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La Comète : Rencontre avec le photographe Alain Keler

La Rédaction27 mars 2020

Temps de lecture estimé : 2mins

Suite aux mesures prises par le gouvernement face à la propagation du Covid-19, les lieux culturels et les librairies ont été les premiers à fermer leurs portes. En attendant que la librairie La Comète nous accueille à nouveau, nous avons souhaité revenir sur leurs interviews Focus. Voici leur première rencontre avec le photographe Alain Keler, à l’occasion de la sortie de son livre « Journal d’un photographe », paru aux Éditions de Juillet.

Première monographie consacrée à ce grand photojournaliste, Journal d’un photographe nous fait traverser les secousses du monde, du Nicaragua au conflit israélo-palestinien, de la Tchétchénie à la Pologne, de la Chine à la Slovaquie. Ses photos emblématiques de l’histoire récente s’accompagnent de son travail personnel, sensible et intimiste, regard émouvant sur son histoire familiale. Cet ouvrage, riche d’un corpus de plus de 200 photographies , comprendra des textes issus du blog éponyme du photographe.

A LIRE :
Première monographie d’Alain Keler aux éditions de Juillet Lecture de « Journal d’un photographe »
Alain Keler annonce la sortie de son livre « Un voyage en hiver » aux éditions de Juillet
Yves Bigot, donne carte blanche à Alain Keler Photographier n’est plus un long fleuve tranquille…

INFORMATIONS PRATIQUES
La Comète
29 Rue des Récollets
75010 Paris
http://lacomete.picto.fr

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar15sep(sep 15)9 h 00 minmer16déc(déc 16)20 h 00 minRuinesJosef KoudelkaBnF - Bibliothèque nationale de France, Quai François Mauriac 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pendant près de trente ans, Josef Koudelka a sillonné 200 sites archéologiques du pourtour méditerranéen, dont il a tiré des centaines de photographies panoramiques en noir et blanc. De ce projet singulier, la Bibliothèque nationale de France présente 110 tirages exceptionnels : un ensemble inédit intitulé Ruines, qui révèle toute la force et la beauté du lexique visuel de Koudelka. La BnF met ainsi à l’honneur l’un des derniers grands maîtres de la photographie moderne, un photographe à l’oeuvre monumentale, qu’Henri Cartier-Bresson considérait comme son « frère » en photographie et dont il avait décelé l’ « oeil de peintre ».
Cette exposition est accompagnée d’un don exceptionnel consenti par le photographe au département des Estampes et de la photographie de la BnF de près de170 tirages issus de cette même série.

« Les Grecs et les Romains ont été les plus grands paysagistes de l’Histoire et dès lors, pour moi, photographier le paysage, c’était donner à voir cette admirable science de l’espace, de la lumière et des formes. J’ai trouvé ce qui m’est désormais le plus précieux, le mariage de la beauté et du temps. »
Josef Koudelka, extrait de Rencontre, texte de Bernard Latarjet dans le catalogue de l’exposition Ruines

Une oeuvre emblématique
Projet sans équivalent dans l’histoire de la photographie, la série Ruines est le résultat d’un travail personnel de trente années durant lesquelles Josef Koudelka a parcouru 21 pays du pourtour méditerranéen pour photographier les ruines de tous les hauts lieux de la culture grecque et latine, berceaux de notre civilisation. Si certaines images ont pu être exposées et publiées auparavant – Periplanissis (1997), Chaos (1999), Rome, théâtre du temps (2003), Vestiges (2013) – la série Ruines forme un ensemble de 110 tirages qui n’a jamais été montré. De la France à la Syrie, en passant par le Maroc, la Sicile, la Grèce ou la Turquie, ce sont110 immenses photographies panoramiques en noir et blanc qui livrent le regard de Koudelka sur la beauté chaotique des ruines, vestiges de monuments transformés par le temps, la nature, la main de l’homme et les désastres de l’Histoire.

