Sandra Vinet est une artiste protéiforme, intrinsèquement sensible aux ondes lumineuses et sonores. Elle oscille principalement entre ses arts de prédilection qui sont la Photographie et le Dessin. En perpétuelle recherche de garder trace de l’instant présent, ses dessins et ses photos lui permettent de fixer sa mémoire. La Musique et les Arts du spectacle sont tant une source d’inspiration, qu’acteurs de ses projets. Elle croit fondamentalement en la transversalité des concepts, pour que ceux-ci puissent circuler et s’exprimer pleinement. Cette transdisciplinarité s’est exprimée depuis ses études jusqu’à aujourd’hui, ayant autant contribué à son parcours professionnel qu’événementiel. Ses travaux ont entre autre, été exposés au Salon du Meuble de Paris, à la Biennale Internationale de Design de Saint Etienne et récompensés au Concours Lépine. Née en Ile-de-France en 1977, Obtention Bac Arts Appliqués & Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique (Bac+5) Design Produit. http://sandravinet.com

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam10oct(oct 10)0 h 00 min2021dim03jan(jan 3)0 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 0 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

Calendrier GoogleCal

sam19sep(sep 19)14 h 00 mindim13déc(déc 13)18 h 30 minNew Way of LivingSabine DelcourVieille Église Saint-Vincent, Rue de la Vieille Église 33700 MérignacType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition New Way of Living présentée au Bel Ordinaire à Billère et au centre d’art image/imatge se prolonge à la Vieille Église de Mérignac.

Sabine Delcour nous livre son dernier projet, New Way of Living, situé au carrefour des problématiques sociales, environnementales et sociétales contemporaines. Ici, les images argentiques grand format d’une urbanité chinoise verticale répondent à des photographies captées au téléobjectif dans des villes numérisées et ultra-connectées où la crise sanitaire actuelle légitime la généralisation d’outils permettant l’identification, le contrôle, l’évaluation et l’isolement des individus. Est-ce le prélude annonciateur d’une transformation profonde de nos sociétés ?

De la ville fantôme d’Ordos, à la ville portuaire de Qingdao en passant par Wuhan, l’artiste met en place un dispositif qui s’inspire de l’observation de la faune pour questionner notre manière de faire ville et d’habiter le monde. Espace privé et espace public sont devenus poreux. Les avancées technologiques ont fait bouger les frontières géographiques, sociales, culturelles, physiques.

Qu’en est-il des identités, des sphères individuelles, des responsabilités des uns vis à vis des autres, des liens qui nous unissent ? La mutation est son hypothèse de départ. Elle préfigure peut-être un nouveau genre humain.

Sabine Delcour quitte la Chine la veille de la mise en quarantaine de Wuhan, une concomitance qui donne à cette introspection anthropologique une tonalité particulière.

L’exposition New Way of Living se déroule dans le cadre de l’opération “Plein Soleil 2020 – L’été des centres d’art contemporain” organisée par d.c.a (Association française de développement des centres d’art contemporain).
Elle est le fruit d’une coopération entre le Bel Ordinaire à Billère, le centre d’art image/imatge, la ville de Mérignac, la Galerie arrêt sur image et Point de fuite à Bordeaux. Ce projet a reçu le soutien d’Astre – réseau des arts plastiques et visuels en Nouvelle-Aquitaine, dans le cadre du contrat de filière « Action innovantes » 2018, de la ville de Bordeaux via l’Aide à la création 2017, de la DRAC Nouvelle-Aquitaine via l’Aide individuelle à la création 2017 et des aides complémentaires de la Région et de la DRAC Nouvelle-Aquitaine.

Dates

Septembre 19 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 13 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Vieille Église Saint-Vincent

Rue de la Vieille Église 33700 Mérignac

Calendrier GoogleCal

sam19sep(sep 19)13 h 00 mindim22nov(nov 22)17 h 00 minFlux, une société en mouvementExposition CollectiveCRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France, Place des Nations 59282 Douchy-les-MinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Panta Rhei (Toutes les choses coulent) – Héraclite d’Ephèse Le CRP/ présente en avant-première les productions de cinq des quinze lauréats de la commande photographique nationale « Flux, une société en mouvement » lancée en 2018 par le Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le ministère de la Culture. Aux côtés de Diaphane, pôle photographique en Hauts-de-France, le CRP/ a accompagné ce projet de commande nationale qui sera présenté dans son ensemble aux Photaumnales à l’automne 2020 à Beauvais.

