« Borderline » : traversez les frontières de l’art avec la 14e édition de Miniartextil à Montrouge !

Expo Miniartextil Borderline © Ville de Montrouge

Actu Art Contemporain, OtherSide

by Marie-Elisabeth De La Fresnaye on 16 février 2018

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« Borderline » : traversez les frontières de l’art avec la 14e édition de Miniartextil à Montrouge !

Temps de lecture : 1 minute et 3 secondes

Cette nouvelle édition de l’exposition internationale MINIARTEXTIL, ouverte à tous et gratuite, invite le public à découvrir plus de soixante oeuvres, mini-textiles et installations monumentales, et à flirter avec les limites, les bords et les frontières, sur le thème « Borderline ».

Miniartextil propose une exploration de ce thème ultra-contemporain du déplacement des lignes et des frontières au travers de 54 mini-textiles et d’une dizaine d’installations textiles de grand format.

Transgresser les codes, aller au bord des possibles est toujours une source d’inspiration ! Mais pour Miniartextil, tous les créateurs des mini-textiles ont accepté de se plier à au moins une règle : un format de 20 x 20 x 20 cm, la taille maximum d’une oeuvre mini-textile !

20 puissance 3 : Un concept inédit qui a fait ses preuves, un format original qui a fait le succès de Miniartextil et un véritable défi pour les artistes !

Miniartextil c’est aussi l’art textile en grand, avec plus d’une dizaine d’installations monumentales, défiant souvent la mesure, à découvrir ou dans lesquelles s’immerger, et qui déploient le sens de “Borderline” au-delà des dimensions convenues !

Le 7e Prix Montrouge dévoilé au début de l’exposition

Comme à chaque édition, la Ville a décerné le « Prix Montrouge » à un(e) artiste de Miniartextil. Son oeuvre, acquise par la Ville de Montrouge, rejoindra alors les collections municipales.

INFOS PRATIQUES :
Miniartextil
Jusqu’au 25 février 2018 de 12h00 à 19h00
Le Beffroi
2 Place Emile Cresp
92120 Montrouge
Entrée libre tous les jours de 12 h à 19 h
Visites guidées gratuites les dimanches 18 et 25 février à 15h – Inscriptions à l’accueil de l’exposition
Visite-ateliers gratuits pour les enfants les dimanches 18 et 25 février à 16h – Inscriptions à l’accueil de l’exposition http://www.ville-montrouge.fr/

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mer09sep(sep 9)14 h 00 minjeu31déc(déc 31)18 h 00 minCharlotte Perriand. PhotographiesMaison de la Photographie Lille, 28 rue Pierre Legrand - 59000 LilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Articulée autour des principales thématiques explorées photographiquement par l’artiste de 1927 à 1940, le monde paysan, les objets naturels qualifiés par elle, Fernand Léger et Pierre Jeanneret d’« art brut », les constructions industrielles, la montagne etc., cette exposition donne à voir un aspect plus méconnu de l’artiste et révèle un sens de la composition et une poétique très singuliers.
Elle permet également d’interroger les différentes dimensions conférées à la photographie par une femme engagée dans le projet artistique et industriel progressiste de l’entre-deux guerres.

L’exposition réalisée sous le commissariat de Lélia Wanick Salgado présente 48 photographies sélectionnées dans le fonds photographique Charlotte Perriand géré par sa fille Pernette Perriand-Barsac et son gendre Jacques Barsac, rarement montrées au public.

L’exposition a été réalisée par l’Académie des Beaux-Arts.

Date de fin de l’exposition non communiquée. Exposition avant fermeture définitive de la Maison Photo à Lille.

Dates

Septembre 9 (Mercredi) 14 h 00 min - Décembre 31 (Jeudi) 18 h 00 min

Lieu

Maison de la Photographie Lille

28 rue Pierre Legrand - 59000 Lille

Maison de la Photographie Lille28 rue Pierre Legrand - 59000 LilleOuvert du jeudi au dimanche de 11h à 18h. Tarif : Normal 8€ (5€ réduit) et gratuit pour les enfants de moins de 8 ans.

