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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven02oct(oct 2)13 h 30 min2021dim10jan(jan 10)18 h 30 minParis années 50Frank Horvat Maison de la Photographie Robert Doisneau, 1, rue de la Division Général Leclerc 94250 GentillyType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Au début des années 1950, Frank Horvat est alors un jeune photographe qui navigue dans les différentes sphères du métier. Tour à tour reporter, illustrateur et bientôt photographe de mode reconnu, il refuse dès cette époque de choisir, de se limiter à une spécialité ou de s’enfermer dans un genre. C’est donc avec un certain goût pour l’expérience et une curiosité aiguisée qu’il déambule dans Paris, la ville où il a choisi de s’installer. Cette exposition présente ainsi deux séries réalisées durant la même décennie avec la capitale pour toile de fond ou pour sujet et qui révèle la large palette expressive maîtrisée par le photographe dès ses débuts.

Le premier ensemble d’images, qui pourrait s’apparenter à une forme documentaire, montre un Paris de nuit, fait de night-clubs et de cabarets fréquentés par les touristes étrangers en quête de strip-tease à la française. En réalisant ses premières prises de vues, Frank Horvat ne souhaite pas en faire le thème d’un travail au long cours mais répond simplement à la commande d’un magazine américain. S’il photographie le spectacle et le public du Sphinx à Pigalle, son culot l’introduit rapidement derrière le rideau où il rejoint les danseuses dans leurs loges. Ces instantanés, pourtant réalisés dans une certaine hâte, nous plongent dans une promiscuité intime où les corps dénudés se laissent approcher pour un instant de pose et où les regards complices croisent volontiers ceux du jeune photographe. Quelques années plus tard, cette série ainsi que d’autres clichés (pris au Crazy Horse notamment) font l’objet d’une publication intitulée J’aime le Strip-Tease.

La seconde série d’images exposée ici montre davantage un Paris au grand jour où s’affichent la physionomie, le dessin et même le « graphisme » de la ville ainsi que les mouvements qui l’animent. Frank Horvat utilise un téléobjectif pour réaliser certains de ses clichés qui, à l’époque, ne font pas non plus l’objet d’un thème spécifique.

De ce travail résulte des séquences étonnantes, riches de surprises formelles voire abstraites, où les plans impitoyablement martelés en aplats affirment les lignes, les contours et les matières des lieux ou des visages. À ravers cet ensemble, cette recherche esthétique libre, Frank Horvat dévoile sa vision de Paris faite à la fois d’individus, anonymes ou célèbres, de foules, de points de vue et d’ambiances insolites mais aussi de pauses et d’accélérations, de silences et d’effervescences.
Michaël Houlette

Photo : © Frank Horvat
Toits, Paris, 1956
Téléobjectif

Dates

Octobre 2 (Vendredi) 13 h 30 min - Janvier 10 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Maison de la Photographie Robert Doisneau

1, rue de la Division Général Leclerc 94250 Gentilly

Maison de la Photographie Robert Doisneau1, rue de la Division Général Leclerc 94250 GentillyEntrée Libre. Ouvert du mercredi au vendredi : 13h30 - 18h30 et le samedi et dimanche : 13h30 - 19h Dermée les jours fériés

Calendrier GoogleCal

ven25sep(sep 25)14 h 00 min2021sam27fev(fev 27)18 h 00 minBlessureSebastião SalgadoEspace Krajcberg, 21 Avenue du Maine, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour montrer le rôle essentiel de la forêt amazonienne dans l’équilibre planétaire, Sebastião Salgado a survolé cet immense territoire, révélant entre ciel et terre un paysage peuplé de vie. Mais lors de ses nombreux voyages au-dessus de l’Amazonie, il a aussi été témoin des gigantesques feux provoqués par l’Homme, plaies béantes ouvertes dans la forêt, qui ne cessent de s’agrandir.

C’est cette « blessure ouverte » que Sebastião Salgado a choisi de montrer pour la première fois à l’Espace Frans Krajcberg, dans une exposition intimiste. Ces photos inédites sont là pour nous alerter et rappeler qu’une blessure sur laquelle on se penche peut guérir. L’immensité de l’Amazonie, sa force, sa vitalité, lui permettront de survivre si nous prenons conscience des dangers qui menacent cet étonnant écosystème, indispensable à notre équilibre.