En écho aux différentes occurrences du mot « flux » entre écoulement, fusion, flot, transmission d’informations, mouvement d’ensemble ou fluctuations, les artistes lauréats se sont saisis de cette commande pour développer une recherche artistique singulière autour de la matérialité de l’image, réinvestiguant pour certains, des techniques photographiques anté-numériques, ici entre prise de vue à la chambre et tirage platine et carbone, ou encore héliogravure traduisant concrètement le sujet des flux qui traversent les paysages.

Au CRP/, les oeuvres des cinq artistes et duo d’artistes présentés – Nicolas Floc’h, Éric Guglielmi, Ilanit Illouz, Florence Paradeis et Mathieu Farcy & Perrine Le Querrec – témoignent des préoccupations environnementales et sociétales que les flux économiques ont durablement bouleversées à l’échelle mondiale.
Leurs productions proposant différentes approches autour de l’image, invitent les visiteurs à circuler dans des paysages forestiers, souterrains, sous-marins et mentaux, et à prendre conscience de l’influence des flux dans nos vies quotidiennes.

Les environnements naturels sont le résultat de multiples processus écologiques et socio-économiques. L’érosion, les politiques d’appropriation et d’utilisation des sols, les systèmes de production et d’échanges les façonnent en profondeur. L’homme ne craint plus les forces de la Nature mais les effets de sa propre action. Le rôle des scientifiques est d’analyser ces processus pour les comprendre et alerter les consciences, mais il faut souvent des médiations pour que nous saisissions réellement la portée de leur message. Les artistes ont joué et continuent de jouer aujourd’hui ce rôle de médiateur des phénomènes sociaux qui agitent nos sociétés au travers de leurs oeuvres et de leurs recherches formelles. Notre perception et notre vision des paysages naturels ont ainsi été influencées de tout temps par les représentations artistiques contribuant à former « une anthropologie de la nature ». Le photographe participe aussi à une écologie du paysage en montrant des paysages transformés et en adaptant de manière originale ses techniques à l’objet de sa quête.

Surgissant frontalement, d’énormes troncs jonchent le sol luxuriant de la forêt tropicale du bassin du Congo et dressent leurs racines vers les frondaisons proches. Éric Guglielmi dans sa série Paradis perdu enregistre les dérèglements qui mettent en péril l’équilibre de la deuxième plus vaste forêt tropicale de la planète. Cette masse verdoyante de fougères, de lianes et d’arbres géants est gravement menacée par une industrie du bois incontrôlée, notamment la surexploitation des essences précieuses et par des grands projets agro-industriels dévastateurs comme les plantations massives de palmiers à huile à quoi s’ajoute périodiquement le fléau des incendies. Eric Guglielmi saisit les entailles qui ravagent la forêt : arbres tronçonnés, trouées des pistes. Les conséquences environnementales et sociétales sont dramatiques : forêts pillées, faune décimée, populations locales exposées à la disparition d’un mode de vie et d’une culture fondée sur l’adaptation ancestrale aux subtilités d’un biotope complexe. La surface sensible de la plaque fixe les mutations des paysages photographiés à la chambre. Les tirages au platine palladium restituent l’identité profonde de paradis végétaux en sursis. Les noirs mats et denses, les dégradés de gris soulignent la beauté mystérieuse d’un environnement mis en péril par une logique économique brutale.

Les séries de Nicolas Floc’h Structures productives, la Couleur de l’eau, et Paysages productifs – bulles, produites dans le cadre de la commande « Flux », relient la photographie à l’histoire de l’art et des formes. Son travail général s’inscrit dans une démarche plastique associant différents mediums artistiques (installations, films, sculptures). A travers ces trois séries engagées pour certaines depuis plus de dix ans, l’artiste réinvente le genre trop souvent stéréotypé de la photographie sous-marine et contribue à l’histoire des territoires en documentant différentes façades maritimes à l’instar des photographes engagés dans les missions photographiques célèbres de l’histoire de la photographie.

