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TC44 – L’exil pour toujours une série d’Hélène Caux

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L'Ephéméride

Né un 25 septembre : Pedro Almodóvar

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam09jan(jan 9)14 h 00 minsam27fev(fev 27)19 h 00 minFranck Christen photographies 1997—2019box galerie, 102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’élégance. Voilà à n’en pas douter le maître-mot, le fil rouge reliant tous les points qui constituent jusqu’ici l’oeuvre de Franck Christen.
Sensible aux possibilités de l’art depuis son plus jeune âge, ne ratant rien de ce que l’Alsace, sa région d’origine pouvait lui offrir – les musées et institutions culturelles de premier plan n’y sont pas rares et, mieux encore peut-être, Mulhouse n’est qu’à un jet de pierre de la Suisse et en particulier de Bâle, la ville qui accueille chaque année la plus importante foire d’art contemporain.
C’est peut-être là, dans les travées de la Kunsthalle, que l’adolescent a décidé de son avenir.
Arrivé à Bruxelles, il passe quelque temps sur les bancs de l’université à se frotter aux cours d’histoire de l’art, avant de s’inscrire dans l’atelier de photographie de la Cambre.
Personne ne le sait encore, mais il a trouvé sa voie, le mode d’expression qui lui convient.
D’entrée, ses images surprennent par leur classicisme, leur quasi intemporalité. Les références sont multiples, le jeune homme assimile avec aisance ce qu’il aime et qui le passionne. Il fait sien ce qu’il découvre chez les photographes – ou plus généralement les artistes – qu’il admire et en peu de temps impose sa propre signature visuelle.
Les premières années seront marquées par le noir et blanc : épure, cadrages rigoureux, assise du format carré.
Les séries se succèdent (Les Alsaciens, Les collectionneurs, Les Parisiens,…), faisant la part belle au portrait. Régulièrement, aux visages viennent répondre des détails d’architecture, des arbres, du mobilier, des objets aussi… Ces natures mortes, ces paysages ne sont en fait rien d’autre que des variations subtiles sur la thématique du portrait. Il en ira de même lorsqu’il s’agira des commandes passées par des stylistes. Les robes, les chaussures, les accessoires deviennent autant de portraits, d’impressions, d’études.
Le passage du noir et blanc à la couleur se fait naturellement, tout comme celui qui mène de l’argentique au numérique. Aucun médium ne supplante d’ailleurs définitivement un autre, les allers et retours s’opèrent au gré des circonstances plutôt que par décision formelle. De la même manière, Franck Christen choisit le format qui lui semble le plus adéquat en fonction du sujet, refusant de se laisser enfermer dans telle ou telle obligation du marché (ou du moment, ou des deux).
Les couleurs privilégiées par le photographe tendent vers la demi-teinte, vers la monochromie. Rien qui ne heurte le regard, rien qui ne fasse crisser les dents.
Il s’agit encore et toujours d’architecture, de nature morte, de paysage, de portrait. Même si les animaux prennent désormais volontiers la place des humains.
L’animal et plus encore le végétal, de plus en plus prépondérant ces dernières années, qu’il s’agisse de pins rencontrés à Rome ou à Beyrouth, d’un «recensement» de la faune libanaise ou de compositions florales en hommage à Adolphe Braun (qui, au 19e siècle, photographiait des bouquets pour les besoins de l’industrie textile alsacienne).
Ces séries qui se succèdent ne sont en fin de compte que des prétextes.
Là ne se situe pas l’essentiel. Ce qui compte pour Franck Christen, c’est de produire des images qui lui correspondent à un moment précis de son parcours. Des images qui lui ressemblent, qui répondent à son attirance pour la beauté, pour l’harmonie, pour l’élégance.
Encore et toujours elle!

Dates

Janvier 9 (Samedi) 14 h 00 min - Février 27 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

box galerie

102 chaussée de Vleurgat 1050 Bruxelles

box galerie102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesLa galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h à 19h

Calendrier GoogleCal

jeu24sep(sep 24)0 h 00 min2021sam20fev(fev 20)0 h 00 minSelfies Ego / EgauxCommissariat d'Olivier Culmann assisté de Jeanne ViguiéVilla Pérochon, 64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition est née avec la volonté d’interroger cette pratique populaire et contemporaine pour un large public, afin de permettre, entre autres, aux parents de comprendre les usages qu’en font leurs enfants, et leurs enjeux, tout en y apportant un regard neuf et critique. Finalement cette pratique questionne l’identité, la représentation de chacun, l’individu et le groupe, mais aussi la perception du groupe des images diffusées par un individu.

