Témoignage

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Dans cet ouvrage publié aux éditions D’une rive à l’autre, Patrick Rollier…

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven18sep(sep 18)14 h 00 minsam31oct(oct 31)18 h 00 minTwo WorksDaniel Gustav Cramer Musées d’Aurillac – Les Écuries des Carmes, 37 Rue des Carmes, 15000 Aurillac

Détail de l'événement

« Je suis resté deux mois au Japon. Sur le chemin du retour vers notre maison à Kyoto après avoir visité un étang dans un temple bouddhiste du département de Seki, nous conduisions sur de petites routes sinueuses, au milieu des rizières et des forêts. Alors que nous traversions une rivière, les nuages se sont écartés et un rayon du soleil couchant a éclairé un coude de cette rivière, là où des enfants jouaient avec des pistolets à eau. La brume descendait lentement le long de la rivière, illuminée par le soleil, enveloppant les enfants. Je me suis arrêté, suis sorti de la voiture, et en quelques minutes seulement le soleil avait disparu derrière les montagnes et les enfants étaient sortis de l’eau.
Cet épisode m’est resté en mémoire tout le long de mon séjour au Japon. Depuis mon retour, ce moment a pris de plus en plus d’importance, et pendant des semaines, dans la chambre noire, j’ai revisité ce pont et cette rivière, encore et encore. »
Daniel Gustav Cramer, 2020

Pour la réouverture au public de l’espace d’exposition de La Sellerie, les Musées d’Aurillac ont souhaité inviter Daniel Gustav Cramer à présenter une nouvelle série d’images. Depuis le début de sa carrière, la pratique de cet artiste conceptuel allemand se partage entre photographie, écriture de courts textes, vidéo et sculpture, conduisant autant à l’exposition qu’à la publication de livres. Avec le paysage comme point de départ – une forêt obscure, un lac de montagne, l’océan –, ses oeuvres prennent la forme de micro-récits dont le sens se révèle progressivement dans la succession des images. La dimension narrative y est assurément essentielle : chaque fragment, aussi petit soit-il, contribue à l’existence des histoires que Daniel Gustav Cramer met en place. Ces récits tiennent d’ailleurs souvent à peu de chose et les ellipses y sont monnaie courante. Rien n’y est explicite, de telle sorte que les histoires ne sont réellement complètes que dans l’esprit de celui qui les regarde et en assemble les morceaux.
Particulièrement représentative, la série « Tales », initiée en 2000, montre des séquences de photographies organisées en diptyques, triptyques ou en groupes d’images plus conséquents. À chaque fois, un paysage y est photographié de loin, avec un petit élément qui ponctue la scène.
D’une image à l’autre, cet élément se déplace ou se modifie, constituant ainsi le noeud d’un récit : un pneu qui roule dans le désert et avance vers le premier plan, une barque qui file sur l’eau jusqu’à disparaître du cadre, des personnes qui marchent sur une passerelle au bord de la mer, une femme âgée pensive à sa fenêtre. Ces scènes ouvertes à l’interprétation ont également fait l’objet de publications, chacune de ces petites histoires pouvant aboutir à un livre à la sobriété formelle affirmée, contenant uniquement une séquence d’images, sans texte.
Pour son exposition à Aurillac, Daniel Gustav Cramer propose une installation inédite de 21 tirages formant une seule et même histoire. Celle-ci prend place dans un paysage photographié au Japon, composé d’une rivière de montagne, d’une plage de galets et de quelques rochers.
Sur certaines images apparaissent des adolescents qui se baignent, jouant avec des pistolets à eau sous l’ombre des arbres qui bordent la rivière. Une légère brume flotte au-dessus de l’eau, teintée de la lumière dorée de la fin de journée. Puis le brouillard s’intensifie, jusqu’à recouvrir peu à peu la rivière et les adolescents. Quand il se dissipe, les adolescents ont disparu.
On ne sait combien de temps a pu s’écouler entre les premiers clichés et les derniers. À l’image de ronds dans l’eau, la dimension narrative de cette série s’épanouit avec le temps : à première vue, il ne semble rien s’y passer vraiment, rien de spectaculaire dans tous les cas, mais l’impact des changements dans le paysage, d’abord imperceptible, s’amplifie à mesure que l’on contemple les images. Le récit est minimal – on a ainsi pu parler de « proto-cinéma » à propos des séquences de photographies de Daniel Gustav Cramer – et pourtant il ne cesse de gagner en densité image après image, semblable à ce brouillard de montagne, au départ vaporeux et qui devient de plus en plus épais.
Une autre histoire (Wycliffe Well, Northern Territory, Australia, July 2009, datée de 2011), sous forme de texte cette fois, est aussi disposée dans la salle d’exposition. Il y est question de rencontre inattendue, de présence et d’absence, comme un écho discret à l’installation photographique.
commissariat : Lilian Froger

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 14 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Musées d’Aurillac – Les Écuries des Carmes

