Evénements Photo

Ouverture du 1er salon de la Photo du 13e

Ericka Weidmann19 octobre 2016

Temps de lecture estimé : < 1min

Le 13ème arrondissement de Paris inaugure son premier salon consacré à la photographie du 26 octobre au 9 novembre prochain.
A cette occasion sera mis en place un parcours d’expositions mêlant artistes reconnus internationalement, et œuvres des photographes amateurs et professionnels qui ont répondu à l’appel à candidatures lancé tout l’été. Le jury de sélection a privilégié les artistes qui ont porté un œil renouvelé sur la ville, afin d’éclairer Paris et le 13e d’une lumière réaliste.
L’Invité d’honneur du salon est l’artiste Georges Rousse. Pionnier de l’anamorphose, il a revisité de nombreux lieux abandonnés à travers le monde pour leur redonner vie et poésie. Son exposition dans les murs de la Mairie du 13e a sélectionné ses œuvres les plus marquantes.
L’exposition du photoreporter et président du jury Eric Bouvet, relate sa carrière, aussi bien que notre imaginaire collectif.

Ericka Weidmann

Après des études d'Arts Appliqués et de photographie, elle rejoint un magazine en ligne consacré à la photo en tant que directeur artistique, poste qu'elle occupera pendant 10 ans. En 2010, elle s'installe comme DA en indépendant. En parallèle, elle devient responsable éditorial pour Le Journal de la Photographie et c'est en septembre 2013 qu'elle co-fonde le quotidien L’Oeil de la Photographie pour lequel elle est rédactrice en chef jusqu'en septembre 2016 avant de fonder 9 Lives magazine ! Ericka Weidmann est également journaliste pigiste pour d'autres médias.

En voir plus dans Evénements

Evénements

L’édition 2020 du International Women in Photography Award inaugurée à Tokyo

Evénements

La Galerie Héloïse inaugure Cøsmøgraphie
Rencontre avec la photographe Sandrine Elberg

Evénements

Nouvelles dates pour l’édition 2021 de Photo London

Evénements

Clara Chalou, coordinatrice générale Circulation(s) : « Cette 11ème édition sera le reflet d’une génération qui crée autant avec de la colère que de la poésie »

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven02oct(oct 2)10 h 00 min2021dim18avr(avr 18)17 h 00 minenFERJo StruyvenLe Bois du Cazier, Rue du Cazier 80, 6001 Charleroi, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Bois du Cazier, Marcinelle.

Sur le site du Bois du Cazier à Marcinelle, se tient l’exposition enFER. présentant le travail du photographe Jo Struyven. Les portraits de la sidérurgie wallonne consistent en la découverte de panoramas architecturés, à la fois de sites industriels et de quartiers d’habitations construits pour loger la main-d’oeuvre, mais aussi de paysages urbains plus larges.

Les portraits industriels ont été réalisés de face, de manière presque mécanique, sans perspective. Tout « élément parasite » qui pourrait distraire l’oeil et brouiller l’image a été supprimé. Ce qui reste, est un plan architectural à l’effet esthétisant. Par cet artifice de mise en valeur, l’artiste veut rendre hommage à l’essence même de ces sites et delà in fine provoquer la discussion sur la préservation de l’un des derniers hauts fourneaux wallons, le HF4 à Marcinelle.

Pour capturer de son objectif les quartiers populaires et les paysages urbains, Jo Struyven a pris de la hauteur et grimpé sur presque tous les terrils ceinturant Charleroi et Liège. Ici aussi, tout le superflu a été supprimé. L’image finale reflète ainsi la réalité brute et pure des quartiers ouvriers typiques du sillon industriel wallon.

Jo Struyven a travaillé sur ce projet pendant six ans. Entre-temps, certains sites ont disparu. Instantanés d’une époque, les photographies sont devenues des témoins silencieux et autant de documents à la valeur historique ajoutée.

