Name: Masafumi Maita & Masaki Nakayama
Start: 2020-1-25T10-10-30-00
End: 2020-2-22T19-19-00-00
Location: Galerie Christophe Gaillard

3 février 2017

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sam25jan(jan 25)10 h 30 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minMasafumi Maita & Masaki NakayamaGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition collective consacrée à la photographie conceptuelle japonaise des années 1970, la Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter, pour deux expositions personnelles inédites en France depuis les années 1980, l’œuvre de Masafumi Maita et celle de Masaki Nakayama.

MAITA

Artiste pionnier de la scène conceptuelle japonaise des années 1970, Masafumi MAITA (1944 – 2009) imagine des dispositifs qui interrogent le rôle de l’image et les limites de la représentation du réel par la photographie. Maita joue des écarts et des variations entre le sujet naturel et contemplatif qu’il photographie, le réel qu’il enregistre (vues de forêts, de plages et de montagnes vierges de toute présence humaine) et l’opération sérielle et arbitraire qu’il répète sur l’image.

En 9 clichés, l’ensemble Flow (1976) le met ainsi en scène face à l’océan, placé au centre d’un rectangle tracé au sol, déclinant les étapes de la torsion méthodique d’une tige de plomb. Selon un protocole défini au préalable, l’œuvre propose une forme d’inventaire de gestes et de possibilités d’inscriptions du corps dans l’espace. La photographie enregistre et narre une performance : elle s’inscrit dans une temporalité nouvelle.

« L’essentiel de son œuvre est la conscience du temps » écrit le critique japonais Yusuke Nakahra. Avec la série Sans titre (1979) de paysages en noir et blanc marqués par la main de l’artiste, Maita accentue les phénomènes de décalages. Décalage entre le paysage et les formes géométriques simples, triangle, cercle et carré tracés en pointillés sur le négatif, entre la chose vue et le regard que nous portons sur elle. Décalage entre deux temporalités, celle du réel qui a été capturé et du geste, toujours actif, qui altère l’image.

Maita a développé ces recherches dans des installations, y introduisant des objets puis des sculptures, en dialogue avec ses photographies. « Dans l’espace, écrit Yusuke Nakahra, l’image photographiée et l’objet réel ont l’air de s’inscrire dans une continuité, mais on a l’impression de faire face à deux temporalités – l’une au présent, l’autre au passé. Les objets réels renvoient toujours au présent, l’image au passé. (…) Cette différence est décisive. En combinant la photo et les objets réels, l’artiste rend notre conscience du temps vivante. (…) C’est la différence entre la perception et la mémoire. L’artiste travaille en fait avec deux éléments : la perception et la mémoire[1]. »

NAKAYAMA

D’abord sculpteur travaillant le bois, Masaki NAKAYAMA (1945) n’a eu de cesse depuis les années 1970 d’associer dans ses installations l’action de son propre corps, son enregistrement par la photographie ou le dessin et leur confrontation à l’objet. Avec la grande série Body Scale, qu’il commence dans les années 1970 et qu’il continue de renouveler, Nakayama tente d’approcher le monde en prenant son corps comme échelle décisive. Usant d’un vocabulaire de formes géométriques simples et prenant le corps comme outil premier dans ses dispositifs, l’artiste japonais s’inscrit dans la lignée des figures majeures de la scène artistique internationale de sa génération, tels Bruce Naumann et ses Wall-Floor positions (1968) aux Etats-Unis ou Franz Erhard Walther en Allemagne dans les années 1960.

« Il y a plus de 40 ans que j’ai commencé mes travaux sur l’échelle corporelle, qui utilisent le corps humain a leur sujet. Bien que ces œuvres aient des sous-titres différents, le thème fondamental est resté inchangé et je continue à créer des œuvres sur ce thème aujourd’hui. Ces œuvres ne sont pas préoccupées par la structure ou la taille du corps humain, et ne sont pas non plus fondées sur une quelconque » théorie du corps » philosophique. Ce sont simplement des éléments qui ont été accessoires à un ensemble composite. (…) Par exemple, ce qui se trouve entre l’espace réel de mon corps actif et l’espace réel de ce qui est capturé dans mes photographies n’est pas une distance, mais l’écart entre des existences qui se chevauchent dans un espace à plusieurs couches. C’est ainsi qu’une relation mutuellement harmonieuse est née. C’est là que se trouve ma perspective. C’est, en d’autres termes, à ce concept d’espace multicouche de l’être humain que je me réfère avec mon titre « Body Scale[2] ». (Masaki Nakayama)

BIO

Masafumi MAITA (1944 – 2009) est né en Mandchourie (Chine), il a étudié à Paris (1971 – 1973) puis a vécu et travaillé au Japon. Photographe, il questionne et réinvente son medium, en dialogue avec l’objet puis la sculpture à partir des années 1970. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, en particulier aux Biennales de Venise de 1976 et 1986. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques notamment au Japon (The Utsukusi-ga-hara open-Air Museum, Nagano ; Open-Air Museum of Sculpture, Ube ; Museum of Modern Art, Kamakura ; Museum of Modern Art, Toyama ; Yokosuka Museum of Art, Kanagawa, etc.), en France (Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris ; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg ; Musée Cantini, Marseille ; FRAC Champagne-Ardenne), en Italie (MuSaBa, Parco Museo Santa Barbara, Mammola) et aux Etats-Unis (Museum of Fine Arts, Houston ; The State Foundation on Culture and the Arts, Hawaii).