37 Rue des Carmes, 15000 Aurillac

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mar15sep(sep 15)9 h 00 minmer16déc(déc 16)20 h 00 minRuinesJosef KoudelkaBnF - Bibliothèque nationale de France, Quai François Mauriac 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pendant près de trente ans, Josef Koudelka a sillonné 200 sites archéologiques du pourtour méditerranéen, dont il a tiré des centaines de photographies panoramiques en noir et blanc. De ce projet singulier, la Bibliothèque nationale de France présente 110 tirages exceptionnels : un ensemble inédit intitulé Ruines, qui révèle toute la force et la beauté du lexique visuel de Koudelka. La BnF met ainsi à l’honneur l’un des derniers grands maîtres de la photographie moderne, un photographe à l’oeuvre monumentale, qu’Henri Cartier-Bresson considérait comme son « frère » en photographie et dont il avait décelé l’ « oeil de peintre ».
Cette exposition est accompagnée d’un don exceptionnel consenti par le photographe au département des Estampes et de la photographie de la BnF de près de170 tirages issus de cette même série.

« Les Grecs et les Romains ont été les plus grands paysagistes de l’Histoire et dès lors, pour moi, photographier le paysage, c’était donner à voir cette admirable science de l’espace, de la lumière et des formes. J’ai trouvé ce qui m’est désormais le plus précieux, le mariage de la beauté et du temps. »
Josef Koudelka, extrait de Rencontre, texte de Bernard Latarjet dans le catalogue de l’exposition Ruines

Une oeuvre emblématique
Projet sans équivalent dans l’histoire de la photographie, la série Ruines est le résultat d’un travail personnel de trente années durant lesquelles Josef Koudelka a parcouru 21 pays du pourtour méditerranéen pour photographier les ruines de tous les hauts lieux de la culture grecque et latine, berceaux de notre civilisation. Si certaines images ont pu être exposées et publiées auparavant – Periplanissis (1997), Chaos (1999), Rome, théâtre du temps (2003), Vestiges (2013) – la série Ruines forme un ensemble de 110 tirages qui n’a jamais été montré. De la France à la Syrie, en passant par le Maroc, la Sicile, la Grèce ou la Turquie, ce sont110 immenses photographies panoramiques en noir et blanc qui livrent le regard de Koudelka sur la beauté chaotique des ruines, vestiges de monuments transformés par le temps, la nature, la main de l’homme et les désastres de l’Histoire.

Le panorama : un certain regard et une signature
Au fil du temps, le panorama est devenu la signature des paysages de Josef Koudelka. Il offre le moyen de se projeter en imagination sur les lieux mêmes qui sont représentés pour rejouer l’expérience du paysage et inviter le spectateur au voyage. Mais par l’usage singulier qu’en fait le photographe, le panorama, fragmentaire et bouleversé, est aussi à même de restituer l’image ambivalente de la ruine. Ces images à fleur de sol, en plongée ou en contre plongée, guident le spectateur sur des sites maintes fois reproduits et réfutent l’impression de déjà vu par le regard inédit du photographe. Alternance de vues lointaines et de gros plans, de fragments, de jeux d’ombres et d’étagement des plans, les photographies de Koudelka témoignent d’une vision subjective et éclatée du paysage antique, qui pose la série Ruines comme une vaste allégorie du monde.

« Le mariage de la beauté et du temps »
Koudelka ne souhaite pas immortaliser les ruines antiques, les figer dans une vision romantique mais bien au contraire revenir encore et toujours sur les mêmes lieux pour en enregistrer les évolutions liées au passage destructeur du temps et des hommes, de la nature qui reprend ses droits. Chez Koudelka, l’art et plus précisément la beauté réaffirment leur présence au coeur de ce qui fait et défait le monde. Pour le photographe, la répétition en tant que méthode et non en tant que motif est aussi justement ce qui lui permet d’atteindre la bonne photographie, ce qu’il nomme son « maximum » : répéter les mêmes gestes en accueillant à chaque fois une différence qui inscrit son oeuvre non dans le passé mais dans un devenir. Dans les photographies de Koudelka, la somptuosité des levers et des couchers de soleil qui embrasent les pavements, les colonnes, les sculptures des bas-reliefs soulignent avec justesse la merveilleuse géométrie des sites. Le choix du cadre étiré complexifie la composition et confère aux ruines un caractère grandiose. Cette oeuvre, digne d’un Sisyphe, est servie par toute une grammaire visuelle faite de vues basculées, fragmentées, de panoramas sans horizons, sublimés par un noir et blanc puissant qui révèle les jeux d’ombres et de lumière.

