Name: Ouka Leele
Start: 2020-1-24T12-12-30-00
End: 2020-3-7T18-18-30-00
Location: Galerie VU'

9 décembre 2016

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mer01jan0 h 00 minsam29fev(fev 29)0 h 00 minInternational Women Photographers Award 2020 Organisateur: International Women Photographers Association Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

L’Association International Women Photographers Association (IWPA) lance son appel à candidatures pour le Prix IWPA 2020 dédié aux femmes photographes du monde entier. Les applications se font en ligne sur le site :
http://www.iwpa.fr

Un jury international composé de personnalités éminentes de la communauté artistique telles que :
Anaïs Viand, rédactrice en chef, Fisheye,
Daniel Gluckman, vice président, sales, Getty Image International,
Lucille Reyboz, photographe et fondatrice de Kyotographie et Tokyographie
Gabrielle Fonseca Johnson, rédactrice en chef, The Wider Image, Reuters
Nathalie Locatelli, gallerist, Galerie 127 Marrakech,
Roch Lorentz, channel manager, CIG Retail Channel, Canon,
Veronika Souralova, directrice, Czech Photo,
Aldeide Delgado, fondatrice Catalogo de Fotografas Cubanas,
Anne Farrar, senior photo editor, National Geographic,
Elena Navarro, directrice artistique, Foto Mexico,
Newsha Tavakolian, photographe, membre de Magnum
Séverine Blanchet, photographe et co-fondatrice d’IWPA

sélectionnera 5 photographes.
Parmi ces 5 finalistes, une lauréate sera annoncée fin mars. Les gagnantes verront leurs travaux exposés à travers une exposition itinérante dans de nombreuses villes en France, en Asie et au Moyen-Orient. Les expositions débuteront au printemps et se poursuivront jusqu’à la fin de l’année, notamment à Paris, Dubaï, Tokyo.

Chaque année, le prix IWPA attire de plus en plus de femmes photographes, d’origines et de cultures différentes. Depuis 2017, IWPA a suscité une attention considérable avec plus de 1700 candidatures provenant de plus de 80 pays.
Les travaux des finalistes et Lauréate de l’édition 2019 sont actuellement présentés au siège de Canon à Paris.
IWPA vise à réparer le déséquilibre de genre dans la photographie et de promouvoir les voix de femmes photographes, en leur offrant une visibilité internationale et en sensibilisant le monde de la photographie sur le travail remarquable de ces photographes.
L’action d’IWPA est de participer au mouvement actuel de la photographie artistique et professionnelle qui vise à présenter et compter plus de femmes dans les expositions, aux achats de musées pour intégrer les collections permanentes, ou à des postes supérieures d’institutions de photographie dans le monde entier.
Le prix de la photographie IWPA est organisé par l’Association Internationale Women in Photography (fondée en 2001). Au cours des dernières années, l’association a organisé plusieurs éditions de ce prix et a travaillé avec de nombreuses personnes et d’entreprises prestigieuses.

«Nous avons le devoir de veiller à ce que les images qui nous entourent soient également créées par des hommes et des femmes pour transmettre une vision représentative et juste de ce qu’est notre société», Laure Parise et Arantza Aramburu, co-présidentes de IWPA.

Règlement du Prix:
– Thème 2020: Thème libre ou thème « durable »
– Le jury attend de chaque candidate un ensemble cohérent de 7 à 10 photos
– Accompagné de CV, Bio et un texte présentant les travaux,
– Aucune signature, filigrane ou autre droit d’auteur ne doit être apposé sur les photographies,
– CANON (sponsor officiel) soutient les tirages en France,
– Le sujet photographique ne se limite pas aux femmes mais est laissé au choix de la photographe.

Photo : © Mahsa Ahrabifard IWPA 2019

Dates

Janvier 1 (Mercredi) 0 h 00 min - Février 29 (Samedi) 0 h 00 min

Organisateur

International Women Photographers Associationcontact@iwpa.fr 8 rue Labat de Savignac, entrée B, 31500 Toulouse France

Calendrier GoogleCal

ven24jan(jan 24)12 h 30 minsam07mar(mar 7)18 h 30 minOuka LeeleGalerie VU', 58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Figure emblématique de la Movida, cette vague d’émancipation de la révolution démocratique espagnole, Ouka Leele qui n’a de cesse de réinventer, de réenchanter, n’a pas d’équivalent par l’originalité de son œuvre foisonnante et poétique où se rencontrent, dans une étrange mixité, peinture et photographie.

Aussi imprévisible que son œuvre, Ouka Leele a développé un langage et une écriture qui n’appartiennent qu’à elle. Elle met en scène des objets incongrus dans la scénarisation subversive de portraits ou d’icônes surréalistes dont nous doutons de l’origine photographique tant son repeint à l’aquarelle vient perturber notre regard attentif. De la tendresse des pastels à la déchirure criarde d’un kitsch assumé, son imaginaire fantaisiste, burlesque ou situationniste, nous transporte dans un monde baroque à la fascinante poésie insondable.

