8 juillet 2019

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar01sep11 h 00 minven02oct(oct 2)18 h 00 min18th near Castro StreetHal FischerFuriosa, MonacoType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Inédite, et présentée dans le cadre de Manifesta 13 – Les Parallèles du Sud, la série 18th near Castro St. x 24 marque également la première présentation en France de l’œuvre d’Hal Fischer depuis Photography in California, 1945-1980, au Centre Pompidou en 1984.

Hal Fischer s’installe à San Francisco en 1975 – The City by the Bay est alors de plus en plus reconnue comme capitale emblématique de la culture gay (le terme LGBT n’existe pas encore). L’histoire militante de la ville est antérieure aux émeutes de Stonewall et à la création du mouvement moderne des droits des homosexuels. Figure emblématique de la photographie conceptuelle de la côte ouest américaine, Hal Fischer publie lors de la seconde moitié des années 1970 de nombreuses critiques dans Artweek, Artforum et Afterimage constituant un témoignage influent de l’esprit émancipateur et de l’effervescence intellectuelle de la scène californienne. Influencé par l’approche critique de Lew Thomas (chef de file du mouvement informel Photography and Language) et Donna-Lee Phillips, il poursuit l’investigation d’un nouveau langage basé sur l’équivalence du texte et de l’image en s’inspirant des principes du structuralisme énoncés par Claude Lévi-Strauss. Il sera également influencé par Against Interpretation de Susan Sontag (1966), The Structure of Art de Jack Burnham (1971), For a New Novel: Essays on Fiction (1965) d’Alain Robbe-Grillet ainsi que par la French Theory introduite aux États-Unis dans les années 1970. (1) Sur une période de trois ans, l’artiste initie un ensemble d’œuvres conciliant approche conceptuelle de l’image et du texte, et exploration personnelle de la vie urbaine à San Francisco.

En 1977, il présente lors de sa première exposition personnelle vingt-quatre photographies qui seront publiées par NFS Press (fondé par Lew Thomas et Donna-Lee Phillips) sous forme d’un livre d’artiste intitulé Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men. Largement diffusé dans la communauté gay et le milieu de l’art, la série proposant un lexique d’attraction inspiré des expériences personnelles de l’artiste dans les quartiers de Castro et de Haight-Ashbury sera rapidement reconnue comme l’une des premières œuvres conceptuelles associant structuralisme et photographie. (2) De ce fait, Hal Fischer procède à la déconstruction de la photographie comme système de représentation appliqué aux stéréotypes d’identification, de visibilisation et/ou d’invisibilisation d’une communauté. Parmi les plus commentées, la série comprenant la sous-série Fétiches inventoriant certaines pratiques gay BDSM, Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men, précède les premières réflexions de l’anthropologue américaine Gayle Rubin sur l’ethnogenèse de la sous-culture cuir à San Francisco et constitue à ce titre une contribution moins académique au domaine de recherche des Gay Studies. (3)

À travers 18th near Castro St. x 24 (1978), l’artiste poursuit son analyse de l’image avec l’introduction d’une nouvelle méthode d’enregistrement. Considérée comme une œuvre performative (a durational performance piece), la série se compose de vingt-quatre images d’un arrêt de bus situé à l’intersection de la 18th Street et de Castro Street prises toutes les heures sur une période de vingt-quatre heures à partir d’un point de vue fixe. Par la même, Hal Fischer subvertit l’illusion de l’objectivité photographique en associant les images à un texte objectif, théorique, autobiographique dont la dimension performative est celle d’un jeune homme aux revendications troublées par un rituel de séduction souligné par sa dépendance à l‘appareil photographique comme objet médiateur. Initiée sous forme d’installation murale en plusieurs parties, la série est publiée en tant que livre d’artiste par NFS Press en 1979, et sera ensuite présentée à l’occasion de Photographs and Words au San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco en 1981 (aux côtés de Lutz Bacher, Peter D’Agostino, Lew Thomas et Donna-Lee Phillips) pour finalement être rééditée comme un ensemble de vingt-quatre tirages en 2019. (4) Donnant son titre à cette exposition organisée dans le cadre de Manifesta 13, la série inédite en France marque également la première présentation de l’œuvre d’Hal Fischer depuis Photography in California, 1945-1980, organisée au Centre Pompidou en 1984.

