Name: 25ème Commémoration du génocide des Tutsi au Rwanda
Start: 2019-4-4T10-10-00-00
End: 2019-11-30T18-18-00-00
Location: Mémorial de la Shoah

Minorités

#Carte Blanche #Droits de Femmes #Femmes Photographes #Manifeste #Minorités

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mar26fev(fev 26)0 h 00 mindim02jui(jui 2)0 h 00 minMuseum of the RevolutionGuy TillimFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Lauréat du Prix HCB 2017, attribué grâce au soutien de la Fondation d’entreprise Hermès, le sud-africain Guy Tillim (né en 1962) s’est attaché, avec cette nouvelle série Museum of the Revolution, à observer les effets de la décolonisation dans les grandes capitales africaines.

De longues déambulations l’ont conduit ces dernières années de Johannesbourg à Durban, Maputo, Beira, Harare, Nairobi, Kampala, Addis-Abeba, Luanda, Libreville, Accra, Abidjan, Dakar et Dar es Salaam. Les avenues, nommées et renommées, agissent en témoins silencieux des flux et reflux des changements politiques, économiques et sociaux. Elles sont devenues «le musée» des deux révolutions majeures qui ont vu le jour dans ces pays lors des dernières décennies : des régimes coloniaux aux régimes postcoloniaux, avec des emprunts aux pratiques socialistes, puis du nationalisme africain aux États capitalistes.

Guy Tillim a reçu de nombreux prix, parmi lesquels le Higashikawa Overseas Photographer Award en 2003, le Daimler-Chrysler Award for South African Photography en 2004, le prix Leica Oskar Barnack 2005. Il a été le lauréat des résidences photographiques du musée du quai Branly en 2015. Le travail de Guy Tillim a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles comme celles au Centre photographique d’Ile-de-France, à la Fondation Serralves à Porto ou au musée Peabody à Harvard. Les œuvres de l’artiste ont également été présentées lors d’expositions collectives, notamment Africa Remix, l’art contemporain d’un continent, au Centre Pompidou en 2005, à la Biennale de São Paulo en 2006 et à la documenta 12 à Kassel en 2007. L’exposition à la Fondation HCB est accompagnée d’un ouvrage publié aux Éditions Mack.

Photo : Azikiwe St, Dar es Salaam, Tanzanie, 2017 © Guy Tillim, Courtesy of Stevenson, Cape Town and Johannesburg

Dates

Février 26 (Mardi) 0 h 00 min - Juin 2 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

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jeu04avr(avr 4)10 h 00 minsam30nov(nov 30)18 h 00 min25ème Commémoration du génocide des Tutsi au RwandaMémorial de la Shoah, 17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

À l’occasion de la 25e commémoration du génocide des Tutsi au Rwanda, le Mémorial de la Shoah poursuit son travail pour la reconnaissance et la mémoire des génocides en mobilisant pour la première fois ses espaces d’exposition simultanément à Paris et à Drancy.

Entre le 7 avril et la mi-juillet 1994, près d’un million de personnes sont mortes assassinées au Rwanda : en moins de trois mois, les trois quarts de la population tutsi ont péri au cours du dernier génocide du XXe siècle. Événement historique majeur, le génocide des Tutsi rwandais n’est pas le fruit d’un soudain accès de folie collective. Le 7 avril 1994, lorsque débute l’extermination des Tutsi, les tueurs mobilisent toutes les ressources matérielles et humaines d’un État pour la mise à mort de masse : sur les collines et dans les quartiers, ils s’adonnent alors à la traque et à l’assassinat de leurs voisins. L’efficacité et la rapidité du massacre systématique des hommes, des femmes et des enfants tutsi rendent compte de la préparation minutieuse des tueries. L’ampleur et la cruauté particulière de ce génocide constituent un défi moral mais aussi intellectuel.

