Name: Greetings from Lebanon
Start: 2020-1-21T14-14-00-00
End: 2020-3-4T18-18-30-00
Location: Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud

Voies off

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mar21jan(jan 21)14 h 00 minmer04mar(mar 4)18 h 30 minGreetings from LebanonEmmanuel MadecGalerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud, 1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« En 2010, Yvan, mon ami d’enfance, me demande de l’accompagner au Liban. Il y est né 30 ans plus tôt dans le contexte de la guerre civile. Très vite ses parents l’abandonneront dans une crèche de Beyrouth et il sera finalement adopté en France où je ferai sa connaissance vers l’âge de 5 ans. Durant notre enfance, nous évoquerons épisodiquement les racines d’Yvan et sa réticence à s’y intéresser, comme une histoire parcellaire que le fantasme comble.
Greetings from Lebanon, c’est le rêve, plus que la quête, d’un homme pour retrouver la trace de ses parents, la confrontation entre une image mentale et une réalité apparente, la rencontre avec une femme à la figure absente et dont les paroles aux accents prophétiques jalonnent pourtant un itinéraire tracé entre des murs frappés par les fantômes.» Emmanuel Madec

A noter : cette exposition est présentée dans le cadre du festival de cinéma de Rennes Métropole Travelling, qui donne cette année un éclairage particulier à la production cinématographique libanaise.

Dates

Janvier 21 (Mardi) 14 h 00 min - Mars 4 (Mercredi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud

1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de Bretagne

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneDu mardi au vendredi de 14h à 18h30 Le samedi de 10h à 12h30 et de 13h30 à 17h

Calendrier GoogleCal

ven10jan(jan 10)10 h 00 mindim29mar(mar 29)18 h 00 minTidal HorizonMatthieu LittLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

jeu23jan(jan 23)12 h 00 minsam21mar(mar 21)19 h 00 minPietra di LuceSabine MirlesseGalerie Thierry Bigaignon, 9 rue Charlot 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

DES TRÉFONDS DE LA TERRE À L’IMMENSITÉ DE LA VOIE LACTÉE

À l’instar de la Divine Comédie de Dante Alighieri dont elle s’inspire, la série Pietra di Luce invite à la rêverie et puise au coeur de la Terre la matière qui lui permettra de nous conduire au-delà du firmament.
Les vers de Dante inscrivent la Terre au centre de l’Univers, et chacune des trois parties du poème s’achève par le mot « étoiles » (stelle), révélant ainsi une sorte d’architecture poétique et affirmant, à travers le placement du mot lui-même, une présence ultime. Les étoiles sont là, quelque part, dans chacune des
strates de notre univers ; elles en sont le terme. Les photographies de Sabine Mirlesse, à leur tour, s’éveillent des profondeurs géologiques, où partant de l’obscurité la plus profonde, l’artiste feint de nous conduire vers la lumière, pour nous plonger à nouveau dans la nuit interstellaire.

C’est dans les carrières de marbre des Alpes apuanes, dans le nord de la Toscane et région natale de l’illustre poète, que Sabine a commencé sa quête des étoiles. Passant en revue les formes minérales, les explosions de poussière, les nébuleuses en spirale aux fils de diamant et les fractures, son projet s’est transformé en une série de réflexions sur la recherche stellaire à travers le monde souterrain.
À la manière des carriers, l’artiste extrait des entrailles de la montagne une matière composée de pierres, d’images photographiques, de croquis et de dessins. Commence alors un nouveau travail d’expérimentation, de stratification. C’est dans ce monde clos, ces « chambres noires » que renaît la lumière.

Le travail de Sabine lie géologie et photographie, en tant que grandes gardiennes du temps, à la fois vulnérables et résistantes. En oeuvrant par couches et par éditions, elle combine des processus photographiques et stratigraphiques visant à explorer l’histoire de la terre, les strates et les empreintes, le
rapport de l’individu à son origine et la capacité d’un lieu à évoquer la narration, réelle ou imaginaire.

Et Thierry Bigaignon d’ajouter : « Artiste franco-américaine, Sabine Mirlesse s’inspire en grande partie de la littérature. Si elle est avant tout photographe, de par sa formation initiale, les dessins, les images trouvées, les estampes en relief, la sculpture sur pierre, les installations, la vidéo et l’écriture font tout autant partie de sa pratique. Cette série si subtile, si profonde et si aboutie est à l’instar du talent de cette jeune artiste que je suis particulièrement heureux de représenter. »

La deuxième monographie de Sabine Mirlesse, Pietra di Luce (ed. Quants, 2019), comprenant des essais de Federica Soletta et Jean-Pierre Criqui et éditée à 220 exemplaires, sera présentée lors de l’exposition et disponible à la vente sur le site internet de la galerie.

