Paris : Inauguration de l’expo Irving Penn au Grand Palais

Selfportrait © Irving Penn Foundation / Grand Palais

L'Ephéméride

by La Rédaction on 21 septembre 2017

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Paris : Inauguration de l’expo Irving Penn au Grand Palais

Temps de lecture : 6 secondes

Le Grand Palais célèbre le centenaire de la naissance d’Irving Penn avec une grande rétrospective en partenariat avec le Metropolitan Museum of Art. L’exposition est présentée jusqu’au 29 janvier 2018.

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar01sep0 h 00 minmer30(sep 30)0 h 00 minAppel à résidence mission territoire Diaphane Organisateur: Diaphane, pôle photographique en Hauts-de-France Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Résidence

Détail de l'événement

Diaphane, pôle photographique en Hauts-de-France, a pour objectif le développement de la création et de la diffusion photographiques par des actions qui s’inscrivent sur le territoire mais également, la mise en relation des productions artistiques, des artistes et des publics.
Les trois axes d’intervention de Diaphane sont :
∞ la création, par le biais de résidences et de commandes,
∞ la diffusion, par la programmation d’expositions, de festivals et l’édition d’ouvrages,
∞ l’éducation à l’image, par un ensemble d’actions pédagogiques menées tout au long de l’année.
Dans le cadre de son projet « La photo bat la campagne », Diaphane lance un appel à candidature en direction des jeunes photographes, en vue d’une résidence sur le territoire du Beauvaisis (60), qui accueille chaque année le festival Les Photaumnales.

LE PROGRAMME « LA PHOTO BAT LA CAMPAGNE »
« La photo bat la campagne » est un projet transversal de découverte de l’image par la réflexion et la pratique, au sein d’un territoire déterminé. Il s’agit de permettre aux participants de porter un regard sur leur quotidien et leur environnement proche par le biais de photographies de paysages urbains ou ruraux, de portraits, de reportages, et de les amener à observer, questionner et comprendre le monde qui les entoure. Ces ateliers de pratique peuvent s’accompagner d’un recueil de témoignages oraux et écrits, avec un écrivain.
Ce projet fédère des écoles primaires, des collèges, des accueils de loisirs, des centres sociaux / hospitaliers / d’accueil / d’insertion, des EHPAD.
Le photographe réalise entre 10 et 18h d’intervention par groupe et les ateliers donnent lieu à une restitution collective du projet au mois de juin.
Le projet est soutenu par la DRAC des Hauts-de-France, le Rectorat de l’académie d’Amiens, la Région des Hauts-de-France et le Département de l’Oise.

LE DOUBLE OBJECTIF DE LA RÉSIDENCE-MISSION
Animés tant par la volonté de soutenir la création artistique sur le territoire que de réduire les inégalités en matière d’accès à l’art et à la culture photographique, Diaphane a élaboré le projet « La photo bat la campagne », qui comporte deux volets :
∞ un temps de résidence qui permet à l’artiste d’avancer dans sa création personnelle et ce, sans obligation de résultat,
∞ des actions d’éducation artistique en temps scolaire et hors temps scolaire, qui ont pour objectif de permettre aux participants d’acquérir une expérience originale et sensible de l’oeuvre photographique.

DURÉE ET ORGANISATION DE LA RÉSIDENCE-MISSION
Au mois de novembre, le photographe-résident rencontre les équipes pédagogiques. Il découvre le territoire, se familiarise avec le projet et élabore un calendrier avec les partenaires. La résidence s’étend de janvier à juin 2020. Au cours de cette période de 6 mois, le photographe travaille sur sa création personnelle en relation avec le territoire du Beauvaisis. Il réalise les ateliers de pratique photographique, participe à des temps d’échange et prend part à la création de l’exposition de restitution du projet.

LE PUBLIC CONCERNÉ
Enfants, adolescents et adultes issus de zones urbaines et périurbaines ou de milieux ruraux isolés, parfois en difficultés sociales, familiales et/ou scolaires.

LES ENJEUX ARTISTIQUES ET ÉDUCATIFS
Du côté des participants :
∞ rencontrer l’oeuvre d’un photographe par le biais d’une exposition,
∞ s’initier à la lecture des images par la pratique de la photographie,
∞ être acteur d’une production artistique par la pratique,
∞ favoriser l’expression de l’individualité et l’argumentation des choix,
∞ encourager l’expression orale et l’écriture en lien avec les photographies produites,
∞ mettre en avant les travaux produits par la vitrine que constitue le blog du projet,
∞ exposer les travaux dans le cadre d’un temps fort autour de l’image d’un territoire.
Du côté de l’artiste :
∞ favoriser l’émergence de jeunes créateurs,
∞ se confronter à une expérimentation artistique en devenir,
∞ avoir à disposition un temps et un espace pour la création.