Cette double exposition est une opportunité unique de se pencher sur le dernier génocide du XXe siècle, d’en comprendre les origines, les conséquences, et surtout d’apporter un soutien sans failles à ceux qui en furent les victimes et à leurs familles. La mobilisation d’une grande variété de supports documentaires suivant un parcours linéaire entre les deux institutions (l’avant-génocide –1950-1994 – et le génocide vu a hauteur des enfants avec des dessins et des témoignages inédits au Mémorial de Paris, le génocide et l’après-génocide au Mémorial de Drancy) permet ainsi de restituer la réalité d’un passé toujours vivant au Rwanda, vingt-cinq ans après.

Double exposition organisée par le Mémorial de la Shoah à Paris et à Drancy
Mémorial de la Shoah à Paris et Drancy, du 4 avril à fin novembre 2019
Entrée libre

Dates

Avril 4 (Jeudi) 10 h 00 min - Novembre 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Mémorial de la Shoah

17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 Paris

Mémorial de la Shoah17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 ParisDe 10h à 18h tous les jours, sauf le samedi. Nocturne jusqu’à 22h le jeudi. Fermetures annuelles : le 1er janvier, le 1er mai, le 14 juillet, le 15 août, le 25 décembre. Fermetures certains jours de fêtes juives

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dim24fev(fev 24)14 h 00 mindim26mai(mai 26)18 h 00 minAU BORD DE LA VUEMarina Ballo CharmetLe Point du Jour, centre d’art/éditeur, 107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition rassemble une trentaine d’œuvres de Marina Ballo Charmet, photographies et vidéos, qui donnent une vision d’ensemble de son travail depuis trente ans. Marina Ballo Charmet utilise la photographie comme un outil d’expérience et un instrument de connaissance. Son travail se situe hors de l’alternative description / fiction qui détermine une grande part de la production photographique contemporaine.

Marina Ballo Charmet s’est toujours intéressée aux mouvements inconscients de la vue, aux tropismes excentriques du regard : tout se passe d’abord pour elle au bord de la vue. Avec la série Primo campo (« Premier champ »), la vision dite « périphérique » est entrée dans le cadre du portrait ; l’œil photographique divague à la surface des corps. Les images, de format variable, font appel à des registres (sinon des genres) distants, mais reliés dans un réseau d’analogies et de récurrences. Le grand format n’est pas le vecteur d’une photogénie descriptive et spectaculaire. La description passe plutôt dans le petit format. D’un ensemble à l’autre, l’image, statique ou animée, est le lieu d’une intimité expérimentale, indéfinie ; la dimension de l’intime se donne sans béquille autobiographique, au plus près des sensations. Dans Con la coda dell’occhio (« Du coin de l’œil »), la proximité correspond à une vision rabaissée à ras de terre. Tout ce qui faisait une ville et les qualités d’un paysage urbain a disparu. Reste le socle d’un territoire urbain fragmenté. Les images de Marina Ballo Charmet ont cette dimension océanique de la navigation dans les villes, parmi les corps.

Marina Ballo Charmet est née en 1952 à Milan, où elle vit et travaille. Après des études de philosophie, elle s’est spécialisée en psychologie et psychanalyse de l’enfant et a travaillé comme psychothérapeute dans les services territoriaux de Milan. Elle est l’auteur de plusieurs ouvrages dont Primo campo publié par Le Point du Jour en 2004. Son travail a été exposé à de nombreuses reprises depuis une vingtaine d’années dont, en 2018, au Bleu du Ciel à Lyon et au Museo Arte Gallarate à Milan.

Dates

Février 24 (Dimanche) 14 h 00 min - Mai 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur

107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-Cotentin

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinOuvert du mercredi au vendredi, de 14h à 18h Samedi et dimanche, de 14h à 19h - Entrée libre

