28 mai 2018

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mer20mai13 h 30 minsam20jui18 h 30 minUlyssesLeïla BousninaGalerie FAIT & CAUSE, 58 rue Quincampoix 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Ces hommes ont immigré en France pendant les « 30 Glorieuses », alors que les entreprises industrielles françaises en manque de main-d’œuvre faisaient appel à ces natifs du Maghreb et de l’Afrique sub-saharienne. Ces jeunes travailleurs représentaient une main-d’œuvre abondante, peu coûteuse et laborieuse venue en majorité des régions rurales.
Adulte, je voyais leurs discrètes silhouettes dans l’espace public, ils avaient atteint l’âge de la retraite et restaient invisibles et coupés d’une société qu’ils avaient pourtant contribué à bâtir et à développer… En parcourant la ville de Marseille, je m’arrêtais souvent dans le quartier de Belsunce, attirée par l’ambiance du « Marché aux Voleurs » installé clandestinement sur la place d’Aix, où des biffins vendaient à même le sol toutes sortes de petites marchandises. La place était spécialement appréciée des « chibanis » (les anciens) qui venaient tuer le temps. La majorité d’entre eux déambulait à travers les étalages comme dans un musée, d’autres restaient assis aux alentours, observant l’animation sous les rayons du soleil, d’autres encore dans le besoin, vendaient avec dignité des bricoles à quelques centimes.
De là, est née cette envie irrépressible de les photographier…
À travers « ces Ulysses », il m’est permis de graver la mémoire de nos aînés et ainsi rendre hommage à ces hommes et à toutes les vagues migratoires qui ont marqué et marquent encore l’histoire de ce pays dans toute sa diversité. »
Leïla Bousnina

Dates

Mai 20 (Mercredi) 13 h 30 min - Juin 20 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie FAIT & CAUSE

58 rue Quincampoix 75004 Paris

Galerie FAIT & CAUSE58 rue Quincampoix 75004 ParisOuvert du mardi au samedi, de 13h30 à 18h30. Entrée libre

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jeu18jui(jui 18)10 h 00 mindim06sep(sep 6)19 h 00 minSabine Weiss, une vie de photographeLe Kiosque Espace d’exposition dédié à la photographie, Esplanade Simone Veil - Rive droite du port - 56000 VannesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre de sa programmation culturelle estivale, la ville de Vannes présente une exposition rétrospective de l’oeuvre de Sabine Weiss du 18 juin au 6 septembre prochain au Kiosque.
Après avoir déjà exposé le travail de Sabine Weiss avec la série Portugal, 1954, à l’occasion de l’édition 2014 du festival Photo de mer, la ville de Vannes a le plaisir de présenter à nouveau le travail de cette grande photographe humaniste.
L’exposition Sabine Weiss, une vie de photographe a été spécialement recréée pour le Kiosque à partir de l’exposition réalisée par le Jeu de Paume et présentée au Château de Tours en 2016, sous le commissariat de Virginie Chardin, historienne de la photographie.
Cette exposition retrace le parcours artistique de Sabine Weiss à travers 7 thèmes emblématiques du travail de la photographe : Paris, les États-Unis, Enfances, l’Europe, la Mode, Portraits d’artistes et Solitudes.
En complément de l’exposition, une sélection de photographies sur la Bretagne des années 50 par Sabine Weiss sera présentée en grands formats à l’extérieur à côté du Kiosque.

