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Sortie de la revue Like, le dernier né de Tous les jours curieux

Ericka Weidmann29 juin 2020

Temps de lecture estimé : 3mins

Nous avions reçu l’équipe de Tous les jours curieux en mai dernier en tant qu’invités de la semaine. À cette occasion, ils nous avaient annoncés la sortie prochaine d’une édition papier. Après un mois d’attente, voici la revue Like, un trimestriel dédié à la photographie ! En vente dès aujourd’hui !

L’application Tous les jours curieux est née il y a trois ans. Aujourd’hui, l’aventure prend aussi forme dans un format papier avec “Like”. Imprimée à 5000 exemplaires, cette nouvelle revue dédiée à la photo, est un rendez-vous trimestriel. Son premier numéro est lancé aujourd’hui, lundi 29 juin et est disponible dans les librairies spécialisées ou peut vous être envoyée à votre domicile. Cette édition papier vous donnera rendez-vous à chaque saison pour explorerdes thématiques différentes et récurrentes : les festivals de l’été, l’édition, le photojournalisme et la photographie plasticienne. Le prix de lancement est de 9,90€ pour le numéro #01. Vous pouvez également souscrire à l’abonnement à l’année d’un montant de 30€. Une version 100% digitale vous est également proposée pour 3€.

Nos amis, les gens du “métier“ et d’autres nous disent que c’est pas une bonne idée… « Quoi? Mais plus personne n’achète du papier! » Vous nous aidez à les faire mentir?

Au sommaire de ce premier “Like”, un article sur la campagne photographique menée en France par Eric Bouvet et Yan Morvan. Depuis 2018, les deux photographes ont parcouru 60000 km sur l’ensemble du territoire métropolitain, pour partir à la rencontre d’hommes et de femmes et leur ont posé la même question “Être Français ? Un projet courant sur deux ans, de la rupture politique de la campagne présidentielle de 2017 au traumatisme de la pandémie de Covid-19. Vient ensuite une rencontre avec Anne-Christine Poujoulat, la seule femme photographe de l’AFP, photojournaliste que nous avions pu découvrir lors de la dernière édition du festival Les Femmes s’exposent d’Houlgate, l’an passé. Vous retrouverez également l’entretien avec Max Pam qui revient sur ses souvenirs de 1970…
Et beaucoup d’autres choses…

INFOS PRATIQUES :
Revue Like
n°#01 – Été 2020
16,5x23cm
132 pages
9,90€ (prix de lancement)
3€ (version numérique)
Périodicité : Trimestrielle
> Pour acquérir le premier numéro ou s’abonner : https://www.touslesjourscurieux.fr/jachete-la-revue-like/

A LIRE :
Jean-Jacques Farré & Gilles Courtinat de Tous les Jours curieux, sont nos invités de la semaine
Tous les Jours Curieux, le magazine photo toujours sur vous !

Ericka Weidmann

Après des études d'Arts Appliqués et de photographie, elle rejoint un magazine en ligne consacré à la photo en tant que directeur artistique, poste qu'elle occupera pendant 10 ans. En 2010, elle s'installe comme DA en indépendant. En parallèle, elle devient responsable éditorial pour Le Journal de la Photographie et c'est en septembre 2013 qu'elle co-fonde le quotidien L’Oeil de la Photographie pour lequel elle est rédactrice en chef jusqu'en septembre 2016 avant de fonder 9 Lives magazine ! Ericka Weidmann est également journaliste pigiste pour d'autres médias.

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

jeu12nov(nov 12)0 h 00 min2021lun04jan(jan 4)0 h 00 minNoir & Blanc : Une esthétique de la PhotographieCollection de la Bibliothèque nationale de FranceLe Grand Palais, 3, avenue du Général Eisenhower 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

ven25sep(sep 25)14 h 00 min2021sam27fev(fev 27)18 h 00 minBlessureSebastião SalgadoEspace Krajcberg, 21 Avenue du Maine, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour montrer le rôle essentiel de la forêt amazonienne dans l’équilibre planétaire, Sebastião Salgado a survolé cet immense territoire, révélant entre ciel et terre un paysage peuplé de vie. Mais lors de ses nombreux voyages au-dessus de l’Amazonie, il a aussi été témoin des gigantesques feux provoqués par l’Homme, plaies béantes ouvertes dans la forêt, qui ne cessent de s’agrandir.

C’est cette « blessure ouverte » que Sebastião Salgado a choisi de montrer pour la première fois à l’Espace Frans Krajcberg, dans une exposition intimiste. Ces photos inédites sont là pour nous alerter et rappeler qu’une blessure sur laquelle on se penche peut guérir. L’immensité de l’Amazonie, sa force, sa vitalité, lui permettront de survivre si nous prenons conscience des dangers qui menacent cet étonnant écosystème, indispensable à notre équilibre.

