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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven02oct(oct 2)9 h 00 minven20nov(nov 20)19 h 00 minLa sélection de la RédactionPrix Levallois 2020Galerie de L’Escale, 25 rue de la Gare 92300 Levallois Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition présentée à la Galerie l’Escale de Levallois du 2 octobre au 22 novembre 2020 présente le travail des trois photographes primés : Lionel Jusseret (France), Prix Levallois, Stanislava Novgorodtseva (Russie) Mention Spéciale et Işik Kaya (Turquie), Prix du Public.

Lionel Jusseret, Prix Levallois 2020
Lionel Jusseret photographie pendant près de huit ans des enfants atteints de formes graves d’autisme dans le cadre d’une association proposant une approche différente. Afin de ne pas les réduire à leurs troubles psychiques, il les photographie loin des murs des institutions. La série Kinderszenen est un voyage onirique, tantôt naïf, tantôt angoissant, souvent mystérieux, qui vous laisse découvrir seul à seul l’énigme de ces « gamins-là».
Le conte et le mystère contre l’enfermement et l’oubli.

Stanislava Novgorodtseva, Mention Spéciale 2020
Enfant, la Crimée m’a toujours paru être un lieu sacré et apolitique. C’était une île avec une mythologie particulière et des traces d’anciennes civilisations. C’est sur cette île que j’ai vu la mer pour la première fois. La péninsule de Crimée a forgé sa propre identité marquée par le brassage des populations.
En 1783, ce lieu constitué de différentes cultures et religions est devenu partie intégrante de l’Empire russe et connu de tous comme résidence du tsar. Après la création de l’URSS, la Crimée n’est plus un lieu de villégiature pour l’élite, mais une station balnéaire populaire. Après la chute de l’Union soviétique, cette péninsule est rattachée à l’Ukraine, puis en mars 2014 elle devient sujet de la Fédération de Russie. Depuis ces six dernières années, la Crimée est le centre de conflits politiques. Les sanctions et restrictions individuelles infligées à ses habitants ont accru le sentiment d’isolement. L’univers de mon enfance et la mythologie locale s’entremêlent aujourd’hui avec la réalité politique.

Işik Kaya, Prix du Public 2020
La première transformation d’une antenne-relais en un sapin factice a été réalisée en 1992 par Larson Camouflage : une entreprise qui travaillait pour Disney. Disney, et le terme “Disneyfication” qui représente une certaine tradition en sociologie, sont utilisés pour décrire la transformation de l’environnement en un grand spectacle pour le client. Jean Baudrillard a écrit dans son essai Simulation : « Disneyland est présenté comme étant imaginaire, pour nous faire croire que le reste est réel, alors qu’en fait tout Los Angeles et l’Amérique qui l’entoure ne sont plus réels mais de l’ordre de l’hyperréel et de la simulation ». L’observation de Baudrillard au sujet de la Californie nous oriente dans la direction de cette transformation et de ses effets sur notre perception. Les images de la série Second Nature nous montrent des antennes-relais déguisées en arbres pour se fondre dans les paysages de la Californie du Sud. Ces artefacts de l’ère numérique peuvent être décrits comme étant une «préférence de la société pour une harmonie “inauthentique“ plutôt qu’une réalité “déplaisante”» (Amy Clarke).

Dates

Octobre 2 (Vendredi) 9 h 00 min - Novembre 20 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie de L’Escale

25 rue de la Gare 92300 Levallois

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Galerie de L’Escale25 rue de la Gare 92300 LevalloisOuverture de 9 h à 19 h du lundi au samedi

Calendrier GoogleCal

mer01jul10 h 00 mindim01nov18 h 00 minThe perceiving body - Le corps perceptifRobert MorrisMAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole, rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

Comme nous l’avait annoncé Aurélie Voltz directrice du MAMC+ lors de son interview de déconfinement (relire ici) l’exposition labellisée d’intérêt national par le ministère de la Culture – et intitulée “ROBERT MORRIS The perceiving body – Le corps perceptif” (1er juillet – 1er novembre 2020), présente un caractère exceptionnel. Conçue en coproduction avec le Mudam Luxembourg par le commissaire indépendant américain Jeffrey Weiss en étroite collaboration avec Robert Morris lui-même, avant qu’il ne disparaisse en décembre 2018. Il s’agit ainsi de la première exposition revenant sur sa
production historique depuis son décès.
Elle constitue l’occasion de rassembler un ensemble d’oeuvres majeures – très grandes installations aux dimensions architecturales considérées aujourd’hui comme des œuvres canoniques d’art minimal et postminimal – rarement vues en France provenant de grandes collections internationales (Tate Modern à Londres, Art Institute of Chicago, Solomon R. Guggenheim Museum à New York…).

