Name: Photographie, Arme de Classe
Start: 2018-11-7T11-11-00-00
End: 2019-2-4T21-21-00-00
Location: Centre Pompidou

Exposition

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mer07nov(nov 7)11 h 00 min2019lun04fev(fev 4)21 h 00 minPhotographie, Arme de ClasseLa photographie sociale et documentaire en France. 1928-1936Centre Pompidou, Place Georges-Pompidou 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Organisée à partir des collections de photographies du Centre Pompidou, cette exposition propose un nouvel éclairage sur la photographie sociale et documentaire émergeant en France au début des années 1930. Le Front populaire et les icônes de la Guerre d’Espagne résument encore aujourd’hui largement l’idée d’engagement pendant l’entre-deux-guerres au détriment de cette période essentielle dont le répertoire iconographique constitue un véritable laboratoire du regard social et engagé.

à travers une sélection de près de 100 œuvres et une quarantaine de documents, l’exposition s’articule autour d’axes thématiques (l’antimilitarisme, la lutte contre les colonies) et de séries formelles, où se côtoient les plus grands noms de la photographie moderne (Willy Ronis, Eli Lotar, Nora Dumas, Henri Cartier-Bresson, Germaine Krull, Gisèle Freund, Lisette Model etc.).

« Photographie, arme de classe » interroge le passage d’une iconographie pittoresque de la pauvreté, incarnée par le Paris d’Eugène Atget (1857-1927) vers une prise de conscience sociale du tableau de misère qu’offre la capitale au début des années 1930. Les pratiques spécifiques, tel le photomontage, font l’objet d’une étude particulière avec l’architecte et militante Charlotte Perriand (1903-1999) qui a su saisir à l’époque le potentiel de « déflagration » du montage photographique. Enfin, les thématiques iconographiques récurrentes de l’image de l’ouvrier, à la représentation du collectif en lutte, sans oublier les stratégies de la presse illustrée de gauche (Regards, Vu) permettent de compléter une image encore lacunaire de la photographie documentaire et sociale de l’entre-deux-guerres grâce à des découvertes récentes.

« Photographie, arme de classe », c’est ainsi que le journaliste Henri Tracol (1909-1997) ouvre son texte manifeste destiné à fédérer la section photographique de l’association des écrivains et artistes révolutionnaires (A.E.A.R.) fondée en 1932 à Paris, dans un contexte de montées des crispations politiques, économiques et sociales. Cette association rassemble les photographes parmi les plus engagés de l’avant-garde parisienne : Jacques-André Boiffard, Henri Cartier-Bresson, Chim, André Kertész, Germaine Krull, Eli Lotar, Willy Ronis, René Zuber, et bien d’autres encore. Aux côtés d’amateurs ou d’ouvriers qu’ils accompagnent dans leur pratique de la photographie, ces derniers vont développer un langage à la croisée du discours critique, du geste militant et de l’esthétique du documentaire en s’appuyant sur les exemples soviétique et allemand tout en poursuivant une voie propre au contexte social et politique français.

Dates

Novembre 7 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 4 (Lundi) 21 h 00 min

Lieu

Centre Pompidou

Place Georges-Pompidou 75004 Paris

Centre PompidouPlace Georges-Pompidou 75004 ParisOuvert tous les jours de 11h à 21 sauf le mardi. La Galerie des Photographies est en accès libre, gratuite !

Calendrier GoogleCal

sam17nov(nov 17)0 h 00 min2019jeu28fev(fev 28)0 h 00 minChaumont-Photo-sur-LoireDomaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature, Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour la deuxième édition de Chaumont-Photo-sur-Loire, cinq photographes de renom ont été invités à présenter, du 17 novembre 2018 au 28 février 2019, leur travail dans les Galeries du Château et celles de la Ferme.

Artistes en résidence ou invités, les photographes de cette deuxième saison ont en commun, outre le rapport poétique qu’ils entretiennent avec la nature, de par les techniques qu’ils utilisent, une démarche expérimentale très exigeante.

Deux expositions résultent d’une résidence sur le site et d’un projet original, où les technologies d’aujourd’hui sont à l’origine d’images singulières portant sur les arbres, les paysages et les parcs du Domaine.

C’est ainsi que Davide Quayola, artiste italien résidant à Londres, a réalisé des captations et des tirages photographiques en très haute définition qui, comme une radiographie, révèlent la géométrie des arbres et la complexité de la nature, en quelque sorte, l’essence dont sont faites les choses.