Sabine Weiss est la dernière représentante de l’école humaniste française qui réunit Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Jean Dieuzaide, Brassaï ou Izis.
À travers photographies, films et documents, cette exposition laisse entrevoir les multiples facettes de cette photographe prolifique, pour laquelle la photographie constitue avant tout un métier passionnant.
Née en 1924, Sabine se dirige très jeune vers la photographie.
En 1946, elle quitte Genève pour Paris et devient l’assistante de Willy Maywald, photographe allemand installé à Paris et spécialisé dans la mode et les portraits. Au moment de son mariage avec le peintre américain Hugh Weiss en 1950, elle se lance comme photographe indépendante et fréquente le milieu des artistes d’après-guerre. Ceci l’amène à photographier de nombreux peintres et sculpteurs mais aussi des musiciens, écrivains et comédiens.
Vers 1952, Sabine Weiss rejoint l’agence Rapho et son travail personnel est reconnu aux États-Unis. Elle est représentée dans la célèbre exposition The Family of Man organisée par Edward Steichen en 1955 et elle travaille de façon durable pour des revues comme le New York Times Magazine, Life, Newsweek, Vogue, Point de Vue, Images du Monde, Paris Match, Esquire, Holiday. Jusqu’aux années 2000, Sabine Weiss n’a cessé de travailler pour la presse illustrée française et internationale, mais aussi pour de nombreuses institutions et marques, enchaînant travaux de reportages, mode, publicité, portraits de personnalités et sujets de société.
À la fin des années 1970, son oeuvre bénéficie de l’intérêt grandissant des festivals et institutions pour la photographie humaniste, ce qui lui donne envie de reprendre un travail en noir et blanc. Elle développe alors, la soixantaine passée, une nouvelle oeuvre personnelle plus mélancolique et rythmée par des voyages en France et à l’étranger. Depuis lors, les hommages se multiplient, contribuant à l’aura d’une photographe indépendante et vive, sensible à l’être humain et à sa vie quotidienne.

Virginie Chardin
Commissaire de l’exposition

Dates

Juin 18 (Jeudi) 10 h 00 min - Septembre 6 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Kiosque Espace d’exposition dédié à la photographie

Esplanade Simone Veil - Rive droite du port - 56000 Vannes

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sam08fev(fev 8)10 h 30 mindim20sep(sep 20)18 h 00 minMondo DERNIER CRI !!Une Internationale SérigrafikeMusée International des Arts Modestes, 23 quai Maréchal de Lattre de Tassigny, 34200 SèteType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

L’exposition Mondo DERNIER CRI envahit les plateaux du MIAM (Musée International des Arts Modestes) du 8 février au 20 septembre 2020 avec une rétrospective sur 26 ans d’édition du Dernier Cri (plus de 400 livres, 200 estampes en sérigraphies, 5 films d’animations…), le tout augmenté d’un panorama subjectif sur certains acteurs internationaux (ateliers, artistes) croisés par Le Dernier Cri durant toute son aventure éditoriale et sérigraphique .

La technique de la sérigraphie, plat principal de l’exposition, permet la reproduction d’images via la superposition successive de couches de couleurs sur une feuille à l’aide d’écrans de soie et de films exposés à la lumière. Elle laisse libre court à des œuvres à la fois spontanées et sérielles, conservant une qualité artisanale avec une force primordiale donnée au travail de la couleur.

En sollicitant des artistes de tous les pays, l’exposition défend la propagation d’ouvrages artisanaux à contenu graphique : l’image y a une place prépondérante, réalisée de a à z, de manière souvent collégiale. D’autre part, ces « undergraphistes » sont généralement en marge du marché de l’art et de la grande distribution éditoriale.

A travers ces procédés de reproduction les personnalités se rencontrent par le biais de festivals et autres lieux d’échange.

Commissaire : Pakito Bolino – Co-créateur de l’association Le Dernier Cri.

Le Dernier Cri
Basé depuis 1995 à la Friche de la Belle de Mai, Le Dernier Cri est un collectif d’auteurs né du mouvement « undergraphique » (édition graphique alternative autoproduite/ mouvement international).

Le Dernier Cri s’attache depuis 25 ans à promouvoir les travaux d’auteurs évoluant à la fois en marge de l’industrie du livre, de l’art contemporain, et à la frontière de l’art brut et de l’art singulier. Tout en étant solidement ancré dans ce qui constitue sa singularité éditoriale (édition d’art artisanale, réalisée en sérigraphie, expertise dans la gestion expérimentale de la couleur), le catalogue du Dernier Cri s’ouvre à des modes narratifs toujours renouvelés et novateurs. 
Ce mélange des styles fait du Dernier Cri le véritable laboratoire d’une édition inventive, toujours grinçante et singulière, en prise avec les préoccupations sociétales (hybridation des cultures internationales, mutation de la culture de masse, omniprésence des images).