Dans cette volonté de « dénoncer » pour nous forcer à agir, Sebastião Salgado rejoint Frans Krajcberg (1921-2017), qu’il a connu et avec qui il partage la même passion des arbres et de la forêt brésilienne. Son œuvre photographique et son engagement s’inscrivent dans la continuité du travail artistique et militant de Frans Krajcberg, dont les sculptures-totems, faites de bois brûlés ramassés sur les lieux de la déforestation, symbolisent selon Sebastião Salgado « la tourmente et la résurrection de la forêt morte ».

D’un côté un photographe, formant avec Lélia Wanick Salgado un couple lumineux, engagé pour la Vie et fermement tourné vers la cicatrisation et la reconstruction. De l’autre Frans Krajcberg, un artiste révolté, solitaire, tirant sa force de sa colère. Ils partagent la même blessure, la même préoccupation pour le sort de la forêt Amazonienne, « essentielle pour toute la planète ». Ils partagent aussi le même espoir, celui de la reconstruction, de la résilience, de la naissance d’un monde nouveau grâce à la reconnexion de l’Homme avec la Nature.

Ouvert du Mardi au Samedi, de 14h à 18h.

Photo : © Sebastião Salgado, État de Acre, Brésil, 2016.

Dates

Septembre 25 (Vendredi) 14 h 00 min - Février 27 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Espace Krajcberg

21 Avenue du Maine, 75015 Paris

Calendrier GoogleCal

sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minWhen the water clouded overMichaël DansLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Tout a commencé par une photographie d’une nature morte prise chez sa grand-mère…
Pendant plus de deux années, Michaël Dans a créé et aussi photographié des installations florales à partir de vases, de tissus ou de papier peints chinés ou empruntés çà et là avec une méthodologie et un souci du détail et de la mise en scène identiques à ceux d’un peintre de natures mortes.
Et c’est dans le secret de son laboratoire photo que la nature reprend ses droits ; tout reprenant alors vie… Naturelles ou pas, à peine écloses, en pleine floraison ou fanées, les fleurs sont sublimées.

« Allégories du kitsch ? Mauvais goût ? Pas si sûr. Il faut à Michaël Dans autant de tendresse que d’acuité pour accompagner ces vielles demoiselles vers leur ultime demeure, en tirer le portrait bien loin des catalogues de fleuristes ou de jardineries, et nous offrir par brassées ces images pareilles aux cartes postales au papier glacé que l’on envoyait autrefois, ornées de formules aux lettres dorées » écrit Xavier Canonne.
Ce sont quelque quarante-cinq compositions qui fleuriront les murs du Musée.
Diplômé en peinture de l’Ecole Supérieure des Arts Saint-Luc Liège, Michaël Dans multiplie les expositions solos et collectives. De la même manière qu’il a mené une vie itinérante, habitant tour à tour à Liège, Amsterdam, Helsinki, Berlin, Anvers…, Michaël Dans s’exprime avec des techniques aussi différentes que l’installation, la performance, la sculpture, le dessin ou la photographie. Cette diversité se retrouve également dans les sujets abordés (mort, solitude, érotisme, enfance) et les formats utilisés : du dessin au mikado géant en passant par le lancé de dix-sept pierres précieuses dans un pré à l’occasion de Kunst & Zwalm.
Depuis ses débuts, cet éclectisme lui permet d’échapper à tout type de catégorisation et de surfer avec aisance à travers les codes de l’art contemporain. Ainsi, Michaël Dans inscrit-il chaque fois sa proposition artistique dans un rapport spécifique avec les contextes d’exposition (architectural, conceptuel, etc.) afin qu’elle génère une pertinence propre. De manière subtile et ludique, il profite des différentes propositions de travail qui lui sont faites pour construire des interventions en perpétuel décalage et riches en détournements de situations. A la frontière des objets et des attitudes, il crée des oeuvres porteuses de messages transmis à l’aide d’un humour cynique et critique sur un fond de mélancolie, d’introspection et d’érotisme.
Après ses études à la Rijksakademie d’Amsterdam, Michael Dans a notamment exposé au Centre National d’Art et du Paysage de Vassivière (France), au BPS22 à Charleroi, à l’Espace 251 Nord à Liège, à la Galerie du Sous-sol à Paris, à la Galerie Aliceday de Bruxelles, à la Galerie Zacheta de Varsovie, au Quartier 21 à Vienne, au Wiels à Bruxelles, à la Galerie de Virgile de Voldère à New York, au lieu Unique et aux Galeries Lafayette à Nantes, à la Galerie Nadja Vilenne de Liège…

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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mar16jui(jui 16)11 h 00 mindim27déc(déc 27)19 h 00 minCroyances : Faire et défaire l'invisibleInstitut des Cultures d’Islam, 56, rue Stephenson 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie,Vidéo