Hal Fischer (né en 1950, Kansas City) vit et travaille à San Francisco depuis 1975. Il débute sa carrière comme artiste et devient rapidement critique d’art. Il est membre fondateur de San Francisco Camerawork – l’un des plus anciens artist-run-spaces dédiés à la photographie aux États-Unis. Ses œuvres font partie de prestigieuses collections : Museum of Modern Art – New York, San Francisco Museum of Modern Art – San Francisco, Fotomuseum Winterthur – Winterthur, Los Angeles County Museum of Art – Los Angeles et J. Paul Getty Museum – Los Angeles. Parmi ses expositions récentes, notons : Hal Fischer, Gay Semiotics and other major works (Gallery of Modern Art, Glasgow), Thought Pieces: 1970s Photographs by Lew Thomas, Donna-Lee Phillips and Hal Fischer (San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco) et Masculinities: Liberation Through Photography (Barbican Center, London, et Martin-Gropius-Bau, Berlin).

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1- Hal Fischer en conversation avec Glyn Davis, organisé dans le cadre de l’exposition Hal Fischer Gay Semiotics and other work, GoMA, Gallery of Modern Art, November 2019 – Mai 2020.

2- Texte introductif à la série Gay Semiotics: A Photographic Study of Visual Coding Among Homosexual Men (1977) publié sur le site personnel de l’artiste.

3- Gayle Rubin est universitaire activiste fondatrice de Samois : la première organisation BDSM lesbienne de San Francisco. Elle mène des recherches sur la culture cuir depuis la fin des années 1970 procédant à l’examen d’une pratique non pas du point de vue d’une entité clinique ou d’une catégorie de psychologie individuelle mais plutôt comme une communauté sociale avec une histoire, un territoire, une structure institutionnelle et des modes de communication. Dans un entretien avec Judith Butler, elle fait mention de ces recherches ayant largement contribuée à son installation à San Francisco en 1978. Sexual Traffic, Entretien entre Gayle Rubin et Judith Butler, Differences: A Journal of Feminist Cultural Studies, 1994.

4- Photographs and Words, 24 Juillet – 30 Août 1981, co-curaté par Lew Thomas et Van Deren Coke, San Francisco Museum of Art, San Francisco, Archives San Francisco Museum of Art, San Francisco, USA.

☛

https://f-u-r-i-o-s-a.com/

Visuel : Self Portrait, 1978 © the artist Courtesy of the artist and project Native Informant, London

Dates

Septembre 1 (Mardi) 11 h 00 min - Octobre 2 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Furiosa

Monaco

Calendrier GoogleCal

ven10avr(avr 10)11 h 00 min2021dim31jan(jan 31)18 h 00 minIcônes VégétalesThomas BalaÿCité Botanique de Bordeaux, Esplanade Linné, 33100 BordeauxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La démarche photographique de Thomas Balaÿ a débuté aux Etats-Unis et plus particulièrement au Marie Selby Botanical Garden alors qu’il préparait une exposition itinérante sur les plantes en voie d’extinction. Ce photographe diplômé d’agronomie tropicale qui a voyagé dans le monde entier est à l’initiative d’ouvrages botaniques dont le dessein est de révéler la diversité et la beauté du monde végétal qui nous entoure.

Dans chacun de ses ouvrages, Thomas Balaÿ oscille entre témoignage scientifique, documentaire et recherche artistique. Son approche des « Orchidées » paru en 2015 aux éditions Ulmer tout comme sa série « Succulentes, le design végétal » édité en 2017 chez le même éditeur offre en un dialogue intime, un éclairage subtil du monde végétal sur lequel il s’attarde, celle de l’image d’une nature transfigurée.

Issue de diverses collections publics et privés, la plante est revisitée en une stylisation sculpturale propre à retrouver l’essence même du « vivant organique ». Des Orchidées, Thomas Balaÿ retranscrit l’infinie délicatesse, la diversité inégalée de ses formes et couleurs, la pureté auréolée du mystère de ces plantes à fleurs fascinantes. Une famille à part dans le règne végétal aux comportements unique tant dans leur ingéniosité que dans leur stratégie de reproduction. A la fragilité apparente des Orchidées répond ici les Succulentes, ces plantes dites « grasses », « gorgées de sucs » aux formes multiples et charnues, aux familles diverses et dont l’évolution provient de leur capacité de résistance à la sécheresse des déserts.