Cette exposition a été créée il y a un an à l’occasion du festival Portrait(s) à Vichy. À Niort, ce sera sa deuxième présentation. Olivier Culmann, membre de Tendance Floue, que nous avons accueillis lors des Rencontres de la jeune photographie internationale en 2016 avec notamment la série The Others, en est le commissaire assisté de Jeanne de Viguié.
Il interroge cette pratique populaire qui a envahi les réseaux sociaux. Avec l’humour et l’intelligence qui le caractérise, il nous livre le résultat de cette enquête par une réflexion approfondie sur cette révolution photographique et sociale, au travers d’une exposition foisonnante.

La photographie a connu ces dernières années une véritable révolution. Alors que depuis sa création, l’appareil photographique était dirigé – comme notre œil – de soi vers les autres, sa direction s’est brusquement inversée.
Je m’interroge depuis longtemps sur les raisons qui ont poussé à ce retournement vers nous-mêmes.
Comme beaucoup, je n’y ai d’abord vu que l’expression d’une époque individualiste et par conséquence d’un comportement purement égocentrique.
La série Seoulfie, que j’ai réalisée en Corée en Sud en 2014, est née de cette interrogation et proposait une “visite” de Séoul à travers ce mode opératoire de l’égoportrait.
Pourquoi, à un moment donné, avons-nous ressenti le besoin de cette inversion ?
Le mot selfie a été utilisé pour la première fois en 2002 par un étudiant australien ayant pris une photo de sa lèvre tuméfiée à la suite d’une soirée trop arrosée, afin de la transmettre à des médecins pour obtenir un diagnostic. Les jalons étaient ainsi posés. Car, bien que le mot ne soit entré dans le dictionnaire qu’une dizaine d’années plus tard, cette anecdote fondatrice rejoint la définition même du selfie : il est un autoportrait réalisé pour être envoyé à un (ou plusieurs) tiers.

Ainsi, la fonction principale du selfie est-elle de l’ordre du moyen de communication (ce qui peut même aller jusqu’à débarrasser le selfie de la nécessité de pérennité propre à la photographie : un selfie peut éventuellement disparaître après réception, comme dans l’application Snapchat par exemple). Il fut une époque où l’on s’envoyait des lettres, puis une autre où l’on se passait des appels téléphoniques, puis des messages textes et aujourd’hui l’on s’envoie des photos de soi-même pour rendre compte d’une situation : « Regarde, je suis à la plage, je suis heureux et je te le dis. »

En cela, le selfie, contrairement à la majorité des types photographiques, n’a nul besoin d’être esthétique pour exister. Au contraire, il sera plus accessible et invitera davantage à une réponse s’il reste visuellement « modeste ». Beaucoup le mépriseront ainsi pour sa « pauvreté » esthétique et n’auront de cesse que de le réduire à son caractère égocentrique. On est en droit de ne pas l’apprécier, mais on ne peut nier qu’il prolonge l’histoire et l’évolution d’une photographie rendue petit à petit accessible au plus grand nombre.

Je ne serais pas surpris que dans un avenir plus ou moins lointain, le selfie – comme bon nombre d’autres types photographiques « non professionnels » – nous offre davantage d’informations sur notre époque, nos sociétés et nos façons de vivre que les productions qui se veulent documentaires ou journalistiques.
Pour aller plus loin, j’oserais l’hypothèse que l’intérêt de la photographie réside souvent, non pas dans ce qu’elle montre, mais dans ce que sa forme et l’utilisation que nous en faisons racontent de nous-mêmes.

Olivier Culmann

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min - Février 20 (Samedi) 0 h 00 min

Lieu

Villa Pérochon

64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9

Villa Pérochon64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Du mardi au samedi de 13h30 à18h30. Fermée les jours fériés. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

sam23jan(jan 23)14 h 00 minsam27mar(mar 27)19 h 00 minLa sélection de la RédactionPleasures, Sadness, SometimesJeffrey SilverthorneL’ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour son retour en France, l’immense Jeffrey Silverthorne investira les deux espaces de L’ahah, #Griset et #Moret, avec une exposition personnelle dont le titre doux-amer rappellera à celles et ceux qui connaissent déjà l’oeuvre du photographe américain sa terrible lucidité.
Avec humour, toujours – qu’il esquisse un sourire tendre ou dresse un sourcil gêné…
Pour celles et ceux qui découvriront le travail de l’artiste, membre de L’ahah depuis sa création, «Pleasures, Sadness, Sometimes» proposera un voyage à travers les différentes séries et époques de son oeuvre et, s’affranchissant de toute chronologie, fera converser des photographies datant des années 1970 jusqu’à nos jours, incluant ses plus récentes productions, encore inédites.
De ces conversations entre photographies, qu’amplifieront certainement les regards complices, bruissera l’évidence : celle d’une incroyable inventivité formelle et d’une cohérence intellectuelle jamais démentie ; celle d’une complexité à l’image de l’existence – de plaisirs, de tristesse, de parfois.