Détail de l'événement

Du 12 mars au 26 juillet 2020, l’Institut des Cultures d’Islam présente Croyances : faire et défaire l’invisible, exposition dont le commissariat est assuré par Jeanne Mercier, co-fondatrice de la plateforme Afrique in Visu.
Les oeuvres de seize artistes photographes et vidéastes interrogent la puissance évocatrice des religions, superstitions et mythes du continent africain, revendiqué comme lieu d’expérimentation, de glissements, de frictions et de négociations.
Loin du panorama et des récits stéréotypés, les artistes se saisissent ici de façon poétique, critique ou décalée de la question du « croire », de ses conventions, pratiques et représentations.
Leurs oeuvres dialoguent entre réel et fiction, esquissant des croyances en mouvement, anticipant leurs possibles évolutions.

Entrons dans la transe
L’exposition projette d’abord les visiteurs dans l’univers de la transe. Ses vibrations sont perceptibles dans les photographies de Bruno Hadjih sur la pratique du wird dans la mystique soufie en Algérie, tandis que la vidéo de Léonard Pongo revisite les cérémonies pratiquées par les églises évangéliques en République Démocratique du Congo.

Djinns, esprits et autres êtres intermédiaires
Les artistes invités proposent également une réflexion sur les superstitions. Btihal Remli et Mohammed Laouli s’intéressent à la pratique de la « sorcellerie » et des rituels au Maroc. Dans Land of Ibeji, Bénédicte Kurzen et Sanne de Wilde mettent en scène les croyances autour des jumeaux au Nigéria. Nicola Lo Calzo livre quant à lui un récit sur le vaudou pratiqué au Bénin et au Togo, notamment avec la figure de Tchamba, celui qui incarne l’esprit des esclaves.

Corps sacrés
L’exposition fait ensuite dialoguer les trois monothéismes en interrogeant la pratique du sacrifice dans la série de portraits Ovine Condition de Nabil Boutros. La représentation de l’autorité religieuse séculaire devient un acte de résistance aux schémas dominants avec la série Black Pope de Samuel Fosso ou encore une allégorie féminine dans le travail mené depuis plusieurs années par Maïmouna Guerresi.

Voyage initiatique
La question du pélerinage traverse également l’exposition. Elle y est abordée de façon imagée, comme étape nécessaire d’un processus de transformation de soi. Éric Guglielmi photographie les pèlerins se rendant chaque année à Touba au Sénégal. De son côté, Giya Makondo-Wills capte le rite initiatique du baptême en Afrique du Sud tandis que Rahima Gambo orchestre une fable contemporaine sur la résilience suite aux exactions du groupe terroriste Boko Haram dans un village du Nigéria.

Dieu ou le wifi ?
Nos croyances futures sont anticipées par les artistes qui mixent les pratiques traditionnelles avec le digital. Josèfa Ntjam, Tabita Rezaire ou Seumboy VRAINOM : € créent ainsi des nouveaux rituels hybrides à l’ère de « l’homo-numericus ».

Performances et métamorphoses
L’exposition s’active lors de performances et s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire mêlant arts de la scène, tables rondes et films. La transe saharienne et l’électro indus fusionnent, le cérémonial mouride se métamorphose en expérience multimédia immersive et la pleine lune est célébrée lors d’une soirée alternative, tandis que des conférences et projections abordent le rôle des femmes dans la transmission des croyances, la manière dont les artistes rendent visible l’invisible, ou encore l’avènement de nouveaux sacrés. Enfin, le jeune public bénéficie d’une offre dédiée proposant des contes musicaux, des ciné-goûters et la réalisation d’un livre de recettes magiques.

Dates

Juin 16 (Mardi) 11 h 00 min - Décembre 27 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Institut des Cultures d’Islam

56, rue Stephenson 75018 Paris

Institut des Cultures d’Islam56, rue Stephenson 75018 ParisL’ICI est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 19h sauf le vendredi de 16h à 20h. L’ICI est fermé le lundi et les jours fériés.

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ven16oct(oct 16)14 h 30 minsam12déc(déc 12)19 h 00 minAmanhã Hã De Ser Outro DiaRodrigo BragaLe salon H, 6/8 rue de Savoie, 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette première exposition de Rodrigo Braga au Salon H s’inscrit dans la continuation du processus créatif « point zéro » initié par l’artiste en 2018 à la Galerie Anita Schwartz à Rio de Janeiro. Ainsi le glissement sémantique de « os olhos cheios de terra » (« les yeux plein de terre ») titre de cette exposition, à «o vo que vê» (« l’oeuf qui voit ») pointe l’évolution des réflexions de l’artiste en ces temps de régressions, violences et incertitudes qui secouent le Brésil et le monde, le contraignant à une forme d’exil.

