Type d'événement: Art Contemporain

À une époque où les sociétés sont continuellement confrontées à des défis liés aux excès, qu’il s’agisse de la consommation, de la production de déchets, de l’exploitation des ressources ou encore des comportements extrêmes, cette exposition entend explorer à travers la collection Francès, comment l’art aborde et critique ces questions.

Autour de cette thématique centrale des excès de l’Homme, « XXH 15 ans – Temps 1» en explore le volet individuel, à travers une trentaine d’oeuvres emblématiques de la collection Francès.

Les oeuvres présentées mettent en évidence le désarroi, l’abandon, la quête d’absolu, le fracas, la déchéance, la démesure des passions… autant de sentiments extrêmes qui viennent questionner nos propres outrances.

Intime et introspective, l’exposition interroge et sensibilise tout en confirmant le rôle engagé de la Fondation Francès dans les débats contemporains.

Le 2ème temps de l’exposition anniversaire sera proposé à l’automne à Clichy et à Senlis.

Avec Diane Arbus, Nobuyoshi Araki, Richard Avedon, Larry Clark, Gregory Crewsdon, Tracey Emin, Hans-Peter Feldmann, Gérard Gasiorowski, Adrian Ghenie, Rashid Johnson, Chris Killip, Éric Manigaud, Jean Rustin, Andres Serrano…

Andres Serrano, Piss Christ (série Immersions), 1987. Dye-destruction print ; 60 x 40 cm © Collection Francès

Après une année 2023, emplie de légèreté et d’immatérialité dans l’univers de la Zéro Gravité, Campredon art & image invite à un nouveau voyage artistique en 2024.

Celui-ci fera la part belle au motif de la vague dans l’art contemporain, avec un ensemble de créations emblématiques et de productions inédites (art digital, peinture, art textile, vidéo, design, photographie, installation). Pour une plongée au cœur de l’élément aquatique en perpétuel mouvement, tantôt accueillant parfois menaçant, qui compose le rêve de l’artiste tel un paradis bleu et qui dessine, pour le surfeur, un idéal de beauté, de force et de performance.

L’imagerie de la vague est l’interprétation d’un monde impermanent, éphémère, fugitif et continuel, dans lequel se profile le passage du temps et la fragilité de l’Homme aux prises avec les éléments.

L’exposition DANS LA VAGUE, sous son apparente gravité, est une invitation à l’évasion, les yeux dans le bleu et le cœur en balade, entre contemplation et frissons, poésie et mélancolie.

Photo : Martin PARR, Porthcurno, Cornwall, England, GB, 2017 © Martin Parr/Magnum Photos

Exposition labellisée Olympiade culturelle par le Comité d’organisation des Jeux olympiques et paralympiques Paris 2024 ayant pour objectif de faire dialoguer art et sport.

Avec des oeuvres de : Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoun, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghouati-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges.
Commissariat : Pascal Beausse et Clément Nouet.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française. À l’occasion de l’Olympiade culturelle, la Direction générale de la création artistique du ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques –, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie puis au Centre Photographique Marseille (CPM) et au Centre Claude Cahun, à Nantes début 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ? Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie, qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport.

Depuis les temps premiers de l’histoire de la photographie et des images technologiques, une multitude d’expériences ont été menées pour figurer l’intelligence du corps en action, dans le cadre des événements sportifs mais aussi au-delà des compétitions, au coeur de la vie et dans des marges parfois invisibles de la société. La dimension performantielle est plus que jamais un enjeu, à l’heure où la démultiplication des régimes scopiques autorisés par la technique permet les analyses visuelles les plus extrêmes de la réalisation d’une action dans l’espace et dans le temps.

Le Cnap a notamment souhaité donner une large place aux nouveaux sports mis en valeur par les Jeux olympiques et paralympiques 2024, tels que le breakdance, le skateboard et l’escalade. D’autres sports singuliers, relevant de l’imagination, de la fiction ainsi que des sports urbains non officiels apparaissent dans les projets réalisés. Plutôt que chercher à tout montrer du geste sportif, les artistes nous invitent à découvrir de nouvelles formes de beauté et de mystère, en approchant l’énigme qui lie la dépense physique à l’émotion dans la recherche de l’adéquation du corps au but qu’on lui fixe. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Pascal Beausse, co-commissaire de l’exposition

Photo : Suzanne HETZEL, Sans titre, extrait de l’oeuvre Roche Ailée, 2023. Épreuve jet d’encre pigmentaire sur papier, 80 × 60 cm. Collection du Cnap.

Dans le cadre de l’Olympiade culturelle, le mahJ consacre une exposition consacrée au photographe hongrois André Steiner, pionnier de la « Nouvelle Vision », qui exprima son talent en fixant des corps athlétiques et en mouvement dans le Paris des années 1930.

Arrivé à la photographie par passion pour sa jeune fiancée et pour le sport dont il était adepte, André Steiner a exprimé son talent en fixant des corps nus et en mouvement dans le Paris de l’entre-deux-guerres.

Né en Hongrie en 1901, il est l’un des tous premiers utilisateurs d’un Leica en 1924, qui lui a été confié dans le cadre de sa formation scientifique à la prestigieuse Technische Universität de Vienne. Il réalise alors une série de nus de Léa Sasson, dite Lily, sa future épouse. En 1928, il quitte Vienne pour Paris en raison de la montée de l’antisémitisme en Autriche.

Délaissant son travail d’ingénieur du son, André Steiner choisit de se consacrer entièrement à la photographie, explorant largement ses possibilités. Il ouvre un studio et multiplie les collaborations avec la presse. Son expérimentation moderne du médium fait de lui l’un des tenants de l’esthétique de la « Nouvelle Vision » germanique, qu’il contribue à diffuser en France.

Champion de décathlon aux Jeux mondiaux universitaires (Universiades) de 1928, entraîneur de natation à Vienne au club sportif juif de l’Hakoah (« La force » en hébreu), André Steiner se consacre à Paris à la photographie sportive, encore peu explorée. Il devient un spécialiste du corps en mouvement et du nu. Adepte de l’idéal communiste – il prend part en 1919 à l’éphémère République des conseils de Hongrie – il considère le corps photographié comme un manifeste autant individuel que social. Dans les années 1930, cette conception morale du corps est partagée par VU, pour lequel André Steiner réalise des clichés sur le sport et la danse, contribuant à forger le style singulier du magazine.

En 1939, le photographe s’engage dans l’armée de l’air française. Démobilisé en 1940, menacé en tant que juif et étranger, il quitte Paris pour le Midi, puis intègre la Résistance. Après la guerre, André Steiner obtient la nationalité française. De retour dans la capitale, il se spécialise dans la photographie appliquée à la technique et à la science. Il décède à Paris en 1978.

Présentée dans le cadre de l’Olympiade Culturelle, cette exposition est rendue possible par des prêts exceptionnels du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et du Musée national d’art moderne – centre Pompidou.

Commissaire : François Cheval avec Nicolas Feuillie (mahJ)

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou et du musée Nicéphore Niépce
En partenariat avec Les Douches la Galerie et le Centre culturel hongrois

Terrain d’expérimentation pour les peintures de plein air, la Normandie a aussi joué un rôle décisif dans les débuts de la photographie. Chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie se répondent dans cette exposition qui fait de la Normandie le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. Enregistrant le riche patrimoine normand, la photographie permet d’en mesurer toute l’importance mais aussi la fragilité. Elle suit la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée des riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.
À cette effervescence d’émulation créative que l’on découvre aussi à travers l’exposition d’oeuvres rares et méconnues, répond l’intervention de l’artiste contemporain Grégory Chatonsky qui invite l’intelligence artificielle à transformer l’expérience du paysage photographique.

Commissariat :
Sylvie Aubenas, Directrice du département des Estampes et de la Photographie à la BnF
Benoît Eliot, Editeur et photographe
Dominique Rouet, Directeur de la lecture publique et accès à la connaissance de la ville du Havre

Photo : Gustave Le Gray, Musee et ville du Havre, BM LE HAVRE

À une époque où les sociétés sont continuellement confrontées à des défis liés aux excès, qu’il s’agisse de la consommation, de la production de déchets, de l’exploitation des ressources ou encore des comportements extrêmes, cette exposition entend explorer à travers la collection Francès, comment l’art aborde et critique ces questions.

Autour de cette thématique centrale des excès de l’Homme, « XXH 15 ans – Temps 1» en explore le volet individuel, à travers une trentaine d’oeuvres emblématiques de la collection Francès.

Les oeuvres présentées mettent en évidence le désarroi, l’abandon, la quête d’absolu, le fracas, la déchéance, la démesure des passions… autant de sentiments extrêmes qui viennent questionner nos propres outrances.

Intime et introspective, l’exposition interroge et sensibilise tout en confirmant le rôle engagé de la Fondation Francès dans les débats contemporains.

Le 2ème temps de l’exposition anniversaire sera proposé à l’automne à Clichy et à Senlis.

Avec Diane Arbus, Nobuyoshi Araki, Richard Avedon, Larry Clark, Gregory Crewsdon, Tracey Emin, Hans-Peter Feldmann, Gérard Gasiorowski, Adrian Ghenie, Rashid Johnson, Chris Killip, Éric Manigaud, Jean Rustin, Andres Serrano…

Andres Serrano, Piss Christ (série Immersions), 1987. Dye-destruction print ; 60 x 40 cm © Collection Francès

Après une année 2023, emplie de légèreté et d’immatérialité dans l’univers de la Zéro Gravité, Campredon art & image invite à un nouveau voyage artistique en 2024.

