Name: The Place of the Dry, Dry
Start: 2020-2-27T12-12-00-00
End: 2020-4-25T19-19-00-00
Location: Galerie Miranda

20 septembre 2019

#Arles #Exposition #galerie #Gitans #Provence-Alpes-Côte d'Azur

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lun02mar0 h 00 minsam02mai0 h 00 minLa sélection de la RédactionAppel à candidature : Prix Levallois 2020 Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival,Prix

Détail de l'événement

Créé en 2008, le Prix Levallois soutient et accompagne des photographes de moins de 35 ans de toutes nationalités.
Tous les projets sont bienvenus : le Prix n’impose ni thème ni format, seule la qualité de l’écriture compte dans la sélection des artistes.

Quinze photographes finalistes sont choisis par les directeurs artistiques pour être présentés et défendus en toute impartialité et bienveillance devant un jury composé de personnalités du monde de la photographie, de la marraine et de l’Adjoint au Maire délégué à la Culture de Levallois.
Seront élus le/la Lauréat(e) du Prix qui reçoit une dotation de 10 000 € et la Mention Spéciale à qui est offert un boîtier numérique.
Le Prix du Public est décerné par les amateurs de photographie qui choisiront leur candidat favori sur le site selon la règle d’un clic par jour.
Autre belle récompense pour les trois lauréats : la conception avec l’aide des directeurs artistiques d’une exposition présentée la Galerie de L’Escale à Levallois en octobre 2020 qui, pour la première fois sera itinérante. La Passerelle, scène nationale des Alpes du Sud, à Gap l’accueillera en décembre ou janvier 2021.

Jane Evelyn Atwood est La marraine du Prix Levallois 2020 !

Inscription en ligne en cliquant ici >>>

Photo : © Sara Miloul, lauréate du Prix Levallois 2019

Dates

Mars 2 (Lundi) 0 h 00 min - Mai 2 (Samedi) 0 h 00 min

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Calendrier GoogleCal

jeu27fev(fev 27)12 h 00 minsam25avr(avr 25)19 h 00 minThe Place of the Dry, DryChloe SellsGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Galerie Miranda est heureuse d’annoncer son exposition du printemps, des oeuvres expérimentales et uniques de Chloe Sells (née en 1976, Etas Unis), produites au lacs de sel de Makgadikgadi dans le désert du Kalahari au Botswana, où réside l’artiste.

En langue Tswana ‘Makgadikgadi’ veut dire ‘The Place of the Dry, Dry’ (‘le lieu du sec, sec’) ; l’artiste a passé des mois à parcourir les plaines arides, photographiant à la chambre le jeu de lumière projeté sur l’immense tableau du paysage.

Chloe Sells photographie avec un appareil Contax 645 et un Linhof 4×5. Elle développe elle-même ses pellicules, en chambre noire, à la main. Chacune de ses œuvres est un tirage chromogénique unique auquel elle a rajouté, en chambre noire, des couches abstraites de couleur, de lumière, de textures et de motifs. Parfois elle dessine sur ses tirages, à l’encre, à la peinture ou au feutre.

La plupart des oeuvres exposées sont au grand format d’environs 93×113 cm, également présentée seront deux superbes oeuvres au très grand format, ‘The Form’ et ‘The Nare’, produites selon le meme processus expérimental et ensuite découpées et montées en collages sculpturaux.

« Roulant vers la chaleur blanche et brulante du désert, je guettais des palmiers solitaires qui longent les rives des fleuves infidèles qui marquent le début des Makgadikgadi Salt Pans. M’engageant un sentier bien battu qui mène vers une grande savane, j’ai ensuite suivi deux lignes à peine visibles qui traçaient une route à travers les herbes épineuses, jusqu’à ce que, soudain, une rive se présente devant mes yeux. Le reflet du soleil couchant rendait l’eau opalescente et des milliers d’oiseaux remplissaient le ciel, leur chant porté à mes oreilles par la brise.

Les Makgadikgadi Salt Pans se trouvent dans le Désert du Kalahari au Botswana. Vus de l’espace, ils ressemblent à des grosses tâches blanches sur la surface de la Terre, on dirait des tâches de naissance. La première fois j’y suis venue pour voir les flamands roses, mais j’y suis retournée pour autre chose. Debout au bord de l’eau, je me suis demandée si je pouvais photographier cette beauté, tout simplement. Le critique d’art Dave Hickey écrit que « l’utilité légitime de la beauté se trouve dans sa capacité à nous réunir, en tant qu’êtres physiques et vivants, dans une relation éthique avec d’autres êtres humains dans le monde physique. »

Remplis d’eau, les Makgadikgadi Salt Pans ressemblent à un océan, mais il suffit de quelques jours seulement pour que l’eau s’évapore laissant une terre craquelée comme la peau d’un éléphant. Où que l’on regarde, la vue est identique ; on est désorienté. Pas loin il y a des lions du Kalahari, à moins qu’ils ne soient tout près, cachés, dorés dans les herbes dorées.