Le panorama : un certain regard et une signature
Au fil du temps, le panorama est devenu la signature des paysages de Josef Koudelka. Il offre le moyen de se projeter en imagination sur les lieux mêmes qui sont représentés pour rejouer l’expérience du paysage et inviter le spectateur au voyage. Mais par l’usage singulier qu’en fait le photographe, le panorama, fragmentaire et bouleversé, est aussi à même de restituer l’image ambivalente de la ruine. Ces images à fleur de sol, en plongée ou en contre plongée, guident le spectateur sur des sites maintes fois reproduits et réfutent l’impression de déjà vu par le regard inédit du photographe. Alternance de vues lointaines et de gros plans, de fragments, de jeux d’ombres et d’étagement des plans, les photographies de Koudelka témoignent d’une vision subjective et éclatée du paysage antique, qui pose la série Ruines comme une vaste allégorie du monde.

« Le mariage de la beauté et du temps »
Koudelka ne souhaite pas immortaliser les ruines antiques, les figer dans une vision romantique mais bien au contraire revenir encore et toujours sur les mêmes lieux pour en enregistrer les évolutions liées au passage destructeur du temps et des hommes, de la nature qui reprend ses droits. Chez Koudelka, l’art et plus précisément la beauté réaffirment leur présence au coeur de ce qui fait et défait le monde. Pour le photographe, la répétition en tant que méthode et non en tant que motif est aussi justement ce qui lui permet d’atteindre la bonne photographie, ce qu’il nomme son « maximum » : répéter les mêmes gestes en accueillant à chaque fois une différence qui inscrit son oeuvre non dans le passé mais dans un devenir. Dans les photographies de Koudelka, la somptuosité des levers et des couchers de soleil qui embrasent les pavements, les colonnes, les sculptures des bas-reliefs soulignent avec justesse la merveilleuse géométrie des sites. Le choix du cadre étiré complexifie la composition et confère aux ruines un caractère grandiose. Cette oeuvre, digne d’un Sisyphe, est servie par toute une grammaire visuelle faite de vues basculées, fragmentées, de panoramas sans horizons, sublimés par un noir et blanc puissant qui révèle les jeux d’ombres et de lumière.

Héritage et destruction
Ces paysages sont une ode aux ruines de la Mare Nostrum et nous interpellent sur la nécessité de sauvegarder l’héritage de cette civilisation – dont certaines des traces photographiées par Koudelka ont aujourd’hui disparu, détruites par les guerres et le terrorisme, comme à Palmyre. Le photographe valorise ainsi un territoire, aux origines de nos cultures d’Europe, riche des circulations qui l’ont façonné et des archipels qui le peuplent. Ce qui anime ici Koudelka comme dans l’ensemble de ses travaux antérieurs, c’est la recherche de la beauté, une beauté qui peut se nicher au coeur de la destruction mais qui, à l’instar de celle des ruines antiques, résiste.

Dates

Septembre 15 (Mardi) 9 h 00 min - Décembre 16 (Mercredi) 20 h 00 min

Lieu

BnF - Bibliothèque nationale de France

Quai François Mauriac 75013 Paris

BnF - Bibliothèque nationale de FranceQuai François Mauriac 75013 ParisOuvert du mardi au samedi de 9h à 20h, le dimanche de 13h à 19h et le lundi de 14h à 20h

Calendrier GoogleCal

ven16oct(oct 16)11 h 00 min2021dim11avr(avr 11)18 h 00 minPortraits d'artistes et Vues de LyonRobert DoisneauMusée Jean Couty, 1, place Henri Barbusse Saint-Rambert -L'Ile Barbe 69009 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon réunit au Musée Jean Couty (Lyon), du 16 octobre 2020 au 11 avril 2021, quelque 90 photographies de Robert Doisneau (1912-1994) que viennent compléter 17 œuvres de Jean Couty (1907-1991). Cette exposition conçue par Clotilde Scordia, commissaire de l’exposition, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau s’articule autour de deux thématiques : portraits et ateliers d’artistes, d’une part, et vues de Lyon, d’autre part.

