Name: Abstractions
Start: 2019-11-20T10-10-00-00
End: 2020-1-11T19-19-00-00
Location: Galerie 1900-2000

Temps de lecture : 38 secondes

À l’occasion de la sortie du film « Camille » de Boris Lojkine, qui vient rendre hommage à la jeune photojournaliste tuée en Centrafrique en 2014 et de la publication de l’enquête menée par Irène Jonas sur la santé des photographes au travail, Médiapart a organisé une rencontre entre la mère de la jeune femme assassinée et la sociologue pour faire un triste constat de la réalité du métier de photojournaliste rongé par la précarité.

Mediapart questionne la précarité qui ronge le photojournalisme avec Maryvonne Lepage, la mère de la photographe française Camille Lepage tuée en Centrafrique en mai 2014 et la sociologue Irène Jonas auteure d’un rapport sur les conditions d’exercice du métier qui n’en finissent pas de se précariser. Animée par Rachida El Azzouzi

L’Etude sur la santé des photographes est consultable à cette adresse :
http://saif.fr/site/assets/files/60306/crise_du_photojournalisme_et_sante_des_photographes.pdf

A LIRE :
Sortie du Film « Camille » de Boris Lojkine
PODCAST : Tables rondes « La Photographie en Danger ! » Finance, Santé, Parité : quelle situation aujourd’hui pour les photographes ?

Détail de l'événement

«Curieux de savoir comment le monde visible se présentât émancipé de notre oeil percevant…”
Le monde pour soi et le monde pour nous par August Strindberg, 1894

Les Célestographies de l’auteur suédois August Strindberg ont été produites en 1893-1894 en pleine période d’industrialisation et de modernisation, à l’aube du 20e siècle. L’invention de la plaque au gélatino-bromure d’argent simplifie grandement la prise d’images, ce qui permet le développement de nouvelles techniques scientifiques telles que l’astrophotographie, la chronophotographie et la radiographie. En d’autres termes, c’est l’époque durant laquelle la photographie devient la “rétine du scientifique”, comme le dit l’astronome français Pierre-César Jules Janssen. De plus en plus, un nouveau monde alors invisible émerge, révélé par la science, bouleversant nos conceptions de distance, de simultanéité, de temps, de sensorialité et de mémoire. Cette révolution provoque malaise, doutes mais aussi suscite l’espoir chez Strindberg et ses contemporains. Tout comme le téléphone, le phonographe ou encore le cinéma en leurs temps ont réécrit nos perceptions et l’usage de nos sens qui sont aujourd’hui de nouveau questionnés par l’apparition d’innovations technologiques.
L’une des caractéristiques majeures des Célestographies, résultat d’une fusion de la science naturelle et de l’occultisme, est l’absence de chambre et d’optique. Dans le but de démontrer que notre perception du monde était une illusion car soumise aux limites de notre oeil et de sa construction, Strindberg exposa directement des plaques de verres face à la Lune, le Soleil et les étoiles pour en capturer la lumière et la vraie forme. Il obtint comme résultat un motif irrégulier de petits points, comme une trace de lumière, pensant capturer le ciel constellé. Mais l’on sait en réalité que les informations capturées sur ces plaques ne sont pas la lumière des étoiles. En revanche, ces images de “ ciel nocturne ” nous rappellent le lien invisible entre la matière photosensible et le sujet, car la relation avec celui-ci n’est pas directe mais implicite.
Tout comme les philosophes naturalistes et les mystiques ont parfois utilisé la photographie pour décrypter des phénomènes observés, tentant de capturer leur nature cachée, l’alchimiste chez Strindberg apprécia également la poésie et le surnaturel de l’image apparaissant lors des réactions chimiques, la «nature intérieure» du médium photographique. C’est la raison pour laquelle certaines Célestographies sont non fixées afin de rendre l’image photographiée même à la nature. (Quelque chose fait par la nature aussi bien qu’un morceau de nature). […]
Ici, je tente de faire émerger la forme originale sous différents angles et à différentes époques, différentes techniques photographiques et de questionner la relation entre l’imagination et l’image photographique.
Que pouvons-nous apprendre de ces images « non fixées » après 125 ans ?
Hideyuki Ishibashi

Avec François Despatin et Christian Gobeli, Hideyuki Ishibashi, James Welling, Luigi Ghirri, NASA, Olivier Umhauer, Thomas Ruff

Dates

Octobre 10 (Jeudi) 9 h 00 min - Janvier 4 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