Heures d’ouvertures
– du 1er octobre au 31 mars : du mardi au dimanche de 09h30 à 12h00 et de 14h00 à 18h00.
– du 1er avril au 30 septembre : tous les jours de 09h30 à 19h00
Visites guidées du lundi au vendredi à 14h30 et 16h
Fermetures annuelles : 1er mai, 1er novembre, 25 décembre et 1er janvier

Tarifs
– Adultes : 5,60 euros
– Groupes de plus de 10 personnes : 3, 60 euros
– Etudiants, 10-18 ans : 2,60 euros

Gratuit pour les moins de 10 ans, demandeurs d’emploi, groupes scolaires sétois, et le premier dimanche du mois

Dates

Février 8 (Samedi) 10 h 30 min - Septembre 20 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée International des Arts Modestes

23 quai Maréchal de Lattre de Tassigny, 34200 Sète

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jeu26marmer01julPhilip-Lorca diCorciaDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner a le plaisir d’annoncer la prochaine exposition de photographies de Philip-Lorca diCorcia à Paris. L’exposition présente une sélection d’images tirées des séries réalisées par l’artiste pour W Magazine entre 1997 et 2008, et comprend notamment des images inédites.
Philip-Lorca diCorcia s’est imposé dans les années 1980 en tant que représentant d’une nouvelle génération de photographes qui cherchaient à explorer et à dépasser les limites du médium. Au cours des trois dernières décennies, il a été reconnu pour ses photographies méticuleusement scénographiées et réalisées, mettant en scène une variété d’individus parmi lesquels des amis, des membres de sa famille, des anonymes, des pole danseurs ou des racoleurs. Mettant en scène ses sujets dans des positions et des univers très construits bien qu’apparemment fortuits, diCorcia produit des images à l’opposé d’instantanés candides, explorant plutôt la tension entre pose et naturel, hasard et destinée. Tout à la fois documentaire et théâtral, son travail évolue dans les interstices entre fiction et réalité.
À partir de 1997, diCorcia entreprend des voyages à travers le monde en vue de produire des séries de photos pour W Magazine. Mettant en scène ses propres mannequins professionnels ou des personnes rencontrées sur les lieux par hasard, ces images tissent des récits chargés d’histoires. Elles semblent parfois éloignées des codes esthétiques de l’industrie de la mode qui mettent traditionnellement l’accent sur la beauté et sur l’harmonie. À la place, elles impliquent un équilibre délicat entre glamour et audace, rêverie et ironie. Photographiant à Bangkok, au Caire, à La Havane, à Los Angeles, à New York, à São Paulo et à Saint-Pétersbourg, diCorcia crée alors des séries très distinctes qui regorgent de significations ambiguës et de connotations fortes tandis que les personnages apparaissent et réapparaissent dans une myriade de décors.
Bien que ces images tirent leur substance de la vie quotidienne, il semble qu’il y ait en elles une dimension symbolique par laquelle elles transcendent leur présentation vive et frontale. Comme le note l’écrivaine Mary Gaitskill à propos de ces séries, « ces images sont très différentes dans leurs lieux et dans leur « histoire » la plus visible. Ce qu’elles partagent réside dans la profondeur de leur champ, le sentiment qu’il y a en elles une histoire bien plus grande et bien plus étrange que diCorcia nous permet d’appréhender, comme nous appréhendons brièvement, souvent sans même nous en rendre compte ou sans nous en soucier, la vie intérieure d’un inconnu ou le bourdonnement inhumain de la nature. Il paraît évident qu’il porte son attention sur le jeu des structures sociales, la fiévreuse individualité de la vie humaine – mais l’élémentaire, tel qu’il est exprimé physiquement, aperçu visuellement mais finalement indéfinissable, est, quant à lui,discrètement mais somptueusement présent dans son travail »*.