DIFFUSION
Le principe de résidence-mission implique une diffusion de la production artistique existante par les photographes sélectionnés, en vue de renforcer l’impact de la résidence sur le territoire. Les photographes sélectionnés sont invités à établir une liste des oeuvres disponibles pendant la durée de la résidence. Les modalités et lieux de diffusion des oeuvres seront étudiés ultérieurement.

CONDITIONS MATÉRIELLES
L’hébergement est pris en charge par Diaphane.

OBLIGATIONS DE L’ARTISTE
Les photographes-résidents mènent :
∞ une démarche de création personnelle,
∞ une démarche d’éducation artistique en direction de publics variés.
Ils s’engagent à être présents sur une période de six mois, à respecter le calendrier défini pour leurs interventions et à participer aux réunions préparatoires et aux restitutions. Il s’agit d’un engagement conséquent qu’il convient de mesurer pleinement.

RÉTRIBUTION
Chaque photographe-résident perçoit :
∞ un montant forfaitaire de 3.000 euros TTC correspondant au temps de résidence / création personnelle et à la diffusion des oeuvres,
∞ un montant ajusté au nombre d’interventions auprès des différents publics (tarif horaire : 50 euros TTC, volume horaire : entre 70 et 90h),
∞ un montant forfaitaire de 1.500 euros TTC qui couvre les déplacements du photographe-résident, ses frais techniques et frais de mission.
A noter : un véhicule personnel est indispensable.
Le photographe-résident veille à déclarer sa rétribution de manière à être en conformité avec les règles du régime social dont il dépend.

DOSSIER DE CANDIDATURE ET SÉLECTION
Les dossiers de candidature devront contenir :
∞ une note d’intention décrivant la démarche envisagée dans le cadre de cette résidence-mission,
∞ un CV dans lequel seront mentionnés le parcours artistique et les différentes expériences de résidences ou d’interventions en milieu scolaire ou extra-scolaire déjà menées,
∞ un dossier artistique présentant un panorama des productions récentes et un ensemble d’oeuvres représentatif de la démarche artistique,
∞ un pré-projet portant sur le contenu de la résidence et l’orientation artistique envisagée,
∞ une liste des oeuvres disponibles pendant la période de la résidence, comprenant le nom de l’oeuvre, les lieux et dates de création et un visuel.
Le dossier pourra contenir tout autre document que le candidat jugera utile de communiquer.
Pour faciliter l’examen des candidatures, seuls les dossiers reçus sous forme électronique et en fichier PDF seront acceptés.
Les dossiers sont à envoyer à l’adresse suivante : fred@diaphane.org – Objet : Photo bat la campagne – Nom du candidat. Si les documents sont trop volumineux, merci d’utiliser « WeTransfer ».

Photo : © Filippo Brancoli Pantera. En résidence 2019 chez Diaphane

Dates

1 (Mardi) 0 h 00 min - 30 (Mercredi) 0 h 00 min

Organisateur

Diaphane, pôle photographique en Hauts-de-Franceinfo@diaphane.org 16, rue de Paris 60600 Clermont-de-l’Oise

Calendrier GoogleCal

sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minSarah JoveneauGalerie Du SoirLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre de leur partenariat, Le Soir et le Musée de la photographie ont lancé la Galerie du Soir. Parallèlement à chaque nouvelle grande exposition du Musée, la Galerie du Soir présente un jeune artiste à découvrir. Un pari sur l´avenir décliné en quatre volets : un accrochage réduit mais significatif au Musée, un portfolio dans la revue Photographie ouverte, une présentation du photographe dans les pages du Soir et une sélection de son travail sur le site www.lesoir.be.
Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, notre choix s´est porté sur Sarah Joveneau

