Name: Entrer dans l’œuvre
Start: 2019-11-30T10-10-00-00
End: 2020-5-3T18-18-00-00
Location: MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole

6 février 2017

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sam30nov(nov 30)10 h 00 min2020dim03mai(mai 3)18 h 00 minEntrer dans l’œuvreActions et processus dans l’Arte PoveraMAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole, rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Une centaine d’œuvres déployées sur près de 1 000 m2 | 300 archives photographiques et filmiques | 14 artistes : Giovanni Anselmo / Alighiero Boetti / Pier Paolo Calzolari / Luciano Fabro / Jannis Kounellis / Eliseo Mattiacci / Mario Merz / Marisa Merz / Giulio Paolini / Pino Pascali / Giuseppe Penone / Michelangelo Pistoletto / Emilio Prini / Gilberto Zorio

L’exposition « Entrare nell’opera / Entrer dans l’oeuvre : actions et processus dans l’Arte Povera » explore en profondeur, pour la première fois, la dimension performative inhérente à ce mouvement, qui fut moins un groupe qu’une aventure collective, jalonnée de multiples actions et événements, dans l’Italie des années 1960 et 1970.
Le parcours de l’exposition rassemble une centaine d’œuvres emblématiques, conçues entre 1963 et 1978, accompagnées d’une riche documentation de près de 300 archives photographiques et filmiques, pour certaines inédites. Les deux premières sections, intitulées « Théâtre » et « Temps et lieu », mettent en dialogue œuvres et documents pour restituer et contextualiser les actions. Les deux sections suivantes, « Actions » et « Entrer dans l’œuvre », permettent aux visiteurs d’être directement impliqués et d’interagir avec tout un ensemble d’objets. Ce rôle crucial de la participation, essentielle dans l’Arte Povera, a révolutionné le rapport entre l’œuvre, l’espace et le spectateur. Évoquant autant le concept d’« art total » que celui d’« œuvre ouverte » formulé par Umberto Eco, ces propositions font de l’Arte Povera, près de cinquante ans après son émergence, un art au présent, toujours vivant.

Commissaire de l’exposition : Alexandre Quoi, Responsable du département scientifique du MAMC+

Photo : © Giovanni Anselmo, Entrare nell’opera, 1971/1998, tirage jet d’encre sur toile, 336 x 491 cm, collection Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal. Acquisition 1999 © Giovanni Anselmo

Dates

Novembre 30 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 3 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole

rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-Jarez

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropolerue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezOuvert tous les jours de 10 h à 18 h sauf les mardis

Calendrier GoogleCal

mar15oct(oct 15)11 h 00 min2020dim19jan(jan 19)19 h 00 minSpeed of LifePeter HujarJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La vie et les images de Peter Hujar (1934-1987) sont inséparables de la ville de New York. Indépendant par nature, volontiers combatif, cultivé et très bien introduit dans le milieu artistique, Hujar évoluait au sein d’une scène avant-gardiste faite de danseurs, de musiciens, de plasticiens et de travestis. Son accomplissement en tant que photographe fut contemporain de l’évolution et de la visibilité du mode de vie gay entre 1969 — date des émeutes de Stonewall — et la crise du sida dans les années 1980.

À l’issue de ses études secondaires en 1953 – et jusqu’en 1968 –, Hujar travaille comme assistant auprès de divers photographes publicitaires. Cinq années passées à collaborer à des magazines grand public le convainquent qu’une carrière de photographe de mode « n’est pas pour [lui] ». En 1973, il préfère alors mener une « vie d’artiste », qui lui permet une plus grande libérté dans son travail de photographe.

Dans le loft-studio qu’il occupe au-dessus d’un théâtre de l’East Village (au sud de Manhattan), Hujar braque son objectif sur ceux qui suivent leur instinct créatif et refusent les succès faciles. De ses photographies, il disait qu’elles sont « des images simples et directes de sujets difficiles et compliqués »; elles immortalisent des instants, des êtres et des pratiques culturelles dont l’existence est aussi fugitive que celle de la vie. À quarante-deux ans, il publie son unique monographie, Portraits in Life and Death [Portraits dans la vie et dans la mort], et inaugure sa première exposition personnelle dans une galerie. Cette exploration de l’intimité qu’il a menée en tant que portraitiste, il l’applique à présent à la photographie, dépourvue de sentimentalisme, d’animaux et de plantes, de paysages et de bâtiments, et à la saisie des singularités des corps nus.