La sélection d’œuvres présentées dans l’exposition comprend l’une des images les plus emblématiques de la série, une photographie mettant en scène l’actrice Isabelle Huppert dont le visage se détache de la foule des passants d’une rue parisienne bondée et plongée dans l’obscurité. Une autre image caractéristique de la série a été prise à New York en 2000 et semble représenter une famille aisée déjeunant au sommet d’une des tours du World Trade Center, la seconde tour étant visible par les baies vitrées. Une autre image encore jamais exposée est une photographie de 1998 prise à Los Angeles dans l’intérieur obscur d’une cabine d’avion avec la présence d’une femme seule debout, un sentiment d’inquiétude sur le visage. Une image prise au Caire en 2008, également exposée pour la première fois, montre deux figures assises sur un bâtiment inachevé ou partiellement démoli avec les pyramides de Gizeh en arrière-plan.
L’ensemble des œuvres présentées illustrent l’engagement critique et le détachement de diCorcia vis-à-vis des attentes traditionnelles liées au genre photographique. Hautement stylisées et méticuleusement élaborées, elles sont tout à la fois de somptueuses représentations visuelles de la maîtrise technique de diCorcia et des réflexions évocatrices sur la classe, la société et le statut de l’image photographique dans la culture contemporaine.
Né en 1951 à Hartford dans le Connecticut, Philip-Lorca diCorcia a étudié à l’école du Musée des Beaux-Arts de Boston et fut diplômé en 1979 de l’Université de Yale, New Haven, Connecticut. Sa première exposition individuelle fut organisée au MoMA de New York en 1993. David Zwirner représente son travail depuis 2007 et il s’agit de la 7ème exposition personnelle présentée par la galerie. En 2011, ELEVEN, une édition complète reprenant l’intégralité des onze séries photographiques réalisées par diCorcia pour W Magazine fut publiée par Freedman Damiani. La publication de cet ouvrage coïncidait avec une exposition éponyme d’une sélection d’images tirées des séries à la galerie David Zwirner de New York.
D’importantes expositions personnelles de diCorcia ont été organisées par le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1997), par le Sprengel Museum de Hanovre (2000), par la Whitechapel Gallery de Londres (2003), par le Foam Fotografiemuseum d’Amsterdam (2006), par l’Institute of Contemporary Art de Boston (2007) et par le Los Angeles County Museum of Art (2008).
En 2013, la Schirn Kunsthalle de Francfort a organisé une importante rétrospective sur l’ensemble de la carrière de diCorcia qui a notamment rassemblé plus d’une centaine de photographies issues de six séries. L’exposition fut ensuite présentée la même année au musée De Pont de Tilburg aux Pays-Bas, puis au Hepworth Wakefield en Grande-Bretagne en 2014. Elle reste à ce jour la présentation la plus complète de son œuvre en Europe. En 2012, une sélection de tirages de diCorcia fut présentée dans le cadre de la grande rétrospective consacrée au peintre américain Edward Hopper au Grand Palais, à Paris.
Les œuvres de diCorcia sont conservées dans les plus grandes collections publiques internationales et notamment au Centre Georges Pompidou, Paris ; au De Pont Museum, Tilburg, Pays-Bas ; au Los Angeles County Museum of Art ; au Metropolitan Museum of Art, New York ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; au Museum of Modern Art, New York ; à la National Gallery of Art, Washington, DC ; au National Museum of Modern Art, Tokyo ; au San Francisco Museum of Modern Art ; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; à la Tate de Londres ; au Victoria and Albert Museum de Londres ; et au Whitney Museum of American Art de New York. Philip-Lorca diCorcia vit et travaille à New York. Il enseigne à l’université de Yale de New Haven, dans le Connecticut.
*Mary Gaitskill, “On Philip-Lorca diCorcia,” in Eleven: W Stories 1997–2008(Bologne, Italie: Freedman Damiani, 2011), n.p.

