Jesse & Jason Pearson, Farewell Tour

L'Edition, Photo

by Ericka Weidmann on 24 novembre 2016

546 Views | Like

Fraction ouvre sa maison d’édition

Name: A Ma Fenêtre
Start: 2018-12-14T12-12-00-00
End: 2019-2-16T19-19-00-00
Location: Galerie Miranda

Temps de lecture : 14 secondes

Fraction est un magazine en ligne dédié à l’art et en particulier à la photographie contemporaine. Il publie les travaux d’artistes établis ou emergents venus des quatre coins du monde. A ce jour plus de 300 photographes ont été présentés dans Fraction Magazine. Aujourd’hui, Fraction annonce l’ouverture de leur maison d’édition. Le premier ouvrage sera Farewell Tour de Jesse Pearson et Jason Pearson.

www.fractioneditions.com
http://dickandwayne.com

Ericka Weidmann

Après des études d'Arts Appliqués et de photographie, elle rejoint un magazine en ligne consacré à la photo en tant que directeur artistique, poste qu'elle occupera pendant 10 ans. En 2010, elle s'installe comme DA en indépendant. En parallèle, elle devient responsable éditorial pour Le Journal de la Photographie et c'est en septembre 2013 qu'elle co-fonde le quotidien L’Oeil de la Photographie pour lequel elle est rédactrice en chef jusqu'en septembre 2016 avant de co-créer le 31 octobre suivant, Mowwgli, un pure player destiné à la photographie et à l'art. Aujourd'hui à l'automne 2018, c'est 9 Lives magazine qui voit le jour… http://www.ericka-weidmann.com

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ven14déc(déc 14)12 h 00 min2019sam16fev(fev 16)19 h 00 minA Ma FenêtreAndré Kertész & Arne SvensonGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam01déc11 h 00 min2019jeu10jan(jan 10)19 h 00 minChina DriftingsCatherine Gfeller Galerie RX - Rodrigue + Dereumaux, 16, rue des quatre fils 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Depuis trente ans, Catherine Gfeller développe une pratique où s’entremêlent photographies, vidéos et installations sonores dans lesquelles la femme et la ville tiennent une place prépondérante.

La dernière série, Dérives chinoises, évoque tout à la fois l’envie de découvrir, de sentir et de s’affranchir de ses propres émotions. En contrepoint avec la foule apparaît souvent un personnage féminin fictif, une sorte de double démultiplié, ludique et poétique qui évolue dans les mégalopoles chinoises. Avec une énergie communicative, Catherine Gfeller traduit par ses compositions, obtenues par montages, superpositions et collages successifs, un univers à la fois proche et éloigné de la réalité. L’exploration du réel prend alors divers chemins de traverse dans laquelle la dimension immersive demeure fondamentale. Aller à la dérive, se perdre dans les rues, autant de manières de laisser la ville nous réinventer.

Catherine Gfeller est une artiste plasticienne suisse. Elle vit et travaille à Paris et dans le Sud de la France. Après un Master en histoire de l’art et un CAPES, elle développe son activité artistique à New York où elle vit 5 ans. Elle s’installe à Paris en 1999 et obtient le prix de la Fondation HSBC pour la Photographie. Depuis 1988, son travail a été exposé en France et dans de nombreux pays, notamment au Crac de Sète, au Kunstmuseum de Lucerne, au Musée de l’Elysée à Lausanne, au W.A.M.de Johannesburg, au Musée d’Art de Guangzhou (Chine), au Musée National de Kiev (Ukraine) et au Centre Culturel suisse de Paris.

Béatrice Andrieux est une commissaire indépendante et critique d’art. Elle a été invitée aux Rencontres d’Arles de 2017 pour l’exposition « Levitt France, une utopie pavillonnaire ». Elle a dirigé le Festival Alt+1000 en Suisse en 2015. Elle a co-écrit avec Quentin Bajac et Michel Richard, « Lucien Hervé/Le Corbusier Contacts » publié au Seuil en 2011.Titulaire d’un DEA en esthétique (Paris Panthéon Sorbonne), elle vit et travaille à Paris

Dates

Décembre 1 (Samedi) 11 h 00 min - Janvier 10 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie RX - Rodrigue + Dereumaux

16, rue des quatre fils 75003 Paris

Galerie RX - Rodrigue + Dereumaux16, rue des quatre fils 75003 ParisHoraires d’ouverture : mardi - samedi, 11h-13h/14h-19h et sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

ven23nov(nov 23)12 h 00 min2019sam12jan(jan 12)18 h 00 minCartographies éparsesIsrael Ariñobox galerie, 102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

«… ce n’est pas bon d’attribuer la moindre valeur aux endroits, d’établir une hiérarchie des uns sur les autres. Les lieux, en ce qu’ils ont de plus essentiel – peser sur le monde – ne rivalisent pas, tous possèdent la même pesanteur. Aucun endroit n’est reproductible, et ainsi, la plus infime partie du monde mérite la même révérence que toutes les autres.