Né à Hawaï en 1946, Jeffrey Silverthorne vit et travaille à Providence, Rhode Island aux États-Unis. En 2021, l’artiste bénéficiera d’une importante exposition personnelle à L’ahah #Griset et #Moret.
Parmi les expositions personnelles récentes de sa prestigieuse carrière internationale de photographe, on peut citer les rétrospectives de la Deichtorhallen de Hambourg en 2016, celles du FoMu d’Anvers 2015, ainsi que celles du Musée Nicéphore Niepce de Chalon-sur-Saône en 2014 et de la galerie VU’ aux Rencontres de la photographie d’Arles en 2008. Jeffrey Silverthorne a pris part à de nombreuses expositions collectives, notamment en France à la galerie Suzanne Tarasieve en 2015 et en 2008 à la Bibliothèque nationale et à la Maison d’art Bernard Anthonioz de Nogent-sur-Marne.
Jeffrey Silverthorne est membre de L’ahah depuis 2017.

Dates

Janvier 23 (Samedi) 14 h 00 min - Mars 27 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

L’ahah #Moret

24-26 rue Moret 75011 Paris

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jeu07jan(jan 7)10 h 00 minjeu28(jan 28)18 h 00 minBenjamin TravadePhotographie, liberté et révolutionGalerie Arenthon, 3 quai Malaquais 75006 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

Après des études de cinéma à la Sorbonne et trois années de formation dans un studio de photographie de nature morte, Benjamin Travade commence à travailler comme photographe indépendant. Il réalise rapidement ses premiers travaux de commande et développe en parallèle un travail personnel dont le thème central est le contact avec la nature et le rapport méditatif qu’il entretient avec elle.

Ses photographies, d’une écriture sensible et personnelle, sont comme une invitation au voyage et à la contemplation. Instants fragiles et suspendus dans lequel le temps semble s’être arrêté, elles agissent à la manière du souvenir qui donne une certaine permanence à ce qui passe.

Ses tirages argentiques sont réalisés de façon traditionnelle, à l’agrandisseur, puis virés manuellement au thé noir, les tons chauds du papier baryté et la profondeur des noirs et blancs donnant aux images un caractère sensuel et suranné.

Cette exposition est l’occasion d’initier un dialogue entre la photographie et les fonds de la Galerie Arenthon. Durant un mois, les pages des livres écrites et illustrées par des artistes majeurs du 20ème siècle (Pablo Picasso, István Hajdu, Joan Miro, Eugene Guillevic, etc), sortent de leur contexte et s’affichent sur les murs. Par le jeu de l’accrochage et des associations, elles entrent en résonnance avec les photographies de Benjamin Travade, les unes se révélant sous la lumière des autres, chacune devenant un fragment des récits que la galerie invite les spectateurs à venir écrire entre ses murs aujourd’hui.

Exposition présentée dans le cadre de PhotoSaintGermain.

Dates

7 (Jeudi) 10 h 00 min - 28 (Jeudi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Arenthon

3 quai Malaquais 75006 Paris

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mer16déc(déc 16)11 h 00 min2021dim28fev(fev 28)20 h 00 minRescheduledTokyoDaido Moriyama | Shomei TomatsuEn attente de la réouverture des muséesLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La MEP est heureuse de présenter une exposition d’envergure réunissant deux grands maîtres de la photographie japonaise de l’après-guerre.

L’exposition Moriyama – Tomatsu : Tokyo a été conçue par les artistes Daido Moriyama et Shomei Tomatsu – avant le décès de ce dernier en 2012 – comme une manière de célébrer leur ville autour d’une première collaboration artistique.

Pensée conjointement par Simon Baker, Pascal Hoël et Frédérique Dolivet (pour la MEP), Daido Moriyama et Mme Yasuko Tomatsu, et avec la collaboration d’Akio Nagasawa, Moriyama – Tomatsu : Tokyo ne sera pas uniquement la concrétisation d’un projet historique n’ayant jamais vu le jour jusque-là, mais constituera la première grande exposition du travail de Shomei Tomatsu à Paris. Sur les deux étages principaux de la MEP – le 2e étage sera consacré à Tomatsu, le 3e à Moriyama – l’exposition présentera plus de 300 oeuvres dont la plupart pour la première fois à Paris.

Cette exposition s’accompagnera d’un catalogue richement illustré publié par Akio Nagasawa Publishing, avec un texte de Simon Baker et de nouvelles traductions de textes majeurs des photographes Daido Moriyama et Shomei Tomatsu.

Daido Moriyama. Untitled, de la série « Provoke », 1969

Date de fin non communiquée.

Dates

Décembre 16 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 28 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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Daily Archives: 25 septembre 2020

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