Dans cette volonté de « dénoncer » pour nous forcer à agir, Sebastião Salgado rejoint Frans Krajcberg (1921-2017), qu’il a connu et avec qui il partage la même passion des arbres et de la forêt brésilienne. Son œuvre photographique et son engagement s’inscrivent dans la continuité du travail artistique et militant de Frans Krajcberg, dont les sculptures-totems, faites de bois brûlés ramassés sur les lieux de la déforestation, symbolisent selon Sebastião Salgado « la tourmente et la résurrection de la forêt morte ».

D’un côté un photographe, formant avec Lélia Wanick Salgado un couple lumineux, engagé pour la Vie et fermement tourné vers la cicatrisation et la reconstruction. De l’autre Frans Krajcberg, un artiste révolté, solitaire, tirant sa force de sa colère. Ils partagent la même blessure, la même préoccupation pour le sort de la forêt Amazonienne, « essentielle pour toute la planète ». Ils partagent aussi le même espoir, celui de la reconstruction, de la résilience, de la naissance d’un monde nouveau grâce à la reconnexion de l’Homme avec la Nature.

Ouvert du Mardi au Samedi, de 14h à 18h.

Photo : © Sebastião Salgado, État de Acre, Brésil, 2016.

Dates

Septembre 25 (Vendredi) 14 h 00 min - Février 27 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Espace Krajcberg

21 Avenue du Maine, 75015 Paris

Calendrier GoogleCal

sam11jul(jul 11)10 h 00 minjeu31déc(déc 31)17 h 00 minLa Boîte de PandoreUn cabinet de curiosités contemporainMusée Réattu, 10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le contexte
S’inspirant d’une série de photographies réalisée par Corinne Mercadier en 2019 dans une réserve de la commanderie Sainte-Luce et puisant son inspiration dans l’esthétique et l’esprit des cabinets de « curiosités », le nouvel accrochage des collections du musée Réattu érige la figure de Pandore en allégorie d’une mission fondamentale pour une institution labellisée « Musées de France » : le récolement.

Peu connu du grand public, le récolement est pourtant un exercice passionnant, qui consiste à vérifier la présence et l’appartenance légale de tout objet constituant une collection muséale. S’il est l’occasion de s’immerger en profondeur dans le corps des collections, il ouvre aussi, souvent, sur un abîme vertigineux d’inconnu et de recherche. Lorsqu’un fonds atteint, comme celui du Réattu, plusieurs milliers d’objets, le conservateur ne sait en effet pas toujours ce qui l’attend lorsqu’il pousse la porte d’une réserve, qu’il rouvre un grenier, une boîte ou une armoire ancienne mise de côté depuis des années… Et il ne sait pas toujours vers quelles histoires les objets vont le mener.

Parfois, ce sont les artistes invités par le musée qui ont joué les éclaireurs. Explorant les lieux les plus improbables, ils ont incité les conservateurs à s’interroger et à se renseigner sur des patrimoines moins connus ou d’un intérêt a priori secondaire pour la recherche. Ils ont aussi fixé sur pellicule des objets aujourd’hui disparus, doublant l’intérêt artistique de leurs œuvres d’une valeur mémorielle inestimable.

L’exposition
Cette exposition nous invite donc à suivre Pandore – dont la curiosité proverbiale, souvent prise en mal, est ici réhabilitée –, à ouvrir des chapitres peu connus de l’histoire d’Arles et du musée et a découvrir sous un nouveau jour des collections que l’on pensait connaître.

La présentation décline différents univers : « le cabinet de Pandore » évoque les réserves du musée, le mystère que recèlent certains objets ; « le cabinet des moulages » rappelle le temps des écoles de dessin d’Arles, dont la première fut créée par Jacques Réattu ; « le grand cabinet » et le « cabinet minéralogique » exposent, entre naturalia et artificialia, les vestiges du muséum d’histoire naturelle et de l’ancien hôpital d’Arles ; « le cabinet des archives » révèle les trésors de la bibliothèque du musée ; « le cabinet graphique » et « la chambre photographique » révèlent des pépites méconnues de ces riches collections ; enfin « le trésor », dans la chapelle Saint-Jean, évoque le passé des églises et chapelles arlésiennes.

