Name: The Place of the Dry, Dry
Start: 2020-2-27T12-12-00-00
End: 2020-6-27T19-19-00-00
Location: Galerie Miranda

Critique d’art

#Carte Blanche #Critique d'art

Carte blanche à Etienne Hatt : La photographie est-elle paradoxale ?

Dans la carte blanche que nous avons confié à notre invité de…

#Carte Blanche #Critique d'art

Carte blanche à Etienne Hatt : La photographie fait-elle encore image ?

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#Carte Blanche #Critique d'art

Carte blanche à Etienne Hatt : La photographie n’est-elle qu’un art ?

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#Carte Blanche #Critique d'art

Carte blanche à Etienne Hatt : La photographie est-elle devenue anachronique ?

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#Critique d'art #Portrait chinois #Presse

Etienne Hatt, rédacteur en chef adjoint d’Artpress, est notre invité

Cette semaine, nous accueillons Etienne Hatt, critique d’art et rédacteur en chef…

jeu27fev12 h 00 minsam27jui19 h 00 minThe Place of the Dry, DryChloe SellsGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Galerie Miranda est heureuse d’annoncer son exposition du printemps, des oeuvres expérimentales et uniques de Chloe Sells (née en 1976, Etas Unis), produites au lacs de sel de Makgadikgadi dans le désert du Kalahari au Botswana, où réside l’artiste.

En langue Tswana ‘Makgadikgadi’ veut dire ‘The Place of the Dry, Dry’ (‘le lieu du sec, sec’) ; l’artiste a passé des mois à parcourir les plaines arides, photographiant à la chambre le jeu de lumière projeté sur l’immense tableau du paysage.

Chloe Sells photographie avec un appareil Contax 645 et un Linhof 4×5. Elle développe elle-même ses pellicules, en chambre noire, à la main. Chacune de ses œuvres est un tirage chromogénique unique auquel elle a rajouté, en chambre noire, des couches abstraites de couleur, de lumière, de textures et de motifs. Parfois elle dessine sur ses tirages, à l’encre, à la peinture ou au feutre.

La plupart des oeuvres exposées sont au grand format d’environs 93×113 cm, également présentée seront deux superbes oeuvres au très grand format, ‘The Form’ et ‘The Nare’, produites selon le meme processus expérimental et ensuite découpées et montées en collages sculpturaux.

« Roulant vers la chaleur blanche et brulante du désert, je guettais des palmiers solitaires qui longent les rives des fleuves infidèles qui marquent le début des Makgadikgadi Salt Pans. M’engageant un sentier bien battu qui mène vers une grande savane, j’ai ensuite suivi deux lignes à peine visibles qui traçaient une route à travers les herbes épineuses, jusqu’à ce que, soudain, une rive se présente devant mes yeux. Le reflet du soleil couchant rendait l’eau opalescente et des milliers d’oiseaux remplissaient le ciel, leur chant porté à mes oreilles par la brise.

Les Makgadikgadi Salt Pans se trouvent dans le Désert du Kalahari au Botswana. Vus de l’espace, ils ressemblent à des grosses tâches blanches sur la surface de la Terre, on dirait des tâches de naissance. La première fois j’y suis venue pour voir les flamands roses, mais j’y suis retournée pour autre chose. Debout au bord de l’eau, je me suis demandée si je pouvais photographier cette beauté, tout simplement. Le critique d’art Dave Hickey écrit que « l’utilité légitime de la beauté se trouve dans sa capacité à nous réunir, en tant qu’êtres physiques et vivants, dans une relation éthique avec d’autres êtres humains dans le monde physique. »

Remplis d’eau, les Makgadikgadi Salt Pans ressemblent à un océan, mais il suffit de quelques jours seulement pour que l’eau s’évapore laissant une terre craquelée comme la peau d’un éléphant. Où que l’on regarde, la vue est identique ; on est désorienté. Pas loin il y a des lions du Kalahari, à moins qu’ils ne soient tout près, cachés, dorés dans les herbes dorées.

À chaque visite aux Makgadikgadi Salt Pans, une vista panoramique et kaléidoscopique s’offre à moi, vista que j’ai interprétée pendant des jours de prises de vues photographiques et, ensuite, des mois passés en chambre noire. Photographier un même lieu de manière répété m’a permis de méditer sur les questions de l’infini, en moi et à l’extérieur.

