Name: Josephine
Start: 2020-1-18T14-14-00-00
End: 2020-2-28T18-18-00-00
Location: Galerie Raymond Banas, Maison de la Culture et des Loisirs de Metz

5 décembre 2016

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sam18jan(jan 18)14 h 00 minven28fev(fev 28)18 h 00 minJosephineArno BrignonGalerie Raymond Banas, Maison de la Culture et des Loisirs de Metz, 36 rue St Marcel 57000 MetzType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

1er juillet 2009, naissance de Joséphine. Le doute et les peurs se mêlent à la joie et à la fierté. Avoir un enfant peut être la chose la plus simple du monde. Pour nous, ce fut long, improbable, unique. À la maternité, ils appellent cela une « grossesse précieuse ». C’est aussi un déséquilibre annoncé à notre vie de couple, une histoire d’amour à deux à reconstruire à trois.

Depuis ce moment, je photographie notre famille. Naturellement, avec l’appareil qui me vient sous la main, Les planches contacts s’empilent. Apparaissent alors des photos qui vont à l’inverse d’une photographie de famille qui, comme Bourdieu la qualifie, « n’est conviée que pour ces bons moments qu’elle transforme en bons souvenirs ». Je gardes ces photos, celles où l’étrangeté transpire comme celles où la magie de l’enfance l’emporte.. La série se construit, mais la suite devient moins spontanée : je cherche la bonne photo. Alors j’arrête.

Joséphine a 10 ans aujourd’hui et les doutes se sont dissipés. L’amour est une évidence. La peur de la mort en est une autre. Je vis avec les deux. Les années passent, sans savoir si elles viennent effriter notre cocon familial. Je reprends l’appareil. Je photographie Joséphine, dans une lutte qui semble perdue d’avance, pour qu’elle ne m’échappe pas trop vite, pour que la fusion douce et amoureuse de ce microcosme à trois perdure. J’y ai trouvé ma place. Le temps passe et je peux enfin dire que plus rien ne s’oppose à la nuit, rien ne justifie… et qu’il me reste tout à oser.

Dates

Janvier 18 (Samedi) 14 h 00 min - Février 28 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Raymond Banas, Maison de la Culture et des Loisirs de Metz

36 rue St Marcel 57000 Metz

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mer01jan0 h 00 minsam29fev(fev 29)0 h 00 minInternational Women Photographers Award 2020 Organisateur: International Women Photographers Association Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

L’Association International Women Photographers Association (IWPA) lance son appel à candidatures pour le Prix IWPA 2020 dédié aux femmes photographes du monde entier. Les applications se font en ligne sur le site :
http://www.iwpa.fr

Un jury international composé de personnalités éminentes de la communauté artistique telles que :
Anaïs Viand, rédactrice en chef, Fisheye,
Daniel Gluckman, vice président, sales, Getty Image International,
Lucille Reyboz, photographe et fondatrice de Kyotographie et Tokyographie
Gabrielle Fonseca Johnson, rédactrice en chef, The Wider Image, Reuters
Nathalie Locatelli, gallerist, Galerie 127 Marrakech,
Roch Lorentz, channel manager, CIG Retail Channel, Canon,
Veronika Souralova, directrice, Czech Photo,
Aldeide Delgado, fondatrice Catalogo de Fotografas Cubanas,
Anne Farrar, senior photo editor, National Geographic,
Elena Navarro, directrice artistique, Foto Mexico,
Newsha Tavakolian, photographe, membre de Magnum
Séverine Blanchet, photographe et co-fondatrice d’IWPA

sélectionnera 5 photographes.
Parmi ces 5 finalistes, une lauréate sera annoncée fin mars. Les gagnantes verront leurs travaux exposés à travers une exposition itinérante dans de nombreuses villes en France, en Asie et au Moyen-Orient. Les expositions débuteront au printemps et se poursuivront jusqu’à la fin de l’année, notamment à Paris, Dubaï, Tokyo.

Chaque année, le prix IWPA attire de plus en plus de femmes photographes, d’origines et de cultures différentes. Depuis 2017, IWPA a suscité une attention considérable avec plus de 1700 candidatures provenant de plus de 80 pays.
Les travaux des finalistes et Lauréate de l’édition 2019 sont actuellement présentés au siège de Canon à Paris.
IWPA vise à réparer le déséquilibre de genre dans la photographie et de promouvoir les voix de femmes photographes, en leur offrant une visibilité internationale et en sensibilisant le monde de la photographie sur le travail remarquable de ces photographes.
L’action d’IWPA est de participer au mouvement actuel de la photographie artistique et professionnelle qui vise à présenter et compter plus de femmes dans les expositions, aux achats de musées pour intégrer les collections permanentes, ou à des postes supérieures d’institutions de photographie dans le monde entier.
Le prix de la photographie IWPA est organisé par l’Association Internationale Women in Photography (fondée en 2001). Au cours des dernières années, l’association a organisé plusieurs éditions de ce prix et a travaillé avec de nombreuses personnes et d’entreprises prestigieuses.