Les pierres ont toutes une qualité, toutes. Et les lieux, aussi.»

Perejaume

Au cœur de cette exposition d’Israel Ariño (Barcelone, 1974), la première en Belgique, nous trouvons la quasi-totalité des images qui constituent sa série la plus récente, intitulée La pesanteur du lieu. Dans le livre qui accompagne cet ensemble, une mention nous apprend que ces images ont été réalisées en octobre et novembre 2016 dans le cadre d’une résidence d’artiste au Domaine de Kerguéhennec, dans le département du Morbihan. Soit. Pour autant, nous n’apprendrons rien de ce territoire, sinon que l’auteur l’a arpenté, comme il en avait arpenté d’autres auparavant, qu’il en arpentera de nouveaux au cours de sa vie. Rien de particulier, rien qui différencie ce lieu d’un autre, voire de tous les autres. L’essentiel, bien sûr, tient au regard que le photographe pose sur les choses, quelles qu’elles soient, bien plus que sur les choses elles-mêmes. Le lieu est secondaire, le regard est singulier, à nul autre pareil.

Tout semble se dérouler entre chien et loup, dans un univers d’où la franche clarté serait bannie. Le spectateur doit s’y reprendre à deux fois, redoubler d’attention, consacrer le temps nécessaire pour distinguer ce qui lui est offert. Rien ne se dévoile au premier coup d’œil. Tout, par contre, s’imprime à jamais sur nos rétines. Chacune de ces petites photographies, discrètes et élégantes, servies par des tirages somptueux, pourrait bien s’avérer inoubliable, s’insinuant en nous comme un délicieux poison.

À des degrés divers, les mêmes “imprécisions” géographiques valent pour de précédentes séries également montrées ici – de manière plus fragmentaire -, comme Le nom qui efface la couleur(2014), fruit d’une autre résidence, cette fois dans le parc naturel régional de la Brenne, au centre de la France, ou encore Atlas(2006-2012) qui réunit des vues glanées çà et là.

Mais, une fois encore, qu’importe. Les lieux se valent, interchangeables et uniques tout à la fois.

Ariño ne nous montre rien de très précis, il se joue de notre capacité à localiser, à reconnaître, à identifier avec certitude. Ou plutôt à notre incapacité à le faire. Il nous plonge avec délice dans l’indistinct, dans des ambiances crépusculaires, nous prenant par la main pour ensuite nous laisser livrés à nous-mêmes, n’ayant d’autre solution que le recours à nos propres souvenirs ou à notre imaginaire. À nous finalement de nous raconter nos histoires à partir de ces éléments quelque peu mystérieux – inquiétants ? -, de relier ces fragments poétiques au départ de ces cartographies éparses.

Un sein et une épaule de femme, puis leur miroir. Des arbres, d’étonnantes antilopes flottant dans l’espace d’un lieu confiné. Un enfant couché sur une meule de foin. Une main posée sur un visage. Encore des arbres, des feuilles, quelques fleurs. Une chouette qui nous scrute avec étonnement et bienveillance. Des histoires à n’en plus finir.

Dates

Novembre 23 (Vendredi) 12 h 00 min - Janvier 12 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

box galerie

102 chaussée de Vleurgat 1050 Bruxelles

box galerie102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesLa galerie est ouverte du mercredi au samedi de 12 à 18 heures

Calendrier GoogleCal

sam15déc(déc 15)10 h 00 min2019sam09fev(fev 9)19 h 00 minFumer Dans Le VentPascal PinaudGalerie Catherine Issert, 2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour Pascal Pinaud, « Fumer dans le vent » évoque autant l’image fictionnelle d’une fumée de cigarette s’échappant des lèvres d’un héros solitaire que la propagation d’une peinture diffusée au pistolet dans une cabine de carrosserie. Cet aller-retour entre stéréotype et concrétude, image populaire et principe de réalité, illustre exactement l’articulation de l’oeuvre de cet artiste qui réinvente encore et toujours la peinture, sa pratique et ses limites.

Cette exposition reprend en creux la précédente monographie que la galerie Catherine Issert lui avait consacré en 2012 sous le titre « Nul motif apparent » : pour « Fumer dans le vent » Pascal Pinaud repeint les murs de la galerie pour ne laisser en blanc que les emplacements des oeuvres précédemment accrochées. Puis, au mépris total de cet exercice et sans tenir compte de son propre geste, l’artiste procède à l’accrochage de ses nouvelles oeuvres.

Ce jeu entre positif et négatif, entre couleur et réserves plus ou moins dévoilées, crée un lien visuel et mnémonique entre oeuvres anciennes et récentes, rappelant ainsi qu’un artiste ne peut construire une exposition qu’à partir de ses expériences passées. Par la réminiscence des Patères, des Néons Bleus ou bien encore de Suite Berlinoise, l’artiste s’auto-cite et s’auto-contraint.