« Très jeune, j’étais plutôt lancée dans la pratique de l’écriture » raconte Sarah Joveneau, auteur de la série Piel de Lucha. « Gamine, j’écrivais beaucoup. En rhéto, le prof de français nous a demandé de tenir une sorte de journal culturel. Dans ce cadre, je suis venue au Musée de la Photographie et j’ai découvert le travail de Roger Job sur les Turkana. Ça m’a bouleversée. J’avais déjà beaucoup voyagé avec mon papa, journaliste de terrain qui aime aller à la rencontre des gens mais la découverte du travail de Roger Job a été un vrai déclic. J’étais super touchée par sa démarche au long cours. J’ai donc rendu tout un texte à ce sujet à mon prof de français puis, au moment de décider vers quoi j’allais m’orienter, je suis allée aux portes ouvertes à Saint-Luc. Ça m’a plu et je me suis lancée. »
A entendre Sarah Joveneau, tout coule plus ou moins de source dans son parcours. Pourtant, son travail n’a rien d’évident ni de tranquille. Depuis plusieurs années maintenant, comme photographe, vidéaste (elle s’est aussi formée en cinéma après la photographie) et, peut-être plus fondamentalement, comme être humain, elle parcourt le monde, va à la rencontre des gens les plus divers et tente de rendre compte des combats des uns, des choix de vie des autres…
« Bouger ? C’est un mode de vie depuis toujours, s’amuse-t-elle. Déjà pendant mes études à Saint Luc, je me suis lancée dans un long reportage sur les routes avec des nomades qui vivent en camion et se déplacent un peu partout. La plupart du temps, je voyage en stop car je n’ai pas beaucoup de sous. » La discussion dont sont tirées ces déclarations est d’ailleurs réalisée un samedi matin tandis que la jeune photographe se rend en Occitanie pour une résidence d’écriture. Lorsqu’elle nous contacte, par téléphone, elle vient de débarquer au bord d’une route et se prépare à repartir en levant le pouce. « Aujourd’hui, je n’ai pas forcément de chez moi, explique-t-elle. Je suis souvent sur la route avec mon sac à dos. »
La route en question, elle la choisit en fonction de ses projets, de ses centres d’intérêt, des informations qu’elle découvre ça et là sur des mouvements qui attirent son attention. Et parfois, le stop ne suffit pas pour rejoindre ces destinations. Notamment lorsqu’il s’agit d’aller au Chili. « Je m’y suis rendue dans le cadre d’un tournage auquel je participais mais je ne me voyais pas faire un aller-retour et rester seulement cinq jours sur place. Quand j’ai appris qu’il y avait, dans ce pays, une importante mobilisation féminine, je me suis arrangée avec la production pour reporter mon billet de retour. J’ai quitté l’équipe à l’aéroport et j’ai commencé mon projet qui a duré un peu moins de deux mois sur place. »
Un projet qui va se passer bien différemment de ce que Sarah avait prévu. « Quelques jours avant mon départ pour le Chili, on a volé mon matériel numérique dans ma voiture. Or j’avais prévu de faire un documentaire filmé sur cette lutte des femmes chiliennes, en utilisant l’appareil numérique. J’ai donc dû me rabattre sur un matériel argentique et, bien sûr, laisser tomber la vidéo pour la photo. » Avec pour résultat une série d’images noir et blanc de format carré que la jeune femme n’avait encore jamais abordé. Et un travail sur la lutte très singulière de ces femmes chiliennes. « Je me renseigne toujours sur le pays dans lequel je vais. Je cherche des endroits où je vais pouvoir être accueillie en tant que voyageuse : mouvements citoyens, squats… Je m’intéressais à ces mouvements de femmes depuis un moment mais quand j’ai vu tout ce que cela impliquait, je me suis rendue compte que notre vision du féminisme est très européo-centrée alors qu’il existe, ailleurs, des visions très différentes. Au Chili, c’est avec le corps, le chant, la danse, que ces femmes manifestent. Parce qu’il ne s’agit pas seulement de se libérer du pouvoir des hommes aujourd’hui. Pour ces femmes que j’ai suivies, c’est une manière de se libérer de la colonisation du corps qui les a privées d’une multitude de choses. Avant l’arrivée des Européens, les femmes mais aussi les homosexuels et les travestis, considérés comme des êtres magiques, faisaient office de chaman et avaient un rôle essentiel dans la communauté. L’arrivée des Européens et de la religion chrétienne a bouleversé tout cela, créant une vision binaire de la société et donnant tout le pouvoir aux hommes. »
Suivant une vingtaine de ces femmes qui veulent à la fois se défaire du pouvoir des hommes et ramener de la magie dans la société, Sarah Joveneau a photographié ces corps, ces peaux, entrant dans un dialogue de co-création avec chacune d’entre elles. Afin de faire entendre leur voix bien au-delà des frontières de leur pays.
Jean-Marie WYNANTS

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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sam12sep(sep 12)10 h 00 minsam03oct(oct 3)19 h 00 minLa mer, la mer, toujours recommencéeExposition CollectiveGalerie SIT DOWN, 4, rue Sainte Anastase 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition collective avec les œuvres de Gilles COULON, Catherine HENRIETTE et Valérie WINCKLER

