Name: D'îles en lune
Start: 2020-3-12T12-12-00-00
End: 2020-6-30T19-19-00-00
Location: Galerie Esther Woerdehoff

22 mai 2018

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jeu12mar(mar 12)12 h 00 minmar30jui(jui 30)19 h 00 minD'îles en luneMaia FloreGalerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La démarche artistique de Maia Flore s’inscrit dans une recherche de coïncidences entre le réel et son imagination. Son univers, créé de toutes pièces, se traduit par des images émouvantes et envoûtantes qui sont une invitation à partager un voyage en douce utopie.
De sa rencontre avec Saint-Malo lors de la résidence Territoire rêvé Bretagne, réalisée avec la poète Albane Gellé, Maia Flore a retenu l’impermanence des lieux. Qu’est-ce qui existe encore ? Qu’est ce qui subsiste au temps ?
Les lumières sans cesse changeantes, la mer et le mouvement des marées avec ses pleins d’eau et ses déserts de sable, les roches tantôt noires, tantôt scintillantes… forment une collection d’espaces vivants, insaisissables, à la cartographie chaque fois réinventée.
Dans l’image, la photographe imagine une chorégraphie où le corps se place plein cadre ou se perd dans l’immensité comme pour suspendre le temps et attraper pour nous un peu de cette magie évanescente d’un territoire qui n’est déjà plus le même. Dans sa restitution de Saint-Malo, Maia Flore ne reconstruit pas l’espace, elle l’habite avec une douce nostalgie et en retient ses paysages lunaires quasi surréels d’où se dégage un univers aussi intime qu’universel.
Membre de l’agence VU’, la photographe Maia Flore a reçu le Prix pour la photographie HSBC en 2015. Ses photographies et les poèmes d’Albane Gellé ont été réalisés à Saint-Malo dans le cadre de la résidence Territoire rêvé Bretagne, Photographie & Poésie, organisée par l’association l’art à l’ouest.

> Déconfinement covid-19 : La galerie est ouverte du mercredi au samedi, sur rendez-vous exclusivement !

Dates

Mars 12 (Jeudi) 12 h 00 min - Juin 30 (Mardi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisOuvert du mercredi au samedi, de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

mer15jan(jan 15)10 h 00 minven31jul(jul 31)18 h 00 minIn/Out ou comment sortir du studioStudio Harcourt, 6 rue de Lota 75016 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Studio Harcourt présente l’exposition In/Out, et met sous les projecteurs une soixantaine de photographies singulières entre studio, lieux insolites et collaborations inattendues.
Depuis 85 ans la séance photo est rythmée par le même rituel : Silence sur le plateau, et c’est la voix du photographe qui entre en scène pour guider son modèle. Le portrait signé « Harcourt Paris » est intimement lié au studio, univers calfeutré où la lumière est l’apanage du photographe.
Qu’en est-il du savoir-faire unique de Studio Harcourt au-delà des portes du 6 rue de Lota ?
Même si la photographie en lumière continue se pratique principalement en studio, elle n’empêche pas d’en sortir.
Dès 1930 Studio Harcourt se rend dans les théâtres et salles de spectacles afin de photographier les artistes sur scène, expérience renouvelée en 2018 au Théâtre des Champs Élysées.
Hors les murs la photographie trouve un autre moyen de s’exprimer sans rien enlever à sa technique héritée du cinéma noir et blanc. Si en studio il est souvent impossible de dater ni même d’identifier la fonction du modèle, l’isolation du sujet de son contexte ne s’applique pas à l’intégralité des portraits Studio Harcourt.
Au-delà des salles de spectacle la photographie se réinvente au travers d’autres formes artistiques comme le (P)Harcourt artistique proposé en 2018 dans le cadre de l’été du Canal. Un dialogue entre les arts où le caractère éphémère d’oeuvres street-art rencontre l’éternité du portrait photographique.
L’exposition s’organise autour de trois thématiques : Au théâtre, Studio Harcourt In Situ et Studio Harcourt un art de rue ? In/Out propose au visiteur de découvrir une autre facette du savoir-faire Studio Harcourt. A travers des icônes populaires comme Johnny Halliday, Raphaël Varane et des personnages atypiques comme le couple Guerlain, le duo Die Antwoord, Studio Harcourt s’affirme encore et toujours comme précuseur et acteur d’une photographie en mouvement.

