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Annonce de la shortlist du 7ème Prix Pictet

La Rédaction11 novembre 2016

Temps de lecture estimé : 2mins

Les noms des 12 finalistes du Prix Pictet ont été annoncés hier soir au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Le thème de cette nouvelle et septième édition du Prix est “Space”, il succède à “Disorder” remporté par la photographe française Valérie Belin.

Voici la liste des douze photographes finalistes :
Mandy Barker (1964, UK] vit à Leeds
Saskia Groneberg (1985, Allemagne] vit à Munich
Beate Guetschow (1970, Allemagne] vit à Berlin et Cologne
Rinko Kawauchi (1972, Japon] vit à Tokyo
Benny Lam (1967, Hong Kong] vit à Hong Kong
Richard Mosse (1980, Irlande] vit entre New York City et l’Irlande
Wasif Munem (1983, Bangladesh] vit à Dhaka
Sohei Nishino (1982, Japon] vit à Tokyo
Sergey Ponomarev (1980, Russie] vit à Moscou
Thomas Ruff (1958, Allemagne] vit à Düsseldorf
Pavel Wolberg (1966, Russie] vit à Tel Aviv
Michael Wolf (1954, Allemagne] vit à Hong Kong

Le jury était composé de Sir David King (Président du jury), Représentant spécial aux affaires étrangères du Royaume-Uni pour le changement climatique; Valérie Belin, photographe et lauréate du 6ème Prix Pictet; Martin Barnes, Commissaire département photographie au V&A; Philippe Bertherat, ancien gérant du groupe Pictet; Jan Dalley, rédacteur pour le Financial Times; Dambisa Moyo, économiste and écrivain; Sebastião Salgado, photographe et Wang Shu, architecte.
Les travaux des finalistes seront exposés au Victoria and Albert Museum (V&A) à London au mois de mai 2017.

http://www.prixpictet.com

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Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mer16déc(déc 16)11 h 00 min2021dim28fev(fev 28)20 h 00 minRescheduledTokyoDaido Moriyama | Shomei TomatsuEn attente de la réouverture des muséesLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La MEP est heureuse de présenter une exposition d’envergure réunissant deux grands maîtres de la photographie japonaise de l’après-guerre.

L’exposition Moriyama – Tomatsu : Tokyo a été conçue par les artistes Daido Moriyama et Shomei Tomatsu – avant le décès de ce dernier en 2012 – comme une manière de célébrer leur ville autour d’une première collaboration artistique.

Pensée conjointement par Simon Baker, Pascal Hoël et Frédérique Dolivet (pour la MEP), Daido Moriyama et Mme Yasuko Tomatsu, et avec la collaboration d’Akio Nagasawa, Moriyama – Tomatsu : Tokyo ne sera pas uniquement la concrétisation d’un projet historique n’ayant jamais vu le jour jusque-là, mais constituera la première grande exposition du travail de Shomei Tomatsu à Paris. Sur les deux étages principaux de la MEP – le 2e étage sera consacré à Tomatsu, le 3e à Moriyama – l’exposition présentera plus de 300 oeuvres dont la plupart pour la première fois à Paris.

La MEP présente Moriyama – Tōmatsu : Tokyo, l’exposition historique des deux maîtres de la photographie japonaise.

Pour Shōmei Tōmatsu, pourtant adulé, collectionné et présenté dans le monde entier, Moriyama – Tōmatsu : Tokyo représente la première exposition d’envergure à Paris. Quant à Daidō Moriyama, il s’agit de la présentation la plus complète de son œuvre jamais organisée en France.
Imaginée par Moriyama et Tōmatsu eux-mêmes, l’exposition n’avait jamais pu voir le jour suite au décès, en 2012, de Shōmei Tōmatsu. La MEP choisit de réaliser aujourd’hui ce rêve qu’avaient partagé les deux photographes amis. À travers un large panorama de leurs travaux, l’exposition Moriyama – Tōmatsu : Tokyo met en regard leur fascination pour la capitale nippone qu’ils ont arpentée durant des décennies.Conçue en étroite collaboration avec Daidō Moriyama et la veuve de Shōmei Tōmatsu, Yasuko Tōmatsu, l’exposition reprend la sélection initiale des deux artistes, enrichie et adaptée pour l’occasion, et propose un voyage complet et cohérent dans leurs œuvres.