Dans l’obscurité de la chambre noire, le silence est palpable et, en manipulant les règles de la chimie photographique, image et imagination se confondent. Le processus de tirage est à la fois réfléchi et spontané; malgré un espace réduit, le travail est physique. La répétition permet un mouvement d’aller-retour entre temps et mémoire ; la couleur exprime l’émotion. Les textures surimposées retracent les contours géographiques ; les bords irréguliers des tirages, coupés dans l’obscurité à partir de rouleaux de papier de 50m de long, rappelle que notre vision du monde n’est pas rectangulaire, symétrique. À certaines images j’apporte une couche supplémentaire d’expression en encre, peinture et feutre. Chaque image est un jeu entre ce qui est fixe et ce qui est en mouvement; chaque œuvre est unique. »

Le livre d’artiste SWAMP (ed. Gost Books, 2016) réunit l’ensemble de ce travail.

Dates

Février 27 (Jeudi) 12 h 00 min - Juin 27 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Miranda

21 rue du Château d’Eau 75010 Paris

Galerie Miranda21 rue du Château d’Eau 75010 ParisOuvert du mardi au samedi de 12h à 19h ou sur rendez-vous

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mar25fev(fev 25)11 h 00 mindim26jul(jul 26)19 h 00 minFace à FaceMartine FranckFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Le portrait, c’est toujours une nouvelle rencontre. Avant la prise de vue, j’ai le trac, puis peu à peu les langues se délient. Ce que je cherche à capter c’est la lumière dans l’œil, les gestes, un moment d’écoute ou de concentration – lorsque précisément le modèle ne parle pas. » Martine Franck

La Fondation HCB consacre une exposition aux portraits de Martine Franck (1938-2012) dans la galerie dédiée à ses Collections.

Pour celle qui croyait par-dessus tout à la bienveillance, le portrait se caractérise surtout par un regard direct, l’empathie pour la personne ainsi qu’une admiration sincère. Rien n’est plus étranger à Martine Franck que l’artifice de la pose. Son « regard amical », ainsi qualifié par Robert Doisneau, a su se poser sans détours sur nombre de ses semblables.

Photographe engagée, elle souhaite voir la réalité en face, celle de l’âge, celle des exclus, celle des artistes, et mettre en lumière un moment d’échange subtil : les portraits de Martine Franck lui ressemblent. Ces quelques « face à face » s’inscrivent sobrement dans le temps et distillent la plastique discrète d’un regard attentif et pénétrant.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique

Biographie
Martine Franck naît en 1938 à Anvers. Elle découvre la photographie en 1963, au cours d’un voyage en Orient avec Ariane Mnouchkine. Elle épouse Henri Cartier-Bresson en 1970 et intègre la même année l’agence Vu. Elle co-fonde l’agence Viva en 1972 puis intègre Magnum Photos huit ans plus tard. En 2003, elle créé la Fondation HCB avec son mari et leur fille Mélanie. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective présentée du 6 novembre 2018 au 10 février 2019 à la Fondation HCB, coproduite avec le Musée de l’Élysée à Lausanne et présentée au FotoMuseum à Anvers du 30 octobre 2020 au 7 mars 2021.

Dates

Février 25 (Mardi) 11 h 00 min - Juillet 26 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

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mer20mai13 h 30 minsam20jui18 h 30 minUlyssesLeïla BousninaGalerie FAIT & CAUSE, 58 rue Quincampoix 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Ces hommes ont immigré en France pendant les « 30 Glorieuses », alors que les entreprises industrielles françaises en manque de main-d’œuvre faisaient appel à ces natifs du Maghreb et de l’Afrique sub-saharienne. Ces jeunes travailleurs représentaient une main-d’œuvre abondante, peu coûteuse et laborieuse venue en majorité des régions rurales.
Adulte, je voyais leurs discrètes silhouettes dans l’espace public, ils avaient atteint l’âge de la retraite et restaient invisibles et coupés d’une société qu’ils avaient pourtant contribué à bâtir et à développer… En parcourant la ville de Marseille, je m’arrêtais souvent dans le quartier de Belsunce, attirée par l’ambiance du « Marché aux Voleurs » installé clandestinement sur la place d’Aix, où des biffins vendaient à même le sol toutes sortes de petites marchandises. La place était spécialement appréciée des « chibanis » (les anciens) qui venaient tuer le temps. La majorité d’entre eux déambulait à travers les étalages comme dans un musée, d’autres restaient assis aux alentours, observant l’animation sous les rayons du soleil, d’autres encore dans le besoin, vendaient avec dignité des bricoles à quelques centimes.
De là, est née cette envie irrépressible de les photographier…
À travers « ces Ulysses », il m’est permis de graver la mémoire de nos aînés et ainsi rendre hommage à ces hommes et à toutes les vagues migratoires qui ont marqué et marquent encore l’histoire de ce pays dans toute sa diversité. »
Leïla Bousnina

Dates

Mai 20 (Mercredi) 13 h 30 min - Juin 20 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie FAIT & CAUSE

