Name: Jenny de Vasson
Start: 2020-3-8T13-13-00-00
End: 2020-6-27T18-18-00-00
Location: Galerie des Affaires étrangères Bibliothèque municipale de Versailles

10 février 2017

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dim08mar(mar 8)13 h 00 minsam27jui(jui 27)18 h 00 minJenny de VassonUne photographe à Versailles en 1900Galerie des Affaires étrangères Bibliothèque municipale de Versailles, 5, rue de l’Indépendance américaine – 78000 VersaillesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 8 avril au 27 juin 2020, la Galerie des Affaires étrangères accueille l’exposition « Jenny de Vasson : une photographe à Versailles en 1900 », qui invite à la découverte de l’œuvre méconnue d’une femme pionnière de la photographie. Née en 1872 dans une famille de notables berrichons, à une époque où la pratique de la photographie amateur se développe dans les couches aisées de la population, Jenny de Vasson réalise des centaines de clichés de ses proches et de paysages familiers ou lointains, traversés au cours de ses voyages en France, Belgique, Espagne, Grèce, Italie ou Suisse. Proche d’artistes comme Fernand Maillaud et Bernard Naudin et d’écrivains tels que Jean-Richard Bloch, André Maurois et Roger Martin du Gard, elle partage sa vie entre le Berry et Versailles où elle habite avec ses parents de 1902 à son décès, survenu en 1920. Dans leur hôtel particulier situé impasse du Débarcadère, actuel passage Pilâtre de Rozier, se trouvaient deux petits tableaux de Claude Monet présents dans cette exposition, de même qu’une partie des lettres signées Jean Jaurès, Charles de Montalembert ou encore George Sand données à la bibliothèque municipale par son père, Paulin de Vasson. L’accrochage montrera surtout ses clichés où défilent les paysages, les rues et toute une société rurale ou citadine du tournant du siècle, et qui laissent aussi une part au jeu, à la mise en scène et au déguisement dans une série de portraits et d’autoportraits.

À partir d’avril 2020, la ville de Versailles met la photographie à l’honneur, avec plusieurs événements tels qu’une exposition sur la photographie narrative à la bibliothèque de l’Heure joyeuse, ou encore la présentation des œuvres de Jenny de Vasson dont nous commémorons le centenaire de la mort à la bibliothèque Centrale.
Versaillaise d’adoption, Jenny de Vasson s’installe en 1902 avec ses parents dans un hôtel particulier de l’impasse du Débarcadère, actuel passage Pilâtre de Rozier, où elle demeurera toute sa vie. Le don fait à la bibliothèque municipale par son père Paulin de Vasson d’une centaine de lettres signées George Sand, Jean Jaurès ou encore Charles de Montalembert témoigne de l’implication de la famille dans la vie culturelle versaillaise.
Le pillage de leur maison versaillaise à l’été 1942 a entraîné la perte d’une grande partie de l’œuvre de Jenny de Vasson, et notamment de nombreux clichés de Versailles. Ceux qui subsistent, dévoilant un Versailles intime et familier, terrain de jeux et de visites, ont été peu montrés. C’est donc tout naturellement et avec un grand enthousiasme que la Ville a accepté la proposition de Gilles Wolkowitsch, commissaire de l’exposition, de contribuer à leur redécouverte.

Commissaire d’exposition //
Gilles Wolkowitsch

Du mardi au vendredi, de 13h à 18h
Le samedi, de 10h à 18h
Fermé le dimanche et le lundi
Entrée libre

Dates

Mars 8 (Dimanche) 13 h 00 min - Juin 27 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie des Affaires étrangères Bibliothèque municipale de Versailles

5, rue de l’Indépendance américaine – 78000 Versailles

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ven13mar(mar 13)14 h 00 minmer29avr(avr 29)18 h 30 minPériphériePierre FaureGalerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud, 1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Chaque année, le Carré d’Art met en oeuvre une résidence de photographe sur son territoire, qui s’achève lors d’une exposition des images réalisées.
En 2017-2018, la photographe Julie Hascoët a évoqué des thématiques qui lui tenaient à coeur : une recherche autour du territoire, de la cartographie et du nomadisme en tentant de trouver des correspondances visuelles entre la ville de Chartres de Bretagne et ses villes jumelées. Cette série, Géographies jumelles, a fait l’objet d’une exposition au Carré d’Art et d’un livre, Twins, publié chez Poursuite Editions.
En 2018-2019, c’est le duo de photographes nantais Jérôme Blin et Gaëtan Chevrier qui ont fait un portrait de la ville, par le prisme de l’histoire industrielle fortement liée à l’implantation de l’usine Citroën – PSA sur son territoire en 1960. La série La Janais a fait l’objet d’une exposition et d’un livre, publié aux Editions Sur la Crête.
En 2019-2020, le Carré d’Art a choisi le photographe Pierre Faure pour réaliser un travail de création.