«Nous avons le devoir de veiller à ce que les images qui nous entourent soient également créées par des hommes et des femmes pour transmettre une vision représentative et juste de ce qu’est notre société», Laure Parise et Arantza Aramburu, co-présidentes de IWPA.

Règlement du Prix:
– Thème 2020: Thème libre ou thème « durable »
– Le jury attend de chaque candidate un ensemble cohérent de 7 à 10 photos
– Accompagné de CV, Bio et un texte présentant les travaux,
– Aucune signature, filigrane ou autre droit d’auteur ne doit être apposé sur les photographies,
– CANON (sponsor officiel) soutient les tirages en France,
– Le sujet photographique ne se limite pas aux femmes mais est laissé au choix de la photographe.

Photo : © Mahsa Ahrabifard IWPA 2019

Dates

Janvier 1 (Mercredi) 0 h 00 min - Février 29 (Samedi) 0 h 00 min

Organisateur

International Women Photographers Associationcontact@iwpa.fr 8 rue Labat de Savignac, entrée B, 31500 Toulouse France

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ven14fev(fev 14)14 h 00 minsam04avr(avr 4)19 h 00 minYour top is my bottomSimon EnglishTranspalette - Centre d'Art Contemporain, 26 Route de la Chapelle, 18000 BourgesType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

Du 14 février au 4 avril 2020, Frank Lamy présente au Centre d’art contemporain Transpalette, à Bourges, l’œuvre intime de l’artiste britannique Simon English. L’exposition « Your Top Is My Bottom », fait état d’un paradoxe, d’un retournement, d’un renversement. Elle retourne l’usage habituel de l’espace du Transpalette. La visite sera descendante. Le visiteur suivra le lapin d’Alice au fond du terrier. Dans cette exploration des profondeurs de l’inconscient, dans cette descente aux Enfers, on croisera certainement Orphée et Eurydice, mais aussi Oui-Oui, un écureuil ou une souris… Seront réunies œuvres sur papier, toiles libres et assemblages réalisés spécifiquement pour cette exposition.

Essentiellement versatiles, les œuvres de Simon English sont mouvantes. Il s’y trouve quelque chose de la dynamique et de la logique du collage (jonctions-disjonctions), du cadavre exquis et des procédés d’écritures automatiques, quelque chose du travail de la condensation onirique, mais également des pratiques méditatives. Il y a du geste et de la Geste. Du fragment et de l’impermanence. Il dit « L’inconscient est ma matière » et cherche à se libérer de la narration consciente, a laisser émerger, apparaître. À faire confiance au flux.

Si cet œuvre est une exploration intime, il n’est pas clos pour autant et résonne des fracas du monde. L’extérieur s’y dépose par des paroles de chansons cheezy entendues à la radio, des notes griffonnées à la hâte, des numéros de téléphone, horaires de trains ou listes diverses. Des traces de vie, quoi. Le support est littéralement entrepris dans TOUS les sens au gré de la nécessité et des moyens économiques à disposition. Plus de haut ni de bas, d’envers ou d’endroit, de gauche ou de droite.

Dans l’atelier, coexistent différents pôles. L’atelier est un espace, en permanente redistribution. On y trouve des zones de travail (sur table ou au mur, parfois au sol), de tests, des zones de stockage, de séchage, des espaces de mise en attente, des bassins de décantation, de refroidissement, des surfaces…

La contrainte économique, au départ subie, devient chez Simon English, un moteur et une force de résistance. Faire avec la situation telle qu’elle est. À cet égard, il n’est certainement pas anodin que cet œuvre se développe en résistance dans l’épicentre du néolibéralisme galopant, opposant sa force d’inertie, son rythme, sa propre nécessité interne.

Dates

Février 14 (Vendredi) 14 h 00 min - Avril 4 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Transpalette - Centre d'Art Contemporain