Celui-ci fera la part belle au motif de la vague dans l’art contemporain, avec un ensemble de créations emblématiques et de productions inédites (art digital, peinture, art textile, vidéo, design, photographie, installation). Pour une plongée au cœur de l’élément aquatique en perpétuel mouvement, tantôt accueillant parfois menaçant, qui compose le rêve de l’artiste tel un paradis bleu et qui dessine, pour le surfeur, un idéal de beauté, de force et de performance.

L’imagerie de la vague est l’interprétation d’un monde impermanent, éphémère, fugitif et continuel, dans lequel se profile le passage du temps et la fragilité de l’Homme aux prises avec les éléments.

L’exposition DANS LA VAGUE, sous son apparente gravité, est une invitation à l’évasion, les yeux dans le bleu et le cœur en balade, entre contemplation et frissons, poésie et mélancolie.

Photo : Martin PARR, Porthcurno, Cornwall, England, GB, 2017 © Martin Parr/Magnum Photos

Exposition labellisée Olympiade culturelle par le Comité d’organisation des Jeux olympiques et paralympiques Paris 2024 ayant pour objectif de faire dialoguer art et sport.

Avec des oeuvres de : Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoun, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghouati-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges.
Commissariat : Pascal Beausse et Clément Nouet.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française. À l’occasion de l’Olympiade culturelle, la Direction générale de la création artistique du ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques –, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie puis au Centre Photographique Marseille (CPM) et au Centre Claude Cahun, à Nantes début 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ? Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie, qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport.

Depuis les temps premiers de l’histoire de la photographie et des images technologiques, une multitude d’expériences ont été menées pour figurer l’intelligence du corps en action, dans le cadre des événements sportifs mais aussi au-delà des compétitions, au coeur de la vie et dans des marges parfois invisibles de la société. La dimension performantielle est plus que jamais un enjeu, à l’heure où la démultiplication des régimes scopiques autorisés par la technique permet les analyses visuelles les plus extrêmes de la réalisation d’une action dans l’espace et dans le temps.

Le Cnap a notamment souhaité donner une large place aux nouveaux sports mis en valeur par les Jeux olympiques et paralympiques 2024, tels que le breakdance, le skateboard et l’escalade. D’autres sports singuliers, relevant de l’imagination, de la fiction ainsi que des sports urbains non officiels apparaissent dans les projets réalisés. Plutôt que chercher à tout montrer du geste sportif, les artistes nous invitent à découvrir de nouvelles formes de beauté et de mystère, en approchant l’énigme qui lie la dépense physique à l’émotion dans la recherche de l’adéquation du corps au but qu’on lui fixe. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Pascal Beausse, co-commissaire de l’exposition

Photo : Suzanne HETZEL, Sans titre, extrait de l’oeuvre Roche Ailée, 2023. Épreuve jet d’encre pigmentaire sur papier, 80 × 60 cm. Collection du Cnap.

Dans le cadre de l’Olympiade culturelle, le mahJ consacre une exposition consacrée au photographe hongrois André Steiner, pionnier de la « Nouvelle Vision », qui exprima son talent en fixant des corps athlétiques et en mouvement dans le Paris des années 1930.

Arrivé à la photographie par passion pour sa jeune fiancée et pour le sport dont il était adepte, André Steiner a exprimé son talent en fixant des corps nus et en mouvement dans le Paris de l’entre-deux-guerres.

Né en Hongrie en 1901, il est l’un des tous premiers utilisateurs d’un Leica en 1924, qui lui a été confié dans le cadre de sa formation scientifique à la prestigieuse Technische Universität de Vienne. Il réalise alors une série de nus de Léa Sasson, dite Lily, sa future épouse. En 1928, il quitte Vienne pour Paris en raison de la montée de l’antisémitisme en Autriche.

Délaissant son travail d’ingénieur du son, André Steiner choisit de se consacrer entièrement à la photographie, explorant largement ses possibilités. Il ouvre un studio et multiplie les collaborations avec la presse. Son expérimentation moderne du médium fait de lui l’un des tenants de l’esthétique de la « Nouvelle Vision » germanique, qu’il contribue à diffuser en France.

Champion de décathlon aux Jeux mondiaux universitaires (Universiades) de 1928, entraîneur de natation à Vienne au club sportif juif de l’Hakoah (« La force » en hébreu), André Steiner se consacre à Paris à la photographie sportive, encore peu explorée. Il devient un spécialiste du corps en mouvement et du nu. Adepte de l’idéal communiste – il prend part en 1919 à l’éphémère République des conseils de Hongrie – il considère le corps photographié comme un manifeste autant individuel que social. Dans les années 1930, cette conception morale du corps est partagée par VU, pour lequel André Steiner réalise des clichés sur le sport et la danse, contribuant à forger le style singulier du magazine.

En 1939, le photographe s’engage dans l’armée de l’air française. Démobilisé en 1940, menacé en tant que juif et étranger, il quitte Paris pour le Midi, puis intègre la Résistance. Après la guerre, André Steiner obtient la nationalité française. De retour dans la capitale, il se spécialise dans la photographie appliquée à la technique et à la science. Il décède à Paris en 1978.

Présentée dans le cadre de l’Olympiade Culturelle, cette exposition est rendue possible par des prêts exceptionnels du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et du Musée national d’art moderne – centre Pompidou.

Commissaire : François Cheval avec Nicolas Feuillie (mahJ)

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou et du musée Nicéphore Niépce
En partenariat avec Les Douches la Galerie et le Centre culturel hongrois

Terrain d’expérimentation pour les peintures de plein air, la Normandie a aussi joué un rôle décisif dans les débuts de la photographie. Chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie se répondent dans cette exposition qui fait de la Normandie le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. Enregistrant le riche patrimoine normand, la photographie permet d’en mesurer toute l’importance mais aussi la fragilité. Elle suit la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée des riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.
À cette effervescence d’émulation créative que l’on découvre aussi à travers l’exposition d’oeuvres rares et méconnues, répond l’intervention de l’artiste contemporain Grégory Chatonsky qui invite l’intelligence artificielle à transformer l’expérience du paysage photographique.

Commissariat :
Sylvie Aubenas, Directrice du département des Estampes et de la Photographie à la BnF
Benoît Eliot, Editeur et photographe
Dominique Rouet, Directeur de la lecture publique et accès à la connaissance de la ville du Havre

Photo : Gustave Le Gray, Musee et ville du Havre, BM LE HAVRE

Photo : Bruxelles, Belgique, 1932 Henri Cartier-Bresson © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

« Henri Cartier-Bresson à Landerneau cet été, c’est une grande première : la première rétrospective de l’artiste en Bretagne et la première exposition dédiée à la photographie au Fonds Leclerc ! Il n’en fallait pas moins pour nous engager dans ce projet et vous donner rendez-vous avec celui qui fut surnommé “l’oeil du siècle”. À travers son regard, ce sont tous les continents et les sociétés qu’il a traversés qui se redonnent à voir. C’est historique et d’une actualité toujours saisissante !» Michel-Edouard leclerc

Il n’y a pas un seul, mais bien plusieurs Henri Cartier-Bresson. Le jeune homme, très influencé par le Surréalisme, qui voyage en Afrique, en Italie et au Mexique dans la première moitié des années 1930, n’est déjà plus le même à la fin de la décennie lorsqu’il s’engage en politique, auprès des communistes, pour faire barrage à la montée du fascisme en Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, c’est encore un autre tempérament qui s’exprime lorsqu’il fonde l’agence Magnum Photos et s’en va photographier à travers le monde. La plupart des ouvrages et des expositions monographiques consacrés au photographe se sont évertués à démontrer l’unité stylistique de son oeuvre. À rebours de cette approche unificatrice, et sans doute aussi un peu réductrice, le présent projet a pour ambition de mettre en évidence la diversité de son approche photographique dans ses différents moments. À travers l’histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle. Cartier-Bresson refusait de se laisser filmer ou photographier. Il ne voulait pas être reconnu dans la rue afin de pouvoir continuer à travailler sereinement. Mais après son exposition au MoMA de New York en 1947, il est devenu, à son corps défendant, l’un des photographes les plus admirés de son époque, une véritable légende vivante. Beaucoup de professionnels ou d’amateurs qui le croisaient occasionnellement l’ont ainsi photographié, le plus souvent contre son gré. Il existe donc quantité de portraits de Cartier- Bresson en train d’opérer.

Commissariat Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson

1 – Le sel du surréalisme
Au milieu des années 1920, par l’intermédiaire du poète René Crevel, Cartier-Bresson commence à fréquenter le groupe surréaliste. De cette rencontre, il retient le goût pour le hasard, le jeu, la révolte, la déambulation urbaine ou les objets empaquetés. Cela aura un impact décisif sur son imaginaire et sa photographie.

2 – L’obsession géométrique
Entre 1926 et 1928, Henri Cartier-Bresson étudie la peinture dans l’atelier d’André Lhote à Montparnasse. Il en conservera un goût prononcé pour la géométrie, qui se retrouve dans ses photographies toujours extrêmement bien composées. Le livre de Matila Ghyka Le Nombre d’or est l’un de ses livres de chevet.

3 – Instants décisifs
Dans le monde en mouvement, il existe un moment où les choses s’organisent en un ordonnancement à la fois formel et signifiant. Selon Cartier-Bresson, c’est cet instant précis que le photographe doit saisir. Il s’inscrit ainsi dans une tradition selon laquelle le génie de l’artiste consiste à percevoir et à retranscrire l’apogée d’une situation.