Dans la continuité de ses recherches menées avec des scientifiques sur l’acidification des mers et la réduction de leur biodiversité, Nicolas Floc’h visualise pour la série des Paysages productifs – bulles ces processus en photographiant en lumière naturelle des sites sous-marins acides en méditerranée, ici Vulcano en Sicile. Ces zones très impactées par la présence de CO2 préfigurent l’état futur des océans marqué par la disparition progressive des algues et des coraux. Son projet photographique Bulles alerte sur la fragilité de cet écosystème et renouvelle par ce sujet inédit, l’approche du paysage dans la photographie contemporaine montrant malgré tout la beauté plastique des flux d’énergie tourbillonnant dans les colonnes d’eau qui s’élèvent des fonds sous-marins.

L’approche géologique et paysagère des sols, les conséquences sociales et géopolitiques de leur exploitation, traduisent l’axe de recherche privilégié d’Ilanit Illouz. Elle arpente les territoires en quête d’indices des flux migratoires et économiques qui les ont marqués. Les débris organiques et minéraux collectés lors de marches – photographiés et mis en récits – décryptent l’histoire de ces paysages palimpsestes.

Pour « Flux » et la série Petra, elle a réuni un corpus d’images de minerais photographiés au Musée de Minéralogie de l’école des Mines à Paris.
L’exploitation des ressources naturelles est une source d’instabilité et de conflits. Certains minerais (germanium, titane, graphite, coltan, …) ont une importance stratégique du fait de leurs utilisations dans la haute technologie.
Les diptyques produits en héliogravure mettent en relation ces métaux précieux avec les gestes pratiqués pour leur maniement dans des applications industrielles civiles (smartphones, GPS) et militaires (grenades, missiles, boussole). Ainsi se trouve souligné le lien entre nos comportements de consommateurs et l’épuisement prévisible des richesses des sous-sols.

Le flux massif des images qui traversent nos existences constitue le répertoire dans lequel puise Florence Paradeis pour construire ses images décalées, à distance d’un réel déplacé, « réinjecté », protéiforme dont elle restitue la vibration, les tensions et les contradictions. Dans la série Des jours et des nuits, elle questionne le mouvement dans une composition en séquence alternant natures mortes en studio, mises en scène en intérieur et extérieur, invitant le regardeur à suivre de façon instinctive son « flow » mental pour lire et relier les images entre elles. Elle déroule ainsi un petit théâtre d’images symbolisant comme des « vanités » pour certaines, l’écoulement du temps et mettant en scène pour d’autres les interrogations, les résistances ou non de personnages de la vie courante face au flux général des échanges et des circulations auquel ils sont soumis en permanence.

Comment l’artiste peut-il se situer par rapport au flot d’images et d’informations qui se succèdent à une cadence accélérée ? Mathieu Farcy photographe et Perrine Le Querrec écrivaine proposent ensemble un temps d’arrêt et de réflexion à travers une création à quatre mains de triptyques, prolongeant ainsi leurs travaux documentaires respectifs. L’Augure par référence à l’art du devin dans la Rome antique, est une chronique poético-documentaire associant photographie, archive sonore ou visuelle, texte littéraire selon trois temps distincts : une origine, un trajet, une destination. Leurs triptyques sont les miroirs de la multiplicité et de l’interpénétration des flux et mutations (climatiques, démographiques) qui marquent notre contemporanéité.

Au CRP/, ils présentent un triptyque sur le thème du climat mettant en exergue l’interdépendance de toute forme de vie sur terre et leur devenir commun, nous exhortant à ne plus nous contenter d’assister impuissants au spectacle du recul et de la disparition.