L’industrie

enFER. veut illustrer le gigantisme de cette industrie qui employait encore jusqu’à 130 000 personnes en 1960. À l’origine de vagues d’immigration successives de la Flandre vers la Wallonie, la dernière datant de 1955, la sidérurgie est peut-être même le dernier secteur industriel que l’on peut qualifier de «belge». Sidmar, implanté depuis 1962 près de Gand, n’est autre qu’une émanation de Cockerill à Liège et de La Providence à Charleroi.

enFER. enregistre l’impact de cette industrie sur le paysage et la banlieue des grandes villes que sont Charleroi et Liège dont les horizons continuent à évoluer de manière curieuse : d’une part, par leur destruction comme à Seraing et, d’autre part, par la reconquête de la nature elle-même, avec des terrils «verts» qui évoquent un véritable paysage de collines verdoyantes.

enFER. souligne également l’intense imbrication de la fonction de travail et de vie. Une réalité sans concession, en contraste et opposition directe avec l’évolution urbanistique actuelle vers des zones à faibles émissions de CO.

Acteur incontournable de l’exposition, en dialogue constant avec le contenu des photographies, l’ancienne salle des machines du charbonnage du Bois du Cazier vous entraîne dans une immersion vous faisant vivre de l’intérieur un pan entier du patrimoine culturel et historique de notre pays.

Du 2 octobre au 6 décembre 2020, enFER., l’exposition photo de Jo Struyven, un must à découvrir…

Marcinelle

ENFER. Un jeu de mots entre «enfer» et «fer ». Un raccourci incontournable des industries minière et sidérurgique qui donnèrent naissance au pays noir. enFER. avec le feu des hauts fourneaux, des aciéries… et cette tragédie de Marcinelle où, le 8 août 1956 dans un incendie au Bois du Cazier, 262 mineurs de 12 nationalités différentes perdirent la vie. Ce fut la plus grande catastrophe minière de l’histoire de Belgique. Le charbonnage a fermé en 1967.

Aujourd’hui, le site est un lieu de mémoire proposant bien plus que l’évocation de l’industrie minière, grâce aux visites des musées de l’Industrie et du Verre. Depuis 2012, le Bois du Cazier, site minier majeur de Wallonie, est inscrit sur la liste du Patrimoine mondial et, depuis 2018, labellisé « Patrimoine Européen ». Enfin, le site est entouré de terrils facilement accessibles au grand public.

Jo Struyven

Jo Struyven (°1961) est un photographe autodidacte qui travaille et vit à Bruxelles. Son oeuvre comprend de grandes photos panoramiques de paysages principalement côtiers : les côtes belge et britannique, la côte normande et les plages du débarquement, Lampedusa, Venise… Avec enFER. il étend son domaine d’activité aux sites industriels.

Dates

Octobre 2 (Vendredi) 10 h 00 min - Avril 18 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

Le Bois du Cazier

Rue du Cazier 80, 6001 Charleroi, Belgique

Le Bois du CazierRue du Cazier 80, 6001 Charleroi, BelgiqueOuvert tous les jours sauf le lundi de 9h à 17h. Le week-end de 10h à 18h

Calendrier GoogleCal

mar16fev(fev 16)10 h 00 minmar30mar(mar 30)19 h 00 minReport’Images#42ème étape à Saint-Malo Organisateur: Club Presse Bretagne Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Le Club de la presse de Bretagne lance le 6 janvier 2021 la quatrième édition de son exposition de photoreportages, Report’Images. Elle sera accrochée entre janvier et août 2021 dans quatre villes bretonnes : Rennes, Saint-Malo, Brest et Douarnenez.
10 photographes, présentent 80 photographies issues de reportages divers (environnement, société, culture, ethnologie, santé, actualité) de la Bretagne à la Polynésie, du Pérou à la Mongolie.