4 – L’Espagne vivante
En 1933, Cartier-Bresson fait plusieurs voyages en Espagne. Il aime les pays méditerranéens, où la vie se déploie dans la rue comme sur une petite scène de théâtre. Il repère un décor, attend que des enfants ou des passants viennent trouver leur place dans cet agencement de formes, puis les saisit instantanément.

5 – Fou du Mexique
En 1934, au Mexique, Cartier-Bresson retrouve le plaisir de photographier la vie dans la rue. Jouant avec des lumières et des ombres tranchées, ses compositions sont aussi graphiques qu’inquiétantes. Dans ce pays surréaliste s’il en est, il multiplie les images de personnes endormies et d’outres de peau gonflées, comme autant d’énigmes.

6 – Le coeur à gauche
Comme beaucoup d’artistes de sa génération, Cartier-Bresson s’est engagé auprès des communistes pour faire barrage au fascisme. Il dénonce le colonialisme, les conditions de vie des plus pauvres, ou célèbre les congés payés. En 1937, lors du couronnement de George VI, il choisit de ne pas photographier le roi, mais le peuple qui le regarde passer.

7 – L’expérience de la guerre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cartier‑Bresson est prisonnier pendant trois ans dans un stalag en Allemagne. Il s’en évade et rejoint la Résistance, pour laquelle il est chargé de documenter la libération de Paris, celle de Strasbourg, le village martyr d’Oradour-sur-Glane et la fin de l’Allemagne nazie.

8 – Le Retour
Avant la guerre, Cartier-Bresson s’est aussi rêvé cinéaste : il a été l’assistant de Jean Renoir et a réalisé plusieurs films documentaires. En 1945, il est en Allemagne pour réaliser un film de montage, Le Retour, sur ce défi logistique que constitue le rapatriement de centaines de milliers de prisonniers à travers l’Europe dévastée.

9 – Le voyage américain
En avril 1947, tandis que son exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de New York s’achève, Cartier-Bresson entame un long road trip de près de 20 000 km à travers les États-Unis. Rêvant de faire un livre mêlant textes et photographies, il dresse un portrait sans concession du pays, bien loin de l’American Dream.

10 – Partition de l’Inde
À la création de Magnum en 1947, les fondateurs se répartissent les zones géographiques à couvrir. Cartier-Bresson choisit l’Asie. Il arrive à Bombay en septembre 1947, à un moment où la partition entre l’Inde et le Pakistan exacerbe les tensions intercommunautaires. Il rencontre Gandhi quelques heures avant son assassinat et photographie ses funérailles.

11 – La Chine de Mao
En novembre 1948, Life demande à Cartier-Bresson d’aller en Chine photographier la prise de pouvoir par les communistes de Mao Zedong. Aux abords d’une banque, il photographie la panique de ceux qui essayent d’échanger leurs billets dévalués contre de l’or. L’image est publiée peu après dans le tout premier numéro de Paris Match.

12 – Le Paris de l’après-guerre
Dans les années 1950, entre deux reportages internationaux, Cartier-Bresson est souvent à Paris. Il photographie la vie dans la rue, les passants, les petits métiers, et la fameuse course cycliste des Six Jours du Vélodrome d’Hiver. La capitale continue à entretenir l’esprit et le bon vivre de l’avant-guerre, repoussant encore un peu la modernisation des Trente Glorieuses.

13 – En Allemagne
Au cours des années 1950, Cartier-Bresson a déjà parcouru le monde dans tous les sens. Il n’en délaisse pas pour autant une actualité moins lointaine. Dans le contexte de construction européenne, il s’intéresse en particulier aux modes de vie européens, notamment en Allemagne où il réalise une série d’enquêtes photographiques.

14 – La Russie du dégel
Pendant tout le règne de Staline, la Russie est restée imperméable aux regards étrangers. Profitant de la période dite du « dégel » qui suit sa mort en 1953, Cartier-Bresson est l’un des tout premiers reporters occidentaux à obtenir un visa. Pendant trois mois, de juillet à septembre 1954, il photographie le peuple russe dans son quotidien.

15 – La danse du photographe
Moins par coquetterie que pour conserver son anonymat, Cartier-Bresson refusait de se faire photographier ou filmer. Il l’a pourtant beaucoup été, le plus souvent à son insu. Sur les rares films le montrant en train d’opérer, il est possible de voir combien la photographie était pour lui une forme de danse, un pas de deux avec son sujet.

16 – L’Amérique à nouveau
Dans les années 1960, Cartier-Bresson est régulièrement aux États-Unis pour ses reportages. Ses images documentent les changements politiques, la culture du divertissement, des voitures et des armes. Il est particulièrement attentif à la lutte des Afro-Américains pour l’égalité des droits, contre la discrimination et la ségrégation.

17 – À Cuba
En 1963, Cartier-Bresson est à Cuba pour Life, juste après la « crise des missiles » qui a failli déclencher une troisième guerre mondiale. Dans les rues de La Havane, il photographie l’omniprésence du politique – militaires en armes, slogans propagandistes et effigies communistes –, qui se mélange étrangement avec la sensualité affirmée des Cubaines.

18 – Japon, 1965
Dès les années 1960, et notamment lors d’un long séjour au Japon où il travaille pour le quotidien Asahi Shimbun, Cartier-Bresson commence à photographier plus posément. Ses photographies sont plus calmes et méditatives. Elles ne relèvent plus systématiquement de l’instant décisif. Elles auraient pu être prises quelques secondes avant ou même après.

19 – La machine à tête humaine
Cartier-Bresson était très intéressé par la représentation du travail. Dans le contexte de profonde restructuration du secteur industriel de l’après-guerre, il multiplie les images de ses semblables dans leur environnement professionnel, au bureau ou à l’usine. Ce qui l’intéresse, c’est la relation que l’humain entretient avec son outil de travail.

20 – Mai 68
En mai 1968, Cartier-Bresson est dans la rue. Il aime photographier ces moments de manifestation où le peuple reprend symboliquement le pouvoir. Par-delà sa conscience politique, c’est aussi pour lui un exercice de composition particulièrement stimulant, qu’il continuera à pratiquer bien après avoir officiellement arrêté la photographie.

21 – La société de consommation
À partir des années 1960, Cartier-Bresson s’intéresse à la reconfiguration du monde autour de la consommation. Il photographie caché derrière la vitrine d’un petit commerçant, dans les supermarchés ou les foires internationales. Quoi de plus abstrait que la convoitise ? Il a l’idée de la représenter à travers le regard avide des consommateurs face à la marchandise.

22 – Vive la France
Après les événements de Mai 68, ayant constaté la profonde mutation de la société française, Cartier-Bresson entreprend de dresser le portrait de ses contemporains. Pendant plus d’un an, il sillonne l’Hexagone en voiture et photographie tout ce qui, dans le paysage de France, lui paraît inédit ou, au contraire, éternel.

23 – Points d’interrogation
Cartier-Bresson explique volontiers que faire un portrait, c’est pour lui comme poser « un point d’interrogation sur quelqu’un ». Sa méthode de travail est restée la même. Il cherche à se faire oublier, opère à distance et sans flash, jouant essentiellement de la relation du modèle avec son environnement, dans un exercice de composition toujours magistral.

Après une année 2023, emplie de légèreté et d’immatérialité dans l’univers de la Zéro Gravité, Campredon art & image invite à un nouveau voyage artistique en 2024.

Celui-ci fera la part belle au motif de la vague dans l’art contemporain, avec un ensemble de créations emblématiques et de productions inédites (art digital, peinture, art textile, vidéo, design, photographie, installation). Pour une plongée au cœur de l’élément aquatique en perpétuel mouvement, tantôt accueillant parfois menaçant, qui compose le rêve de l’artiste tel un paradis bleu et qui dessine, pour le surfeur, un idéal de beauté, de force et de performance.

L’imagerie de la vague est l’interprétation d’un monde impermanent, éphémère, fugitif et continuel, dans lequel se profile le passage du temps et la fragilité de l’Homme aux prises avec les éléments.

L’exposition DANS LA VAGUE, sous son apparente gravité, est une invitation à l’évasion, les yeux dans le bleu et le cœur en balade, entre contemplation et frissons, poésie et mélancolie.

Photo : Martin PARR, Porthcurno, Cornwall, England, GB, 2017 © Martin Parr/Magnum Photos

Exposition labellisée Olympiade culturelle par le Comité d’organisation des Jeux olympiques et paralympiques Paris 2024 ayant pour objectif de faire dialoguer art et sport.

Avec des oeuvres de : Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoun, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghouati-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges.
Commissariat : Pascal Beausse et Clément Nouet.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française. À l’occasion de l’Olympiade culturelle, la Direction générale de la création artistique du ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques –, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie puis au Centre Photographique Marseille (CPM) et au Centre Claude Cahun, à Nantes début 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ? Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie, qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport.

Depuis les temps premiers de l’histoire de la photographie et des images technologiques, une multitude d’expériences ont été menées pour figurer l’intelligence du corps en action, dans le cadre des événements sportifs mais aussi au-delà des compétitions, au coeur de la vie et dans des marges parfois invisibles de la société. La dimension performantielle est plus que jamais un enjeu, à l’heure où la démultiplication des régimes scopiques autorisés par la technique permet les analyses visuelles les plus extrêmes de la réalisation d’une action dans l’espace et dans le temps.