La résidence
Pour Pierre Faure, être en résidence à Chartres de Bretagne, c’est se concentrer sur des lieux et des personnes rencontrées dans les limites de son territoire.
Ainsi, il photographie, sous la forme d’une errance, la ville, en s’attachant à des détails prélevés dans les paysages urbains, ces paysages dans lesquels les habitants peuvent reconnaitre -ou non- leur ville.
Dans le cadre de cette résidence, Pierre Faure a également très vite choisi de s’intéresser aux adolescents de Chartres de Bretagne, tournés vers un avenir qui se situe au-delà de la commune, insistant sur leur perception de leur territoire, intime et/ou collectif. Le plus souvent réalisés en extérieur, ces visages

Dates

Mars 13 (Vendredi) 14 h 00 min - Avril 29 (Mercredi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud

1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de Bretagne

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneDu mardi au vendredi de 14h à 18h30 Le samedi de 10h à 12h30 et de 13h30 à 17h

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sam11jan(jan 11)13 h 00 mindim05avr(avr 5)19 h 00 minDenis DarzacqCentre d’art Contemporain de la Matmut, 425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-VarengevilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ces compositions abstraites ont tous les atours des canons artistiques modernes. On y voit volontiers un peu de Kandinsky, une bonne dose de Arp, un zest de Bacon et du Hains ou du Villéglé évidemment, pour les déchirures. Ce sont des constructions aux couleurs vives, dans certaines on perçoit un espace sous les couches de formes qui occupent leurs centres. Comme autant de vortex chromatiques et poétiques, ces zones fragiles et instables sont des invitations au voyage à travers un univers tout en suspension au sein duquel une ligne vous mène vers un aplat de couleur qui lui-même fait émerger une forme aussi captivante qu’indéfinissable. On est happé. Propulsé dans une traversée introspective mais heureuse de ces espaces inconnus. L’artiste les qualifie d’Absences. Pourtant, ils paraissent bien présents, pleins de couleurs et de formes.
De quelles absences s’agit-il alors ?
Il est vrai qu’ici pas de signifiant et encore moins de signifié. Rien de familier auquel se raccrocher. Pas de sujet directement visible. Tout est en rupture avec l’histoire de celui qu’on connaît avant tout comme photographe de presse.
On apprend que pour créer ces Absences, l’artiste manipule d’anciens tirages par le déchirement, le froissage, le découpage et enfin l’assemblage, quelque part entre la peinture, la sculpture, le bas-relief aussi. L’absence du sujet est ainsi à relativiser.
Le sujet photographique, nécessairement autoréférentiel, est au coeur du processus et si absence il y a, c’est moins de photographie que d’image. Et il semble nécessaire de revenir sur le long cheminement artistique de ce regardeur du réel qu’est Denis Darzacq pour saisir les enjeux de ce travail profondément paradoxal dans son corpus.
(…)
Les deux pendants de son travail (photographie reportage et photographie plasticienne) s’enrichissent et s’alimentent mutuellement dans une perpétuelle recherche de cohérence sémantique et artistique à travers les réalités sociales et politiques. Celle-ci le mènera par exemple en banlieue, à Bobigny en 2004. En dehors de toute actualité, quelques années après la génération qu’on appelait alors « black-blanc-beur » et quelques mois avant la révolte de novembre 2005, le série dépasse les préjugés et offre une image de la banlieue radicalement différente de celle que véhiculent traditionnellement les médias. L’artiste arpente ce paysage urbain avant tout espace social vivant revendiqué collectivement comme individuellement par leurs habitants. En proposant entre autre, aux jeunes des cités de poser devant chez eux, Denis Darzacq entérine une approche photographique qui problématise la place du corps dans l’espace social. Travail poursuivit avec La Chute (2006) qui constitue certainement la série la plus exemplaire de sa virtuosité à conjuguer mise en scène et réalité. Elle figure des danseurs de banlieue photographiés en suspension dans l’air pendant qu’ils performent une figure de hip-hop. Comme pour illustrer la citation issue du film générationnel culte La Haine (1995) de Mathieu Kassovitz « l’important n’est pas la chute, c’est l’atterrissage », Denis Darzacq saisit le moment de la fragilité absolue, de tous les possibles comme de tous les dangers, où on s’émancipe des pesanteurs sociales, l’espace d’un instant. La pertinence de la série sera récompensée par le 1er Prix du World Press Photo, catégorie Arts and Entertainment, en 2007. Les questionnements de La Chute trouveront prolongement dès l’année suivante dans la série Hyper (2007-2009) qui fera l’objet d’une exposition aux Rencontres d’Arles en 2009. Poursuivant son investigation des formes chorégraphiques et de leur potentiel signifiant, Denis Darzacq photographie des corps en suspension cette fois dans les rayons des supermarchés. Il se dégage toujours de ces images une impression de point d’arrêt, de temps figé, d’équilibre précaire et de potentiel effondrement mais cette fois, l’artiste s’attaque directement à la place du corps dans l’espace normatif du consumérisme. Cette problématique constitue d’ailleurs un champ de recherche important qui va jusque constituer un fil rouge dans sa pratique notamment avec le travail Casques de Thouars (2007-2008) réalisé lors d’une résidence dans cette petite ville des Deux-Sèvres. Changement radical de décor, le photographe se trouve alors bien loin de la capitale et de ses banlieues dans un contexte social marqué par l’éloignement physique des espaces de consommation et de culture de masse. Il se passionne alors pour une pratique de customisation des casques de motos par des jeunes du coin en pleine déshérence. Aussi bien armure que masque et parure, le casque super-esthétisé devient de support d’expression du corps social, l’endroit de l’indispensable singularisation autant que de la revendication de l’appartenance à un tout : le monde globalisé. C’est également de l’existence au-delà des stigmatisations que traite la série Act (2008-2011). Denis Darzacq mène alors un travail de longue haleine avec des personnes en situation de handicap.

