Name: La Gloire des Govaert
Start: 2019-11-9T14-14-00-00
End: 2019-12-14T19-19-00-00
Location: Photo Doc. Galerie

14 janvier 2019

#Photographie Documentaire #Portrait chinois

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sam09nov(nov 9)14 h 00 minsam14déc(déc 14)19 h 00 minLa Gloire des GovaertFlavio TarquinioPhoto Doc. Galerie, Hôtel de Retz, 9 rue Charlot, 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Je garde de ces moments avec Marie Claude, Alain et les autres le fort sentiment d’une construction. »

Cette construction commence pour Flavio Tarquinio, photographe à l’affut des univers populaires, par la rencontre en 1989 dans un bistrot du Nord, La Cigale, avec le couple Govaert, qu’il remarque pour sa vivacité, sa tenue soignée et la bande de potes qui voltigent autour d’eux. Marie Claude, que tous appellent Marie, sanglée dans un tailleur à rayure et Alain veste, chemise blanche et cravate flamboyante semblent présider à la valse des consos qui précèdent le bal sur les notes de Bernard l’accordéoniste.
Flavio discute avec ce duo qui l’attire, parle de tout et de rien et de son métier de photographe, sans se douter qu’il va partager pendant des années le monde très réel de ces gens sans moyen qu’on a peu l’habitude de voir photographiés, surtout de si joyeuse humeur.
« Marie, raconte Alain, montrait un vrai bonheur qu’un photographe s’intéresse à elle. » Une muse de la photographie documentaire se penche alors sur cette complicité instantanée qui fabriquera au cours des 18 prochaines années, de fêtes en moments d’intimité, la chronique photographique et épique de ces vies mêlées.
Marie Claude la baptisera elle même « Rêves Gloire et Passion » le jour de la première prise de vue en couleur de son improbable apparition en « Femme Fatale ».
Flavio conte en images (et en mots vibrants dans un livre éponyme) comment s’est bâtit la proximité, jusqu’à l’intime, avec ceux qui seront les auteurs et héros de ce feuilleton prolétaire et baroque qu’il capte au fil des jours dans son objectif.

Après les séquences réalistes en noir et blanc éclate un soap opéra hollywoodien aux costumes en technicolor, aux maquillages tragi-comiques, dégoulinants de mercurochrome et défiants toute authenticité, que seule la tendresse du regard du photographe métamorphosera en images claires obscures aux inventions poétiques sans esbroufe. Telle cette Passion du Christ où l’ami Jean Marie, sdf de son état, incarne un Jésus nimbé par la grâce et Alain un centurion brutal, casqué de papier d’alu tandis que les auréoles des anges, Mesdames Alice et Jacqueline sont des assiettes en carton.
Pour « La Sirène » Marie flottera sur une mer turquoise de sacs poubelle…
« Le but, dit Flavio, n’était pas leur transformation mais d’aller au delà de leur passivité pour révéler leur créativité… Il m’a suffi de les écouter de les encourager, de leur dire juste «pas mal»…et de sauvegarder leur spontanéité.
Pas de pleurnicheries dans ce minuscule logement d’une
maison ouvrière au fond d’une impasse où Monsieur Roland, handicapé et reclus les héberge, contre de menus services. Ils seront vite rejoints par Madame Jacqueline escroquée par son petit ami et la voisine Madame Alice… Des réfugiés de l’existence qui vont durant quelques années vivre gaiement leur exclusion.

Avec Flavio le passage du quotidien qui se raconte en noir et blanc à l’imaginaire qui s’exprime en couleur se fait dans une collaboration totale. C’est Marie Claude et Alain qui imagine les épisodes et fabriquent les costumes avec ce qu’ils ont sous la main.
Mais Flavio, témoin régulier de leurs vies assure ne s’être jamais insérer dans leurs problèmes, n’étant pas là pour çà.
Alain plus qu’amoureux après une vie sentimentale aussi mal débutée que chaotique s’enflamme : » Marie Claude rayonnait chaque jour que dieu fit ! »
Il l’épouse enfin à l’église en juillet 1997et propose à Flavio de remettre en scène l’apogée de son amour trois mois plus tard avec l’introduction de personnages, du rocker au chanteur mexicain, tous interprétés par Alain jouant avec son héroïne noyée dans la dentelle blanche.
Malgré ce Happy End glorieux Flavio insiste que tout ce complot obstiné contre le malheur fût une histoire d’amour tragique malgré les flots de passion qui s’en dégage.
Et conclut qu’il s’agit avant tout pour lui de vivre avec les autres, et d’oser cet acte révolutionnaire qu’est la connivence…