Calendrier GoogleCal

mer01jul0 h 00 minmer30sep(sep 30)0 h 00 minRésidence de création Le lavoir numériqueMaison de la Photographie Robert Doisneau, 1, rue de la Division Général Leclerc 94250 GentillyType d'événement:Art Contemporain,PhotographieType d'événement 2:Résidence

sam29aou(aou 29)10 h 00 minsam26sep(sep 26)19 h 00 minFREESTyLE = CLAQUEMENTs DE CUISSEHendrik Hegray Galerie Valeria Cetraro, 16, rue Caffarelli 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

UN TITRE ET SA JUSTE MYSTIFICATION.
D’abord il y a des images libres, des icônes photographiques en FREESTyLE, libre de droit, ensuite il y a ce qu’elles représentent, ou peuvent représenter, selon mon désir, selon mon bon plaisir : un claquement de cuisses.

VISIONS, SUEURS.
De ce fait, dans cette exposition, il y a les images tout autour de nous et en nous, alors ensuite seulement la contamination arrive avec son lot intempestif, le facteur humain : c’est la sueur de l’action de l’artiste. Comme la mince différence entre une chemise propre et une chemise portée, la sueur est passée par là. Une différence infra-mince mais de taille pour ceux qui savent.

LUNA-PARK, PARC À THÈMES ET SYSTÈME DU TRAITEMENT DES EAUX.
L’expo est comme une pleine lune à la Foire du Trône. Visions nocturnes dans un parc. Un parc composé de plusieurs activités : il y a la grande roue, the Wall; un ensemble de photographies format A4 en portraits disposées sur un grand mur. Il y a la femme à barbe dans l’arrière fond, ce sont les Collages; productions qui mettent en avant des corps dans une position d’exhibition. Plus loin, il y a un film-vidéo qui nous intime de nous souvenir; nous sommes voyeurs dans un flot de mémoire : le cinéma a commencé aussi dans une foire. On diffusera la vidéo depuis un moniteur devant 2 bons gros fauteuils. Et puis il y a quelques Catalogues, disposés ça et là, pour tenter de nous faire comprendre, attendre ce qui ne viendra pas. : le traitement systématique du flot des images.

BAD DRAWING ET BAD SHOOTING SONT SUR UN BATEAU…
HH : « — Plus aucun traitement a posteriori des images, elles valent pour ce qu’elles sont: des photos low-tech prises en 2011 / 2012 avec un Nokia primitif. » On pourrait tisser une ligne méridienne historique sur les interventions d’artistes utilisant leur vie pour sujet photographique : DUCHAMP-KLEIN-FICHLI&WEISS-GUIBERT-MESTE-SOBAC-HEGRAY

WELCOME TO PLEASUREDOME
Mais Regardons de plus près ces images prises avec ce vieux Nokia, juste pour voir entrons dans l’espace. Quelles sont ces photographies qu’a disposées Hendrik Hegray? On perçoit quelques personnages dont on imagine le partage avec l’auteur d’une intimité, et des espace de vie démontrant la collusion entre travail et vie privée. Il s’agit d’inscrire l’intime dans le contexte. La vie privée de vie privée.

UNHEIMLICH PLASTIC
HH:—« Les photos prises pendant cette période (2011/2012 nda) ne correspondent à aucune causalité ni préméditation. Elles correspondent seulement aux photos que je prends habituellement dans mon environnement du moment avec le matériel que je possède. Rétrospectivement ces photos constituent pour moi un corpus d’une grande valeur, à la fois document d’un segment de ma vie et par leur plasticité étrange. (…) »