“Nous sommes très heureux de maintenir ce projet, temps fort de notre programmation 2020, pour lequel notre équipe s’est tant battue ces derniers mois. Intitulée The Perceiving Body, cette exposition permettra aux visiteurs de s’interroger plus que jamais sur leurs rapports intuitifs et corporels à la sculpture, dans le contexte de la période trouble que nous traversons.” Aurélie Voltz

L’exposition du MAMC+ couvre ses premiers travaux, du début des années 1960 à la fin des années 1970, période qui marque pour l’artiste son intérêt pour les processus de production et de perception. Elle se présente sous la forme d’une constellation composée de sept espaces distincts contenant chacun une installation unique ou un ensemble d’objets reposant sur des principes similaires, datés des années 1960 et 1970.

La tenue de cette exposition au MAMC+ s’inscrit dans la continuité des liens privilégiés entretenus par Robert Morris avec le
musée, qui lui consacra une exposition personnelle dès 1974 et qui a depuis réuni un ensemble conséquent de ses œuvres
abondant ses fonds d’art minimal et post-minimal parmi les plus riches en France.

Catalogue
Coédition Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean,
Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole et
Mousse Publishing
Édition bilingue français/anglais

Dates

Juillet 1 (Mercredi) 10 h 00 min - Novembre 1 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole

rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-Jarez

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropolerue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezOuvert tous les jours de 10 h à 18 h sauf les mardis

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ven16oct(oct 16)14 h 30 minsam12déc(déc 12)19 h 00 minAmanhã Hã De Ser Outro DiaRodrigo BragaLe salon H, 6/8 rue de Savoie, 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette première exposition de Rodrigo Braga au Salon H s’inscrit dans la continuation du processus créatif « point zéro » initié par l’artiste en 2018 à la Galerie Anita Schwartz à Rio de Janeiro. Ainsi le glissement sémantique de « os olhos cheios de terra » (« les yeux plein de terre ») titre de cette exposition, à «o vo que vê» (« l’oeuf qui voit ») pointe l’évolution des réflexions de l’artiste en ces temps de régressions, violences et incertitudes qui secouent le Brésil et le monde, le contraignant à une forme d’exil.

Au sentiment d’effondrement, et de perte, face au collapse généralisé, politique, écologique, humain, a fait place l’espoir fragile d’un renouveau possible, à travers cet « oeuf pierre omniscient » que Rodrigo Braga nous invite à saisir, et qui sert de fil conducteur à cette nouvelle exposition.

Car c’est à la question centrale du la lutte entre l’espèce humaine et son environnement naturel, que se confronte Braga depuis son entrée remarquée sur la scène artistique brésilienne.
Qu’est ce qui nous distingue en tant qu’être biologique ? Quelles relations entretenons-nous avec le monde animal, végétal, minéral ? Jusqu’où nos pulsions prédatrices peuvent-elles nous conduire ?

Autant de questions qui ont gagné en acuité au cours de la dernière décennie du fait de la multiplication des désordres engendrés par l’activité humaine, et le passage à cette nouvelle ère que certains scientifiques ont appelé ‘Anthropocène’, mettant au défi nos capacités d’anticipation, de contrôle et de résilience face aux écosystèmes existants.
Très marqué par la génération d’artistes brésilien signataires du Manifeste néo-concret, comme Lygia Clarck et ses « sensorial objects », ou Hélio Oiticica et ses expériences autour du corps, Braga s’inscrit dans le désir de porter une approche de l’art plus organique, émotionnelle et inclusive.