Le Cnap a notamment souhaité donner une large place aux nouveaux sports mis en valeur par les Jeux olympiques et paralympiques 2024, tels que le breakdance, le skateboard et l’escalade. D’autres sports singuliers, relevant de l’imagination, de la fiction ainsi que des sports urbains non officiels apparaissent dans les projets réalisés. Plutôt que chercher à tout montrer du geste sportif, les artistes nous invitent à découvrir de nouvelles formes de beauté et de mystère, en approchant l’énigme qui lie la dépense physique à l’émotion dans la recherche de l’adéquation du corps au but qu’on lui fixe. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Pascal Beausse, co-commissaire de l’exposition

Photo : Suzanne HETZEL, Sans titre, extrait de l’oeuvre Roche Ailée, 2023. Épreuve jet d’encre pigmentaire sur papier, 80 × 60 cm. Collection du Cnap.

Dans le cadre de l’Olympiade culturelle, le mahJ consacre une exposition consacrée au photographe hongrois André Steiner, pionnier de la « Nouvelle Vision », qui exprima son talent en fixant des corps athlétiques et en mouvement dans le Paris des années 1930.

Arrivé à la photographie par passion pour sa jeune fiancée et pour le sport dont il était adepte, André Steiner a exprimé son talent en fixant des corps nus et en mouvement dans le Paris de l’entre-deux-guerres.

Né en Hongrie en 1901, il est l’un des tous premiers utilisateurs d’un Leica en 1924, qui lui a été confié dans le cadre de sa formation scientifique à la prestigieuse Technische Universität de Vienne. Il réalise alors une série de nus de Léa Sasson, dite Lily, sa future épouse. En 1928, il quitte Vienne pour Paris en raison de la montée de l’antisémitisme en Autriche.

Délaissant son travail d’ingénieur du son, André Steiner choisit de se consacrer entièrement à la photographie, explorant largement ses possibilités. Il ouvre un studio et multiplie les collaborations avec la presse. Son expérimentation moderne du médium fait de lui l’un des tenants de l’esthétique de la « Nouvelle Vision » germanique, qu’il contribue à diffuser en France.

Champion de décathlon aux Jeux mondiaux universitaires (Universiades) de 1928, entraîneur de natation à Vienne au club sportif juif de l’Hakoah (« La force » en hébreu), André Steiner se consacre à Paris à la photographie sportive, encore peu explorée. Il devient un spécialiste du corps en mouvement et du nu. Adepte de l’idéal communiste – il prend part en 1919 à l’éphémère République des conseils de Hongrie – il considère le corps photographié comme un manifeste autant individuel que social. Dans les années 1930, cette conception morale du corps est partagée par VU, pour lequel André Steiner réalise des clichés sur le sport et la danse, contribuant à forger le style singulier du magazine.

En 1939, le photographe s’engage dans l’armée de l’air française. Démobilisé en 1940, menacé en tant que juif et étranger, il quitte Paris pour le Midi, puis intègre la Résistance. Après la guerre, André Steiner obtient la nationalité française. De retour dans la capitale, il se spécialise dans la photographie appliquée à la technique et à la science. Il décède à Paris en 1978.

Présentée dans le cadre de l’Olympiade Culturelle, cette exposition est rendue possible par des prêts exceptionnels du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et du Musée national d’art moderne – centre Pompidou.

Commissaire : François Cheval avec Nicolas Feuillie (mahJ)

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou et du musée Nicéphore Niépce
En partenariat avec Les Douches la Galerie et le Centre culturel hongrois

Terrain d’expérimentation pour les peintures de plein air, la Normandie a aussi joué un rôle décisif dans les débuts de la photographie. Chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie se répondent dans cette exposition qui fait de la Normandie le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. Enregistrant le riche patrimoine normand, la photographie permet d’en mesurer toute l’importance mais aussi la fragilité. Elle suit la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée des riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.
À cette effervescence d’émulation créative que l’on découvre aussi à travers l’exposition d’oeuvres rares et méconnues, répond l’intervention de l’artiste contemporain Grégory Chatonsky qui invite l’intelligence artificielle à transformer l’expérience du paysage photographique.

Commissariat :
Sylvie Aubenas, Directrice du département des Estampes et de la Photographie à la BnF
Benoît Eliot, Editeur et photographe
Dominique Rouet, Directeur de la lecture publique et accès à la connaissance de la ville du Havre

Photo : Gustave Le Gray, Musee et ville du Havre, BM LE HAVRE

Photo : Bruxelles, Belgique, 1932 Henri Cartier-Bresson © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

« Henri Cartier-Bresson à Landerneau cet été, c’est une grande première : la première rétrospective de l’artiste en Bretagne et la première exposition dédiée à la photographie au Fonds Leclerc ! Il n’en fallait pas moins pour nous engager dans ce projet et vous donner rendez-vous avec celui qui fut surnommé “l’oeil du siècle”. À travers son regard, ce sont tous les continents et les sociétés qu’il a traversés qui se redonnent à voir. C’est historique et d’une actualité toujours saisissante !» Michel-Edouard leclerc

Il n’y a pas un seul, mais bien plusieurs Henri Cartier-Bresson. Le jeune homme, très influencé par le Surréalisme, qui voyage en Afrique, en Italie et au Mexique dans la première moitié des années 1930, n’est déjà plus le même à la fin de la décennie lorsqu’il s’engage en politique, auprès des communistes, pour faire barrage à la montée du fascisme en Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, c’est encore un autre tempérament qui s’exprime lorsqu’il fonde l’agence Magnum Photos et s’en va photographier à travers le monde. La plupart des ouvrages et des expositions monographiques consacrés au photographe se sont évertués à démontrer l’unité stylistique de son oeuvre. À rebours de cette approche unificatrice, et sans doute aussi un peu réductrice, le présent projet a pour ambition de mettre en évidence la diversité de son approche photographique dans ses différents moments. À travers l’histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle. Cartier-Bresson refusait de se laisser filmer ou photographier. Il ne voulait pas être reconnu dans la rue afin de pouvoir continuer à travailler sereinement. Mais après son exposition au MoMA de New York en 1947, il est devenu, à son corps défendant, l’un des photographes les plus admirés de son époque, une véritable légende vivante. Beaucoup de professionnels ou d’amateurs qui le croisaient occasionnellement l’ont ainsi photographié, le plus souvent contre son gré. Il existe donc quantité de portraits de Cartier- Bresson en train d’opérer.

Commissariat Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson

1 – Le sel du surréalisme
Au milieu des années 1920, par l’intermédiaire du poète René Crevel, Cartier-Bresson commence à fréquenter le groupe surréaliste. De cette rencontre, il retient le goût pour le hasard, le jeu, la révolte, la déambulation urbaine ou les objets empaquetés. Cela aura un impact décisif sur son imaginaire et sa photographie.

2 – L’obsession géométrique
Entre 1926 et 1928, Henri Cartier-Bresson étudie la peinture dans l’atelier d’André Lhote à Montparnasse. Il en conservera un goût prononcé pour la géométrie, qui se retrouve dans ses photographies toujours extrêmement bien composées. Le livre de Matila Ghyka Le Nombre d’or est l’un de ses livres de chevet.

3 – Instants décisifs
Dans le monde en mouvement, il existe un moment où les choses s’organisent en un ordonnancement à la fois formel et signifiant. Selon Cartier-Bresson, c’est cet instant précis que le photographe doit saisir. Il s’inscrit ainsi dans une tradition selon laquelle le génie de l’artiste consiste à percevoir et à retranscrire l’apogée d’une situation.

4 – L’Espagne vivante
En 1933, Cartier-Bresson fait plusieurs voyages en Espagne. Il aime les pays méditerranéens, où la vie se déploie dans la rue comme sur une petite scène de théâtre. Il repère un décor, attend que des enfants ou des passants viennent trouver leur place dans cet agencement de formes, puis les saisit instantanément.

5 – Fou du Mexique
En 1934, au Mexique, Cartier-Bresson retrouve le plaisir de photographier la vie dans la rue. Jouant avec des lumières et des ombres tranchées, ses compositions sont aussi graphiques qu’inquiétantes. Dans ce pays surréaliste s’il en est, il multiplie les images de personnes endormies et d’outres de peau gonflées, comme autant d’énigmes.

6 – Le coeur à gauche
Comme beaucoup d’artistes de sa génération, Cartier-Bresson s’est engagé auprès des communistes pour faire barrage au fascisme. Il dénonce le colonialisme, les conditions de vie des plus pauvres, ou célèbre les congés payés. En 1937, lors du couronnement de George VI, il choisit de ne pas photographier le roi, mais le peuple qui le regarde passer.

7 – L’expérience de la guerre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cartier‑Bresson est prisonnier pendant trois ans dans un stalag en Allemagne. Il s’en évade et rejoint la Résistance, pour laquelle il est chargé de documenter la libération de Paris, celle de Strasbourg, le village martyr d’Oradour-sur-Glane et la fin de l’Allemagne nazie.

8 – Le Retour
Avant la guerre, Cartier-Bresson s’est aussi rêvé cinéaste : il a été l’assistant de Jean Renoir et a réalisé plusieurs films documentaires. En 1945, il est en Allemagne pour réaliser un film de montage, Le Retour, sur ce défi logistique que constitue le rapatriement de centaines de milliers de prisonniers à travers l’Europe dévastée.

9 – Le voyage américain
En avril 1947, tandis que son exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de New York s’achève, Cartier-Bresson entame un long road trip de près de 20 000 km à travers les États-Unis. Rêvant de faire un livre mêlant textes et photographies, il dresse un portrait sans concession du pays, bien loin de l’American Dream.

10 – Partition de l’Inde
À la création de Magnum en 1947, les fondateurs se répartissent les zones géographiques à couvrir. Cartier-Bresson choisit l’Asie. Il arrive à Bombay en septembre 1947, à un moment où la partition entre l’Inde et le Pakistan exacerbe les tensions intercommunautaires. Il rencontre Gandhi quelques heures avant son assassinat et photographie ses funérailles.