« To act » en langue de Shakespeare fait aussi bien référence au fait de jouer un rôle qu’au fait d’agir. Le photographe invite chacun de ses complices à faire acte dans l’image qu’ils soient acteurs, sportifs ou danseurs pour revendiquer leur singularité en transcendant le statut des personnes en situation de handicap et donc d’assistés que la société leur assigne. Dans la proximité ou l’éloignement, dans la performance ou l’anonymat, chacun cherche sa place dans la société contemporaine.

Le début des années 2010 marque un point de bascule dans la carrière de Denis Darzacq. Il prend la décision de rompre avec une pratique proprement documentaire de la photographie pour verser dans une approche résolument plasticienne sans pour autant perdre de vue ses ingrédients thématiques d’élection à commencer par les problématiques de consommation de masse. Avec Recomposition (2010-2011), il jette son dévolu sur une chaise Ikea dont il propose à des danseurs de se saisir de l’assise et de l’emballage en carton. En résulte des images énigmatiques de corps affublés de volumes géométriques. Alors qu’on parierait que ces hybridations sont le fruit de quelques manipulations numériques, tout ici est chorégraphie. L’objet devient l’artefact qui définit le corps autant qu’il le contraint. Quand les précédentes séries postulaient la revendication de la subjectivité du sujet, la Recomposition postule le produit de consommation courante – la chaise Ikea – comme outil de sa disparition, le chemin vers son abstraction.

Nous sommes alors fondés de penser que les Absences que nous présentent Denis Darzacq constituent en somme le point d’orgue d’une recherche plastique profondément ancrée dans une conscience politique construite par la photographie documentaire.
Les Absences sont faites de cette matière photographique nécessairement signifiante dont la perte de sujet visible ne constitue en rien l’abandon de la valeur politique.

« L’absence, ce n’est jamais le vide, c’est la présence qui manque. »

Dates

Janvier 11 (Samedi) 13 h 00 min - Avril 5 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Centre d’art Contemporain de la Matmut

425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-Varengeville

Centre d’art Contemporain de la Matmut425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-VarengevilleEntrée libre et gratuite, du mercredi au dimanche, de 13 h à 19 h.