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ven17mai(mai 17)14 h 00 minsam27jul(jul 27)19 h 00 minLa nouvelle génération documenteExposition CollectiveGalerie Le Réverbère, 38 rue Burdeau 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 2018 nous avons été choisis comme directeurs artistiques du Prix Levallois. Une de nos responsabilités a été de sélectionner 15 dossiers parmi 700 provenant de 71 pays, pour les soumettre au jury que nous avions constitué. Après de longues heures d’examen attentif, quel bonheur d’assumer sans état d’âme les 15 dossiers nominés ! La règle du jeu fait qu’un seul reçoit le Prix Levallois, un autre une Mention spéciale, et un troisième le Prix du public, 12 restent donc dans la frustration et le silence.
Cette expérience d’immersion dans la production de la jeune génération internationale (20 / 35 ans) nous a naturellement mis face à une évidence, elles et ils — et oui plus de femmes que d’hommes parmi les candidats — utilisent majoritairement la photographie pour documenter le monde. Cette génération est entrée dans son siècle avec le choc de 2001, traumatisme qui, sans doute par la sidération qu’il a imposée, a créé une envie d’interroger ce qui les entoure.
En 2019, un an plus tard, nous décidons de réunir 7 de ces nominés, dont les trois lauréats en concevant une exposition dédiée à cette tendance de la photographie qui documente.
Un retour nécessaire à la sémantique s’impose : nous employons volontairement le mot documente qui signifie « instruire, enseigner » qui s’éloigne de documentaire qui désigne le fait de ne pas introduire de fiction. De fait, pour nous, ces photographes échappent au courant que la photographie dite contemporaine a nommé le «nouveau documentaire». Ils sont des électrons libres qui déposent leurs grains de sel et leurs pixels. Cette mise au point pour souligner que ces photographes savent bien qu’il n’y a pas de possibilité de langage transparent qui éliminerait la fiction. Ils fouillent, via la coupe du temps de la photographie, ce monde qui sans cesse échappe. Ils essayent, en le mettant sous l’ordre de leur regard, de le voir, pour tenter de le comprendre et de nous le dire. Les sujets sont graves, ils cartographient les inquiétudes du siècle engagé : la guerre, l’exil, la pollution implacable de l’économie, les conflits religieux, le choc des cultures, le cynisme de l’écroulement versus l’apparition d’industries… Certes, nous ne découvrons rien de fondamentalement nouveau dans cette liste, ce qui est nouveau apparaît dans la manière dont chacun s’empare de son sujet, cherche et trouve une écriture juste qui lui correspond. Tous nous convient à les accompagner dans leur enquête par des formes visuelles très maîtrisées, la couleur, le noir et blanc ne sont jamais des effets, c’est un choix efficace et assumé.
Leurs façons de se confronter au monde, les formes qu’ils emploient, sont autant de fictions du réel.
Dans la manière qu’ils ont d’approfondir leur sujet, ils l’exposent et s’exposent dans le même temps ; leurs états d’âmes sont absolument perceptibles, nous sommes en prise directe avec leur appréhension et perception, leur photosensibilité. Ils ne traitent pas de sujets éloignés d’eux, ce ne sont pas des reporters envoyés couvrir un sujet, ils sont leur propre commanditaire et ne sont pas là par hasard.
C’est une photographie concernée où l’on comprend l’engagement, point d’effet périphérique, que de l’évidence et de la nécessité. Par cette démarche ils nous invitent à découvrir des situations, des contrées, ils nous instruisent et nous enseignent.
Jacques Damez

Julia de Cooker
Marion Esnault
Pierre-Elie de Pibrac
Ioanna Sakellaraki
Camille Shabestari
Emmanuel Tussore
Emilien Urbano

Dates

Mai 17 (Vendredi) 14 h 00 min - Juillet 27 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Le Réverbère

38 rue Burdeau 69001 Lyon

Galerie Le Réverbère38 rue Burdeau 69001 LyonUne galerie en province. 300m2 sur les pentes de la Croix-Rousse, à Lyon. C'est le Réverbère, qu'anime un double regard aigu, exigeant et sans complaisance : celui de Catherine Dérioz et Jacques Damez, ses créateurs, dont, au fil des années, les qualités se sont faites vertus. Du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous en dehors de ces horaires

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mer20mar(mar 20)13 h 00 mindim26mai(mai 26)19 h 00 minStillTrine SøndergaardMaison du Danemark, 142 Avenue des Champs-Élysées, 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition réunit deux séries de photographies, Interior et Guldnakke, où le regard de l’artiste se mêle à la nostalgie d’un temps passé. Trine Søndergaard nous présente des images empreintes de silence, qui ne donnent pas de réponses mais incitent le spectateur à s’interroger sur ce qu’il voit. Le titre Still n’a pas d’équivalent littéral en français, il associe les notions de calme et de silence.