C’est donc vers une pratique performative, que l’artiste s’est naturellement tourné. En s’engageant dans un corps à corps physique avec un environnement naturel (animal, végétal, et minéral), Braga donne à voir et ressentir l’expérience de cette tension, avec une intensité toute particulière.

Pour l’artiste le corps est gage d’authenticité, il ne triche pas, ne provoque pas, ne transgresse pas, mais cherche le point de tension le plus juste avec son environnement, se faisant le médium d’une expérience primordiale.

Car en aucun cas ses actions sont gratuites. Elles reposent clairement sur un savoir intuitif et archaïque, une connaissance profonde de l’ordre des espèces, et de la psyché humaine.
Tour à tour biologiste, naturaliste, géologue, archéologue, anthropologue, chaman, Braga sait puiser dans ses origines, son histoire personnelle, et l’inconscient collectif, les symboles et archétypes qui vont conférer à la documentation de ses actions un impact puissant.

Quand on se penche sur le parcours rétrospectif de l’artiste on est frappé par la richesse de sa production, le nombre d’expositions et de prix dont il a fait l’objet, et la cohérence d’un parcours sans concession.
Ainsi dès 2004 Braga explore physiquement la frontière entre l’animal et l’humain à travers des expériences radicales d’hybridations : qu’il se couse la tête d’un chien sur le visage, se laisse pousser une langue de boeuf, se transforme en homme poisson, ou livre un combat à mort avec un crabe géant.

À partir de 2009 il intervient plus directement sur l’espace naturel qui l’entoure : il creuse, extrait, déplace, poussant ses limites physique et mentales jusqu’ à l’effondrement.
Il procède ensuite, à un inventaire des mimétismes entre monde végétal et animal, et esquisse les images inquiétantes du traité de botanique de notre futur déréglé.
Puis il se lance dans une série d’installations de grande envergure. Il fait chavirer l’ordre immuable des colonnes néoclassiques de la Casa França de Rio en les confrontant aux troncs morts de palmiers impériaux, et lauréat du SAM Art Projects en 2016, il remplit le bassin de l’esplanade du Palais de Tokyo d’immense bloc de pierre calcaire incrustées de fossiles marins, rappelant l’origine préhistorique et animale de notre environnement urbain.

L’exposition présentée au Salon H reprend en partie la structure formelle de la dernière exposition de l’artiste au Brésil. Conçue comme une installation incluant, photographies, dessins, vidéos, objets, elle invite à célébrer un rituel de renaissance païen.
Toute présence animale a disparu. La terre et les arbres calcinés devenus cendre, charbon, chaux, ont recouverts le corps de l’artiste. Les oppositions sont devenues binaires : noir/ blanc, pierre/vivant. Seule la présence de pierres blanches à la forme régulière ovoïdes, vient apporter une promesse de renaissance.

Saisies au creux de la main, et observées sous tous les angles, ces pierres révèlent ‘ à qui sait voir’ la présence d’un oeil, et deviennent talisman.
À travers la superposition de symboles universels : la pierre, l’oeuf, l’oeil, Braga touche intuitivement aux mystères de la création, et parvient à nous faire entrevoir la possibilité d’un passage du Chaos à un ordre nouveau, avec une très grande économie de moyen.

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 14 h 30 min - Décembre 12 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le salon H

6/8 rue de Savoie, 75006 Paris

Le salon H6/8 rue de Savoie, 75006 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h30 à 19h et tous les jours sur rendez-vous

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sam31oct(oct 31)10 h 00 min2021sam20fev(fev 20)18 h 00 minSouffleExposition collectiveLe centre d’art contemporain les Pénitents Noirs, Les Aires, chemin de Saint Michel – 13400 AubagneType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