Les reportages et les auteurs de Report’images #4
« Funérailles Vaudou », par Jean-Claude Moschetti
« Il était une fois la vie… programmée », par Natacha Soury
« Les déplacés du Burkina Faso », par Julien Ermine
« Ricardo Cavallo, le peintre des roches », par Simon Cohen
« Gobi : traversée d’un désert extrême », par Emmanuel Berthier
« L’or sale du Pérou », par Olivier Donnars
« Loi Bioéthique, Allô mamans, bientôt ? », par Vincent Gouriou
« Audaces subaquatiques », par Damien Meyer
« Mer nourricière » par Julien Girardot
« Mask Face », par Gaël Cloarec

Depuis 2017, Report’Images sensibilise le grand public à la valeur documentaire du photoreportage, composante essentielle de l’information. Cette exposition valorise et fait connaître le travail de leurs auteurs, souvent méconnu du grand public. Elle vise également à sensibiliser le plus grand nombre aux enjeux actuels d’information et de décryptage des images.
Les lieux d’exposition sont étudiés pour toucher un large public et c’est pourquoi le Club de la presse de Bretagne a choisi d’exposer dans des lieux accessibles et d’affluence : le métro à Rennes, les Ateliers des Capucins à Brest, la Grande Passerelle à Saint-Malo, le centre-ville de Douarnenez.
Podcasts : chacun des dix reportages exposés est accompagné d’un podcast. Cet entretien sonore permet au visiteur de s’immerger davantage dans le reportage en écoutant le photographe. En flashant un QR code, le grand public déambule dans l’exposition grâce à ce fil sonore.

Les dates et lieux de l’exposition
6 janvier – 11 février : métro de Rennes (République, Fréville, Pontchaillou)
16 février – 30 mars : la Grande Passerelle de Saint-Malo
19 avril – 27 mai : Ateliers des Capucins à Brest
19 juin – 14 août : salle des Fêtes de Douarnenez

https://www.clubpresse-bretagne.com/

Photo : © Julien Ermine

Dates

Février 16 (Mardi) 10 h 00 min - Mars 30 (Mardi) 19 h 00 min

Organisateur

Club Presse Bretagnereportimages@clubpresse-bretagne.com

Calendrier GoogleCal

jeu07jan(jan 7)13 h 00 minsam27mar(mar 27)18 h 30 minVariations of RealityExposition collectiveMAC - Maison des Arts de Créteil, 1 Place Salvador Allende, 94000 CréteilType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition Variations of Reality questionne notre rapport à la notion de réalité, l’ouvre et le confronte, à travers les séries photographiques de cinq jeunes artistes contemporaines. Chacune à leur manière, elles explorent les frontières de ce que nous nommons, faute de mieux, le réel, laissant émerger ses strates, ses failles et sa porosité, et nous emmènent à la découverte d’une autre vérité. En travestissant, en exaltant ou en composant leurs sujets, elles nous incitent à ré-envisager nos perspectives, à dépasser nos certitudes, à aller au-delà du visible et parfois même à la rencontre de ce qui n’existe pas. Par le biais de jeux de cadrages, de mises en scène ou encore d’illusions d’optique, dans une approche souvent plastique, leurs travaux tendent à élargir nos perceptions pour une compréhension plus vaste, plus libre, voire extra-ordinaire de ce qui nous entoure. Les oeuvres présentées engagent ainsi plusieurs regards, celui de l’artiste, photographique, et celui du·de la spectateur·rice, invité·e à ré-interpréter ce qu’il·elle voit, ce qu’il·elle comprend, ce qu’il·elle ressent. Sans que tout ne soit clairement lisible, sans que le spectre des couleurs ne soit conforme, sans que les repères ne soient identifiables, et au-delà de l’évidence, les cinq artistes exposées nous font sortir du cadre, faire un pas de côté et ajuster notre discernement, pour passer du rationnel à l’intuition, de l’impression à l’émotion.