La mer, la mer, toujours recommencée*
Hypnotique, mystérieuse, depuis la nuit des temps, par son éternel mouvement de recommencement où le présent apportant le futur vient effacer, engloutir le passé, la mer fascine. Par son intemporalité, son infinité, elle est synonyme de légendes, de désirs d’aventures.
Par ses caractéristiques, par les conditions climatiques où sa surface miroitante, argentée, devient tempête, par sa palette changeante, abordant une robe aux tonalités irisées, progressant du bleu au vert, la mer est devenue l’un des motifs des artistes, un prétexte à capturer le paysage, à dompter la force des éléments.
En capturant l’humeur changeante de la mer, l’entrechoquement des vagues sur les rochers, les activités de loisirs qu’elle engendre, au regard de l’histoire de l’art, les artistes peintres et tout particulièrement les impressionnistes ont su saisir les différentes personnalités de celle-ci.
De ce regard sur la mer, la photographie va également s’y confronter. Dès son origine, les opérateurs ont su la fixer et les Marines de Gustave Le Gray, qu’il réalise entre 1856 et 1858, seront apparentées à l’approche des impressionnistes.
Avec La mer, la mer, toujours recommencée, l’exposition nous propose de découvrir les approches singulières de trois artistes photographes, Catherine Henriette, Valérie Winckler et Gilles Coulon. Par leur sensibilité photographique, leur regard s’est posé sur cet élément essentiel à la vie, à ses habitants, à sa faune, à sa flore, à ses motifs.
De leurs oeuvres se dégagent une certaine mélodie, la mer y est vécue comme une partition où chaque élément vient s’équilibrer, s’harmoniser.
Les plongeurs de Gilles Coulon sont comme des acrobates. À la frontière de la chute et de l’élan de liberté, dans cette opportunité de l’instant et par sa composition qui fait écho à la décomposition des mouvements de Muybridge, les plongeurs se font oiseaux, signes, points, virgules venant ponctuer le rythme des vagues qui les accueillent.
Dans ce même esprit, les surfeurs de Catherine Henriette sont comme des oiseaux migrateurs, regroupés et posés sur la mer, leurs corps deviennent des notes. Du mouvement des vagues, le rythme du Swell rebondit comme une comptine entêtante.
Dans une lumière crépusculaire, harmonisant le ciel, la terre et la mer, le mouvement des vagues, l’infinie de l’horizon se transforment en un opéra, en une chorégraphie des éléments.
D’une tout autre manière, Valérie Winckler cartographie les éléments de la mer.
Transformant le banal en extraordinaire, à la manière d’une composition abstraite, par des jeux de transparences et d’expérimentations, la matière marine se lit comme un paysage, comme une archéologie de la calotte glaciaire. En collaborant avec la nature et en acceptant l’accident, l’image photographique devient geste pictural.
Par son mouvement de recommencement perpétuel, venant effacer l’instant précédent, la mer, par sa palette mouvante, en devenant la matière des artistes, permet d’écrire une infinité de signes, de gestes, de pensées, de possibilités.

Anne-Frédérique Fer, rédactrice en chef de FranceFineArt.com
* Vers issu du poème Le cimetière marin de Paul Valéry

Dates

Septembre 12 (Samedi) 10 h 00 min - Octobre 3 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie SIT DOWN

4, rue Sainte Anastase 75003 Paris

Galerie SIT DOWN4, rue Sainte Anastase 75003 ParisGalerie ouverte sur rendez-vous uniquement par téléphone au 01 42 78 08 07 ou info@sitdown.fr

Calendrier GoogleCal

ven18sep(sep 18)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)16 h 00 minUn village Madeleine de SinétyMadeleine de SinétyCentre d'art Gwinzegal, 4 rue Auguste Pavie 22200 GuingampType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

33 280 diapositives couleur, 23 076 négatifs noir et blanc : c’est par cette liste lapidaire qu’aurait pu commencer l’une des centaines de pages du journal intime tenu par Madeleine de Sinéty. La qualité de sa relation aux êtres photographiés, le théâtre de leurs gestes, l’intimité, la richesse et la diversité des rencontres effectuées à Poilley, petit village à 60 kilomètres au nord de Rennes, débordent de toutes parts de l’énorme accumulation d’images. Née en 1934, la photographe aura vécu à Poilley de 1972 à 1982. Elle y fera par la suite de nombreux voyages depuis les États-Unis, où elle avait établi sa résidence. Décédée en 2011, elle n’aura pas eu le temps d’ordonner elle-même cette archive. Seul le noir et blanc avait été partiellement dévoilé lors d’une exposition à la BNF et d’une autre au Museum of Art de Portland. C’est donc sans elle, avec Peter, son fils, que nous nous sommes emparés du fonds des images couleur et que nous avons tenté, le plus humblement et le plus fidèlement possible, de mettre en lumière son entreprise, qui n’est ni celle d’une photographe répondant à une commande, ni celle d’une anthropologue − mais l’entreprise de vivre d’une artiste partageant la vie d’une communauté soudée, d’un microcosme rural en pleine mutation à l’orée de la modernité.