En 1981, Hujar a une brève liaison avec le jeune artiste David Wojnarowicz, avec qui il parcourt les quartiers délabrés de New York. La ville qu’il a photographié à cette période, est un petit monde vibrant d’une intense énergie créatrice, qui a depuis disparu.
Peter Hujar meurt en novembre 1987 d’une pneumonie liée au sida.

Le Jeu de Paume présente du 15 octobre au 19 janvier Peter Hujar : Speed of Life (la vie à toute vitesse), une sélection d’environ 140 photographies de cet artiste particulièrement important et influent.
L’exposition suit le parcours d’Hujar, depuis ses débuts au milieu des années 1950, jusqu’aux années 1980 où il est l’un des acteurs importants de la scène artistique de l’East Village.
Organisée en deux parties, elle décline tous les différents aspects de sa pratique photographique marquée par la même beauté austère : le portrait en atelier, généralement posé, et qui constitue le cœur de sa pratique, mais également le nu, notamment masculin, et le paysage urbain de New York et de ses environs. Résolument noir et blanc, l’ensemble non seulement décrit l’univers intime de Peter Hujar mais également esquisse un portrait du New York bohème et underground de ces années-là, à travers quelques-unes de ses figures les plus marquantes.
Librement inspirée par l’accrochage de la dernière exposition new yorkaise qu’Hujar eu de son vivant, en 1986, à la Gracie Mansion Gallery, la deuxième partie mêle ces différentes thématiques en insistant sur la continuité stylistique qui unit ces images, par-delà leurs sujets.

Dates

Octobre 15 (Mardi) 11 h 00 min - Janvier 19 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

Calendrier GoogleCal

mer06nov(nov 6)11 h 00 minsam23(nov 23)19 h 00 minTowards a Motion FieldMarvin Leuvrey Galerie l'inlassable, 18 rue Dauphine - 13 rue de Nevers 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

mar05novdim01décBlack and LightsVéronique DurrutyVOZ'Galerie, 41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans cette exposition de photographies, encres et aquarelles sensibles, Véronique Durruty nous embarque dans un voyage onirique qui remonte jusqu’à la création de l’univers, et interroge sur la valeur de l’art , le rôle de la galerie et des relations entre l’acheteur et l’œuvre d’art.

« Black and light, une exposition-interrogation autour de « la valeur de l’art ».
L’artiste y déploie son travail, dans deux espaces distincts.
Sous la surface, dans les entrailles de la galerie, on laisse derrière soi la lumière crue de notre réalité. La scénographie est pure, muséale, on plonge dans l’univers BLACK de l’artiste. Le visiteur remonte aux origines de toute création, obscures, aquatiques. Ni échelle, ni lieu, ni matière, aucun repère. Parfois les eaux ne sont plus des eaux, se font lumière pure, partent en fumée. Ce sont « les eaux noires ».

En haut, exposé en pleine lumière, LIGHT, un ensemble volontairement éclectique de photographies, encres de Chine, aquarelles ou techniques mixtes. Images venues d’ailleurs avec ces ambiances « entre-deux » et ces flous qui disent si précisément quelque chose et sont la signature de Véronique Durruty.
Ici, à l’heure où tant d’artistes peinent à vivre de leur art et où par ailleurs, certaines œuvres atteignent des prix vertigineux, Véronique Durruty nous propose également de s’interroger avec elle autour de l’économie de l’artiste, à travers le rôle de la galerie et du visiteur, et la concrétisation de la valeur des œuvres : leur prix.
Elle propose, avec humour, des œuvres à des prix variables ou simplement « inconcevables », par exemple une photo argentique à un euro. Le prix fait même partie de l’œuvre, comme cette photo intitulée BLACK, prix à débattre, en liquide , la photo pour faire fuir le démon à 666 euros, celle du casino de Las Vegas dont le prix de vente se joue à la roue de la fortune, ou encore un long discours à l’encre de Chine dont le prix est calculé pour que le blablabla revienne à un euro. Et l’on s’interroge sur l’effet du prix sur la valeur perçue de l’œuvre : est-ce qu’une pièce plus chère acquiert de la valeur de par sa cherté même ? Quelle est la valeur d’une signature ? d’une mise en scène de l’œuvre ?