PHOTO / ART SONORE / DESSIN

L’exposition Souffle est réalisée grâce aux prêts du musée Réattu d’Arles et du CNAP (Centre National des Arts Plastiques). Représenter le souffle, l’air qui nous entoure n’est pas simple mais c’est justement l’enjeu de l’exposition. Pluridisciplinaire on y retrouvera de la photographie, du dessin, et de l’art sonore. Les deux premières disciplines sont courantes, mais l’art sonore est plus rare. Qui sont ces artistes qui se réclament de cette esthétique ? La Commissaire de l’exposition Coralie Duponchel pense que c’est l’artiste lui-même qui choisit de se « ranger » sous ce vocable. Elle précise qu’ils ne sont pas tous musiciens. L’exposition se veut multisensorielle, plus que jamais immersive et expérimentale.
Elle permettra de franchir les frontières entre sensibilité, science et art.
Des oeuvres de l’artiste sonore, performeuse et compositrice suédoise, Anna Hartman, seront présentées.
Trois pièces sonores de cette artiste reconnue internationalement et primée à l’occasion de festivals spécialisés.
Elle est née à Upsala mais travaille à Berlin depuis les années 2000. En se focalisant sur les sons naturels, Hanna Hartman collecte son matériel de création à même le paysage. Acoustic Catacombs est l’oeuvre présentée à Aubagne. Créée en 2010, cette pièce sonore, via un plancher équipé de haut-parleurs, convoque tout le corps, qui se mue en une caisse de résonance vibrant au rythme des pulsations de la ville d’Arles.
On circulera dans l’exposition passant du visuel, au son entendu ou perçu, puis au dessin. Ces dessins et photographies qui expliquent la rencontre du son avec les éléments, photographies de Corinne Mercadier, Luca Gilli ou Jacqueline Salmon, récemment exposés aux Rencontres de la Photo d’Arles, et dessins, oh combien merveilleux, de Jacques Réattu, un artiste contemporain de la Révolution Française. Au total on trouvera une vingtaine de photographies au format 60×80 cm, et une vingtaine de dessins de Jacques Réattu dont une grisaille de 600×200, prêt exceptionnel du Musée arlésien.

Dates

Octobre 31 (Samedi) 10 h 00 min - Février 20 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Le centre d’art contemporain les Pénitents Noirs

Les Aires, chemin de Saint Michel – 13400 Aubagne

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ven16oct(oct 16)18 h 30 mindim15nov(nov 15)23 h 00 minThe Last SentinelsJimmy NelsonAtelier des Lumières, 38, rue Saint Maur 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Premier centre d’art numérique à Paris, installé au sein d’une ancienne fonderie du XIXe siècle, l’Atelier des Lumières propose des expositions numériques et des créations d’art immersif.

En complément de ses expositions immersives “Monet, Renoir, Chagall… Voyages en Méditerranée” et “Yves Klein, l’infifini bleu”, l’Atelier des Lumières ouvre exceptionnellement ses portes en soirée lors des vacances de la Toussaint pour présenter “The Last Sentinels”, première création immersive réalisée à partir de centaines de photographies du célèbre artiste Jimmy Nelson.

Ces soirées s’inscrivent dans le cadre du cycle d’expositions immersives « Save the planet » qui proposent, tous les deux ans, à un artiste engagé une production immersive originale.

Après Yann Arthus-Bertrand en 2018 –au profit de la Fondation Good Planet-, c’est au tour des photographies aux compositions somptueuses de l’artiste britannique Jimmy Nelson d’inonder les murs de l’Atelier des Lumières.

Voyage d’une quarantaine de minutes au coeur des dernières cultures indigènes et paysages du monde entier, « The Last Sentinels », créé par le studio Spectre Lab, célèbre la diversité de ces peuples qui vivent en harmonie et avec la nature.

En organisant cette exposition immersive, Culturespaces soutient financièrement la Fondation Jimmy Nelson qui oeuvre pour rapprocher les peuples du monde autour de la préservation des patrimoines naturel et culturel de l’humanité.

« Le moment est venu de reconnaître et de célébrer les dernières communautés indigènes du monde en tant que nouveaux modèles. Ils sont l’exemple vivant de la façon dont les humains peuvent vivre en parfaite harmonie avec eux-mêmes, leurs cultures uniques et le monde naturel. »
– Jimmy Nelson

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 18 h 30 min - Novembre 15 (Dimanche) 23 h 00 min

Lieu

Atelier des Lumières

38, rue Saint Maur 75011 Paris

Atelier des Lumières38, rue Saint Maur 75011 ParisHoraires : entre 18h30 et 23h. Dernière entrée à 22h15

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