Daily Archives: 19 janvier 2018

Evénements

Gilles Coulon, lauréat du Grand Prix Eurazeo présenté à la MEP

C’est avec joie que nous avons pu découvrir, hier, 16 Janvier l’exposition consacrée ...

L'Edition

French Doctors, une aventure humanitaire de José Nicolas

En 1978, José Nicolas a tout juste 22 ans lorsqu’il opère avec les ...

News

Découvrez Marilyn lors d’une visite privée à la Galerie de l’Instant

Nous vous présentions l’exposition la semaine passée, la Galerie de l’Instant expose une sélection de clichés ...

OtherSide

Rencontre avec Emmanuel Cuisinier, Centre des arts, Enghien-les-Bains

Le Cda est la première scène conventionnée “écritures numériques” par le Ministère de ...

OtherSide

Inauguration de Toguna, lieu des savoirs au Palais de Tokyo

Nouvelle phase du partenariat avec la Fondation Bettencourt Schueller, Toguna (village Dogon) est ...

L'Invité.e

La Playlist de Véronique Prugnaud et Vincent Marcilhacy

Dernière carte blanche pour nos deux invités de la semaine, Véronique Prugnaud et Vincent ...

L'Ephéméride

Aspen : Ouverture de l’exposition de Thomas Struth

L’Aspen Art Museum inaugure aujourd’hui l’exposition consacrée à Thomas Struth. Elle sera visible jusqu’au ...

L'Ephéméride

Ephéméride (2017) : Mort de Thibaut Cuisset

Le photographe Thibaut Cuisset est mort le 19 janvier 2017, à l’âge de 58 ...

L'Ephéméride

Le Gif(t) du vendredi

Comme un air de week-end qui arrive vous ne trouvez-pas ? Bookmark0

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam10oct(oct 10)14 h 00 min2021dim14fev(fev 14)19 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 14 h 00 min - Février 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

Calendrier GoogleCal

mar05jan(jan 5)14 h 00 mindim31(jan 31)18 h 00 minGrand SudFrançoise Hordelalay-LegrisEspace 181, 181, rue de Paris 91120 PalaiseauType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition présentée dans le cadre du PHOTOCLUBBING#14, Mois palaisien de la photo.

En 2013, les fabuleuses photos d’Argentine de Sebastião Salgado de l’exposition Genesis à la Maison Européenne de la Photographie à Paris, m’ont laissée sans voix. Depuis, je rêvais grand, très grand, de panoramas naturels uniques, de territoires vierges, situés au sud du Sud. Octobre 2018, accompagnée de mes deux enfants passionnés de voyages, j’atterris à Ushuaïa, ville envoûtante où l’on s’imprègne de l’atmosphère du bout du monde. Là-bas, aux portes de l’Antarctique, j’ai commencé le carnet photographique d’un voyage de plusieurs milliers de kilomètres en Argentine. En débutant par le Parc de la Terre de Feu, presque vierge de traces humaines, nous avons traversé la Patagonie, à la nature sans limite. Devant les gigantesques glaciers d’El Calafate, l’émotion fut indicible. L’un d’entre eux, le Perito Moreno avance inexorablement dans un impressionnant et assourdissant grondement. A El Chaltén, nous avons gravi le légendaire Mont Fitz Roy. Enfin, c’est au milieu des terres rouges, des montagnes colorées et de l’infini désert de sel des Salinas Grandes, que notre périple familial s’est achevé.

Françoise Hordelalay-Legris est initiée à la photographie par Pascal, un ami de longue date, lors de plusieurs voyages, qu’ils effectuent ensemble aux Etats-Unis, au Canada et au Brésil. Sa formation débute réellement en 2000, lorsqu’elle adhère au Photo-Club de la MJC de Palaiseau où elle participe à de nombreux ateliers et s’ouvre aux techniques de la photo de portrait, de sport, de paysage. Elle y découvre différentes démarches photographiques, comme la très spontanée lomographie où l’instinct est premier.
Elle apprend énormément au contact des autres photoclubbers et de ses animateurs bénévoles. En 2010, elle est programmée une première fois à Photoclubbing, le mois palaisien de la photo, avec ses images de Paris-Pochoirs. Depuis deux ans, elle se passionne pour les procédés photographiques anciens (Van Dyke et Cyanotype) qu’elle pratique dans l’atelier argentique de son photo-club préféré.