« Ce qu’il reste une fois les dates passées le présent couvert de mousse feuillage lichens chloridées les journaux froissés roulés en boule brûlés dans les décharges leurs fumées empoisonnent elles aussi les poissons le corail les océans.1 »

Muriel Enjalran, commissaire de l’exposition

1. Extrait de Marine Skalova, Exploration du flux, p.64, Fiction et Cie Seuil, 2018

Avec : NICOLAS FLOC’H, ÉRIC GUGLIELMI, ILANIT ILLOUZ, FLORENCE PARADEIS, MATHIEU FARCY & PERRINE LE QUERREC

Dates

Septembre 19 (Samedi) 13 h 00 min - Novembre 22 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France

Place des Nations 59282 Douchy-les-Mines

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-FrancePlace des Nations 59282 Douchy-les-MinesEntrée libre Ouverture de la Galerie Mardi … vendredi / 13:00 … 17:00 Samedi, dimanche, jours fériés / 14:00 … 18:00 (galerie fermée le lundi)

Calendrier GoogleCal

jeu25jui(jui 25)10 h 00 min2021sam02jan(jan 2)19 h 00 minEureka - USAJean-Christophe BéchetLeica Store Marseille, 47 rue de Grignan 13006 MarseilleType d'événement:Exposition,Photographie

mar22sep11 h 00 mindim22nov18 h 30 minThis is the First day of the rest of your lifeElina BrotherusGalerie de La Filature, 20 allée Nathan Katz 68100 MulhouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Comme l’art est aujourd’hui le seul domaine dans lequel on accepte que des adultes s’amusent, elle ne s’en prive pas. C’est en tout cas ainsi que l’artiste finnoise qui pratique depuis un quart de siècle l’autoportrait mis en scène, généralement seule, mais parfois accompagnée de son chien ou, plus récemment de complices, présente sa démarche. Elle construit tout avec une belle prise de distance qui n’empêche nullement une vision poétique, entre autres dans les paysages de sa Scandinavie natale ou de sa Bourgogne d’adoption. Le paysage, aux différentes saisons, devient un décor à la respiration ample, un paysage en écho à la peinture romantique – et à la peinture en général dont Elina a une belle connaissance – pour un corps libre, tour à tour dénudé ou vêtu de couleurs qui dialoguent avec celles de la nature. Une peinture qu’elle réinterprète en jouant, en référence aux grands moments d’histoire et en écho du contemporain, en allant de l’atelier et de ses modèles réinventés à la mise en situation de son corps, à la limite de l’équilibre, dans des lieux inattendus comme le chantier des grands magasins de La Samaritaine, exposés ici pour la première fois. Savante coloriste elle a cette capacité rare, en milieu de carrière et avec toujours ce mélange de sérieux et de fantaisie, de distance et de sourire, de se pencher sur ce qu’elle a fait et de recomposer un passé récent qu’elle transforme pour la série 12 ans après. L’image animée, série de fables qui ne sont jamais édifiantes, est une occasion de plus de jouer. De se jouer de l’espace, de le construire et de le faire exister en devenant illusionniste et magicienne.
Travaux pratiques, bricolages, rêves et divertissements articulent une oeuvre dont la cohérence profonde n’enlève jamais l’indispensable légèreté. C’est rare, voire unique aujourd’hui.

Texte Christian Caujolle (commissaire de l’exposition), août 2020
Remerciements GB Agency ; Grands Magasins de La Samaritaine, Maison Ernest Cognacq.

Elina Brotherus est née en 1972 à Helsinki et partage sa vie et son travail entre la Finlande et la France. Avec la photographie et plus récemment la vidéo, Elina Brotherus explore le paysage émotionnel, les sentiments de l’individu et tente de déterminer comment celui-ci devient une partie de l’ensemble formé par les autres. Avec un langage délibérément structuré, elle travaille sur sa propre personne à partir des événements de sa vie. Bien que ses autoportraits dominent son oeuvre, elle n’interprète jamais de rôles et ne crée pas de mises en scène ; ses paysages révèlent tout autant la nature de ses sentiments. Dans sa série The New Painting, Elina Brotherus questionne aussi bien les codes esthétiques de la peinture que la notion de Beauté et va au-devant de questions sur la réalité et sa représentation.

Dates

Septembre 22 (Mardi) 11 h 00 min - Novembre 22 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Galerie de La Filature

20 allée Nathan Katz 68100 Mulhouse

Galerie de La Filature20 allée Nathan Katz 68100 MulhouseEntrée libre du mardi au samedi de 11h à 18h30, les dimanches (excepté de juillet à septembre) de 14h à 18h, ainsi que les soirs de spectacles.

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