Ces objets insolites – animaux naturalisés, moulages de plâtre anciens, objets liturgiques etc. – dont le musée s’est retrouvé dépositaire au cours de son histoire, sont mis en regard d’œuvres contemporaines issues des collections ou empruntées pour l’occasion, qui invitent toutes à s’interroger sur le devenir de ces précieux patrimoines.

Les artistes exposés:
Les artistes exposés: Mark Alsterlind / Dieter Appelt / Patrick Bailly-Maître-Grand / Guillaume Barrême de Châteaufort / Charles Antoine Baron / Antonio Beato / Roger Bezombes / Werner Bischof / Pierre Buraglio / François Burgun / Pol Bury / Francisco Cano y Guerra / Armand-Charles Caraffe / Lucien Clergue / Jean Cocteau / Jean-Antoine Constantin / Meiffren Conte / Richard Cosway / Antoine Coypel / Claude Mathieu Delagardette / Bernard Descamps / Guillaume-Marius Dieudonné / Robert Doisneau / Albrecht Dürer / Véronique Ellena / Joseph Felon / Claude-André Férigoule / Charles Fréger / Daniel & Geo Fuchs / Matthieu Gafsou / Marc Garanger / Brigitte Garcia / Paul Gauguin / Patricia de Gorostarzu / François-Marius Granet / François de Hérain / Suzanne Hetzel / Katerina Jebb / Mimmo Jodice / Simon Julien / François Kollar / Bogdan Konopka / Christian Lacroix / Alfred Latour / Claude Mellan / Marino Marini / Corinne Mercadier / Tomas Monserrat / Pierre Parrocel / Pablo Picasso / Jean Baptiste Marie Pierre / Bernard Plossu / Mario Prassinos / Antoine Raspal / Jacques Réattu / René-Jacques / René Richard-Gall / Dominique Roman / Henri-Émilien Rousseau / Xavier Sigalon / John Stewart / Yves Trémorin / Jerry Uelsmann / André Villers / Vincent Voillat / Ossip Zadkine / Ton Zwerver

Commissariat:
Andy Neyrotti.
Responsable du pôle étude, conservation et diffusion des collections du musée Réattu.

Photo : Corinne Mercadier, Pandora, série de vive mémoire 2019 © Courtesy Galerie les Filles du Calvaire / Fondation des Treilles

Dates

Juillet 11 (Samedi) 10 h 00 min - Décembre 31 (Jeudi) 17 h 00 min

Lieu

Musée Réattu

10 Rue du Grand Prieuré, 13200 Arles

Musée Réattu10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesOuvert tous les jours de 10h à 17h sauf le lundi

Calendrier GoogleCal

jeu12nov(nov 12)0 h 00 min2021lun04jan(jan 4)0 h 00 minNoir & Blanc : Une esthétique de la PhotographieCollection de la Bibliothèque nationale de FranceLe Grand Palais, 3, avenue du Général Eisenhower 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam28nov(nov 28)14 h 00 min2021sam30jan(jan 30)19 h 00 minVivian Maier, Self-portraitsSabine WeissLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les Douches la Galerie a le plaisir de présenter une nouvelle sélection d’autoportraits de Vivian Maier. Réalisés entre 1953 et les années 1970, ils témoignent encore une fois de son œil pour les réflexions, de son grand sens de la composition et plus largement, de la richesse de son œuvre.

Je me suis souvent demandé pourquoi on saisit sa propre image, ce que signifie le fait d’être représenté des deux côtés du cadre. Je ne me résous pas à n’y voir que pure vanité, pur narcissisme.
On pourrait penser, non sans une certaine naïveté, qu’un autoportrait nous informe sur la personne photographiée. En observant le sujet représenté, ainsi que le regard porté sur lui, nous pensons pouvoir deviner des choses sur sa vie, son travail, sa journée. En cherchant l’expression, nous discernons des vêtements, des choix, un environnement – tentative, somme toute, de résoudre le mystère du « moi ».