Espace 181, 181, rue de Paris, Palaiseau, ouvert le samedi de 14h à 18h, le dimanche de 9h à 13h, visible depuis la rue, de 10h à 19h.

Dates

5 (Mardi) 14 h 00 min - 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Espace 181

181, rue de Paris 91120 Palaiseau

En savoir plus

Calendrier GoogleCal

sam28nov(nov 28)14 h 00 min2021sam20fev(fev 20)19 h 00 minVivian Maier, Self-portraitsLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les Douches la Galerie a le plaisir de présenter une nouvelle sélection d’autoportraits de Vivian Maier. Réalisés entre 1953 et les années 1970, ils témoignent encore une fois de son œil pour les réflexions, de son grand sens de la composition et plus largement, de la richesse de son œuvre.

Je me suis souvent demandé pourquoi on saisit sa propre image, ce que signifie le fait d’être représenté des deux côtés du cadre. Je ne me résous pas à n’y voir que pure vanité, pur narcissisme.
On pourrait penser, non sans une certaine naïveté, qu’un autoportrait nous informe sur la personne photographiée. En observant le sujet représenté, ainsi que le regard porté sur lui, nous pensons pouvoir deviner des choses sur sa vie, son travail, sa journée. En cherchant l’expression, nous discernons des vêtements, des choix, un environnement – tentative, somme toute, de résoudre le mystère du « moi ».

Je ne suis pas certaine que l’on puisse lire ce « moi » dans les autoportraits de Vivian Maier, ni même suivre l’évolution de sa vie à travers ses images. Nous observons ses autoportraits en quête de révélations, mais elle ne nous livre que très peu de choses. Elle est seule dans ses pensées. Difficile d’imaginer son point de vue. Pas une trace d’émotion ni de réaction. Pas un seul portrait à deux. Elle n’est presque jamais accompagnée, ou parfois d’un enfant. La force du personnage de Maier réside dans la personnalité qui nous regarde à son tour. Un regard d’une grande intransigeance ; et il est paradoxal, pour une personne aussi secrète et indépendante, que ce soient ses autoportraits qui, à ce jour, se sont avérés ses œuvres les plus marquantes.

Elle semblait incarner une sagesse photographique qui la dépassait – toujours dans la composition, rarement dans l’émotion. Parfois, elle fait des choix géniaux : parfois, simplement un essai. Son œuvre regorge de surfaces réfléchissantes, de vitres – un monde mis en abyme à travers des cadres, des embrasures de portes, des châssis, son ombre se projetant sur la vie des autres, sur le trottoir, sur le dos d’inconnus. À travers son objectif, nous voyons son image se refléter sur une surface, image plane répétée suivant plusieurs angles.

Nulle grande émotion n’est exprimée dans ces autoportraits, peu d’action, de la curiosité plutôt que de l’introspection, de la composition plutôt que de l’émotion. Il pouvait arriver qu’elle sourît, bien que rarement – Vivian Maier semblait avoir une double vie : sa vie domestique, avec toutes ses contradictions, et sa vie personnelle, dédiée à la création. Elle jetait sur le monde un regard connaisseur, mais ne permit jamais à quiconque de devenir témoin ou spectateur de son travail. On imagine volontiers que cette femme profondément intuitive était une personne difficile : décalée, complexe, vivant dans son monde à elle. (…)

Je suppose que ce qui intéressait Vivian Maier, ce n’était pas, en soi, de réaliser des portraits d’elle, mais plutôt de proposer un aperçu, un regard sur les multiples facettes qui coexistent dans un corps. Je pense qu’il y a des indices cachés dans les autoportraits de son ombre. Dans certaines civilisations antiques, l’ombre évoque un doppelgänger. L’œuvre de Maier en est pleine. Des ombres sur les trottoirs, des ombres empiétant sur les vitrines, sur les étals de journaux, sur les feuilles mortes – où qu’elle veuille se trouver… Qui est le véritable dépositaire de ces images qu’elle n’a jamais montrées à personne ? (…)