Dates

Janvier 23 (Jeudi) 12 h 00 min - Mars 21 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thierry Bigaignon

9 rue Charlot 75003 Paris

Galerie Thierry Bigaignon9 rue Charlot 75003 ParisLa Galerie Thierry Bigaignon est exclusivement dédiée à la photographie. La galerie met l’accent sur une programmation internationale et entend défendre une certaine vision de la photographie : une photographie classico-contemporaine, une photographie éclectique et exigeante. Ouvert du mardi au samedi de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

ven08nov(nov 8)10 h 00 min2020ven31jan(jan 31)2 h 00 minLivres DébordésLorena VelázquezCentre culturel mexicain, 119 Rue Vieille du Temple75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’Institut culturel du Mexique invite Lorena Velázquez, artiste franco-mexicaine (Mexico, 1964), à présenter ses « Livres Débordés ».

Du Mexique à la France, jusqu’en Californie, Lorena Velázquez n’a de cesse de photographier le paysage, la ville et l’être humain. Amoureuse de la nature, elle invite le visiteur à une plongée au cœur de son univers dans ses « livres d’artiste », ses photographies et ses installations photographiques et d’objets divers (2011-2019).

Livres Débordés aborde la question de l’environnemen, de la vie et du temps qui passe. Lorena Velázquez s’exprime à travers huit livres qui ne sont plus seulement des « objets de consommation », mais des créations visuelles à part entière en s’ouvrant à la tridimensionnalité spatiale. Par la photographie et d’autres disciplines (photogravure, reliure…), avec des supports divers, les livres se transforment en œuvres d’art. L’artiste fait ainsi d’un livre un poème doté de flacons symbolisant « l’essence de la vie ». Elle devient militante dans le livre Cuarenta y tres (43) en rendant hommage par des photos tachées de rouge aux étudiants mexicains disparus il y a quelques années. Dans un autre livre, elle explore les ressemblances entre le corps humain vieillissant et les troncs puissants des arbres. Chaque contenu, chaque sujet semble s’échapper du livre pour se transformer en témoignage, en combat, en vérité ou en chant. Le livre devient alors un « livre débordé » qui s’étire et tourne indéfiniment.

Pour illustrer certaines éditions, la photographe n’hésite pas à faire appel à d’autres artistes qui répondent aux images par des créations d’une grande force. Il en résulte une mise en scène originale où les livres dialoguent entre eux. Ensemble, ils invitent à réfléchir sur le sens même de la vie, et sur ce que nous laisserons derrière nous. Sa passion de l’image, au-delà de la démarche écologique, de l’acte militant, fait des « « Livres Débordés » un chant d’amour à la vie et à l’espoir.

Dates

Novembre 8 (Vendredi) 10 h 00 min - Janvier 31 (Vendredi) 2 h 00 min

Lieu

Centre culturel mexicain

119 Rue Vieille du Temple75003 Paris

Calendrier GoogleCal

sam25jan(jan 25)10 h 30 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minMasafumi Maita & Masaki NakayamaGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition collective consacrée à la photographie conceptuelle japonaise des années 1970, la Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter, pour deux expositions personnelles inédites en France depuis les années 1980, l’œuvre de Masafumi Maita et celle de Masaki Nakayama.

MAITA

Artiste pionnier de la scène conceptuelle japonaise des années 1970, Masafumi MAITA (1944 – 2009) imagine des dispositifs qui interrogent le rôle de l’image et les limites de la représentation du réel par la photographie. Maita joue des écarts et des variations entre le sujet naturel et contemplatif qu’il photographie, le réel qu’il enregistre (vues de forêts, de plages et de montagnes vierges de toute présence humaine) et l’opération sérielle et arbitraire qu’il répète sur l’image.

En 9 clichés, l’ensemble Flow (1976) le met ainsi en scène face à l’océan, placé au centre d’un rectangle tracé au sol, déclinant les étapes de la torsion méthodique d’une tige de plomb. Selon un protocole défini au préalable, l’œuvre propose une forme d’inventaire de gestes et de possibilités d’inscriptions du corps dans l’espace. La photographie enregistre et narre une performance : elle s’inscrit dans une temporalité nouvelle.