L’exposition « Un village » est une co-production avec le Musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône et le Musée de Bretagne à Rennes.

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 16 h 00 min

Lieu

Centre d'art Gwinzegal

4 rue Auguste Pavie 22200 Guingamp

Calendrier GoogleCal

sam05sep(sep 5)12 h 00 minsam31oct(oct 31)19 h 00 minCorps d'hommesLaura StevensGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Miranda est heureuse de présenter une exposition de l’artiste anglaise Laura Stevens (née en 1977) de son travail sur le nu masculin.

Pour lutter contre l’objectification du corps féminin et contre des stéréotypes de genre qui ont emprisonné les femmes, et les hommes, des expositions majeures ont été consacrées ces dernières années aux représentations du corps masculin : en 2013, le Musée d’Orsay a présenté une exposition sur l’histoire du nu masculin dans l’art, de l’idéal classique au réalisme de Schiele à l’homoérotique de Pierre et Gilles. En janvier 2020, avec en arrière-plan la condamnation de Harvey Weinstein et le mouvement #metoo, le musée du Barbican à Londres a débuté l’année avec l’exposition Masculinities: Liberation through photography avec des œuvres de 55 artistes majeures dont 16 femmes (parmi lesquelles Rineke Dijkstra, Karen Knorr, Catherine Opie, Annette Messager…), qui explorent différents archétypes de la masculinité.

En contraste à ces artistes, les photographies de Laura Stevens ne portent pas de jugement et ne caricaturent la relation à la masculinité. Consciente de son point de vue de femme, elle cherche un autre regard sur le corps masculin. Elle photographie les corps nus des hommes de tous âges avec un regard curieux, ouvert, observateur et sensuel, sans chercher à les érotiser. Elle s’intéresse aux lignes et formes créées par les positions prises par les hommes, elle trouve de la grâce et de l’humanité dans chaque corps, unique par essence. Ainsi exposés, les hommes sont à la fois vulnérables et virils; musclé et gracile ; à l’aise et timide. Dans une grande simplicité et avec une douce palette photographique près de la peinture réaliste, Stevens saisit leur individualité, exprimant ainsi un regard de féministe contemporaine et profondément égalitaire.

« Pour réaliser la séries ‘Him’ (‘Lui’), pendant un an, j’ai invité plus de 50 hommes à se faire photographier chez moi, nu. La plupart étaient des inconnus, c’était donc notre première rencontre. J’ai défait mon lit laissant seulement un simple drap blanc, mon espace le plus intime devenait ainsi l’endroit où chaque homme serait, lui, à son plus intime. Ce serait un cadre sécurisé et aux contours définis, dans lequel je regarderais et où il serait regardé. Être une femme d’une quarantaine d’années qui regarde le corps nu d’un homme m’a étrangement posé problème. En règle générale, le répertoire connu de nus masculins est signé par des artistes hommes. L’univers visuel qui explore la réponse des femmes à la beauté masculine est manquant. Du progrès a été fait dans la reconnaissance de la capacité et du droit des femmes à créer et à recevoir du plaisir visuel, mais le regard masculin domine encore. En poursuivant une certaine façon de regarder et de représenter l’homme, j’ai interrogé les notions de masculinité ‘dure’ et ‘active’ qui interdisent ‘la vulnérabilité’, la douceur’ et ‘la passivité’, des qualités supposées féminines.

Se permettre de se faire photographier, d’être l’objet du regard d’un autre, cela implique de lâcher prise et laisser venir des révélations éventuelles, à la fois sur le plan physique et émotionnel. Être l’objet-nu – devenir un nu – pousse encore plus loin cette possibilité de vulnérabilité. Ces hommes m’ont fait confiance pour que je les montre ainsi.

Dans cette rencontre, entre lui et moi, que verrai-je ? » – Laura Stevens

Dates

Septembre 5 (Samedi) 12 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Miranda

21 rue du Château d’Eau 75010 Paris

Galerie Miranda21 rue du Château d’Eau 75010 ParisOuvert du mardi au samedi de 12h à 19h ou sur rendez-vous

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Paris : Inauguration de l’expo Irving Penn au Grand Palais

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a ppr oc he, 4ème édition : interview exclusive Emilia Genuardi et Elsa Janssen

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