Sur ces murs peints dans une teinte dorée, Pascal Pinaud présente des pièces récentes et pour certaines inédites, dont la diversité des processus et des matériaux répond aux grandes problématiques qui traversent son oeuvre.

Nouvelle série, Couchers de soleil s’inspire de visuels que l’artiste trouve sur l’application Instagram. Chacune de ces peintures sur tôle a pour titre le lieu où la photographie amateure a été réalisée. Cliché populaire s’il en est – car il est aisé d’en réaliser une image séduisante sans compétence particulière – le coucher de soleil évoque ici autant Les Croûtes — grossiers et criards pastiches de chromophotographies — de Gasiorowski que la planéité photogénique et graphique des oeuvres d’Ed Ruscha. Entre peinture et média numérique, le cliché, sur lequel s’appuie ici la composition, est donc à entendre aux deux sens du mot : capture photographique, mais également représentation stéréotypée du monde.

Les oeuvres Beau Concept et Qatar Airways jouent également de cette limite entre peinture et photographie : elles copient des affiches publicitaires ayant été déchirées par le dispositif de roulement interne de leur habitacle. Comme souvent, Pascal Pinaud joue avec le principe de réalité ; en l’occurrence ici l’observation d’un système fonctionnel qui, par son dérèglement, provoque des compositions picturales involontaires.

Il reproduit le caisson publicitaire quasiment à l’identique — y apposant même la marque du fournisseur — sur lequel il contrecolle la photographie de la publicité abimée, poursuivant ainsi une double illusion : celle, réaliste, de la copie (l’image étant analogique et homothétique à l’original détérioré) et celle de la profondeur picturale (la présence du dispositif mécanique et lumineux habituellement caché étant ici révélée par l’image). Pascal Pinaud parle ici, par l’opération d’un glissement, de son rapport transhistorique à la peinture : Qatar Airways rappelle la peinture d’histoire et notamment Delacroix, Beau Concept cite quant à elle à la peinture conceptuelle ; toutes deux évoquent les affichistes.

Un petit tableau ovale, rappelant quant à lui les portraits bourgeois, est peint d’un gris indéfini. Cette oeuvre est une réponse aux Peintures recyclées de Nicolas Floc’h, qui demande à des amis artistes de lui confier des toiles qu’ils ne veulent pas montrer. Il en dissout les couches picturales jusqu’à obtenir une teinte uniforme, qu’il remet en tube et étiquette au nom de l’artiste. En retour, Pascal Pinaud utilise cette couleur pour réaliser son autoportrait sous la forme d’un monochrome, dont la brillance mime celle d’un miroir sans pourtant refléter de visage. Ce jeu de pingpong est un clin d’oeil à sa famille d’artistes : comme lui, Nicolas Floc’h s’intéresse aux limites entre art, métiers d’art, techniques artisanales et design industriel.

Enfin, un grand format rectangulaire, entre tableau et sculpture, est recouvert de 19000 fèves — restes de la collecte réalisée pour L’Arbre à fèves (monumental platane réunissant 20481 de ces figurines). Suivant le même principe, la surface et les bords de l’oeuvre sont saturés de ces objets « sucés par des milliers de gens », qui agglomérés, forment un paysage abstrait, rugueux et encyclopédique. Plus minimale que L’Arbre à fèves, elle est toutefois et au même titre emblématique de la « collectionnite » aigüe de l’artiste et de son intérêt pour les pratiques populaires.

D’autres oeuvres encore pourront venir couvrir les murs dorés et blancs de la galerie Catherine Issert, alimentant ce même fil rouge, qui entrecroise réflexions quotidiennes les plus triviales et préoccupations esthétiques les plus exigeantes. Ces hybridations donnent naissance à une oeuvre hétéroclite où le vulgaire dialogue avec le conceptuel, le populaire avec le précieux … pour mieux brouiller les préjugés critiques et à terme abolir la notion d’identité de l’oeuvre. Ainsi la peinture descend-elle de son piédestal : chaque geste répond simplement à sa propre cohérence et assume ses origines parfois « illégitimes », composant un corpus d’oeuvres qui ne refusent ni la contradiction ni la controverse, mais, a contrario, actualisent le débat pictural.

Pauline Thyss, novembre 2018

Dates

Décembre 15 (Samedi) 10 h 00 min - Février 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Catherine Issert

2 Route Des Serres 06570 Saint-Paul

Galerie Catherine Issert2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulOuvert du Mardi au Samedi de 10h à 13h et de 15h à 19h. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

sam08déc(déc 8)14 h 00 min2019mar15jan(jan 15)19 h 00 minChristmas party # 4 - Inquiétante étrangetéExposition CollectiveUnder Construction Gallery, 6 passage des gravilliers 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

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Détail de l'événement

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