11 – La Chine de Mao
En novembre 1948, Life demande à Cartier-Bresson d’aller en Chine photographier la prise de pouvoir par les communistes de Mao Zedong. Aux abords d’une banque, il photographie la panique de ceux qui essayent d’échanger leurs billets dévalués contre de l’or. L’image est publiée peu après dans le tout premier numéro de Paris Match.

12 – Le Paris de l’après-guerre
Dans les années 1950, entre deux reportages internationaux, Cartier-Bresson est souvent à Paris. Il photographie la vie dans la rue, les passants, les petits métiers, et la fameuse course cycliste des Six Jours du Vélodrome d’Hiver. La capitale continue à entretenir l’esprit et le bon vivre de l’avant-guerre, repoussant encore un peu la modernisation des Trente Glorieuses.

13 – En Allemagne
Au cours des années 1950, Cartier-Bresson a déjà parcouru le monde dans tous les sens. Il n’en délaisse pas pour autant une actualité moins lointaine. Dans le contexte de construction européenne, il s’intéresse en particulier aux modes de vie européens, notamment en Allemagne où il réalise une série d’enquêtes photographiques.

14 – La Russie du dégel
Pendant tout le règne de Staline, la Russie est restée imperméable aux regards étrangers. Profitant de la période dite du « dégel » qui suit sa mort en 1953, Cartier-Bresson est l’un des tout premiers reporters occidentaux à obtenir un visa. Pendant trois mois, de juillet à septembre 1954, il photographie le peuple russe dans son quotidien.

15 – La danse du photographe
Moins par coquetterie que pour conserver son anonymat, Cartier-Bresson refusait de se faire photographier ou filmer. Il l’a pourtant beaucoup été, le plus souvent à son insu. Sur les rares films le montrant en train d’opérer, il est possible de voir combien la photographie était pour lui une forme de danse, un pas de deux avec son sujet.

16 – L’Amérique à nouveau
Dans les années 1960, Cartier-Bresson est régulièrement aux États-Unis pour ses reportages. Ses images documentent les changements politiques, la culture du divertissement, des voitures et des armes. Il est particulièrement attentif à la lutte des Afro-Américains pour l’égalité des droits, contre la discrimination et la ségrégation.

17 – À Cuba
En 1963, Cartier-Bresson est à Cuba pour Life, juste après la « crise des missiles » qui a failli déclencher une troisième guerre mondiale. Dans les rues de La Havane, il photographie l’omniprésence du politique – militaires en armes, slogans propagandistes et effigies communistes –, qui se mélange étrangement avec la sensualité affirmée des Cubaines.

18 – Japon, 1965
Dès les années 1960, et notamment lors d’un long séjour au Japon où il travaille pour le quotidien Asahi Shimbun, Cartier-Bresson commence à photographier plus posément. Ses photographies sont plus calmes et méditatives. Elles ne relèvent plus systématiquement de l’instant décisif. Elles auraient pu être prises quelques secondes avant ou même après.

19 – La machine à tête humaine
Cartier-Bresson était très intéressé par la représentation du travail. Dans le contexte de profonde restructuration du secteur industriel de l’après-guerre, il multiplie les images de ses semblables dans leur environnement professionnel, au bureau ou à l’usine. Ce qui l’intéresse, c’est la relation que l’humain entretient avec son outil de travail.

20 – Mai 68
En mai 1968, Cartier-Bresson est dans la rue. Il aime photographier ces moments de manifestation où le peuple reprend symboliquement le pouvoir. Par-delà sa conscience politique, c’est aussi pour lui un exercice de composition particulièrement stimulant, qu’il continuera à pratiquer bien après avoir officiellement arrêté la photographie.

21 – La société de consommation
À partir des années 1960, Cartier-Bresson s’intéresse à la reconfiguration du monde autour de la consommation. Il photographie caché derrière la vitrine d’un petit commerçant, dans les supermarchés ou les foires internationales. Quoi de plus abstrait que la convoitise ? Il a l’idée de la représenter à travers le regard avide des consommateurs face à la marchandise.

22 – Vive la France
Après les événements de Mai 68, ayant constaté la profonde mutation de la société française, Cartier-Bresson entreprend de dresser le portrait de ses contemporains. Pendant plus d’un an, il sillonne l’Hexagone en voiture et photographie tout ce qui, dans le paysage de France, lui paraît inédit ou, au contraire, éternel.

23 – Points d’interrogation
Cartier-Bresson explique volontiers que faire un portrait, c’est pour lui comme poser « un point d’interrogation sur quelqu’un ». Sa méthode de travail est restée la même. Il cherche à se faire oublier, opère à distance et sans flash, jouant essentiellement de la relation du modèle avec son environnement, dans un exercice de composition toujours magistral.

Après une année 2023, emplie de légèreté et d’immatérialité dans l’univers de la Zéro Gravité, Campredon art & image invite à un nouveau voyage artistique en 2024.

Celui-ci fera la part belle au motif de la vague dans l’art contemporain, avec un ensemble de créations emblématiques et de productions inédites (art digital, peinture, art textile, vidéo, design, photographie, installation). Pour une plongée au cœur de l’élément aquatique en perpétuel mouvement, tantôt accueillant parfois menaçant, qui compose le rêve de l’artiste tel un paradis bleu et qui dessine, pour le surfeur, un idéal de beauté, de force et de performance.

L’imagerie de la vague est l’interprétation d’un monde impermanent, éphémère, fugitif et continuel, dans lequel se profile le passage du temps et la fragilité de l’Homme aux prises avec les éléments.

L’exposition DANS LA VAGUE, sous son apparente gravité, est une invitation à l’évasion, les yeux dans le bleu et le cœur en balade, entre contemplation et frissons, poésie et mélancolie.

Photo : Martin PARR, Porthcurno, Cornwall, England, GB, 2017 © Martin Parr/Magnum Photos

Exposition labellisée Olympiade culturelle par le Comité d’organisation des Jeux olympiques et paralympiques Paris 2024 ayant pour objectif de faire dialoguer art et sport.

Avec des oeuvres de : Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoun, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghouati-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges.
Commissariat : Pascal Beausse et Clément Nouet.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française. À l’occasion de l’Olympiade culturelle, la Direction générale de la création artistique du ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques –, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie puis au Centre Photographique Marseille (CPM) et au Centre Claude Cahun, à Nantes début 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ? Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie, qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport.

Depuis les temps premiers de l’histoire de la photographie et des images technologiques, une multitude d’expériences ont été menées pour figurer l’intelligence du corps en action, dans le cadre des événements sportifs mais aussi au-delà des compétitions, au coeur de la vie et dans des marges parfois invisibles de la société. La dimension performantielle est plus que jamais un enjeu, à l’heure où la démultiplication des régimes scopiques autorisés par la technique permet les analyses visuelles les plus extrêmes de la réalisation d’une action dans l’espace et dans le temps.

Le Cnap a notamment souhaité donner une large place aux nouveaux sports mis en valeur par les Jeux olympiques et paralympiques 2024, tels que le breakdance, le skateboard et l’escalade. D’autres sports singuliers, relevant de l’imagination, de la fiction ainsi que des sports urbains non officiels apparaissent dans les projets réalisés. Plutôt que chercher à tout montrer du geste sportif, les artistes nous invitent à découvrir de nouvelles formes de beauté et de mystère, en approchant l’énigme qui lie la dépense physique à l’émotion dans la recherche de l’adéquation du corps au but qu’on lui fixe. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Pascal Beausse, co-commissaire de l’exposition

Photo : Suzanne HETZEL, Sans titre, extrait de l’oeuvre Roche Ailée, 2023. Épreuve jet d’encre pigmentaire sur papier, 80 × 60 cm. Collection du Cnap.

Dans le cadre de l’Olympiade culturelle, le mahJ consacre une exposition consacrée au photographe hongrois André Steiner, pionnier de la « Nouvelle Vision », qui exprima son talent en fixant des corps athlétiques et en mouvement dans le Paris des années 1930.

Arrivé à la photographie par passion pour sa jeune fiancée et pour le sport dont il était adepte, André Steiner a exprimé son talent en fixant des corps nus et en mouvement dans le Paris de l’entre-deux-guerres.

Né en Hongrie en 1901, il est l’un des tous premiers utilisateurs d’un Leica en 1924, qui lui a été confié dans le cadre de sa formation scientifique à la prestigieuse Technische Universität de Vienne. Il réalise alors une série de nus de Léa Sasson, dite Lily, sa future épouse. En 1928, il quitte Vienne pour Paris en raison de la montée de l’antisémitisme en Autriche.

Délaissant son travail d’ingénieur du son, André Steiner choisit de se consacrer entièrement à la photographie, explorant largement ses possibilités. Il ouvre un studio et multiplie les collaborations avec la presse. Son expérimentation moderne du médium fait de lui l’un des tenants de l’esthétique de la « Nouvelle Vision » germanique, qu’il contribue à diffuser en France.

Champion de décathlon aux Jeux mondiaux universitaires (Universiades) de 1928, entraîneur de natation à Vienne au club sportif juif de l’Hakoah (« La force » en hébreu), André Steiner se consacre à Paris à la photographie sportive, encore peu explorée. Il devient un spécialiste du corps en mouvement et du nu. Adepte de l’idéal communiste – il prend part en 1919 à l’éphémère République des conseils de Hongrie – il considère le corps photographié comme un manifeste autant individuel que social. Dans les années 1930, cette conception morale du corps est partagée par VU, pour lequel André Steiner réalise des clichés sur le sport et la danse, contribuant à forger le style singulier du magazine.