L’Américain Robert Charles Mann a posé, pendant six mois, du solstice d’hiver au solstice d’été, en divers points du Domaine, ses “solargraphes” recueillant l’empreinte mouvante des courbes du soleil.

Quant au photographe finlandais Santeri Tuori, il utilise également pour ses “forêts” une technique particulière de surimpression, mêlant parfois la couleur et le noir et blanc, pour aboutir à des images irréelles d’une fascinante intemporalité.

La grande aventurière du regard qu’est Juliette Agnel dévoile, pour sa part, la profondeur et le sublime de paysages de l’extrême, aux confins de l’Arctique ou dans les ciels du Maroc, qui sont autant de reflets de sa riche intériorité.

Enfin, en avant-première des événements liés à la célébration du 500ème anniversaire de la Renaissance, une mission particulière a été confiée au grand photographe américain Alex MacLean, qui sait si bien capter l’essence des paysages : révéler, par des clichés aériens, la puissance et la grâce de l’intemporelle architecture des châteaux de la Renaissance en Val de Loire.

Dates

Novembre 17 (Samedi) 0 h 00 min - Février 28 (Jeudi) 0 h 00 min

Lieu

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature

Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-Loire

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de NatureFerme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireLe Domaine de Chaumont-sur-Loire ouvre tous les jours de l’année, dès 10h00, y compris les jours fériés (sauf le 1er janvier et le 25 décembre). Il ouvre exceptionnellement ses portes à 9h30 en juillet et août 2018

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lun10déc(déc 10)10 h 00 min2019jeu28fev(fev 28)19 h 00 minFrontières Pedro LombardiPedro LombardiHôtel & Spa La Belle Juliette, 92 rue du Cherche-Midi 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

CAMELEON est une association humanitaire de lutte contre les violences sexuelles sur enfants, créée en 1997. Elle protège et réinsère des petites et jeunes filles victimes de violences sexuelles aux Philippines. Grâce à cette association, les jeunes filles se reconstruisent, réapprennent à s’aimer et à aimer, retrouvent le goût de vivre. En passant d’un milieu hostile à un cadre de vie bienveillant et sécurisé, les enfants se transforment au fil des années. Comme notre CAMELEON multicolore, ils avancent lentement mais surement, en hésitant, en basculant parfois mais sans jamais tomber.

Le photographe Pedro Lombardi a mis son talent au service de cette cause et a partagé pendant un été le quotidien de ces jeunes filles. En immersion avec elles, saisi par la force vitale de leurs regards, il a construit une proximité avec ses sujets qui dépasse la simple approche documentaire. Sur la frontière entre l’enfant et l’adulte, l’individu et le groupe, la peur et la confiance, ces jeunes filles sont des équilibristes qui continuent à avancer malgré les obstacles et CAMELEON les aide à prendre des risques pour grandir et s’épanouir. Les photographies de Pedro Lombardi décrivent leur solidarité, leurs émotions, leur force et leur résilience. Vives et colorées, ces grandes photographies portent un message d’espoir pour ces jeunes filles et nous transmettent leur joie de vivre et leur énergie lumineuse.

Né en Uruguay, le photographe Pedro Lombardi vit depuis 30 ans à Paris. Grand curieux des choses et des gens, il a réalisé des reportages dans le monde entier. Photographe indépendant, il a travaillé auprès de créateurs de musique, de théâtre et de danse. Ces dernières années, l’humain est devenu le sujet principal de son oeuvre, par des travaux photographiques avec l’Institut Curie ou l’association Asmae et le développement d’ateliers sur l’estime de soi à travers le portrait photographique.

La collection HPRG est très sensible aux actions menées par l’association CAMELEON. Organiser une exposition dans ses hôtels est un moyen de mettre en avant l’association, et le travail de Pedro Lombardi, et de sensibiliser le public à leurs projets menés aux Philippines. 20 photos de l’exposition « Frontières » seront ainsi présentées et disponibles à la vente dans 5 hôtels du groupe Hôtels Paris Rive Gauche. Ces photographies d’art sont tirées à 11 exemplaires et numérotés et signés par Pedro Lombardi. Leur vente se fera au bénéfice de l’association.