Masaki NAKAYAMA est né en 1945 à Kofu au Japon, où il vit et travaille actuellement. Sculpteur de formation, Nakayama est diplômé de l’Ecole de Komagome à Tokyo. Dans ses installations et ses photographies, il utilise son propre corps comme échelle décisive de son travail. Ses œuvres ont principalement été exposées au Japon, en France, en Pologne et en République Tchèque. Elles sont conservées au Japon au Yamanashi Prefectural Museum of Art (Kofu), au Yokohama Civic Art Gallery (Kanagawa) ainsi qu’au Urawa Art Museum.

En collaboration avec Yumiko Chiba Associates (Tokyo, Japon).

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 30 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

Calendrier GoogleCal

jeu02jan(jan 2)0 h 00 minjeu07mai(mai 7)0 h 00 minPrix Virginia 2020Prix international décerné à une femme photographeType d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

ven31jan(jan 31)15 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minSUPERNATURAAnnamaria BelloniGalerie Annie Gabrielli, 33 avenue F Delmas (av. de Nîmes) 34000 MontpellierType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

C’est un regard sur la nature et sur la relation complexe que l’homme entretient avec elle que porte la photographe italienne Annamaria Belloni dans sa série Supernatura. A l’heure de l’anthropocène, elle choisit de nous ouvrir les yeux sur ses beautés simples et immédiates, qui pourraient nous défier et se retourner contre nous si nous les contrariions trop.
Loin de jeter l’opprobre sur l’homme, l’artiste fait le choix de représenter dans ses compositions des moments d’accord et de grâce où nature et humanité se côtoient dans un respect mutuel et un équilibre formel. Tantôt portions d’espace où la présence humaine s’insère discrètement, tantôt fragments de réel habités dans lesquels la nature reprend progressivement ses droits.
Grâce à son regard aiguisé et délicat sur ce qui l’entoure, Annamaria Belloni débusque des situations ou les met en scène, avec humour parfois, avec poésie souvent. Par exemple, lorsque des fleurs se substituent à un visage ou qu’une chevelure flamboyante se fait feuillage dans un mouvement de tête ; lorsque les motifs floraux d’un intérieur font écho à la végétation extérieure ou qu’un homme prend place dans une vieille voiture immobilisée par des plantes qui l’envahissent et l’habillent.
Par ces rencontres insolites, dont la fantomatique robe qui flotte dans un paysage verdoyant pourrait être la figure emblématique, la photographe crée des hybridations et des agencements qui réconcilient les formes de vie, tout en nous mettant subtilement en garde. Comme dans un chuchotement.
Qu’elle laisse ses sujets éclater par leurs couleurs et leurs contrastes ou qu’elle les enveloppe d’une lumière douce et tamisée, Annamaria Belloni crée des univers silencieux et mystérieux, confinant pour certains au fantastique. Le voile d’irréalité qu’elle jette sur le monde transforme, en effet, chacune de ses photographies en un récit visuel condensé, entre merveilleux et périlleux.
Tour à tour et toutes ensembles, ces dernières apparaissent alors comme les pages d’un conte en train de s’écrire. Une histoire édifiante où l’homme s’inscrirait avec plus d’humilité dans son environnement quotidien, une possible mythologie à venir de la supernature et de la sagesse retrouvée.

Dates

Janvier 31 (Vendredi) 15 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Annie Gabrielli

33 avenue F Delmas (av. de Nîmes) 34000 Montpellier

Galerie Annie Gabrielli33 avenue F Delmas (av. de Nîmes) 34000 MontpellierEntrée libre. Ouvert du mercredi au samedi de 15h à 19h et sur rendez-vous 7/7 jours