Si je pouvais interroger Vivian Maier sur ses intentions dans sa photographie, j’imagine qu’elle me dirait : Ce qui m’a poussée à avoir cette vie secrète ? Voici ma réponse : « Ne cherchez pas à le savoir.
» En vérité, j’ai longtemps résisté. Ce n’est que récemment que je me suis mise à observer de près toute son œuvre publiée, m’y plongeant comme si j’avais trouvé une bouteille jetée à la mer il y a plus de cinquante ans. J’ai été soufflée par son talent. C’est une cadreuse hors-pair et le mystère qui entoure l’histoire de sa vie est captivant. Finalement, il est sans doute impossible de comprendre ou de connaître vraiment Vivian Maier, mais la force de ses photographies nous offre une ouverture sur son univers caché. Son œuvre respire la pureté photographique, l’amour de ce travail charnel du photographe. Point besoin de témoin ni de collaborateur, l’œuvre reste là, libre, dénuée de tout désir de reconnaissance, de notoriété ou de célébrité.

L’œuvre photographique contemporaine aspire souvent à quelque chose. Elle exige un public, ou nécessite des subventions. Elle a besoin qu’on l’aime, qu’on la partage, ou qu’on la commente.
Aujourd’hui, les images ne se contentent pas d’exister en elles-mêmes, elles recherchent le jugement, l’approbation, traînant dans leur sillon une assourdissante et répétitive rhétorique. Les photographies de Vivian Maier ont l’extraordinaire singularité d’avoir seulement voulu être prises.
Quelle magie. Un génie méconnu.
Elizabeth Avedon
Extraits de « Vivian Maier, Self-Portraits », powerHouse Books, Brooklyn, NY, 2013

Dates

Novembre 28 (Samedi) 14 h 00 min - Février 20 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

jeu07jan(jan 7)11 h 00 minsam23(jan 23)19 h 00 minMartine AballéaMaison Auguste Comte, 10 rue Monsieur-le-Prince 75006 Paris Organisateur: PhotoSaintGermain Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le travail de Martine Aballéa donne vie à des lieux imaginaires, des intrigues mystérieuses, créant ainsi des récits proches des contes. Il s’articule finement entre textes et images photographiques, reprises et retouchées, colorisées sans naturalisme. Par ces seuls biais, ses productions proposent un grand voyage de l’esprit : Martine Aballéa emmène les spectatrices et spectateurs de son oeuvre dans une promenade mentale, dans un rêve éveillé. Son travail est traversé par l’image de la nature et des décors : ces derniers habitent ses photographies, rehaussés de ponctuations colorées, donnant naissance à une surréalité onirique.
Dès ses premières pratiques, son sujet de prédilection est celui de la création d’établissements imaginaires, comme l’Hôtel Passager, qui s’incarne véritablement et physiquement au musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999. Elle s’est distinguée par ses installations telles que La maison d’en dessous au Narcissio à Nice en 2016. Un nouveau récit s’est construit en 2017 au Musée des amours, dans une scénographie pour le festival EXTRA ! au Centre Georges-Pompidou, grâce à une série de photographies et une édition.
Pour PhotoSaintGermain, en intervenant dans la Maison Auguste Comte, Martine Aballéa va entrer en dialogue avec la figure du grand philosophe et toute la vie sociale, intellectuelle et amoureuse dont son appartement fut le témoin.

Commissaire Pascal Beausse

Dates

7 (Jeudi) 11 h 00 min - 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Maison Auguste Comte

10 rue Monsieur-le-Prince 75006 Paris

Organisateur

PhotoSaintGermaincontact@photosaintgermain.com Paris

Calendrier GoogleCal

sam28nov(nov 28)14 h 00 min2021sam20fev(fev 20)19 h 00 minSous le soleil de la vieSabine WeissLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Quand il a fallu choisir un titre pour cette exposition, je souhaitais mettre en exergue des mots ou une expression qui racontent la personnalité de Sabine Weiss. Solaire, sourire, énergie, optimisme, travail… les qualificatifs ne manquent pas. Caractère, aussi ! Sous le soleil de la vie s’est assez vite imposé car il résume assez bien son appétence.
Vous l’aurez compris, c’est avec beaucoup de tendresse que nous présentons à la galerie une nouvelle exposition de Sabine Weiss, avec des photographies connues, d’autres plus singulières, et toujours comme maître mot la composition et la lumière.
Françoise Morin