Ouka Leele s’expose rarement et malgré la célébrité et la reconnaissance internationale, sa production demeure habitée d’une liberté créative hors du commun, nourrie du souffle passionné qui saisit l’Espagne affranchie du poids des conventions et de l’oppression culturelle de trente-cinq années de dictature franquiste.

Dates

Janvier 24 (Vendredi) 12 h 30 min - Mars 7 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie VU'

58 rue Saint-Lazare, 75009 Paris

Galerie VU'58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisGalerie ouverte le jeudi et vendredi : 12h30 – 18h30, et le samedi : 14h – 18h30 Et sur rendez-vous du lundi au samedi

Calendrier GoogleCal

sam08fev(fev 8)15 h 00 minjeu26mar(mar 26)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles Roudière Galerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Mars 26 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

Calendrier GoogleCal

ven14fevdim01marEmbracingExposition CollectiveThe American University of Paris, 6, rue Colonel Combes 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre du Black History Month, la curatrice Jacqueline Ngo Mpii a invité six artistes autour de « Embracing ».
Beya Gille Gacha, Kouka Ntadi, Helene Jayet, Fred Ebami, Murielle Kabile et Dimitri Fagbohoun.
L’exposition est ouverte le vendredi de 8:30 à 23:45, le samedi de 10h à 23:45 et le dimanche de 13h à à 23:45.
Attention de vous enregistrer 48h à l’avance à cette adresse :
https://www.aup.edu/news-events/event/2020-02-13/public-vernissage-embracing-black-history-month-exhibition-curated

What does Black History Month, which is an annual celebration that commemorates the achievements of major African-American figures and their role within the United States mean around the world?
What does it mean for a country like France, which has the largest African diaspora in Europe, and where talking about race and colorism is still an issue?
Embracing is the assertive and assumed expression of artists from the French art scene, who express on canvas and sculpture the memory of those who are not studied and not heard, those who play a major role within the society without acknowledgment, and finally, the representation of themselves within the society.
Embracing is the promotion and celebration of Black culture in French society.

Dates

Février 14 (Vendredi) 8 h 30 min - Mars 1 (Dimanche) 23 h 45 min

Lieu

The American University of Paris

6, rue Colonel Combes 75007 Paris

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sam01fev10 h 00 minven22mai(mai 22)18 h 00 minSous la glace, l’eauExposition CollectiveCaisse D’épargne Masséna, 6 Place Massena 06000 NiceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour débuter l’année 2020 sous le signe de l’engagement et de l’avenir, ENTRE I DEUX donne carte blanche à un collectif d’artistes basé à Nice qui fait de la marche, du rassemblement et de la collaboration, le sédiment de leur approche commune. Le collectif PALAM est composé de Benoît Barbagli, Tom Barbagli, Evan Bourgeau, Camille Franch-Guerra, Omar Rodriguez Sanmartin, Florent Testa et Anne-Laure Wuillai.

Ces amis-artistes, issus de la Villa Arson (école nationale des beaux-arts, Nice) ou autodidacte, se retrouvent autour de balades, d’expéditions, d’escapades et de randonnées, à la recherche d’expériences sensibles avec la nature. Ces corps-à-corps poétiques donnent naissance à des expositions combinant œuvres personnelles et collectives dans une démarche partagée, synergique, reflétant leurs complicités, à l’instar d’« Azimuth » à la galerie Eva Vautier en 2019 ou à l’Anniversaire de l’art à Villefranche-sur-Mer le 17 janvier 2020. Véritables appels d’air, proches du processus performatif dans leurs formations, ces quêtes initient des récits, des installations, des sculptures, des peintures, des dessins, des photographies, des vidéos éminemment ancrés dans les enjeux environnementaux avec une fraicheur et une poésie sidérantes.

Palam ouvre ici une nouvelle aventure. Riche de ses expériences de marches en milieu naturel, sensible à l’écologie, le collectif récidive dans l’enceinte de la Caisse d’Épargne de la Place Masséna à Nice et invite le musicien multi-instrumentiste et performatif Benjamin Fincher à se joindre à ce périple.

Palam prend à bras le corps les contraintes présentes, s’en joue et vous propose de questionner ce paradoxe initial : au combien le souci écologique s’effrite-t-il dans l’antre du Capital ?

Palam prend cette difficulté avec le plus grand sérieux, et s’efforce avec un regard pour le moins critique de mettre au jour ces tensions sous-jacentes en donnant une vision si ce n’est politique au moins poétique.

Plus qu’une exposition, « Sous la glace, l’eau » est un parcours initiatique, une chasse au trésor, qui ne pouvait se suffire à questionner l’espace d’exposition. C’est ainsi qu’elle invitera les plus téméraires d’entre vous, loin du cadre normatif du pouvoir symbolique, à plonger dans la nature, au sommet des montagnes.

Avec le collectif PALAM
Benoît Barbagli, Tom Barbagli, Evan Bourgeau, Camille Franch-Guerra, Omar Rodriguez-Sanmartin, Florent Testa, Anne-Laure Wuillai
Avec la participation de Benjamin Fincher

Dates

Février 1 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 22 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Caisse D’épargne Masséna

6 Place Massena 06000 Nice

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