Photo : César sculpteur, 2005 © Studio Harcourt Paris | César par Joachim Romain, (P)Harcourt artistique du Canal de l’Ourcq, 2018 ©Studio Harcourt Paris

Dates

Janvier 15 (Mercredi) 10 h 00 min - Juillet 31 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Studio Harcourt

6 rue de Lota 75016 Paris

Calendrier GoogleCal

jeu26marmer01julPhilip-Lorca diCorciaDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner a le plaisir d’annoncer la prochaine exposition de photographies de Philip-Lorca diCorcia à Paris. L’exposition présente une sélection d’images tirées des séries réalisées par l’artiste pour W Magazine entre 1997 et 2008, et comprend notamment des images inédites.
Philip-Lorca diCorcia s’est imposé dans les années 1980 en tant que représentant d’une nouvelle génération de photographes qui cherchaient à explorer et à dépasser les limites du médium. Au cours des trois dernières décennies, il a été reconnu pour ses photographies méticuleusement scénographiées et réalisées, mettant en scène une variété d’individus parmi lesquels des amis, des membres de sa famille, des anonymes, des pole danseurs ou des racoleurs. Mettant en scène ses sujets dans des positions et des univers très construits bien qu’apparemment fortuits, diCorcia produit des images à l’opposé d’instantanés candides, explorant plutôt la tension entre pose et naturel, hasard et destinée. Tout à la fois documentaire et théâtral, son travail évolue dans les interstices entre fiction et réalité.
À partir de 1997, diCorcia entreprend des voyages à travers le monde en vue de produire des séries de photos pour W Magazine. Mettant en scène ses propres mannequins professionnels ou des personnes rencontrées sur les lieux par hasard, ces images tissent des récits chargés d’histoires. Elles semblent parfois éloignées des codes esthétiques de l’industrie de la mode qui mettent traditionnellement l’accent sur la beauté et sur l’harmonie. À la place, elles impliquent un équilibre délicat entre glamour et audace, rêverie et ironie. Photographiant à Bangkok, au Caire, à La Havane, à Los Angeles, à New York, à São Paulo et à Saint-Pétersbourg, diCorcia crée alors des séries très distinctes qui regorgent de significations ambiguës et de connotations fortes tandis que les personnages apparaissent et réapparaissent dans une myriade de décors.
Bien que ces images tirent leur substance de la vie quotidienne, il semble qu’il y ait en elles une dimension symbolique par laquelle elles transcendent leur présentation vive et frontale. Comme le note l’écrivaine Mary Gaitskill à propos de ces séries, « ces images sont très différentes dans leurs lieux et dans leur « histoire » la plus visible. Ce qu’elles partagent réside dans la profondeur de leur champ, le sentiment qu’il y a en elles une histoire bien plus grande et bien plus étrange que diCorcia nous permet d’appréhender, comme nous appréhendons brièvement, souvent sans même nous en rendre compte ou sans nous en soucier, la vie intérieure d’un inconnu ou le bourdonnement inhumain de la nature. Il paraît évident qu’il porte son attention sur le jeu des structures sociales, la fiévreuse individualité de la vie humaine – mais l’élémentaire, tel qu’il est exprimé physiquement, aperçu visuellement mais finalement indéfinissable, est, quant à lui,discrètement mais somptueusement présent dans son travail »*.
La sélection d’œuvres présentées dans l’exposition comprend l’une des images les plus emblématiques de la série, une photographie mettant en scène l’actrice Isabelle Huppert dont le visage se détache de la foule des passants d’une rue parisienne bondée et plongée dans l’obscurité. Une autre image caractéristique de la série a été prise à New York en 2000 et semble représenter une famille aisée déjeunant au sommet d’une des tours du World Trade Center, la seconde tour étant visible par les baies vitrées. Une autre image encore jamais exposée est une photographie de 1998 prise à Los Angeles dans l’intérieur obscur d’une cabine d’avion avec la présence d’une femme seule debout, un sentiment d’inquiétude sur le visage. Une image prise au Caire en 2008, également exposée pour la première fois, montre deux figures assises sur un bâtiment inachevé ou partiellement démoli avec les pyramides de Gizeh en arrière-plan.
L’ensemble des œuvres présentées illustrent l’engagement critique et le détachement de diCorcia vis-à-vis des attentes traditionnelles liées au genre photographique. Hautement stylisées et méticuleusement élaborées, elles sont tout à la fois de somptueuses représentations visuelles de la maîtrise technique de diCorcia et des réflexions évocatrices sur la classe, la société et le statut de l’image photographique dans la culture contemporaine.
Né en 1951 à Hartford dans le Connecticut, Philip-Lorca diCorcia a étudié à l’école du Musée des Beaux-Arts de Boston et fut diplômé en 1979 de l’Université de Yale, New Haven, Connecticut. Sa première exposition individuelle fut organisée au MoMA de New York en 1993. David Zwirner représente son travail depuis 2007 et il s’agit de la 7ème exposition personnelle présentée par la galerie. En 2011, ELEVEN, une édition complète reprenant l’intégralité des onze séries photographiques réalisées par diCorcia pour W Magazine fut publiée par Freedman Damiani. La publication de cet ouvrage coïncidait avec une exposition éponyme d’une sélection d’images tirées des séries à la galerie David Zwirner de New York.
D’importantes expositions personnelles de diCorcia ont été organisées par le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1997), par le Sprengel Museum de Hanovre (2000), par la Whitechapel Gallery de Londres (2003), par le Foam Fotografiemuseum d’Amsterdam (2006), par l’Institute of Contemporary Art de Boston (2007) et par le Los Angeles County Museum of Art (2008).
En 2013, la Schirn Kunsthalle de Francfort a organisé une importante rétrospective sur l’ensemble de la carrière de diCorcia qui a notamment rassemblé plus d’une centaine de photographies issues de six séries. L’exposition fut ensuite présentée la même année au musée De Pont de Tilburg aux Pays-Bas, puis au Hepworth Wakefield en Grande-Bretagne en 2014. Elle reste à ce jour la présentation la plus complète de son œuvre en Europe. En 2012, une sélection de tirages de diCorcia fut présentée dans le cadre de la grande rétrospective consacrée au peintre américain Edward Hopper au Grand Palais, à Paris.
Les œuvres de diCorcia sont conservées dans les plus grandes collections publiques internationales et notamment au Centre Georges Pompidou, Paris ; au De Pont Museum, Tilburg, Pays-Bas ; au Los Angeles County Museum of Art ; au Metropolitan Museum of Art, New York ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; au Museum of Modern Art, New York ; à la National Gallery of Art, Washington, DC ; au National Museum of Modern Art, Tokyo ; au San Francisco Museum of Modern Art ; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; à la Tate de Londres ; au Victoria and Albert Museum de Londres ; et au Whitney Museum of American Art de New York. Philip-Lorca diCorcia vit et travaille à New York. Il enseigne à l’université de Yale de New Haven, dans le Connecticut.
*Mary Gaitskill, “On Philip-Lorca diCorcia,” in Eleven: W Stories 1997–2008(Bologne, Italie: Freedman Damiani, 2011), n.p.