Dans le petit atelier qu’elle habite depuis plus de soixante-dix ans, les objets sont partout. Sur les murs, les tableaux, les reliquaires et une extravagante collection d’ex-voto qui grimpe comme une vigne vierge sur le limon de l’escalier. Des cailloux polis devant la cheminée, des sulfures sur une étagère, un mortier au fond troué, un masque de momie… « J’accumule les fourbis », constate Sabine Weiss. Cette grosse pierre ronde qui semble avoir deux yeux a été́ rapportée du voyage en Égypte. Elle l’avait offerte à Hugh, son mari, qui lui demandait à chacun de ses retours : « T’as pas un cadeau pour moi ? » Ce petit étui à Coran, elle l’avait trouvé́ à Ramatuelle, pour lui. Elle a fait traduire les caractères gravés sur l’argent : « Que la joie, la félicité́ et l’amour vous envahissent. »

Chaque chose ici à son histoire, et chaque histoire est précieuse. Sabine repose l’étui sur le plateau de la commode, sous l’escalier. Elle le regarde, le déplace de quelques millimètres. Elle plisse imperceptiblement les yeux pour vérifier sa juste place. « Encore hier, je me disais : mais enfin, arrête !

Je suis toujours en train de composer. » C’est une habitude qu’elle a depuis tant d’années qu’elle est devenue son œil.
Elle a ce même regard en feuilletant les épreuves de ce livre. Cette fois, elle n’a pas laissé à d’autres le soin de choisir les photos. Elle s’en est chargée, revisitant le travail de toute une vie. Elle s’arrête, portant à chaque image l’attention affectueuse qu’elle accorde aux objets. « Ah, dit-elle, celle-là, je l’aime bien. » Il y a tant de raisons d’aimer une photo, le modèle, la rencontre, l’histoire, le moment, la composition, la lumière, la convergence miraculeuse de tous ces éléments. Elle résume : « J’aime beaucoup mes photos, je suis très sentimentale. » Il y a de la malice dans son sourire, de l’évidence aussi. Les pages jonchent la table basse, les années défilent. Sabine Weiss a quatre-vingt-seize ans.

Elle photographie depuis qu’elle a onze ans. Elle est entrée en apprentissage à dix-huit ans. Elle était photographe certifiée à vingt et un ans. Professionnelle, elle a « fait de tout », des bébés et des morts, des reproductions de tableaux, des parfums et du cognac, des riches dans leurs belles maisons, des mannequins dans toutes les poses… Elle a ramené́ des reportages des États-Unis, d’Éthiopie, du Portugal, de Belfort, d’URSS, d’Inde, du Val-de-Marne… Elle a tiré́ des portraits d’artistes, écrivains, peintres, sculpteurs, chanteurs, dont certains entaient ses amis. Elle a photographié aussi Jean Monnet, ou Dwight D. Eisenhower. Elle a eu des clients prestigieux, des magazines légendaires, des publicitaires réputés, une agence historique, en France et sur- tout aux États-Unis. « J’ai tout fait », répète-t-elle avec une fierté d’artisan, confondue par la quantité́, la diversité et la difficulté de l’ouvrage abattu.

Ces milliers de clichés de commande mériteraient de faire l’objet d’un inventaire et d’une exposition pour eux- mêmes. Mais ce livre présente l’autre monde de Sabine Weiss, celui des images libres de contraintes, des « photos pour soi », comme d’autres ont eu « une chambre à soi ». Les visions chéries saisies lors de ses reportages et les clichés pris en promenade, sans y prendre garde, quand elle sortait le soir avec Hugh, aux alentours de l’atelier du boulevard Murat, porte de Saint-Cloud. Ils lui ont valu, au fil des années, une renommée parallèle, qui a fini par dépasser puis par occulter la réussite de l’artisane. Elle l’accueille avec un plaisir teinté de doute. Elle n’est pas sûre de vouloir quitter le monde du métier pour celui de l’art. Elle se tient toujours sur la réserve : « Pas artiste, non. »