En parallèle, Véronique Durruty pointe le rôle de la galerie, lieu d’une possible rencontre esthétique mais aussi et surtout, lieu d’une transaction marchande attendue avec le visiteur.
Elle nous rappelle que la galerie est un anti-musée. Dans un musée, le visiteur, contre un droit d’entrée, vient voir des œuvres faites pour être partagées par la communauté et rester là de façon pérenne. Lorsqu’une œuvre disparaît, elle a été soit volée, soit répudiée – revendue par le musée parce que jugée moins fondamentale pour ses collections.
En galerie, c’est l’inverse. L’œuvre n’est pas destinée à être partagée. Son destin est lié à une rencontre-coup-de-foudre occasionnant un enlèvement comme les Sabines peintes par Poussin. C’est de ce kidnapping encouragé que vivent artistes et galeristes.

En mettant en scène ce processus, l’exposition elle-même devient une performance où les aspects artistiques et commerciaux s’entrelacent, tout comme dans la réalité d’une œuvre.
Dans LIGHT, l’artiste met l’acte d’achat en lumière, elle décroche immédiatement l’œuvre achetée, la substitue par un petit visage souriant, au nez de clown-point rouge.
L’exposition se transforme visuellement au mesure que la performance commerciale, le chiffre d’affaires, se forme. Cette performance commerciale et artistique, ces termes étant inséparables, constitue une co-création de l’artiste (l’œuvre, le prix qu’il ou elle a fixé en trouvant la martingale pas assez cher/ trop cher/ « juste », fou, cassé, etc…), de la galerie qui l’inscrit dans une histoire artistique et économique, du lieu et du public qui traduit en emportant l’œuvre chez lui l’adéquation miraculeuse entre une présomption de valeur minimale, le prix, et la valeur que le client perçoit.
L’exposition devient une performance artistique par son rapetissement permanent apparent, par son caractère progressivement invisible. Elle illustre le principe du devenir Héraclitéen : « On ne se baigne pas deux fois dans un même fleuve. ». La consommation des œuvres, leur disparition est réelle.
L’œuvre devient privée du regard des autres mais la carte des œuvres manquantes, le dialogue interrompu avec les œuvres encore en vente constitue une œuvre nouvelle, éphémère et intrigante. L’exposition initiale n’est pas statique comme un musée. Chaque mutilation la transforme.
Les œuvres disparues ne sont pas une consommation irréversible et appauvrissante. L’énergie contenue dans l’œuvre, c’est-à-dire les matières prosaïques, le temps invisible que lui a consacré l’artiste, autrement dit sa vie entière, se transforment en de nouvelles énergies :
D’abord, l’œuvre va rejoindre un lieu privé auquel seul son propriétaire et ses proches ont accès. Elle entretiendra des dialogues inédits avec tous les objets qui l’entourent, dialogue partiellement imaginé par son nouveau propriétaire, mais qui lui échappe aussi.
Ensuite, ces disparitions appellent de nouvelles œuvres de l’artiste : échos, prolongement, ou rupture avec les œuvres vendues.
Enfin, l’argent collecté, auquel chaque intervenant soustrait les frais de l’exposition, représente un stock d’énergie versatile qui se transforme en énergie de vie autant prosaïque qu’artistique, si tant est que cette distinction ait un sens car la vie ne tranche pas.

« BLACK
Black, c’est sous-terre, comme un caisson d’isolation sensorielle, une grotte, un terrier, une cabane, on peut s’y lover en fœtus et on flotte hors du temps.
Black, c’est la grande soupe initiale, celle d’avant le premier jour, d’avant que la lumière soit, d’avant que les terres fermes surgissent de dessous les océans, qu’on puisse tenir debout, avoir la sensation de maîtriser son corps.
Black, c’est le lieu clos et protecteur du ventre de nos mères où l’on se tient blotti, pelotonné, replié sur nous-mêmes et pleinement satisfait de ce repliement-là, abrité de tout, des regards, des menaces, du Temps même.
Black ce n’est pas seulement l’absence encore de la lumière, c’est ce lieu exempt de toute aspérité, lisse et poli comme un miroir, poli jusqu’à la liquéfaction, le lieu amniotique de notre accomplissement primordial.
Black, c’est avant que que l’on s’arrache à soi-même, avant que la mère nous lâche. Avant qu’elle nous crache à l’air et à la lumière qui nous brûlent, d’un coup.