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ven15nov(nov 15)14 h 00 min2020dim24mai(mai 24)18 h 00 minL'élégance des formesRené JacquesJeu de Paume - Château de Tours, 25, avenue André Malraux 37000 ToursType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Vingt-cinq ans après la dernière exposition qui lui était consacrée, le Jeu de Paume – Château de Tours présente cet automne une rétrospective consacrée à René-Jacques. Étudiant en droit, ce qui le prédestinait à une tout autre carrière, il fait très rapidement le choix de suivre la voie artistique et d’adopter définitivement son nom d’artiste, afin de s’adonner à sa passion : la photographie.
« L’élégance des formes » dévoile une sélection de cent vingt tirages originaux, dont certains montrés pour la première fois, à travers un parcours rythmé par huit sections chrono-thématiques qui retracent les thèmes emblématiques de l’œuvre de ce photographe qui demande a être redécouvert.
Figure marquante de la photographie française d’après guerre, René-Jacques (né René Giton, 1908-2003) débute sa carrière dans les années 1930. Très rapidement, il embrasse les mille métiers de la photographie, se faisant tour à tour reporter pour L’Intransigeant, illustrateur pour les éditions Grasset ou photographe industriel pour la régie Renault. Arpenteur des rues d’un Paris vide, sur les traces de Francis Carco et Léon-Paul Fargue, il est aussi photographe de plateau pour René Lucot, Wilhelm Pabst et Jean Grémillon.
Conscient de la difficulté des photographes à faire valoir leurs droits et reconnaître leur art, René-Jacques, comme François Kollar, son aîné, ou Jean Dieuzaide, son cadet, participe aux différents groupes qui animent la photographie française : Le Rectangle, sous l’égide d’Emmanuel Sougez ; le Groupe des XV, à partir de 1946, où il retrouve Daniel Masclet, Willy Ronis, Robert Doisneau et son ami Marcel Bovis. Défendant ses images et ses points de vue, il participe aux nombreuses expositions que ces groupes organisent. Président pour les photographes du conseil d’administration de la Spadem (Société de la propriété artistique des dessins et modèles) à partir 1946, il prend également la tête du syndicat de la photographie publicitaire en 1961 et représente les photographes à la Commission nationale des sites.
Dans les photographies de René-Jacques, rien n’est anodin : chaque image est pensée et trouve sa source dans ses expériences préalables. Ainsi, quand il propose des illustrations pour des œuvres de Carco et de Montherlant, il traduit en images les ambiances et les formes évoquées par les textes. De même, le jeu des ombres et des reflets sur les matières, qu’il affectionne dans ses natures mortes industrielles, fait suite à ses premières recherches et à son expérience de l’éclairage sur les plateaux de cinéma. Pour René-Jacques, professionnel exigeant, répondre aux demandes de ses commanditaires suppose de proposer, au-delà d’une image techniquement parfaite, un supplément d’âme et une vision renouvelée du paysage, du monument ou de l’objet industriel.
En 1991, conscient de la richesse de son travail photographique, il fait don à l’État de son œuvre.
Aujourd’hui conservée à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), la donation RenéJacques regroupe ses négatifs, un ensemble de plus de 20 000 tirages, ainsi que de très riches archives formées de ses publications, de sa correspondance professionnelle et des planches de tirages de lecture qui servaient à la diffusion de ses images.
Commissaire : Matthieu Rivallin

Dates

Novembre 15 (Vendredi) 14 h 00 min - Mai 24 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume - Château de Tours

25, avenue André Malraux 37000 Tours

Jeu de Paume - Château de Tours25, avenue André Malraux 37000 ToursMardi à dimanche : 14 h-18 h / Fermeture le lundi - Tarif plein: 4 € / Tarif réduit: 2 €

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sam25jan(jan 25)11 h 00 minsam22fev(fev 22)18 h 30 minLa sélection de la RédactionA History of Misogyny - Chapter Two : On rapeLaia AbrilGalerie Les filles du calvaire, 17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La galerie Les filles du calvaire annonce la prochaine exposition personnelle de l’artiste Laia Abril. Le premier chapitre de son œuvre sur l’histoire de la misogynie, On Abortion a été exposé mondialement après l’émotion provoquée aux Rencontres d’Arles en 2016.
Laia Abril présente à la galerie le second chapitre : On Rape.

L’artiste continue d’élargir ses archives visuelles sur le contrôle systémique du corps des femmes à travers le temps et les cultures. Sur son nouveau travail, l’artiste dit :
« En scrutant, conceptualisant et visualisant les échecs judiciaires, en tenant compte des réglementations historiques, des dynamiques toxiques et des témoignages de victimes, le projet pointe la culture du viol institutionnel répandue dans les sociétés du monde entier. Je développe ce travail en explorant les liens entre mythes, pouvoir et droit et les notions de masculinité et de violence sexuelle. »

On Rape se compose d’un ensemble de photographies, d’objets et de témoignages. Le projet est pensé comme une véritable installation dont l’agencement dans l’espace constitue le cœur plastique. Ces éléments interconnectés n’offrent pas une approche linéaire ou chronologique mais permettent au contraire plusieurs niveaux de lecture. En créant des ponts entre l’histoire, les lieux et les cultures, Laia Abril rappelle l’universalité du drame du viol.

Dates

Janvier 25 (Samedi) 11 h 00 min - Février 22 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Les filles du calvaire

17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 Paris

Galerie Les filles du calvaire17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 ParisLa galerie Les Filles du Calvaire, fondée en 1996 à Paris, a pour vocation de montrer et de défendre la création contemporaine. Ouvert du mardi au samedi de 11h à 18h30

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