam. À l’intérieur, un mur sur lequel se pressent les uns contre les autres sans hiérarchie de taille ni de support, sans chronologie, une petite foule de tirages. Le regard s’y promène, passe d’une photographie en pied et en couleur du couple royal à un nu allongé de femme en noir et blanc, remonte vers un buste du photographe Robert Frank, et puis là, dans le coin, retrouve un visage déjà croisé plusieurs fois sur ce mur, à divers endroits et âges, son fils peut-être.

Les visages connus saisissent, les inconnus tout autant. Nu ou vêtu, l’individu est photographié dans son « simple appareil », dans le studio, sans accessoire, sur un fond monochrome empruntant parfois à la palette de la tradition classique, plus ponctuellement dans un extérieur, où rien n’aura été arrangé pour la flatterie. Les êtres tels qu’ils apparaissent, leur mystère sur le visage, face au photographe.

L’exposition Fils dévoile un opus mené au long cours par Koos Breukel (1962) et consacré à Casper, son fils, de sa naissance en 2000 à ses dix-huit ans. Mêlant différents registres de photographies, de l’instantané qui rappelle l’album de famille au portrait posé, de la planche contact au tirage monumental, l’exposition montre autant le cheminement d’un photographe que celui d’un père, observant par l’image l’altérité irréductible qui se joue devant lui. Avec Fils, l’homme continue de scruter avec acuité et sans complaisance ce qui l’occupe depuis qu’il est photographe : les cycles de la vie et son corollaire, le passage du temps.

L’exposition a été permise grâce au studio Koos Breukel, au musée de la photographie Huis Marseille, Amsterdam et au soutien du Fonds Mondriaan.

Dates

Février 15 (Samedi) 14 h 00 min - Août 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre photographique Rouen Normandie

15, rue de la Chaîne 76000 Rouen

Centre photographique Rouen Normandie15, rue de la Chaîne 76000 RouenOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h sauf jours fériés

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