En 1939, le photographe s’engage dans l’armée de l’air française. Démobilisé en 1940, menacé en tant que juif et étranger, il quitte Paris pour le Midi, puis intègre la Résistance. Après la guerre, André Steiner obtient la nationalité française. De retour dans la capitale, il se spécialise dans la photographie appliquée à la technique et à la science. Il décède à Paris en 1978.

Présentée dans le cadre de l’Olympiade Culturelle, cette exposition est rendue possible par des prêts exceptionnels du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et du Musée national d’art moderne – centre Pompidou.

Commissaire : François Cheval avec Nicolas Feuillie (mahJ)

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou et du musée Nicéphore Niépce
En partenariat avec Les Douches la Galerie et le Centre culturel hongrois

Terrain d’expérimentation pour les peintures de plein air, la Normandie a aussi joué un rôle décisif dans les débuts de la photographie. Chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie se répondent dans cette exposition qui fait de la Normandie le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. Enregistrant le riche patrimoine normand, la photographie permet d’en mesurer toute l’importance mais aussi la fragilité. Elle suit la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée des riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.
À cette effervescence d’émulation créative que l’on découvre aussi à travers l’exposition d’oeuvres rares et méconnues, répond l’intervention de l’artiste contemporain Grégory Chatonsky qui invite l’intelligence artificielle à transformer l’expérience du paysage photographique.

Commissariat :
Sylvie Aubenas, Directrice du département des Estampes et de la Photographie à la BnF
Benoît Eliot, Editeur et photographe
Dominique Rouet, Directeur de la lecture publique et accès à la connaissance de la ville du Havre

Photo : Gustave Le Gray, Musee et ville du Havre, BM LE HAVRE

Photo : Bruxelles, Belgique, 1932 Henri Cartier-Bresson © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

« Henri Cartier-Bresson à Landerneau cet été, c’est une grande première : la première rétrospective de l’artiste en Bretagne et la première exposition dédiée à la photographie au Fonds Leclerc ! Il n’en fallait pas moins pour nous engager dans ce projet et vous donner rendez-vous avec celui qui fut surnommé “l’oeil du siècle”. À travers son regard, ce sont tous les continents et les sociétés qu’il a traversés qui se redonnent à voir. C’est historique et d’une actualité toujours saisissante !» Michel-Edouard leclerc

Il n’y a pas un seul, mais bien plusieurs Henri Cartier-Bresson. Le jeune homme, très influencé par le Surréalisme, qui voyage en Afrique, en Italie et au Mexique dans la première moitié des années 1930, n’est déjà plus le même à la fin de la décennie lorsqu’il s’engage en politique, auprès des communistes, pour faire barrage à la montée du fascisme en Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, c’est encore un autre tempérament qui s’exprime lorsqu’il fonde l’agence Magnum Photos et s’en va photographier à travers le monde. La plupart des ouvrages et des expositions monographiques consacrés au photographe se sont évertués à démontrer l’unité stylistique de son oeuvre. À rebours de cette approche unificatrice, et sans doute aussi un peu réductrice, le présent projet a pour ambition de mettre en évidence la diversité de son approche photographique dans ses différents moments. À travers l’histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle. Cartier-Bresson refusait de se laisser filmer ou photographier. Il ne voulait pas être reconnu dans la rue afin de pouvoir continuer à travailler sereinement. Mais après son exposition au MoMA de New York en 1947, il est devenu, à son corps défendant, l’un des photographes les plus admirés de son époque, une véritable légende vivante. Beaucoup de professionnels ou d’amateurs qui le croisaient occasionnellement l’ont ainsi photographié, le plus souvent contre son gré. Il existe donc quantité de portraits de Cartier- Bresson en train d’opérer.

Commissariat Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson

1 – Le sel du surréalisme
Au milieu des années 1920, par l’intermédiaire du poète René Crevel, Cartier-Bresson commence à fréquenter le groupe surréaliste. De cette rencontre, il retient le goût pour le hasard, le jeu, la révolte, la déambulation urbaine ou les objets empaquetés. Cela aura un impact décisif sur son imaginaire et sa photographie.

2 – L’obsession géométrique
Entre 1926 et 1928, Henri Cartier-Bresson étudie la peinture dans l’atelier d’André Lhote à Montparnasse. Il en conservera un goût prononcé pour la géométrie, qui se retrouve dans ses photographies toujours extrêmement bien composées. Le livre de Matila Ghyka Le Nombre d’or est l’un de ses livres de chevet.

3 – Instants décisifs
Dans le monde en mouvement, il existe un moment où les choses s’organisent en un ordonnancement à la fois formel et signifiant. Selon Cartier-Bresson, c’est cet instant précis que le photographe doit saisir. Il s’inscrit ainsi dans une tradition selon laquelle le génie de l’artiste consiste à percevoir et à retranscrire l’apogée d’une situation.

4 – L’Espagne vivante
En 1933, Cartier-Bresson fait plusieurs voyages en Espagne. Il aime les pays méditerranéens, où la vie se déploie dans la rue comme sur une petite scène de théâtre. Il repère un décor, attend que des enfants ou des passants viennent trouver leur place dans cet agencement de formes, puis les saisit instantanément.

5 – Fou du Mexique
En 1934, au Mexique, Cartier-Bresson retrouve le plaisir de photographier la vie dans la rue. Jouant avec des lumières et des ombres tranchées, ses compositions sont aussi graphiques qu’inquiétantes. Dans ce pays surréaliste s’il en est, il multiplie les images de personnes endormies et d’outres de peau gonflées, comme autant d’énigmes.

6 – Le coeur à gauche
Comme beaucoup d’artistes de sa génération, Cartier-Bresson s’est engagé auprès des communistes pour faire barrage au fascisme. Il dénonce le colonialisme, les conditions de vie des plus pauvres, ou célèbre les congés payés. En 1937, lors du couronnement de George VI, il choisit de ne pas photographier le roi, mais le peuple qui le regarde passer.

7 – L’expérience de la guerre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cartier‑Bresson est prisonnier pendant trois ans dans un stalag en Allemagne. Il s’en évade et rejoint la Résistance, pour laquelle il est chargé de documenter la libération de Paris, celle de Strasbourg, le village martyr d’Oradour-sur-Glane et la fin de l’Allemagne nazie.

8 – Le Retour
Avant la guerre, Cartier-Bresson s’est aussi rêvé cinéaste : il a été l’assistant de Jean Renoir et a réalisé plusieurs films documentaires. En 1945, il est en Allemagne pour réaliser un film de montage, Le Retour, sur ce défi logistique que constitue le rapatriement de centaines de milliers de prisonniers à travers l’Europe dévastée.

9 – Le voyage américain
En avril 1947, tandis que son exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de New York s’achève, Cartier-Bresson entame un long road trip de près de 20 000 km à travers les États-Unis. Rêvant de faire un livre mêlant textes et photographies, il dresse un portrait sans concession du pays, bien loin de l’American Dream.

10 – Partition de l’Inde
À la création de Magnum en 1947, les fondateurs se répartissent les zones géographiques à couvrir. Cartier-Bresson choisit l’Asie. Il arrive à Bombay en septembre 1947, à un moment où la partition entre l’Inde et le Pakistan exacerbe les tensions intercommunautaires. Il rencontre Gandhi quelques heures avant son assassinat et photographie ses funérailles.

11 – La Chine de Mao
En novembre 1948, Life demande à Cartier-Bresson d’aller en Chine photographier la prise de pouvoir par les communistes de Mao Zedong. Aux abords d’une banque, il photographie la panique de ceux qui essayent d’échanger leurs billets dévalués contre de l’or. L’image est publiée peu après dans le tout premier numéro de Paris Match.

12 – Le Paris de l’après-guerre
Dans les années 1950, entre deux reportages internationaux, Cartier-Bresson est souvent à Paris. Il photographie la vie dans la rue, les passants, les petits métiers, et la fameuse course cycliste des Six Jours du Vélodrome d’Hiver. La capitale continue à entretenir l’esprit et le bon vivre de l’avant-guerre, repoussant encore un peu la modernisation des Trente Glorieuses.

13 – En Allemagne
Au cours des années 1950, Cartier-Bresson a déjà parcouru le monde dans tous les sens. Il n’en délaisse pas pour autant une actualité moins lointaine. Dans le contexte de construction européenne, il s’intéresse en particulier aux modes de vie européens, notamment en Allemagne où il réalise une série d’enquêtes photographiques.

14 – La Russie du dégel
Pendant tout le règne de Staline, la Russie est restée imperméable aux regards étrangers. Profitant de la période dite du « dégel » qui suit sa mort en 1953, Cartier-Bresson est l’un des tout premiers reporters occidentaux à obtenir un visa. Pendant trois mois, de juillet à septembre 1954, il photographie le peuple russe dans son quotidien.

15 – La danse du photographe
Moins par coquetterie que pour conserver son anonymat, Cartier-Bresson refusait de se faire photographier ou filmer. Il l’a pourtant beaucoup été, le plus souvent à son insu. Sur les rares films le montrant en train d’opérer, il est possible de voir combien la photographie était pour lui une forme de danse, un pas de deux avec son sujet.

16 – L’Amérique à nouveau
Dans les années 1960, Cartier-Bresson est régulièrement aux États-Unis pour ses reportages. Ses images documentent les changements politiques, la culture du divertissement, des voitures et des armes. Il est particulièrement attentif à la lutte des Afro-Américains pour l’égalité des droits, contre la discrimination et la ségrégation.