Interior (2008-2012)
Sur une période de quatre ans, Trine Søndergaard a patiemment rassemblé les photos de la série Interior. Les manoirs et demeures étaient vides depuis plus d’un demi-siècle lorsqu’elle y est arrivée. Une coquille du passé dont les pièces étaient dépouillées et dénuées de toute vie. Les liens avec le peintre danois du XIXe siècle Vilhelm Hammershøi sont manifestes : l’harmonieuse tonalité de la palette de gris, la conscience aiguë de la lumière et son rendu. Søndergaard reprend cette remarquable utilisation de la lumière naturelle, faisant lentement, minutieusement apparaître les nuances étouffées d’un blanc poussiéreux sur le blanc, remettant en cause les perceptions de l’instantanéité de la photographie. Enfilades de portes ouvrant sur d’autres portes, escaliers s’arrêtant sur une fenêtre et la vue sur laquelle elle donne, tels des autels dédiés à l’image et à la lumière hors du délabrement humide des murs épais des manoirs.
Ces images explorent un état d’esprit intérieur, sondant ce qui est habituellement dissimulé, dérobé au regard. Mais ici, les images tout comme les bâtiments sont inhabités. Les seules traces humaines saisies dans la lumière déclinante sont des traces de pas fantomatiques et des mots inscrits dans la poussière pétrifiée d’une fenêtre de grenier impossible à refermer, ouverte aux éléments : intérieur et extérieur n’ont plus de séparation étanche.

Guldnakke (2012-2013)
« L’or symbolise universellement la richesse, le sublime ou le divin. L’or suscite un désir chez nombre d’entre nous. La première fois que j’ai vu ces coiffes dorées dans un musée local, j’ai immédiatement été fascinée par leurs matières et leurs broderies délicates sans rien savoir de leur histoire. Datant du milieu du XIXe siècle et très appréciées des épouses des riches agriculteurs danois, ces coiffes étaient un symbole de statut social. Les textiles dorés avaient jusque-là été réservés à la royauté, à la noblesse et à l’église. Ces coiffes étaient confectionnées par des couturières-brodeuses spécialisées, exemples précoces de travailleuses indépendantes qui étaient souvent capables de subvenir aux besoins de leur famille. Le lien entre ce type d’histoire de femmes et un élément particulier de garde-robe est quelque chose que j’ai exploré dans le passé, de même que j’ai exploré notre capacité à discerner les signes du passé ». T.S.

Cette exposition est réalisée en collaboration avec la Galerie Martin Asbæk, Copenhague, le MuMa – Musée d’art moderne André Malraux du Havre et la manifestation Lumières Nordiques. Elle a été présentée au MuMa du 13 octobre 2018 au 27 janvier 2019.

Trine Søndergaard est une artiste danoise née en 1972 qui vit et travaille à Copenhague. Elle étudie le dessin et la peinture à Copenhague dans les années quatre-vingt-dix, avant d’intégrer Fatamorgana, l’école de photographie danoise en 1996. En 2000, elle a reçu le prix Albert Renger Patzsch. Ses photographies ont fait l’objet d’expositions dans de nombreux pays et figurent dans les collections de grandes institutions publiques telles que le J. Paul Getty Museum aux États-Unis, Montreal Museum of Fine Arts au Canada, le MUSAC en Espagne, le Musée d’Art de Göteborg en Suède, la Maison Européenne de la Photographie à Paris et le Musée d’art moderne André Malraux Le Havre. Elle a publié plusieurs livres édités par Steidl, Hatje Cantz, Hassla Books et FabrikBooks. Elle est représentée par la galerie Martin Asbæk à Copenhague et la galerie Bruce Silverstein à New York.

Dates

Mars 20 (Mercredi) 13 h 00 min - Mai 26 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Maison du Danemark

142 Avenue des Champs-Élysées, 75008 Paris

Maison du Danemark142 Avenue des Champs-Élysées, 75008 ParisOuvert du Mardi-vendredi 13h-19h et le Samedi-dimanche 13h-18h. Fermé le lundi. Entrée libre

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