Pour plus d’informations :
– Le site de l’association CAMELEON
– Le site du photographe Pedro Lombardi
– Le site des Hôtels Paris Rive Gauche

Dates

Décembre 10 (Lundi) 10 h 00 min - Février 28 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Hôtel & Spa La Belle Juliette

92 rue du Cherche-Midi 75006 Paris

Hôtel & Spa La Belle Juliette92 rue du Cherche-Midi 75006 Paris

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jeu06déc(déc 6)14 h 00 min2019dim20jan(jan 20)19 h 00 minA JourneyStephen WilkesGalerie GADCOLLECTION, 4 Rue du Pont Louis-Philippe 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les sujets des photographies de Stephen WILKES concernent de près l’humain. Ce dernier est systématiquement mis en relation avec son environnement. Les photographies peuvent se rapporter au temps (Ellis Island ; Day to night ; China old and new), aux liens entre travails et objets manufacturés (China factories ; Burned Objects ; Bethlehem Steel) ou encore à la nature (Remnants gulf disasters ; Nudes ; Katrina). On retrouve constamment, de manière parfois sous-jacente, l’être humain.

Stephen WILKES nait en 1957. Il commence à photographier dès ses 12 ans, une passion qui ne le quittera pas. Stephen WILKES poursuit ses études à l’université Newhouse de Syracuse (État de New-York), dont il obtient un bachelor en photographie. Spécialisée dans la communication, elle lui permet d’approfondir ses connaissances sur les médias, aussi bien de leur histoire que de leur utilisation. Il ouvre ensuite son studio newyorkais en 1983 et ne cesse de photographier.

Stephen WILKES photographie pour des campagnes commerciales, pour le monde de l’édition, pour lui-même et surtout pour les autres. Ses photos sont faites pour être vues et montrées au plus de monde possible. Elles témoignent d’un haut degré d’abnégation, tant Stephen WILKES n’hésite pas à dédier son temps et sa personne aux projets photographiques qui lui tiennent à cœur. Il s’agit de travaux à même de modifier notre perception du monde, de provoquer notre réaction. Ainsi, en 1998, une mission d’un jour sur le versant sud d’Ellis Island, se transforme en un labeur de 5 ans. À l’arrivée : Ghosts of Freedom (publiée en 2006), une étude photo et vidéo sur ce lieu abandonné qui accueillit de nombreux migrants. Ils subissaient une batterie de tests médicaux, avant de recevoir l’autorisation d’entrer sur le territoire américain. Largement relayées, les photographies de Stephen WILKES font bouger les lignes. Grâce à cela, 6 millions de dollars ont été débloqués pour rénover le sud de l’île.

Dans une approche distincte, sa récente série Day to night débutée en 2009, réunit dans une seule image les différentes heures d’une même journée. Un travail long qui sublime les paysages soigneusement sélectionnés par Stephen WILKES. Ce tour de force nécessite un traitement digital d’en moyenne quelques 1400 photographies, toutes prisent au cours de plus de 24 heures de prise de vue.

Dates

Décembre 6 (Jeudi) 14 h 00 min - Janvier 20 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie GADCOLLECTION

4 Rue du Pont Louis-Philippe 75004 Paris

Galerie GADCOLLECTION4 Rue du Pont Louis-Philippe 75004 ParisOuvert du mardi au samedi, de 14h à 19h et le dimanche de 14h30 à 19h

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sam15déc(déc 15)10 h 00 min2019sam09fev(fev 9)19 h 00 minFumer Dans Le VentPascal PinaudGalerie Catherine Issert, 2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour Pascal Pinaud, « Fumer dans le vent » évoque autant l’image fictionnelle d’une fumée de cigarette s’échappant des lèvres d’un héros solitaire que la propagation d’une peinture diffusée au pistolet dans une cabine de carrosserie. Cet aller-retour entre stéréotype et concrétude, image populaire et principe de réalité, illustre exactement l’articulation de l’oeuvre de cet artiste qui réinvente encore et toujours la peinture, sa pratique et ses limites.

Cette exposition reprend en creux la précédente monographie que la galerie Catherine Issert lui avait consacré en 2012 sous le titre « Nul motif apparent » : pour « Fumer dans le vent » Pascal Pinaud repeint les murs de la galerie pour ne laisser en blanc que les emplacements des oeuvres précédemment accrochées. Puis, au mépris total de cet exercice et sans tenir compte de son propre geste, l’artiste procède à l’accrochage de ses nouvelles oeuvres.

Ce jeu entre positif et négatif, entre couleur et réserves plus ou moins dévoilées, crée un lien visuel et mnémonique entre oeuvres anciennes et récentes, rappelant ainsi qu’un artiste ne peut construire une exposition qu’à partir de ses expériences passées. Par la réminiscence des Patères, des Néons Bleus ou bien encore de Suite Berlinoise, l’artiste s’auto-cite et s’auto-contraint.