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sam04avr(avr 4)14 h 00 mindim31mai(mai 31)19 h 00 minJeunesse délaisséeTish MurthaLa Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image, 4 place d'Austerlitz 67000 StrasbourgType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les photographies de Patricia Anne « Tish » Murtha se placent dans la tradition de la documentation de la classe ouvrière britannique. Murtha ne s’est jamais considérée comme une photojournaliste, dont le quotidien serait de faire le portrait de figures politiques ou de footballeurs.
Elle souhaitait photographier la vie très ordinaire dans les rues de Newcastle.
Tish Murtha est née le 14 mars 1956 à South Shields, ville déjà passablement délabrée du district de Tyneside, au Nord de l’Angleterre. À 16 ans déjà, elle quitte l’école et enchaîne les petits jobs.
Elle vient à la photographie grâce à un cours du soir à Newcastle, où son professeur Mick Henry la persuade de s’inscrire à un cours de film documentaire.
À l’âge de 20 ans, elle quitte sa ville natale pour étudier sous la direction d’un photographe de l’agence Magnum, David Hurn, à l’école de photographie documentaire de l’université de Wales à Newport. Elle meurt à seulement 56 ans des suites d’une rupture d’anévrisme.
L’oeuvre de Tish Murtha s’articule principalement autour de la documentation de groupes sociaux marginaux. En tant que photographe locale, elle suit des jeunes gens dans leur enfance, et plus tard dans leurs périodes de chômage, et montre à quel point ceux-ci doivent se montrer flexibles pour subsister. Par son travail, elle se sent engagée auprès de ces personnes et de leurs problèmes. Elle s’attache à souligner le préjudice social dont elle a elle-même fait l’expérience dans son enfance.
En nous remémorant les années Thatcher et son libéralisme dur, les images de Tish Murtha résonnent avec la période contemporaine. Aujourd’hui, après une longue période de résignation et le désastre du Brexit, la jeunesse s’intéresse à nouveau à la politique et aux défis sociaux actuels.
Benjamin Ochse

Dates

Avril 4 (Samedi) 14 h 00 min - Mai 31 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

La Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image

4 place d'Austerlitz 67000 Strasbourg

La Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image4 place d'Austerlitz 67000 StrasbourgEspace d'exposition : mercredi > dimanche : 14h - 19h ou sur rdv Fermé les jours feriés