Inédite, l’exposition Robert Doisneau. Portraits d’artistes et Vues de Lyon, présente plusieurs séries de tirages originaux de l’illustre photographe français, connu dans le monde entier pour ses portraits et scènes de genre si justes et sensibles. Le Musée Jean Couty accueille plus de quatre-vingt-dix clichés, dont une vingtaine jamais montrée au public. Charles et Myriam Couty, directeurs du musée, ont fait réaliser, par ailleurs, une trentaine de tirages, notamment des photos de Lyon prises pendant les années Vogue. Artiste viscéralement humaniste, Robert Doisneau livre un univers singulier qui se donne au regard de tous par sa poésie et, encore aujourd’hui, par son actualité.

Un tel ensemble n’a jamais été présenté. L’équipe du musée a souhaité ajouter une dizaine de photos de portraits d’artistes à l’exposition : certaines photographies avaient déjà été tirées pour des expositions précédentes mais ont été très rarement présentées. Parmi celles-ci figurent les portraits de Braque, Foujita, Léger et son chien, Fautrier. D’autres n’ont cependant jamais été exposées : les portraits de Wolinski, David Hockney, Duchamp / Villon, et Sempé, et Picasso palmé. En outre, 6 tirages en couleurs – Poliakoff, Savignac, Vasarely, Braque dans son atelier, Picasso à Mougins, Nikki de Saint Phalle – seront dévoilés pour la première fois au public. Les vues de Lyon, quant à elles, n’avaient pour la plupart jamais été tirées et présentées.

Photo : Robert Doisneau. Tinguely -portrait de l’artiste, Paris 1959 © Atelier Robert Doisneau

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 11 h 00 min - Avril 11 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée Jean Couty

1, place Henri Barbusse Saint-Rambert -L'Ile Barbe 69009 Lyon

Calendrier GoogleCal

ven30oct(oct 30)12 h 00 minjeu24déc(déc 24)19 h 00 minLa sélection de la RédactionBernard Plossu : Fressons et VintagesTirages exceptionnels et anti-spectaculairesGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La sortie du livre consacré aux tirages Fresson de Bernard Plossu nous offre l’occasion de visiter son oeuvre sous l’aspect de la couleur (celle des pigments du tirage au charbon, du sépia des tirages argentiques des années 70) mais aussi du tirage.
La question du tirage est en effet primordiale pour toute oeuvre photographique. Il s’agit d’un diapason, d’une façon juste de faire vibrer une image. Dès les années 70, Plossu trouve naturellement cet équilibre qui, de la prise de vues au tirage, fixe définitivement sa préférence pour une image « anti-spectaculaire ».

La rencontre avec la famille Fresson est de ce point de vue primordiale pour la suite de son oeuvre. Elle lui révèle la douceur charnelle d’une couleur vivante, non apprivoisée, sujette au hasard et au tour de main. C’est le début d’une longue collaboration (de 1967 à aujourd’hui) qui, traversant trois générations de cette famille d’inventeurs et de tireurs, fixe définitivement le style couleur de Plossu.

Leurs tirages ont du grain, ils sont mats, comme les photos en noir et blanc…Le grain donne une ambiance proche des photos faites au Tri-X, le coté mat est anti-spectaculaire et ça me plait. Les Fressons atténuent délicatement la violence de toute lumière excessive, que ce soit en Arizona ou dans le sud de la France !

Les années 70 sont aussi celles de la collaboration avec Philippe Salaün, tireur noir et blanc qui réalise notamment, dans une période restreinte (fin des années 70), des séries entières d’images virées en sépia (Niger, Sénégal, Maroc,Nouveau Mexique…).