LIGHT
En haut, à la lumière, le monde est incertain, mais il se met à exister. On reconnaît parfois des lieux, parfois des êtres, même ébauchés : les lumières d’une ville et sa beauté la nuit, la moiteur de l’air qu’on y respire, le mouvement d’un corps qui passe. La réalité pointe le bout de son nez, elle me rattrape, je tente de l’adoucir.
Et mes tripes se demandent combien elles valent. Quelle est la valeur de l’art ? Quelle est la valeur de mon art ? Quelle est ma valeur ?
Des « coachings pour artistes » me répondent. Il m’apprennent à calculer, à me calculer : frais techniques + temps passé + amortissement du matériel + marge + quoi encore ? Et égale quoi maintenant ? Je n’ai jamais aimé les chiffres.
Combien de steaks pour une œuvre ?
Et puis, plus avant : quelle est la valeur d’une signature ? D’un numéro ? Du discours que je vais tenir à côté de mon œuvre ?
En haut, en l’air, à la lumière, le supermarché ne triche pas. Tout doit disparaître.Vous achetez, vous m’achetez, vous partez avec un petit bout de moi. Et seul restera à la place de l’œuvre, à ma place, un point rouge. Peu à peu l’expo s’efface, les nez de ces petits clowns tapissent le mur de la galerie. Je me vide de moi-même, emplie de l’acte d’amour de votre achat. Et vous créez avec moi une autre œuvre, souriante, éphémère, évolutive. Une cartographie de nos valeurs respectives.
Ouf ! On peut jouer même avec les sous !

GRIS
Mais peut être est-ce l’inverse, le chaos de » light » qui dit la vie sans fard qui reste dans l’ombre, alors que la présentation structurée de « Black » est celui qu’on met dans la lumière.
Je ne sais pas. Moi, j’aime que mes bébés quittent le cocon de l’atelier pour partir vers leur nouveau chez-soi. Les cimaises de la galerie, c’est le lieu de la fête du mariage.
Ce qui compte, c’est qu’ils y soient bien.
Tous comptes faits, le montant de la dot est dérisoire dans l’affaire. »
Véronique Durruty

Vernissage le mardi 12 novembre de 18h à 22h
Exposition du 5 novembre au 1er décembre 2019
Du mercredi au dimanche de 15h à 19h30 et sur RV.
Performance le 20 novembre à 20h
Catalogue « Black, les eaux noires » numéroté et signé, 20 €

Dates

Novembre 5 (Mardi) 15 h 00 min - Décembre 1 (Dimanche) 19 h 30 min

Lieu

VOZ'Galerie

41 rue de l'Est 92100 Boulogne-Billancourt

VOZ'Galerie41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtOuvert du mercredi au samedi de 15h à 19h30

Calendrier GoogleCal

mer06nov(nov 6)10 h 00 minsam23(nov 23)18 h 00 minVilmos ZsigmondInstitut hongrois de Paris, 92 rue Bonaparte 75006 Paris Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Lauréat d’un Oscar et de nombreuses récompenses internationales, le chef opérateur Vilmos Zsigmond, a travaillé pour des films tels que Voyage au bout de l’enfer, Rencontres du troisième type ou Le Dahlia noir. Sa marque de fabrique était l’utilisation inventive de l’éclairage, la maîtrise artistique de la lumière. Grâce à son style unique, il laisse une oeuvre très variée : ses images sont tantôt poétiques, tantôt réalistes, minutieuses ou grandioses. Vilmos Zsigmond commence à s’intéresser à la photographie au début des années 1950 en Hongrie. Il est très marqué par le livre de Jenő Dulovits, publié en plusieurs langues, intitulé Photographie artistique.
Appliquant les recommandations de cet ouvrage, il apprend en autodidacte les principes de la composition, l’importance de l’utilisation de la lumière, les particularités des différents types de pellicule. Développant lui-même ses clichés, il se familiarise également avec les procédés de tirage photographique. Après avoir mûri et enrichi ces connaissances, il les met largement en pratique dans son travail de chef opérateur qui s’inscrivait dans une période marquante de l’histoire du cinéma américain baptisée le « Nouvel Hollywood ». Articulées autour des grands axes de sa démarche artistique, les photographies présentées dans le cadre de l’exposition offrent un panorama de la production photographique de Vilmos Zsigmond des années 1950 à nos jours.

Dans le cadre du parcours PhotoSaintGermain 2019

Dates

6 (Mercredi) 10 h 00 min - 23 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Institut hongrois de Paris

92 rue Bonaparte 75006 Paris

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