À chaque visite aux Makgadikgadi Salt Pans, une vista panoramique et kaléidoscopique s’offre à moi, vista que j’ai interprétée pendant des jours de prises de vues photographiques et, ensuite, des mois passés en chambre noire. Photographier un même lieu de manière répété m’a permis de méditer sur les questions de l’infini, en moi et à l’extérieur.

Dans l’obscurité de la chambre noire, le silence est palpable et, en manipulant les règles de la chimie photographique, image et imagination se confondent. Le processus de tirage est à la fois réfléchi et spontané; malgré un espace réduit, le travail est physique. La répétition permet un mouvement d’aller-retour entre temps et mémoire ; la couleur exprime l’émotion. Les textures surimposées retracent les contours géographiques ; les bords irréguliers des tirages, coupés dans l’obscurité à partir de rouleaux de papier de 50m de long, rappelle que notre vision du monde n’est pas rectangulaire, symétrique. À certaines images j’apporte une couche supplémentaire d’expression en encre, peinture et feutre. Chaque image est un jeu entre ce qui est fixe et ce qui est en mouvement; chaque œuvre est unique. »

Le livre d’artiste SWAMP (ed. Gost Books, 2016) réunit l’ensemble de ce travail.

Dates

Février 27 (Jeudi) 12 h 00 min - Avril 25 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Miranda

21 rue du Château d’Eau 75010 Paris

Galerie Miranda21 rue du Château d’Eau 75010 ParisOuvert du mardi au samedi de 12h à 19h ou sur rendez-vous

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sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minStudio MadameLaurence BibotLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Changer d’apparence, d’époque, de genre, se regarder dans le miroir, avant de se produire devant les copains, le cercle de famille, en reproduisant les tics de chacun, les vedettes de l’écran.
Les enfants aiment à se déguiser, piochant dans les armoires et les greniers costumes, chapeaux et autres accessoires.
En grandissant, certains ont conservé cette part de jeu, ce goût du déguisement, du grimage, il arrive même qu’ils en fassent profession. Ainsi de Laurence Bibot que l’on aura connue en Miss Bricola avec Les Snuls, puis en ses spectacles tel Bravo Martine où les clichés s’enchaînaient, l’intonation, le timbre de voix démasquant les stéréotypes, féminins cette fois.

Cette galerie de portraits se poursuivra en d’autres spectacles, Miss B ou Soeurs Emmanuelle, entre dérision et hommage, qui traduisent un humour ravageur et une faculté d’observation aiguë, avant Travestis, un documentaire qu’elle réalise sur l’univers des transformistes.
Depuis quelques années, au départ d’archives télévisées, Laurence Bibot a réalisé une série de petites capsules s’emparant d’archétypes féminins, shampouineuse, directrice d’école, nymphette, ménagère de plus de 50 ans, femme dépressive ou exaltée, mais aussi des personnages connus, Barbara, Juliette Gréco, Soeur Sourire ou plus récemment Amélie Nothomb dont la confection du chapeau haut aura nécessité des trésors d’imagination.
Il ne s’agit plus ici d’imitations mais de playbacks, Laurence Bibot reproduisant le mouvement des lèvres des interviewées dont elle a adopté le costume et les éléments du décor.
Livrées jusqu’ici aux réseaux sociaux, ces capsules seront pour la première fois présentées au Musée de la Photographie, qui avait accueilli de mai à septembre 2017 l’exposition En léger différé consacrée à la télévision belge, organisée par la Sonuma partenaire cette fois encore, Studio Madame en constituant le prolongement humoristique, une façon de recycler l’image télévisée.
Perruques, foulards, lunettes anachroniques, sur chemisiers fleuris ou tailleurs Chanel, seront au rendez-vous de ces parodies où l’on aura parfois quelque peine à reconnaître la comédienne.
À notre plus grand plaisir et sans doute le vôtre, voici Laurence Bibot, telle qu’en elles-mêmes.