26 Route de la Chapelle, 18000 Bourges

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jeu06fev(fev 6)11 h 00 minsam21mar(mar 21)19 h 00 minArtists Friends RacistsJordan WolfsonDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner est heureux de présenter de nouvelles œuvres de l’artiste américain Jordan Wolfson dans les espaces de la galerie parisienne. L’exposition se compose d’une installation d’affichages holographiques HYPER VSN 3D projetant une série d’images élaborées par l’artiste, ainsi que d’une nouvelle série de panneaux muraux en laiton présentant des photographies de l’enfance de Wolfson. Il s’agit de la quatrième exposition personnelle de l’artiste chez David Zwirner. Une installation de ses œuvres sera simultanément présentée à la galerie Sadie Coles à Londres à partir du 30 janvier.
Depuis ses débuts, Wolfson observe l’interaction entre art, technologie, et médias de masse, explorant la façon dont l’image et l’information sont vécues et diffusées aujourd’hui. Utilisant des technologies de pointe telles que de l’animation CGI, des logiciels de reconnaissance faciale, des casques de réalité virtuelle, et des animatroniques avancés, Wolfson remet en cause la relation de l’individu aux médias, aux systèmes d’information, et à la technologie dans la société contemporaine.
Dans ARTISTS FRIENDS RACISTS, Wolfson continue à explorer la culture et la vie contemporaine américaines à travers une installation du même nom, utilisant une nouvelle technologie d’affichage holographique composée de ventilateurs tournants dont les lames intègrent des micro LED. Les LED sont programmés pour s’éclairer de manière précise tout en tournant, donnant l’illusion d’une image holographique flottant dans l’espace. Ces dispositifs uniques sont principalement à usage commercial : conçus pour séduire le consommateur et lui présenter des marques et des produits par le biais d’un langage visuel dynamique et novateur.
L’installation ici présentée se compose de ventilateurs projetant des personnages animés, des symboles et des mots, comme un coeur dessiné, un chiot, ou un chat emprisonné. La présentation est structurée thématiquement par une série de mots animés, tels que « Artists », « Friends », « Racists », qui tombent de façon intermittente. Les animations de Wolfson superposent parfois des photos et des clips vidéo qui peuvent paraître relativement anodins –- comme des cookies – tandis que d’autres représentent des sujets plus pesants, tels que des voitures de police, ou des pompiers intervenant à la suite des attentats du 11 septembre. Vue dans l’espace de la galerie, la séquence se déroule comme une danse chorégraphiée ou une composition musicale, avec des images par moments synchronisées – plusieurs ventilateurs projetant la même chose – et à d’autres, syncopées et incongrues. Les visuels et les animations semblent immatériels et flottants, comme superposés sur le monde matériel et physique. À la fois énigmatique, comique, et inquiétante, cette oeuvre montre comment les symboles, les personnages, et même le langage ont réussi à mener une vie propre au sein l’économie avancée de l’image contemporaine, existant comme des spectres qui dépassent les limitations des médias et des systèmes par lesquels ils sont véhiculés.

La galerie présente également une série de nouveaux panneaux muraux en laiton avec des impressions numériques sur substrats UV de photos d’enfance de Wolfson. Ces nouveaux panneaux font partie de sa série d’objets sculpturaux accrochés au mur, et sont les œuvres les plus personnelles de Wolfson à ce jour. Contrairement à la technologie numérique avancée des ventilateurs, les panneaux en laitons rappellent la métallurgie ancienne, la sculpture classique, et les surfaces lumineuses et dorées des églises et des retables du Moyen-âge. Isolés sur la surface du laiton, les instantanés de l’enfance dégagent une aura surréaliste, tout en étant intimement liés au propre passé de l’artiste et à l’expérience universelle de la nostalgie modérée par le biais de l’image photographique.
Jordan Wolfson est né à New York en 1980. En 2003 il obtient son BFA en sculpture à la Rhode Island School of Design. L’artiste rejoint David Zwirner en 2013 et a présenté des expositions personnelles à la galerie à New York en 2014, 2016, et 2018.
En 2018, Colored sculpture (2016) de Jordan Wolfson est exposé pour la première fois à Londres dans les Tanks de la Tate Modern. La même année, The Broad à Los Angeles présente Female figure (2014).
En 2016, le Stedelijk Museum Amsterdam organise une étude en deux parties de l’œuvre de l’artiste : MANIC/LOVE/TRUTH/LOVE. Jordan Wolfson : Ecce Homo / le Poseur, l’exposition la plus complète de son œuvre à ce jour, est organisée par le Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.) à Gand et présentée en 2013.
Parmi les autres institutions ayant présenté des expositions monographiques de l’artiste, on peut citer Moderna Museet, Stockholm (2019) ; Schinkel Pavillon, Berlin (2018) ; Pond Society, New Century Art Foundation, Shanghai (2017) ; Cleveland Museum of Art (2015) ; Kunsthalle Wien, Vienne ; REDCAT, Los Angeles (tous deux en 2012) ; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2011) ; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2009) ; Swiss Institute of Contemporary Art, New York (2008) ; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Italie (2007) ; et le Kunsthalle Zürich (2004). En 2014, une sélection des œuvres vidéo de Wolfson est présentée aux McLellan Galleries à Glasgow dans le cadre de la 6eme édition de Glasgow International.
Les œuvres de Wolfson sont présentes au sein des collections publiques du monde entier, dont celles du Art Institute of Chicago ; The Broad, Los Angeles ; Cleveland Museum of Art, Ohio ; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin ; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Italie ; Fonds national d’art contemporain (FNAC), France ; LUMA Foundation, Zurich ; Magasin III Museum and Foundation for Contemporary Art, Stockholm ; Moderna Museet, Stockholm ; Museum of Contemporary Art Chicago ; Museum Ludwig, Cologne ; The Museum of Modern Art , New York ; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gand ; Tate, London ; et Whitney Museum of American Art, New York. Il vit et travaille à Los Angeles.

Dates

Février 6 (Jeudi) 11 h 00 min - Mars 21 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

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ven24jan(jan 24)10 h 00 minven21fev(fev 21)19 h 00 minCollectible VA. Galerie, 4 rue Léonce Reynaud 75116 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

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