Dates

Novembre 9 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Photo Doc. Galerie

Hôtel de Retz, 9 rue Charlot, 75003 Paris

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jeu14nov(nov 14)14 h 30 minsam21déc(déc 21)18 h 30 minNymphéasOlivier DeckArrêt sur l'Image Galerie, 45 Cours du Médoc, 33300 Bordeaux

Détail de l'événement

« Nymphéas, conversation avec le reflet sur l’étang, est un cycle photographique créé en 2018. Chaque jour, je sors de la maison pour arpenter « l’espace immédiat ». Ici, mes pas me ramènent jour après jour près d’un étang. Deux ou trois postes de pêcheurs permettent d’accéder à la berge, entre les ronces. A la façon d’un Josef Sudek photographiant inlassablement la fenêtre de son atelier, je photographie la fenêtre de la surface. Reflet du ciel, des arbres, herbes et pollens flottants, algues, chatons, aigrettes… un poisson qui s’échappe. Sans vraiment en avoir conscience d’emblée, je reviens à l’adolescence. Quand je battais la campagne béarnaise, que je guettais les cistudes sur le tronc d’arbre mort, au milieu de la mare qu’un saule pleureur ombrait. Quand je me passionnais pour l’impressionnisme, les peintres du dehors. Ce grand dehors que je ne finirais plus d’explorer, où j’aime tant disparaître pour créer des images. Six mois de photographie, une, deux fois par jour, pour cette méditation poétique, ce regard intérieur. Impressions monochromatiques en hommage à Claude Monet et ses Nymphéas, l’un des premières grandes révélations picturales de ma vie. »

Dates

Novembre 14 (Jeudi) 14 h 30 min - Décembre 21 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Arrêt sur l'Image Galerie

45 Cours du Médoc, 33300 Bordeaux

Arrêt sur l'Image Galerie45 Cours du Médoc, 33300 BordeauxOuvert de 14h30 à 18h30 tous les jours sauf le dimanche.

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ven08nov(nov 8)11 h 00 min2020sam11jan(jan 11)19 h 00 minThe Painters ProjectEric CeccariniGalerie HEGOA, 16, rue de Beaune 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Né en 1965, Eric CECCARINI est d’origine italienne. De nationalité belge, où il a été diplômé en photographie en 1987 et où il a mené l’essentiel de sa carrière de photographe, il vit et travaille aujourd’hui dans son atelier à Ibiza.
À la suite d’une longue expérience dans le secteur exigeant de la publi-cité et de la mode et pour de nombreux clients, agences et magazines tels que Elle, Marie-Claire, L’Oréal, Levi’s, Coca-Cola, Virgin, Saab, Delvaux, Chopard, Lowe Lintas ou encore Ogilvy, il a été récompensé par un Lion d’argent au festival international de la publicité à Cannes.
Depuis plusieurs années, Eric CECCARINI développe une approche personnelle d’artiste basée sur l’étude du corps en lumière naturelle, sans artifices techniques. Ses images sont très douces, veloutées, extrême-ment picturales. Son travail est un hommage respectueux à la beauté du corps féminin.
Après la série “NUDES” révélant une sensualité sublime parfois aux limites de l’abstraction, la série “AMNIOS” est une suite de silhouettes diaphanes où les modèles semblent littéralement flotter, « THE PAINTERS PROJECT» est sa dernière recherche menée depuis plusieurs années en collaboration avec des peintres.
La série « THE PAINTERS PROJECT», en évolution permanente, consacre son talent au-delà des frontières et auprès de nombreux collectionneurs fidèles. Cette série rassemble à ce jour à 120 artistes peintres du monde entier qui expriment leur art sur le corps de ses modèles. Chaque peintre crée une oeuvre éphé-mère sur une toile vivante, immortalisée par le regard d’ Eric CECCARINI qui parvient ainsi à sublimer la beauté du corps à travers la singularité de chaque création réalisée à quatre mains d’artistes. Cette série présentée dans plusieurs galeries en Belgique, à Londres, en Espagne, en Italie, aux Pays-Bas, en Suisse, en Chine ou aux Etats-Unis est aussi exposée en foires internationales telles que Miami Basel ou Art Bei-jing.
Suivies par de nombreux acteurs du monde de l’art contemporain, les oeuvres d’Eric CECCARINI ont été acquises par la fondation BELFIUS, une des plus grandes collections d’art et la plus grande de Belgique.
Les peintres qui participent à son projet connaissent aussi des succès internationaux comme le graffeur belge Denis Meyers devenu célèbre pour sa création éphémère de 20 000 m2 intitulée « Remember » et relayée dans la presse internationale de l’art contemporain.