Commissariat le collectif FETART
Avec Miia Autio, Lucile Boiron, Andi GV, Léa Habourdin et Marie Hervé

Dates

Janvier 7 (Jeudi) 13 h 00 min - Mars 27 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

MAC - Maison des Arts de Créteil

1 Place Salvador Allende, 94000 Créteil

MAC - Maison des Arts de Créteil1 Place Salvador Allende, 94000 CréteilEntrée libre du mardi au samedi de 13h à 18h30 et les soirs de représentation

Calendrier GoogleCal

ven18sep(sep 18)10 h 00 min2021dim07mar(mar 7)18 h 00 minMiniaturesPentti SammallahtiMusée de la Photographie Charles Nègre, 1 Place Pierre Gautier 06364 NiceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Selon son étymologie, le mot miniature vient du latin minare, qui signifie enduire de minium, ce métal de couleur rouge orangé qui provient de la combustion du blanc de plomb. Il s’utilisait dans l’ancienne Mésopotamie pour les peintures murales, puis dans les manuscrits enluminés du moyen âge. La miniature, est une peinture de petite dimension, dont le rendu précis fait appel au geste lent du moine copiste, courbé sur son ouvrage, tel un orfèvre du minuscule.
C’est cette même finesse, cette même délicatesse, lente et irradiante, qui affleure la surface des photographies de Pentti Sammallahti. Des vastes déserts de la mer blanche de Solovski en Russie, aux forêts denses d’Europe Centrale peuplées d’animaux improbables, et jusqu’aux confins du Monde, chaque image est une petite histoire, une fable, une légende qui dit en quelques mots qu’il suffit de voir pour que la beauté existe. Et, qu’il lance son regard de loin ou qu’il le pose de près, Sammallahti sait accorder à chaque détail, aussi ténu soit-il, un rôle prépondérant dans ses Miniatures, aussi essentiel qu’une note de musique dans une partition. Son regard creuse le visible de l’intérieur et fait remonter ces petites particules natives à la surface du monde, comme de la poussière de charbon, plus légère que l’air.
Les formes prennent place, leurs fréquences s’ajustent entre-elles et tissent d’étranges correspondances qui se cristallisent pour disparaitre aussitôt.
Le gris légèrement perlé du ciel recouvre tout. Le silence glisse, le noir est dense mais luit encore. Les oiseaux migrent vers la nuit, les nuages se chargent, l’homme se tient debout devant l’horizon, au bord du monde. Il regarde. Il fait face à l’étrange, au merveilleux, à l’inexplicable (1).
Lui seul sait qu’il touche ici la vérité du bout des doigts.
Anne Morin

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 7 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la Photographie Charles Nègre

1 Place Pierre Gautier 06364 Nice

Musée de la Photographie Charles Nègre1 Place Pierre Gautier 06364 NiceOuvert tous les jours 10h-12h30 13h30-18h

Calendrier GoogleCal

mer16déc(déc 16)11 h 00 min2021dim28fev(fev 28)20 h 00 minRescheduledTokyoDaido Moriyama | Shomei TomatsuEn attente de la réouverture des muséesLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La MEP est heureuse de présenter une exposition d’envergure réunissant deux grands maîtres de la photographie japonaise de l’après-guerre.

L’exposition Moriyama – Tomatsu : Tokyo a été conçue par les artistes Daido Moriyama et Shomei Tomatsu – avant le décès de ce dernier en 2012 – comme une manière de célébrer leur ville autour d’une première collaboration artistique.

Pensée conjointement par Simon Baker, Pascal Hoël et Frédérique Dolivet (pour la MEP), Daido Moriyama et Mme Yasuko Tomatsu, et avec la collaboration d’Akio Nagasawa, Moriyama – Tomatsu : Tokyo ne sera pas uniquement la concrétisation d’un projet historique n’ayant jamais vu le jour jusque-là, mais constituera la première grande exposition du travail de Shomei Tomatsu à Paris. Sur les deux étages principaux de la MEP – le 2e étage sera consacré à Tomatsu, le 3e à Moriyama – l’exposition présentera plus de 300 oeuvres dont la plupart pour la première fois à Paris.