La mise en relation des tirages Fresson et des tirages noir et blanc (sépias compris) des années 70 résulte d’abord d’une simple évidence : celle de l’unité du regard et de l’oeuvre. Idée partie d’une simple intuition, elle s’est révélée riche de découvertes, mais aussi de bonheurs à marier ces deux pans de l’oeuvre de Plossu, habituellement séparés.

Bernard Plossu a eu la générosité de me laisser choisir dans ses archives des tirages d’époque exceptionnels et rares, reflets d’une oeuvre en train de se faire.
L’un de mes grands plaisirs a été d’y retrouver des tirages sépias de Taos, ceux-là même qui m’avaient fait découvrir son travail, en 1981, lors des rencontres d’Arles.

Le récent décès de Michel Fresson, à 84 ans, alors qu’il travaillait toujours assidûment à l’atelier, apporte naturellement une coloration d’hommage à la sortie du livre et à notre exposition. Son fils Jean-François, dernier détenteur du savoir-faire de sa famille, a bien voulu se remettre seul au travail pour réaliser une partie des tirages de cette exposition.C’est un cadeau précieux.

“J’ai eu la chance de rencontrer la famille Fresson dès 1967, Pierre et Michel : tout de suite, j’ai compris que leur papier mat et avec du grain me permettrait de montrer mes photos couleur avec la meme ambiance que celles en noir et blanc. C’était encore l’époque des films Kodachrome en diapositives.
Puis, ces dernières années, j’ai travaillé avec Jean-François, et dorénavant la plupart du temps en film négatifs couleur.
Chaque fois que je reçois un paquet d’eux, et ce depuis plus de 50 ans maintenant, j’arrête tout ce que je fais afin de les savourer tellement ils sont magnifiques ! Je ne les remercierais jamais assez.”
– Bernard Plossu

Dates

Octobre 30 (Vendredi) 12 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

Calendrier GoogleCal

ven06nov(nov 6)11 h 00 mindim13déc(déc 13)19 h 00 minCaroline CorbassonGalerie l'inlassable, 18 rue Dauphine - 13 rue de Nevers 75006 Paris Organisateur: PhotoSaintGermain Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Caroline Corbasson est une artiste plasticienne née en 1989. Elle développe depuis plusieurs années un travail interrogeant les relations entre l’infiniment petit et l’infiniment grand, en puisant son inspiration dans les sciences. Ses dessins, sculptures et films scrutent minutieusement les mystères de l’Univers. Ses collaborations avec plusieurs observatoires et laboratoires ont donné lieu à des travaux portant un regard poétique et décalé sur la recherche.
Andréa Montano est un photographe né en 1990. Son travail est nourri par la peinture, la lumière et les instants suspendus des toiles de Vermeer, le clair-obscur de Caravage, et plus largement la représentation du corps à travers les siècles. Il s’intéresse aux humains et au désir qui les anime. Sa pratique, exclusivement argentique et au moyen format, aboutit souvent à des tirages qu’il réalise lui-même en laboratoire.
Pour cette exposition, ils s’associent et conçoivent une série de photogrammes. Leurs pratiques se rejoignent grâce à leur intérêt commun pour la botanique. En juillet 2020, Caroline Corbasson et Andréa Montano collectent des plantes et constituent un herbier dans le Parc National des Cévennes. Cette Réserve de Ciel Étoilé (RICE) demeure l’un des rares endroits en France et dans le monde où l’on peut encore observer les étoiles grâce à l’absence de pollution lumineuse. Ces plantes précieuses qui ont grandi à la lumière des astres se voient ainsi archivées dans cette série photographique qui questionne notre rapport à la flore et au ciel.

Dates

Novembre 6 (Vendredi) 11 h 00 min - Décembre 13 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie l'inlassable

18 rue Dauphine - 13 rue de Nevers 75006 Paris

Organisateur

PhotoSaintGermaincontact@photosaintgermain.com Paris

Calendrier GoogleCal

mar01sep0 h 00 minmar01déc0 h 00 minThe Stanley Greene Legacy Prize & Fellowship Organisateur: NOOR Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Bourse

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