DOUBLE B(L)IND ou LA DOUBLE OCCLUSION VISUELLE.
« (…) Double rupture : visuelle, le médium étant cette fois-ci uniquement la photographie; temporelle, elle renvoie directement à une époque révolue, figée dans le passé. Ma motivation de montrer ces images découle d’une volonté à nouveau (…) de manipuler des éléments de mon propre passé. Associé à des collages et d’autres oeuvres très récentes, cet ensemble accentue le désir de provoquer des allers-retours temporels. »

DES ALLERS-RETOURS TEMPORELS : DOWNGRADING DU TEMPS PRÉSENT.
HH n’est pas le premier et certainement pas le dernier, mais on constate la singularité de cette praxis, monstration d’éléments déjà utilisés, déjà montrés. Et dans ce principe d’alternance, de recyclage, le dispositif employé se stabilise de manière encore plus prégnante dans le temps présent.

« MY LIFE IS MY WORK » : DE L’ESTHÉTIQUE DE LA BANALITÉ.
Hegray reprend cette idée des années 1990, on se souvient de Georges Toni-Stoll ou Nan Goldin, voire Mark Morrisroe ou Philip-Lorca diCorcia pour la façon dont tous ont eu pour base antiesthétique du banal, la documentation du quotidien (les finalités sont bien sur différentes) pour photographier quelque chose de nouveau.

LE PARAPLUIE AVEC UNE MACHINE À COUDRE : LE CHAOS ET LE QUOTIDIEN.
chez Hegray, on dénote tout particulièrement dans l’utilisation du médium photographique une propension a inscrire le réel dans son geste quotidien vers une perspective de grande abstraction.
Ce dont certains ne perçoivent pas, c’est qu’elle est en mesure avec une dimension proprement cosmique. On pourrait surnommer cela le Chaotidien. Ce néologisme prend racine depuis longtemps dans son travail , autant que dans la présentation du dit travail.

PRAXIS VERSUS BIOGRAPHIE : PROUST CONTRE SAINTE-BEUVE
Plusieurs gestes se réfèrent à la production qui nous est montrée : l’assemblage de photographies.
D’abord il y a les images qui vont constituer la matière première de ce qui sera portée à notre connaissance, ensuite le régime dans lesquelles elles peuvent être présentées : Wall, collage, film.
On se dit que l’ordre de succession des images peut paraître aléatoire, HH pourrai très probablement proposer un autre agencement d’ailleurs, puisque la signification des images prend sens, plus de la façon dont elles sont assemblées que de leur signification intrinsèque. Même si on peut reconnaître des compagnons de route sur ces portraits, d’un seul coup l’aspect personnel de la vie de l’artiste, sa biographie, prend une importance délétère. Proust contre Sainte-Beuve. On ne peut justifier le geste de l’artiste par cette seule inscription biographique et ici, dans cette matière, la beauté prévaut lorsque ces images personnelles rejoignent l’ensemble.

LA BEAUTÉ COMME INJONCTION D’ÉLOIGNEMENT.
Sortie de la provocation de ce titre, on se trouve cerné dans la tentative de concevoir esthétiquement ces images dans cette exposition. On semble contraint de fuir au principe traditionnel de la beauté. Avec évidence, ces images face à nous heurte le dit bon gout.

CIRCULEZ IL Y A RIEN À VOIR.
Ces images provenant du Wall, des collages ou bien du montage vidéo n’ont rien à vendre, affirmerait un spécialiste en visuel de pub. Il y a une propension chez Hegray, à remiser les canons classiques dans des endroits reculés, hors d’atteinte du tout commun. Il transforme, transmute l’ acte de photographier low-tech en un acte supérieur. C’est presque une attitude de dandy qu’on pourrait subodorer dans le mouvement humoristique à désigner la banalité, mais surtout on pressent une détermination à produire des images totalement irrécupérables, en cautionnant l’adage du principe de délicatesse.