17 – À Cuba
En 1963, Cartier-Bresson est à Cuba pour Life, juste après la « crise des missiles » qui a failli déclencher une troisième guerre mondiale. Dans les rues de La Havane, il photographie l’omniprésence du politique – militaires en armes, slogans propagandistes et effigies communistes –, qui se mélange étrangement avec la sensualité affirmée des Cubaines.

18 – Japon, 1965
Dès les années 1960, et notamment lors d’un long séjour au Japon où il travaille pour le quotidien Asahi Shimbun, Cartier-Bresson commence à photographier plus posément. Ses photographies sont plus calmes et méditatives. Elles ne relèvent plus systématiquement de l’instant décisif. Elles auraient pu être prises quelques secondes avant ou même après.

19 – La machine à tête humaine
Cartier-Bresson était très intéressé par la représentation du travail. Dans le contexte de profonde restructuration du secteur industriel de l’après-guerre, il multiplie les images de ses semblables dans leur environnement professionnel, au bureau ou à l’usine. Ce qui l’intéresse, c’est la relation que l’humain entretient avec son outil de travail.

20 – Mai 68
En mai 1968, Cartier-Bresson est dans la rue. Il aime photographier ces moments de manifestation où le peuple reprend symboliquement le pouvoir. Par-delà sa conscience politique, c’est aussi pour lui un exercice de composition particulièrement stimulant, qu’il continuera à pratiquer bien après avoir officiellement arrêté la photographie.

21 – La société de consommation
À partir des années 1960, Cartier-Bresson s’intéresse à la reconfiguration du monde autour de la consommation. Il photographie caché derrière la vitrine d’un petit commerçant, dans les supermarchés ou les foires internationales. Quoi de plus abstrait que la convoitise ? Il a l’idée de la représenter à travers le regard avide des consommateurs face à la marchandise.

22 – Vive la France
Après les événements de Mai 68, ayant constaté la profonde mutation de la société française, Cartier-Bresson entreprend de dresser le portrait de ses contemporains. Pendant plus d’un an, il sillonne l’Hexagone en voiture et photographie tout ce qui, dans le paysage de France, lui paraît inédit ou, au contraire, éternel.

23 – Points d’interrogation
Cartier-Bresson explique volontiers que faire un portrait, c’est pour lui comme poser « un point d’interrogation sur quelqu’un ». Sa méthode de travail est restée la même. Il cherche à se faire oublier, opère à distance et sans flash, jouant essentiellement de la relation du modèle avec son environnement, dans un exercice de composition toujours magistral.

Après une année 2023, emplie de légèreté et d’immatérialité dans l’univers de la Zéro Gravité, Campredon art & image invite à un nouveau voyage artistique en 2024.

Celui-ci fera la part belle au motif de la vague dans l’art contemporain, avec un ensemble de créations emblématiques et de productions inédites (art digital, peinture, art textile, vidéo, design, photographie, installation). Pour une plongée au cœur de l’élément aquatique en perpétuel mouvement, tantôt accueillant parfois menaçant, qui compose le rêve de l’artiste tel un paradis bleu et qui dessine, pour le surfeur, un idéal de beauté, de force et de performance.

L’imagerie de la vague est l’interprétation d’un monde impermanent, éphémère, fugitif et continuel, dans lequel se profile le passage du temps et la fragilité de l’Homme aux prises avec les éléments.

L’exposition DANS LA VAGUE, sous son apparente gravité, est une invitation à l’évasion, les yeux dans le bleu et le cœur en balade, entre contemplation et frissons, poésie et mélancolie.

Photo : Martin PARR, Porthcurno, Cornwall, England, GB, 2017 © Martin Parr/Magnum Photos

Exposition labellisée Olympiade culturelle par le Comité d’organisation des Jeux olympiques et paralympiques Paris 2024 ayant pour objectif de faire dialoguer art et sport.

Avec des oeuvres de : Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoun, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghouati-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges.
Commissariat : Pascal Beausse et Clément Nouet.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française. À l’occasion de l’Olympiade culturelle, la Direction générale de la création artistique du ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques –, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie puis au Centre Photographique Marseille (CPM) et au Centre Claude Cahun, à Nantes début 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ? Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie, qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport.

Depuis les temps premiers de l’histoire de la photographie et des images technologiques, une multitude d’expériences ont été menées pour figurer l’intelligence du corps en action, dans le cadre des événements sportifs mais aussi au-delà des compétitions, au coeur de la vie et dans des marges parfois invisibles de la société. La dimension performantielle est plus que jamais un enjeu, à l’heure où la démultiplication des régimes scopiques autorisés par la technique permet les analyses visuelles les plus extrêmes de la réalisation d’une action dans l’espace et dans le temps.

Le Cnap a notamment souhaité donner une large place aux nouveaux sports mis en valeur par les Jeux olympiques et paralympiques 2024, tels que le breakdance, le skateboard et l’escalade. D’autres sports singuliers, relevant de l’imagination, de la fiction ainsi que des sports urbains non officiels apparaissent dans les projets réalisés. Plutôt que chercher à tout montrer du geste sportif, les artistes nous invitent à découvrir de nouvelles formes de beauté et de mystère, en approchant l’énigme qui lie la dépense physique à l’émotion dans la recherche de l’adéquation du corps au but qu’on lui fixe. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Pascal Beausse, co-commissaire de l’exposition

Photo : Suzanne HETZEL, Sans titre, extrait de l’oeuvre Roche Ailée, 2023. Épreuve jet d’encre pigmentaire sur papier, 80 × 60 cm. Collection du Cnap.

Dans le cadre de l’Olympiade culturelle, le mahJ consacre une exposition consacrée au photographe hongrois André Steiner, pionnier de la « Nouvelle Vision », qui exprima son talent en fixant des corps athlétiques et en mouvement dans le Paris des années 1930.

Arrivé à la photographie par passion pour sa jeune fiancée et pour le sport dont il était adepte, André Steiner a exprimé son talent en fixant des corps nus et en mouvement dans le Paris de l’entre-deux-guerres.

Né en Hongrie en 1901, il est l’un des tous premiers utilisateurs d’un Leica en 1924, qui lui a été confié dans le cadre de sa formation scientifique à la prestigieuse Technische Universität de Vienne. Il réalise alors une série de nus de Léa Sasson, dite Lily, sa future épouse. En 1928, il quitte Vienne pour Paris en raison de la montée de l’antisémitisme en Autriche.

Délaissant son travail d’ingénieur du son, André Steiner choisit de se consacrer entièrement à la photographie, explorant largement ses possibilités. Il ouvre un studio et multiplie les collaborations avec la presse. Son expérimentation moderne du médium fait de lui l’un des tenants de l’esthétique de la « Nouvelle Vision » germanique, qu’il contribue à diffuser en France.

Champion de décathlon aux Jeux mondiaux universitaires (Universiades) de 1928, entraîneur de natation à Vienne au club sportif juif de l’Hakoah (« La force » en hébreu), André Steiner se consacre à Paris à la photographie sportive, encore peu explorée. Il devient un spécialiste du corps en mouvement et du nu. Adepte de l’idéal communiste – il prend part en 1919 à l’éphémère République des conseils de Hongrie – il considère le corps photographié comme un manifeste autant individuel que social. Dans les années 1930, cette conception morale du corps est partagée par VU, pour lequel André Steiner réalise des clichés sur le sport et la danse, contribuant à forger le style singulier du magazine.

En 1939, le photographe s’engage dans l’armée de l’air française. Démobilisé en 1940, menacé en tant que juif et étranger, il quitte Paris pour le Midi, puis intègre la Résistance. Après la guerre, André Steiner obtient la nationalité française. De retour dans la capitale, il se spécialise dans la photographie appliquée à la technique et à la science. Il décède à Paris en 1978.

Présentée dans le cadre de l’Olympiade Culturelle, cette exposition est rendue possible par des prêts exceptionnels du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et du Musée national d’art moderne – centre Pompidou.

Commissaire : François Cheval avec Nicolas Feuillie (mahJ)

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou et du musée Nicéphore Niépce
En partenariat avec Les Douches la Galerie et le Centre culturel hongrois

Terrain d’expérimentation pour les peintures de plein air, la Normandie a aussi joué un rôle décisif dans les débuts de la photographie. Chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie se répondent dans cette exposition qui fait de la Normandie le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. Enregistrant le riche patrimoine normand, la photographie permet d’en mesurer toute l’importance mais aussi la fragilité. Elle suit la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée des riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.
À cette effervescence d’émulation créative que l’on découvre aussi à travers l’exposition d’oeuvres rares et méconnues, répond l’intervention de l’artiste contemporain Grégory Chatonsky qui invite l’intelligence artificielle à transformer l’expérience du paysage photographique.