Sur ces murs peints dans une teinte dorée, Pascal Pinaud présente des pièces récentes et pour certaines inédites, dont la diversité des processus et des matériaux répond aux grandes problématiques qui traversent son oeuvre.

Nouvelle série, Couchers de soleil s’inspire de visuels que l’artiste trouve sur l’application Instagram. Chacune de ces peintures sur tôle a pour titre le lieu où la photographie amateure a été réalisée. Cliché populaire s’il en est – car il est aisé d’en réaliser une image séduisante sans compétence particulière – le coucher de soleil évoque ici autant Les Croûtes — grossiers et criards pastiches de chromophotographies — de Gasiorowski que la planéité photogénique et graphique des oeuvres d’Ed Ruscha. Entre peinture et média numérique, le cliché, sur lequel s’appuie ici la composition, est donc à entendre aux deux sens du mot : capture photographique, mais également représentation stéréotypée du monde.

Les oeuvres Beau Concept et Qatar Airways jouent également de cette limite entre peinture et photographie : elles copient des affiches publicitaires ayant été déchirées par le dispositif de roulement interne de leur habitacle. Comme souvent, Pascal Pinaud joue avec le principe de réalité ; en l’occurrence ici l’observation d’un système fonctionnel qui, par son dérèglement, provoque des compositions picturales involontaires.

Il reproduit le caisson publicitaire quasiment à l’identique — y apposant même la marque du fournisseur — sur lequel il contrecolle la photographie de la publicité abimée, poursuivant ainsi une double illusion : celle, réaliste, de la copie (l’image étant analogique et homothétique à l’original détérioré) et celle de la profondeur picturale (la présence du dispositif mécanique et lumineux habituellement caché étant ici révélée par l’image). Pascal Pinaud parle ici, par l’opération d’un glissement, de son rapport transhistorique à la peinture : Qatar Airways rappelle la peinture d’histoire et notamment Delacroix, Beau Concept cite quant à elle à la peinture conceptuelle ; toutes deux évoquent les affichistes.

Un petit tableau ovale, rappelant quant à lui les portraits bourgeois, est peint d’un gris indéfini. Cette oeuvre est une réponse aux Peintures recyclées de Nicolas Floc’h, qui demande à des amis artistes de lui confier des toiles qu’ils ne veulent pas montrer. Il en dissout les couches picturales jusqu’à obtenir une teinte uniforme, qu’il remet en tube et étiquette au nom de l’artiste. En retour, Pascal Pinaud utilise cette couleur pour réaliser son autoportrait sous la forme d’un monochrome, dont la brillance mime celle d’un miroir sans pourtant refléter de visage. Ce jeu de pingpong est un clin d’oeil à sa famille d’artistes : comme lui, Nicolas Floc’h s’intéresse aux limites entre art, métiers d’art, techniques artisanales et design industriel.

Enfin, un grand format rectangulaire, entre tableau et sculpture, est recouvert de 19000 fèves — restes de la collecte réalisée pour L’Arbre à fèves (monumental platane réunissant 20481 de ces figurines). Suivant le même principe, la surface et les bords de l’oeuvre sont saturés de ces objets « sucés par des milliers de gens », qui agglomérés, forment un paysage abstrait, rugueux et encyclopédique. Plus minimale que L’Arbre à fèves, elle est toutefois et au même titre emblématique de la « collectionnite » aigüe de l’artiste et de son intérêt pour les pratiques populaires.

D’autres oeuvres encore pourront venir couvrir les murs dorés et blancs de la galerie Catherine Issert, alimentant ce même fil rouge, qui entrecroise réflexions quotidiennes les plus triviales et préoccupations esthétiques les plus exigeantes. Ces hybridations donnent naissance à une oeuvre hétéroclite où le vulgaire dialogue avec le conceptuel, le populaire avec le précieux … pour mieux brouiller les préjugés critiques et à terme abolir la notion d’identité de l’oeuvre. Ainsi la peinture descend-elle de son piédestal : chaque geste répond simplement à sa propre cohérence et assume ses origines parfois « illégitimes », composant un corpus d’oeuvres qui ne refusent ni la contradiction ni la controverse, mais, a contrario, actualisent le débat pictural.

Pauline Thyss, novembre 2018

Dates

Décembre 15 (Samedi) 10 h 00 min - Février 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Catherine Issert

2 Route Des Serres 06570 Saint-Paul

Galerie Catherine Issert2 Route Des Serres 06570 Saint-PaulOuvert du Mardi au Samedi de 10h à 13h et de 15h à 19h. Entrée libre

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