Avec le choix d’une prise de vue rapprochée sur fond neutre et noir, Thomas Balaÿ fait ressortir les formes et les volumes structurels, architecturels de la plante. Cette mise en scène met en évidence la beauté du graphisme végétal, son design intrinsèque pour en déceler ses lignes, ses épaisseurs pour toucher sa matière et sentir sa splendeur. Le monde végétal est ainsi transporté avec Thomas Balaÿ en des formes artistiques sobres, simples à la netteté des lignes et aux formes proches des créations de design ou de la joaillerie.

De ce face à face entre l’œil du photographe et la plante jaillit une galerie de portraits aux sonorités humanisées, à l’interaction complice entre l’homme et la nature sauvage. En célébrant leurs élégances, leurs couleurs, en nous guidant à les regarder autrement, telles des icônes dont le raffinement et l’éclat nous éblouit, c’est aussi un hommage au règne végétal que l’artiste nous suggère.

Le photographe nous livre la somptuosité et l’élégance de ces plantes créés par la nature et ses millions d’années d’évolutions. Il nous les élève au rang d’œuvres d’art, au statut d’icônes du règne végétal. Inscrit dans une tradition artistique illustre (en témoignent les expérimentations du photographe de la Nouvelle Objectivité allemande, Karl Blossfeldt et celles de la peintre moderniste américaine Georgia O’Keeffe), Thomas Balaÿ renouvelle ce riche patrimoine en offrant une image contemporaine et délicate de notre nature fragile.

Dates

Avril 10 (Vendredi) 11 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Cité Botanique de Bordeaux

Esplanade Linné, 33100 Bordeaux

Cité Botanique de BordeauxEsplanade Linné, 33100 BordeauxOuvert de 11h à 18h. Entrée 4€

Calendrier GoogleCal

jeu17sep(sep 17)9 h 00 minsam24oct(oct 24)17 h 00 minLa sélection de la Rédaction1+2 FACTORY : [Un]InnovationMaxime MatthysCentre culture Bellegarde, 17 Rue Bellegarde, 31000 ToulouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En ce début du mois de juin, IBM, le géant de l’informatique américain, vient de renoncer à la technologie de la reconnaissance faciale, dans le cadre de la surveillance de masse ou du profilage racial, de peur qu’elle soit utilisée à des fins liberticides. De qui se méfie IBM ? Cette prudence aurait ravi le théologien et philosophe Jacques Ellul, un homme aux pensées prophétiques disparu il y a une trentaine d’années, qui dénonçait déjà l’emprise de la technique sur nos vies. Ellul convoque la limite que l’homme doit s’imposer, « il faut abdiquer, dit-il, notre prétention à nous croire infinis, et nous rappeler que Prométhée, n’est pas un modèle mais un imbécile, si nous l’avions suivi, l’humanité aurait péri… ».

Depuis plusieurs années, Maxime Matthys, artiste belge à la croisée de diverses pratiques, s’inscrit dans cette démarche conscientisée et interrogative questionnant l’empreinte des nouvelles technologies sur notre quotidien, sur nos vies. Nous avons souhaité l’inviter à Toulouse, afin qu’il puisse poursuivre ses questionnements. Pendant quatre mois dans le cadre de notre programme 1+2 Factory et en partenariat avec le CNRS Occitanie Ouest et l’Institut de recherche en informatique de Toulouse (IRIT, CNRS/Université Toulouse Capitole/Université Toulouse – Jean Jaurès/Université Toulouse III – Paul Sabatier/Toulouse INP), Maxime Matthys interroge notre rapport aux nouvelles technologies et leurs impacts sur l’humain. Dans cette quête, il est accompagné par plusieurs scientifiques de cet important laboratoire de recherche fondamentale à Toulouse, qui célèbre en 2020 son 30ème anniversaire. Il explore les nouvelles technologies (Data Center, 5G, …) nous donnant à voir sous différentes formes (photographie, installation, projection, sculpture), le fruit de ses réflexions, exposé du 16 septembre au 24 octobre au Centre Culturel Bellegarde, un lieu pluridisciplinaire dédié aux arts numériques.
Une proposition visuelle riche et sensible pour nous aider à mieux nous situer dans ce monde de plus en plus connecté et dématérialisé. À chacun.e de faire son chemin…