FAUT-IL BRÛLER HENDRIK HEGRAY?.
UNCANNY RATED « R ».
ses conceptions en matière de bon goût peuvent surprendre, tant il se plait à ravir vers d’étranges limites ce qui constituent nos propres repères. Il a un amour invétéré pour l’informe, et pour l’obscénité de ses images dont l’obsolescence programmée est intégrée; on peut la croire fortuite et superficielle, mais la recherche de l’obscène relève en fait d’une véritable ascèse et d’une réflexion sur notre monde spectaculaire, éprouvée paradoxalement par sa pratique instinctive de la sélection.

HONKY-TONK LIGHT MAN.
C’est dans cette logique toute apparente qu’il se méfie de tous schémas narratifs qui viendrait faire sens, nous délivrer d’un message, il laisse cela à la fascination des parcs à thèmes, Luna-Park qu’il ne dénigre pas, bien au contraire. Sous le bordel apparent de la glorification de l’authentique sous-culture répugnante —à l’instar d’un « claquement de cuisses » qui le confirme—, l’esprit scandaleux d’Hendrik Hegray veille et cache des trésors d’une lumière éblouissante.

UNCANNY RATED « X ».
le principe de délicatesse, cité plus haut, se constate aisément dans la nature de ses collages. On devine par déchirements, décadrements, attaches, le jeu subtil du perçu et du non-perçu la force érotique de la suggestion. On peut même convenir ici à disposer des éléments de rapports de domination placé comme pouvoir parallèle de production.

RAPPORTS DE CLASSE ÉROTIQUE : MISE À L’ÉPREUVE.
On retrouve dans les collages, disposés en double non frontalement les signes d’une présence/ absence du désir lié au corps. Ainsi la casquette en cuir dans « Entrée dans l’artiste », ainsi la disposition en éventail des magazines BDSM dans « Gonzo Panini ». On se joue de nous, tout est bon quand il est excessif disait un vieux : on nous montre de l’immontrable, sans pour autant le montrer! Pratique du Waxplay dans « Purple Wax », ou bien encore le masque en cuir dans « Bonny Tylerfish » qu’on devine seulement car le sujet est shooté en profil perdu. Alors les non-initiés à la pratique du masque ou du face-sitting, peuvent passer aisément leur chemin sans avoir vu ce qui devait être vu, attardant le regard sur autre chose, de plus obscène, de plus évident : une sardine érectile venant narguer la chevelure blonde, on imagine l’odeur s’en imprégner.

ÉROTISME ANESTHÉSIQUE ≠ ÉRÉTHISME
C’est le parcours de la violence des images et de son double jeu, classique autant que caduque. Soit les images perçues dans cet espace nous anesthésient, répondant à l’excès, contre cette irritation sollicitée , soit elles nous suscitent, aussi la correspondance est donc établie tout autant.

HARDCORE CLASSIC
on a compris que Hendrik Hegray peut fait faire feu de tout bois. Ce qui importe pour lui c’est le geste, de celui qui choisit, déplace, sélectionne. L’art se retrouve dans sa fonction la plus stricte, la plus restreinte. L’origine, la référence, la conséquence, bref tout ce qui fait Culture, tout ce qui est bordé de nouilles n’est même pas rejeté, il est juste désactivé, dévitalisé, offert en guenilles, ruine des images devant notre regard. Au final, cela nous enjoint à nous questionner :

QUI EST-IL? D’OÙ VIENT-IL? FORMI-DABLE ARTISTE DES TEMPS NOUVEAUX!
Il possède encore l’allure et l’énergie tenace, révoltante et révoltée d’un jeune homme. Faire sa rencontre suscite des sentiments contradictoires, mais ne laisse jamais indifférent. Sous son flegme, un humour corrosif et hâbleur. HH s’avère d’une franchise déconcertante.