Chaque photographe occupera un des deux étages des galeries de la MEP. Avec un accrochage pour l’essentiel chronologique, la première partie, consacrée à Tōmatsu, contrastera avec une scénographie plus foisonnante et dense de la section réservée à Moriyama.

Tokyo par Shōmei Tōmatsu

À partir des images présélectionnées en vue du projet initial, 140 œuvres de Tōmatsu ont été retenues pour l’exposition à la MEP. Le parcours débutera avec les premières photographies de l’artiste réalisées dès son arrivée
à Tokyo en 1954. Tōmatsu s’intéresse alors au prolétariat dans un pays profondément meurtri par les destructions de la Seconde Guerre mondiale : les petits métiers, les chômeurs, les enfants des rues. Dès 1958, fasciné par l’américanisation de son pays et son impact sur le mode de vie et la culture japonaise, il commence à photographier les soldats américains qui occupent les bases militaires au Japon. C’est le début de son projet « Chewing gum & Chocolate ».

Tōmatsu s’intéresse aussi aux nouveaux modes de vie qui émergent progressivement dans ces années d’après-guerre. Dans la série « Chindon », il fixe son regard sur les Chindownyassans, des acteurs et musiciens pauvres, qui, vêtus de leurs costumes traditionnels de la période Edo, deviennent des modèles de publicité de rue pour les grands magasins.

Avec la série de jeunesse « Asphalt », Tōmatsu expérimente la forme et ouvre la voie à des mondes que personne n’avait imaginés : il consacre toute une série à l’asphalte des rues, qu’il appréhende comme la « peau » de la ville, sur laquelle les fragments d’objets métalliques incrustés dans le bitume, ressemblent à de la poussière d’étoiles.

L’exposition présentera également une large sélection de photographies d’un de ses livres majeurs Oh Shinjuku ! publié en 1969, dans lequel Tōmatsu inclut notamment ses séries « Eros » et « Protest ». Il y raconte la chronique de ce quartier de Tokyo, qui garde une place essentielle dans la mythologie de la contre-culture japonaise. Quartier de grands magasins où des foules immenses se côtoient le week-end, et dont la vie nocturne, peuplée de jeunes marginaux, laisse place à des clubs de strip-tease et des bars à filles, que Tōmatsu nous montre sans tabou.

L’artiste utilise la photographie couleur dès les années 1960. Cette pratique que l’on retrouvera tout au long de l’exposition, prendra une place plus importante au fil des années. Quelques extraits de la série « Cherry Blossoms », au début des années 1980, magnifient les cerisiers en fleurs du Japon, avant que le parcours ne se clôt par les quatre portraits étonnants des photographes phares du Japon de la fin des années 1970 : Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase, Daidō Moriyama – déguisé en mariée japonaise – et un magnifique auto-portrait de Shōmei Tōmatsu costumé.

Tokyo par Daidō Moriyama

Conçue par l’artiste lui même, en collaboration étroite avec le galeriste
Akio Nagasawa, la sélection d’œuvres et la scénographie de cette seconde partie, mettent en valeur les séries emblématiques et la grande diversité des pratiques de Daidō Moriyama : tirages argentiques, photographies couleurs, sérigraphies sur toile, Polaroid, Drop Paper, caissons lumineux, livres et revues, notamment la revue Record que Moriyama publie périodiquement depuis 2006.

Le parcours commence par des images de son premier livre, Japan: a Photo Theater (1968), où l’artiste mêle photos de rue et portraits de comédiens itinérants. Le livre fera scandale, son esthétique est très proche de la revue Provoke que Moriyama rejoint en 1969.