Dates

Mars 26 (Jeudi) 11 h 00 min - Juillet 1 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer08avr0 h 00 minlun08jui0 h 00 min10ème édition de Visa d’or humanitaire du Comité International de la Croix-Rouge (CICR) Organisateur: Visa pour l'image - Perpignan Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

ven06mar(mar 6)11 h 00 minsam27jui(jui 27)19 h 00 minJe t'AimeAntanas SutkusGalerie Durev Events, 56 bd de la tour Maubourg 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Pour photographier les gens, il faut les aimer »
Antanas Sutkus

On a tous besoin d’amour.
Aujourd’hui, plus que jamais, l’image photographique est cet outil dont on s’arme en quête d’amour. On clique, on like, on partage, on utilise ce mot ‘aimer’, en le distribuant, en le fractionnant sans compter. Avec un seul but : être aimé en retour.
On se veut maître de la situation, mais on se piège dans l’absurdité de cette course folle de consommation rapide. Frustrés, vidés, perdus, on a besoin d’une source vraie, pure, désintéressée.
Antanas Sutkus (né en 1939) captait l’’amour à la fois en tant qu’homme, humaniste, photographe, patriote. Son pays natal, sa Lituanie et son peuple fier et résistant à l’invasion soviétique, lui ont inspiré tant d’amour, que chaque image le respire, l’irradie…En donne.
A cette époque où toutes les images produites sur le territoire d’URSS étaient celles de la propagande, directe ou indirecte, où les photographes s’autocensuraient, toute parole visuelle honnête était un exploit, un acte courageux.
Et plus l’image était photographiquement et humainement vraie et juste, libre de toute contrainte politique, d’arrière pensée, de soumission à la pression du pouvoir… Plus le message d’amour était fort.
Les photos d’Antanas Sutkus, non posées, non mises en scène, sont des portraits de gens concrets, de connaissances de l’artiste ou d’inconnus, rencontrés dans la rue, mais elles sont aussi avant tout des symboles intemporels. Et souvent, dans les pays différents, les gens se reconnaissent en petits enfants sur les images (comme sur la fameuse « La main de la mère » de 1964), tant Sutkus a su saisir les sentiments les plus beaux, les plus simples et les plus profonds.
Né et élevé à la campagne, Antanas Sutkus photographie les villages et leurs habitants avec une telle tendresse, justesse et poésie, que ses personnages nous semblent familiers, comme cette tante Agata qui fonce sur l’objectif, ou ce garçon insouciant sur une barre, par ailleurs première photographie du jeune Sutkus.
La vie en ville, où Sutkus a déménagé pour ses études universitaires en 1959, est plus fugace, tendue, dense, rapide. La ville se laisse photographiée différemment. L’artiste y trouve son propre rythme géométrique des paysages vus du ciel, ou des gens pressés, soucieux, concentrés. Sutkus sait révéler leur moi caché, fondamental. Photographiés de face, de dos, en ombre sous la pluie – les personnages de Sutkus ne peuvent pas se cacher de son oeil intuitif, de son regard qui saisit l’essentiel chez l’être humain.
Antanas Sutkus disposait de 2 outils dans son art : un appareil photo et un coeur dont les battements se mêlent aux nôtres, déclenchant une réaction en chaîne : celle de l’amour désintéressé qu’on cherche tant …

Dates

Mars 6 (Vendredi) 11 h 00 min - Juin 27 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Durev Events

56 bd de la tour Maubourg 75007 Paris

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