La Capsule, Centre culturel André Malraux

10, avenue Francis de Pressensé 93350 Le Bourget

Calendrier GoogleCal

ven08nov(nov 8)10 h 00 min2020sam11jan(jan 11)19 h 00 minNouvelle ObjectivitéHein GornyLibrairie Métamorphoses, 17, rue Jacob 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition se penche sur les ouvrages dans lesquels Hein Gorny (1904-1967), photographe de la Nouvelle Objectivité (Neue Sachlichkeit), a été publié. Le commissaire de l’exposition, Marc Barbey, exécuteur testamentaire d’Hein Gorny souligne que ces ouvrages ont été nombreux non seulement en Allemagne, mais aussi à l´international, particulièrement en France. La tenue de cette exposition à Paris dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés, dans un lieu dédié aux livres, aux manuscrits et à la photographie qui attire les spécialistes du monde entier prend tout son sens. La sélection d’ouvrages et de tirages (plus de 35) présentés se focalise en particulier sur les métiers du papier et les industries associées dont de nombreux motifs n’ont jamais encore jamais exposés. Cette sélection est complétée par des motifs parus dans ces publications en particulier dans Arts et métiers graphique. Une deuxième étape aura lieu à Mannheim au Port 25, Mannheim dans le cadre de la Biennale für aktuelle Fotografie dont le commissariat est assuré par David Campany (vernissage le 28 février 2020 – exposition du 29 février au 26 avril 2020) avec une sélection particulière, et la troisième étape aura lieu à la Collection Regard à Berlin (vernissage le 23 avril – exposition du 24 avril au 19 juin 2020).

Dans le catalogue (graphisme Andreas Koch) publié à cette occasion, le quatrième lié à l’œuvre de Hein Gorny depuis 2011, deux textes, l’un de Lene Nell et l’autre de Yusuke Isotani, éclairent la diversité des publications dans lesquelles Gorny a été choisi et sa présence extraordinaire dans la plus prestigieuse publication en matière de graphisme, d’art et de photographies des années 30 en France : Arts et métiers graphiques et ses numéros spéciaux annuels « Photographie ».

Suite à la découverte de Yusuke Isotani et de la Collection Regard en 2016 constatant la présence hors norme de Hein Gorny dans Photographie, Marc Barbey, qui avait connaissance de cette présence, mais pas de manière comparée aux autres photographes, a poursuivi l’investigation. Il a constaté que Gorny était effectivement « sur- représenté » dans cette revue avec 29 publications, devant Emmanuel Sougez (1889-1972) et tous les autres photographes de son temps. Les recherches de Yusuke Isotani l’ont aussi confirmé et sa thèse de doctorat qui sera publiée en 2020 en témoignera. C’est une grande chance de pouvoir publier le texte « Hein Gorny et la revue Arts et métiers graphique » de Yusuke Isotani dans le catalogue accompagnant cette exposition car il donne une vision très complète de ce qu’a été cette revue légendaire en contextualisant l´histoire et l´évolution de la photographie à cette époque.

Extraits du texte de Yusuke Isotani :
« Parmi ces projets, la publication de Photographie le 1er mars 1930 assit la réputation d’Arts et métiers graphiques comme défenseur majeur de la photographie contemporaine en France. Publié sous le numéro 16 de la revue, Photographie rassemblait les reproductions de 117 images de 48 artistes, photographes et agences de photo de France, d’Allemagne et des États-Unis. Pour la première fois en France, elle présentait des œuvres de créateurs modernistes de premier plan, mais aussi émergents, tels que László Moholy-Nagy, Max Burchartz, Man Ray, André Kertész, Germaine Krull, Edward Steichen et Florence Henri. Les photos publiées étaient représentatives de l’éventail du répertoire visuel du médium, montrant 50 des œuvres qui traitaient de nouveaux sujets et avaient recours à des techniques expérimentales. S’y trouvaient par exemple, des photographies prises en plongée et contre-plongée, des gros plans audacieux, des photogrammes réalisés sans appareil photo, des surimpressions et des épreuves négatives. Le photographe français Daniel Masclet rappela plus tard que ce volume fut reçu comme une « bombe » qui réduisit presque immédiatement à néant la scène française de la photographie dominée par les pratiques pictorialistes traditionnelles jusqu’à la fin des années 1920. En raison du succès de ce numéro, Photographie devint dès lors une publication annuelle qui continua à refléter et catalyser les changements de goûts en matière de photographie française de l’entre-deux-guerres, jusqu’à son numéro de 1940.