La MEP présente Moriyama – Tōmatsu : Tokyo, l’exposition historique des deux maîtres de la photographie japonaise.

Pour Shōmei Tōmatsu, pourtant adulé, collectionné et présenté dans le monde entier, Moriyama – Tōmatsu : Tokyo représente la première exposition d’envergure à Paris. Quant à Daidō Moriyama, il s’agit de la présentation la plus complète de son œuvre jamais organisée en France.
Imaginée par Moriyama et Tōmatsu eux-mêmes, l’exposition n’avait jamais pu voir le jour suite au décès, en 2012, de Shōmei Tōmatsu. La MEP choisit de réaliser aujourd’hui ce rêve qu’avaient partagé les deux photographes amis. À travers un large panorama de leurs travaux, l’exposition Moriyama – Tōmatsu : Tokyo met en regard leur fascination pour la capitale nippone qu’ils ont arpentée durant des décennies.Conçue en étroite collaboration avec Daidō Moriyama et la veuve de Shōmei Tōmatsu, Yasuko Tōmatsu, l’exposition reprend la sélection initiale des deux artistes, enrichie et adaptée pour l’occasion, et propose un voyage complet et cohérent dans leurs œuvres.

Chaque photographe occupera un des deux étages des galeries de la MEP. Avec un accrochage pour l’essentiel chronologique, la première partie, consacrée à Tōmatsu, contrastera avec une scénographie plus foisonnante et dense de la section réservée à Moriyama.

Tokyo par Shōmei Tōmatsu

À partir des images présélectionnées en vue du projet initial, 140 œuvres de Tōmatsu ont été retenues pour l’exposition à la MEP. Le parcours débutera avec les premières photographies de l’artiste réalisées dès son arrivée
à Tokyo en 1954. Tōmatsu s’intéresse alors au prolétariat dans un pays profondément meurtri par les destructions de la Seconde Guerre mondiale : les petits métiers, les chômeurs, les enfants des rues. Dès 1958, fasciné par l’américanisation de son pays et son impact sur le mode de vie et la culture japonaise, il commence à photographier les soldats américains qui occupent les bases militaires au Japon. C’est le début de son projet « Chewing gum & Chocolate ».

Tōmatsu s’intéresse aussi aux nouveaux modes de vie qui émergent progressivement dans ces années d’après-guerre. Dans la série « Chindon », il fixe son regard sur les Chindownyassans, des acteurs et musiciens pauvres, qui, vêtus de leurs costumes traditionnels de la période Edo, deviennent des modèles de publicité de rue pour les grands magasins.

Avec la série de jeunesse « Asphalt », Tōmatsu expérimente la forme et ouvre la voie à des mondes que personne n’avait imaginés : il consacre toute une série à l’asphalte des rues, qu’il appréhende comme la « peau » de la ville, sur laquelle les fragments d’objets métalliques incrustés dans le bitume, ressemblent à de la poussière d’étoiles.

L’exposition présentera également une large sélection de photographies d’un de ses livres majeurs Oh Shinjuku ! publié en 1969, dans lequel Tōmatsu inclut notamment ses séries « Eros » et « Protest ». Il y raconte la chronique de ce quartier de Tokyo, qui garde une place essentielle dans la mythologie de la contre-culture japonaise. Quartier de grands magasins où des foules immenses se côtoient le week-end, et dont la vie nocturne, peuplée de jeunes marginaux, laisse place à des clubs de strip-tease et des bars à filles, que Tōmatsu nous montre sans tabou.

L’artiste utilise la photographie couleur dès les années 1960. Cette pratique que l’on retrouvera tout au long de l’exposition, prendra une place plus importante au fil des années. Quelques extraits de la série « Cherry Blossoms », au début des années 1980, magnifient les cerisiers en fleurs du Japon, avant que le parcours ne se clôt par les quatre portraits étonnants des photographes phares du Japon de la fin des années 1970 : Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase, Daidō Moriyama – déguisé en mariée japonaise – et un magnifique auto-portrait de Shōmei Tōmatsu costumé.