Dates

Mars 26 (Jeudi) 11 h 00 min - Juillet 1 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

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sam18jan(jan 18)15 h 00 minsam20jui(jui 20)18 h 30 minL'Île fauveMarine LanierGalerie l'Imagerie, 19, rue Jean Savidan 22300 LannionType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Marine Lanier développe une pratique photographique qui s’enracine dans la fable documentaire, déployant un univers visuel poétique qui mêle récits intimes et mythologies collectives. Son exposition L’île fauve présente deux séries récentes, amples et qui se font écho : Le Soleil des loups (2018) et Le Capitaine de vaisseau (2014 – en cours).

Tout le monde sait que le bateau fuit
Tout le monde sait que le capitaine a menti
Everybody knows, Leonard Cohen

La maison éclate de lumière au milieu de la végétation. Elle est l’île fauve, le rocher vers lequel nous accostons tous les soirs. Le serpent est la frontière entre le monde des habitants, celui des villageois, des errants, des étrangers. Je garde de ce passé un mélange de géographie, de terres inexplorées, de franges noires et vertes, de navires qui accostent la nuit. Les tapisseries de l’étage sont gorgées d’eau. Mes yeux s’affolent au milieu du grand feuillage. Je ne trouve pas de sens à ce dessin. Je suis à l’intérieur d’un labyrinthe fait de branches, de lianes, de tunnels qui s’enfoncent dans la jungle. De grandes fresques habitent les murs — des photographies de bateau, de tempête, de naufrage, d’archipel, de palmiers. Des plantes que je n’ai jamais vues, vertes, jaunes, bleues s’entremêlent. Des bêtes se battent à l’intérieur de mon corps. J’entends les récits du Capitaine. J’ai le souvenir de soleils qui ne veulent pas s’éteindre — de l’océan. Quelque chose n’en finit pas de répéter le mouvement de l’onde.
L’île fauve se déplace sur un fleuve du sud, j’y retourne souvent, je revois en rêve les méandres du Mississipi — il y a l’ancienne pépinière où travaille mon père, sous les bâches, des plantes rouges, oranges, brulées, ramenées de l’ancienne Indochine, eldorado de mon enfance, traversé de faste et de déclin, de cercles et de chutes.
L’île fauve est habitée par deux frères. Ils vivent au-dessus du volcan. Ils descendent dans le feu. Ce sont les gardiens du sanctuaire. Ils se baignent dans les cavités. Ils consument leur regard aux météores. Ils escaladent le relief inversé. Ils dorment dans l’herbe des cratères. Ils s’abritent dans les grottes. La rivière est cachée sous les arbres. Ils grandissent sur le plateau de l’éclipse. Ils pêchent. Ils chassent. Ils creusent les chemins. Ils construisent des cabanes. Ils vivent au creux des observatoires. Ils capturent les salamandres. Le territoire leur appartient.
La lande est habitée par leur clan. Ils disparaissent dans les fougères, se cachent sous la lune – inventent des totems, recouvrent leur visage de suie – s’affrontent en duel. Les faux jumeaux meurent dans le soleil. Ils restent prisonniers au milieu des clairières. Ils accomplissent les rituels. Je connais leur royaume.
À la fonte des glaces, je déterre les racines sur l’île fauve. Je monte dans le canoë jaune. Je pagaie autour de la maison. Je m’étourdis dans le long serpent noir. Je longe les murs qui se fissurent. Je passe mes doigts dans les lézardes pour écarter les murs, découvrir d’autres pièces secrètes, d’autres escaliers qui descendent vers des plages noires recouvertes de pierres phosphorescentes qui mènent à la rivière. Je pagaie des heures, le dos droit, je vis parmi ces indiens d’Amérique qui connaissent par coeur les méandres, le réseau hydraulique tatoué sur leur dos — regardent les cartes comme des vaisseaux sanguins. Je vais jusqu’au rocher blanc, le plus haut point de la rivière. Je regarde l’ange noir plonger dans la nuit. Il connaît les algues qui se cachent sous la surface de l’eau. La lumière jaune des canoës apparait. Leur mouvement crée un sillage bleu dans l’eau noire. Une ombre un peu plus claire, moins dense que la nuit — long secret dans lequel je descends. Les lianes me frôlent. La nuit enveloppe mes mains — elle noue mes poignets au siens.
Marine Lanier