« L’essentiel de son œuvre est la conscience du temps » écrit le critique japonais Yusuke Nakahra. Avec la série Sans titre (1979) de paysages en noir et blanc marqués par la main de l’artiste, Maita accentue les phénomènes de décalages. Décalage entre le paysage et les formes géométriques simples, triangle, cercle et carré tracés en pointillés sur le négatif, entre la chose vue et le regard que nous portons sur elle. Décalage entre deux temporalités, celle du réel qui a été capturé et du geste, toujours actif, qui altère l’image.

Maita a développé ces recherches dans des installations, y introduisant des objets puis des sculptures, en dialogue avec ses photographies. « Dans l’espace, écrit Yusuke Nakahra, l’image photographiée et l’objet réel ont l’air de s’inscrire dans une continuité, mais on a l’impression de faire face à deux temporalités – l’une au présent, l’autre au passé. Les objets réels renvoient toujours au présent, l’image au passé. (…) Cette différence est décisive. En combinant la photo et les objets réels, l’artiste rend notre conscience du temps vivante. (…) C’est la différence entre la perception et la mémoire. L’artiste travaille en fait avec deux éléments : la perception et la mémoire[1]. »

NAKAYAMA

D’abord sculpteur travaillant le bois, Masaki NAKAYAMA (1945) n’a eu de cesse depuis les années 1970 d’associer dans ses installations l’action de son propre corps, son enregistrement par la photographie ou le dessin et leur confrontation à l’objet. Avec la grande série Body Scale, qu’il commence dans les années 1970 et qu’il continue de renouveler, Nakayama tente d’approcher le monde en prenant son corps comme échelle décisive. Usant d’un vocabulaire de formes géométriques simples et prenant le corps comme outil premier dans ses dispositifs, l’artiste japonais s’inscrit dans la lignée des figures majeures de la scène artistique internationale de sa génération, tels Bruce Naumann et ses Wall-Floor positions (1968) aux Etats-Unis ou Franz Erhard Walther en Allemagne dans les années 1960.

« Il y a plus de 40 ans que j’ai commencé mes travaux sur l’échelle corporelle, qui utilisent le corps humain a leur sujet. Bien que ces œuvres aient des sous-titres différents, le thème fondamental est resté inchangé et je continue à créer des œuvres sur ce thème aujourd’hui. Ces œuvres ne sont pas préoccupées par la structure ou la taille du corps humain, et ne sont pas non plus fondées sur une quelconque » théorie du corps » philosophique. Ce sont simplement des éléments qui ont été accessoires à un ensemble composite. (…) Par exemple, ce qui se trouve entre l’espace réel de mon corps actif et l’espace réel de ce qui est capturé dans mes photographies n’est pas une distance, mais l’écart entre des existences qui se chevauchent dans un espace à plusieurs couches. C’est ainsi qu’une relation mutuellement harmonieuse est née. C’est là que se trouve ma perspective. C’est, en d’autres termes, à ce concept d’espace multicouche de l’être humain que je me réfère avec mon titre « Body Scale[2] ». (Masaki Nakayama)

BIO

Masafumi MAITA (1944 – 2009) est né en Mandchourie (Chine), il a étudié à Paris (1971 – 1973) puis a vécu et travaillé au Japon. Photographe, il questionne et réinvente son medium, en dialogue avec l’objet puis la sculpture à partir des années 1970. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, en particulier aux Biennales de Venise de 1976 et 1986. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques notamment au Japon (The Utsukusi-ga-hara open-Air Museum, Nagano ; Open-Air Museum of Sculpture, Ube ; Museum of Modern Art, Kamakura ; Museum of Modern Art, Toyama ; Yokosuka Museum of Art, Kanagawa, etc.), en France (Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris ; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg ; Musée Cantini, Marseille ; FRAC Champagne-Ardenne), en Italie (MuSaBa, Parco Museo Santa Barbara, Mammola) et aux Etats-Unis (Museum of Fine Arts, Houston ; The State Foundation on Culture and the Arts, Hawaii).

Masaki NAKAYAMA est né en 1945 à Kofu au Japon, où il vit et travaille actuellement. Sculpteur de formation, Nakayama est diplômé de l’Ecole de Komagome à Tokyo. Dans ses installations et ses photographies, il utilise son propre corps comme échelle décisive de son travail. Ses œuvres ont principalement été exposées au Japon, en France, en Pologne et en République Tchèque. Elles sont conservées au Japon au Yamanashi Prefectural Museum of Art (Kofu), au Yokohama Civic Art Gallery (Kanagawa) ainsi qu’au Urawa Art Museum.

En collaboration avec Yumiko Chiba Associates (Tokyo, Japon).

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 30 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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