Dates

Novembre 8 (Vendredi) 11 h 00 min - Janvier 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie HEGOA

16, rue de Beaune 75007 Paris

Galerie HEGOA16, rue de Beaune 75007 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 13h et de 14h à 19h

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mar15oct(oct 15)11 h 00 min2020dim19jan(jan 19)19 h 00 minSpeed of LifePeter HujarJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La vie et les images de Peter Hujar (1934-1987) sont inséparables de la ville de New York. Indépendant par nature, volontiers combatif, cultivé et très bien introduit dans le milieu artistique, Hujar évoluait au sein d’une scène avant-gardiste faite de danseurs, de musiciens, de plasticiens et de travestis. Son accomplissement en tant que photographe fut contemporain de l’évolution et de la visibilité du mode de vie gay entre 1969 — date des émeutes de Stonewall — et la crise du sida dans les années 1980.

À l’issue de ses études secondaires en 1953 – et jusqu’en 1968 –, Hujar travaille comme assistant auprès de divers photographes publicitaires. Cinq années passées à collaborer à des magazines grand public le convainquent qu’une carrière de photographe de mode « n’est pas pour [lui] ». En 1973, il préfère alors mener une « vie d’artiste », qui lui permet une plus grande libérté dans son travail de photographe.

Dans le loft-studio qu’il occupe au-dessus d’un théâtre de l’East Village (au sud de Manhattan), Hujar braque son objectif sur ceux qui suivent leur instinct créatif et refusent les succès faciles. De ses photographies, il disait qu’elles sont « des images simples et directes de sujets difficiles et compliqués »; elles immortalisent des instants, des êtres et des pratiques culturelles dont l’existence est aussi fugitive que celle de la vie. À quarante-deux ans, il publie son unique monographie, Portraits in Life and Death [Portraits dans la vie et dans la mort], et inaugure sa première exposition personnelle dans une galerie. Cette exploration de l’intimité qu’il a menée en tant que portraitiste, il l’applique à présent à la photographie, dépourvue de sentimentalisme, d’animaux et de plantes, de paysages et de bâtiments, et à la saisie des singularités des corps nus.

En 1981, Hujar a une brève liaison avec le jeune artiste David Wojnarowicz, avec qui il parcourt les quartiers délabrés de New York. La ville qu’il a photographié à cette période, est un petit monde vibrant d’une intense énergie créatrice, qui a depuis disparu.
Peter Hujar meurt en novembre 1987 d’une pneumonie liée au sida.

Le Jeu de Paume présente du 15 octobre au 19 janvier Peter Hujar : Speed of Life (la vie à toute vitesse), une sélection d’environ 140 photographies de cet artiste particulièrement important et influent.
L’exposition suit le parcours d’Hujar, depuis ses débuts au milieu des années 1950, jusqu’aux années 1980 où il est l’un des acteurs importants de la scène artistique de l’East Village.
Organisée en deux parties, elle décline tous les différents aspects de sa pratique photographique marquée par la même beauté austère : le portrait en atelier, généralement posé, et qui constitue le cœur de sa pratique, mais également le nu, notamment masculin, et le paysage urbain de New York et de ses environs. Résolument noir et blanc, l’ensemble non seulement décrit l’univers intime de Peter Hujar mais également esquisse un portrait du New York bohème et underground de ces années-là, à travers quelques-unes de ses figures les plus marquantes.
Librement inspirée par l’accrochage de la dernière exposition new yorkaise qu’Hujar eu de son vivant, en 1986, à la Gracie Mansion Gallery, la deuxième partie mêle ces différentes thématiques en insistant sur la continuité stylistique qui unit ces images, par-delà leurs sujets.