Née à Valence en 1981, Marine Lanier vit et travaille entre Crest et Lyon.
Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles en 2007, elle est représentée par la Galerie Jörg Brockmann à Genève. Elle expose
son travail en France et à l’étranger.
En 2019, elle est finaliste du « Prix de l’eau » de la Fondation François Schneidder (Watwiller). Elle est par ailleurs lauréate du Prix Unveil’d 2017 (Londres),
du Prix Fotofilmic 2016 (Vancouver), du Prix Arca Swiss 2007 (Genève) et du Prix Photographie Maison Blanche#3 dans le cadre de Marseille-Provence 2013.
Elle est sélectionnée pour les prix La Nuit de l’instant (Marseille), Les Boutographies (Montpellier), Descubrimientos, PHoto España (Madrid), Voies off (Arles), Encontros da imagem (Braga), First Book Award / Mack (Londres).
Elle a entre autres exposé à La Biennale de la Photographie de Mulhouse, au Chengdu Blueroof Art Museum (Chine), à la Samsøn Gallery (Boston), chez Théophile Paper’s (Bruxelles), la Galerie Mad, la galerie La Traverse, au Frac PACA (Marseille), à Itinéraires des photographes voyageurs (Bordeaux), au CAC Château des Adhémar (Montélimar), à la galerie Michèle Chomette (Paris), à l’Artothèque de Grenoble, durant le festival PhotoIreland (Dublin) et Jeune Création à la galerie Thaddaeus Ropac, à la Progress gallery (Paris), DNJ Gallery (Los Angeles, USA), Monash Gallery (Melbourne, Australie), Burrard Arts Foundation (Vancouver, Canada), Lux Scène Nationale (Valence), lors des 22ème Rencontres Photographiques en Pays de Lorient et à la galerie Jörg Brockmann (Genève).
En 2017, elle participe au projet AZIMUT du collectif Tendance floue, centré autour de la marche à travers le territoire français, prochainement édité aux éditions Textuel et qui sera présenté au Musée Nièpce de Châlons sur Saône et aux Photomnales de Beauvais.
Lauréate de la commande Flux, une société en mouvement, elle exposera également sa série Les Contrebandiers aux Photaumnales de Beauvais en septembre 2020 et intègre la collection du Centre national des arts plastiques (CNAP).
Sa dernière série, Le Soleil des loups, est exposée au Prix Voies Off (Arles), à l’Espace d’Art plastique de Vénissieux dans le cadre de Lyon Septembre de la photographie, à la foire d’Unseen (Amsterdam), à la Aff Gallery (Berlin), au 104 à Paris durant le Festival Circulations, à l’Hôtel Fontfreyde de Clermont-Ferrand, au Château d’Esquelbec à Lille, à la galerie Jörg Brockmann (Genève), durant le festival L’observatoire du grand est (Nancy).
Une monographie, Nos feux nous appartiennent, accompagnée par un texte de l’écrivain Emmanuelle Pagano, est publiée chez Poursuite (Arles-Paris) et éditions JB (Genève). Le Soleil des loups sera prochainement édité aux éditions Poursuite.

Dates

Janvier 18 (Samedi) 15 h 00 min - Juin 20 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie l'Imagerie

19, rue Jean Savidan 22300 Lannion

Galerie l'Imagerie19, rue Jean Savidan 22300 LannionD’octobre à juin : ouvert du mardi au samedi, de 15h à 18h30. Le jeudi : de 10h30 à 12h30 et de 15h à 18h30. En juillet, août et septembre : ouvert du mardi au samedi, de 10h30 à 12h30 et de 15h à 18h30. Sauf jours fériés. Entrée libre

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