BRUTALE ÉCHAPPÉE DE L’ASILE DES CATÉGORIES
Hendrik Hegray dessine, voyage, joue du piano debout, enregistre sous des pseudonymes divers le son caractéristique du rouleau de scotch qui se dévide, fait des collages à partir de photos perdues, des flyers à partir de rien et des pochettes comiques de disques. Il rature, peint, biffe et expose, s’occupe d’un label de vinyls noise, rock abrasif expérimental ou technoïde, et il a co-fondé (avec Jonas Delaborde) NAZI KNIFE et FALSE FLAG, deux graphzines collectif international — USA, Italie, UK, Finlande, Japon, Jamaïque, France…— dont l’importance historique se confirme quant à incarner les conséquences d’un art dégénéré, bref on ne peut se résoudre à classer Hendrik Hegray dans une quelconque catégorie isolée. Cela fait d’ailleurs presque 15ans qu’il évite soigneusement toute étiquette liée à ses activités. Gardons en mémoire son style et le mouvement de cet évitement car ce sont des éléments fondateurs qui font que la politique de sa production soit irrécupérable, tant sur un plan esthétique, théorique que médiatique.

PES*

Dates

Août 29 (Samedi) 10 h 00 min - Septembre 26 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Valeria Cetraro

16, rue Caffarelli 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mar15sep(sep 15)9 h 00 minmer16déc(déc 16)20 h 00 minRuinesJosef KoudelkaBnF - Bibliothèque nationale de France, Quai François Mauriac 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pendant près de trente ans, Josef Koudelka a sillonné 200 sites archéologiques du pourtour méditerranéen, dont il a tiré des centaines de photographies panoramiques en noir et blanc. De ce projet singulier, la Bibliothèque nationale de France présente 110 tirages exceptionnels : un ensemble inédit intitulé Ruines, qui révèle toute la force et la beauté du lexique visuel de Koudelka. La BnF met ainsi à l’honneur l’un des derniers grands maîtres de la photographie moderne, un photographe à l’oeuvre monumentale, qu’Henri Cartier-Bresson considérait comme son « frère » en photographie et dont il avait décelé l’ « oeil de peintre ».
Cette exposition est accompagnée d’un don exceptionnel consenti par le photographe au département des Estampes et de la photographie de la BnF de près de170 tirages issus de cette même série.

« Les Grecs et les Romains ont été les plus grands paysagistes de l’Histoire et dès lors, pour moi, photographier le paysage, c’était donner à voir cette admirable science de l’espace, de la lumière et des formes. J’ai trouvé ce qui m’est désormais le plus précieux, le mariage de la beauté et du temps. »
Josef Koudelka, extrait de Rencontre, texte de Bernard Latarjet dans le catalogue de l’exposition Ruines

Une oeuvre emblématique
Projet sans équivalent dans l’histoire de la photographie, la série Ruines est le résultat d’un travail personnel de trente années durant lesquelles Josef Koudelka a parcouru 21 pays du pourtour méditerranéen pour photographier les ruines de tous les hauts lieux de la culture grecque et latine, berceaux de notre civilisation. Si certaines images ont pu être exposées et publiées auparavant – Periplanissis (1997), Chaos (1999), Rome, théâtre du temps (2003), Vestiges (2013) – la série Ruines forme un ensemble de 110 tirages qui n’a jamais été montré. De la France à la Syrie, en passant par le Maroc, la Sicile, la Grèce ou la Turquie, ce sont110 immenses photographies panoramiques en noir et blanc qui livrent le regard de Koudelka sur la beauté chaotique des ruines, vestiges de monuments transformés par le temps, la nature, la main de l’homme et les désastres de l’Histoire.

Le panorama : un certain regard et une signature
Au fil du temps, le panorama est devenu la signature des paysages de Josef Koudelka. Il offre le moyen de se projeter en imagination sur les lieux mêmes qui sont représentés pour rejouer l’expérience du paysage et inviter le spectateur au voyage. Mais par l’usage singulier qu’en fait le photographe, le panorama, fragmentaire et bouleversé, est aussi à même de restituer l’image ambivalente de la ruine. Ces images à fleur de sol, en plongée ou en contre plongée, guident le spectateur sur des sites maintes fois reproduits et réfutent l’impression de déjà vu par le regard inédit du photographe. Alternance de vues lointaines et de gros plans, de fragments, de jeux d’ombres et d’étagement des plans, les photographies de Koudelka témoignent d’une vision subjective et éclatée du paysage antique, qui pose la série Ruines comme une vaste allégorie du monde.