Sabine Weiss n’a pas voulu l’admiration des foules. Elle balaye d’un geste l’idée même qu’elle aurait pu la rechercher. « Je n’en avais pas besoin… J’avais du travail. » Trois de ses photos ont pourtant figuré dans la mémorable exposition présentée au MoMA en 1955, The Family of Man. Le conservateur Edward Steichen, auquel elle avait été recommandée, l’avait d’abord gentiment découragée. Elle semblait si jeune. Trente ans. Puis il avait jeté un œil à son dossier et s’était ravisé. Sabine Weiss n’est pas alors une inconnue. Des expositions personnelles lui ont été consacrées, l’année précédente, à Chicago, à Minneapolis, à New York, à Lincoln. Elle n’a pas assisté aux vernissages. Elle n’en a même vu aucune.

« Pas le temps… J’avais tellement de travail ! » Pour qu’elle contemple enfin ses photographies au mur, il faut qu’une bande d’amis menée par Hugh organise pour et malgré elle un accrochage à Arras, au centre culturel Noroit. C’était en 1979, elle avait cinquante-cinq ans. Et encore… Alors qu’elle s’apprête à livrer ses cartons de photos aux organisateurs afin qu’ils s’en débrouillent, Robert Doisneau la chapitre : elle doit absolument choisir elle-même ses images. Elle s’exécute et opère la sélection parmi ses collectes des décennies cinquante et soixante. La récompense est immédiate : agrandies, encadrées, accrochées, les photographies lui apparaissent « dans leur cohérence ». Doisneau, affirme- t-elle, l’a révélée à elle-même. Si bien qu’elle reprend la pratique qu’elle avait délaissée pendant une bonne dizaine d’années, refuse les propositions commerciales et repart en maraude. Si c’était à refaire, a-telle souvent confié, elle délaisserait les commandes. Pas de mode, pas de publicité. Des reportages, des balades, des rencontres, voilà ce qu’elle ferait, exclusivement. Une vie entièrement dévolue au plaisir de voir. « Je me délecte d’être obligée de regarder », dit-elle. Une vie de délectation.

Un fantasme. Car comment affranchir l’œuvre libre de Sabine Weiss de l’existence contrainte ? Comment comprendre la singularité de ses photographies, leur intégrité, leur rapidité un peu rêche ? Sabine Weiss s’arrête sur l’une d’elles : « J’aime beaucoup celle-ci. Elle est très mauvaise techniquement, mais ce monsieur qui se penche pour acheter un brin de muguet à ces gosses… » On se dit que, pour s’émanciper si allègrement de la technique, il faut l’avoir vraiment possédée. Sabine Weiss s’est tellement exercée qu’elle sait voir sans (tout) voir. Ses compositions se jouent du net et du flou, du détail, des passants qui traversent le champ. « On ne peut rien prévoir. On fait ce qu’on peut. On est tributaire du hasard. J’aime bien. »

Parce qu’elle est libre d’ambition, l’œuvre de Sabine Weiss échappe à la fabrication comme à l’anecdote. Elle ne trouve pas sa cohérence dans un projet, mais dans une disposition. Elle ressemble à son auteure, quelles que soient ses réticences à se considérer comme une artiste. C’est peut-être qu’il y a quelque chose d’insuffisant dans le mot « artiste », quelque chose qui ne rendrait pas justice à cette qualité industrieuse de la photographie qui ne peut pas s’autoriser du caprice, parce qu’elle est d’abord un art de la technique et de la chimie, un art du faire. (…)

Sabine a beaucoup photographié les enfants. Professionnellement, peut-être aussi parce qu’elle est une femme, on le lui a beaucoup demandé. Mais il y a autre chose. Partout où elle est passée, de l’Inde à Saint-Cloud, elle a rapporté des portraits d’enfants. Ses photos n’ont pas grand-chose de « mignon », ni même d’évocateur. Les enfants y figurent crûment, comme des êtres à part entière, saisis dans leur vérité sociale, culturelle, familiale. Cocasses ou déchirants, ils existent en acteurs du monde. Elle remarque : « Je ne suis pas très loin de tout ça », et c’est probablement à la vigueur persistante de sa propre enfance qu’elle doit l’intégrité de son regard. Elle sait comme personne photographier un enfant parce qu’elle est son égale.