« Si le cinéma s’est émancipé en ajoutant du son à l’image, Laurence Bibot s’amuse à faire le contraire. Dans sa série de vidéos, qui multiplie à l’infini son image tout en la déformant, elle incarne des voix et réalise l’un de ses fantasmes – être la femme aux mille visages. A l’exception des quelques personnalités publiques qu’elle a représentées dans sa galerie (Gina Lollobrigida, Marguerite Duras, Amélie Nothomb…), on ne sait pas à quoi ressemblent celles à qui elle emprunte la parole. L’effet est surprenant et touchant, au point d’envisager l’exercice comme un hommage aux anonymes qui, à leur corps défendant, participent à cette immense vitrine de personnages. En ajoutant un visage imaginaire à un son bien réel, Laurence Bibot procède par réalité augmentée et déploie un paysage insoupçonné là où on croit qu’il n’y a qu’une voix. »

Sébastien Ministru
Extrait du livre qui accompagne l’exposition.

Photo : Des Moines et des hommes, 1981 – Laurence Bibot 2018 ©Laurence Bibot/Sonuma

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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sam30nov(nov 30)10 h 00 min2020dim03mai(mai 3)18 h 00 minEntrer dans l’œuvreActions et processus dans l’Arte PoveraMAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole, rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Une centaine d’œuvres déployées sur près de 1 000 m2 | 300 archives photographiques et filmiques | 14 artistes : Giovanni Anselmo / Alighiero Boetti / Pier Paolo Calzolari / Luciano Fabro / Jannis Kounellis / Eliseo Mattiacci / Mario Merz / Marisa Merz / Giulio Paolini / Pino Pascali / Giuseppe Penone / Michelangelo Pistoletto / Emilio Prini / Gilberto Zorio

L’exposition « Entrare nell’opera / Entrer dans l’oeuvre : actions et processus dans l’Arte Povera » explore en profondeur, pour la première fois, la dimension performative inhérente à ce mouvement, qui fut moins un groupe qu’une aventure collective, jalonnée de multiples actions et événements, dans l’Italie des années 1960 et 1970.
Le parcours de l’exposition rassemble une centaine d’œuvres emblématiques, conçues entre 1963 et 1978, accompagnées d’une riche documentation de près de 300 archives photographiques et filmiques, pour certaines inédites. Les deux premières sections, intitulées « Théâtre » et « Temps et lieu », mettent en dialogue œuvres et documents pour restituer et contextualiser les actions. Les deux sections suivantes, « Actions » et « Entrer dans l’œuvre », permettent aux visiteurs d’être directement impliqués et d’interagir avec tout un ensemble d’objets. Ce rôle crucial de la participation, essentielle dans l’Arte Povera, a révolutionné le rapport entre l’œuvre, l’espace et le spectateur. Évoquant autant le concept d’« art total » que celui d’« œuvre ouverte » formulé par Umberto Eco, ces propositions font de l’Arte Povera, près de cinquante ans après son émergence, un art au présent, toujours vivant.

Commissaire de l’exposition : Alexandre Quoi, Responsable du département scientifique du MAMC+

Photo : © Giovanni Anselmo, Entrare nell’opera, 1971/1998, tirage jet d’encre sur toile, 336 x 491 cm, collection Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal. Acquisition 1999 © Giovanni Anselmo

Dates

Novembre 30 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 3 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole

rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-Jarez

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropolerue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezOuvert tous les jours de 10 h à 18 h sauf les mardis

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sam07mar(mar 7)14 h 00 minsam18avr(avr 18)19 h 00 minLa Fabrique du TempsExposition CollectiveGalerie Dix9 Hélène Lacharmoise, 19, rue des Filles du Calvaire 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Artistes : Leyla Cardenas, Karine Hoffman, Katia Kameri, Vincent Lemaire, Anila Rubiku, Paula de Solminihac, Yang Yi

Vaste sujet physique et métaphysique, la définition du temps, son origine et sa nature et de là, les multiples approches pour l’appréhender, n’ont cessé de nourrir les préoccupations humaines depuis des millénaires: qu’il s’agisse de fabriquer un temps objectif nécessaire à l’organisation sociale (pour établir calendrier, datations, horaires), mais aussi de mesurer un temps subjectif, dimension intérieure de notre conscience.
L’écoulement du temps le plus répandu dans les sociétés monothéistes procède d’une lecture horizontale, en datant les évènements historiques avant et après une année zéro qui serait la naissance de Jésus Christ. Les archéologues quant à eux raisonnent par stratification, adoptant une lecture verticale proche notamment de la conception chinoise.