Je ne suis pas certaine que l’on puisse lire ce « moi » dans les autoportraits de Vivian Maier, ni même suivre l’évolution de sa vie à travers ses images. Nous observons ses autoportraits en quête de révélations, mais elle ne nous livre que très peu de choses. Elle est seule dans ses pensées. Difficile d’imaginer son point de vue. Pas une trace d’émotion ni de réaction. Pas un seul portrait à deux. Elle n’est presque jamais accompagnée, ou parfois d’un enfant. La force du personnage de Maier réside dans la personnalité qui nous regarde à son tour. Un regard d’une grande intransigeance ; et il est paradoxal, pour une personne aussi secrète et indépendante, que ce soient ses autoportraits qui, à ce jour, se sont avérés ses œuvres les plus marquantes.

Elle semblait incarner une sagesse photographique qui la dépassait – toujours dans la composition, rarement dans l’émotion. Parfois, elle fait des choix géniaux : parfois, simplement un essai. Son œuvre regorge de surfaces réfléchissantes, de vitres – un monde mis en abyme à travers des cadres, des embrasures de portes, des châssis, son ombre se projetant sur la vie des autres, sur le trottoir, sur le dos d’inconnus. À travers son objectif, nous voyons son image se refléter sur une surface, image plane répétée suivant plusieurs angles.

Nulle grande émotion n’est exprimée dans ces autoportraits, peu d’action, de la curiosité plutôt que de l’introspection, de la composition plutôt que de l’émotion. Il pouvait arriver qu’elle sourît, bien que rarement – Vivian Maier semblait avoir une double vie : sa vie domestique, avec toutes ses contradictions, et sa vie personnelle, dédiée à la création. Elle jetait sur le monde un regard connaisseur, mais ne permit jamais à quiconque de devenir témoin ou spectateur de son travail. On imagine volontiers que cette femme profondément intuitive était une personne difficile : décalée, complexe, vivant dans son monde à elle. (…)

Je suppose que ce qui intéressait Vivian Maier, ce n’était pas, en soi, de réaliser des portraits d’elle, mais plutôt de proposer un aperçu, un regard sur les multiples facettes qui coexistent dans un corps. Je pense qu’il y a des indices cachés dans les autoportraits de son ombre. Dans certaines civilisations antiques, l’ombre évoque un doppelgänger. L’œuvre de Maier en est pleine. Des ombres sur les trottoirs, des ombres empiétant sur les vitrines, sur les étals de journaux, sur les feuilles mortes – où qu’elle veuille se trouver… Qui est le véritable dépositaire de ces images qu’elle n’a jamais montrées à personne ? (…)

Si je pouvais interroger Vivian Maier sur ses intentions dans sa photographie, j’imagine qu’elle me dirait : Ce qui m’a poussée à avoir cette vie secrète ? Voici ma réponse : « Ne cherchez pas à le savoir.
» En vérité, j’ai longtemps résisté. Ce n’est que récemment que je me suis mise à observer de près toute son œuvre publiée, m’y plongeant comme si j’avais trouvé une bouteille jetée à la mer il y a plus de cinquante ans. J’ai été soufflée par son talent. C’est une cadreuse hors-pair et le mystère qui entoure l’histoire de sa vie est captivant. Finalement, il est sans doute impossible de comprendre ou de connaître vraiment Vivian Maier, mais la force de ses photographies nous offre une ouverture sur son univers caché. Son œuvre respire la pureté photographique, l’amour de ce travail charnel du photographe. Point besoin de témoin ni de collaborateur, l’œuvre reste là, libre, dénuée de tout désir de reconnaissance, de notoriété ou de célébrité.

L’œuvre photographique contemporaine aspire souvent à quelque chose. Elle exige un public, ou nécessite des subventions. Elle a besoin qu’on l’aime, qu’on la partage, ou qu’on la commente.
Aujourd’hui, les images ne se contentent pas d’exister en elles-mêmes, elles recherchent le jugement, l’approbation, traînant dans leur sillon une assourdissante et répétitive rhétorique. Les photographies de Vivian Maier ont l’extraordinaire singularité d’avoir seulement voulu être prises.
Quelle magie. Un génie méconnu.
Elizabeth Avedon
Extraits de « Vivian Maier, Self-Portraits », powerHouse Books, Brooklyn, NY, 2013

Dates

Novembre 28 (Samedi) 14 h 00 min - Janvier 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

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