Dates

Octobre 15 (Mardi) 11 h 00 min - Janvier 19 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

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mer06nov(nov 6)14 h 30 minven20déc(déc 20)19 h 00 minCorinne MercadierPolaroids et dessins Le salon H, 6/8 rue de Savoie, 75006 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Salon H présente des oeuvres uniques de Corinne Mercadier, Polaroids SX70 originaux réalisés entre 1987 et 2002, et dessins sur papier à l’encre et au crayon de couleur de 2008 à 2014.
Corinne Mercadier a toujours dessiné, et passant à la photographie elle a continué d’une part pour construire ses séries à partir de 2005 sous forme de carnets de travail, d’autre part en rêvant des images le crayon à la main et ce sont ces dessins-là, de la série Black Screen Drawings qui accompagnent les Polaroids au Salon H.
Corinne Mercadier a surtout exposé des tirages de grand format réalisés à partir de Polaroids SX70. Cependant sa méthode de travail la menait à réaliser un certain nombre de Polaroids semblables au cours d’une même prise de vues. Ce sont certains d’entre eux que nous présentons.
Les Polaroids exposés sont issus de deux séries : Glasstypes et Une fois et pas plus.

Les Glasstypes sont des photographies d’objets peints sur verre par l’artiste, isolés sur un fond sombre. Ils sont entourés d’une aura lumineuse qui leur donne un aspect fantomatique.
Les plus anciens (1987) sont des variations à partir d’architectures peintes de Giotto, alors que les plus récents (1997-99) figurent des objets incertains autour du corps, vêtement, élément de mobilier ou d’architecture.
Un livre d’artiste, Dreaming Journal (1999), paru aux éditions Filigranes, accompagne ce travail. Il met en parallèle photographies issues des séries Glasstypes et Intérieurs et un texte de Corinne Mercadier. Dans ce texte les évènements au fil des jours se mêlent aux rêveries, au travail en train de se construire.

Série Une fois et pas plus (2000-2002)
Cette série fait suite aux Glasstypes. Elle passe de la photographie de peintures sur verre à la mise en scène dans l’espace réel : des volumes évoquant le vêtement réalisés par l’artiste sont en suspension dans un paysage. Des personnages sont parfois présents, et sont mis en relation avec un objet flottant, lancé pour la prise de vues.
Par la présence éphémère de l’objet en l’air, ces images évoquent le destin, ce qui arrive.
Elles mettent en jeu hasard, vitesse et mouvement.
La couleur, proche du noir et blanc, permet à l’objet volant de se fondre dans le décor.
Comme d’autres Polaroids de Corinne Mercadier depuis 1987, par exemple les séries Paysage et Où commence le ciel?, ils sont réalisés en rephotographiant des tirages argentiques. Il en résulte une mise à distance du réel qui entraîne vers un monde rêveur.

La fabrication de la pellicule Polaroid SX70 a pris fin en 2008, tous les Polaroids de cette exposition sont des pièces uniques vintage.
La présence d’images semblables témoigne de la méthode de travail de Corinne Mercadier et elles n’en sont pas moins uniques.

La série Black Screen Drawings (2008-2014, encre, crayons de couleurs et gouache sur papier, environ 18×15 cm), offre une entrée différente dans un univers qui a pris forme au travers de la photographie.
Alors que les dessins des carnets de travail, rapides et utiles, préparent les photographies mises en scène et permettent de concevoir les sculptures lancées, ceux de Black Screen Drawings s’élaborent à partir d’une rêverie.
D’un fond d’encre émergent des formes qui s’éclairent et se colorent peu à peu. Ce qui est commun à tous ces dessins, outre l’unité de format et de technique, est l’apparente cohérence des sources de lumière, des ombres et de la perspective.
Ces scènes sans réalité prennent l’aspect détaillé dont la mémoire ou l’observation auraient pu rendre compte. Les moirures du fond d’encre sont interprétées comme des territoires géographiques, et les formes construites sur ces territoires, proches de l’abstraction, sont hors d’un temps ou d’un espace mesurable.
Il ne s’agit pas de paysage, mais plutôt de lieu de spectacle en extérieur sans décor, ni costumes ni personnages. Un théâtre.
C’est la permanence d’une scène, imaginaire ou réelle, qui lie les dessins aux photographies de Corinne Mercadier où se produisent rêves et apparitions.

Commissariat de Béatrice Andrieux

Dates

Novembre 6 (Mercredi) 14 h 30 min - Décembre 20 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Le salon H

6/8 rue de Savoie, 75006 Paris

Le salon H6/8 rue de Savoie, 75006 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h30 à 19h et tous les jours sur rendez-vous

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