Philippe Guionie, Directeur de la Résidence 1+2

Depuis l’année dernière, je cherchais à collaborer avec l’Institut de recherche en informatique de Toulouse (IRIT), le plus grand laboratoire en recherche informatique de France. Cette année, Philippe Guionie, directeur du programme 1+2 Factory, m’a proposé une résidence de 4 mois à l’IRIT en partenariat avec le CNRS Occitanie Ouest.
Je développe un travail sur la potentialité créative de l’intelligence artificielle que j’utilise comme outil pour produire des oeuvres contemporaines. Je questionne l’impact de la technologie sur l’humain et l’environnement, et sa place dans l’art contemporain. Je voulais notamment travailler autour des problématiques liés au data center et à la quantité d’énergie que ces équipements demandent. Je voulais également étudier les ondes électromagnétiques de type 4G/5G, pour les modéliser et les rendre perceptibles. J’ai sélectionné les projets qui étaient réalisables dans les temps de la résidence et en fonction de la disponibilité des scientifiques. Crise sanitaire oblige et temps imparti bouleversé, nous avons décidé de nous focaliser sur les data center et l’intelligence artificielle dans l’art contemporain. J’ai travaillé seul sur les ondes électromagnétiques.
Pendant ma résidence, j’ai pu profiter de la richesse de l’IRIT en termes d’équipement et de technologies. Lors de mes nombreuses rencontres au sein de ce laboratoire de recherche public, j’ai été mis en relation avec Tim Van de Cruys (chercheur CNRS en traitement automatique du langage naturel), avec lequel j’ai conçu deux projets majeurs du 1+2 Factory. Je me suis inscris dans ses axes de recherches et notamment sur la poésie générée par intelligence artificielle. Nous avons ensuite collaboré avec Jacques Thomazeau (ingénieur de recherche CNRS en intelligence logicielle) pour photographier les serveurs OSIRIM en imagerie thermique, lorsque la structure accueillait les calculs des algorithmes de poésie artificielle. Dans le cadre d’un second projet, nous avons travaillé en utilisant le deep learning type GAN pour produire des portraits inédits de faussaires d’art et ainsi questionner la place de la création par intelligence artificielle dans l’art contemporain.
Comprendre le travail de Tim autour de la poésie artificielle a nourri mon travail de création et permis de trouver l’inspiration, la manière forte et poétique de parler de la génération de chaleur des data center. Il s’agissait d’une véritable collaboration car son travail de scientifique m’a servi à produire les oeuvres de la série Love Center. L’expertise de Jacques Thomazeau, qui s’occupe du data center, m’a fait comprendre les systèmes de refroidissement et ainsi travailler au mieux pour le projet. J’ai eu l’occasion de travailler directement avec les serveurs OSIRIM, équipement majeur du laboratoire. Cette plateforme met à disposition des utilisateurs et utilisatrices, une architecture matérielle et logicielle pour soutenir des activités scientifiques liées à l’analyse et à l’exploitation de grands volumes de données. Elle est composée d’une zone de stockage d’une capacité d’environ 1Po et d’un cluster de calcul de 640 coeurs. Elle permet notamment aux scientifiques de faire tourner leurs logiciels d’intelligence artificielle malgré leurs besoins en ressources.
Travailler avec un laboratoire de recherche en informatique tel que l’IRIT a été une chance. Mes projets ont été profondément enrichis grâce aux conversations que j’ai pu avoir avec les scientifiques de l’IRIT. Leur connaissances et réflexions ont eu un impact fort sur mes inspirations, ma démarche et mes recherches artistiques, ils m’ont permis d’avancer sur ces différents projets. J’ai été accueilli sur place, chaleureusement, par Véronique Debats (chargée de communication) et Jean-Pierre Jessel (directeur adjoint de l’IRIT), pour évoquer les premières pistes de recherche et ainsi me diriger vers les scientifiques qui ont pu m’aider. Il en a été de même pour les chercheurs et chercheuses qui ont su répondre à l’appel. Que l’ensemble des scientifiques en soient ici remercié.es.
– Maxime Matthys

Maxime Matthys est un artiste belge, né à Bruxelles en 1995. En 2015, il sort «Bachelor», diplômé de l’ETPA (Ecole de photographie et de game design), à Toulouse.
Situé à la croisée de diverses pratiques, son travail interroge l’empreinte des nouvelles technologies sur notre mode de vie contemporain. Il utilise différents médiums ; la photographie, la vidéo, la performance, la sculpture et l’installation, pour produire des oeuvres où s’entremêlent le réel et le virtuel. Maxime Matthys collabore régulièrement avec des scientifiques pour déconstruire les mythes liés aux nouvelles technologies et, ainsi, imaginer de nouveaux langages.
Plusieurs fois primé, son travail a notamment été projeté à la Maison Européenne de la Photographie et a fait l’objet d’expositions personnelles en Europe. Son dernier projet, 2091 : The Ministry of Privacy a été exposé au Centre Pompidou dans le cadre de la quatrième édition de l’événement Mutations/Créations. Il est l’auteur de Sortez Couverts, performance produite durant la crise sanitaire du coronavirus et relayée par plus de 80 médias en France et dans le monde.
Il vit et travaille entre Rennes et Paris.