Au sentiment d’effondrement, et de perte, face au collapse généralisé, politique, écologique, humain, a fait place l’espoir fragile d’un renouveau possible, à travers cet « oeuf pierre omniscient » que Rodrigo Braga nous invite à saisir, et qui sert de fil conducteur à cette nouvelle exposition.

Car c’est à la question centrale du la lutte entre l’espèce humaine et son environnement naturel, que se confronte Braga depuis son entrée remarquée sur la scène artistique brésilienne.
Qu’est ce qui nous distingue en tant qu’être biologique ? Quelles relations entretenons-nous avec le monde animal, végétal, minéral ? Jusqu’où nos pulsions prédatrices peuvent-elles nous conduire ?

Autant de questions qui ont gagné en acuité au cours de la dernière décennie du fait de la multiplication des désordres engendrés par l’activité humaine, et le passage à cette nouvelle ère que certains scientifiques ont appelé ‘Anthropocène’, mettant au défi nos capacités d’anticipation, de contrôle et de résilience face aux écosystèmes existants.
Très marqué par la génération d’artistes brésilien signataires du Manifeste néo-concret, comme Lygia Clarck et ses « sensorial objects », ou Hélio Oiticica et ses expériences autour du corps, Braga s’inscrit dans le désir de porter une approche de l’art plus organique, émotionnelle et inclusive.

C’est donc vers une pratique performative, que l’artiste s’est naturellement tourné. En s’engageant dans un corps à corps physique avec un environnement naturel (animal, végétal, et minéral), Braga donne à voir et ressentir l’expérience de cette tension, avec une intensité toute particulière.

Pour l’artiste le corps est gage d’authenticité, il ne triche pas, ne provoque pas, ne transgresse pas, mais cherche le point de tension le plus juste avec son environnement, se faisant le médium d’une expérience primordiale.

Car en aucun cas ses actions sont gratuites. Elles reposent clairement sur un savoir intuitif et archaïque, une connaissance profonde de l’ordre des espèces, et de la psyché humaine.
Tour à tour biologiste, naturaliste, géologue, archéologue, anthropologue, chaman, Braga sait puiser dans ses origines, son histoire personnelle, et l’inconscient collectif, les symboles et archétypes qui vont conférer à la documentation de ses actions un impact puissant.

Quand on se penche sur le parcours rétrospectif de l’artiste on est frappé par la richesse de sa production, le nombre d’expositions et de prix dont il a fait l’objet, et la cohérence d’un parcours sans concession.
Ainsi dès 2004 Braga explore physiquement la frontière entre l’animal et l’humain à travers des expériences radicales d’hybridations : qu’il se couse la tête d’un chien sur le visage, se laisse pousser une langue de boeuf, se transforme en homme poisson, ou livre un combat à mort avec un crabe géant.

À partir de 2009 il intervient plus directement sur l’espace naturel qui l’entoure : il creuse, extrait, déplace, poussant ses limites physique et mentales jusqu’ à l’effondrement.
Il procède ensuite, à un inventaire des mimétismes entre monde végétal et animal, et esquisse les images inquiétantes du traité de botanique de notre futur déréglé.
Puis il se lance dans une série d’installations de grande envergure. Il fait chavirer l’ordre immuable des colonnes néoclassiques de la Casa França de Rio en les confrontant aux troncs morts de palmiers impériaux, et lauréat du SAM Art Projects en 2016, il remplit le bassin de l’esplanade du Palais de Tokyo d’immense bloc de pierre calcaire incrustées de fossiles marins, rappelant l’origine préhistorique et animale de notre environnement urbain.

L’exposition présentée au Salon H reprend en partie la structure formelle de la dernière exposition de l’artiste au Brésil. Conçue comme une installation incluant, photographies, dessins, vidéos, objets, elle invite à célébrer un rituel de renaissance païen.
Toute présence animale a disparu. La terre et les arbres calcinés devenus cendre, charbon, chaux, ont recouverts le corps de l’artiste. Les oppositions sont devenues binaires : noir/ blanc, pierre/vivant. Seule la présence de pierres blanches à la forme régulière ovoïdes, vient apporter une promesse de renaissance.

Saisies au creux de la main, et observées sous tous les angles, ces pierres révèlent ‘ à qui sait voir’ la présence d’un oeil, et deviennent talisman.
À travers la superposition de symboles universels : la pierre, l’oeuf, l’oeil, Braga touche intuitivement aux mystères de la création, et parvient à nous faire entrevoir la possibilité d’un passage du Chaos à un ordre nouveau, avec une très grande économie de moyen.

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 14 h 30 min - Décembre 12 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le salon H

6/8 rue de Savoie, 75006 Paris

Le salon H6/8 rue de Savoie, 75006 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h30 à 19h et tous les jours sur rendez-vous

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