« Le mariage de la beauté et du temps »
Koudelka ne souhaite pas immortaliser les ruines antiques, les figer dans une vision romantique mais bien au contraire revenir encore et toujours sur les mêmes lieux pour en enregistrer les évolutions liées au passage destructeur du temps et des hommes, de la nature qui reprend ses droits. Chez Koudelka, l’art et plus précisément la beauté réaffirment leur présence au coeur de ce qui fait et défait le monde. Pour le photographe, la répétition en tant que méthode et non en tant que motif est aussi justement ce qui lui permet d’atteindre la bonne photographie, ce qu’il nomme son « maximum » : répéter les mêmes gestes en accueillant à chaque fois une différence qui inscrit son oeuvre non dans le passé mais dans un devenir. Dans les photographies de Koudelka, la somptuosité des levers et des couchers de soleil qui embrasent les pavements, les colonnes, les sculptures des bas-reliefs soulignent avec justesse la merveilleuse géométrie des sites. Le choix du cadre étiré complexifie la composition et confère aux ruines un caractère grandiose. Cette oeuvre, digne d’un Sisyphe, est servie par toute une grammaire visuelle faite de vues basculées, fragmentées, de panoramas sans horizons, sublimés par un noir et blanc puissant qui révèle les jeux d’ombres et de lumière.

Héritage et destruction
Ces paysages sont une ode aux ruines de la Mare Nostrum et nous interpellent sur la nécessité de sauvegarder l’héritage de cette civilisation – dont certaines des traces photographiées par Koudelka ont aujourd’hui disparu, détruites par les guerres et le terrorisme, comme à Palmyre. Le photographe valorise ainsi un territoire, aux origines de nos cultures d’Europe, riche des circulations qui l’ont façonné et des archipels qui le peuplent. Ce qui anime ici Koudelka comme dans l’ensemble de ses travaux antérieurs, c’est la recherche de la beauté, une beauté qui peut se nicher au coeur de la destruction mais qui, à l’instar de celle des ruines antiques, résiste.

Dates

Septembre 15 (Mardi) 9 h 00 min - Décembre 16 (Mercredi) 20 h 00 min

Lieu

BnF - Bibliothèque nationale de France

Quai François Mauriac 75013 Paris

BnF - Bibliothèque nationale de FranceQuai François Mauriac 75013 ParisOuvert du mardi au samedi de 9h à 20h, le dimanche de 13h à 19h et le lundi de 14h à 20h

Calendrier GoogleCal

mar01sep14 h 00 minsam03oct(oct 3)18 h 00 minApparent(é)sEric Courtetgalerie Pierre Tal-Coat, artothèque d'Hennebont, 15 Rue Gabriel Péri, 56700 HennebontType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ce qui ne peut être dit il faut le taire : c’est là l’un des aphorismes philosophiques qui a fait couler le plus d’encre depuis son énoncé en 1921, et ce n’est pas en le réduisant à une lapalissade ou une mièvre tautologie qu’on évacuera l’abîme des questions qu’il soulève, ne serait-ce que par cet Il faut agressif qui ouvre grandes les portes du désir de le transgresser, s’il n’est explicité. Et peut-il l’être ?

L’impossibilité du silence est de fait la source du langage, la condition humaine en atteste, on le sait depuis ce vers de Sophocle : Seul ne pas naître vainc toute parole, et on le vérifie depuis tous les jours et ce n’est pas demain qu’adviendra l’époque des illuminés espérée par Henri Michaux où Les animaux feront taire les hommes par leur jacasserie mieux comprise et inégalable. Prix de cet impossible voeu de silence : notre errance vertigineuse dans ce labyrinthe verbal et mystique qu’est la question du Pourquoi ? de notre présence au monde, interrogation qui se clôt le plus souvent par son brutal Parce que.