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 9 h 00 min - Octobre 24 (Samedi) 17 h 00 min

Lieu

Centre culture Bellegarde

17 Rue Bellegarde, 31000 Toulouse

Calendrier GoogleCal

sam01aou0 h 00 mindim22nov(nov 22)0 h 00 min7ème édition du Prix du Diaporama Sonore Organisateur: Diapero Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

mar22sep11 h 00 mindim22nov18 h 30 minThis is the First day of the reste of your lifeElina BrotherusGalerie de La Filature, 20 allée Nathan Katz 68100 MulhouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Comme l’art est aujourd’hui le seul domaine dans lequel on accepte que des adultes s’amusent, elle ne s’en prive pas. C’est en tout cas ainsi que l’artiste finnoise qui pratique depuis un quart de siècle l’autoportrait mis en scène, généralement seule, mais parfois accompagnée de son chien ou, plus récemment de complices, présente sa démarche. Elle construit tout avec une belle prise de distance qui n’empêche nullement une vision poétique, entre autres dans les paysages de sa Scandinavie natale ou de sa Bourgogne d’adoption. Le paysage, aux différentes saisons, devient un décor à la respiration ample, un paysage en écho à la peinture romantique – et à la peinture en général dont Elina a une belle connaissance – pour un corps libre, tour à tour dénudé ou vêtu de couleurs qui dialoguent avec celles de la nature. Une peinture qu’elle réinterprète en jouant, en référence aux grands moments d’histoire et en écho du contemporain, en allant de l’atelier et de ses modèles réinventés à la mise en situation de son corps, à la limite de l’équilibre, dans des lieux inattendus comme le chantier des grands magasins de La Samaritaine, exposés ici pour la première fois. Savante coloriste elle a cette capacité rare, en milieu de carrière et avec toujours ce mélange de sérieux et de fantaisie, de distance et de sourire, de se pencher sur ce qu’elle a fait et de recomposer un passé récent qu’elle transforme pour la série 12 ans après. L’image animée, série de fables qui ne sont jamais édifiantes, est une occasion de plus de jouer. De se jouer de l’espace, de le construire et de le faire exister en devenant illusionniste et magicienne.
Travaux pratiques, bricolages, rêves et divertissements articulent une oeuvre dont la cohérence profonde n’enlève jamais l’indispensable légèreté. C’est rare, voire unique aujourd’hui.

Texte Christian Caujolle (commissaire de l’exposition), août 2020
Remerciements GB Agency ; Grands Magasins de La Samaritaine, Maison Ernest Cognacq.

Elina Brotherus est née en 1972 à Helsinki et partage sa vie et son travail entre la Finlande et la France. Avec la photographie et plus récemment la vidéo, Elina Brotherus explore le paysage émotionnel, les sentiments de l’individu et tente de déterminer comment celui-ci devient une partie de l’ensemble formé par les autres. Avec un langage délibérément structuré, elle travaille sur sa propre personne à partir des événements de sa vie. Bien que ses autoportraits dominent son oeuvre, elle n’interprète jamais de rôles et ne crée pas de mises en scène ; ses paysages révèlent tout autant la nature de ses sentiments. Dans sa série The New Painting, Elina Brotherus questionne aussi bien les codes esthétiques de la peinture que la notion de Beauté et va au-devant de questions sur la réalité et sa représentation.

Dates

Septembre 22 (Mardi) 11 h 00 min - Novembre 22 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Galerie de La Filature

20 allée Nathan Katz 68100 Mulhouse

Galerie de La Filature20 allée Nathan Katz 68100 MulhouseEntrée libre du mardi au samedi de 11h à 18h30, les dimanches (excepté de juillet à septembre) de 14h à 18h, ainsi que les soirs de spectacles.

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