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jeu26mar(mar 26)11 h 00 minsam23mai(mai 23)19 h 00 minPhilip-Lorca diCorciaDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner a le plaisir d’annoncer la prochaine exposition de photographies de Philip-Lorca diCorcia à Paris. L’exposition présente une sélection d’images tirées des séries réalisées par l’artiste pour W Magazine entre 1997 et 2008, et comprend notamment des images inédites.
Philip-Lorca diCorcia s’est imposé dans les années 1980 en tant que représentant d’une nouvelle génération de photographes qui cherchaient à explorer et à dépasser les limites du médium. Au cours des trois dernières décennies, il a été reconnu pour ses photographies méticuleusement scénographiées et réalisées, mettant en scène une variété d’individus parmi lesquels des amis, des membres de sa famille, des anonymes, des pole danseurs ou des racoleurs. Mettant en scène ses sujets dans des positions et des univers très construits bien qu’apparemment fortuits, diCorcia produit des images à l’opposé d’instantanés candides, explorant plutôt la tension entre pose et naturel, hasard et destinée. Tout à la fois documentaire et théâtral, son travail évolue dans les interstices entre fiction et réalité.
À partir de 1997, diCorcia entreprend des voyages à travers le monde en vue de produire des séries de photos pour W Magazine. Mettant en scène ses propres mannequins professionnels ou des personnes rencontrées sur les lieux par hasard, ces images tissent des récits chargés d’histoires. Elles semblent parfois éloignées des codes esthétiques de l’industrie de la mode qui mettent traditionnellement l’accent sur la beauté et sur l’harmonie. À la place, elles impliquent un équilibre délicat entre glamour et audace, rêverie et ironie. Photographiant à Bangkok, au Caire, à La Havane, à Los Angeles, à New York, à São Paulo et à Saint-Pétersbourg, diCorcia crée alors des séries très distinctes qui regorgent de significations ambiguës et de connotations fortes tandis que les personnages apparaissent et réapparaissent dans une myriade de décors.
Bien que ces images tirent leur substance de la vie quotidienne, il semble qu’il y ait en elles une dimension symbolique par laquelle elles transcendent leur présentation vive et frontale. Comme le note l’écrivaine Mary Gaitskill à propos de ces séries, « ces images sont très différentes dans leurs lieux et dans leur « histoire » la plus visible. Ce qu’elles partagent réside dans la profondeur de leur champ, le sentiment qu’il y a en elles une histoire bien plus grande et bien plus étrange que diCorcia nous permet d’appréhender, comme nous appréhendons brièvement, souvent sans même nous en rendre compte ou sans nous en soucier, la vie intérieure d’un inconnu ou le bourdonnement inhumain de la nature. Il paraît évident qu’il porte son attention sur le jeu des structures sociales, la fiévreuse individualité de la vie humaine – mais l’élémentaire, tel qu’il est exprimé physiquement, aperçu visuellement mais finalement indéfinissable, est, quant à lui,discrètement mais somptueusement présent dans son travail »*.
La sélection d’œuvres présentées dans l’exposition comprend l’une des images les plus emblématiques de la série, une photographie mettant en scène l’actrice Isabelle Huppert dont le visage se détache de la foule des passants d’une rue parisienne bondée et plongée dans l’obscurité. Une autre image caractéristique de la série a été prise à New York en 2000 et semble représenter une famille aisée déjeunant au sommet d’une des tours du World Trade Center, la seconde tour étant visible par les baies vitrées. Une autre image encore jamais exposée est une photographie de 1998 prise à Los Angeles dans l’intérieur obscur d’une cabine d’avion avec la présence d’une femme seule debout, un sentiment d’inquiétude sur le visage. Une image prise au Caire en 2008, également exposée pour la première fois, montre deux figures assises sur un bâtiment inachevé ou partiellement démoli avec les pyramides de Gizeh en arrière-plan.
L’ensemble des œuvres présentées illustrent l’engagement critique et le détachement de diCorcia vis-à-vis des attentes traditionnelles liées au genre photographique. Hautement stylisées et méticuleusement élaborées, elles sont tout à la fois de somptueuses représentations visuelles de la maîtrise technique de diCorcia et des réflexions évocatrices sur la classe, la société et le statut de l’image photographique dans la culture contemporaine.
Né en 1951 à Hartford dans le Connecticut, Philip-Lorca diCorcia a étudié à l’école du Musée des Beaux-Arts de Boston et fut diplômé en 1979 de l’Université de Yale, New Haven, Connecticut. Sa première exposition individuelle fut organisée au MoMA de New York en 1993. David Zwirner représente son travail depuis 2007 et il s’agit de la 7ème exposition personnelle présentée par la galerie. En 2011, ELEVEN, une édition complète reprenant l’intégralité des onze séries photographiques réalisées par diCorcia pour W Magazine fut publiée par Freedman Damiani. La publication de cet ouvrage coïncidait avec une exposition éponyme d’une sélection d’images tirées des séries à la galerie David Zwirner de New York.
D’importantes expositions personnelles de diCorcia ont été organisées par le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1997), par le Sprengel Museum de Hanovre (2000), par la Whitechapel Gallery de Londres (2003), par le Foam Fotografiemuseum d’Amsterdam (2006), par l’Institute of Contemporary Art de Boston (2007) et par le Los Angeles County Museum of Art (2008).
En 2013, la Schirn Kunsthalle de Francfort a organisé une importante rétrospective sur l’ensemble de la carrière de diCorcia qui a notamment rassemblé plus d’une centaine de photographies issues de six séries. L’exposition fut ensuite présentée la même année au musée De Pont de Tilburg aux Pays-Bas, puis au Hepworth Wakefield en Grande-Bretagne en 2014. Elle reste à ce jour la présentation la plus complète de son œuvre en Europe. En 2012, une sélection de tirages de diCorcia fut présentée dans le cadre de la grande rétrospective consacrée au peintre américain Edward Hopper au Grand Palais, à Paris.
Les œuvres de diCorcia sont conservées dans les plus grandes collections publiques internationales et notamment au Centre Georges Pompidou, Paris ; au De Pont Museum, Tilburg, Pays-Bas ; au Los Angeles County Museum of Art ; au Metropolitan Museum of Art, New York ; au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; au Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; au Museum of Modern Art, New York ; à la National Gallery of Art, Washington, DC ; au National Museum of Modern Art, Tokyo ; au San Francisco Museum of Modern Art ; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; à la Tate de Londres ; au Victoria and Albert Museum de Londres ; et au Whitney Museum of American Art de New York. Philip-Lorca diCorcia vit et travaille à New York. Il enseigne à l’université de Yale de New Haven, dans le Connecticut.
*Mary Gaitskill, “On Philip-Lorca diCorcia,” in Eleven: W Stories 1997–2008(Bologne, Italie: Freedman Damiani, 2011), n.p.

Dates

Mars 26 (Jeudi) 11 h 00 min - Mai 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

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