Commissariat :
Sylvie Aubenas, Directrice du département des Estampes et de la Photographie à la BnF
Benoît Eliot, Editeur et photographe
Dominique Rouet, Directeur de la lecture publique et accès à la connaissance de la ville du Havre

Photo : Gustave Le Gray, Musee et ville du Havre, BM LE HAVRE

Photo : Bruxelles, Belgique, 1932 Henri Cartier-Bresson © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

« Henri Cartier-Bresson à Landerneau cet été, c’est une grande première : la première rétrospective de l’artiste en Bretagne et la première exposition dédiée à la photographie au Fonds Leclerc ! Il n’en fallait pas moins pour nous engager dans ce projet et vous donner rendez-vous avec celui qui fut surnommé “l’oeil du siècle”. À travers son regard, ce sont tous les continents et les sociétés qu’il a traversés qui se redonnent à voir. C’est historique et d’une actualité toujours saisissante !» Michel-Edouard leclerc

Il n’y a pas un seul, mais bien plusieurs Henri Cartier-Bresson. Le jeune homme, très influencé par le Surréalisme, qui voyage en Afrique, en Italie et au Mexique dans la première moitié des années 1930, n’est déjà plus le même à la fin de la décennie lorsqu’il s’engage en politique, auprès des communistes, pour faire barrage à la montée du fascisme en Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, c’est encore un autre tempérament qui s’exprime lorsqu’il fonde l’agence Magnum Photos et s’en va photographier à travers le monde. La plupart des ouvrages et des expositions monographiques consacrés au photographe se sont évertués à démontrer l’unité stylistique de son oeuvre. À rebours de cette approche unificatrice, et sans doute aussi un peu réductrice, le présent projet a pour ambition de mettre en évidence la diversité de son approche photographique dans ses différents moments. À travers l’histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle. Cartier-Bresson refusait de se laisser filmer ou photographier. Il ne voulait pas être reconnu dans la rue afin de pouvoir continuer à travailler sereinement. Mais après son exposition au MoMA de New York en 1947, il est devenu, à son corps défendant, l’un des photographes les plus admirés de son époque, une véritable légende vivante. Beaucoup de professionnels ou d’amateurs qui le croisaient occasionnellement l’ont ainsi photographié, le plus souvent contre son gré. Il existe donc quantité de portraits de Cartier- Bresson en train d’opérer.

Commissariat Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson

1 – Le sel du surréalisme
Au milieu des années 1920, par l’intermédiaire du poète René Crevel, Cartier-Bresson commence à fréquenter le groupe surréaliste. De cette rencontre, il retient le goût pour le hasard, le jeu, la révolte, la déambulation urbaine ou les objets empaquetés. Cela aura un impact décisif sur son imaginaire et sa photographie.

2 – L’obsession géométrique
Entre 1926 et 1928, Henri Cartier-Bresson étudie la peinture dans l’atelier d’André Lhote à Montparnasse. Il en conservera un goût prononcé pour la géométrie, qui se retrouve dans ses photographies toujours extrêmement bien composées. Le livre de Matila Ghyka Le Nombre d’or est l’un de ses livres de chevet.

3 – Instants décisifs
Dans le monde en mouvement, il existe un moment où les choses s’organisent en un ordonnancement à la fois formel et signifiant. Selon Cartier-Bresson, c’est cet instant précis que le photographe doit saisir. Il s’inscrit ainsi dans une tradition selon laquelle le génie de l’artiste consiste à percevoir et à retranscrire l’apogée d’une situation.

4 – L’Espagne vivante
En 1933, Cartier-Bresson fait plusieurs voyages en Espagne. Il aime les pays méditerranéens, où la vie se déploie dans la rue comme sur une petite scène de théâtre. Il repère un décor, attend que des enfants ou des passants viennent trouver leur place dans cet agencement de formes, puis les saisit instantanément.

5 – Fou du Mexique
En 1934, au Mexique, Cartier-Bresson retrouve le plaisir de photographier la vie dans la rue. Jouant avec des lumières et des ombres tranchées, ses compositions sont aussi graphiques qu’inquiétantes. Dans ce pays surréaliste s’il en est, il multiplie les images de personnes endormies et d’outres de peau gonflées, comme autant d’énigmes.

6 – Le coeur à gauche
Comme beaucoup d’artistes de sa génération, Cartier-Bresson s’est engagé auprès des communistes pour faire barrage au fascisme. Il dénonce le colonialisme, les conditions de vie des plus pauvres, ou célèbre les congés payés. En 1937, lors du couronnement de George VI, il choisit de ne pas photographier le roi, mais le peuple qui le regarde passer.

7 – L’expérience de la guerre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cartier‑Bresson est prisonnier pendant trois ans dans un stalag en Allemagne. Il s’en évade et rejoint la Résistance, pour laquelle il est chargé de documenter la libération de Paris, celle de Strasbourg, le village martyr d’Oradour-sur-Glane et la fin de l’Allemagne nazie.

8 – Le Retour
Avant la guerre, Cartier-Bresson s’est aussi rêvé cinéaste : il a été l’assistant de Jean Renoir et a réalisé plusieurs films documentaires. En 1945, il est en Allemagne pour réaliser un film de montage, Le Retour, sur ce défi logistique que constitue le rapatriement de centaines de milliers de prisonniers à travers l’Europe dévastée.

9 – Le voyage américain
En avril 1947, tandis que son exposition personnelle au Musée d’Art Moderne de New York s’achève, Cartier-Bresson entame un long road trip de près de 20 000 km à travers les États-Unis. Rêvant de faire un livre mêlant textes et photographies, il dresse un portrait sans concession du pays, bien loin de l’American Dream.

10 – Partition de l’Inde
À la création de Magnum en 1947, les fondateurs se répartissent les zones géographiques à couvrir. Cartier-Bresson choisit l’Asie. Il arrive à Bombay en septembre 1947, à un moment où la partition entre l’Inde et le Pakistan exacerbe les tensions intercommunautaires. Il rencontre Gandhi quelques heures avant son assassinat et photographie ses funérailles.

11 – La Chine de Mao
En novembre 1948, Life demande à Cartier-Bresson d’aller en Chine photographier la prise de pouvoir par les communistes de Mao Zedong. Aux abords d’une banque, il photographie la panique de ceux qui essayent d’échanger leurs billets dévalués contre de l’or. L’image est publiée peu après dans le tout premier numéro de Paris Match.

12 – Le Paris de l’après-guerre
Dans les années 1950, entre deux reportages internationaux, Cartier-Bresson est souvent à Paris. Il photographie la vie dans la rue, les passants, les petits métiers, et la fameuse course cycliste des Six Jours du Vélodrome d’Hiver. La capitale continue à entretenir l’esprit et le bon vivre de l’avant-guerre, repoussant encore un peu la modernisation des Trente Glorieuses.

13 – En Allemagne
Au cours des années 1950, Cartier-Bresson a déjà parcouru le monde dans tous les sens. Il n’en délaisse pas pour autant une actualité moins lointaine. Dans le contexte de construction européenne, il s’intéresse en particulier aux modes de vie européens, notamment en Allemagne où il réalise une série d’enquêtes photographiques.

14 – La Russie du dégel
Pendant tout le règne de Staline, la Russie est restée imperméable aux regards étrangers. Profitant de la période dite du « dégel » qui suit sa mort en 1953, Cartier-Bresson est l’un des tout premiers reporters occidentaux à obtenir un visa. Pendant trois mois, de juillet à septembre 1954, il photographie le peuple russe dans son quotidien.

15 – La danse du photographe
Moins par coquetterie que pour conserver son anonymat, Cartier-Bresson refusait de se faire photographier ou filmer. Il l’a pourtant beaucoup été, le plus souvent à son insu. Sur les rares films le montrant en train d’opérer, il est possible de voir combien la photographie était pour lui une forme de danse, un pas de deux avec son sujet.

16 – L’Amérique à nouveau
Dans les années 1960, Cartier-Bresson est régulièrement aux États-Unis pour ses reportages. Ses images documentent les changements politiques, la culture du divertissement, des voitures et des armes. Il est particulièrement attentif à la lutte des Afro-Américains pour l’égalité des droits, contre la discrimination et la ségrégation.

17 – À Cuba
En 1963, Cartier-Bresson est à Cuba pour Life, juste après la « crise des missiles » qui a failli déclencher une troisième guerre mondiale. Dans les rues de La Havane, il photographie l’omniprésence du politique – militaires en armes, slogans propagandistes et effigies communistes –, qui se mélange étrangement avec la sensualité affirmée des Cubaines.

18 – Japon, 1965
Dès les années 1960, et notamment lors d’un long séjour au Japon où il travaille pour le quotidien Asahi Shimbun, Cartier-Bresson commence à photographier plus posément. Ses photographies sont plus calmes et méditatives. Elles ne relèvent plus systématiquement de l’instant décisif. Elles auraient pu être prises quelques secondes avant ou même après.

19 – La machine à tête humaine
Cartier-Bresson était très intéressé par la représentation du travail. Dans le contexte de profonde restructuration du secteur industriel de l’après-guerre, il multiplie les images de ses semblables dans leur environnement professionnel, au bureau ou à l’usine. Ce qui l’intéresse, c’est la relation que l’humain entretient avec son outil de travail.

20 – Mai 68
En mai 1968, Cartier-Bresson est dans la rue. Il aime photographier ces moments de manifestation où le peuple reprend symboliquement le pouvoir. Par-delà sa conscience politique, c’est aussi pour lui un exercice de composition particulièrement stimulant, qu’il continuera à pratiquer bien après avoir officiellement arrêté la photographie.

21 – La société de consommation
À partir des années 1960, Cartier-Bresson s’intéresse à la reconfiguration du monde autour de la consommation. Il photographie caché derrière la vitrine d’un petit commerçant, dans les supermarchés ou les foires internationales. Quoi de plus abstrait que la convoitise ? Il a l’idée de la représenter à travers le regard avide des consommateurs face à la marchandise.

22 – Vive la France
Après les événements de Mai 68, ayant constaté la profonde mutation de la société française, Cartier-Bresson entreprend de dresser le portrait de ses contemporains. Pendant plus d’un an, il sillonne l’Hexagone en voiture et photographie tout ce qui, dans le paysage de France, lui paraît inédit ou, au contraire, éternel.

23 – Points d’interrogation
Cartier-Bresson explique volontiers que faire un portrait, c’est pour lui comme poser « un point d’interrogation sur quelqu’un ». Sa méthode de travail est restée la même. Il cherche à se faire oublier, opère à distance et sans flash, jouant essentiellement de la relation du modèle avec son environnement, dans un exercice de composition toujours magistral.