Sabine Weiss ne se souvient pas d’avoir été impressionnée par ses modèles, même les plus illustres (« le maréchal Juin, très gentil »). Elle dit pourtant : « Les enfants ne vous font pas peur, ils ne vont pas vous casser la figure. » Elle constate, en parcourant ses photos : « Beaucoup d’enfants, beaucoup de vieux, peut-être qu’ils font des choses plus intéressantes que les adultes. » Des mendiants aussi, des clochards, des gens du voyage, des gens « simples ». « Les milieux populaires, ça me touche.

Ils ne sont pas prétentieux. Je ne les manipule pas. » Elle qui, pour les magazines, a tellement photographié les heureux du monde semble trouver une forme de paix, de tendresse aux marges de la société adulte et triomphante. C’est là qu’elle s’arrête, touchée par un geste, une attitude. Elle choisit « les gens paumés », « les gens seuls ». « Vous savez, ajoute-t-elle, considérant son œuvre, ce n’est jamais très gai. »

Pour autant, indifférente aux malstroms de son siècle, Sabine Weiss ne s’est jamais « mêlée de politique ». La faute à la Suisse ? « On n’y parlait pas beaucoup de politique, on y vivait assez calmement. » Dans le long entretien qu’elle a accordé à Amaury Chardeau pour France Culture, elle règle la question : « Je ne suis pas une militante. Je ne suis pas une féministe. Je n’ai même pas les mots pour ça. Je suis très engagée dans ma propre vie, dans ma photographie. Je suis finalement une personne très égoïste. » Elle dit aussi, ce qui la définit bien : « Je ne suis pas fervente. »

À l’écouter même, c’est le hasard des temps qui l’aurait rangée dans l’école de la photographie humaniste, avec l’ami Robert Doisneau et tous les autres, Willy Ronis, Brassaï, Henri Cartier-Bresson…

Elle en a croisé quelques-uns, sans se lier. Elle n’a pas besoin de bande et, de toute façon, elle a Hugh. Elle ne leur reconnaît aucune influence sur son travail. Le seul qui l’aurait marquée leur est bien antérieur. C’est August Sander, l’immense portraitiste allemand du début du siècle dernier. Lui, elle l’admire : « Très simple. Très frontal. Ça, ça m’intéressait. » Elle-même n’a aucune réticence à reconnaître l’aspect documentaire de son travail, elle aime « témoigner ». Et elle se méfie de l’anecdote comme d’une peste. Sander, effectivement. (…)

Sabine, qui existe tellement, dit de ses sujets : « Photographier une personne, c’est la faire exister. »
Moins dans l’image elle- même que dans cet instant d’échange, où l’une offre ses yeux et l’autre son regard. Encore et encore, montrant une autre photo, Sabine Weiss raconte une situation semblable : « Et celle-là, elle était tellement contente, elle avait besoin de quelqu’un. » On n’entend aucune arrogance dans cette sympathie universelle érigée en méthode d’approche. Plutôt une jubilation inépuisable, née du partage de la vitalité́. Quelque chose comme une rédemption joyeuse, une double rédemption, de part et d’autre de l’objectif. « Je suis peut-être gentille au fond, lance Sabine Weiss, avec un sourire espiègle. Peut-être. »
« Ah bon ? Vous me connaissiez ? demande Sabine, dubitative. Je ne suis pas très connue quand même… » On proteste, elle semble s’étonner. Puis elle clôt le chapitre sur un murmure : « Tant mieux, tant mieux. Très bien… » Elle range sur la table devant elle les épreuves du livre à venir : « Ce sont les choix de Sabine Weiss. J’y ai mis les photos que j’aime. J’ai essayé de ne pas prendre de choses connues. » Elle se reprend : « Si, quand même… J’ai essayé de ne pas décevoir. »
Marie Desplechin
Extraits de l’ouvrage Émotions, paru aux Éditions de la Martinière, 2020

Dates

Novembre 28 (Samedi) 14 h 00 min - Février 20 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

Daily Archives: 19 janvier 2018

Ephéméride

Articles les plus lus

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

En savoir plus

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Organisateur

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Retrouvez une édition !

Suivez nous !

Facebook

Twitter

Youtube

Inscrivez vous !

Newsletter

Contact

Derniers articles