Tokyo par Daidō Moriyama

Conçue par l’artiste lui même, en collaboration étroite avec le galeriste
Akio Nagasawa, la sélection d’œuvres et la scénographie de cette seconde partie, mettent en valeur les séries emblématiques et la grande diversité des pratiques de Daidō Moriyama : tirages argentiques, photographies couleurs, sérigraphies sur toile, Polaroid, Drop Paper, caissons lumineux, livres et revues, notamment la revue Record que Moriyama publie périodiquement depuis 2006.

Le parcours commence par des images de son premier livre, Japan: a Photo Theater (1968), où l’artiste mêle photos de rue et portraits de comédiens itinérants. Le livre fera scandale, son esthétique est très proche de la revue Provoke que Moriyama rejoint en 1969.

La même année, il réalise la série « Accident » (1969), dans laquelle il se réapproprie des photographies d’accidents de la route nocturnes et violents, trouvées dans des revues ou capturées sur l’écran de télévision. Moriyama les détourne à la manière des sérigraphies de la série « Death and Disaster » d’Andy Warhol, qu’il découvre dès 1968. L’exposition présentera d’ailleurs

un peu plus loin dans le parcours, des sérigraphies sur toile grands formats, inspirées de la pratique d’Andy Warhol et que Moriyama considère comme une extension naturelle de son propre langage photographique.

Une large sélection de photographies issues de Farewell Photography (1972) – l’un des livres les plus avant-garde de l’époque – présentera un nouveau langage photographique chez Moriyama, celui du flou, du bougé, du grain et des taches, avec des images à la limite de la lisibilité.

Après une longue pause dans sa pratique photographique, Moriyama publie en 1982 le livre Light and Shadow où il impose une nouvelle approche : des images cette fois très contrastées, aux noirs omniprésents et aux cadrages serrés, qui feront sa réputation dans les années qui suivront.

L’exposition propose ensuite une visite immergée dans le quartier de Shinjuku – chaos urbain qui ne cesse de subjuguer Moriyama et qu’il photographie
à l’instinct. Suit une installation autour de la série « Tights » (collants) dans laquelle l’artiste transforme les bas résilles en un motif obsessionnel décliné sur différents supports.

Puis la série « Platform » (1977) réalisée sur une journée le long du trajet Zushi-Yokohama-Tokyo, présentera les photographies de rangées d’anonymes qui s’amassent sur les quais d’une gare pour aller au travail, photos de foule dans lesquelles le regard s’attache sur chaque individu.

Enfin, redécouverte dans ses archives récemment, la série « Pantomine » (1963), rassemblera des photographies de fœtus stockés dans du formol, premier projet personnel que Moriyama réalise à 25 ans dans une maternité de Tokyo.

La fin du parcours mettra en lumière la couleur chez Moriyama qui a également beaucoup photographié la ville de Tokyo au Polaroid, parcourant les rues, multipliant les vues, humant les odeurs de la ville, scrutant les ruelles, panneaux publicitaires, affiches, étalages commerciaux et piétons. La dernière salle présentera la série « Pretty Woman » une sélection de photos couleur prises en 2017 dans les rues de Tokyo, où il capture des silhouettes de femmes dans le chaos des rues et des vitrines de magasins.

L’exposition s’achèvera par une large sélection du magazine Record, publié par Akio Nagasawa, entièrement conçu et réalisé par Moriyama à partir de ses propres photographies, et dont le numéro 44 vient de paraître.

Daido Moriyama. Untitled, de la série « Provoke », 1969

Date de fin non communiquée.

Dates

Décembre 16 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 28 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

Calendrier GoogleCal

You may also like

En voir plus dans Evénements

Ephéméride

Articles les plus lus

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Organisateur

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Retrouvez une édition !

Suivez nous !

Facebook

Twitter

Youtube

Inscrivez vous !

Newsletter

Contact

Derniers articles