La même année, il réalise la série « Accident » (1969), dans laquelle il se réapproprie des photographies d’accidents de la route nocturnes et violents, trouvées dans des revues ou capturées sur l’écran de télévision. Moriyama les détourne à la manière des sérigraphies de la série « Death and Disaster » d’Andy Warhol, qu’il découvre dès 1968. L’exposition présentera d’ailleurs

un peu plus loin dans le parcours, des sérigraphies sur toile grands formats, inspirées de la pratique d’Andy Warhol et que Moriyama considère comme une extension naturelle de son propre langage photographique.

Une large sélection de photographies issues de Farewell Photography (1972) – l’un des livres les plus avant-garde de l’époque – présentera un nouveau langage photographique chez Moriyama, celui du flou, du bougé, du grain et des taches, avec des images à la limite de la lisibilité.

Après une longue pause dans sa pratique photographique, Moriyama publie en 1982 le livre Light and Shadow où il impose une nouvelle approche : des images cette fois très contrastées, aux noirs omniprésents et aux cadrages serrés, qui feront sa réputation dans les années qui suivront.

L’exposition propose ensuite une visite immergée dans le quartier de Shinjuku – chaos urbain qui ne cesse de subjuguer Moriyama et qu’il photographie
à l’instinct. Suit une installation autour de la série « Tights » (collants) dans laquelle l’artiste transforme les bas résilles en un motif obsessionnel décliné sur différents supports.

Puis la série « Platform » (1977) réalisée sur une journée le long du trajet Zushi-Yokohama-Tokyo, présentera les photographies de rangées d’anonymes qui s’amassent sur les quais d’une gare pour aller au travail, photos de foule dans lesquelles le regard s’attache sur chaque individu.

Enfin, redécouverte dans ses archives récemment, la série « Pantomine » (1963), rassemblera des photographies de fœtus stockés dans du formol, premier projet personnel que Moriyama réalise à 25 ans dans une maternité de Tokyo.

La fin du parcours mettra en lumière la couleur chez Moriyama qui a également beaucoup photographié la ville de Tokyo au Polaroid, parcourant les rues, multipliant les vues, humant les odeurs de la ville, scrutant les ruelles, panneaux publicitaires, affiches, étalages commerciaux et piétons. La dernière salle présentera la série « Pretty Woman » une sélection de photos couleur prises en 2017 dans les rues de Tokyo, où il capture des silhouettes de femmes dans le chaos des rues et des vitrines de magasins.

L’exposition s’achèvera par une large sélection du magazine Record, publié par Akio Nagasawa, entièrement conçu et réalisé par Moriyama à partir de ses propres photographies, et dont le numéro 44 vient de paraître.

Daido Moriyama. Untitled, de la série « Provoke », 1969

Date de fin non communiquée.

Dates

Décembre 16 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 28 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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sam16jan(jan 16)10 h 00 minven26mar(mar 26)19 h 00 minBellevilleEspace JB, 32 rue des Noirettes studio 526 Carouge 1227 SwitzerlandType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Belleville est un quartier du Nord-Est de Paris situé à la croisée des 10eme, 11eme, 19eme et 20eme arrondissements. Longtemps célèbre pour ses bals populaires, ses guinguettes et ses Folies, Belleville est aujourd’hui un quartier mélangé – et en voie de gentrification – où se côtoient et se mélangent des populations très diverses, et de diverses origines.

De 2009 à 2019, c’est ce quartier que j’ai parcouru pour en photographier les espaces et les détails, et faire le portrait de ses habitants. Attaché à une photographie qui engage avec le monde un rapport simple et direct, mais exigeant, j’ai voulu par ces images témoigner mon attachement à ce quartier parisien, où je vivais. J’ai voulu aussi contribuer à renouveler l’iconographie du nord-est de Paris, largement photographié dans les années 50 et 60, et quelque peu délaissé depuis.

Ce travail est aussi celui de mon apprentissage de la photographie non pas comme technique mais comme expérience de rencontre. En marchant chaque jour dans les mêmes rues, sur un petit périmètre, en prenant chaque jour le café dans les mêmes bars, j’ai construit patiemment une habitude qui fut, en fait, une expérience quotidienne de redécouverte. Au travers de ces images j’ai fait l’expérience de ce que la photographie peut avoir de plus précieux: approfondir la qualité de notre relation au monde.

