Name: Cinquante ans d’autoportraits
Start: 2019-10-25T12-12-00-00
End: 2019-12-28T19-19-00-00
Location: Galerie Camera Obscura

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mar05novdim01décBlack and LightsVéronique DurrutyVOZ'Galerie, 41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans cette exposition de photographies, encres et aquarelles sensibles, Véronique Durruty nous embarque dans un voyage onirique qui remonte jusqu’à la création de l’univers, et interroge sur la valeur de l’art , le rôle de la galerie et des relations entre l’acheteur et l’œuvre d’art.

« Black and light, une exposition-interrogation autour de « la valeur de l’art ».
L’artiste y déploie son travail, dans deux espaces distincts.
Sous la surface, dans les entrailles de la galerie, on laisse derrière soi la lumière crue de notre réalité. La scénographie est pure, muséale, on plonge dans l’univers BLACK de l’artiste. Le visiteur remonte aux origines de toute création, obscures, aquatiques. Ni échelle, ni lieu, ni matière, aucun repère. Parfois les eaux ne sont plus des eaux, se font lumière pure, partent en fumée. Ce sont « les eaux noires ».

En haut, exposé en pleine lumière, LIGHT, un ensemble volontairement éclectique de photographies, encres de Chine, aquarelles ou techniques mixtes. Images venues d’ailleurs avec ces ambiances « entre-deux » et ces flous qui disent si précisément quelque chose et sont la signature de Véronique Durruty.
Ici, à l’heure où tant d’artistes peinent à vivre de leur art et où par ailleurs, certaines œuvres atteignent des prix vertigineux, Véronique Durruty nous propose également de s’interroger avec elle autour de l’économie de l’artiste, à travers le rôle de la galerie et du visiteur, et la concrétisation de la valeur des œuvres : leur prix.
Elle propose, avec humour, des œuvres à des prix variables ou simplement « inconcevables », par exemple une photo argentique à un euro. Le prix fait même partie de l’œuvre, comme cette photo intitulée BLACK, prix à débattre, en liquide , la photo pour faire fuir le démon à 666 euros, celle du casino de Las Vegas dont le prix de vente se joue à la roue de la fortune, ou encore un long discours à l’encre de Chine dont le prix est calculé pour que le blablabla revienne à un euro. Et l’on s’interroge sur l’effet du prix sur la valeur perçue de l’œuvre : est-ce qu’une pièce plus chère acquiert de la valeur de par sa cherté même ? Quelle est la valeur d’une signature ? d’une mise en scène de l’œuvre ?

En parallèle, Véronique Durruty pointe le rôle de la galerie, lieu d’une possible rencontre esthétique mais aussi et surtout, lieu d’une transaction marchande attendue avec le visiteur.
Elle nous rappelle que la galerie est un anti-musée. Dans un musée, le visiteur, contre un droit d’entrée, vient voir des œuvres faites pour être partagées par la communauté et rester là de façon pérenne. Lorsqu’une œuvre disparaît, elle a été soit volée, soit répudiée – revendue par le musée parce que jugée moins fondamentale pour ses collections.
En galerie, c’est l’inverse. L’œuvre n’est pas destinée à être partagée. Son destin est lié à une rencontre-coup-de-foudre occasionnant un enlèvement comme les Sabines peintes par Poussin. C’est de ce kidnapping encouragé que vivent artistes et galeristes.

En mettant en scène ce processus, l’exposition elle-même devient une performance où les aspects artistiques et commerciaux s’entrelacent, tout comme dans la réalité d’une œuvre.
Dans LIGHT, l’artiste met l’acte d’achat en lumière, elle décroche immédiatement l’œuvre achetée, la substitue par un petit visage souriant, au nez de clown-point rouge.
L’exposition se transforme visuellement au mesure que la performance commerciale, le chiffre d’affaires, se forme. Cette performance commerciale et artistique, ces termes étant inséparables, constitue une co-création de l’artiste (l’œuvre, le prix qu’il ou elle a fixé en trouvant la martingale pas assez cher/ trop cher/ « juste », fou, cassé, etc…), de la galerie qui l’inscrit dans une histoire artistique et économique, du lieu et du public qui traduit en emportant l’œuvre chez lui l’adéquation miraculeuse entre une présomption de valeur minimale, le prix, et la valeur que le client perçoit.
L’exposition devient une performance artistique par son rapetissement permanent apparent, par son caractère progressivement invisible. Elle illustre le principe du devenir Héraclitéen : « On ne se baigne pas deux fois dans un même fleuve. ». La consommation des œuvres, leur disparition est réelle.
L’œuvre devient privée du regard des autres mais la carte des œuvres manquantes, le dialogue interrompu avec les œuvres encore en vente constitue une œuvre nouvelle, éphémère et intrigante. L’exposition initiale n’est pas statique comme un musée. Chaque mutilation la transforme.
Les œuvres disparues ne sont pas une consommation irréversible et appauvrissante. L’énergie contenue dans l’œuvre, c’est-à-dire les matières prosaïques, le temps invisible que lui a consacré l’artiste, autrement dit sa vie entière, se transforment en de nouvelles énergies :
D’abord, l’œuvre va rejoindre un lieu privé auquel seul son propriétaire et ses proches ont accès. Elle entretiendra des dialogues inédits avec tous les objets qui l’entourent, dialogue partiellement imaginé par son nouveau propriétaire, mais qui lui échappe aussi.
Ensuite, ces disparitions appellent de nouvelles œuvres de l’artiste : échos, prolongement, ou rupture avec les œuvres vendues.
Enfin, l’argent collecté, auquel chaque intervenant soustrait les frais de l’exposition, représente un stock d’énergie versatile qui se transforme en énergie de vie autant prosaïque qu’artistique, si tant est que cette distinction ait un sens car la vie ne tranche pas.