C’est en se référant à cette approche, étudiée lors d’une résidence avec des archéologues à l’Académie Jan van Eyck à Maastricht, que Leyla
Cardenas a créé « Interpretation of Deep Time », une installation centrée sur une vidéo filmée dans les alentours de Bogota. La caméra progresse verticalement le long d’un mur de pierre en ruine, enseveli dans la montagne érodée. Cette lecture verticale des strates horizontales vers le haut et vers le bas se traduit dans un continuum d’un présent absolu, sans début ni fin. Les images deviennent objet de méditations complexes sur le temps et les cycles de transformation/destruction. Elles se fondent dans le sol de l’espace de projection mais s’écrasent soudainement dans une nappe réflexive fixée sur ce sol, subvertissant ainsi le récit même.

Parallèllement à cette recherche, l’artiste développe ses investigations sur le textile, résultat d’un tissage entre des fils de chaine (vertical) et des fils de trame(horizontal). Dans un même souci de matérialiser le temps, Leyla Cardenas fait imprimer sur textile ses photographies de ruines urbaines. Détissant le tissu en enlevant les fils de trame (espace), elle souligne la disparition progressive de la ruine tout en laissant apparaitre le temps.

S’inspirant du rayonnement fossile, nom donné à la plus ancienne image obtenue de l’univers, Vincent Lemaire réalise des photogrammes de tubes fluorescents brisés. Partant de portraits d’ancêtres familiaux sur négatif, il réalise des tirages sur papier argentique en y superposant ces photogrammes. Dans l’installation «Rayonnement familial» qui en résulte, le motif rectiligne et aléatoire superposé à ces portraits confronte le temps humain à celui de l’univers. La dualité entre la verticalité des portraits et l’horizontalité du motif réoriente le regard à chaque instant et nous rappelle la relativité du temps à l’échelle de l’univers.

Initié lors d’une résidence au Hammer Museum de Los Angeles, le projet «Effacing memory» d’Anila Rubiku revient sur la mémoire toujours présente, de dictateurs aujourd’hui disparus: Hitler, Staline, Mao…Une mémoire difficile à effacer, comme le traduit l’artiste albanaise dans ces portraits gravés sur papier dont elle tente patiemment, des jours durant, d’effacer les traits à la gomme. L’art peut-il servir à son tour à détruire l’image de dictateurs qui ont utilisé l’art pour asseoir leur pouvoir et leur gloire. L’art peut il gommer le temps?

Dans sa série sur la région des Trois Gorges, inondée par un gigantesque barrage,Yang Yi traduit trois temps dans la même image. Ses photographies prises au moyen format nous montrent un village fantomatique submergé par l’eau. Les habitants, équipés de masques et de tubas, posent pour la postérité, rejouant leur vie de tous les jours. Grâce à la retouche numérique, l’artiste chinois crée un monde irréel et drôle à la fois, en même temps qu’il « date » ses images en leur donnant les tons sépia des vieilles cartes postale: témoignage d’un temps subjectif aujourd’hui disparu.

L’oeuvre de Karine Hoffman est un archipel regroupant des îles autonomes caractérisées par un travail sur l’intrication de strates temporelles. Ses images s’inscrivent dans des espaces temps intermédiaires incertains. L’atmosphère crépusculaire et le chaos formel de ses peintures produit un sentiment de temps suspendu, de moment primordial où les strates de souvenirs peuvent venir se déposer. Des détails peuvent laisser entendre que le lieu a été occupé, qu’une histoire s’y est déroulée, mais aucun indice n’est suffisamment précis pour se raccrocher à un véritable fil narratif.

Dans une démarche relevant de l’archéologie contemporaine, Paula de Solmnihac imbrique temps présent et temps passé. Avec pour principal objet la terre, l’artiste chilienne expérimente diverses techniques et observe les cycles de production et la
métamorphose des éléments. Ses livres en terre cuite sont une re-présentation d’un objet du passé symbole de culture, toujours présent comme tel dans les sociétés actuelles, un objet qui aurait traversé le temps.

C’est aussi au livre que s’intéresse Katia Kameli, plus précisément aux sources multiples et croisées qui ont pu nourrir les Fables de La Fontaine. Au cours du temps, chaque déplacement et traduction de
manuscrits anciens a enrichi les histoires que traduit l’artiste par des collages. Ce faisant, elle combine les iconographies issues de différentes versions, nées à différentes époques, dont elle souligne l’intertextualité par des interventions de dorure à la feuille.
A quel temps avons-nous là affaire?

Dates

Mars 7 (Samedi) 14 h 00 min - Avril 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Dix9 Hélène Lacharmoise

19, rue des Filles du Calvaire 75003 Paris

Galerie Dix9 Hélène Lacharmoise19, rue des Filles du Calvaire 75003 ParisMardi-vendredi: 14h-19h, samedi 11h-19h et sur rendez-vous

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