Mais quel serait donc cet indicible et où se cacherait t-il ? À ciel ouvert dans les mots, ces derniers en sachant plus que nous sur ce qu’ils ont à nous dire et que nous ne saurions pas à même d’entendre ? Dans ce vide sidéral qui précède le A et suivra le Z de notre alphabet personnel ? Dans l’imprononçable tétragramme biblique YHWH ?Dans la simple beauté d’un geste ? D’une danse ? D’une sonate ? D’un poème ? Ou dans notre babil initial qui est le même pour tous les nouveaux-nés par-delà leur origine géographique. Non sans humour, l’auteur de l’aphorisme, Wittgenstein, règlera la question en écrivant plus tard : Je crois que là où tant d’autres pérorent, je me suis arrangé pour tout mettre bien à sa place en me taisant là-dessus.

Homme de l’image photographique, et donc du tremblement devant la révélation, il devait être écrit sous les semelles de Éric Courtet qu’il songerait un jour à ce qui, ne pouvant être dit, soit susceptible d’être montré.
En homme déraisonnable qu’il faut parfois savoir être pour avancer dans son travail, cet artiste a choisi de traiter le problème par l’abord de l’une de ses racines les plus complexes : la relation Pères & Fils que l’on se gardera de limiter ici au chemin de croix et au confessionnal. Il fallait quelques courageux – dont lui-même – pour essuyer les plâtres d’une démarche pour le moins hardie consistant à creuser quatre axes, je les cite : D’où viennent nos pères ? Qui sont-ils ? Que transmettent-ils ? Qu’attendent leurs fils ?

Défi de taille qui implique d’aller à la rencontre, d’être à l’écoute de possibles réponses et plus encore des silences parfois assourdissants où l’on est au plus près de la vérité pour ensuite, par-delà la barrière infranchissable des dents, proposer une accroche fragile, la mettre en scène et finalement tenter de fixer, pour l’éternité et le temps d’un déclic, une image possible des noeuds et secrets obscurs qui relient ces pères et ces fils.

Ce n’est pas à moi ni même au photographe mais aux images ici présentées de dire leurs vérités. Chacune d’elles a sa partie immergée, elle fait face à vos yeux. L’autre, celle cachée de l’iceberg, attend votre silence et que vous lui prêtiez votre oreille. Et à moins que le secret ou l’énigme de chacune ne soit semblable à ces noix dont la splendide coquille ouvre parfois sur le vide, il vous reste à traduire ou écrire ce que l’image vous aura confié. Bon travail.

– Joël Jouanneau.

Dates

Septembre 1 (Mardi) 14 h 00 min - Octobre 3 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

galerie Pierre Tal-Coat, artothèque d'Hennebont

15 Rue Gabriel Péri, 56700 Hennebont

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« Borderline » : traversez les frontières de l’art avec la 14e édition de Miniartextil à Montrouge !

Cette nouvelle édition de l’exposition internationale MINIARTEXTIL, ouverte à tous et gratuite, invite le public à découvrir plus de soixante oeuvres, mini-textiles et installations monumentales, et à flirter avec les limites, les bords et les frontières, sur le thème « Borderline ».

Le 7e Prix Montrouge dévoilé au début de l’exposition

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Marie-Elisabeth De La Fresnaye

Rencontre avec Eve de Medeiros, fondatrice et directrice DDESSIN

Coups de Cœur de l’ANI : Maskface de Gael Cloarec

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« Borderline » : traversez les frontières de l’art avec la 14e édition de Miniartextil à Montrouge !

Cette nouvelle édition de l’exposition internationale MINIARTEXTIL, ouverte à tous et gratuite, invite le public à découvrir plus de soixante oeuvres, mini-textiles et installations monumentales, et à flirter avec les limites, les bords et les frontières, sur le thème « Borderline ».

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