Thomas Boivin

Né en France en 1983, Thomas Boivin est diplômé de l’Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg. Après un passage par la bande-dessinée alternative et l’expérimentation graphique, il devient photographe et publie plusieurs livres, dont les derniers sont A Short Story (2016) et A Flat in Ménilmontant (2019). Son travail est principalement composé de portraits pris dans le nord-est parisien, à Paris et en proche banlieue, et fut largement mis à l’honneur lors de l’exposition Photographier Paris, nouveaux regards sur la ville (2018). Représenté à Londres par la David Hill Gallery, le travail de Thomas Boivin est notamment présent dans les collections du fond Neuflize OBC et le Fond d’Art Contemporain – Paris Collection. Plusieurs livres sur Paris sont prévus à la publication, Belleville sera le premier.

Dates

Janvier 16 (Samedi) 10 h 00 min - Mars 26 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Espace JB

32 rue des Noirettes studio 526 Carouge 1227 Switzerland

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lun01fev0 h 00 minlun15mar(mar 15)0 h 00 minParticipez au 10ème Prix Photographique Lucas Dolega Organisateur: Lucas Dolega Association Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

L’association Lucas Dolega, la Mairie de Paris, la SAIF, et nos partenaires, Reporters sans frontières (RSF), le laboratoire Label Image, Zanzibar et l’UPP sont fiers de vous annoncer le lancement de la 10ème édition du Prix International de photoreportage LUCAS DOLEGA.
En raison de la situation sanitaire, nous avons décidé de décaler les dates, et l’appel à candidatures court donc du 1er février au 15 mars 2021.
Le 17 janvier 2011, à Tunis, le photographe Lucas Dolega nous quittait alors qu’il couvrait la « Révolution du jasmin ». Pour rendre hommage à Lucas et, à travers lui, à tous les photojournalistes qui risquent leur vie pour la liberté d’informer, sa famille, ses proches et ses amis ont créé l’association Lucas Dolega et lancé un prix de photoreportage.
Ce prix est destiné à soutenir les photographes professionnels qui exercent leur activité dans des conditions souvent difficiles et sur des zones pouvant comporter des risques pour assurer la diffusion d’une information libre et indépendante.
Il a pour essence de récompenser un·e photographe qui, par son engagement personnel, son implication sur le terrain, ses prises de position et la qualité de son travail, aura su témoigner de son attachement à la liberté de l’information.
Organisé en partenariat avec la Mairie de Paris depuis 10 ans, le Prix international Lucas Dolega récompense un photographe d’une dotation de la SAIF d’une valeur de 10 000 euros.
Le reportage du/de la lauréat·e est également exposé à Paris et publié dans l’album de Reporters sans frontières.
La cérémonie de remise du Prix aura lieu à l’hôtel de ville de Paris au printemps 2021, selon la situation sanitaire.

Télécharger le règlement 2021
Télécharger la fiche de participation

Dates

Février 1 (Lundi) 0 h 00 min - Mars 15 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Lucas Dolega Associationcontact@lucasdolega.com

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mar05jan(jan 5)10 h 00 minsam20mar(mar 20)19 h 00 minZusammenlebenUte MahlerMaison de l’image Documentaire - Cétàvoir, 17 rue Lacan 34200 SèteType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ute Mahler compte parmi les photographes de l’ex RDA au style le plus marqué. Après la chute du Mur, elle a fondé avec plusieurs collègues est-allemands l’agence OSTKREUZ, qui a entre-temps connu un succès remarquable.

À travers la série Zusammenleben (Vivre ensemble), commencée il y a plus de quarante-cinq ans, elle entendait rendre compte de la manière dont les gens vivent ensemble et montrer les non-dits de manière subtile. Ces photos en noir et blanc racontent la vie dans l’ancienne Allemagne de l’Est, avec douceur mais sans complaisance.