Après des débuts discrets dans Photographie 1932 (25 août 1932), avec une unique image publiée en page 12, Gorny continua à apparaître sans interruption dans la publication annuelle jusqu’au numéro 1939 (15 septembre 1938).
Il en résulta que le nombre de ses œuvres dans Photographie atteignit vingt-neuf au total, ce qui en fit le photographe le plus fréquemment publié dans cette revue dans la période de l’entre-deux-guerres. Outre les propres sélections et recommandations des éditeurs, Photographie acceptait les propositions de photographes indépendants, qui firent bientôt de cette publication le « who’s who » des professionnels contemporains de ce médium. En tant que tel, plus de 1 200 photographies furent reproduites par près de 380 photographes et agences du monde entier. Sachant que chaque participant était représenté par trois à quatre œuvres en moyenne, le nombre de vingt-neuf apparaît tout simplement hors du commun. La présence de Gorny fut particulièrement remarquable dans le numéro de 1933–1934 (2 août 1933), qui contenait onze reproductions de ses photographies. Tout au long de l’existence de Photographie, aucun autre photographe ne reçut un tel traitement privilégié en une seule édition. »

Ouvert du mardi au samedi de 10h à 13h et de 14h30 à 19h00

Dates

Novembre 8 (Vendredi) 10 h 00 min - Janvier 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Librairie Métamorphoses

17, rue Jacob 75006 Paris

Calendrier GoogleCal

mer16oct(oct 16)12 h 00 min2020dim05jan(jan 5)0 h 00 minFutur, ancien, fugitif. Une scène françaiseDacca, Lagos, Manille, Mexico, TéhéranPalais de Tokyo, 13 Avenue du Président Wilson, 75116 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Empruntant son titre à Olivier Cadiot*, l’exposition réunit quarante-quatre artistes (ou collectifs d’artistes) né·e·s entre les années 1930 et les années 1990, qui vivent et travaillent tou·te·s, dans et avec leur époque. Ce projet, mené de façon collégiale par quatres commissaires du Palais de Tokyo, est une photographie non pas exhaustive, ni même représentative, mais simplemnet sensible d’une vaste et complexe scène française actuelle.

« Futur, ancien, fugitif a aussi pour particularité de réunir un nombre conséquent d’artistes aux trajectoires atypiques, non linéaires ou en dents de scie, et qui parfois s’enracinent ou se propagent loin du champ de l’art. Cartographie dynamique d’une autre scène française, cette exposition réaffirme ainsi le rôle de certains passeu·r·se·s, de figures plus secrètes et de fugitif·ve·s en tous genres, mais surtout d’artistes qui inscrivent leur travail dans une forme de durée, qu’il·elle·s en soit à l’aube de leur carrière ou déjà à la tête d’une œuvre dense. »

Avec :
Nils Alix-Tabeling, Mali Arun (Lauréate du Grand Prix du Salon de Montrouge 2018), Fabienne Audéoud,Carlotta Bailly-Borg, Grégoire Beil, Martin Belou, Jean-Luc Blanc, Maurice Blaussyld, Anne Bourse, Kévin Bray, Madison Bycroft, Julien Carreyn, Marc Camille Chaimowicz X We Do Not Work Alone, Antoine Château, Nina Childress, Jean Claus, Jean-Alain Corre, Jonas Delaborde et Hendrik Hegray, Bertrand Dezoteux, Vidya Gastaldon, Corentin Grossmann, Agata Ingarden, Renaud Jerez, Pierre Joseph, Laura Lamiel, Anne Le Troter, Antoine Marquis, Caroline Mesquita, Anita Molinero, Aude Pariset, Nathalie Du Pasquier, Marine Peixoto, Jean-Charles de Quillacq, Antoine Renard, Lili Reynaud-Dewar, Linda Sanchez (Lauréate 2018 du Prix des Amis du Palais de Tokyo), Alain Séchas, Anna Solal, Kengné Téguia, Sarah Tritz, Nicolas Tubéry, Turpentine, Adrien Vescovi, Nayel Zeaiter.

Photo : Pierre Joseph, Fondation Vincent van Gogh Arles 2018, extrait d’un ensemble de 45 tirages.Crédit photo : Pierre Joseph. Courtesy de l’artiste et de la galerie Air de Paris (Paris) © Adagp Paris 2019

Dates

Octobre 16 (Mercredi) 12 h 00 min - Janvier 5 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Palais de Tokyo

13 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris

Palais de Tokyo13 Avenue du Président Wilson, 75116 ParisOuvert tous les jours de 12h à minuit, sauf le mardi

Calendrier GoogleCal

sam09nov(nov 9)10 h 00 min2020dim15mar(mar 15)18 h 00 minStreet PhotographerVivian MaierMusée de l'Ancien Évêché, 2 Rue Très-Cloîtres 38000 GrenobleType d'événement:Exposition,Photographie

Le photojournalisme rongé par la précarité

Tags

Ericka Weidmann

Née un 9 décembre : la première femme photojournaliste indienne, Homai Vyarawalla

Human Interest Stories, éditions Sometimes
Rencontre avec Stephen Dock, une histoire d’homme(s)

Né un 22 octobre : Le photographe Robert Capa

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