« BLACK
Black, c’est sous-terre, comme un caisson d’isolation sensorielle, une grotte, un terrier, une cabane, on peut s’y lover en fœtus et on flotte hors du temps.
Black, c’est la grande soupe initiale, celle d’avant le premier jour, d’avant que la lumière soit, d’avant que les terres fermes surgissent de dessous les océans, qu’on puisse tenir debout, avoir la sensation de maîtriser son corps.
Black, c’est le lieu clos et protecteur du ventre de nos mères où l’on se tient blotti, pelotonné, replié sur nous-mêmes et pleinement satisfait de ce repliement-là, abrité de tout, des regards, des menaces, du Temps même.
Black ce n’est pas seulement l’absence encore de la lumière, c’est ce lieu exempt de toute aspérité, lisse et poli comme un miroir, poli jusqu’à la liquéfaction, le lieu amniotique de notre accomplissement primordial.
Black, c’est avant que que l’on s’arrache à soi-même, avant que la mère nous lâche. Avant qu’elle nous crache à l’air et à la lumière qui nous brûlent, d’un coup.

LIGHT
En haut, à la lumière, le monde est incertain, mais il se met à exister. On reconnaît parfois des lieux, parfois des êtres, même ébauchés : les lumières d’une ville et sa beauté la nuit, la moiteur de l’air qu’on y respire, le mouvement d’un corps qui passe. La réalité pointe le bout de son nez, elle me rattrape, je tente de l’adoucir.
Et mes tripes se demandent combien elles valent. Quelle est la valeur de l’art ? Quelle est la valeur de mon art ? Quelle est ma valeur ?
Des « coachings pour artistes » me répondent. Il m’apprennent à calculer, à me calculer : frais techniques + temps passé + amortissement du matériel + marge + quoi encore ? Et égale quoi maintenant ? Je n’ai jamais aimé les chiffres.
Combien de steaks pour une œuvre ?
Et puis, plus avant : quelle est la valeur d’une signature ? D’un numéro ? Du discours que je vais tenir à côté de mon œuvre ?
En haut, en l’air, à la lumière, le supermarché ne triche pas. Tout doit disparaître.Vous achetez, vous m’achetez, vous partez avec un petit bout de moi. Et seul restera à la place de l’œuvre, à ma place, un point rouge. Peu à peu l’expo s’efface, les nez de ces petits clowns tapissent le mur de la galerie. Je me vide de moi-même, emplie de l’acte d’amour de votre achat. Et vous créez avec moi une autre œuvre, souriante, éphémère, évolutive. Une cartographie de nos valeurs respectives.
Ouf ! On peut jouer même avec les sous !

GRIS
Mais peut être est-ce l’inverse, le chaos de » light » qui dit la vie sans fard qui reste dans l’ombre, alors que la présentation structurée de « Black » est celui qu’on met dans la lumière.
Je ne sais pas. Moi, j’aime que mes bébés quittent le cocon de l’atelier pour partir vers leur nouveau chez-soi. Les cimaises de la galerie, c’est le lieu de la fête du mariage.
Ce qui compte, c’est qu’ils y soient bien.
Tous comptes faits, le montant de la dot est dérisoire dans l’affaire. »
Véronique Durruty

Vernissage le mardi 12 novembre de 18h à 22h
Exposition du 5 novembre au 1er décembre 2019
Du mercredi au dimanche de 15h à 19h30 et sur RV.
Performance le 20 novembre à 20h
Catalogue « Black, les eaux noires » numéroté et signé, 20 €

Dates

Novembre 5 (Mardi) 15 h 00 min - Décembre 1 (Dimanche) 19 h 30 min

Lieu

VOZ'Galerie

41 rue de l'Est 92100 Boulogne-Billancourt

VOZ'Galerie41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtOuvert du mercredi au samedi de 15h à 19h30