Ute Mahler parle de son travail en 2019 avec la commissaire d’exposition Sonia Voss :

« J’étais encore étudiante à Leipzig lorsque j’ai commencé à photographier des groupes de gens. Au début, c’étaient des images en vrac. Mais toutes posaient la même question : comment vit-on les uns avec les autres ? (…) J’avais moi-même une vingtaine d’années. Je voulais des réponses. Je voulais voir ce qui se cachait derrière la façade officielle de l’optimisme. Je cherchais le vrai dans la sphère intime des gens. (…) Je les rencontrais chez eux, dans la rue, dans des fêtes et dans leur quotidien, qu’ils vivaient dans ce pays qui s’appelait RDA. (…) C’était un travail libre, tout à fait personnel. Sans commande. Sans mise en scène. (…) Mais je les ai faites pour moi. (…) Je n’ai rien cherché de sensationnel, je voulais trouver quelque chose d’universel, qui parle de la fragilité des relations, de la famille et de l’amitié, qui montre le bonheur, la fugacité, le désespoir, la résignation ou la proximité. J’ai pris ma dernière photo en 1988. J’avais le sentiment d’avoir trouvé assez de réponses à mes questions. C’était peut-être lié aux bouleversements politiques de l’époque, mais je n’en suis pas sûre. »

Biographie
Ute Mahler, née en 1949 à Berka, étudie la photographie à Leipzig, de 1969 à 1974, puis travaille comme photographe indépendante. Dès 1977, elle obtient des commandes de la revue Sibylle et du label Amiga, pour lesquels elle réalise des photographies de mode et des portraits destinés notamment à illustrer les pochettes de disque de groupes rock est-allemands. Elle développe également un travail au long cours intitulé Zusammenleben (Vivre ensemble), qui dépeint de façon subtile la réalité de la vie quotidienne en RDA et la tension entre le collectif et l’intime.

En 1990, après la chute du Mur, Mahler fonde avec ses six confrères et consoeurs l’agence de photographes OSTKREUZ. En parallèle à ses projets personnels, elle enseigne la photographie depuis 2000. Elle réalise depuis 2009 des séries avec son époux, le photographe Werner Mahler (Monalisen der Vorstädte, Die seltsamen Tage, Kleinstadt).

Dates

Janvier 5 (Mardi) 10 h 00 min - Mars 20 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Maison de l’image Documentaire - Cétàvoir

17 rue Lacan 34200 Sète

Maison de l’image Documentaire - Cétàvoir17 rue Lacan 34200 SèteHoraires des expositions Du mardi au vendredi de 15h à 18h Le samedi de 15h à 19h

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sam06fev(fev 6)13 h 30 mindim16mai(mai 16)19 h 00 minRhizomesExposition collectiveBase sous Marine, 284 Boulevard Alfred Daney, 33300 BordeauxType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition “Rhizomes”, présentée du 6 février au 16 mai 2021, dans les espaces d’exposition de la Ville de Bordeaux à la Base Sous-Marine, s’inscrit dans le cadre de la Saison Africa2020, dédiée aux 54 états du continent africain, initiée par Emmanuel Macron, Président de la République et coordonnée par l’Institut Français.

“Rhizomes” propose une cartographie alternative, subjective et poétique des imaginaires contemporains de 17 artistes en mouvement, issus du continent africain et de la diaspora, aux pratiques résolument polymorphes et hybridées par l’ère digitale.
L’exposition interroge la place et l’influence des nouvelles technologies sur la production artistique contemporaine et leur utilisation pour ré-imaginer le présent, questionner le futur et (re)contextualiser les récits officiels.

Invités à s’approprier les espaces monumentaux de la Base sous-marine, les artistes y dévoilent des pratiques plurielles qui s’inscrivent dans un flux global, rhizomique et futuriste, se jouant des disciplines, des frontières et des esthétiques. Autant de regards croisés qui questionnent les modalités de construction et de dissémination du savoir, le rôle et l’importance de l’oralité au XXIème siècle et s’interrogent sur les bouleversements majeurs issus de l’avènement d’internet et de la sphère digitale dans la création artistique actuelle. “Rhizomes” développe une narration ouvertement fluide, fragmentée et non linéaire, et dessine, entre installations, son, musique, radiophonie, photographie et arts numériques, une contre-cartographie de la pensée contemporaine et des futurs imaginaires.