Héritage et destruction
Ces paysages sont une ode aux ruines de la Mare Nostrum et nous interpellent sur la nécessité de sauvegarder l’héritage de cette civilisation – dont certaines des traces photographiées par Koudelka ont aujourd’hui disparu, détruites par les guerres et le terrorisme, comme à Palmyre. Le photographe valorise ainsi un territoire, aux origines de nos cultures d’Europe, riche des circulations qui l’ont façonné et des archipels qui le peuplent. Ce qui anime ici Koudelka comme dans l’ensemble de ses travaux antérieurs, c’est la recherche de la beauté, une beauté qui peut se nicher au coeur de la destruction mais qui, à l’instar de celle des ruines antiques, résiste.

Dates

Septembre 15 (Mardi) 9 h 00 min - Décembre 16 (Mercredi) 20 h 00 min

Lieu

BnF - Bibliothèque nationale de France

Quai François Mauriac 75013 Paris

BnF - Bibliothèque nationale de FranceQuai François Mauriac 75013 ParisOuvert du mardi au samedi de 9h à 20h, le dimanche de 13h à 19h et le lundi de 14h à 20h

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sam11jul(jul 11)8 h 00 minven30oct(oct 30)20 h 00 minChemins de photos 2020Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Cet été, découvrez en plein air, 80 auteurs photographes en région Occitanie, de Carcassonne à Castelnaudary dans l’Aude.

Un Monde Vivant
C’est sous cette bannière que nous avons lancé l’appel à auteurs pour l’édition 2020.
De la cellule aux étoiles, l’infiniment petit et l’infiniment grand sont bien vivants.
En avons-nous une preuve actuellement en cette période où mondialisation et particules microscopiques s’entrechoquent pour dévorer le monde des humains ?
Les interactions entre humains, monde animal et monde végétal sont vitales pour notre avenir et l’homme, de toute évidence est le principal prédateur de la planète…
L’homme ou l’infiniment petit ?
Les Chemins de Photos ne prétendent nullement répondre à ces questions mais nos expositions très actuelles illustrent bien cette année ces interactions dans la biodiversité.
80 photographes témoignent de notre monde et s’approprient les villages de nos collines pour y planter leurs images.

I Love Génerville !
Un voyage photographique dans un village de 60 habitants.
Regard curieux des photographes dans un village qui ne veut pas mourir, mise en conserve de paysages, œil rêveur devant un panneau « parking privé », désarroi devant cette tranquillité assourdissante, sourires pour les portraits des habitants.

Terra Incognita (Balade En)
Série spéciale Covid-19 : 22 regards exposés sur les Chemins de photos.
Face à l’actualité de ce printemps nous avons invité les photographes des Chemins de Photos à documenter leur confinement contraint à l’ombre menaçante du virus COVID -19.
Chaque regard reflète une personnalité et témoigne de la liberté de création artistique qui, devant les difficultés d’aujourd’hui ou à venir ne s’en laisse pas conter.
Bas les masques, mais restons optimistes et vigilants face à l’avenir de notre « Terra incognita » !

Dates

Juillet 11 (Samedi) 8 h 00 min - Octobre 30 (Vendredi) 20 h 00 min

En savoir plus

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mer15jul(jul 15)0 h 00 minsam31oct(oct 31)0 h 00 min10ème édition du Festival Photo l’Homme et la Mer du Guilvinec Organisateur: Festival Photo l’Homme et la Mer du Guilvinec Type d'événement:Festival,Photographie

ven09oct(oct 9)14 h 00 minsam24(oct 24)19 h 00 minAitho, je brûleAdeline CareFisheye Gallery, 2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

“Aitho, je brûle” est un conte photographique mettant en scène la disparition d’une figure humaine dans l’immensité de paysages volcaniques. Ce conte transpose une expérience de déréalisation que la photographe a vécue à l’adolescence. Ce trouble dissociatif étant la sensation d’être détaché de son environnement et de son propre corps, Adeline Care a ainsi développé une esthétique de l’effacement et du flottement à travers des changements climatiques capturés en haute altitude.

Cette disparition de la figure humaine dans un monde en pleine évaporation est accentuée par un travail sur la perte d’échelle ou l’absence de détails et de couleurs.

« La photographe française, aime concevoir des œuvres à la frontière du réel et de la fiction. C’est en découvrant les paysages basaltiques de l’Etna, et l’impossibilité de toute forme de vie qui en émane, que la jeune photographe imagine ce que pourrait être l’extinction de l’espèce humaine. Le thème de la disparition devient une évidence. Elle propose avec ‘‘Aitho, je brûle’’ une série lunaire aux airs post-apocalyptiques. Un roman photographique dans lequel Adeline Care superpose les récits humains aux strates géologiques. Un travail nourri de recherches sur la vie en haute altitude et d’images de corps d’alpinistes figés par le froid. C’est une réalité sensorielle qui est transmise par ses jeux de textures et de perspectives. Des images qui donnent le vertige − symbole de la disparition. » Elodie Lenhardt

Dates

9 (Vendredi) 14 h 00 min - 24 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Fisheye Gallery

2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 Paris

Fisheye Gallery2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisOuvert du Jeudi au Samedi 14h - 19h et le Dimanche 11h - 16h. Le matin sur rendez-vous.

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