58 rue Quincampoix 75004 Paris

Galerie FAIT & CAUSE58 rue Quincampoix 75004 ParisOuvert du mardi au samedi, de 13h30 à 18h30. Entrée libre

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jeu23janmer01julChacun son arbreExposition CollectiveAtelier l’Oeil Vert, 12 rue Léopold Bellan 75002 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Autour de la thématique de l’arbre, deux surfaces parallèles se répondent.
Gilbert Bellan, artiste encouragé au siècle dernier par Clemenceau – il est de pire soutien – est exposé en très grands formats. Des dessins au fusain et pastel de chênes puissants et si français s’affichent et tiennent le mur.
S’y oppose une anthologie de l’arbre dans la photographie contemporaine qui couvre l’intégralité de la surface à la manière d’un cabinet de curiosité. La multiplicité des points de vue exposés renforce paradoxalement la solitude et l’unicité de chaque tirage.
La tentation anthropomorphe du dessin s’oppose au fait brut de la photographie. Arbre miroir de l’homme ou image du monde, tous les regards portés par les auteurs de cette exposition attestent de la façon singulière qu’a chacun d’eux à arpenter la terre.
Thomas Doubliez

Gilbert Bellan est tour à tour le peintre du traité de Versailles, des ruines de la Grande Guerre, de la Victoire (1918) ou de la Libération (1944). Il est un admirateur inconditionnel de Georges Clemenceau. De Paris aux côtes de Vendée, il accompagne le Tigre tout au long des dernières années d’une retraite heureuse. De sa maison sur la dune, Clemenceau lui commande un « chêne vert titanesque » auquel il s’identifie. L’Ancêtre c’est lui.
Extrait du livre Gilbert Bellan – le peintre de Clemenceau, éditions du CVRH, 2019.

Avec les œuvres de :
Rémy Artiges
Shiraz Bazin
Jean-Christophe Béchet
Denis Brihat
Henry Bellan
Gregor Beltzig
Édouard Boubat
Richard Caillot
Jérôme Combe
Vincenzo Cottinelli
Damien Daufresne
Patrick Deby
Bernard Descamps
Jean-Michel Fauquet
Dorian François
Philippe Grunchec
Arja Hyytiäinen
Nicolai Howalt
Claude Iverné
Bogdan Konopka
Ingar Krauss
Olivier Marchesi
Veronica Mecchia
Sarah Moon
Marc Riboud
Pentti Sammallahti
Sylvie Valem
Vanessa Winship
Masao Yamamoto

Dates

Janvier 23 (Jeudi) 12 h 00 min - Juillet 1 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Atelier l’Oeil Vert

12 rue Léopold Bellan 75002 Paris

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jeu12mar(mar 12)12 h 00 minmar30jui(jui 30)19 h 00 minD'îles en luneMaia FloreGalerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La démarche artistique de Maia Flore s’inscrit dans une recherche de coïncidences entre le réel et son imagination. Son univers, créé de toutes pièces, se traduit par des images émouvantes et envoûtantes qui sont une invitation à partager un voyage en douce utopie.
De sa rencontre avec Saint-Malo lors de la résidence Territoire rêvé Bretagne, réalisée avec la poète Albane Gellé, Maia Flore a retenu l’impermanence des lieux. Qu’est-ce qui existe encore ? Qu’est ce qui subsiste au temps ?
Les lumières sans cesse changeantes, la mer et le mouvement des marées avec ses pleins d’eau et ses déserts de sable, les roches tantôt noires, tantôt scintillantes… forment une collection d’espaces vivants, insaisissables, à la cartographie chaque fois réinventée.
Dans l’image, la photographe imagine une chorégraphie où le corps se place plein cadre ou se perd dans l’immensité comme pour suspendre le temps et attraper pour nous un peu de cette magie évanescente d’un territoire qui n’est déjà plus le même. Dans sa restitution de Saint-Malo, Maia Flore ne reconstruit pas l’espace, elle l’habite avec une douce nostalgie et en retient ses paysages lunaires quasi surréels d’où se dégage un univers aussi intime qu’universel.
Membre de l’agence VU’, la photographe Maia Flore a reçu le Prix pour la photographie HSBC en 2015. Ses photographies et les poèmes d’Albane Gellé ont été réalisés à Saint-Malo dans le cadre de la résidence Territoire rêvé Bretagne, Photographie & Poésie, organisée par l’association l’art à l’ouest.

> Déconfinement covid-19 : La galerie est ouverte du mercredi au samedi, sur rendez-vous exclusivement !

Dates

Mars 12 (Jeudi) 12 h 00 min - Juin 30 (Mardi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisOuvert du mercredi au samedi, de 12h à 19h

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