L’exposition est née du dialogue entre les deux commissaires et emprunte son nom autant à la botanique qu’à la « théorie du Rhizome », que l’on retrouve dans la conception d’Edouard Glissant d’une identité plurielle en opposition à celle de racine unique. A l’instar du rhizome, l’exposition créée une antithèse au récit unique et figé pour donner à voir au-delà des racines, un réseau d’associations inattendues entre pensée, images, son et vidéo.

“Rhizomes” est agencée autour des axes conceptuels suivants : Histoire et dissémination du savoir , avec des œuvres qui questionnent le statut incertain de l’oralité en tant que vecteur essentiel de mémoire et de transmission de valeur au XXIe siècle; Spiritual Networks, qui aborde les conditions matérielles et immatérielles de la colonisation mais aussi l’impact écologique des révolutions numériques sur le continent africain, enfin Les Mondes Imaginaires qui convoque des œuvres mêlant utopies humanistes et univers alternatifs.

Parmi les œuvres présentées, quatre sont des productions inédites, pensées in situ pour l’exposition :

Entre flashs temporels et échos sonores, l’installation audio-visuelle “Ellipsis” de César Schofield Cardoso dévoile un questionnement subtil sur la mémoire des relations entre la France et l’Afrique basé sur une analyse sensible et méthodiques de films historiques.
Artiste, poète, musicien et réalisateur, Baloji crée pour l’exposition “Triste Tropisme”, une installation multimedia aussi onirique qu’immersive, qui se plait à jouer avec les codes du cinéma, de la mode ou d’un marché africain.
Nastio Mosquito, vidéaste, photographe et musicien angolais, baigne la Grande Cathédrale de lumière et de projections de photographies réalisées pendant sa résidence à Bordeaux en 2020.
Pedro Coquenao orchestre pour l’exposition une physicalité inédite de son passionnant projet musical et radiophonique Batida, avec une installation-monde composée de postes radios vintage collectés, mixés et augmentés, pour une carte sonore et musicale renversante de l’Afrique.
Les commissaires :
Paula Nascimento : co-commissaire de l’exposition, architecte et commissaire indépendante, lauréate du Lion d’or de la Biennale d’architecture de Venise pour le pavillon angolais en 2015.
Stéphane Moginot : co-commissaire de l’exposition, directeur de projets culturels et conseiller artistique, chef de service à la Direction Générale des Affaires Culturelles de la Ville de Bordeaux.
Les artistes invités
Malala Andrialavidrazana, Alun B, Baloji, Cesar Schofield Cardoso, Pedro Coquenão, Nolan Oswald Dennis, Omar Victor Diop, Olalekan Jeyifous, Cyrus Kabiru, Selly Raby Kane, Grada Kilomba, François Knoetze, Maurice Mbikayi, Emo de Medeiros, Mohau Modisakeng, Nástio Mosquito, João Renato Orecchia Zúñiga.

Les espaces d’exposition de la Ville à Base sous-marine
Après 13 mois de travaux de réhabilitation, pilotés par la Direction générale des Affaires Culturelles de la Ville de Bordeaux, les espaces d’expositions de la Ville à la Base sous-marine, ouvrent à nouveau à l’occasion de l’exposition “Rhizomes”. Ces travaux s’inscrivent dans une volonté de faire de la Base sous-marine une plateforme de collaborations culturelles et artistiques.

La Base sous-marine
La Base sous-marine est l’une des cinq bases construites sur le littoral atlantique durant la Seconde Guerre mondiale. De sa construction à sa transformation en lieu d’art avec Sigma, les grandes traversées, et l’accueil d’expositions uniques et monumentales, la Base sous-marine de Bordeaux se réinvente à travers le projet BASE 3 en 1, un projet culturel global et ambitieux, visant à terme l’exploitation des 41 000m² de la Base sous-marine par 3 entités.

Dates

Février 6 (Samedi) 13 h 30 min - Mai 16 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Base sous Marine

284 Boulevard Alfred Daney, 33300 Bordeaux

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