Calendrier GoogleCal

ven25oct(oct 25)12 h 00 minsam28déc(déc 28)19 h 00 minCinquante ans d’autoportraitsArno Rafael MinkkinenGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Arno Rafael Minkkinen a construit depuis 1969 une oeuvre autour de sa propre image. Ces cinquante années d’autoportraits constituent dans l’histoire de la photographie un ensemble unique, l’un des plus importants du genre par son originalité et sa continuité.
Minkkinen réalise ses étonnantes images sans trucage et sans assistance : appareil photo sur pied, il définit un cadre dans le paysage et imagine la pose qu’il y prendra. C’est ensuite, dans les secondes égrenées par le retardateur, qu’il va se mettre en place devant l’objecitf et attendre le déclenchement.
Chaque photographie est un défi, une performance physique autant qu’artistique.
Si la nature est le principal terrain de jeu de Minkkinen, le paysage urbain lui a également inspiré de nombreuses images. De plus rares photographies sont réalisées en intérieur. Une seconde personne est parfois conviée à prendre place dans le cadre et Minkkinen se fait alors intercesseur quasi invisible, esprit plutôt que corps, présent par une main, un geste.
Mikkinen est né en Finlande où il a passé sa petite enfance. Sans aucun doute marquée par cette culture imprégnée d’animisme, son oeuvre paraît habitée par les esprits de la nature et la nécessité de leur rendre hommage. Dans l’une de ses premières photographies, restée célèbre, son propre corps semble un dieu échoué sur une plage, bouche ouverte comme un tunnel prêt à avaler le monde.
Un dialogue teinté de spiritualité se noue entre le paysage et le corps. Minkkinen met en scène cette communion au travers de situations improbables, poétiques, parfois spectaculaires : jeux entre le proche et le lointain, mimétisme, imbrication des formes de son corps et de la nature.

S’il est impossible de rendre compte de la totalité de ces cinquantes années en une trentaine d’images, notre exposition propose un parcours entre photographies iconiques et images récentes : Minkkinen, après un demi siècle de photographie, reste un esprit curieux et fécond qui ne se lasse pas de nous surprendre.

Arno Rafael Minkkinen voit le jour en 1945 à Helsinki (Finlande).
Lorsqu’il a six ans, ses parents émigrent aux États-Unis où il réside toujours.
En 1963, il entre à l’université Wagner (Staten Island, New York) pour étudier la philosophie et la religion. Il redécouvre la Finlande en 1967 lorsqu’il a 22 ans. En 1969, il se marie avec Sandra Jean Hughes of Dumont. Ils auront un fils, Daniel, en 1979.
En 1970, il entre comme rédacteur dans une agence de publicité new yorkaise. Son intérêt croissant pour la photographie le pousse à postuler pour entrer à la Rhode Island School of Design. Sa candidature est rejetée une première fois et il s’inscrit à un stage que Diane Arbus doit donner durant l’été 1971. La célèbre photographie du jeune garçon à la grenade de Central Park l’a fasciné (il a cru y voir son propre portrait). Mais Arbus se suicide en juillet 1971, peu de jours avant la date prévue pour ce stage.
En 1972, il étudie à la New School for Social Research avant d’entrer finalement à la fameuse Rhode Island School of Design où ses maîtres seront Harry Callahan et Aaron Siskind.
En 1975, première expérience d’enseignant au Lahti Institute of Gesign (Finlande). Lui et sa femme résident un temps à Helsinki.
Il entre au Massachussets Institute of Technology comme assistant professeur en 1977.
Première monographie.
Dans les années suivantes, il enseigne aux USA et en Finlande. Il commence une collaboration avec plusieurs galeries, son travail est montré aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles (1983) et, sous la direction de François Hébel, une grande rétrospective lui est consacrée en 2016.
Minkkinen photographie, enseigne, écrit sur la photographie. Il a été également commissaire de plusieurs expositions.
En 2019 paraît MINKKINEN, monographie retraçant cinquante années d’autoportraits.

Dates

Octobre 25 (Vendredi) 12 h 00 min - Décembre 28 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

Calendrier GoogleCal

mar01oct12 h 00 min2020jeu30jan(jan 30)18 h 00 minRaymond Depardon 1962-1963, Photographe militaireMusée du Service de santé des armées, 1 Place Alphonse Laveran, 75005 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam16novdim01décPause DéjeunerExposition CollectiveArchives et bibliothèque départementales Marseille, 20, rue Mirès 13003 MarseilleType d'événement:Exposition,Photographie

sam09nov(nov 9)10 h 00 min2020dim15mar(mar 15)18 h 00 minStreet PhotographerVivian MaierMusée de l'Ancien Évêché, 2 Rue Très-Cloîtres 38000 GrenobleType d'événement:Exposition,Photographie

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